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Journal articles on the topic 'North American cinema'

Author: Grafiati
Published: 4 June 2021
Last updated: 1 February 2022

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1

Shah, Mudassar Hussain, Muhammad Yaqoub, and Zhang Jingwu. "Post Covid-19 Comparison between Chinese and North American Film Industry: A Systematic Review of the Year 2020 Cinema." Global Strategic & Securities Studies Review VI, no. I (2021): 11–19. http://dx.doi.org/10.31703/gsssr.2021(vi-i).02.

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Abstract:
This article analyzes the Chinese post-Covid-19 cinema and compares it with the developments in North American Cinema. Coronavirus disease has significant detrimental effects on the worldwide film industry, and the annual box office of major film industries has seen a severe decline. This study presents the systematic review of the comparison of Chinese and North American Cinema during the year 2020. In this study, researchers have opted for the deductive approach on secondary source data with the keywords “Post Covid-19 Cinema”, “Chinese Film Culture Industry”, “Hollywood”, “Box Office”, and “Film Academy” on google search and consider all the significant sources in this systematic review. The Findings of the study reveal that China has already overtaken North America as the global most extensive box office crown for the first time, showing that in the post-COVID-19 era, the Chinese film industry is indeed among the first to get back on its feet.
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2

Allen, Robert C. "Reimagining the History of the Experience of Cinema in a Post-Movie-Going Age." Media International Australia 139, no. 1 (2011): 80–87. http://dx.doi.org/10.1177/1329878x1113900111.

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Abstract:
As theatrical movie-going is supplanted by other modes of engaging with cinema, it becomes more apparent that one of the most striking features of the experience of cinema for a century was its sociality. Prior to the 1980s, the experience of cinema around the world involved groups of people converging upon particular places to experience together something understood to be cinema. As it emerged as a cultural industry, cinema depended upon the regular repetition of this social practice under the sign of cinema. This article explores the application of digital technologies in representing the history of the experience of cinema in one American state (North Carolina) across the first three decades of commercial cinema. Going to the Show ( www.docsouth.unc.edu/gtts ) uses data from city directories, newspapers, photographs, architectural drawings, newspaper ads and articles to recover that which is representable about the experience of movie-going in an online archive. This material is itself represented as a layer on more than 1000 digitally stitched and georeferenced map pages for 45 towns and cities in the state. What emerges is a ‘view’ of movie-going as part of the experience of urban life at a time when towns and cities in North Carolina – and across the United States – were taking on their modern character and institutions. It also affords a unique perspective on the role of race as the determinative social factor in the experience of movie-going for all North Carolinians and, by extension, millions of other Americans.
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3

Arruda de Barros, Gelka. "REPRESENTAÇÃO DA FEMINILIDADE POR MEIO DO STAR SYSTEMNORTE-AMERICANO NA REVISTAALTEROSA(1939-1945)." Fênix - Revista de História e Estudos Culturais 17, no. 1 (2020): 285–302. http://dx.doi.org/10.35355/0000055.

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Abstract:
Este artigo analisa a estratégia discursiva presente na revista Alterosa com o intuito de compreender a representação da feminilidade por meio do star systemnorte-americano, entre 1939 e 1945. A primeira seção aborda, brevemente, algumas relações entre o rádio nacional e o cinema norte-americano apresentando a construção de imagens modelo das rainhas do rádio e das estrelas de cinema. A investigação trata dos atributos e dos comportamentos desejáveis para a conformação da feminilidade voltada para a valorização da ordem conjugal. A segunda seção apresenta o entrelaçamento das noções de beleza e saúde como elementos de mobilização feminina para a prática de exercícios físicos e para o chamamento de guerra, analisando como esses discursos dirigiam a mulher para a maternidade sadia e para o cuidado com o outro.
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4

Benson-Allott, Caetlin. "On Platforms." Film Quarterly 73, no. 2 (2019): 66–71. http://dx.doi.org/10.1525/fq.2019.73.2.66.

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Abstract:
FQ columnist Caetlin Benson-Allott identifies a new, noteworthy pattern in North American cinema: independent filmmakers crafting narratives about African-American rural women struggling to survive oppressive white communities. Centering her discussion around Nia DaCosta's Little Woods (2018), Jasmin Mozaffari's Firecrackers (2018), and Tate Taylor's Ma (2019), Benson-Allott suggests that these films allow viewers to glimpse the intersections of race, gender, and geography rarely explored in mainstream media.
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5

Khouri, Malek. "The Radio Eye: Cinema in the North American Atlantic, 1958-1988 (review)." University of Toronto Quarterly 80, no. 2 (2011): 281–82. http://dx.doi.org/10.1353/utq.2011.0062.

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6

Odagiri, Takushi. "Mental (2008): Sōda Kazuhiro’s Observational Cinema." positions: asia critique 28, no. 2 (2020): 277–309. http://dx.doi.org/10.1215/10679847-8112461.

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Abstract:
This article examines Sōda Kazuhiro’s observational documentary, especially his second observational film, Seishin (Mental), and specifically considers its participatory methods, sociohistorical circumstances, and philosophical anthropology. Influenced by North American direct cinema of the 1960s (especially Frederick Wiseman) as well as Bronisław Malinowski’s participant observation, Sōda’s observational style not only emphasizes the self-affective nature of documentary eyes but also rejects the preconceived reality of its object. Documentary is not conceived “in the head”: unexpected discoveries, which inevitably accompany his participatory methods, define his object from an ex ante facto (before the fact) perspective. Examples of this are the contingency of the mental-bodily complex (Seishin) and self-contradictory social situations (Senkyo and Senkyo 2). Because it’s an observationalparticipatory film, Seishin responds to the sociopolitical climates of the late 2000s, especially the Japanese government’s reforms of health and medical services. Specifically, two laws were enacted while the film was in production: the 2005 Support for Independence of Persons with Disability (SIPD) Act and the 2006 Suicide Prevention Act. Furthermore, Seishin represents an anthropological (techno-ontological) standpoint similar to that of Gilbert Simondon, Miki Kiyoshi, and Ludwig Wittgenstein. This article investigates the film’s ontology, externalism, and political critique of neoliberalism in the late 2000s.
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Ayres, John D. "The Two Screens: FIDO, RFDA and Film vs. Television in Post-Second World War Britain." Journal of British Cinema and Television 14, no. 4 (2017): 504–21. http://dx.doi.org/10.3366/jbctv.2017.0391.

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Abstract:
This article will consider some of the key factors at play in the medium-term post-Second World War relationship between the burgeoning format of television and the steadily declining commerciality of cinema. This work charts, in detail via archival materials, the impact of the 1953 coronation on television ownership and Ealing Studios supremo Sir Michael Balcon's understanding of, and openness to, the potentialities offered by the rival media. The work also considers the establishment of the Film Industry Defence Organisation (FIDO) and Rank Organisation Chief Executive John Davis's formation of Rank Film Distributors of America (RFDA) in the late 1950s as a means of developing not only projects with international appeal (targeting particularly the North American marketplace), but also combating on the domestic front the relentlessly growing popularity and charms of the small screen.
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Strub, Whitney. "Amateur Cinema: The Rise of North American Moviemaking, 1923–1960 by Charles TeppermanAmateur Cinema: The Rise of North American Moviemaking, 1923–1960 by Charles Tepperman. Berkeley, University of California Press, 2015. xii, 364 pp. $65.00 US (cloth), $34.95 US (paper or e-book)." Canadian Journal of History 52, no. 2 (2017): 376–78. http://dx.doi.org/10.3138/cjh.ach.52.2.rev26.

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9

Martín García, Alicia. "Product placement as an efficient marketing tool within the media mix." Harvard Deusto Business Research 10, no. 1 (2021): 224–37. http://dx.doi.org/10.48132/hdbr.345.

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Abstract:
Product placement has existed in its most primitive form since the dawn of cinema. Now, due to the saturation of conventional advertising, this technique has reached its zenith, with brands appearing in an environment without competition, as a natural element of the plot. The automotive sector has been present from the beginning and soon understood the expressive possibilities that were offered. General Motors began its journey in the film industry in 1933 following an agreement with Warner. Since then, the General Motors group has had a growing presence in the film industry, which reached its peak in Transformers (2007), an unprecedented type of product placement. It is possible to identify a clear cause-effect relationship in the company’s sales, with product placement being an efficient marketing tool within the media mix, as we will show throughout this investigation. The study begins with a historical review of brand placement in North American cinema (1933-2014), then proceeds with a content analysis, following the methodology proposed by Méndiz (2001), of advertising placement in film and a structured interview with Norm Marshall, the director and founding partner of Norm Marshall & Associates, responsible for GM’s product placements.
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10

Belanger, Noelle, and Anna Westerstahl Stenport. "The Politics of Color in the Arctic Landscape: Blackness at the Center of Frederic Edwin Church's Aurora Borealis and the Legacy of 19th-Century Limits of Representation." ARTMargins 6, no. 2 (2017): 6–26. http://dx.doi.org/10.1162/artm_a_00174.

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Abstract:
American painter Frederic Edwin Church's monumental oil painting Aurora Borealis (1865) presents a stark contrast to the dominant Western tradition of representing the Arctic as monochrome and static. This article discusses how the impressive palette of Aurora Borealis and its black semi-circle in the center allow for a revisionist understanding of Church's contributions to a rich history of Arctic representation, including in an age of climate change and rapidly melting ice. The article connects Aurora Borealis to emerging lens technologies—especially photography and astronomy, and later the cinema and composite satellite imagery, to argue for circumpolar north as globally connected—then, and now. The article furthermore draws connections to the nineteenth-century trade in pigments, the interconnected routes of slavery, and cultural modes of urban modernity.
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Castillo-Soriano, María de los Ángeles, Alberto Canavati-Espinosa, and Diana Isabel Maldonado-Flores. "O imaginário suburbano e o Mass Media: um reflexo de sua construção e desmontagem na geração do chamado Baby Boom nos Estados Unidos (1946-1974)." Revista Perspectivas 6, no. 1 (2021): 6–23. http://dx.doi.org/10.22463/25909215.2917.

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Abstract:
According to Cambridge Dictionary, the meaning of Suburbia is related to peripheral parts of a city where there are houses, but there is not a considerable amount of retailers, work places and leisure venues. Obviously this definition is understood from an elemental point of view, it is, since the ends of the 18th century according to the urban conditions of English and newly North American towns. Even so, throughout the last six decades, more specifically 1946 and 1974, there was an interesting, as well as a vast record of information regarding this peculiar sort of urban planning, so representative of a young and naïve post-war consumption society, that shaped a lifestyle that was envied as imitated abroad (with several local interpretations in all over the globe). However, these imaginaries, largely, have been built from the positivist perspectives of a society in the curb of its industrialization, but also as a result of the critical thinking, have mutated towards the disassembly and the demystifying of what once was considered the ideal way of making a new city from this outskirt urban-planning format. The role that cinema, literature and visual arts have played in the idealization, the projection, the construction and disassembly of Suburbia as an urban model of social aspiration, have been so influential in a large number of American families, who pretend to resemble the models shown in television media, and in certain way in literature, which has been a line of argument that gave rise to the advertising and programs in film and television industry. In this article there will be an approach about the role that both literature, cinema and art have played in the idealization, projection, construction and disassembly of the suburb as an imaginary of apparent social welfare for a large part of American society.
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Rehman, Sharaf N. "Om Puri: The man who presented the real faces of the subcontinent of India." Asian Cinema 31, no. 2 (2020): 269–78. http://dx.doi.org/10.1386/ac_00028_7.

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Abstract:
The Indian film industry continues to turn out between 1600 and 2000 films every year, making it the largest movie-producing country in the world. Yet, it would be a challenge for an average European or American moviegoer to name a film actor from the Indian subcontinent. Naming the films may be easier. For instance, millennials may be able to name Slumdog Millionaire (2008), Generation X crowd may mention Gandhi (1982) and the older audiences may recall The Party (1968) and Ganga Din (1939) as movies about the Indians and India. It was not until the movie Gandhi that Indian actors were allowed to play as Indians. Sam Jaffe and Abner Biberman played as Indians in Ganga Din; Peter Sellers was the Indian actor in The Party, and Shirley MacLaine was the Princess Aouda in Around the World in 80 Days (1956). It is reasonable to assume that many film viewers may be unfamiliar with Om Puri, an actor who played in over 325 films in India, Pakistan, the United Kingdom and the United States, and made films in English, Bengali, Punjabi and Tamil languages. Om Puri passed away in 2017. His name may be unfamiliar, but his face and his work as an actor will remain unforgettable. Between Gandhi (1982) and Viceroy’s House (2017), Puri acted in two dozen films in the United Kingdom, Canada and the United States. This article discusses Puri’s work in popular Hindi cinema, in Indian Parallel Cinema, and European and North American films.
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Regester, Charlene B. "From the Buzzard's Roost: Black Movie-going in Durham and Other North Carolina Cities during the Early Period of American Cinema." Film History: An International Journal 17, no. 1 (2005): 113–24. http://dx.doi.org/10.1353/fih.2005.0011.

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Regester, Charlene. "From the Buzzard's Roost: Black Movie-going in Durham and Other North Carolina Cities during the Early Period of American Cinema." Film History: An International Journal 17, no. 1 (2005): 113–24. http://dx.doi.org/10.2979/fil.2005.17.1.113.

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Oudadene, Hassane. "Reinventing the ‘Native Other’ in Early Hollywood: The Moroccan Woman between Native Resistance and Orientalist Episteme in Robert Florey’s Outpost in Morocco (1949)." MANUSYA 20, no. 1 (2017): 1–12. http://dx.doi.org/10.1163/26659077-02001001.

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Abstract:
The link between the American cinema and Morocco was established during the early twentieth century when North Africa became a central concern of both Europe and America. Western travel writers drew on generic conventions centered on wonder and the fantastic to fashion stories about the ‘other side’ of the world in which the West was positioned as morally and culturally superior to the East. The shift from textual to visual narratives did little to dismantle the imperialistic and Orientalist politics of cultural representation. The period between 1930 and 1956 witnessed considerable visual production on Morocco, which constituted not only a fertile haven but also a little story of Hollywood’s Orient. This paper explores and examines the dynamic negotiation and the interchangeable interplay of gender, colonialist enterprise and Orientalist ideology in one of Hollywood’s early films: Robert Florey’s Outpost in Morocco (1949). Relevant scenes from this movie display how Morocco and Moroccan subjects were subjected to a distinctively American characterization. The paper proposes to analyze, deconstruct and illustrate some of Hollywood’s poetics and strategies in the cultural (mis)representation of Moroccan women. Although a number of stereotypical clichés have been developed from within America’s biggest imagemaking machine, the screen still offers valid ground for the (re)construction and retrieval of a native agency and genuine scope for native resistance. The study offers, in practical terms, a few ‘signs of spectacular resistance,’ whereby the camera is reversed to position the Moroccan woman in sequences of privilege and power.
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Saldanha-Alvarez, Jose Mauricio. "War in Afghanistan: Europe and America, between Films and Documentaries. 1979-2014." Asian Culture and History 9, no. 1 (2017): 26. http://dx.doi.org/10.5539/ach.v9n1p26.

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Abstract:
This research looks at the Afghanistan War from the Soviet invasion of 1979 until the withdrawal of North Atlantic Treaty Organization in 2014 through films chosen. This research demonstrates how the Soviets, supported by the USA and the Muslim world, operated on misconceptions during an insurrectional conflict against the Mujahedin. After September 11, the Bush-Cheney administration invaded Afghanistan, restricting the informative role of the corporate media system. According to Kellner, this action triggered a creative revolution in American cinema. Turning to the production of documentaries, directors abandoned large-scale productions, preferring highly dramatically charged narratives of real soldiers and real action. The Afghan war, a fragmented, relentless, and unremitting struggle, is portrayed in 9th Company (Rus), Restrepo (USA). And Armadillo (Denmark); and Kajaki (UK), films that narrates the conflict from the NATO perspective, can not be won.
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Trujillo García-Ramos, Francisco. "La crisis del comando en el cine norteamericano de guerra submarina en los períodos de posguerra: los casos de Run Silent Run Deep (Robert Wise, 1958) y Crimson Tide (Tony Scott, 1995)." Latente Revista de Historia y Estética audiovisual, no. 19 (2021): 45–72. http://dx.doi.org/10.25145/j.latente.2021.19.03.

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Abstract:
The command crisis as a story line has been used in many references of the cinema war genre throughout years, but it is in the stories framed under the surface of the sea where it can reach its greatest destabilization capacity. The films of the subgenre suggested to exemplify this study are the North American Run Silent Run Deep (Robert Wise, 1958) and Crimson Tide (Tony Scott, 1995). Both films were produced during a post-war era and narrate the rivalry of a commander and his executive officer in wartime submarines of the United States Navy. Commanding problems severely affect the ecosystem of the ships, creating a struggle for control during patrol. By means of observation, the relationship between History and these films will be analysed, as much as the strategy and narrative process with the objective of verifying keys in the use of the plot.
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Afonso, Eduardo José. "O filme comercial hollywoodiano como fonte para a HistóriaThe Hollywood film business as a source for History." Saber Humano: Revista Científica da Faculdade Antonio Meneghetti 2, no. 3 (2012): 60. http://dx.doi.org/10.18815/sh.2012v2n3.3.

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Abstract:
<p> Interessa nos, neste trabalho, tomar o cinema comercial norte americano, aquele produzido em série por Hollywood, como elemento primordial no desempenho da função, daquilo que alguns teóricos conceituam como “aparelho ideológico de Estado”. São esses filmes que denunciam, cada um em seu momento histórico, como a indústria cultural norte americana vende, não só o american way of life, mas uma política oficial estadunidense para o mundo. A análise da estrutura dos filmes “O Advogado do Diabo” e “Avatar” nos dá subsídios para encontrar elementos como fontes para a História do pensamento norte americano e para avaliar como esse pensamento influencia a visão de mundo de outras nações. </p><p>Trabalho apresentado anteriormente no XXVI Simpósio Nacional de História-ANPUH – 50 anos, São Paulo-SP, 17 a 22 de julho de 2011, Universidade de São Paulo (USP), Cidade Universitária. Seminário temático – 024, área temática “Cinema-história e razão sensível – Problematizar fidedignidade, verossimilhança, objetividade e transdisciplinaridade”. Website: <a href="http://www.snh2011.anpuh.org/simposio/programacao?ID_SIMPOSIO=522">http://www.snh2011.anpuh.org/simposio/programacao?ID_SIMPOSIO=522</a></p>
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Pessuto, Kelen. "O Islã em vinte e quatro quadros por segundo." Reflexão 42, no. 1 (2017): 59. http://dx.doi.org/10.24220/2447-6803v42n1a3803.

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Abstract:
O objetivo deste trabalho é refletir a maneira com que o estereótipo negativo e homogêneo do mundo islâmico tem sido, ao longo do tempo, construído pelo cinema norte-americano, a partir de sua política do medo, enquanto muitas produções realizadas dentro do próprio contexto islâmico, como as produzidas no Irã, são plurais e utilizam técnicas que proporcionam a descolonização da imagem do outro. Este trabalho é fruto de uma investigação que leva em conta a maneira como o cinema norte-americano retrata o Islã. A metodologia utilizada foi assistir ao maior número de filmes que tem o Islã como temática ou contexto, sendo eles tanto estadunidenses como iranianos. Para a escrita, alguns filmes norte-americanos são mencionados, mas apenas um analisado, caso do norte-americano O Reino de Peter Berg de 2007. Em relação ao cinema iraniano, foram utilizadas as obras do diretor Bahman Ghobadi como contraponto, com foco no modo de produção do cineasta, que rompe com a tradição clássica norte-americana e desvia-se dos estereótipos.
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Alba Nery de Mello Buest, Andreana, and Marilia Gomes de Carvalho. "Figurino de cinema e imagem feminina." Cadernos de Gênero e Tecnologia 1, no. 3 (2005): 39. http://dx.doi.org/10.3895/cgh.v1n3.6137.

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Abstract:
Marlene Dietrich, Greta Garbo, Joan Crawford e Rita Hayworth. Símbolos do cinema, representantes da estratégia de penetração ideológica do "american way of life", discurso sóciocultural globalizante da indústria cinematográfica de Hollywood. Veiculo dos fazeres globais, da visão de mundo norte-americana, impondo aos saberes locais seu estilo de vida e reafirmando sua política de intervenção. O artigo enfoca a supervalorização de características físicas femininas na construção de sua imagem cinematográfica. A análise semiótica, fenomenológica e os estudos de gênero foram as perspectivas utilizadas para demonstrar as influências do uso do figurino como sistema de signos.
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Alba Nery de Mello Buest, Andreana, and Marilia Gomes de Carvalho. "Figurino de cinema e imagem feminina." Cadernos de Gênero e Tecnologia 1, no. 3 (2005): 39. http://dx.doi.org/10.3895/cgt.v1n3.6137.

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Marlene Dietrich, Greta Garbo, Joan Crawford e Rita Hayworth. Símbolos do cinema, representantes da estratégia de penetração ideológica do "american way of life", discurso sóciocultural globalizante da indústria cinematográfica de Hollywood. Veiculo dos fazeres globais, da visão de mundo norte-americana, impondo aos saberes locais seu estilo de vida e reafirmando sua política de intervenção. O artigo enfoca a supervalorização de características físicas femininas na construção de sua imagem cinematográfica. A análise semiótica, fenomenológica e os estudos de gênero foram as perspectivas utilizadas para demonstrar as influências do uso do figurino como sistema de signos.
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Bulhões, Marcelo Magalhães. "A grande arte: da transgressão do noir ao ilhar “de fora” na adaptação cinematográfica." Revista FAMECOS 26, no. 3 (2019): 32451. http://dx.doi.org/10.15448/1980-3729.2019.3.32451.

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Abstract:
O propósito deste artigo é avaliar a adaptação cinematográfica do romance A Grande Arte no filme lançado em 1991. Mobiliza o artigo o problema: o filme sinaliza um ponto de retificação de uma das marcas identitárias do cinema brasileiro ao comportar uma propositura audiovisual tecnicamente elevada que se afasta da tradição do “cinema pobre”. Uma vez que o romance de Rubem Fonseca realiza uma aclimatação transgressiva do noir em sua matriz norte-americana, que implicações possui o filme de Walter Salles, na trajetória de nosso cinema, ao aliar-se ao padrão do filme policial norte-americano em seu “padrão de qualidade”? Em termos metodológicos, o artigo é tomado por envergadura analítico-interpretativa ancorada em procedimentos de análise fílmica, aliados a contribuições a respeito do cinema noir e interpretações sobre a trajetória do cinema brasileiro. O artigo busca fornecer subsídios às discussões sobre relações interculturais no cerne dos gêneros da ficção midiática contemporânea.
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Lee, Sangjoon. "Destination Hong Kong: The Geopolitics of South Korean Espionage Films in the 1960s." Journal of Korean Studies 22, no. 2 (2017): 343–64. http://dx.doi.org/10.1215/21581665-4226478.

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Abstract As the apparent progeny of Cold War politics in the West, espionage films witnessed unprecedented popularity around the globe in the 1960s. With the success of Dr. No (1962) and Goldfinger (1964)—along with French, Italian, and German copycats—in Asia, film industries in Japan, Hong Kong, Taiwan, and South Korea recognized the market potential and embarked on churning out their own James Bond-mimetic espionage films in the late 1960s. Since the regional political sphere has always been multifaceted, however, each country approached genre conventions with its own interpretation. In the US-driven Cold War political, ideological, and economic sphere, developmental states in the region, particularly South Korea and Taiwan, vigorously adopted anti-communist doctrine to guard and uphold their militant dictatorships. Under this political atmosphere in the regional sphere, cultural sectors in each nation-state, including cinema, voluntarily or compulsorily served as an apparatus to strengthen the state’s ideological principles. While the Cold War politics that drive the narrative in the American and European films is conspicuously absent in Hong Kong espionage films, South Korea and Taiwan, on the other hand, explicitly promulgated the ideological principles of their apparent enemies, North Korea and the People’s Republic of China (PRC), in their representative espionage films. This article casts a critical eye over South Korea–initiated inter-Asian coproduction of espionage films produced during the time, with particular reference to South Korea–Hong Kong coproduction of SOS Hong Kong (SOS Hongk’ong) and Special Agent X-7 (Sun’gan ŭn yŏngwŏnhi), both produced and released in 1966.
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Suppia, Alfredo, and Lúcio Reis Filho. "Marharhahar Z!namabarn: Breve panorama do cinema de zumbi na América Latina." Rumores 7, no. 13 (2013): 35. http://dx.doi.org/10.11606/issn.1982-677x.rum.2013.58930.

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Abstract:
Através de um breve panorama do cinema de zumbi na América Latina, o presente texto buscar lançar luz sobre o crescimento das produções do gênero, considerando os fatores que contribuíram para esse crescimento, dentre os quais a maior acessibilidade a ferramentas para realização audiovisual e os novos meios de divulgação. Para tanto, serão percorridos os fundamentos do gênero na cinematografia de horror inglesa e norte-americana, trilhando os caminhos de um imaginário da morte recorrente nas telas desde a primeira metade do século XX. A partir dos anos 60, observaremos o início de uma produção latino americana voltada para o gênero, bem como o crescimento da mesma na esteira do cinema de horror estrangeiro. Observaremos os exemplos do México, da Argentina e, finalmente, do Brasil, países em que o cinemade zumbi adquire feições e particularidades regionais dignas de análise.
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Tápia, Daniel. "Origens do “som de Hollywood”: a formação do gênero sinfônico a partir de Alfred Newman." Revista Brasileira de Música 33, no. 1 (2020): 121–49. http://dx.doi.org/10.47146/rbm.v33i1.33470.

Full text
Abstract:
A partir da observação do período de formação do gênero sinfônico no cinema sonoro norte-americano, este trabalho procura investigar as influências existentes na formação da prática sinfônica da música de cinema como estética específica, tendo como referência central a atuação do compositor Alfred Newman (1901-1970), considerado aqui como um dos principais agentes desse processo por sua atuação na indústria cinematográfica. O gênero – denominado “gênero sinfônico” –, embora bastante reconhecível, carece de um exame mais detalhado de suas origens e influências, a fim de se expor o papel das diferentes matrizes artísticas que o formaram, especificamente sobre as práticas de escrita instrumental. Para tanto, nos propomos a investigar as origens e relações interculturais existentes no período inicial desse processo (1930-1950), fortemente influenciado pela canção popular norte-americana.
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Álvarez, José Maurício. "same way you became Cesar."." Advances in Social Sciences Research Journal 8, no. 8 (2021): 484–507. http://dx.doi.org/10.14738/assrj.88.10722.

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Abstract:
In this essay, we debate the image of the Roman Empire represented in films produced by mainstream Hollywood cinema, whose Jewish-Christian ideological matrix placed Rome as the image of evil instead of an excellent idea in the North American version. In contrast, we will analyze Fellini's film Satyricon, which, distanced from the conventions of the historical film produced during the Cold War, created a dreamlike image of Rome and its Empire. Secondly, we will see the historical context of Petronius' work situated at the end of the reign of Emperor Nero. At the time, diversified sexuality presented man's power as a phallic power, which penetrates and rapes as a supremacy strategy. The Emperor is an actor-governor employing wiles and violence to reach the throne and maintain himself there. Petronius portrays the emergence of a new female sensuality whose morals oscillated between Vestal's virginal purity, the wife's pudititas, and sexual bestiality. At the same time, Fellini's film recreates the cultural environment of the classical world shaped by literature and the image of the city of Rome as Cosmopolis or Anthopolis. The ambiguous characters move freely and incessantly through the corners of the Roman Empire. The struggle for power and the representations of pagan religiosity show human beings surrendered to their cunning as a strategy for survival and overcoming existential evils. In conclusion, we will see that both works, Petronius' Satyrica and Fellini's Satyricon, present themselves with their independent and intertwined narratives, composing the account of a journey like the Odyssey, metaphor of the incompleteness of human life and the impermanence of the sexual pleasure and the transience of power.
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Toledo Maria, Cristiane. "O cinema político e a indústria cultural: a obra de Michael Moore." Boletim de Pesquisa NELIC 15, no. 24 (2015): 46. http://dx.doi.org/10.5007/1984-784x.2015v15n24p46.

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Abstract:
http://dx.doi.org/10.5007/1984-784X.2015v15n24p46Este artigo tem como objetivo discutir a respeito da produção fílmica do cineasta norte-americano Michael Moore, tendo como questão central a relação que se estabelece entre arte e política num momento histórico que, de um lado, aponta para a crise do capitalismo e, de outro, para a fragmentação política da classe trabalhadora. Focado na análise dos documentários Roger e Eu (Roger & Me, 1989) e Capitalismo: uma história de amor (Capitalism: a love story, 2009), este artigo é uma tentativa de compreender o método desenvolvido pelo cineasta para lidar com a crise de representação e comunicação vivida pela arte política nas últimas décadas, bem como as condições de representação da luta de classes dentro da indústria cultural norte-americana.
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Holmlund, Chris, and Andrew Nestingen. "Journal of Scandinavian Cinema turns ten: About the past and for the future." Journal of Scandinavian Cinema 10, no. 3 (2020): 225–34. http://dx.doi.org/10.1386/jsca_00025_1.

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Abstract:
Chris Holmlund and Andrew Nestingen have long been involved with the Journal of Scandinavian Cinema (JSCA) – Chris since 2013, Andy since the journal’s inception in 2010. This article reviews trends in the journal’s first decade and identifies areas where more scholarship would be welcome. JSCA has built a reputation for excellence and is the authoritative publication on cinema and media of the Nordic region. Special Issues, articles on the representation of sexuality and discussions of national cinema constitute valuable contributions. There have been many excellent articles on male auteurs, and several articles on popular cinema. Women auteurs remain underrepresented; more research on television and media and additional studies of race and ethnicity in all media are needed. The authors encourage JSCA and its contributors to continue to build alliances with film studies organizations in Europe, North America, South America and Asia.
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Wood, David M. J. "Docudrama for the emerging post-war order: Documentary film, internationalism and indigenous subjects in 1950s Mexico1." Studies in Spanish & Latin-American Cinemas 17, no. 2 (2020): 193–208. http://dx.doi.org/10.1386/slac_00018_1.

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Abstract:
This article focuses on the productive tensions between the competing ideological discourses of post-war internationalism, Mexican post-revolutionary nationalism and local indigenous representational paradigms in the activities of the film unit of the UNESCO-sponsored adult education centre (CREFAL) in the town of Pátzcuaro, Mexico in the 1950s, which combined village screenings of educational, promotional and informative movies from the world over, with the local production of pedagogical documentary shorts by non-professional filmmakers from across Latin America. Inspired by the work of British documentarian Paul Rotha, whose United Nation picture World Without End (Mexico/Thailand/United Kingdom, 1953, codirected with Basil Wright) was partly filmed at CREFAL, these films frequently resorted to a docudrama format that enabled amateur documentary filmmakers to engage with the agendas of their indigenous subjects even as they subordinated them to the United Nation’s call to hygiene, progress and civic values. In doing so, they responded creatively to appeals by theorists such as Kracauer and Grierson for a critical realist cinema. They also acted as a link between the so-called ‘classical’ pre-war documentary movements in the United Kingdom, North America and elsewhere, and the later, socially committed new cinemas.
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Hanes, Vanessa Lopes Lourenço, and Andréia Guerini. "Clarice Lispector sob a ótica da imprensa norte-americana: o caso do The New York Times." O Eixo e a Roda: Revista de Literatura Brasileira 25, no. 1 (2016): 37–60. http://dx.doi.org/10.17851/2358-9787.25.1.37-60.

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Abstract:
O objetivo do presente artigo é verificar, por meio de um tipo de aparato epitextual como e quando se dá a presença de Clarice Lispector na imprensa norte-americana, a partir da análise de artigos publicados no jornal The New York Times, disponível integralmente em formato eletrônico. O método utilizado para a análise dos dados foi a compilação das informações primordiais em um quadro subdividido em data de publicação, seção do jornal em que o artigo se insere, autor, título e resumo do conteúdo. Os resultados encontrados indicam que a presença de Clarice Lispector naquele jornal se dá desde outubro de 1964, e não apenas nas seções dedicadas à literatura, mas também naquelas voltadas a outros âmbitos, como música e cinema. Da análise dos dados, concluiu-se que Clarice Lispector foi, desde o princípio de suas aparições no jornal estudado, apresentada ao leitorado norte-americano como uma autora canonizada, e que sua presença cresceu mais recentemente na mídia norte-americana graças principalmente ao trabalho de seu editor e biógrafo Benjamin Moser.
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Da Costa, Fernando Morais. "Pode-se dizer que há algo como um hiperrealismo sonoro no cinema argentino?" C-Legenda - Revista do Programa de Pós-graduação em Cinema e Audiovisual 1, no. 24 (2011): 84. http://dx.doi.org/10.22409/c-legenda.v1i24.26205.

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Abstract:
Nos últimos anos, é comum aplicar-se o conceito de hiper-realismo para descrever a relação entre sons e imagens no cinema comercial. No cinema brasileiro atual, tem-se observado que, como em demais cinematografias, começam a aparecer exemplos de hiper-realismo sonoro. A pergunta que este trabalho propõe é: pode-se dizer que se passa o mesmo com o cinema argentino contemporâneo? E, se a resposta for positiva, a questão se desdobra em: é certo afirmar que o exagero na representação dos sons que caracteriza a proposta hiper-realista surge da influência do cinema comercial norte-americano sobre as produções argentinas e brasileiras ou ela vem do contato com outras propostas estéticas?
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Itikawa Tanaka, Elder Kôei. "O american dream e a cultura das aparências em Little Caesar, de Meryvn Leroy." Ilha do Desterro A Journal of English Language, Literatures in English and Cultural Studies 70, no. 1 (2017): 233. http://dx.doi.org/10.5007/2175-8026.2017v70n1p233.

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Abstract:
http://dx.doi.org/10.5007/2175-8026.2017v70n1p233Considerado o precursor dos filmes sonoros de gângster do chamado período “clássico” desse gênero, Little Caesar, dirigido por Mervyn LeRoy em 1931, narra o percurso do protagonista Rico Bandello (Edward G. Robinson) da sua ascensão à liderança da gangue à sua queda no final do filme. Little Caesar, além de estabelecer os parâmetros seguidos pelas narrativas dos filmes de gângster a partir dos anos 1930, também contribuiu para que o gângster se tornasse um ícone da cultura norte-americana graças à disseminação de sua figura por meio da indústria cultural, principalmente no cinema. Nosso objetivo com o presente trabalho é, por meio da análise de algumas cenas do filme, verificar de que maneira se configuram a cultura das aparências e a ideologia do American Dream ao longo da narrativa.
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Melro Salzedas, Nelyse A., and Rivaldo Alfredo Paccola. "Hibridização de imagens: cinema/pintura / Hybridization of Images: Film/Painting." Revista Internacional de Cultura Visual 3, no. 1 (2016): 1–7. http://dx.doi.org/10.37467/gka-revvisual.v3.488.

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Abstract:
ABSTRACTThis paper discusses the hybridization of images of paintings and film particles in Italian and American films, including establishing a metaphorical field whose interstitium a common field to both arises. The Italian critic De Santi (Cinema and pittura, 2008) brings up this process of hybridization: Pasolini, the film "Rage" (1963), uses the backdrop of the screen Rosso Fiorentino, "The Descent from the Cross" (1521); in another, "Mamma Roma" (1962) and Fellini, "Satyricon" (1969), inspired by the Mantegna screen "Dead Christ" (1485). Also, Newel (Mona Lisa smile, 2003) uses Picasso screen (Demoiselles D'Avignon, 1907) as a pedagogical discourse of the protagonist.RESUMOObjetivamos discutir a hibridização de imagens de pinturas e partículas cinematográficas em filmes italianos e norte-americano, estabelecendo entre elas um campo metafórico em cujo interstício surge um campo comum a ambas. O crítico italiano De Santi (Cinema e pittura, 2008) traz à tona esse processo de hibridização: Pasolini, no filme “Raiva” (1963), usa como cenário a tela de Rosso Fiorentino, “A descida da cruz” (1521); em outro, “Mamma Roma” (1962), e Fellini, “Satyricon” (1969), inspiram-se na tela de Mantegna “Cristo morto” (1485). Igualmente, Newel (Mona Lisa smile, 2003) utiliza tela de Picasso (Demoiselles D’Avignon, 1907) como discurso pedagógico da protagonista.
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Opolski, Débora Regina. "O estilo da voz falada no cinema de ficção comercial: o verossímil da fala espontânea // The style of the spoken voice in the commercial fiction films: the verissimilitude of fresh talk." Contemporânea Revista de Comunicação e Cultura 16, no. 2 (2018): 451. http://dx.doi.org/10.9771/contemporanea.v16i2.23038.

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Abstract:
Este artigo apresenta o conceito de verossímil da fala espontânea, um estilo de voz falada do cinema de ficção comercial contemporâneo, que se constituiu como uma voz distintiva dentro do verossímil cinematográfico. O verossímil da fala espontânea é composto por uma fala coloquial que enaltece sotaques e dialetos, assim como, utiliza improviso e sobreposição de vozes como estratégias para quebrar com as normas da fala cinematográfica do cinema clássico, que buscava a inteligibilidade e a clareza do diálogo cinematográfico. Para tanto, primeiro pretende-se contextualizar historicamente o percurso da constituição da voz falada no cinema, a partir da história norte-americana, para depois, caracterizar o verossímil da fala espontânea, através da definição das suas propriedades, a partir de exemplos de filmes brasileiros.
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Chaia, Vera Lucia Michalany. "Lideranças políticas: representações de atentados e assassinatos no cinema norte-americano." Contemporânea - revista de sociologia da UFSCar 10, no. 1 (2020): 155–79. http://dx.doi.org/10.4322/2316-1329.132.

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Cosentino, Olivia, Niamh Thornton, Natália Pinazza, Sharonah Fredrick, and Marc Ripley. "Reviews." Studies in Spanish & Latin-American Cinemas 16, no. 3 (2019): 423–37. http://dx.doi.org/10.1386/slac_00008_5.

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Abstract:
La India María: Mexploitation and the Films of María Elena Velasco, Seraina Rohrer (2018) Austin: University of Texas Press, 220 pp., ISBN 978-1-47731-345-9, p/bk, $29.95 USDMexican Transnational Cinema and Literature, Maricruz Castro Ricalde, Mauricio Díaz Calderón and James Ramey (eds) (2017) Oxford and Bern: Peter Lang, 312 pp., ISBN 978-1-78707-066-0, p/bk, $69.95The Latin American (Counter-)Road Movie and Ambivalent Modernity, Nadia Lie (2017) Cham, Switzerland: Palgrave Macmillan, 260 pp., ISBN: 9783319435534, h/bk, £57.65, p/bk, £71.96Evolvi ng Images: Jewish Latin American Cinema, Norah Glickman and Ariana Huberman (eds) (2018) Austin: University of Texas Press, 264 pp., ISBN 978-1-47731-471-5, p/bk $29.95 USDThe Spanish Fantastic: Contemporary Filmmaking in Horror, Fantasy and Sci-Fi, Shelagh Rowan-Legg (2016) London and New York: I. B. Tauris, 214 pp., ISBN 978 1 78453 677 0, h/bk, $103.50; e-book, $82.80
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Silva, Daniel Oliveira. "Afetos transitórios: Romances realistas e utopias homonormati-vas no cinema queer contemporâneo." Fonseca, Journal of Communication, no. 21 (November 26, 2020): 17. http://dx.doi.org/10.14201/fjc202021219235.

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Abstract:
A partir de um trabalho de revisão bibliográfica, o artigo analisa o cinema queer contemporâneo, identificando características recorrentes em produções protagonizadas e/ou realizadas por sujeitos LGBTQIA+ na última década. O ponto de partida são autores que, inspirados pelo trabalho da crítica norte-americana B. Ruby Rich ao caracterizar o Novo Cinema Queer nos anos 1990, propõem-se a identificar quais aspectos políticos e estéticos se destacam na filmografia queer atual – e de que maneira eles refletem o presente momento da população LGBTQIA+. No diálogo entre as teorias investigadas, percebe-se como, por meio da reincidência da abordagem realista e de narrativas de frustração romântica, filmes como Weekend e Fim de Século refletem sobre homonormatividade, privilégio e modos de existência queer hoje. Ao destacarem esses paralelos e características em comum, os autores revelam como a produção contemporânea reforma referências do Novo Cinema Queer – e qual conceito de cinema queer ela elabora ao fazer isso.
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Valles, Rafael. "Stan Brakhage, Maya Deren e Jonas Mekas: por uma poética do amateur." Intexto, no. 48 (January 1, 2020): 176–93. http://dx.doi.org/10.19132/1807-8583202048.176-193.

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Abstract:
Este artigo pretende analisar a questão do amateur no contexto do cinema de vanguarda norte-americano e de que forma as obras teóricas dos realizadores Stan Brakhage, Maya Deren e Jonas Mekas contribuíram para elaborar uma concepção poética sobre esse termo. A análise do tema será feita a partir dos seguintes textos: Amateur versus Profesional (Deren, 1959), In defense of amateur (Brakhage, 1971) e A linguagem mutante do cinema (Mekas, 1962). A metodologia estará centrada nos aspectos socioeconômico, artístico e técnico. O artigo defende a posição de que esses textos possuem uma importância histórica e teórica sobre o termo e contribuem para compreender a sua poética.
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Carvalho, Danielle Crepaldi. "Os mistérios da cidade moderna: a propósito de Os Mistérios de Nova York (1914) e seus congêneres brasileiros." Significação: Revista de Cultura Audiovisual 42, no. 43 (2015): 74. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2316-7114.sig.2015.97034.

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Abstract:
<p>O artigo mapeia a circulação brasileira da série cinematográfica e folhetinesca norte-americana <em>Os Mistérios de Nova York</em> (1914), bem como analisa suas congêneres nacionais. Seu sucesso no Brasil determinou a produção de dois <em>Mistérios do Rio de Janeiro</em>: a série cinematográfica (por Coelho Netto em 1917) e a série cronística (por Benjamin Costallat em 1924). O trabalho pensa a relação entre cinema e jornal nos anos de 1910-20 e a influência do cinema na <em>mise-en-scène</em> do gênero folhetinesco.</p>
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Marsh, Paul M. "A New Species of Pauesia (Hymenoptera: Braconidae, Aphidiinae) From Georgia and Introduced Into South Africa Against the Black Pine Aphid (Homoptera: Aphididae)." Journal of Entomological Science 26, no. 1 (1991): 81–84. http://dx.doi.org/10.18474/0749-8004-26.1.81.

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Abstract:
A new North American species of the braconid genus Pauesia is described from Georgia. This species has been introduced into South Africa where it has become effective in the biological control of the black pine aphid, Cinara cronatrii.
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Ferreira, Bruna Machado. "Jonas Mekas - cinema em lampejos." Anuário de Literatura 20, no. 2 (2015): 55. http://dx.doi.org/10.5007/2175-7917.2015v20n2p55.

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Abstract:
http://dx.doi.org/10.5007/2175-7917.2015v20n2p55Este artigo apresenta reflexões acerca da criação cinematográfica de Jonas Mekas, um dos realizadores e pensadores do cinema de vanguarda norte-americano, que, como tal, traz, em seus filmes, a marca da reproposição da linguagem/montagem, uma outra compreensão do tempo e sua passagem, via o abandono da cronologia e de qualquer linearidade narrativa. A partir deste argumento, desdobra-se a leitura de um cinema que se faz no e pelo deslocamento, o trânsito pelo cotidiano, abertura para o acaso, contingência; que não parte de uma unidade espaço-temporal, mas se fragmenta – fragmento este que se apresenta como possibilidade ética diante da alteridade; passagens, rastros, vestígios de um gesto. Cenas que projetam o íntimo no público em uma espécie de celebração contínua e despretensiosa do cotidiano, do familiar. Cinema em exílio, cinema-asilo - ao mesmo tempo, sobrevivência e suspensão de uma memória, abrigo do corpo, da linguagem, do encontro, onde parece sempre se desenhar a possibilidade, abertura para a invenção de um espaço novo, inédito, espaço-vida, espaço-arte, sem fronteiras.
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Nelson, Tollof. "Audio-visual Mediation : Reconfiguring the Discursive Problematic of Cinema and History." Hors dossier / Miscellaneous 11, no. 1 (2007): 153–68. http://dx.doi.org/10.7202/024839ar.

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Abstract:
ABSTRACT This brief article maps out some of the central concerns and questions raised in two relatively recent anthologies of essays by major intellectuals, film scholars and historians. In addition to problematizing the representation of history and audio-visual media, these two anthologies examplify the circulation of ideas, the bridges as well as the divisions between the interests of academic inquiry in North America and Europe. What seems to be a common preoccupation, the weight of history in cinema, is only the marker of a clear line of division which is emblematic of divergent values and institutional orientations.
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Nichile, Maria Cecília Ferreira De. "A luta armada no cinema: ficção, documentário, memória." Galáxia (São Paulo), no. 32 (December 2016): 209–12. http://dx.doi.org/10.1590/1982-25542016203.

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Resumo No livro A luta armada no cinema: ficção, documentário, memória, Fernando Seliprandy analisa dois filme, O que é isso Companheiro? (1996) e Hércules 56 (2006), que narram um mesmo evento: o sequestro do embaixador norte americano Charles Burke Elbrick, realizado pela ação guerrilheira em curso no Brasil no ano de 1969. Com a descrição do material audiovisual, o livro pretende apreender o uso da imagem fílmica na construção da memória histórica, bem como intenta chegar a possíveis conclusões historiográficas pela observação das relações entre o que é mostrado no discurso cinematográfico e aquilo que está além da narrativa, na conjuntura histórica da qual essas fitas emergiram.
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Venancio, Rafael Duarte Oliveira. "PROTAGONISMO DOS ÍNDIOS NORTE-AMERICANOS NOS DESENHOS ANIMADOS DE WALTER LANTZ." Espaço Ameríndio 5, no. 1 (2011): 102. http://dx.doi.org/10.22456/1982-6524.18968.

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Condenados a uma duvidosa representação midiática no início do cinema graças aos romances do final do século XIX, os índios norte-americanos nunca tiveram um grande destaque nos filmes dessa época. No entanto, um realizador de desenhos animados, Walter Lantz, possui um alto grau de caracterização de nativos norte-americanos em seus trabalhos. O objetivo do presente artigo é estudar o protagonismo dos índios norte-americanos nesses desenhos animados, e analisar as implicações sociais dessas escolhas através do uso dos conceitos de dispositivo e fórmula. Além disso, a análise incluirá a retratação da cena midiática norte-americana antes e depois de Lantz, buscando rupturas e legados.
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Castelo, Sander Cruz. "“Uma pérola no fundo do oceano”: voz over e sagrado no filme Cavaleiro de Copas (EUA, 2015)." Correlatio 16, no. 1 (2017): 317. http://dx.doi.org/10.15603/1677-2644/correlatio.v16n1p317-344.

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Abstract:
Da geração da Nova Hollywood, o cineasta norte-americano Terrence Malick construiu um estilo fílmico singular, caracterizado, dentre outros elementos, pelo uso intensivo da voz over, empregado de forma a (re)sacralizar o mundo, objetivo-mor do seu cinema. Investiga-se, neste artigo, como o diretor utiliza esse recurso estético no filme Cavaleiro de Copas (EUA, 2015), atinando para os efeitos transcendentais por ele suscitados.
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Sousa, Roberto Ribeiro. "GUERRA AO TERROR, GEOPOLÍTICA, REPRESENTAÇÕES E PAISAGENS NO CINEMA NORTE-AMERICANO APÓS 11 DE SETEMBRO DE 2001." Ensaios de Geografia 2, no. 4 (2014): 50. http://dx.doi.org/10.22409/ensaiosgeo2013.v2i4.a21939.

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Abstract:
Este artigo é um esforço no sentido de apontar, por intermédio do filme Guerra ao Terror, uma determinada espécie de narrativa fílmica norte-americana que emergiu após os atentados de 11 de setembro de 2001, momento de inflexão a partir do qual a temática “terrorismo” tornou-se mais frequente nas telas. Este referido tipo de narrativa, de caráter geopolítico, projeta, escorado em elaborações geográficas de paisagens e perfis de estereótipos, representações pretensamente legitimadoras das posições norte-americanas como potência central que, por outro aspecto, acabam por reforçar estigmas em relação àqueles que são vistos como obstáculos a “Pax Americana” no cenário internacional contemporâneo.
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Oliva, Vitor Hugo Sambati, Dirceu Zorzetto Filho, and Francisco Lotufo Neto. "O retrato da psiquiatria pelos cinemas norte-americano e brasileiro." Archives of Clinical Psychiatry (São Paulo) 37, no. 2 (2010): 89–95. http://dx.doi.org/10.1590/s0101-60832010000200011.

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Rosa, Maria de Fátima. "A Recepção da antiga Mesopotâmia no cinema." Heródoto: Revista do Grupo de Estudos e Pesquisas sobre a Antiguidade Clássica e suas Conexões Afro-asiáticas 4, no. 2 (2020): 59–90. http://dx.doi.org/10.34024/herodoto.2019.v4.10962.

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Abstract:
Este breve estudo pretende analisar a forma como a antiga Mesopotâmia foi recebida no cinema norte-americano e europeu do séc. XX, tendo em conta as suas múltiplas influências artísticas e literárias. Através de curtas e longas metragens, sobretudo das décadas de 10, 20, 50 e 60 da passada centúria, analisar-se-ão algumas das personagens e episódios mais importantes que foram retratados nas telas cinematográficas referentes à Assíria e Babilónia. O estudo terá em conta o facto de o cinema não ser alheio a outras formas de expressão visual ou literária, recolhendo destas vários elementos. De entre as suas influências, destacam-se os quadros de Pieter Bruegel, Gustave Doré ou John Martin, ou as composições literárias de Voltaire, Pietro Metastasio ou Lord Byron. Por outro lado, o cinema também não foi alheio ao seu próprio contexto sociopolítico, estando os filmes produzidos intimamente dependentes dos seus contornos sociais e ideológicos. São aspectos como estes que propomos analisar.
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Mascarello, Fernando. "Dick Tracy, o filme high concept e o cinema brasileiro." Revista Contracampo, no. 13 (December 1, 2005): 69. http://dx.doi.org/10.22409/contracampo.v0i13.499.

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Abstract:
Dick Tracy (Warren Beatty, 1990) é um exemplo bastante consistente do que o meio cinematográfico norte-americano tem denominado "high concept i-novie". Caracterizados pelo excesso estilístico e pela fragilização da narrativa, e considerados a manifestação central de um suposto cinema hollywoodiano pós-clássico ("post-classical Hollywood cinema"), estes filmes são o produto de uma inédita determinação da forma por aspectos mercadológicos e industriais. O trabalho de estilização realizado sob a moldura de uma narrativa simples, porém modular - verifica-se uma autonomização de seções do filme que excedem, individualmente, aos requisitos da narrativa - oferece os ícones, imagens e descrições telegráficas da trama utilizados como ganchos de marketing. Tomando como objeto analítico o filme de Beatty, o artigo procura apontar as implicações deste formato textual e mercadológico do filme high concept sobre os modos de espectatorial idade cinematográfica contemporâneos, pensando o seu entendimento como contribuição para o permanente esforço do cinema brasileiro com vistas à conquista de mercado e repercussão cultural.
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Martins, Milena Ribeiro. "Monteiro Lobato e os Estados Unidos: espectador, leitor, tradutor." Revista USP, no. 112 (April 7, 2017): 19. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2316-9036.v0i112p19-28.

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Abstract:
Este texto apresenta e analisa aspectos da cultura norte-americana representados em textos críticos, ficcionais e pessoais de Monteiro Lobato. O escritor paulista discute o cinema, suas narrativas e ideologia; traduz e incorpora à sua obra temas da cultura escrita; participa da ampliação da circulação de livros norteamericanos no Brasil; e tece comentários do ponto de vista de quem viu e viveu a América do final dos anos 1920
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