Dissertations / Theses on the topic 'Nouvelle Vague'

Texte remanié de: Dissertation--Romanische Philologie--Universität Regensburg, 2005.
Thèse réalisée en co-tutelle entre les universités de Regensburg et de la Sorbonne nouvelle-Paris 3. Bibliogr. p. 243-264. Index.

La question de l'authenticité est centrale dans la conception d'elle-même de la Nouvelle Vague qui émerga en France à la fin des années 1950 et fît entrer la modernité esthétique dans l'histoire du cinéma. L'authenticité est la notion centrale de la littérature moderne en tant que moyen d'expression personnelle. A partir du XIXe siècle, une œuvre littéraire s'assurait de son légitimation non plus par une autorité externe, mais par son originalité et autonomie esthétique en opposition aux normes classiques et conventions rhétoriques. En empruntant la notion d'auteur de la littérature pour la critique filmique, la Politique des auteurs aligne le cinéma sur la littérature et achève son processus de légitimation intellectuelle : un cinéma construit selon le modèle de la littérature, installant de manière analogue l'auteur comme instance authentifiante du discours filmique. Suivant la théorie des champs de Pierre Bourdieu, l'émergence de la Nouvelle Vague est comme la naissance dans le cinéma d'un champ de la production pure, à l'image de l'autonomisation du champ littéraire au XIXe siècle. La deuxième partie interrogera la réalisation du postulat d'authenticité en analysant les premiers long-métrages de Rohmer, Chabrol, Truffaut, Godard et Rivette. Si la prétention d'authenticité est commune à l'ensemble des auteurs, leurs films s'en acquittent par des stratégies d'authentification différentes, créant ainsi à la fois la cohérence et la diversité de la Nouvelle Vague
The question of authenticity is essential to the self-conception of the New Wave that emerged at the end of the 1950s in France and announced the modern age of cinema. Authenticity is the central notion of modern literature as a means of individual expression. Since the 19th century, a literary work of art founded its legitimisation no more in an external authority, but in its aesthetic originality and autonomy in opposition to classical norms and rhetorical conventions. Instituting the director as the filmic author, the discursive strategy of New Wave's Politique des auteurs must be considered as an attempt to qualify cinema as a modern art by setting the prerequisites for an authentic writing in film. Following Pierre Bourdieu's field theory, the emerging of the New Wave is described as the birth of a field of pure production, modelled on the autonomisation of the literary field in the 19th century. The second part of the study questions the realisation of the authenticity postulate by analysing the first features of Rohmer, Chabrol, Truffaut, Godard and Rivette. If the pretension of authenticity is common to all of the young film makers, they use different authentication strategies in their films, creating in that way both the coherence and the diversity of the New Wave

In recent history, particularly over the last decade, the US-Canada border has been increasingly treated as a security issue. During this period, policies and measures have been put in place, such as strict identification documentation requirements, advanced surveillance equipment, information-sharing between law-enforcement and intelligence agencies on both sides of the border, and greater numbers of border patrol agents. These measures represent a significant departure from what was previously understood as a permeable, "undefended" border that prioritized above all else the facilitation of trade and travel. In my study, I have sought to better understand the process by which the US-Canada border is becoming understood by some as a security issue. Participants in critical security studies argue that issues, such as borders, become security matters through a process. The Copenhagen School (CoS) argues that this process, called securitization, occurs when a speaker performs a discursive action, "speech-act," claiming that the issue constitutes a security matter, and is successful when the relevant audience accepts this claim, thus legitimating the use of exceptional measures as a response. (Buzan, de Wilde and Waever, 1998) While I argue that this is an oversimplified interpretation of the process, I use this theory as a point of departure for my research and attempt to use my case study to illustrate the merits of a more comprehensive understanding of securitization. Based on the CoS's emphasis on the discursive element of the securitization process, I have asked: how is the US-Canada border being securitized in American political discourse? I have conducted a discourse analysis of statements made by President George W. Bush and the Department of Homeland Security within the period beginning with the signing of the Intelligence Reform and Terrorism Prevention Act in December, 2004 and ending with the signing of the Security and Prosperity Partnership of North America in June 2005. I have sought to understand how these speakers participate in the securitization of the US-Canada border, analyzing the discursive tools they have adopted, the contexts within which they speak, and the way they structure their claims. The results of my analysis have led me to conclude that, first, the securitization process as a whole must not be understood as a singular speaker performing a singular speech-act in a singular moment accepted by a singular audience, but rather as the on-going interaction between varying relevant actors who participate in creating momentum or resistance within an issue's securitization. Secondly, I conclude that within the securitization of the US-Canada border, the two speakers included in this research participate in the perpetuation of the process through both what is said -- primarily the identification of the terrorist threat, but also the inclusion of borders in larger, existing security contexts -- and what is not said -- the absence of details and definitions, as well as the choices made by the speakers in terms of the types of evidence provided. Taken together, these findings illustrate the importance of considering a more complex understanding of the securitization process and create an opportunity for an expanded research project that will include an analysis of activities performed by a wide range of actors.

Le cinéma français connaît, à la fin des années 50, une révolution symbolique, c’est-à-dire un moment de crise par lequel se trouvent redéfinis à la fois l’espace des discours et l’espace de la production des œuvres. Cette transformation commence par un travail critique, la « politique des auteurs » (Cahiers du cinéma) et se poursuit par les effets d’une production cinématographique que l’on rassemble ou repère sous le terme générique de « Nouvelle Vague ». François Truffaut, Jean-Luc Godard, Eric Rohmer, Jacques Rivette, Claude Chabrol, Alain Resnais, Agnès Varda sont les principaux agents de cette transformation. Souvent diplômés ou bien « héritiers » sans diplômes, espérant devenir écrivains ou l’étant déjà, ils font partie de cette « bohème cinéphilique » qui apparaît après-guerre et qui prend place dans le cadre d’un processus plus large de légitimation du cinéma. Durant cette période, le champ du cinéma français se caractérise par le fait d’être sous l’emprise d’une logique à la fois politique et corporative : privilège des jugements politiques et subordination structurale des réalisateurs, en concurrence avec les scénaristes de métier, les techniciens de renom, les vedettes et les producteurs. La « politique des auteurs » opère la critique « esthétique » de la critique politique. Par la promotion d’un panthéon cinématographique, elle donne lieu à une sacralisation fétichiste du metteur en scène comme « auteur » et à un sacrilège contre le cinéma français dominant, celui de la Qualité. L’œuvre cinématographique de la Nouvelle Vague, elle aussi, inverse les valeurs de ce cinéma : les jeunes cinéphiles tournent des films selon une logique qui place le réalisateur en position de monopole de la violence créatrice. Ce monopole se constitue à des niveaux différents : un niveau économique ; un niveau technique ; un niveau thématique. La socio-analyse des stratégies artistiques fait apparaître l’unité de ces actions par lesquelles s’instaure un nouvel ordre artistique mais aussi la logique d’une différenciation des styles.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Intituto de Ciências Sociais, Departamento de Sociologia, 2017.
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Esta pesquisa tem como tema e objeto de reflexão o corpo feminino assim como nos é apresentado nas narrativas do Cinema Novo no Brasil e da Nouvelle Vague na França, entre 1962 e 1972. Uma releitura dessas representações fílmicas corrobora a importância que foi atribuída a esses novos cinemas, seja por serem considerados movimentos de vanguarda e seus diretores vistos como revolucionários e modernos, seja pela tentativa de encontrar respostas aos questionamentos de uma sociedade em plena ebulição, aventurando-se em temas então candentes na década da liberação feminina. Essa década não foi apenas de transformação do cinema a que damos ênfase, mas também a de uma verdadeira revolução no que concerne às relações entre homem e mulher e às discussões dos movimentos feministas que ganham força nessa época. Neste contexto e com o advento da pílula, a mulher luta por emancipação e se liberta das amarras morais. Necessário se faz entender as representações do corpo feminino e as contradições morais, sociais e culturais que acontecem a partir desse novo paradigma, das mudanças requeridas pela mulher, compreendendo o complexo funcionamento do corpo feminino, entre a autoimagem e as imagens que a sociedade propõe para a construção da subjetividade. Após uma discussão teórica em torno do conceito de representação, a tese se dedica à análise de seis filmes, separados de dois em dois pela representação do corpo feminino em categorias como: CORPO ABJETO: O padre e a moça, 1965, de Joaquim Pedro de Andrade e Viver a vida, 1962 (Vivre sa vie), de Jean-Luc Godard; CORPO DO DELITO, O desafio, 1965, de Paulo Sérgio Saraceni e A mulher infiel, 1969 (La femme infidéle), de Claude Chabrol; por último, CORPO E SUBJETIVIDADE: Todas as mulheres do mundo, 1966, de Domingos de Oliveira e Cléo de 5 à 7, 1962, de Agnés Varda, totalizando seis filmes, sendo três filmes do Cinema Novo brasileiro e três da Nouvelle Vague francesa.
This research takes as focus and subject of study the female body as presented in the narratives of the Brazilian Cinema Novo and the Nouvelle Vague in France, between 1962 and 1972. A rereading on the filmic representations corroborates the importance attributed to these new movie schools, that emerged in the post-war, either by being considered vanguard movements and their directors acknowledged as modern and revolutionaries or by the attempt to find answers to the questions of a boiling society, venturing in topics considered hot in the female liberation decade. This decade was not remarkable only for the cinema transformation, focus of our work, but also due to a true revolution in the relations between man and woman and to the discussions in the female movements that are strengthened in this time. In this context and with the contraceptive pill advent, women fights for emancipation and releases themselves from the moral ties. It is necessary to understand the female body representations and the moral, social and cultural contradictions that arise from this new paradigm, from the changes required for women, understanding the complex functioning of the female body, between the self-image and the images proposed by the society to construct the subjectivity. After an theoretical discussion around the representation concept, the thesis dedicate itself on the analysis of six films, separated in groups of two regarding the bodies: ABJECT BODY: O padre e a moça, 1965, from Joaquim Pedro de Andrade and Viver a vida, 1962 (Vivre sa vie), from Jean-Luc Godard; BODY OF CRIME, O desafio, 1965, from Paulo Sérgio Saraceni and A mulher infiel, 1969 (La femme infidéle), from Claude Chabrol; at last, BODY AND SUBJECTIVITY: Todas as mulheres do mundo, 1966, from Domingos de Oliveira and Cléo de 5 à 7, 1962, from Agnés Varda, totalizing six movies, being three films from brazilian Cinema Novo and three from french Nouvelle Vague.
Cette recherche a comme thème le corps de la femme tel que présenté dans le récit de le Cinema Novo au Brésil et de la Nouvelle Vague en France, entre 1962 et 1972. Une réinterprétation de ces représentations filmiques corrobore l’importance qui a été attribuée à ces nouveaux cinémas, qui a émergé dans l’après-guerre, soit parce qu'ils sont considérés comme des mouvements d'avant-garde et de ses réalisateurs a considérés comme révolutionnaires et modernes, soit par la tentative de trouver des réponses aux questions d'une société en pleine ébullition, ils se sont aventurés sur les questions controversés dans la décennie de la libération des femmes. Cette décennie a été non seulement de la transformation du cinéma que nous mettons l’accent, mais aussi d’une véritable révolution en ce qui concerne la relation entre l’homme et la femme et aux discussions des mouvements féministes qui ont grande force en ce moment. Dans ce contexte et avec l’avènement de la pilule, les femmes luttent pour l’émancipation et se libère de ses amarres moraux, sociaux et culturels qui se produisent de ce nouveau paradigme, les changements exigés par la femme, comprenant le fonctionnement complexe du corps féminin, entre l’image de soi et l’image que la societé propose par la construction de la subjectivité. Après une discussion théorique autour du concept de représentation, la thèse est consacrée à l’analyse de six films, séparé de deux en deux par la représentation du corps féminin en catégories telles que: CORPS ABJECT: O padre e a moça, 1965, réalisé par Joaquim Pedro de Andrade et Viver a vida, 1962, (Vivre sa vie), Jean-Luc Godard; CORPS DU CRIME: O desafio, 1965, de Paulo Sérgio Saraceni et A mulher infiel, 1969 (La femme infidéle), de Claude Chabrol; Enfin, CORPS ET SUBJECTIVITE,: Todas as mulheres do mundo, 1966, de Domingos de Oliveira e Cléo de 5 à 7, 1962, de Agnés Varda, un total de six films, trois films brésiliens de le Cinema Novo et trois de la Nouvelle Vague française.

Ce travail de recherche est dédié à la représentation de Paris dans les films de la Nouvelle Vague et, plus largement, dans le cinéma français de la même époque. Après une brève introduction méthodologique, la thèse est divisée en deux parties. La première partie essaie de répondre à deux exigences. D’une part, celle d’établir des traits communs concernants la composition de l’espace urbain dans le cinéma de la Nouvelle Vague proprement dite. Sans nier les profondes différences qui séparent les films ou les cinéastes particuliers, et qui ont déjà fait l’objet d’un grand nombre de monographies, cette thèse privilégie l’individuation de thèmes et formes récurrents afin d’esquisser un cadre d’ensemble. Par commodité, on a réparti les observations en individuant des macro-caractéristiques dans la représentation de Paris qui soient présentes dans plusieurs films : chaque fois, on précise les stratégies iconographiques, narratives ou stylistiques qui concourent à produire certains effets dans la vision globale de la ville. On y trouve un Paris reconnaissable et avec une identité nette, de préférence traversé en mouvement, une ville décrite « à la première personne du singulier » (Geneviève Sellier) et qui aspire à atteindre une certaine forme d’«authenticité» (Almut Steinlein). D’autre part, on a essayé de vérifier la diffusion de thèmes et formes concernants la représentation de la ville dans les films de réalisateurs débutants que plusieurs sources de l’époque associaient à la Nouvelle Vague, définie dans ce cas comme étant un ensemble aux contours incertains des premières oeuvres de presque deux cents cinéastes. Ce travail est le résultat d’une vaste recherche filmographique qui a été effectuée dans de nombreuses archives et bibliothèques de Paris. Elle vise notamment à redécouvrir un répertoire oublié de films qui n’atteignent certainement pas la réussite esthétique des chefs-d’oeuvre connus, mais qui témoigne de l’existence d’un certain esprit du temps, d’un certain regard sur la ville, soucieux d’en saisir la vérité documentaire, mais en même temps d’exprimer un rapport profondément subjectif et personnel avec l’espace urbain. La deuxième partie de la thèse, la plus ample, est dédiée à un sujet inexploré par les études relatives à la Nouvelle Vague, à la seule exception des analyses spécifiques de Deux ou trois choses que je sais d’elle (1967) de Jean-Luc Godard : il s’agit d’évoquer le changement dans le regard cinématographique sur la capitale qui a été amené par les profondes altérations urbanistiques – dont l’ampleur ne saurait être inférieure à celle de l’urbanisme haussmannien - que Paris subit dans les années cinquante et soixante. Dans le premier chapitre, après les propos introductifs décrivant l’emplacement et l’extension des changements sur le territoire parisien, certains traits de ce nouveau regard sont esquissés. On souligne par exemple le dépassement de la dimension de quartier – caractéristique de nombreux films situés à Paris – au profit d’une dimension métropolitaine; la création d’une image «floue» (Pierre Sorlin) de la ville, la perception de nouveaux visages de la périphérie. On repère, en plus, un autre aspect qui est à l’origine d’une vision différente de Paris et qui réside dans la formation des premières voix critiques envers la «société de consommation», en s’inspirant des études de Jean-Pierre Esquenazi sur Jean-Luc Godard: la composition de la ville répond parfois à une volonté d’appréhender avec un regard d’enthomologue les métamorphoses des modes de vie. Cette transformation a des répercussions sur les plans iconographique, stylistique et narratif selon des modalités précises. Dans le deuxième et dans le troisième chapitre, on cherche la présence, dans le cinéma de l’époque, de deux lieux emblématiques des interventions urbanistiques, et on analyse en détail plusieurs films dans lesquels ils jouent un rôle significatif. Le premier est le chantier, qui au-delà de fugaces apparitions, acquiert, en certaines œuvres, une valeur symbolique liée à la dimension temporelle. Il est la figure exemplaire d’une question posée sur la perte de clés de lecture permanentes de la réalité et en même temps porteuses d’anxiétés et d’incertitudes relatives à l’avenir. Le deuxième lieu est constitué des grands ensembles : on fait des comparaisons avec leur représentation dans d’autres médias (télévision, documentaires institutionnels, essais et enquêtes sociologiques) et expressions artistiques (la littérature, en particulier) afin de pénétrer avec plus de conscience la figure qui dessine de la manière la plus évidente qui soit les mutations du tissu urbain de cette époque. Dans le quatrième et dernier chapitre, on essaie de reconstruire un débat théorique qui établit une liaison à double sens entre les changements urbanistiques et l’affirmation de la « société de consommation », avec des développements en direction de la « société du spectacle » situationniste. On y trouve l’analyse de films de Chris Marker et Jean-Luc Godard, mais aussi une nécessaire exploration de domaines voisins, le cinéma de Guy Debord et Jacques Tati en particulier.
Il presente lavoro di ricerca è dedicato alla rappresentazione della città di Parigi nelle pellicole della Nouvelle Vague e, più ampiamente, nel cinema francese di quel periodo. Dopo una breve introduzione di carattere metodologico, la tesi è suddivisa in due parti. La prima tenta di rispondere a due diverse esigenze. Da un lato, quella di definire dei tratti comuni nella composizione dello spazio urbano all’interno del cinema della Nouvelle Vague propriamente detto. Pur non rinnegando le profonde differenze tra le singole opere o i mondi poetici dei diversi cineasti, sui quali esiste un già vasto panorama bibliografico di monografie, si privilegia l’individuazione di temi e forme ricorrenti allo scopo di tratteggiare un quadro d’insieme. Per comodità, le osservazioni sono state ripartite individuando alcune macro-caratteristiche nella configurazione di Parigi comuni a più pellicole: si puntualizzano di volta in volta le strategie di carattere iconografico, narrativo o stilistico che concorrono a produrre determinati effetti nella visione complessiva della città. Emerge una Parigi riconoscibile e dall’identità definita, preferibilmente attraversata in movimento, una città descritta «alla prima persona singolare» (Geneviève Sellier) e con l’ambizione di attingere a forme di «autenticità» (Almut Steinlein). Dall’altro lato, si è cercato di verificare la propagazione di temi e forme nella rappresentazione della città in opere di esordienti all’epoca associati da fonti diverse alla «Nouvelle Vague», questa volta interpretata quale magmatico contenitore dai confini incerti, destinato ad accogliere le prime prove registiche di quasi duecento cineasti. Tale lavoro è il prodotto di un’ampia ricognizione filmografica condotta presso archivi e biblioteche di Parigi al fine di far emergere un panorama sommerso di film che non raggiungono certo i risultati estetici dei capolavori riconosciuti, ma testimoniano l’esistenza di una sorta di “aria del tempo”, di un certo sguardo sulla città attento da un lato a coglierne la verità documentaria, dall’altro a esprimere un rapporto profondamente soggettivo e personale con lo spazio urbano. La seconda parte della tesi, la più ampia e che presenta i maggiori contributi originali, è consacrata a un aspetto finora trascurato dagli studi sulla Nouvelle Vague, ad eccezione delle letture specifiche di Due o tre cose che so di lei (1967) di Jean-Luc Godard: il mutamento nello sguardo cinematografico sulla capitale indotto dalle profonde alterazioni urbanistiche che Parigi subì negli anni Cinquanta e Sessanta, non inferiori per estensione all’intervento haussmanniano. Nel primo capitolo, dopo aver descritto l’entità e l’ubicazione dei cambiamenti sul suolo parigino in un excursus introduttivo, si delineano alcuni tratti di questo nuovo sguardo sullo spazio urbano. Si evidenziano ad esempio il superamento della dimensione di “quartiere” - che caratterizzava numerose pellicole di ambientazione parigina – in favore di quella metropolitana; il prodursi di forme diverse di «sfocatura» (Pierre Sorlin) dell’immagine della città; l’inclusione in configurazioni nuove del volto della periferia. Un altro aspetto che origina una differente visione di Parigi viene tra l’altro individuato, sulla scia degli studi di Jean-Pierre Esquenazi su Godard, nell’emergere delle prime voci critiche verso la cosiddetta «società dei consumi»: la composizione filmica della città risponde in alcuni casi ad una volontà rappresentativa tesa a cogliere con sguardo da entomologo le metamorfosi degli stili di vita. Tale trasformazione si ripercuote sul piano iconografico, stilistico e narrativo secondo precise modalità. Nel secondo e nel terzo capitolo si indaga sulla presenza nel cinema dell’epoca di due luoghi emblematici degli interventi urbanistici, analizzando nel dettaglio alcune pellicole in cui essi rivestono un ruolo significativo. Il primo è il cantiere, che al di là di fugaci apparizioni assume in alcuni film un’importante valenza simbolica legata alla dimensione temporale, figura paradigmatica di una interrogazione sulla perdita di protocolli stabili di lettura della realtà e al contempo portatrice di ansie e incertezze sul futuro. Il secondo è costituito da grands ensembles, complessi di edifici residenziali: la loro rappresentazione viene messa a confronto con diverse istanze comunicative (televisione, documentari istituzionali, saggistica e inchieste di impronta sociologica) e espressive (in particolare, la letteratura) al fine di penetrare con maggiore consapevolezza l’emblema che disegna in modo più evidente dei mutamenti nel tessuto urbano di quegli anni. Nel quarto e ultimo capitolo si cerca di ricostruire un dibattito teorico che stabilisce un legame a doppio filo tra modifiche urbanistiche e affermazione della «società dei consumi», con un ampliamento in direzione della «società dello spettacolo» situazionista. Vi trova spazio l’analisi di alcune pellicole di Chris Marker e Jean-Luc Godard, ma anche una necessaria incursione in territori limitrofi, in particolare nel cinema di Guy Debord e in quello di Jacques Tati.

This thesis examines the different ways the cinemas of Éric Rohmer, Jacques Rivette, François Truffaut and Jean-Luc Godard adapted literary and artistic motifs characteristic of the nineteenth-century romantic and realist traditions, from the 1960s to the 1980s. The selection of these four directors is based on their early and formative commitment to the politique des auteurs, a film criticism trend that was significantly indebted to central aesthetic precepts of the realist and naturalist novels. The profound social changes of the 1960s led directors, artists and writers to question long-accepted ideas about representation and authorship. The left-wing culture in France, which envisioned art and political protest as an inseparable whole, extensively criticised the nineteenth-century discourse on the realist novel as the outward revelation of the author's inner life. As a result, critics rapidly considered the politique des auteurs and, by extension, the universalist and openly westerncentric premises of the Nouvelle Vague as unpersuasive and dismissible. This thesis acknowledges that the relation these directors maintained with nineteenth-century thought has been overshadowed by scholarship on their individual careers, a research tendency that consolidates the notion of rupture and discontinuity between Rohmer, Rivette, Truffaut and Godard's filmographies. However, each one of them commonly returned to nineteenth-century sourcing and imagery in the post-1968 period through adaptations and transpositions of Heinrich von Kleist, Honoré de Balzac, Adèle Hugo, Prosper Mérimée and so on. As the first work to regroup this 'gang of four' in the aftermath of Rohmer's forced resignation in Cahiers du cinéma, this thesis argues that their approaches to the nineteenth-century cultural legacy should be assessed as distinct forms of reaffirming, revising, challenging and commenting on their former vision of cinema as a novelistic space, able to manifest the essence of sheer appearances. As the chapters will demonstrate, their engagements with nineteenth-century art and literature are complex. They are, on the one hand, inflected by their personal responses to the politicisation of the 1960s and 1970s French film culture and, on the other hand, informed by their individual understanding of the role of nineteenth-century narratives and aesthetic patterns within the framework of modern filmmaking. The introduction chapter lays the theoretical foundations of the Nouvelle Vague's early engagements with notions of romanticism and realism and, in light of the existing scholarship, establishes the aims and methodology of this thesis. Chapter two examines Rohmer's cinematic transposition of Balzac's rhetorical realism and analyses the paradoxes and modernist potential of the director's neoclassical film aesthetics in Die Marquise von O ... (1976). Chapter three explores the ways Rivette turns the Balzacian myths of Icarus and Pygmalion into more immediate accounts on his contemporaries' struggle for unalienated and totalising works of art through Out 1: Noli me tangere (1971) and La Belle Noiseuse (1991). Chapter four analyses Truffaut's long series of engagements with nineteenth-century imagery and explores the reasons why L'enfant sauvage (1970), Les deux anglaises et le continent (1971), L'histoire d'Adèle H. (1975) and La chambre verte (1978) coincided with his growing conservatism. Chapter five develops Godard's relationship with the romantic legacy through the case-studies of Passion (1982) and Prénom Carmen (1983) - films which allude to Charles Baudelaire's entangled notions of spleen and the ideal and give an unprecedented attention to the aesthetics of chiaroscuro. The conclusion chapter establishes points of convergences and contrasts between the four directors through a comparative account that also addresses the ways in which their individual stands towards the romantic and realist legacies have evolved.

Partant de l'observation que la place de la parole est centrale lorsque le cinéma français se remet en question, nous nous proposons ici d'étudier le postulat que la modernité dans le cinéma français s'impose largement par la mise en scène de la parole. Dans un premier temps, nous nous demanderons pourquoi modernité et parole font si bon ménage dans le cinéma français. C'est que la parole est directement concernée par la destruction de la représentation classique, notamment par le vacillement des certitudes, de la notion de sens, de vérité et de sujet. Après avoir établi ces questionnements d'ordre général, nous nous arrêterons sur un moment charnière dans l'élaboration de la modernité cinématographique : la Nouvelle Vague. Dans notre seconde partie, les études par auteur illustrent des problématiques directement liées ou héritées de la modernité telle qu'elle a essayé de se conceptualiser au tournant de la Nouvelle Vague. Nous aborderons la crise du mouvement et du sujet, le glissement de la représentation vers la présentation, et la manière dont le sujet moderne invente un art du bégaiement. Cette exigence de s'inventer des paroles est toujours aussi vivace aujourd'hui, et c'est sur ces perspectives contemporaines que s'achèvera notre travail. .
We will start observing that speaking is very important when French cinema questions itself. That's why we propose here to study the postulate that modernity in French cinema stands above all by the speach's direction. First we will ask ourselves why modernity and speach go so well together in French cinema. That's because speach is directly concerned by the destruction of classical representation, in particular by the swaying of certitudes, meaning's notion, truth and subject. After having settling down those general questions we will study one key moment in the building of modernity : the New Wave. In the second part the studies by authors show issues directly connected or inherited from modernity as it tried to conceptualize itself during the New Wave. We will talk about movement and subject's crisis, about the swing of representation towards presentation and about the way modern subject invents an art of stuttering. This requirement to invent words and speaches still is very alive today and we will end this work on contemporary perspectives. .

Notre recherche vise l’idée et la pratique d’une modernité filmique française intimiste, de nature autobiographique, inscrite dans une tradition culturelle où la littérature est essentielle comme voie créatrice spécifique. Nous nous sommes proposé d’évaluer le travail de libération ou de tension par rapport aux codes de représentation amoureux qui se joue dans certains films représentatifs de la Nouvelle Vague et y ouvre une voie originale de la modernité. Toute une pensée philosophique et cinéphilique s’est axée en France sur la question du moderne : Gilles Deleuze, Alain Bergala, Jean-Louis Leutrat, Jacques Aumont. Nous avons eu également besoin des apports de T. Jefferson Kline et des travaux de Giorgio De Vincenti, sur un cinéma qui travaille la littérature comme matériau. Nous avons ainsi eu recours à des approches parfois opposées, mais que nous présentons ici comme complémentaires. Nous avons à cœur notamment de conjuguer la visée de l’approche anglo-saxonne et des cultural studies (l’analyse des représentations des femmes et des relations homme/femme) avec la visée esthétique afin de dégager une particularité française de la modernité de la Nouvelle Vague – qui va peut-être contre le mythe d’un cinéma brut, quasi-documentaire, et de l’improvisation (proche du néoréalisme italien) – une particularité française donc par un attachement aux codes (ou par leur dépassement), aux motifs et topoï amoureux, à une rhétorique venant d’une tradition littéraire qui fait partie du patrimoine culturel français et par une tendance plus profonde encore chez ces cinéastes à filmer l’intime, à filmer les femmes, à filmer leur vie, filtrée et révélée par des « écrans » littéraires
This research is centered on the idea and practice of a French intimist, cinematic modernity, of an autobiographical nature, inscribed in a cultural tradition where literature is essential in the path to creativity. This work proposes to evaluate the liberation or tension regarding the codes of representation of love at work in certain films, representative of the New Wave, that open an original path to modernity. In France, an entire philosophical and cinephilic movement is founded on the question of modernity: Gilles Deleuze, Alain Bergala, Jean-Louis Leutrat, Jacques Aumont. This study also takes into account the findings of T. Jefferson Kline and the work of Giorgio De Vincenti concerning film that treats literature as a material. Therefore, approaches sometimes considered opposite are presented here as complimentary, seeking to conjugate the aim of Anglo-Saxon and cultural studies (the analysis of the representation of women and the relationships between men and women) with the aesthetic in order to reveal a French characteristic in the modernity of the New Wave – that perhaps goes against the myth of a quasi-documentary « cinéma brut » of improvisation (close to Italian neorealism) – thus a French distinction by their attachment to (or the surpassing of) codes, motifs and topoï of love, to a rhetoric coming from a literary tradition belonging to the French cultural heritage, and by a more profound tendency of these directors to film the intimate, to film women and to film their lives, filtered and revealed by literary « screens »

Le concept complexite esthetique, qui guide cette recherche, est forge afin d'analyser les films de jean-luc godard, nouvelle vague, helas pour moi, jlg/jlg (1990-1995), trilogie aux correspondances stylistiques nombreuses (figures du double, cartons-citations, unite geographique, etc. ). Ces trois films sont egalement mis en perspective par rapport a l'oeuvre de godard - surtout les films de la decennie 1980-1990 et les essais-video jusqu'en 1995 - et a d'autres cineastes. La complexite esthetique requise pour l'analyse des films eux-memes prenant en consideration la complexite du monde en une esthetique de la complexite - signifie que ni l'ordre pur, ni le desordre chaotique, ne sauraient separement definir leur forme et leur contenu, mais qu'il faut decouvrir une relation nouvelle d'ordre et de desordre pour les comprendre. En effet, l'ordre y tend de plus en plus vers ses limites (territorialisations et cristallisations se complexifiant, s'eloignant de l'equilibre), tandis que le desordre (multiplicites, flux, turbulences naturelles, mythiques, sociales) n'y est plus seulement destructeur mais peut devenir createur. Une complexite organisationnelle spatiale-temporelle (tissu d'interactions) permet, effectivement, a ces forces contradictoires de tenir ensemble, sans pour autant nier l'une ou l'autre (effet reducteur). La complexite esthetique est une approche pluridisciplinaire : philosophie, science; litterature; sociologie, politique, economie; histoire et esthetique des arts - musique, peinture, cinema -, deja presents au sein des films, se retrouvent dans son elaboration.

Depuis les années 1980, la Corée du Sud a observé un processus de légitimation culturelle du cinéma. En prenant appui sur ce phénomène, cette thèse attire l’attention sur le rôle des cinéphiles regroupés sous l’expression, « Munhwawon sedae » : la génération des centres culturels. Dans cette thèse, nous la définissons comme un réseau social de cinéphiles sud-coréens qui émerge à partir de la fréquentation des centres culturels européens à Séoul sur une période qui s’étend entre 1977 et 1984. Notre analyse de ce réseau s’appuie sur une méthode prosopographique permettant d’apprécier les rapports entre individus et institutions, et en particulier la trajectoire et les différents discours portant sur le 7e art de la Munhwawon sedae. Cette trajectoire est nourrie par un type intellectuel de cinéphilie en provenance de l’Europe, notamment de la France et de l’Allemagne, mais aussi plus localement, par les théories portées par le mouvement culturel pour le « minjung » (peuple). Les discours produits sur ce nouveau cinéma sud-coréen se situent donc, à la frontière entre l’art et la politique, celle-ci étant pensée comme un contrepoids à un système politique jugé corrompu. Cependant, avec l’effervescence du mouvement pour la démocratisation du pays, la résistance contre le régime autoritaire prend alors plus d’importance que le 7e art en tant que tel. Il faut attendre l’apaisement du mouvement social dû à certains processus de démocratisation politique pour qu’un équilibre se dessine entre l’ambition esthétique et l’ambition politique de la Munhwawon sedae. Son engagement pour l’évolution du cinéma sud-coréen constitue une réelle initiative dans le champ cinématographique du pays. Dès lors, les « membres » de la Munhwawon sedae qui, autrefois n’avaient été que simples spectateurs, diffusent leur cinéphilie en tant que réalisateurs, producteurs, critiques et professeurs de cinéma. Dans l’ensemble, notre thèse s’attache à montrer comment, au milieu des années 1990, la Munhwawon sedae a marqué la fin de « l’âge sombre » du cinéma sud-coréen. En se positionnant de cette manière, au cœur d’une nouvelle vague artistique et politique, elle a contribué à établir une nouvelle élite culturelle sud-coréenne. La Munhwawon sedae était donc à la fois la première bénéficiaire des changements de contexte social autour du cinéma en Corée du Sud et la facilitatrice de la légitimation culturelle du cinéma sud-coréen
A process of cultural legitimation of the cinema has occurred in South Korea since the 1980s. This thesis focuses on the role that cinephiles grouped under the expression of the Munhwawon sedae, the generation of cultural centers, have played in this process. Accordingly, I analyze this notion, understood as a social network of South Korean cinephiles who emerged as a result of frequenting European countries’ cultural centers in Seoul between 1977 and 1984. The analysis is based on a prosopographic method to understand the relationships between individuals and institutions, particularly the trajectory and various discourses on the Seventh Art of the Munhwawon sedae. As I demonstrate, this trajectory is nourished not only by an intellectual type of European cinephilia but also, more locally, by theories of cultural movement for the minjung (people). The discourses produced on the “South Korean new cinema” therefore exist on the border between art and politics. The latter side was seen as a counterweight to an absurd political system. Thus, I strive to show how the political objective has progressively taken precedence over the artistic objective with the effervescence of the movement for the democratization of the country: the resistance against the presumed incoherence of society then becomes more important than the pursuit of the Seventh Art. Until the end of the political democratization process of the country, a balance is drawn between the aesthetic and political ambition of the Munhwawon sedae. The engagement of these cinephiles within the evolution of the South Korean cinema constitutes a new initiative in the field. Now, the “members” of the Munhwawon sedae, who once were movie fans frequenting European countries’ cultural centers, have spread their cinephilia as directors, producers, critics, and film educators. Overall, this thesis focuses on how, in the mid-1990s, the Munhwawon sedae announced an end to the dark age of South Korean cinema. By positioning itself in this way, literally at the heart of this artistic and political new wave, the Munhwawon sedae formed as the new cultural elite of South Korean society

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:13:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Marcia do Carmo Felismino Fusaro.pdf: 963917 bytes, checksum: ae40ed9bc2fca5b77ba7c8ac0a924ed4 (MD5) Previous issue date: 2013-10-18
This research examines the relations between Time and Cinema, and more strictly the matter of capturing Time, Memory and Moment in the cinematographic narrative, under the light of the philosophical reflections of Gilles Deleuze on said subject. Our hypothesis is that Cinema and Arts are subordinated to the scientific and philosophical debate about Time that started at the turn of the nineteenth to the twentieth century, with the emergence of Theory of Relativity and Quantum Mechanics. We assume that Gilles Deleuze's works about this debate during the second half of the twentieth century are a cornerstone, proposing a dialog between Philosophy, Science and Arts, as seen in his classical readings of Henri Bergson thesis about Time and Memory in Bergsonism, and in his thoughts about Time, Memory and Image as presented in Difference and Repetition and Proust and Signs, where he reviews the relations of the scholar-thinking tradition with the imagistic (imagetique) similes. At a later moment we add Cinema 1: The Movement-Image and Cinema 2: The Time-Image to the reference set, which were taken under special consideration. We adopted a two-way methodological path: bibliographical research and documental research, the later being a filmic ensemble composed by a collection of works mainly from Alfred Hitchcock, Orson Welles, François Truffaut, Jean-Luc Godard, Alain Resnais, Chris Marker, Agnès Varda, Ingmar Bergman, Andrei Tarkovski, Raoul Ruiz e Tom Tykwer. As these are references in authorial films (cinema d´auter) for Gilles Deleuze, the pre-selection includes Nouvelle Vague productions. Besides Deleuze's original works, the theoretical reference framework encompass the most illustrious and remarkable studies about deleuzian philosophy and cinematographic art. We believe that the topics brought to discussion are interconnected with the communication field, not just because Cinema was the first technologically-based art-form for the masses, but also for being so it shares the ambition to cover life on-the-go with other massive means, with all that it holds on the capture of a photographic memory
A pesquisa examina as relações entre tempo e cinema, abordando especificamente os temas da captura do tempo, da memória e do instante nas narrativas cinematográficas, à luz das reflexões que lhes consagrou Gilles Deleuze. Nossa hipótese é a de que o cinema e as artes são caudatários do debate científico e filosófico sobre a questão do tempo que teve início na virada dos séculos XIX para XX, com a emergência da teoria da relatividade e da mecânica quântica. Toma-se como fundamentação a obra de Gilles Deleuze que intercepta esse debate na segunda metade do século XX, propondo um diálogo entre a filosofia, a ciência e as artes, a exemplo de sua clássica leitura das teses de Henri Bergson acerca do tempo e da memória desenvolvida em Bergsonismo, e de suas reflexões sobre tempo, memória e imagem em livros como Diferença e Repetição e Proust e os Signos, em que revê as relações da tradição bempensante com os símiles imagéticos. A esse imponente conjunto acrescentam-se tardiamente A Imagem-Movimento: Cinema 1 e A Imagem-Tempo: Cinema 2, a que a pesquisa dá especial atenção. Adotamos um caminho metodológico de mão dupla: a pesquisa bibliográfica e a pesquisa documental, sendo esta última referente ao assentamento de um corpus fílmico, no âmbito de um acervo que inclui obras de Alfred Hitchcock, Orson Welles, François Truffaut, Jean-Luc Godard, Alain Resnais, Chris Marker, Agnès Varda, Ingmar Bergman, Andrei Tarkovski, Raoul Ruiz e Tom Tykwer. Por ser este um cinema autoral de referência para Deleuze, a pré-seleção do corpus inclui realizações da nouvelle vague. Além dos títulos de Deleuze acima referidos, o referencial teórico abrange os mais abalizados estudos em torno da filosofia deleuzeana e da arte cinematográfica. Os tópicos em pauta estão fundados no campo da comunicação, não só porque o cinema é a primeira arte de massa de raiz tecnológica, mas porque, assim sendo, compartilha com os meios massivos a ambição da cobertura da vida em pleno voo, com tudo que isso comporta de busca de registro de uma memória fotográfica

Cette thèse est une étude sur les films de Jean Eustache. En tant que cinéaste venant à la mise en scène juste après la Nouvelle Vague, Eustache est considéré comme l’héritier de celle-ci tout en s’en démarquant tout au long de sa carrière. A travers ses films, il est souvent jugé d’une manière contradictoire : sentimental, intellectuel, personnel, marginal, réaliste, expérimental, moderne alors qu’il est considéré unanimement comme cinéaste maudit, en décalage avec son temps. Sa carrière cinématographique témoigne de l’oscillation entre le film de fiction et le film de documentaire, entre le long métrage et le court métrage, de format 35mm à 16mm. De cette oscillation provient une réflexivité particulière chez Eustache, le moteur de renouvellement de son cinéma. Ses films montrent une évolution : ses films s’interrogent au fur et à mesure du temps sur les possibilités et les limites des expressions filmiques. Pour ces interrogations, Eustache s’appuie sur le retour à Lumière, la première phase du cinéma, la répétition, la primauté de la parole sur l’image
This thesis is devoted to the study of the films by Jean Eustache. As a director who came to realise his first film just after Nouvelle Vague, Eustache is considered as the direct heir of Nouvelle Vague though his films showed personal tone with the evolution. His films are appreciated in divers ways: sentimental, intellectual, personal, marginal, realistic, experimental, modern whileas Eustache is unanimously considered as the director who couldn’t get along with his epoque. His filmic career shows the balancement between the fiction film et the documentary film, between the feature film and short film, between 35 mm format and 16 mm format etc. From this balancement comes the particular form of reflexivity in his films, which is a driving force of renewal. His films show the evolution in which Eustache is interested in posing questions about the possibilities and the limits of the means of filmic expressions. For this questioning, his films adopted the return to the primary phase of film’s evolution, the repetition, the emphasis on speech

Vouloir ressaisir l'evolution du cinema francais des quarante dernieres annees c'est au fond essayer de comprendre un certain nombre de mutations dont on peut situer sinon l'origine du moins la cesure en 1959 avec l'emergence de la nouvelle vague. Rarement mouvement esthetique aura libere un espace de possibles etheliques et economiques ou se sont essayees a sa suite de nombreuses formes cinematographiques. Ce travail jette cependant un regard autre que purement esthetique et theorique sur ce mouvement. Nous avons resitue la nouvelle vague dans son contexte economique, politique et social d'eclosion, contexte indispensable a l'histoire du cinema. L'etude des publics, qui fut longtemps le parent pauvre des etudes cinematographiques, permet de mettre a jour la specificite du public << nouvelle vague >> ainsi que l'implication limitee des reseaux de diffusion alternatifs (cine-clubs. Art & essai. . . ) dans sa distribution commerciale. Mais ce travail s'insurge surtout en faux contre l'idee recue selon laquelle le cinema de la nouvelle vague aurait beneficie des largesses financieres de l'etal ou, au mieux, de sa protection tacite. . . Nous demontrons, grace a des chiffres jusqu'ici ineditscommuniques par le c. N. C,. Que les cineastes de la nouvelle vague ont, au contraire, ete largement exclus des aides publiques, et notamment de la plus celebre de ces aides, l'avance sur recettes, cree en 1959. Poursuivant l'etude economique des films des cineastes jusque dans les annees 1981. 1999. Nous constatons que la tendance s'inversait a la fin du premier septennat mitterrand pour desormaisconferer au cinema de la nouvelle vague une valeur hautement culturelle et inclure une ieune generation de cineastes se revendiquant dans la filiation intellectuelle du mouvement parmi les beneficiaires privilegies de l'avance. Le mythe de l'elat-providence en matiere de cinema deviendra celui de l'etal culturel et l'affirmation d'un << heritage >> suppose de la nouvelle vague ne fera qu'en conforter l'action. Enfin, le role ambigu joue par la critique (notamment les cahiers du cinema, ancien foyer anime de la politique des auteurs) et par l'enseignement universitaire du cinema, d'une part dans la legitimation de la politique de soutien au cinema francais ; d'autre part dans l'elaboration d'une veritable mythologie << auteuriste >> de la nouvelle vague, a ete clairement mis en evidence.

Cette thèse porte sur le rôle des productrices de cinéma françaises en tant que figures centrales du processus de réalisation de chaque film. Nonobstant leur importante contribution, les productrices de cinéma sont largement oubliées dans l’histoire du septième art et très peu connues du grand public, les études s’étant davantage focalisées sur les actrices, les scénaristes et les réalisatrices. C’est justement ce manque que la présente recherche se propose de combler en explorant les carrières, les motivations, les difficultés rencontrées et le quotidien des productrices cinématographiques françaises, en mettant en valeur ce qu’elles ont apporté, en montrant comment elles ont fait évoluer le métier de producteur et notamment combien elles ont influencé l’économie du cinéma et façonné, par leur travail, notre imaginaire. Notre analyse s’articule en trois temps, afin de comprendre le processus qui a favorisé l’avènement des femmes dans la production cinématographique française depuis la Nouvelle Vague jusqu’à nos jours. Le projet de valoriser le rôle des productrices ne permet pas seulement de dévoiler un pan de l’histoire du septième art, mais aussi de poser la question de la production cinématographique déclinée au féminin au cœur de la réflexion sur le travail. Notre thèse vise ainsi à révéler, par le biais des paroles, des actes et du management des productrices, l’histoire du septième art au travers d’une nouvelle perspective, permettant de mieux comprendre la réalité culturelle et ses contradictions. Il est certain qu’il ne saurait être question d’histoire du cinéma sans ces femmes
This thesis focuses on the role of French film producers as central figures in the production process of each film. Notwithstanding their important contribution, film producers are largely forgotten in the history of the seventh art and little known to the general public, the studies having focused more on actresses, screenwriters and directors. It is precisely this lack that the present research proposes to fill by exploring the careers, the motivations, the difficulties encountered and the daily life of the French film producers, by highlighting what they brought, by showing how they made to evolve the profession of producer and in particular how much they influenced the economy of the cinema and shaped, by their work, our imagination. Our analysis is articulated in three stages, in order to understand the process that has favored the advent of women in French film production since the Nouvelle Vague until today. The project to enhance the role of producers not only reveals a part of the history of the seventh art, but also to ask the question of film production declined to the feminine at the heart of the reflection on the work. Our thesis aims to reveal, through the words, actions and management of producers, the history of the seventh art through a new perspective, to better understand the cultural reality and its contradictions. It is certain that there can be no question of the history of cinema without these women

Les systèmes Spatial On-Line Analytical Processing (SOLAP) permettent de prendre en charge l’analyse multidimensionnelle en ligne d’un très grand volume de données ayant une référence spatiale. Dans ces systèmes, le vague spatial n’est généralement pas pris en compte, ce qui peut être source d’erreurs dans les analyses et les interprétations des cubes de données SOLAP, effectuées par les utilisateurs finaux. Bien qu’il existe des modèles d’objets ad-hoc pour gérer le vague spatial, l’implantation de ces modèles dans les systèmes SOLAP est encore à l’état embryonnaire. En outre, l’introduction de tels modèles dans les systèmes SOLAP accroit la complexité de l’analyse au détriment de l’utilisabilité dans bon nombre de contextes applicatifs. Dans cette thèse nous nous proposons d’investiguer la piste d’une nouvelle approche visant un compromis approprié entre l’exactitude théorique de la réponse au vague spatial, la facilité d’implantation dans les systèmes SOLAP existants et l’utilisabilité des cubes de données fournis aux utilisateurs finaux.Les objectifs de cette thèse sont donc de jeter les bases d’une approche de conception de cube SOLAP où la gestion du vague est remplacée par la gestion des risques de mauvaises interprétations induits, d’en définir les principes d’une implantation pratique et d’en démontrer les avantages.En résultats aux travaux menés, une approche de conception de cubes SOLAP où le risque de mauvaise interprétation est considéré et géré de manière itérative et en adéquation avec les sensibilités des utilisateurs finaux quant aux risques potentiels identifiés a été proposée; des outils formels à savoir un profil UML adapté, des fonctions de modification de schémas multidimensionnels pour construire les cubes souhaités, et un processus formel guidant de telles transformations de schémas ont été présentés; la vérification de la faisabilité de notre approche dans un cadre purement informatique avec la mise en oeuvre de l’approche dans un outil CASE (Computed Aided Software Engineering) a aussi été présentée. Pour finir, nous avons pu valider le fait que l’approche fournisse non seulement des cubes aussi compréhensibles et donc utilisables que les cubes classiques, mais aussi des cubes où le vague n’est plus laissé de côté, sans aucun effort pour atténuer ses impacts sur les analyses et les prises de décision des utilisateurs finaux
SOLAP (Spatial On-Line Analytical Processing) systems support the online multi-dimensional analysis of a very large volume of data with a spatial reference. In these systems, the spatial vagueness is usually not taken into account, which can lead to errors in the SOLAP datacubes analyzes and interpretations end-users make. Although there are ad-hoc models of vague objects to manage the spatial vagueness, the implementation of these models in SOLAP systems is still in an embryonal state. In addition, the introduction of such models in SOLAP systems increases the complexity of the analysis at the expense of usability in many application contexts. In this thesis we propose to investigate the trail of a new approach that makes an appropriate compromise between the theoretical accuracy of the response to the spatial vagueness, the ease of implementation in existing SOLAP systems and the usability of datacubes provided to end users.The objectives of this thesis are to lay the foundations of a SOLAP datacube design approach where spatial vagueness management in itself is replaced by the management of risks of misinterpretations induced by the vagueness, to define the principles of a practical implementation of the approach and to demonstrate its benefits.The results of this thesis consist of a SOLAP datacube design approach where the risks of misinterpretation are considered and managed in an iterative manner and in line with the end users tolerance levels regarding those risks; formal tools namely a suitable UML (Unified Modeling Language) profile, multidimensional schemas transformation functions to help tailored the datacubes to end-users tolerance levels, and a formal process guiding such schemas transformation; verifying the feasibility of our approach in a computing context with the implementation of the approach in a CASE (Computed Aided Software Engineering) tool. Finally, we were able to validate that the approach provides SOLAP datacubes that are not only as comprehensible and thus usable as conventional datacubes but also datacubes where the spatial vagueness is not left out, with no effort to mitigate its impacts on analysis and decision making for end users

Le propos de cette etude est de comprendre le travail integral de jean-luc godard des le debut jusqu'a aujourd'hui (+ for ever mozart ;, 1996). Face a son monde, nous essayons de cerner une coherence. C'est son projet qui fait cette coherence, projet de sauver le cinema, la vie. Ce projet se deroule en deux periodes dont chacune revele sa propre facon. Dans la premiere periode il s'interesse a la recherche de l'image de la realite, l'image-espace. C'est pourquoi, mous appelons cette periode + le temps de l'image ; ou il s'interroge sur la substance de l'image. La, il s'attache a trouver l'image-espace et naturellement son travail devient stylise autour de cette recherche ; certain agencement se construit autour de cette recherche et notre etude est centre a cerner cet agencement. Mais, en approchant de la realite, godard rencontre l'ideologie qui fait cette realite et il trouve son role dans la lutte contre cette ideologie. Il devient combattant et son cinema est reexamine par lui-meme. Il s'introduit ainsi dans la deuxieme periode ou il s'interesse a la puissance de l'image qui nous permet de voir la verite, de trouver l'histoire. Il renonce a la recherche de l'image-espace, mais s'attache a rechercher l'image-histoire. Le cinema se presente comme une arme qui nous permet de voir autrement l'histoire et de cerner la vie de la naissance a la mort. Ses travaux nous presentent un autre agencement ou le style n'est pas cherche, mais toute l'histoire est examinee. Dans l'etude de cette periode, nous suivrons la derniere etape de sauver le cinema qui recherche la puissance de l'image de l'histoire. C'est pour cela que nous nommons cette periode + le temps de l'histoire
The purpose of this study is to understand the entire work of jean-luc godard from the beginning to today ("for ever mozart", 1996). In the face of its world, we try to surround a coherence. That is his project that makes this coherence, a project to save the cinema. This project unfolds in two stages each of which has revealed his own manner to save the cinema, therefore, following these two stages, we divide his works in two periods. In the first period his interest is in search of image of the reality, the image-space. So, we call this period + the time of the image ; where he tries to find the substance of the image, the cinema. There, his work becomes stylized around this research; certain arrangement built in this research and our study is centered to surround this arrangement. However, by approaching the reality, godard meets the ideology that makes this reality and he has found his role in the struggle against this ideology. He \ becomes militant, combatant and his cinema is re-examined by himself. He enters thus in the second period where he is interested in the power of image that allows us to see, to find the other history. It renounces in search of the imagespace, but he tries to research the image-history. The cinema is found as an arm that allows us to see otherwise the history and to surround the life from the birth to the death. Naturally, in his works, we find an other arrangement where the style does not search, but all history is examined. In the study of this period, we will follow the last stage to save the cinema that researches the power of the image that allow us to see, reflect on the history. That is in order that we appoint this period + the time of the history

Cette thèse se propose de revenir sur l’œuvre cinématographique de Guy Gilles, cinéaste à la trajectoire singulière, voguant entre les espaces et les temps. Une œuvre qui repose sur un aller-retour constant, de manière directe ou indirecte, entre l’Algérie, sa terre natale, et la France, plus particulièrement Paris, ville idéalisée, mythifiée, qu’il filma constamment comme pour retrouver un temps et une lumière perdue. Né en 1938, arrivé à Paris en 1960, Guy Gilles ne sera pas reconnu par la Nouvelle Vague, ni première, ni deuxième génération, et restera en marge de la marge (cinéma underground, cinéma homosexuel, cinéma d’essai) jusqu’à sa mort en 1996. Son œuvre, discrète et secrète, tombée dans l’oubli, doit être redécouverte aujourd'hui. D’une part pour sa recherche formelle, ses récits impressionnistes, sa poésie de la ville, et d’autre part pour la quête intime, proustienne, passant par toutes les formes filmiques qu’il a abordées (courts et longs métrages, films pour la télévision) mais aussi ses peintures et son œuvre photographique
This thesis revisits the cinematographic work of Guy Gilles, a filmmaker with a singular trajectory, navigating between time and space. His work is based on a constant back and forth, directly or indirectly, between Algeria, his native land, and France, more particularly Paris, an idealised, mythified city, which he constantly filmed as if to find again a certain time and light that had been lost. Born in 1938, Guy Gilles arrived in Paris in 1960. He received no recognition from the Nouvelle Vague, neither from the first nor the second generation, and remained on the fringe of the fringe (underground cinema, gay cinema, art films) until his death in 1996. His work - discreet and secret - has fallen into oblivion and should be rediscovered today. First, for Gilles’ formal research, his impressionist narratives, his poetry of the city; and second, for his intimate, Proustian quest, passing through all the filmic forms he used (short and feature films, films for television), but also his painting and photographic work

Aquest estudi aplica una mirada sociològica a l’obra cinematogràfica d’Éric Rohmer, en tant que el seu caràcter realista i documentalista, reflecteix amb precisió les dinàmiques de la transformació de l’amor a la segona meitat del segle XX. Un cop feta l’anàlisi de contingut i la narratològica de diferents pel·lícules, es demostra que Rohmer va capturar diferents maneres i postures d’adaptar-se al nou context social postindustrial marcat per la revolució sexual i la transformació de les relacions de gènere. La sociologia de l’amor i de la sexualitat (a partir d’Illouz, Giddens, Bozon, Beck & Beck-Gernsheim i Bauman, entre d’altres) proporciona les claus interpretatives noves per a l’anàlisi dels cinema de Rohmer ja que senyalen l’impacte que van exercir els canvis econòmics i culturals postmoderns a les mirades individuals sobre l’amor. Partint d’aquestes claus s’observa com les narratives contradictòries i les normes socials canviants van pressionar els individus a replantejar-se la seva identitat i la seva visió de la intimitat varis cops durant el llarg de la seva vida. Tenint en compte això, es pot observar a través de les pel·lícules de Rohmer les dinàmiques de canvi en matèria de sexualitat, la modificació de les expectatives matrimonials i de l’elecció de la parella. Finalment es subratllen les diferents visions de l’amor romàntic, amor lliure i matrimoni monògam, les visions femenines i masculines coexisteixen i com es negocien a la vida quotidiana de les últimes quatre dècades del segle passat reflectides en aquestes pel·lícules.
Este estudio aplica una mirada sociológica a la obra cinematográfica de Éric Rohmer que, dado su carácter realista y documentalista, refleja con precisión las dinámicas de transformación del amor en la segunda mitad del siglo XX. Tras el análisis de contenido y el narratológico de varias películas, se demuestra que Rohmer capturó diferentes posturas y maneras de adaptarse al nuevo contexto social postindustrial marcado por la revolución sexual y la transformación de las relaciones de género. La sociología del amor y de la sexualidad (a partir de Illouz, Giddens, Bozon, Beck & Beck-Gernsheim y Bauman, entre otros) proporciona claves interpretativas nuevas para el análisis del cine de Rohmer, ya que señala el impacto que ejercieron los cambios económicos y culturales postmodernos en las miradas individuales sobre el amor. Partiendo de estas claves se observa como las narrativas contradictorias y normas sociales cambiantes presionan a los sujetos a replantear su identidad y su visión de la intimidad, varias veces a lo largo de su vida. Teniendo en cuenta esto, también se observan, a través de las películas de Rohmer, las dinámicas de cambio en materia de sexualidad, la modificación de las expectativas matrimoniales y de la elección de la pareja. Finalmente se iluminan diferentes visiones del amor romántico, amor libre y matrimonio monógamo, visiones femeninas y masculinas que coexisten y se negocian en la vida cotidiana de las últimas cuatro décadas del siglo pasado reflejadas en estas películas.
This present study gives a sociological regard towards the cinematographic work of Éric Rohmer. Due to his realistic and documentary sort of films, he reflected precisely the dynamics of the love transformation on the last decades of the 20th century. Once the content and the narratology of different films are analyzed, it is shown that Rohmer captured different ways and postures of adaptation to the new postindustrial social context, influenced by the sexual revolution and the transformation of gender roles. Sociology of love and sexuality (from Illouz, Giddens, Bozon, Beck & Beck-Gernsheim and Bauman, among others) give us new ways of analyzing the cinema of Éric Rohmer, since they focus on the impact of the economic and cultural changes in postmodernity in the individual visions of love. From those new ways we observe the contradictory narrations and changing social rules that pressured people to rearrange their identities and their vision of intimacy even several times among their lives. On account of this and throughout Rohmer’s films, the dynamics of change towards sexual relationships, marriage expectations and the choice of partner can be observed. Finally, different visions of romantic love, free love and monogamous marriage are noted, along with masculine and feminine coexisting visions, and the negotiations in everyday life in the last four decades of the last century shown in these films.

Orientador: Gilberto Alexandre Sobrinho
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-26T00:46:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Garcia_AlexandreRafael_M.pdf: 12264474 bytes, checksum: c741a7bead8ebb1b26a957c09ffebb4b (MD5) Previous issue date: 2014
Resumo: Este trabalho tem como objeto de pesquisa filmes do diretor francês Éric Rohmer, que se estabeleceu com a nouvelle vague francesa, no contexto das décadas de 1950 e 1960. O centro da pesquisa são os Contos morais, um ciclo de seis filmes composto por A Padeira do bairro (1963), A Carreira de Suzanne (1963), A Colecionadora (1967), Minha noite com ela (1969), O Joelho de Claire (1970) e Amor à tarde (1972). Esta é a primeira fase de destaque do cineasta e o período de consolidação do seu estilo. É apresentado um panorama histórico da passagem da profissão como crítico na revista Cahiers du Cinéma à realização dos Contos morais. A partir da análise fílmica, atendo-se à narrativa, à encenação e aos modos de produção, são identificadas as linhas de força da poética do cineasta. Constata-se que seu particular modo de produção reflete esteticamente em seus filmes. Rohmer se concentra nas questões morais e nas relações sentimentais dos seus personagens, evidenciando um cinema fortemente objetivado e de transparência. O diretor emprega a construção de uma rigorosa estrutura narrativa ficcional, isso combinado com uma abordagem realista do espaço, da trama e das atuações; finalmente, destaca a valorização da verborragia de seus personagens
Abstract: This paper has as object of research movies of the French director Éric Rohmer, who settled with the French new wave, in the context of the 1950s and 1960s. The center of the research are the Moral tales, a cycle of six movies composed of The Bakery girl of Monceau (1963), Suzanne's Career (1963), The Collector (1967), My Night at Maud¿s (1969), Claire's Knee (1970) and Love in the afternoon (1972). This is the first prominent phase of the filmmaker and the period of consolidation of his style. A historical overview of the transition of his profession as film critic in Cahiers du Cinéma to the directing of the Moral tales is presented. From film analysis, focusing the narrative, the mise en scène and the production methods, the power lines of the poetic of the filmmaker are identified. It is verified that his particular way of producing reflects aesthetically in his films. Rohmer focuses on moral issues and sentimental relations of the characters, showing a strongly objectified and transparent film. The director employs a strict construction of fictional narrative structure, combined with a realistic approach of the space, plot and performances; finally, he highlights the appreciation of verbiage of his characters
Mestrado
Multimeios
Mestre em Multimeios

Le cinéma d'Alain Resnais a souvent conduit l'exégèse à formuler divers commentaires, parmi lesquels le thème de la mémoire occupe une place prépondérante. Cependant, ainsi que le cinéaste l'affirme lui-même, sa préoccupation fondamentale est l'imaginaire, qu'il considère comme un sujet idéal pour le cinéma. Cette recherche se propose de démontrer comment Resnais établit à travers ses longs métrages une interaction du réel et de l'imaginaire, grâce à la création d'une relation réciproque entre l'œuvre et le public : d'une part, le réel (ses œuvres à une action sur notre imaginaire ; d'autre part, chaque film est ouvert et il demeure donc un support constant aux multiples interprétations. Dans cette perspective, les différents aspects du film sont conçus comme des catalyseurs de l'émotion, afin « d'ébranler la certitude des gens, les réveiller, faire qu'ils n'acceptent pas les valeurs reçues comme intangibles » (Resnais). Ils concourent à développer l’implication du spectateur dans l'œuvre : le montage expressif (par son sens et par son rythme) et le montage narratif (par le biais de structures fondées sur le jeu de la construction et de la déconstruction) ; la musicalité du film et le rôle de la musique dans l'œuvre ; les thèmes, historiques ou reliés à la culture populaire. Cette volonté de provoquer la participation de chacun trouve évidemment son origine dans le contexte artistique et culturel du début des années 60, notamment dans le cinéma expérimental et la nouvelle vague.

Le présent travail se consacre à une étude génétique de l’œuvre de Jean Eustache (1938-1981), saisie dans ses accomplissements comme dans ses projets et esquisses inachevés. En se fondant sur des archives jusqu’alors inexploitées (Cinémathèque française, Inathèque, IMEC et collections personnelles), en recueillant des témoignages inédits (producteurs, chefs opérateurs, assistants, acteurs, collaborateurs, amis et famille du cinéaste), en analysant aussi bien des scénarios, notes d’intention ou dossiers de production que les films eux-mêmes, notre recherche restitue l’ensemble du parcours créatif de Jean Eustache, dans ses tours et détours. Analyse de création, la méthode consiste à retracer de la façon la plus documentée possible la démarche qui a permis l’éclosion d’une œuvre. Comment s’articulent constance de l’entreprise autobiographique et diversité des conditions de production ? Qui amène le cinéaste à réaliser le manifeste inédit Numéro zéro (1971) ? Comment La Maman et la putain (1973) et Mes petites amoureuses (1974) sont-ils presque simultanément élaborés ? Comment l’idée des essais expérimentaux, Une sale histoire (1977) ou Les Photos d’Alix (1980), est-elle née ? Comment créer de façon aussi personnelle dans le cadre du cinéma d’auteur et dans celui de la Télévision publique ? Telles sont quelques-unes des questions factuelles auxquelles ce Doctorat répond, qui permettent d’éclairer les choix esthétiques propres à Jean Eustache
The dissertation conducts a genetic study of Jean Eustache’s work (1938-1981) as seen through his completed films as well as unfinished projects and drafts. In being based on archives, so far undeveloped (Cinémathèque française, Inathèque, IMEC and personal collections), carrying out interviews with his former producers, directors of photography, assistants, actors, collaborators, friends, or family, and in analyzing not only his movies but also his film scripts, director’s memos or production files, the dissertation reconstructs Eustache’s whole creative journey with its twists and turns. As analysis of creation, the method seeks to trace in the most documented manner possible the process that gave rise to Eustache’s œuvre. How are connected his everlasting autobiographical undertaking and the various conditions of productions? What has leaded him to produce the filmic manifesto Number Zero (1971)? How are The Mother and the Whore (1973) and My Little Loves (1974) produced almost simultaneously? How was born the idea for experimental film essays such as A Dirty Story (1977) or Alix’s Photos (1980)? How one can create originally within both the author cinema and Public Television? This doctoral study replies to these factual questions, which enable to clarify Jean Eustache’s aesthetic and cinematic specific choices

Cette thèse se propose d'étudier le phénomène littéraire défini comme la «nouvelle vague sarde», et plus particulièrement les formes et les raisons du mélange linguistique sarde/italien, qui caractérisent les œuvres des écrivains sardes publiées entre 1995 et 2010. A travers une analyse diachronique et synchronique de la littérature de la Sardaigne nous voulons montrer qu'on ne peut pas parler d'une vraie nouveauté ni d'une tendance unitaire telle qu'on puisse parler d’une «vague». En effet, cette «renaissance littéraire sarde» correspond à l'exploit simultané de quelques auteurs, qui profitent d'un climat de forte vitalité, au niveau national, des langues régionales, mais, surtout, d'une nouvelle liberté expressive, inaugurée par les romans de Sergio Atzeni au milieu des années 1990. Même s'il existe des différences remarquables parmi les formes et les effets liés au mélange linguistique utilisé dans les romans pris en examen, cette caractéristique du panorama littéraire contemporain sarde met en évidence une attention spéciale, de la part des auteurs, pour la langue parlée sur l'île dans les époques racontées, qu'il s'agisse du sarde ou de l'italien régional sarde. De plus, le choix du mélange de sarde et d’italien souligne la valeur attribuée aux formes expressives typiques de la Sardaigne, dans le cadre d'une représentation des particularités et des problématiques internes, liées aux relations entre le progrès et la tradition
This thesis aims to study the literary phenomenon called «Sardinia nouvelle vague» and more particularly the forms and reasons of linguistic mixture between Sardinian and Italian, which characterize the works of Sardinian writers published between 1995 and 2010. Through a diachronic and synchronic study of Sardinian literature we want to show that we are not talking about something new. In fact, the "Sardinian literary renaissance" is the exploit of some authors who take advantage of a climate of strong national vitality, of regional languages, but, above all, a new freedom of expression, inaugurated by the works of Sergio Atzeni in the mid 90s. Despite significant differences in the forms and effects of mixture of language used in novels examined, this feature of the contemporary Sardinian literary scene marks a special attention by the authors to the language spoken on the island in different eras portrayed, whether it's Sardinian, regional Sardinian or Italian. Moreover, the choice of the mix of Sardinian and Italian emphasizes the value attributed to the forms of expression typical of Sardinia as part of a representation of the peculiarities and internal issues, related to the relationship between progress and tradition

L'expression « tradition de la qualité » désigne souvent une partie importante du cinéma français de l'après-guerre comprise entre 1945 et 1958. La réputation de cette fraction de la production française est en général négative, à cause du discrédit qu'ont d'abord jeté sur elle les articles polémiques des jeunes critiques des Cahiers du cinéma puis les premiers films de la « Nouvelle Vague ». Cependant, la notion de « tradition de la qualité » ou de « qualité française » reste difficile à définir et à localiser. Le but premier de notre travail est de faire l'archéologie d'une notion fluctuante et instable et pourtant incontournable. Nous cherchons les origines de ce concept et nous retraçons son parcours historique, sémantique et rhétorique, qui traverse les champs institutionnel, corporatif, juridique, culturel et critique. L'étude de son usage dans la revue des Cahiers du cinéma nous permet en outre de formuler des propositions théoriques sur la signification que représente le concept critique de la « tradition de la qualité » pour le groupe de critiques surnommés les « jeunes Turcs ». Par ailleurs, l'examen de la réception de films considérés comme relevant de la « tradition de la qualité » est aussi le moyen d'en analyser l'esthétique : nous articulons le discours critique avec le contexte historique, la narratologie et la sociologie afin de déterminer les caractéristiques qui donnent une cohérence à ces films en examinant leurs dimensions génériques, narratives et visuelles
The term « tradition of quality » usually refers to an important part of the French post-war cinema produced between 1945 and 1958. The fame of this French cinema fraction is generally derogatory, because of how it was first discredited by polemical articles published in the Cahiers du cinéma by young critics, then by the early movies of the « Nouvelle Vague ». However, the notion of « tradition of quality » or « french quality » is still difficult to define precisely. We shall first endeavour to dig for the roots of a fluctuating and unsteady yet unavoidable notion. We shall look for the origin of this concept and trace back its historical, semantic and rhetorical path, a path that navigates institutional, corporate, legal, cultural and critical spheres. The study of its use in the magazine Cahiers du cinéma also enables us to consider theoretical hypotheses on the meaning of « tradition of quality » for the reviewer groups called the « young Turks ». Moreover, the way these films regarded as « tradition of quality » were received also opens up an aesthetic analysis: we articulate critical speech with historical context, narratology and sociology in order to detail the features that give coherence to those films through the study of their generic, narrative and visual dimensions

Jacques Demy's Les Parapluies de Cherbourg (1964), Les Demoiselles de Rochefort (1967), and Peau d'âne (1970), though quite popular with the public at their time of release and continuing to leave an aesthetic stamp on contemporary cinema, have been received by some critics and viewers in general as pure contrivance with little edification. This thesis puts forward, however, that such interpretations of these Demy musicals as primarily saccharine, superficial, and light miss the elemental melancholy belied by the charming varnish. Here, the three are unified as a triptych that thematizes and aestheticizes lack and desire in ways that can speak directly to the queer viewer. This thesis first situates the films among criticism from the 1960s to the present, opening a discourse on the potential for diverse political and aesthetic readings of Demy's work that continues to the present queer reading. Through a method of narratological close reading, I unify the three films as a triptych, each a variation on themes of isolation, absence, and amorous lack. Jean-Pierre Berthomé's Jacques Demy et les raciness du rêve (1982) is a rich resource in presenting these three seemingly distinct films as a totality. Once justified for study as a triptych, my thesis presents a queer reading of the films' ostensibly heterosexual narrative structures. With the buttressing of the queer theory of Harold Beaver, Andrew Ross, and Michael Koresky, among others, this chapter demonstrates how the narratives of longing Demy crafts can speak to the queer viewer and transcend a heterosexual framework. Finally, my thesis moves beyond narrative to another continuity, the aesthetic of camp present throughout the triptych. Through an exploration of the interconnectivity of camp, gender performance, and seduction, drawing on scholars Susan Sontag, Judith Butler, and Jean Baudrillard, respectively, the aesthetic of Demy's triptych is situated in a queer sensibility. Catherine Deneuve, Demy's "princesse idéale," is read as the reification of this sensibility in her potent performance of gender at the confluence of masculine and feminine qualities, as well as the ideal tabula rasa onto which the queer viewer's desire and longing can be projected. Ultimately, the triptych's reconciliation of the visually confectionary and the narratively somber is celebrated, as it points to a victory over tragedy through affective agency.
Master of Arts
Jacques Demy's Les Parapluies de Cherbourg (1964), Les Demoiselles de Rochefort (1967), and Peau d'âne (1970), French musicals from a masterful director of the New Wave movement in cinema, have been generally received positively by the public, and especially by gay viewers. Yet, these Demy films have been met with a range of skepticism to derision by some critics and even by a number of Demy's contemporaries. The three films' narratives concern a nascent romance thwarted by the Algerian War and economic demands, potential amorous encounters prevented by missed connections and arbitrary social barriers, and a flight from incestuous demands and its consequences of isolation and ridicule, respectively. Though these narratives are fundamentally melancholic, they are aestheticized through kaleidoscopic colors, virtuosic dancing, and the beautiful music scores of Michel Legrand. This thesis reexamines these films as a triptych that, considered together, thematizes lack and desire in a way that can speak directly to the queer viewer. Areas of overlap between the filmic narratives and the queer experience in the West are excavated and explored to demonstrate how the films can carry intimate signification to sexual minorities, as well as other marginalized identities. Finally, the particular and continuous aesthetic of the three films is studied as a queer sensibility embodied by the star of all three, Catherine Deneuve. The ability of this triptych to transcend a singular heterosexual interpretation and to heighten its effects on the viewer through a tension of form and content is celebrated.

J'ai developpe le rapport du pensant aux feminins pour preciser la clinique des sexualites de femmes. J'ai pense dans quelle mesure une representation epistemologique aux feminins des desirs, ses erotiques, dans son elaboration fantasmatique, critique les formules de la sexuation lacanienne, et developpe la libido freudienne sur le chemin d'une metapsychologie asymetrique d'alterite. Le feminin n'etant plus defini dans l'inconscient comme le manque a etre d'un modele masculin, le feminin n'etant plus condamne a la grammaire du negatif
I developed the relation between thougts and feminity to specify howto lesten women's sexualites. I criticized freudian and lacanian representation about feminine sexuality, their conceptions about feminine 's desires and fantaisies, the relation between feminism and analysis

Cette étude en sociologie de l'art et de la culture consiste à appréhender le fonctionnement d'un phénomène précis, la mise en place d'interprétations puis de conventions autour de la production d'une figure d'artiste : celle de Jean-Luc Godard. Ce travail comporte trois parties dont deux se sont révélées fournir une dimension appliquée à l'objet cinéma. Dans une première articulation, nous avons défini une approche en sociologie de l'art et de la culture et justifié la pertinence d'un travail sur les œuvres. Ensuite, nous avons observé des traces du passé - films, critiques voire théories - et tenté de les restituer autant que faire se peut dans leur contexte. Enfin, nous avons organisé, c'est-à-dire opéré une reconstruction dans une perspective relationnelle autour de deux notions : l'histoire et l'image, l'œuvre et l'auteur. En retraçant les liaisons dynamiques qui s'instaurent entre le cinéaste Jean- Luc Godard et la société, nous avons cherché à reconstruire des phénomènes artistiques par le biais d'une intégration des faits historiques en système d'une part, et, d'autre part, par une ethnographie de l'activité artistique, c'est-à-dire par la manière dont l'artiste se définit au travers de son travail et de sa production. La perspective relationnelle, suggérée par Marcel Mauss avec son concept méthodologique de phénomène social total, nous a donné la possibilité de mettre en perspective une étude des structures de sociabilité, d'itinéraires et parfois de mettre en lumière des effets de génération. Nous avons ainsi analysé les nouvelles modalités du social que des œuvres comme « À bout de souffle », « Pierrot le fou et la chinoise » contenaient, tout en examinant la trajectoire du cinéaste entre 1959 et 1967 pour ensuite esquisser les éléments de la construction d'une biographie ou nous avons pu observer une représentation du cinéaste, une stratégie de carrière et une logique artistique
This work in art and culture sociology consists in apprehending a specific phenomenon, the setting up of interpretations and then conventions about an artist's production : Jean-Luc Godard’s one. This work is made of three parts, two of which proved to give a dimension to cinema as a subject. First we defined an approach in art and culture sociology to this subject and we justified the relevance of researching on the works in question. Then we observed traces of the past - films, reviews and even theories - and we attempted to put them in their historical context as far as possible. Finally we organized our work, that is to say we reconstructed it from a relational viewpoint focusing on two notions : history and picture, the film-maker and his work. Relating the dynamic links that are set up between Jean-Luc Godard and society, we tried to reconstruct artisics phenomenons by means of integrating historical facts in a systemic way on the one hand and on the other hand doing an ethnography of artistic activity, that is to say the way the artist defines himself trough his work and his cinema. The relational approach suggested by Marcel Mauss's methodological concept of global social phenomenon allowed us to put in prospect a study of sociability structures, paths and sometimes to bring generation effects to light. Thus we analized the new modalities of social matters held in films such as « A bout de souffle », « Pierrot le fou and la chinoise », considering the film-maker's development between 1959 and 1967 to outline the elements of the construction of a biography in which we could watch one godard's representation, a career strategy and an artistic logic

Si tal com va escriure Giorgio Agamben el cinema té per element el gest i no la imatge, el cinema francès nascut en la modernitat ha convertit l’expressió gestual en l’exercici d’una carícia. Un exercici que cerca el secret de les imatges al mateix temps que l’esguarda sense revelar-lo; fundat en la inquietud per veure, i més concretament, en una dialèctica de proximitat i d’exterioritat, que refusa tota tematització, possessió i totalitat del visible. ¿Quina és la lògica d’una mirada la direcció de la qual ve determinada per la significança i la infinitud de la imatge a venir? ¿Quins sistemes generen els films i com es pensa el treball figural quan el desig que provoca el moviment de les imatges implica una separació entre el subjecte i l’objecte, el vident i el visible, el jo i l’altre? El programa filosòfic d’Emmanuel Lévinas sobre una fenomenologia de l’amor entronca amb la transformació del llenguatge que, segons Serge Daney, va suposar la Nouvelle Vague en passar d’un cinema de l’ideal a un cinema de l’alteritat. Si la representació de l’amor al cinema francès configura una tendència estètica en la modernitat en pensar les imatges des de l’aproximació i el desconeixement de l’altre, és perquè aquesta tendència ha dut a replantejar les dialèctiques del llenguatge cinematogràfic que determinen els sistemes figuratius (imatge/paraula, camp/fora de camp, pla/contraplà, pla fix/moviment de càmera, ràcord/tall). D’acord amb aquesta transformació, la tesi que segueix exposa i dilucida les principals línies traçades pels autors que han mantingut l’interès pel relat en un terreny de discussió figurativa on el film esdevé un mètode i un problema a resoldre. En aquest sentit, i per consegüent, la reconsideració fenomenològica d’aquest estudi, i del cinema com a carícia en particular, proposa no només una nova lectura i aproximació historiogràfica, sinó la reconsideració dels principis ontològics del cinema segons André Bazin i més concretament de la imatge-temps que Gilles Deleuze hauria fet ineludible per qualsevol estudi sobre el pensament del cinema modern.
If, as Giorgio Agamben put it, cinema is gestuality rather than image, then the French cinema of modern times has turned gestural expressions into a caressing exercise. Indeed, an exercise which attempts to detect the secret hidden in the images yet one which, once discovered, won’t be revealed given that the impulse of seeing and, more to the point, the dialectics of proximity and exteriority rebuff any attempt to wholly possess or otherwise typecast that which is visible. What is the logic of a glance where the direction is determined by the significance and the infinitude of the image yet to come? What systems are generated by films and how is image work thought out when the desire generated by the movement of images implies a separation between the subject and the object, the viewer and the visible, the I and the other? Emmanuel Lévinas’ philosophical programme of the phenomenology of love clings onto the transformation of language in a way which, according to Serge Daney, was embodied by the Nouvelle Vague when it moved from the film of ideals to that of alterity. In French film, the representation of love tends to conform a modern aesthetic image because it is understood from standpoints based on proximity and the unknowness of the other. This can be explained from the fact that the dialectics of cinematic language have been reconsidered as far as figurative systems (image/word, on screen/out of screen, shot/reverse shot, still shot/moving camera, continuity/cut) are concerned. According to this transformation, the thesis that follows exposes and elucidates the main lines drawn by those authors who have maintained an interest in the field of figurative discourse where film as such becomes a method and a problem to be solved. In this sense and consequently, the phenomenological reconsideration of this study and, in particular, of film seen as a caress, proposes not only a new reading and a historiographical approximation but also the reconsideration of ontological film principles according to André Bazin and more to the point, of image-time which Gilles Deleuze would have deemed essential in any study about thought in modern film.

La décennie 1960 figure comme une période d’intenses bouleversements dans l’histoire du cinéma japonais. Une nouvelle génération de cinéastes s’impose et se démarque des "grands maîtres" des années 1930 et 1950, tandis que se diversifient les plateformes de production et que les grands studios voient s’effriter leur monopole sur l’industrie des loisirs. L’heure est à la libération sexuelle, à la contestation politique, aux mouvements citoyens contre la pollution industrielle : un climat libertaire propice aux irrévérences, dont le monde cinématographique se fait comptable à travers une série de "scandales". Pourtant cette nouvelle et turbulente jeunesse du cinéma ne saurait s’envisager comme un simple phénomène démographique, malgré ce que certains cinéastes, Nakahira Kô et les tenants d’un éphémère "Taiyôzoku", voudraient faire croire à la fin des années 1950. Pour d’autres, Oshima Nagisa, Yoshida Kijû ou Matsumoto Toshio, le renouvellement passe au contraire par une redéfinition du rôle du cinéaste et de la façon dont il "agit" le monde : aussi est-il plutôt question de "vision du monde". Cette transition se constate d’autant mieux qu’on la rapporte au cinéma d’après-guerre, dont Imai, Naruse, Kurosawa développent des options esthétiques spécifiques, pour bâtir un espace-temps entropique, miné par l’angoisse. Mais l’accès du pays à la prospérité au tournant des années 1960, célébrée en grande pompe par les Jeux Olympiques de Tokyo de 1964, semble dissiper cette angoisse, entraînant les cinéastes de la nouvelle génération vers d’autres modèles théoriques et esthétiques, aptes à rendre compte de la nouvelle société de consommation et de communication de masse
The years 1960s stand as a time of upheaval in the history of Japanese cinema. A new generation of filmmakers arises, marking its difference from the so-called “great masters” of the 1930s and 1950s. The platforms of movie production diversify, while the great studios lose their domination upon the leisure industry. It is time for sexual freedom, political protests, civil movements against industrial pollution: a climate suitable for audacity and bold behaviors one can notice thoughout the cinematographic world, thanks to various "scandals". Yet that new and boisterous youth shall not be considered as a mere demographic change, whatever may pretend filmmakers such as Nakahira Kô and other upholders of the so-called "Taiyôzoku" at the end of the 1950s. Indeed, for the likes of Oshima Nagisa, Yoshida Kijû and Matsumoto Toshio, that renewal relies on the contrary on a new definition of filmmaking as a way to "enact" the world: thus would it rather be a matter of weltanschauung. Such a transition is obvious when compared to postwar films: for instance, Imai, Naruse or Kurosawa develop specific aesthetic patterns what draw a world of entropy, undermined by anguish. Yet the access to prosperity at the turn of the 1960s, as celebrated by 1964 Tokyo Olympic Games, seems to dissipate such feelings, leading the young generation of filmmakers toward other aesthetic options, able to give account of the new society of mass consumption

Le propos de la thèse est d'analyser les influences étrangères qui se sont exercées sur le cinéma iranien, depuis ses débuts tardifs, à la veille du parlant, jusqu'au déclenchement de la révolution islamique. Cette périodisation est pertinente, dans la mesure où elle correspond au règne des Pahlavi, marqué justement par une forte dépendance vis-à-vis des puissances occidentales (d'abord la Grande-Bretagne puis les Etats-Unis). Cette dépendance se traduit aussi dans le domaine culturel et explique que la lente construction d'un cinéma national se fasse sous l'influence directe des cinématographies étrangères qu'elles soient occidentales, arabes ou indiennes, principalement à travers la diffusion massive de films étrangers sur les écrans iraniens et à travers la formation des cinéastes iraniens à l'étranger. Le propos de la thèse est d'analyser dans le détail, à propos des films iraniens les plus marquants de cette longue période de presque 50 ans, quelles influences se sont successivement ou simultanément exercées, comment les cinéastes iraniens se sont inspirés de films étrangers pour représenter leur réalité nationale, et comment a peu à peu émergé un cinéma national. La thèse distingue les influences des cinémas des pays voisins - égyptien et italien-, puis s'attarde sur l'influence du cinéma américain des années 50 et 60, en particulier les genres d'action, puis celle du néo-réalisme italien, de De Sica à Antonioni et Comencini, enfin de la Nouvelle Vague française qui impose à la fois une esthétique et une économie, celle du cinéma à petit budget, favorable à l'émergence d'un cinéma d'auteur. .
The essay is about the different influences that had been involved in Iranian cinema from 1900 to 1978 (the year of revolution). It started by the first short films arrived in Iran by Mozafardin Shah in 1900. For that matter the first chapter of the essay is about the history of Iran and what kind of hobbies lranians used to have before cinema arrived. What was the first reaction of people and especially the religious people? Then there are 3 important influences which are presented in 3 differents chapters : -Influence coming from the neighborhoods (Arab, Turk and especially Indian) -Influence coming from U. S. A -Influence coming from Europe (especially Italien and the French Nouvelle Vague) The last chapter (chapter 5), is trying to answer one of the most important question of this essay which is : `Is there any kind of specific cinema in Iran that we can call « the national Iranian cinéma » ?'

Cette thèse s'inscrit dans le cadre d'une étude conduite depuis plusieurs années par l'IRD qui vise à mieux connaître les processus de l'hydrodynamique et du transport d'éléments dissous et de particules dans le Lagon Sud-Ouest de Nouvelle Calédonie (SINC). Les travaux présentés s'appuient sur des mesures de terrain el la modélisation numérique. Le premier volet de la thèse vise à synthétiser l'abondante information produite par un modèle numérique hydrodynamique (MAKS3D). Des indices relatifs au renouvellement des masses d'eau et ayant la dimension d'un temps, communément appelés temps de résidence, sont élaborés à partir d'outils numériques. La signification de ces indices, leur mode de calcul et leur application au SINC sont exposés. Plusieurs applications mettent en évidence les effets de l'hydrodynamique sur des processus biologiques et biochimiques. Hors période de crue, les sédiments fraîchement déposés constituent la principale source de particules en suspension. Les tensions de cisaillement provoquées par les effets combinés de la houle et du courant provoquent leur remise en suspension. Pour les calculer en tout point, il est nécessaire de simuler précisément le champ de vagues. La seconde partie de la thèse est consacrée. Pour cela, le modèle de houle Wavewatch est adapté au SLNC et validé par des mesures directionnelles de vagues. Le troisième et dernier volet de la thèse est focalisé sur la détermination des propriétés physiques des particules en suspension. Ces paramètres (concentration par classe granulométrique. Densité, vitesse de chute) sont nécessaires : pour modéliser le transport des particules. Ce travail s'appuie sur des mesures in siiu et des expériences en laboratoire réalisées à l'aide d'un granulomètre laser. Les résultats mettent eu évidence l'importance de la bio agrégation en milieu corallien
This thesis participates to a study that has been lead for several vears by IRD which aims increased knowledge of hydrodynamics and transport of dissolved substances and particles on the South-west Lagoon of New Caledonia (SLNC). This work stands on field measurements and numerical modelling. The first step of this thesis is an attempt to Synthesise the great amount of data produced by a numerical hydrodynamic model (MARS3D). Indexes having the dimension of time and related to the renewal of water masse Mere computed from numerical Tools applied to the In drodynamic model. The computation methods, the significance and the application of these indexes to the Southwest Lagoon of New-Caledonia (SLNC) are exposed. Examples of application of these indexes aiming to quantity the influence of hydrodynamics on biological processes are shown. Out of flooding periods, the re-suspension of freshly deposited sediments is the main source of suspended particles! on the SLNC. The combined actions of waves and currents induce a bottom shear stress that is responsible for particle re-suspension. In order to access the wave field characteristics, a wave model (WavewatchlII) was implemented over the SLNC. It was \alidated by in situ directional measurements of the wave field. The last part of this thesis focuses on the determination of physical properties of suspended particles such as particle si/e distributions, density, and fall velocit), are compulsory to model particle transport. I his work stands on in situ measurements and laboratory experiences performed with laser particle si/e anal\ser. Results emphasis the importance of bio-aggregation in a coral reef ecosystem

Notre travail de thèse de sociologie présente le passage du cinéma allemand en France depuis 1990, de sa sphère de production jusqu'à sa sphère de réception individuelle. Il mobilise les études sur la culture de l'École de Francfort ainsi que les apports de la sociologie de la réception, et s'appuie sur une enquête empirique menée auprès d'acteurs de la branche de production allemande et de spectateurs français. La production contemporaine est traversée par des mutations qui convergent pour générer un paysage cinématographique plus diversifié. L'apparition d'une voie médiane entre cinéma commercial et cinéma d'auteur, les « divertissements de qualité », principalement représentés par les films historiques à caractère authentique, favorise une reconnexion du cinéma allemand avec son public local et international. Les instances d'exportation déploient une nouvelle politique de visibilité polarisée autour de cette voie médiane, valorisée en tant que marchandise culturelle. La réputation du cinéma allemand auprès des distributeurs français est revalorisée, mais s'opère selon un mode conformiste qui tend à privilégier les motifs historiques et à exclure les comédies allemandes des écrans français. Cette orientation guide des horizons d'attente spectatoriels en termes de cinéma historique de qualité, crédible et fiable. Cette catégorisation de la germanité filmique mène alors au réinvestissement actif de visions du monde plus ou moins stéréotypées par rapport à l'Autre. Cette réception favorise en outre la matérialisation de phénomènes abstraits, liés à une expérience généralisée de l'altérité, entre germanité et universalité
This PhD presents the mechanisms of the appearance of German cinema in France since 1990, from its sphere of production to its individual reception. How can contemporary German cinema support new forms of encounter with the Other for French spectators? The analysis draws on the studies of culture undertaken by the Frankfurt School, as well as on contributions from the sociology of cinema and its reception. It also builds on empirical research conducted with major stakeholders : people working in German production on the one hand, and French spectators on the other. Since 1990 the production of German cinema has undergone changes resulting in the creation of a more productive film landscape. The rise in production has led to an increased export of German cinema, notably to France. This is a contradictory development: it has admittedly allowed a diversification in the nature of movies screened, but this diversification has been based on conformist approaches, smoothing out any heterogeneity. The export and advertising of the productions has tended to support historical themes whilst German comedies have been excluded from French screens in a self-fulfilling prophecy. The reception of contemporary German cinema has then led to an active reinvestment in more or less stereotypical worldviews of the Other. The encounter with German cinema has also fluctuated between being an experience of Germany and an experience of the world. The exoticism of German cinema has been too subtle to have any direct impact on the representation of the Other. Its influence has occurred implicitly on intertwined levels: on iconographic images, societal representations, as well as meta-representations
Die Dissertation aus dem Fachbereich Soziologie stellt die Passagen des deutschen Kinos in Frankreich seit 1990 dar - von der Produktionssphäre bis hin zur individuellen Rezeption. Hierbei bedient sie sich sowohl an den Kulturstudien der Frankfurter Schule als auch an den Beiträgen der Rezeptionssoziologie. Des weiteren basiert sie auf einer empirischen Studie, die die Sichtweise von Akteuren der deutschen Produktionsbranche und französischer Konsumenten analysiert. Die zeitgenössische Produktion zeichnet sich durch diverse Mutationen aus, deren Kreuzung zu einer vielfältigeren Kinolandschaft führt. Die Entstehung einer Schnittmenge aus kommerziellem Kino und Autorenfilmen, die zu einer qualitativ hochwertigen Unterhaltung führt, basiert überwiegend auf Historienfilme mit authentischem Charakter und führt zu einem Rückschluss auf das deutsche Kino auf lokaler und internationaler Ebene. Der Export der Filme, die durchaus als Kulturgut wahrgenommen werden, trägt zu einer polarisierten Sichtweise bei. Das deutsche Kino wird aus der Sicht französischer Händler neu bewertet, bedient sich jedoch dabei einer sehr konformistischen Art und Weise, die dazu neigt, sich an historischen Filmen zu bedienen und deutsche Komödien auszugrenzen. Dies führt dazu, dass der französische Zuschauer, von seinem Nachbarn, qualitativ hochwertige Historienfilme erwartet. Diese Kategorisierung von Deutschtum in Filmen führt zu einer Art Stereotypisierung im Hinblick auf den Anderen. Diese Rezeption fördert wiederum die Materalisierung abstrakter Phänomene, die an einer generalisierten Erfahrung des Andersseins bezüglich Deutschtum und Universalität anknüpft

La première partie de ce mémoire est constituée d’un roman faisant le récit d’une jeune femme de 24 ans en pleine crise existentielle qui, du jour au lendemain, se retrouve au Salvador afin de prendre du recul sur sa vie. À travers ses aventures où la jeunesse et l’insouciance sont à l’honneur, des réflexions profondes sur ce qui l’a amenée à fuir, et sur sa définition du bonheur, ne cessent de lui rappeler que cette pause ne durera pas éternellement. Ce roman fragmenté entre Le voyage et L’avant ouvre une fenêtre sur une génération qui tente de tracer sa place d’un trait coloré dans un monde où tout a été pensé en noir et blanc. La partie réflexive du mémoire porte sur la place que prennent les nouvelles technologies de l’information et de la communication (TIC) dans la littérature de voyage contemporaine. Pour faire référence au roman qui précède, la fuite, comme motif du voyage et thématique centrale de la recherche, sera mise en relation avec la réalité du 2.0, pour étudier les divers effets que les réseaux sociaux, téléphones intelligents et autres TIC ont sur la concrétisation de cette évasion.
The first part of this memoir consists of a novel telling the story of a 24-yearold woman in the middle of an existential crisis who, from one day to the next, finds herself in El Salvador to take a step back from her life. Through her adventures where youth and carelessness are honored, deep reflections on what led her to flee, and on her definition of happiness, keep reminding her that this break will not last forever. This novel fragmented between ‘’Le Journal’’ and ‘’L’avant’’ opens a window on a generation that tries to trace its place with color in a world that was meant to be black and white. The reflective part of the thesis focuses on the role of new information and communication technologies (ICTs) in contemporary travel literature. To make reference to the preceding novel, flight, as a motive for travel and a central theme of research, will be related to the reality of 2.0, to study the various effects that social networks, smart phones and other ICTs have on the concretization of this escape.

Notre travail se consacre à l’étude exhaustive de l’œuvre cinématographique et théorique du cinéaste coréen contemporain Jang Sun-woo. Celui-ci fut d’abord un critique et un théoricien du cinéma, son concept de « Cinéma ouvert » (1982) vise à introduire et à penser un « nouveau cinéma ». Jang Sun-woo souligne le besoin d’une critique, d’une invention formelle et aussi d’une théorie pour le cinéma coréen saisie dans la logique de son Histoire. En particulier, le cinéaste coréen s’y positionne pour réaliser un cinéma en vue de l’harmonie entre l’individu et la communauté.Le « Cinéma ouvert » est un concept qui fusionne le cinéma et le théâtre. Il est influencé, d’une part par le Madanggeuk, le théâtre moderne coréen composé de plusieurs unités plus ou moins indépendantes de la narration, et d’autre part, par la théorie du montage d’Eisenstein travaillant sur la dialectique entre la continuité et la discontinuité. Pour Jang Sun-woo, l’œuvre reste ouverte, c’est-à-dire non close sur elle-même, au sens où elle ne s’achève qu’au moment de la réception par le spectateur. Les films intègrent explicitement l’expérience du spectateur, proposent le dialogue avec celui-ci et créent des initiatives en matière d’interpellation. Pour ce faire, ils emploient la répétition, la métamorphose, l’analogie, l’allégorie, l’abstraction et certaines formes d’hybridation. Notre monographie observe l’évolution de l’œuvre de Jang Sun-woo dans son ensemble (critiques, films, publications), en approfondissant les questions essentielles et spécifiques que celle-ci soulève : comment les notions de Minjung (peuple), de masse, de spectateur évoluent-elles ? L’esthétique de l’ouverture peut-elle permettre d’émanciper le spectateur et à quel type de changement aspire-t-elle ? Enfin, quel rituel Jang Sun-woo organise-t-il en vue de réaliser l’Utopie ?
This thesis devotes itself to the analysis of the film and the theoretical work of Korean contemporary director Jang Sun-woo. He was initially a critic and a film theorist, his concept of "Open Cinema" (1982) aims to introduce about "the new cinema" which accentuates the need of the critics, the formal invention and also a theory for the Korean cinema with the consideration about its historical context. In particular, Jang Sun-woo insists on making a movie with the harmony between the individual and the community.The "Open Cinema" is a concept that combines the aesthetic of the film and the theater. Firstly, it is influenced by the Madanggeuk, the modern Korean theater is composed with several acts more or less independent of the narrative. Secondly, it is inspired by Eisenstein’s theory of editing which is based on the dialectic form between the continuity and the discontinuity. For Jang Sun-woo, the film remains open in a sense that it finds its conclusion in the interpretation of the audience. In his idea, the film incorporates the experience of the audience and creates his interpellation. To realize that, Jang Sun-woo proposes several rhetorics of image like repetition, metamorphosis, analogy, allegory, abstraction, and certain forms of hybridization.Our monograph observes the evolution of Jang Sun-woo’s whole work (critics, films, publications) which raises the essential and specific questions: how the concepts of the Minjung (people), the mass and the audience were developed? Can the aesthetics of openness allow the audience to be emancipated and what kind of change it implies? Finally, what sort of ceremonial Jang Sun-woo organizes for performing Utopia?

Des « Six Contes moraux » aux « Comédies et Proverbes », des « Comédies et Proverbes » aux « Contes des quatre saisons » se déploie une œuvre organisée par cycles dont le centre, toujours réactivé de film en film, est constitué par la question du désir, de ses excès et de ses manques. Comment ce cinéma, marqué par une esthétique classique privilégiant le naturel, peut-il donner passage à une théâtralité ? Théâtralité précisément dont l'apparition et les modalités détermineront notre étude de l'oeuvre rohmérienne, dont la cohérence formelle s'appuie sur les principes d'un cinéma vérité initié au mitan des années 1900 par les auteurs de la Nouvelle Vague, et que nous interrogerons principalement de manière à dégager les conditions, les formes et les effets d'une esthétique privilégiant, de film en film, une dramaturgie de la parole et du regard. Nous étudierons dans cette perspective les mises en scène de la parole et du corps dans leur rapport avec les lieux, envisageant la manière dont ce cinéma construit ses personnages au travers d'un théâtre de l'être en rapport étroit avec des procédés de valorisation par l'image. Recourant à des cadrages privilégiant la saisie du corps et de ses émotions, articulant par ailleurs les intrigues en étapes marquées par une forte dramaticité, ce cinéma fait, enfin, intervenir une esthétique de la fascination qui n'est, en dernier ressort que le reflet, sans cesse thématisé dans le film, d'une identification par le cinéaste du cinéma comme une quête toujours relancée de la beauté du monde. L'usage dramaturgique du ressort du hasard, principe équivalent, sur le plan de l'intrigue, au deus ex machina, permettra, le cas échéant, de transformer la quête déceptive du personnage en la joie de la découverte que l'Autre était celui, ou celle, que l'on attendait. Et si, dans un tel cadre narratif, le risque existe d'une forme excessive de sentimentalité, c'est, précisément, par le caractère dynamique que la théâtralité lui confère, que l'oeuvre y échappe, jouant de tous les ressorts de la surprise, de la variation des registres et des tonalités, introduisant enfin une certaine ironie dans le décalage entre le montré – l'image – et le dit – le discours
From "Six Moral Tales" to "Comedies and Proverbs", from "Comedies and Proverbs" to "Tales of the Four Seasons" Eric Rohmer develops a work that is organized in cycles whose center, always reactivated from film to film, is constituted by the question of desire, its excesses and its shortcomings. How can this cinema, marked by an aesthetic favoring the natural, embrace theatricality ? Theatricality precisely whose appearance and modalities will determine our study of the Rohmerian work, whose formal coherence is based on the principles of a cinema vérité initiated in the mid-1900s by the authors of the New Wave, that we will mainly examine, so as to identify the conditions, forms and the effects of an aesthetic favoring, from film to film, a dramaturgy of speech and gaze. From this perspective, we will study the staging of speech and the body in their relationship with places, considering the way in which this cinema constructs its characters through a theater of being and enhances them through the image. By framing that favors the capture of the body and its emotions, articulating plot in stages marked by a strong dramaticity, this cinema finally applies an aesthetics of fascination which is, ultimately, only the reflection, constantly thematized in the film, of an identification by the filmmaker of cinema as an ever renewed quest for the beauty of the world. The dramaturgical use the mechanism of chance, an equivalent principle, on the level of plot, of the deus ex machina, will make it possible, if necessary, to transform the character's deceptive quest into the joy of discovering that the Other was the man or woman we expected. And if, in such a narrative framework, there is a risk of excessive sentimentality, the works escapes it by the dynamis conferred by theatricality, playing with all the mechanisms of surprise, with the variation of registers and tones, finally introducing a certain irony into the discrepancy between what is shown – the image – and what is said – the discourse

La recherche se propose de définir l’engagement client (EC) dans le cadre des destinations touristiques, son contenu et sa mesure. Elle propose d’intégrer ce concept novateur comme nouvelle variable résultat dans les modèles de compréhension des comportements touristiques. Elle montre aussi l’influence de la valeur de consommation et de la valeur globale dans la création d’un engagement envers la destination et les effets modérateurs de l’expérience sur ces mêmes relations. La recherche répond à trois objectifs : (1) définir le concept d’EC dans le contexte des destinations, ses dimensions et sa mesure , (2) conceptualiser la valeur perçue dans le cadre des destinations, (3) modéliser les influences des dimensions de la valeur de consommation et la valeur globale sur l’EC en fonction de l’expérience touristique vécue. Le terrain de recherche est La Réunion, une PDI (Petite Destination Insulaire). La démarche méthodologique s’appuie sur deux études empiriques : une étude qualitative exploratoire menée auprès de 15 touristes à La Réunion via des entretiens semi-directifs et une étude quantitative exploratoire menée auprès de 572 répondants : 350 novices n’ayant jamais visité la destination mais étant familiers à cette dernière et 222 expérimentés ayant effectivement visité la destination pour un motif de loisirs/vacances. L’étude qualitative permet de compléter et d’adapter les échelles de mesure de la valeur de consommation dans le cadre des destinations. La recherche distingue 8 dimensions de la valeur de consommation d’une destination touristique spécifique : La Réunion. L’étude quantitative permet (1) de développer un instrument de mesure de l’EC dans le cadre des destinations, (2) de valider empiriquement les échelles de mesure de la valeur de consommation et de la valeur globale, (3) de mettre en évidence l’influence de la valeur perçue sur l’EC. La recherche a comme principaux apports la conceptualisation de l’EC dans le cadre des destinations et la mise en évidence des effets de la valeur perçue et de l’expérience dans sa formation. Elle indique en conséquence la nécessité d’orienter les stratégies d’offres expérientielles et de promotion en fonction des dimensions identifiées. Elle propose également des outils permettant aux managers de la destination de soutenir les comportements et états d’EC envers la destination
The research aims to define customer engagement (CE) in the context of tourism destinations, its content and its measurement. It proposes to integrate this innovative concept as a new outcome variable in the models conceptualising tourism’s behaviors. It also shows the influence of consumer value and customer value in creating an engagement towards the destination and the moderating effects of the experience on those same relationships. The research has three objectives: (1) define the concept of CE in the context of destinations, its dimensions and its measurement, (2) conceptualize the perceived value in the context of destinations, (3) measure the influences of the dimensions of consumer valeur and customer value on EC depending on experience. The methodology is based on two empirical studies: an exploratory qualitative study conducted among 15 tourists in Reunion via interviews and a quantitative exploratory study conducted among 572 individuals: 350 novices who had never visited the destination but familiar with it and 222 experienced having actually visited the destination for leisure / vacation. The studies concern Reunion Island, qualified as a SDI (Small Destination Island)

À travers l'analyse d'un corpus de plus de quatre cents films français réalisés au début de la Ve République (1958-1968), cette thèse étudie les représentations de la musique avec pour ambition de rendre compte du fait musical dans sa globalité, de l'auditeur au musicien en passant par les nombreux médiateurs matériels ou humains. Le parti pris de ce travail est de privilégier l'observation d'une des modalités de la musique au cinéma, la musique dite « diégétique », c'est-à-dire celle audible et/ou produite par les personnages. Ces représentions cinématographiques de la musique sont appréhendées dans leurs multiples dimensions : visuelle – l'image de la musique –, sonore – la musique elle-même –, et linguistique – le discours sur la musique. À la diversité des films concernés (du cinéma « populaire » au cinéma « d'auteur ») répond la diversité des musiques convoquées par le cinéma de cette décennie, où jazz, musique populaire et musique classique se croisent
Through the analysis of more than a four hundred movies collection, directed in the early years of the Fifth Republic (1958-1968), this thesis studies the representations of music aiming to report the wholeness of the musical fact, from the listener to the musician, including both human and material intermediaries. This study is devoted to the observation of one of the modality of music witch is the diegetic one, meaning the music that characters are either listening and/or making inside the story. These représentations are considered in their numerous aspects : visual – the image of music –, sound – the music itself –, linguistic – the speech about music. To the variousness of the chosen movies (from popular cinema to arthouse cinema) answers the variety of music carried by movies in this decade, where jazz, popular music and classical music are crossing paths

Dans ce manuscrit, nous nous inéressons à l'étude du mouvement des vagues soumises uniquement à leur poids par le biais d'équations asymptotiques. Nous commençons par rappeler la dérivation des principaux modèles généralement utilisés (Boussinesq, Green-Naghdi,...). Nous introduisons également un nouveau modèle exprimé en amplitude-flux qui correspond à une variante des équations de Nwogu. Dans le second chapitre, nous démontrons un résultat d'existence en temps long pour ces nouvelles équations et nous étudions l'existence d'ondes solitaires pour les équations de Boussinesq. Ce travail permet notamment de calculer avec une grande précision ces solutions exactes. Le troisième chapitre détaille les différences non linéaires que l'on retrouve entre les différentes équations de Boussinesq (modèles en flux-amplitude comparés aux modèles en vitesse-amplitude). Enfin, les deux derniers chapitres introduisent un nouveau paradigme pour trouver des schémas numériques adaptés aux modèles asymptotiques. L'idée est d'appliquer une analyse asymptotique aux équations d'Euler discrétisées. Ce nouveau paradigme est appliqué aux équations de Peregrine, de Nwogu et de Green-Naghdi. Plusieurs cas tests sont proposés dans ces deux chapitres
In this work, we are interested in the evolution of water waves under the gravity force using asymptotics models. We start by recalling the derivation of most used models (Boussinesq, Green-Naghdi,...) and we introduce a new model expressed amplitude-flux, which is an alternative version of the Nwogu equations. In the second chapter, we prove a long time existence result for the new model and we investigate the existence of solitary waves for the Boussinesq models. This work allow us to compute these solutions with a good precision. The third chapter highlights the nonlinear differences between the Boussinesq equations (amplitude-flux models versus amplitude-velocity models). Finally, the two last chapter introduce a new paradigm in order to find numerical schemes adapted to asymptotics models. The idea is to apply an asymptotic analysis to a discretized Euler system. This new paradigm is applied to Peregrine equations, Nwogu equations and Green-Naghdi equations. Test cases are presented in these two chapters

Les radars altimètres embarqués à bord de satellites à plus de 800 km d'altitude permettent d'étudier des variations du niveau de la mer de l'ordre du centimètre ! Ils permettent aussi d'estimer la hauteur des vagues et la vitesse du vent le long des traces des satellites.
Ces paramètres sont estimés à partir des échos radar qui possèdent une forme caractéristique de la surface sur laquelle ils se réfléchissent.
La précision, la résolution et la qualité d'estimation de ces paramètres (hauteur de mer, hauteur des vagues, vitesse du vent...) sont des préoccupations permanentes pour l'exploitation et l'interprétation des mesures altimétriques.

Nous proposons dans cette thèse de réduire le niveau de bruit des mesures avant l'étape d'estimation c'est-à-dire sur les échos altimétriques.
Pour cela, nous exploitons leur corrélation spatiale en travaillant sur des matrices formées d'échos consécutifs.
Cette approche matricielle constitue une nouveauté dans le traitement du signal altimétrique. Son principal atout est de définir des sous-espaces vectoriels permettant de séparer l'information utile du bruit qui altère le signal.
Elle permet de définir des échos très peu bruités sans perdre l'information géophysique et avec une résolution maximale.
Nous établissons un traitement optimal au sens des moindres carrés s'appuyant sur des simulations et appliqué sur les données réelles de plusieurs altimètres.

Grâce aux échos débruités obtenus, les paramètres géophysiques sont extraits avec une précision accrue.
En réduisant le bruit haute fréquence, nous mettons en évidence une variabilité spatiale à plus fine échelle, jusqu'à présent noyée dans le bruit de mesure.
Cette méthode simple et efficace permet d'affiner la précision et la résolution des hauteurs de mer et des vagues estimées le long des traces des satellites.

En affinant la précision et la résolution des mesures le long des traces, on participe à la nouvelle orientation opérationnelle de l'altimétrie, tournée vers des utilisateurs et vers des études de plus en plus locales.

Dans cette thèse, j’ai étudié l’hydrodynamique du lagon de Ouano en Nouvelle-Calédonie. Pour ce faire, j’ai implémenté un nouvel algorithme d’identification de paramètres. Le déferlement des vagues sur la barrière corallienne et les marées dominent l’hydrodynamique du lagon de Ouano. Je voulais évaluer leur impact relatif sur l’échange d’eau avec l’océan. Plusieurs études ont été menées dans le lagon auparavant. Je me base sur leur résultats pour la circulation et les outils de modélisations qu’elles ont mis en place dans ma thèse. Notamment, je réutilise le modèle CROCO ( Coastal Regional OceanCOmmunity) de C. Chevalier. J’utilise aussi des données récoltées dans le lagon en2016. Malgré ces travaux préalables, il reste des incertitudes sur la quantité d’eau amenée dans le lagon par le déferlement des vagues et la marée. De plus, la paramétrisation du déferlement, de la friction sur le récif et les conditions aux bords de marées ont incertaines dans le modèle numérique. Pour améliorer ces paramétrisations, ou même d’autres paramètres, j’ai implémenté et testé un nouvel outil. Cet outil était un algorithme stochastique d’identification de paramètres, l’algorithme Simultaneous Pertubations Stochastic Approximations(SPSA).Nous avons d’abord testé différentes versions de l’algorithme dans des environnements contrôlés, et notamment avec un modèle de turbulence unidimensionnel. J’ai ensuite utilisé cet algorithme pour identifier des conditions aux bords avec un modèle tidal linéaire du lagon de Ouano. Enfin, j’ai utilisé l’algorithme pour étudier l’impact du déferlement des vagues sur les courants mesurés comme des courants de marée dans le lagon de Ouano
In this thesis, I have studied the hydrodynamics of the Ouano coral lagoon in NewCaledonia and implemented a novel parameter identification algorithm to do so.Wave-breaking and tides dominate the Ouano lagoon; I wanted to evaluate theirimpact on the lagoon flushing.Several studies have been done in the lagoon before. I rely on both their findings forthe circulation and their tools for the modeling, namely the CROCO ( Coastal RegionalOcean COmmunity model) of C. Chevalier. I also have used data collected in 2016 inthe lagoon. However, some uncertainties remained on the amount of water broughtby the tides and the wave-breaking in the lagoon. Also, the parametrization of thewave-breaking friction coefficient and the tidal boundary conditions in the numericalmodel was uncertain.I implemented and tested a tool to improve those parametrizations or other modelparameters. This tool was a stochastic parameter identification algorithm, the Simul-taneous Perturbations Stochastic Approximations (SPSA) algorithm.We first tested different variants of the algorithm in a controlled environment andwith a 1-D turbulence model. Then I have used this algorithm to identify boundaryconditions with a linear tidal model of the Ouano lagoon. Finally, I have used thealgorithm to study the impact of the wave-breaking on the measurement of tides inthe Ouano

La diminution globale des ressources en eau douce et en terres arables non salinisées à travers le monde a conduit à l’essor mondial de cultures biosalines, à partir de plantes « halophytes » capables de croître et de se multiplier sous de fortes concentrations en sel. Parmi les espèces halophytes candidates à ce type de productions biosalines en Nouvelle-Calédonie, cinq espèces ont été sélectionnées sur la base du potentiel retrouvé au sein de leurs genres : Suaeda maritima, Sarcocornia quinqueflora, Enchylaena tomentosa, Atriplex jubata et Salsola australis. La culture de ces plantes pourrait englober plusieurs applications biotechnologiques, touchant les secteurs de l’agro-alimentaire, de la cosmétique, des bioénergies ou encore de la restauration écologique. Parmi ces applications, la production de légumes biosalins fonctionnels (riches en métabolites fonctionnels d’intérêt) est en recrudescence au niveau mondial. Le monde scientifique a en effet clairement établi un lien entre la tolérance au sel et la richesse des plantes halophytes en plusieurs métabolites fonctionnels d’intérêt (tels que les acides gras polyinsaturés ou les antioxydants).Néanmoins, les valeurs fonctionnelles des plantes halophytes sont supposées variables et dictées par leurs réponses aux variabilités de l’environnement (tolérance au sel, nutrition, etc.). L’étude de telles relations est indispensable à l’établissement du potentiel agronomique local d’espèces d’intérêt telles que celles sélectionnées.Ceci a été l’objet du présent travail de thèse. Il a eu pour but d’évaluer le potentiel de chacune des espèces en tant que source de composés fonctionnels mais aussi d’évaluer leurs variabilités selon les modifications, naturelles ou contrôlées de l’environnement. A ce titre, il montre que les tissus comestibles de ces cinq espèces ont des valeurs fonctionnelles élevées en minéraux essentiels, acides gras polyinsaturés et/ou antioxydants en comparaison avec plusieurs normes diététiques et légumes fonctionnels d’intérêt. Il montre également des relations entre les compositions en acides gras et en éléments essentiels des espèces et les caractéristiques spatio-temporelles de leur milieu naturel. Il montre enfin des relations entre la croissance et les compositions en acides gras et/ou en antioxydants des espèces et différents traitements expérimentaux appliqués en serre, combinant salinité et nutrition azotée sous différentes formes. A terme, ces différents résultats pourront contribuer à l’émergence de cultures biosalines expérimentales à plus large échelle en Nouvelle-Calédonie et à des préconisations de pratiques culturales optimales pour ces cultures. Ils soutiennent ainsi des objectifs centraux de la politique agricole du territoire comme le verdissement et la diversification de l’agriculture
The global decrease of freshwaters and non-salinized lands around the world led to the development of saline crops worldwide, from halophyte plants, capable of grow and multiply in high salty environments. Based on intra-genera potentials, five halophytes from Amaranthaceae family drew attention to test their saline crop potential in New Caledonia: Suaeda maritima, Sarcocornia quinqueflora, Enchylaena tomentosa, Atriplex jubata and Salsola australis. The cultivation of such plants could encompass several biotechnological applications, belonging to the sectors of agri-foods, cosmetics, bioenergy or ecological restoration. Among these applications, the production of functional vegetables (rich in functional metabolites) from halophyte species is increasing worldwide. The scientific world has clearly established a link between salt tolerance of halophytes and their richness in functional metabolites (such as polyunsaturated fatty acids or antioxidants). But, the functional values of halophytes are assumed to be variable and dictated by their responses to environment (salt tolerance, nutrition, etc.). So, the study of such relationships is essential to define the local agronomic potential of potential future crop species. The present thesis work aimed to assess the potential of each of the five selected species as source of functional metabolites, as well as their functional variabilities according to environmental changes, whether natural or controlled. As such, it shows that the edible tissues of the five species have high functional values for essential minerals, polyunsaturated fatty acids and antioxidants in comparison with dietary standards and with other functional vegetables. It also shows the relationships between the compositions for polyunsaturated fatty acid and essential elements in species and the spatio-temporal variations of their natural environment. Finally, it shows the relationships between the growth and the compositions for antioxidants and fatty acids in species and experimental treatments, combining different salinity and nitrogen forms.Ultimately, such results are intended to help the emergence of experimental saline crops at larger scale in New Caledonia, in particular trough recommendations of optimal cultivation practices. Thus, they support some objectives of agricultural local policy, such as the greening and the diversification of agriculture

The aim of this study is to question the relationality between conception of image, social condition of an era and architecture. With acceptance of a transition to a new kind of relationality in contemporary era, a trialectical analysis is carried on, in order to understand changes in this relationality and its effects on contemporary architecture. Image, mainly depicted as the tool for communication, loses its transcendental and ideal status and degrades to an artificial and tricky state under the contemporary social condition. Likewise, current state of both image and social condition manipulates architecture, architectural production and the position of architect. Therefore, in this study, for understanding the new social condition, it is referred to the world constituted as a system of sign in philosophy of French thinker, Jean Baudrillard which originates from new status of image. For comprehension of contemporary architecture, it is referred to the practice of French architect, Jean Nouvel who features special value to image in his architecture. Finally, for consequences of this collision and effects on architecture, it is referred to the analysis of the book of &ldquo
The Singular Objects of Architecture&rdquo
which is composed of dialogues between Jean Baudrillard and Jean Nouvel.

A l’orée des années 2000, Prahalad & Ramaswamy, Vargo & Lusch et Grönroos proposèrent de re-fonder la théorie marketing à partir d’un postulat central : désormais la valeur ne peut plus être dictée par l’entreprise, elle est toujours co-créée avec le consommateur via ses expériences de consommation. Aujourd’hui, le cadre théorique de la co-création de valeur souffre encore d’un manque d’études empiriques au sein des entreprises, alors même que ses concepteurs appellent les managers à adopter leur « nouvelle logique». Par le biais d’études auprès de managers, une étude exploratoire par interviews et une étude par questionnaire fondée sur 3 collectes, notre recherche contribue à combler ce manque. Elle met en lumière l’existence au sein de certaines entreprises d’une pensée et d’une pratique du marketing reflétant la théorie de la co-création de valeur : le marketing de co-création de valeur. Sur le plan théorique, notre recherche offre trois contributions principales. Tout d’abord, en établissant le rôle majeur de facteurs organisationnels, elle dévoile des conditions d’émergence du marketing de co-création de valeur qui contrastent avec la vision usuelle dans la littérature. Ensuite, en identifiant comment la collaboration des consommateurs peut être mise en place selon une perspective équitable, notre recherche éclaire le débat relatif à cette forme particulière de co-création appelée upstream co-creation. Enfin, en établissant que le marketing de co-création de valeur influence favorablement la performance et la satisfaction, nos travaux constituent une des toutes premières contributions relatives à l’effet de la co-création de valeur en tant que pratique du marketing
At the beginning of the 2000s, Prahalad & Ramaswamy, Vargo & Lusch and Grönroos proposed a new foundation for marketing theory, starting from a central premise: value is always co-created with the consumer, through his consumption experience and use. Today, the theoretical framework of value co-creation is still affected by a lack of empirical research within companies, although its proponents call on managers to adopt their "new logic of marketing". Owing to two studies among managers, an exploratory study through interviews and a questionnaire study based on 3 data collections, our research contributes to filling this gap: it highlights the existence within certain companies of a thought and a marketing practice reflecting the theory of value co-creation, and which we call value co-creation marketing. From a theoretical point of view, our research offers three main contributions to the literature. First, by establishing the major role of organizational factors, it reveals conditions for the emergence of value co-creation marketing which contrast with the usual view in the literature. Then, by identifying how consumer collaboration can be implemented from a fair perspective, our research sheds light on the debate relating to this particular form of co-creation called upstream co-creation. Finally, by establishing that value co-creation marketing positively influences performance and satisfaction, our work offers one of the very first contributions relating to the effect of value co-creation as a marketing practice

Cette recherche questionne les incidences du rattachement du secteur du cinéma au ministère des Affaires culturelles au moment de l'avènement de la Ve République. Elle s'efforce de décrire l'oscillation permanente de l'administration d'André Malraux en la matière, partagée entre le souci de répondre avec exigence aux enjeux liés à la qualité de la production cinématographique, le besoin d'accorder le cinéma à la mission de prestige national et la nécessité d'élaborer une politique consensuelle en mesure de satisfaire les diverses parties prenantes de l'action publique. Sans nul doute ce dernier aspect s'avère essentiel pour asseoir son autorité au regard de l'instabilité gouvernementale qui a perduré longuement avant 1959 mais également en raison des bouleversements économiques, techniques et professionnels provoqués par l'apparition de la Nouvelle Vague. Bien que le modèle d'intervention français soit pleinement reconnu à l'échelle européenne sur ces années, certaines de ses orientations sont pourtant critiquées au plan national par une partie de la critique et des jeunes réalisateurs appartenant aux Cahiers du cinéma. La diversité des longs métrages soutenus par le système des avances sur recettes ne concorde pas avec l'exclusivité de la novation esthétique telle qu'elle a pu exister au temps du jury de la prime à la qualité de 1956 à 1960. La sélection nationale envoyée au Festival de Cannes est également peu goûtée en ce sens. La crise de fréquentation des salles de cinéma, laquelle perdure sur toute la période, accentue davantage ces crispations. Forcé de soumettre aux autorités gouvernementales un projet de rationalisation de l'ensemble de la filière, le Centre national de la cinématographie est en passe de limiter les possibilités d'existence des producteurs les plus modestes. Alors qu'une profonde stabilisation est parvenue à inscrire durablement l'intervention de l'État dans le domaine du cinéma, André Malraux s'apprête pourtant, à l'aube de la deuxième moitié des années 1960, à faire face à une contestation sans précédent de son action
This study examines the implications of the attachment of film industry to the Ministry of Culture at the beginning of the fifth French Republic. This thesis strives to describe permanents fluctuations of André Malraux's administration between the concern to answer with requirement to the challenges relating to the high quality of the cinematographic production, the need to match the cinema with reasons of national prestige and the necessity to develop a consensual policy able to satisfy miscellaneous stakeholders of the public action. There is no doubt that this last aspect turns out to be crucial for establishing his authority in relation to governmental instability which has continued before 1959 but also because of upheavals provoked by Nouvelle Vague appearance. Although the French intervention model is completely recognized on European scale on this years, some of its options are yet criticized on the national level by a part of critics and young directors close to the magazine Les Cahiers du cinéma. The diversity of full-length movies subsidized by De Gaulle's government doesn't tally with the exclusivity of aesthetic innovation as it existed between 1956 and 1960. The French selection sent at Festival of Cannes is also not much appreciated on this way. The crisis of attendance in the cinemas, which existed all over this period, emphasized more these tenseness. André Malraux is consequently confronted with unprecedented protest movement of his action at the dawn of the second half of the sixties

La thèse propose d'étudier sur cinquante ans de cinéma français l'évolution du concept du premier film de la Nouvelle Vague aux années 2000 sous un angle historique, esthétique et économique, analyser le début de carrière de six cinéastes français singuliers emblématiques d'une époque et d'une génération, comprendre et s'intéresser à leurs parcours avant leur premiers film, leurs influences, les aides qu'ils ont pu obtenir, leur lien avec la critique et la présence de leur film de jeunesse dans leur œuvre à venir
This thesis proposes to study the evolution of French cinema threw the concept of ''the first movie'' from the New Wave to the beginning of 21st century on a historic, esthetic and economic point of view. This research tries to analyse the beginning of the career if six French singulars directors whitch are iconic of a period or a generation, tries to understand and be interested on their course before their first movie, their youth, their influences, the financial and humain helps they found, their connections with the French critique and the presence of their first movie in all their future work

Madagascar souffre d’une insuffisance chronique en riz, aliment de base de la population. La filière peine à sortir de la dépendance aux importations et encore moins à développer les exportations. Nous tentons de voir en quoi ces contre-performances reflètent une « crise de la qualité » dans les échanges à l’aide du modèle de marché de Harrison White (2002) qui analyse la notion de viabilité des échanges autour des questions de qualité. Celle-ci passe par l’existence d’un ordre de qualité du riz (paddy ou blanchi) fondé sur les perceptions ressenties par les acteurs. Pour cela, les intermédiaires de la filière ont à définir une orientation de leurs activités en amont ou en aval selon la localisation de la plus grande incertitude sur la qualité du riz, pour saisir, et être en accord avec, les perceptions de la qualité par les acteurs concernés. L’analyse des échanges dans l’Alaotra-Mangoro donne les résultats suivants. 1/ Trois circuits de commercialisation du riz sont théoriquement viables. Le circuit « dominant » et le circuit « à la marge » sont dominés respectivement par une convention de qualité « domestique » basée sur la qualité nutritive du paddy et une autre « industrielle » basée sur la qualité esthétique du riz blanchi. Sur le circuit « transitionnel », coexistent les deux conventions de qualité, « domestique » en amont et « industrielle » en aval. 2/ L’ordre de qualité sur ce circuit résulterait d’un compromis entre conventions matérialisé par un référentiel de qualité esthétique et nutritive du riz (paddy et blanchi). 3/ La reconnaissance de ces deux conventions de qualité et de la nécessité d’un compromis entre celles-ci rendrait les échanges viables et lèverait l’actuelle « crise de la qualité » au sein de la filière
Madagascar suffers from a chronic insufficiency of rice, the staple food of the population.The value chain is struggling to emerge from dependence on imports and even less to develop exports.We try to see how these poor performances reflect a "quality crisis" in rice exchanges by means of themarket model of Harrison White (2002) and its concept of market “viability” based on quality issues.To be viable, market needs to be governed by an order of quality defined by perceptions on ricequality from actors at play. The intermediaries have then to orient upstream or downstream theiractivities depending on where the greatest uncertainty on quality is in order to take into accountquality perceptions by the actors involved. Rice exchanges analysis in the Alaotra-Mangoro gives thefollowing results. 1 / Three rice marketing channels are theoretically viable. The “dominating”marketing channel and the “marginal” one are respectively ruled by a "domestic" quality conventionaround the nutritious quality of paddy and an "industrial" one around the esthetic quality of milledrice. Both quality conventions exist on the "transitional" channel: the "domestic" convention is sharedby upstream and the "industrial" one by downstream. 2 / The order of quality on this last marketingchannel would be a compromise between the two existing conventions and is materialized by areferential of esthetic and nutritious quality. 3 / The recognition of these two quality conventions andof the need for compromise between them would enable rice exchanges to be viable and then wouldend the "quality crisis" at the origin of the poor performances of the Malagasy rice value chain