Journal articles on the topic 'Nueva Canción chilena'

El presente trabajo versa sobre la figura del compositor chileno Gustavo Becerra Schmidt como músico intelectual en Latinoamérica y sobre el problema de la identidad en la obra «Revolución». Para esto, optamos por una óptica de comprensión histórica estética del problema de la identidad en la música, desde el romanticismo y el paradigma de la teoría especulativa hasta el problema de la Nueva Canción Chilena. Este continuum es puesto en crisis con el advenimiento de obras que incorporaron elementos sonoros y musicales ajenos a Latinoamérica y a la estética la Nueva Canción. Se analiza la obra de Becerra Schmidt «Revolución» para evidenciar cómo a través de su uso la Nueva Canción Chilena llega a los límites de su propuesta como una experiencia de la música popular en Latinoamérica.

Este estudio se enfoca en la presencia de los migrantes chilenos en el estado Lara (Venezuela), y su influencia para transformar una escena local a través del repertorio de la Nueva Canción. El marco conceptual ha partido de las escenas musicales, con una metodología etno y netnográfica, desde la musicología para la producción musical. Se hizo una revisión historiográfica y se levantó información a partir de fuentes documentales y electrónicas. El objetivo principal ha sido describir la interacción entre migrantes chilenos y oriundos en la escena local, y denotar su influencia dentro del circuito local de artistas. Como conclusiones, destaca cómo el repertorio de la Nueva Canción se promovió e hibridó en nuevas propuestas con la música folklórica de la región. Se expone cómo la presencia chilena y el repertorio novocancionista consolidó una transferencia estética con apropiaciones musicales particulares que hacen de esta escena algo único en el contexto venezolano.

Este artículo consta de tres secciones: en la primera se exponen de manera muy resumida algunos de los conceptos fundamentales de la ética del filósofo Enrique Dussel; en la segunda, se repasa esta ética a la luz de un caso concreto en el campo estético: la Nueva Canción Chilena; finalmente, en la tercera, se revisan los puntos principales, se hacen algunas reflexiones generales en torno a las posibilidades particulares de la música y se presenta la conclusión de que es la ética el criterio que constituye a la Nueva Canción Chilena.

Este artículo analiza el movimiento de la Nueva Canción chilena (NCCh) como un componente integral de un poderoso movimiento contrahegemónico, que se formó en los mediados de los años 1960 y fue clave en la elección del presidente Salvador Allende en 1970. Las canciones de la NCCh no solo denunciaron las injusticias sino que articularon los sueños y esperanzas de multitudes de chilenos por un futuro de justicia social y dignidad. Simultáneamente los músicos eran comunicadores sociales, historiadores, profesores, organizadores e intérpretes de las aspiraciones populares. Presentaban conciertos en los salones sindicales del norte y sur de Chile, así como en cientos de asambleas estudiantiles y reuniones de campesinos en el campo. Utilizo los conceptos de Antonio Gramsci, particularmente sus ideas sobre la hegemonía y el rol de los intelectuales orgánicos, para evaluar el significado de la NCCh. Interpreto el rol de sus músicos como intelectuales orgánicos porque dieron voz a los sin voz, visibilizaron sus luchas e hicieron parecer posible y alcanzable una nueva sociedad de justicia social.

Entendiendo a la libertad como un concepto heredado de las corrientes liberales a través de la emancipación propia de los independentismos latinoamericanos, tanto la democracia liberal vigente -el simulacro de la democracia representativa-, como la doctrina ideológica neoliberal la ha puesto en el centro de su discurso. El propósito de este artículo es analizar cómo se reflexiona este devenir del concepto a través de su representación social en dos canciones de la producción poético-musical chilena que se encuentran en el marco referencial de la Nueva Canción Chilena: por un lado, “Yo canto la diferencia” canción de Violeta Parra, de 1960 y aparecida en el disco Toda Violeta Parra. El folklore de chile Vol. VIII (1961), y “Las llamas de la impotencia”, canción de Nano Stern del disco Las Torres de Sal (2011).

Tomando como caso de estudio la canción “El hombre” de Rolando Alarcón, el presente artículo se propone analizar los significados religiosos presentes en el nivel sonoro del movimiento de la Nueva Canción Chilena. Estructurado en cinco partes, el escrito toma como base la propuesta analítica de comparación interobjetiva (o intertextual) planteada por Philip Tagg. En la primera se realiza una introducción a la investigación. En la segunda se exponen ciertas consideraciones y criterios metodológicos en torno a la propuesta de Tagg. En la tercera se revisan algunos antecedentes de la canción “El hombre”, así como su forma general y su letra. En la cuarta, se realiza el análisis musical interobjetivo centrado en cinco musemas. Finalmente, se presentan algunas conclusiones y perspectivas del estudio.

El presente artículo tiene por objeto problematizar la relación entre baile y letras con contenido social interpeladas por las canciones de Los Prisioneros durante los años ochenta en Chile, atendiendo la narrativa de sus propios integrantes. Tomando distancia de interpretaciones que suelen focalizarse en las letras de las canciones de la banda, se analiza la compleja postura adoptada por el trío chileno de pop rock respecto al baile y el compromiso social –documentada principalmente en revistas de la época– con el propósito de hacer legibles problemáticas en torno a la relación de sujetos jóvenes con el cuerpo y la memoria durante la década. En el desarrollo de esta investigación convergen tanto la influencia de la new wave norteamericana y británica en Los Prisioneros –especialmente en lo concerniente a la recuperación de estilos de rock de los años sesenta– así como la influencia musical y discursiva de la Nueva Ola chilena en la agrupación –prestando especial atención a los términos de su antagónica relación con la Nueva Canción Chilena durante los años sesenta.

The article focuses on the case of Plegaria a un labrador by Víctor Jara and its social biography as a song to show how the utopia of a classless society converges with the idea of the kingdom of God on earth in the Nueva Canción Chilena.

El coloquio-conversatorio Memorias sonoras, prisión política y dictaduras en el Cono Sur. Reflexiones trasandinas sensibles se desarrolló el día 11 de septiembre de 2021, día de conmemoración de las víctimas de violencias políticas durante la dictadura militar chilena. Fue organizado por la línea Arte y Política del Núcleo de Sociología del Arte y las Prácticas Culturales de la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Chile, y contó con la participación de expositoras chilenas y argentinas: Analía Lutowicz, Victoria Polti, Katia Chornik y Francisca Cornejo. A continuación, presentamos tres de las ponencias propuestas para el conversatorio: “Memorias de canciones de Violeta Parra y la Nueva Canción Chilena en mujeres ex presas políticas en la cárcel del Buen Pastor de Valparaíso durante la dictadura militar chilena” a cargo de Francisca Cornejo, “La memoria sonora de las experiencias concentracionarias en Argentina. Escuchando las miradas que construyen los relatos del Terrorismo de Estado durante la última dictadura cívico-militar”, a cargo de Analía Lutowicz y “La performatividad del sonido y la escucha en contextos concentracionarios” de Victoria Polti.

En tiempos de reforma y revolución que condujeron a una vía chilena al socialismo, experimentada históricamente por el proyecto de la Unidad Popular entre los años 1970 y 1973, un genero musical se transformó en experiencia cultural, rimando su origen, consolidación y construcción de identidad nacional, con el proceso de progresiva construcción de un Chile socialista. Conviviendo con una escena musical donde la Nueva Canción Chilena era hegemónica en cuanto representativa de política contingente, el rock irrumpió como un experiencia social relevante. Con antecedentes hacia mediados de la década de 1950 en cuanto a recepción social, y de finales de la misma en cuanto interpretación musical, el Rock se transformó en el tiempo de la revolución chilena en una manifestación propiamente nacional, en vestigio digno de atender para la comprensión cabal de la historia chilena durante el período señalado, y en una de las expresiones culturales más interesantes desde aquel tiempo y hasta el presente, en cuanto representación simbólica de su correspondiente acontecer social.

El presente artículo busca estudiar las peñas folclóricas que florecieron a mediados de la década del 60 en Chile. Estos espacios funcionaron como centros de sociabilidad en locales donde se presentaban números musicales en vivo. Con la asistencia de un público numeroso pero sin llegar a ser masivo se transformaron en sitios donde la discusión política e ideológica también se hizo presente. A su vez resultaron los primeros ámbitos en dar acogida a un movimiento musical que alcanzó relevancia mundial: la Nueva Canción Chilena. El intento es demostrar como las peñas folclóricas fueron un importante centro de discusión y transformación política con una importante tarea de irradiación ideológica y cultural a partir de la práctica musical.

AbstractDespite the attention given to the transnational circulation of Andean music, its reception and adoption by European musicians have been rarely researched. This article focuses on the specific case of Italy, where the Andean music boom blended with that of the New Chilean Song in exile (1973–89) and where, in addition, repertoires and practices of both musics were adopted by dozens of local groups formed by young Italians. Those Italian groups – with their performative strategies and their choices of repertoires – provide a privileged lookout about how different representations of the andeaneity (the Nueva Canción Chilena with its ethical and political connotations, the musique des Andes of the French matrix, the autóctonas indigenist currents) interacted in creating an Italian imagery of the Andes. They also suggest how the adoption of ‘someone else's music’ can act, with its transcultural complexity, in the elaboration of personal narratives of identity.

The musical movement known as Chilean New Song became a key mobilizing force in politics in the 1960s and early 1970s in Chile, inspiring, uniting, and motivating people in a common cause and articulating the dreams and hopes of masses of people for progressive social change. Similarly, the New Song movement in exile, after the 1973 coup, helped to generate and sustain the support and solidarity of Chilean exiles and foreign nationals around the world, speaking about the repression in Chile, communicating the ideals of the popular movements, and inspiring and strengthening solidarity movements in many countries. El movimiento musical conocido como la Nueva Canción Chilena fue una fuerza movilizadora clave en las luchas políticas de los años 60 y principios de los 70 en Chile. Sirvió como fuente de inspiración para unir a la gente en una causa común y para articular los sueños y las esperanzas de un cambio social progresista de las masas del pueblo. De igual manera, en el exilio, después del golpe de 1973, el movimiento ayudó a generar y sostener el apoyo y la solidaridad de los exiliados chilenos y de los extranjeros alrededor del mundo, ofreciendo testimonio sobre la represión en Chile, dándole voz a los ideales de los movimientos populares y fortaleciendo los movimientos de solidaridad en muchos países.

Este artículo presenta una revisión del proceso de traslado de la quena –instrumento de origen andino– hacia la música popular chilena (MPCh), enfatizando su uso dentro del movimiento de la Nueva Canción Chilena (NCCh) como una idea particular de música latinoamericana en la que se representó a una amplia gama de alteridades cohesionadas y anexadas al proyecto político social popular imperante en los años sesenta. En este proceso unitarista, la quena se erige como dispositivo sonoro fomentando y fundamentando una determinada conciencia nacional. De este modo, el presente estudio da cuenta del modo en que la quena ha sido investida de un imaginario que se manifiesta en determinados tópicos discursivos. A partir del relato de agentes no canónicos de la música popular, dichos tópicos son puestos en diálogo con casos musicales que nos permiten pensar el lugar desde el cual este instrumento es integrado a la MPCh.

Los aspectos de interés para este artículo son tres. Primero se aborda la figura de Patricio Wang como compositor, su formación académica y su relación con Quilapayún. En la segunda parte, se realiza un análisis músico-poético, de Oficio de tinieblas por Galileo Galilei, teniendo como base, la creación en su forma y contenido, con énfasis en los recursos técnicos utilizados, que no corresponden al lenguaje ni a la estética de la canción popular. Para el análisis, se observó la obra como una escena única dividida en cuatro planos. Por último, se realiza una visión panorámica a la historia del grupo Quilapayún, describiendo y analizando los factores que posibilitaron que fueran capaces de asimilar una propuesta creativa de estas características. Este estudio ha sido articulado, en base a la información proporcionada directamente por Patricio Wang al autor, y que ha permitido vislumbrar: su historia como compositor, sus influencias directas, su visión particular de la obra; y su relación profesional con Quilapayún. Esto junto a la utilización de bibliografía descriptiva relacionada a la Nueva Canción Chilena y sus exponentes, han permitido sostener la idea, de que esta obra, y la inclusión de su compositor al conjunto, generan un nuevo paradigma creativo, materializado en el giro estético que estos artistas darán en sus producciones discográficas de los años 80.

Mediante el análisis de un evento musical pionero de la solidaridad internacional con Chile tras el Golpe de 1973, el presente artículo busca aproximarse a los mecanismos de omisión que surgen ante la falta de una inscripción histórica concreta. La necesidad de trabajar esta memoria (Jelin, 2002), las paradojas del internacionalismo artístico ¬ investigadas por Giunta –particularmente, el que involucra a Latinoamérica y Estados Unidos– (2008), las comunidades musicales imaginadas (Born y Hesmondhalgh, 2000) de la Nueva Canción Chilena y el folk revival estadounidense, encarnadas en la relación de Víctor Jara y Phil Ochs, son los marcos que utilizamos para establecer la urgencia de poner en valor y tensionar este evento para así activar una red de otras acciones similares que aún no encuentran espacio en la actualidad.

Estamos ante el primer libro centrado en la música del cine chileno, un logro que bordea las trescientos cincuenta páginas y en el que se analiza un conjunto de películas pertenecientes al Nuevo Cine Chileno de los años sesenta e inicios de los setenta, desde un enfoque tanto analítico como historiográfico. Este Nuevo Cine fue un movimiento que convocó a diversos directores de la época que compartían una propuesta estética y discursiva relativamente en común, aunque en el mismo libro se exponen algunas razones para cuestionar su denominación y la inclusión o exclusión de determinadas producciones dentro de su canon filmográfico. Diez son las cintas estudiadas: siete largometrajes, dos documentales y un docudrama, de la mano de ocho directores que contaron con la composición musical de Álvaro Covacevich, Gustavo Becerra, Luis Advis, Sergio Ortega, Tomás Lefever e incluso Violeta Parra y el conjunto Los Jaivas. Tal como lo mencionan sus autores en la introducción, esta investigación pretende ser una primera cartografía de la música de cine de entre los años 1957 y 1973. En este mapa convergen tanto el análisis musical y la historiografía, como también reseñas biográficas, conceptos, anécdotas y datos relevantes, creando un amplio panorama de la producción fílmica y musical de la época a nivel nacional pero con un especial énfasis en profundizar los vínculos existentes entre ambos mundos. La hipótesis que sostienen los autores es que la música del Nuevo Cine Chileno es una vertiente cinematográfica de la Nueva Canción Chilena debido a que, en sus propias palabras, las películas que se analizan “son la constatación de que ambos movimientos estuvieron comunicados desde un principio y de que tienen fuentes históricas y culturales análogas, así como un desarrollo similar”.

El cuarto número de Contrapulso llega con la buena noticia de que, en su segundo año de existencia, la revista ya ha sido indexada por Latindex –Sistema Regional de Información en Línea para Revistas Científicas de América Latina, el Caribe, España y Portugal. Esto representa un gran honor y desafío para el equipo editorial, para sus autores y autoras, y para los árbitros que colaboran con la revista. El desafío es mantener el nivel que hemos logrado y elevarlo hacia nuevas indexaciones.Sin embargo este número también ha recibido las duras consecuencias de la pandemia que azota al mundo, y no hemos podido publicar todos los artículos que hubiéramos querido, aunque hemos hecho un esfuerzo para mantener nuestra periodicidad y el cuarto número ha sido publicado a tiempo. Lo que también hemos logrado es aumentar la presencia femenina en esta edición, subiendo de tres autoras en el número anterior a cinco en este, considerando artículos, reseñas y libros reseñados. Los números de comienzo de año de Contrapulso son de temática libre dentro del marco de estudios en música popular en América Latina y el Caribe que rige la revista. Los números de mediados de año, en cambio, se centran en torno a un dossier que, en el caso del próximo, convoca artículos sobre voces y vocalidades en música popular, según la siguiente llamada: https://contrapulso.uahurtado.cl/index.php/cp/announcement/view/4 Es así como este número transita de manera amplia en el tiempo y el espacio, con artículos que abarcan desde México hasta Chile y desde 1920 a 2019, incluyendo además referencias al mundo precolombino que persisten en músicas actuales. El primer artículo, del investigador peruano Rodrigo Sarmiento, aborda la influencia de los paradigmas de modernidad impuestos por Estados Unidos en América Latina desde la primera postguerra, con el impacto de nuevas formas de entretención que cautivaron con rapidez los cuerpos e imaginarios de los habitantes de la región. El artículo revisa la forma en que los paradigmas estéticos estadounidenses asociados al estilo del Tin Pan Alley fueron incorporados en América Latina a canciones cuyas letras se adscribían al modernismo literario imperante en hispanoamérica, generando una particular mezcla de influencias. Los dos artículos siguientes, de las investigadoras argentinas Natalia Díaz y Gimena Pacheco, abordan transformaciones en dos prácticas sociales y escénicas que habían sido cristalizadas por el folklore: la zamba en el caso de la primera autora y el malambo en el caso de la segunda. El artículo de Natalia Díaz establece con claridad la dicotomía entre las perspectivas “académico-tradicional” y “expresivo-vivencial” que gobiernan la práctica de danzas tradicionales en la Argentina actual. La perspectiva “expresivo-vivencial” postula una nueva práctica que posibilita nuevas narrativas en torno a la construcción de una identidad nacional, junto a la visibilización de otros cuerpos e imaginarios de género capaces de encarnarla. Es así como, desde la danza, pasamos del folklore a la música popular, instalándose discursos sociales que hacen eco de otros conocimientos, memorias y sentidos de identidad. Esto ha permitido romper con la homogeneización cultural, la neutralidad étnica y la heterosexualidad estática que el modo “académico-tradicional” impuso a las danzas folklóricas argentinas. Del mismo modo, el artículo de Gimena Pacheco cuestiona la hegemonía de la concepción danzaria del malambo que ha imperado desde las perspectivas tradicionalistas, postulando dimensiones sonoras, musicales y narrativas que también están presentes en su práctica en la actualidad. La utilización de células rítmicas en el zapateo del malambo, sus métodos de transmisión y aprendizaje, y las formas de interpretar y llevar al escenario sucesos históricos, le permiten a la autora destacar la condición del malambo como articulador de memorias colectivas e individuales significativas. Los dos artículos siguientes son de autores chilenos, el primero, de Luciano Oyarzún, sobre el imaginario asociado a la quena en la música popular chilena, y el segundo, de Aníbal Fuentealba, sobre el uso de canciones en las movilizaciones sociales de fines de 2019 en Chile, artículo motivado por el dossier del número anterior vinculado a este tema. Luciano Oyarzún revisa el proceso de la llegada de un instrumento de orígen precolombino, como es la quena, a la Nueva Canción Chilena, NCCh, permitiendo la representación de una amplia gama de subalternidades cohesionadas y anexadas a un proyecto social popular. El autor revisa el modo en que el sonido de este instrumento ha activado dos tipos de imaginarios; uno asociado a la lucha y otro a la cultura ancestral. Esto lo hace a partir de relatos de agentes no canónicos de la música popular chilena, que son puestos a dialogar con ejemplos canónicos de la NCCh. Finalmente, Aníbal Fuentelba reflexiona desde la sociología de la cultura sobre las articulaciones entre canción popular y movimientos sociales. Aborda “El derecho de vivir en paz” (1971), de Víctor Jara, y “El baile de los que sobran” (1986), de Los Prisioneros, indagando la manera en que estas canciones se han vinculado con la acción colectiva, considerando el contexto histórico–cultural en que surgieron y el modo en que fueron usadas durante el estallido social chileno de 2019. Esto le permite destacar el papel de la música en el estudio de los movimientos sociales, desarrollando un análisis que considera la doble dimensión individual y colectiva de la experiencia musical. De este modo, el autor postula que la música no sólo “refleja” o “acompaña” lo social, sino que también tiene la capacidad de producirlo. Este número culmina con cuatro reseñas críticas de libros de reciente aparición en la región. La primera de ellas, de Luis Pérez Valero, es sobre un volumen colectivo que indaga en el desarrollo de la cumbia en distintos países de América Latina, escrito por autores de los propios países abordados y que aportan diferentes enfoques de estudio. La segunda, de Néstor Dueñas-Torres, es sobre el músico colombiano Luis A. Calvo (1882-1945) y su tiempo, respondiendo al giro biográfico que ha dado en este último tiempo la historiografía. La tercera reseña, de María Jesús Silva, aborda una publicación en línea de descarga gratuita sobre el uso pedagógico de cancioneros populares chilenos de comienzos del siglo XX; y la cuarta, de Javier Paredes, se refiere a un libro sobre el punk en Chile y su práctica del “hazlo tu mismo”, libro con abundantes ejemplos musicales que se acceden a través de códigos QR desde el celular. Estos dos últimos casos son buenos ejemplos del modo en que la tecnología contribuye a democratizar el acceso a la bibliografía musical latinoamericana. El contenido de Contrapulso 3/1, 1/2021 es el siguiente: ArtículosRodrigo Sarmiento. “El ruiseñor y el plebeyo: Estados Unidos y la canción popular en México y Perú durante la década de 1920” (4-21)Natalia Díaz. “‘Lo social en movimiento’: La corriente ‘expresivo-vivencial’ en las danzas populares argentinas” (22-35)Gimena Pacheco. “Malambo: ¿sólo una danza? Articulaciones de sentido entre música, memoria e identidad(es)” (36-48)Luciano Oyarzún. “La quena en la música popular chilena: trayectoria y desarrollo de un instrumento imaginado” (49-65)Aníbal Fuentealba. “‘Me sentí como si fuera invencible, como si fuéramos invencibles’. Música y acción colectiva en las movilizaciones chilenas de octubre de 2019” (66-82) ReseñasJuan Diego Parra Valencia (compilador). 2019. El libro de la cumbia. Resonancias, transferencia y trasplantes de las cumbias latinoamericanas. Medellín: Instituto Tecnológico Metropolitano y Discos Fuentes, por Luis Pérez Valero (83-87)Sergio Ospina Romero. 2017. Dolor que canta: La vida y la música de Luis A. Calvo en la sociedad colombiana. Bogotá: ICANH, por Néstor Dueñas-Torres (88-90)Nathaly Calderón, Tomás Cornejo y Karen Salazar. 2019. Libro pedagógico cancioneros populares, investigación y patrimonio del archivo al aula. Santiago: Fondo de Publicaciones Educativas Eugenio González Rojas, por María Jesús Silva (91-94)Jorge Canales. 2019. Punk chileno 1986-1996. 10 años de autogestión. Santiago: NoPatria Editorial & Editorial Camino, por Javier Paredes (95-99)

AbstractLatin American folkloric-popular music had an impact on the music scenes of both Germanies, where singer-songwriters emerged and became interested in Chilean Nueva Canción, the Argentinian Movimiento del Nuevo Cancionero, and Cuban Nueva Trova in the 1970s. Particularly interesting in this context is the contact of some Latin American countries with the German Democratic Republic (GDR). Based on translation theory and articles on Nueva Canción in Europe, this article examines the Latin American presence at the Political Song Festival in East Berlin and analyses some publications that focus on this annual event. The article focuses on the singer-songwriter Gerhard Schöne, who during the 1980s, took Nicaragua as a political example, as is shown in songs, and who also composed German lyrics to melodies by Violeta Parra, Atahualpa Yupanqui, and Silvio Rodríguez, transferring the songs into a new context.

Como es habitual, este séptimo número de la revista Contrapulso incluye tres secciones: el dosier de mediados de año, la sección de artículos libres y las reseñas de publicaciones recientes. El dosier, titulado “Música, sentimientos y afectos” fue convocado por Lorena Valdebenito, del equipo editorial de Contrapulso, y Martín Liut, de la Universidad Nacional de Quilmes y de la Universidad de Buenos Aires, y es presentado por sus editores en las páginas siguientes. El propósito de llamar a un dosier es estimular y aglutinar investigación en temas relevantes o de punta en los estudios de música popular en la región, algo que en este número cumplimos satisfactoriamente, puesto que recibimos el doble de los artículos que finalmente pudieron ser publicados. La sección de artículos libres ofrece tres textos que involucran músicas populares y fenómenos culturales de Cuba, Argentina, Chile y Colombia durante los siglos XX-XXI. El primero, de Luis Ferreira, presenta resultados de un proyecto de investigación sobre las relaciones entre la música afroargentina de Buenos Aires y la música afrocubana debido a flujos migratorios y procesos transculturales. En primer lugar, Ferreira ofrece un análisis comparativo de estructuras rítmicas afrocubanas basado en fuentes secundarias como manuales musicales y grabaciones fonográficas locales. En segundo lugar, traza la trayectoria de Isaac Tantalora (1900-1970) músico afrocubano residente en Buenos Aires desde finales de la década de 1920, indagando su relevancia cultural y musical en la ciudad. Al destacar procesos de re-semantización musical, el texto de Ferreira demuestra la importancia que tiene para los estudios en música popular prestar atención a las migraciones, los flujos culturales y las afinidades entre los músicos y sus prácticas musicales. El segundo artículo, de Jan Koplow, indaga en el modo en que la música de rock metal ha sido apropiada fuera de su ámbito anglosajón original mediante el diálogo con realidades locales. En Latinoamérica esto se ha traducido, entre otras cosas, en la presencia de rasgos de las culturas originarias americanas como elementos distintivos. Dicha presencia ha adquirido relevancia en Chile debido a la creciente visibilización de los pueblos originarios en la esfera pública chilena, lo que ha producido cierta sensibilización frente a la exclusión que estas culturas han sufrido a lo largo de su historia, y una alerta respecto a sus demandas. El autor reflexiona sobre el modo en que una parte de la música metalera chilena se ha comprometido con la historia y situación actual de los pueblos originarios, y cuáles han sido las consecuencias tanto en lo musical como en lo social. El tercer artículo, de Daniel Grisales Betancur y Lucas M. Guingue-Valencia, contribuye a la historia cultural de la llamada música de carrilera en Colombia de la década de 1950, muy ligada al desarrollo de la industria discográfica en Medellín. El texto aborda los contrastes entre dos tipos de discurso que se registran de forma simultánea en las fuentes periodísticas de la época. Por un lado, el peligro de extinción de la música folklórica, especialmente la ligada al bambuco –género al que se le ha atribuido la representación de la nación–. Por otro lado, la preocupación por advertir en contra de la música carrilera, vinculada al campesino modernizado, que migra a los suburbios de la ciudad. Esta música es asimilada al concepto de ruido por críticos culturales de la época, entendido como una entidad tecnológica, estética y moral. La sección de reseñas de Contrapulso incluye una doble reseña de Nelson Rodríguez sobre dos libros chilenos que abordan el freestyle o los duelos de improvisación de rimas vinculados a la cultura del hip-hop. Estos duelos han tenido un desarrollo creciente en la región en manos de una nueva generación de raperos con un fuerte apoyo de marcas comerciales, que de cierto modo sustituyen a los sellos discográficos del pasado. Junto con agradecer a lo/as autore/as que han depositado su confianza en Contrapulso, enviándonos sus manuscritos según las normas de la revista y luego haciendo correcciones y modificaciones según lo hemos ido solicitando, queremos reconocer muy especialmente a quienes han realizado los acuciosos referatos ciegos del material recibido, contribuyendo a mantener el buen nivel de la revista y sirviendo como instancia de perfeccionamiento para los propios autores. Estos fueron: Ana Belén Lisandro, Ángeles Montes, Angelica Adorni, Camila Juárez, Cesar Albornoz, Claudio Díaz, Cristofer Rodríguez, Daniela Banderas, Dulce María Dalbosco, Francisca Marques, Gustavo Goldman, Humberto Junqueira, Ignacio Ramos, José María Moure, José Rojas, Juliana Guerrero, Karen Donoso, Katerine Zamora, Andrés Celis, Marisol García, Nayive Ananías, Nina Graeff, Pablo Piedras, Pablo Rojas, Sergio Ospina, Simón Palominos, Stefano Gavanin, Tomás Mariani, Victoria Polti y Viviana Parody. El contenido de Contrapulso 4/2 (8/2022) es el siguiente: Dosier “Música, sentimientos y afectos”, Lorena Valdebenito y Martín Liut eds.Facundo Guzmán. “El viaje de Mariel: Sui Generis y las tensiones intergeneracionales sobre las morales sexuales a principios de los setenta”Rocío López. “’The Way I Loved You’: amor y sufrimiento en la canción popular”Juan Carlos Poveda. “‘Qué gris estaba la tarde’. Legitimación en la música de Mazapán de emociones infantiles objetadas”Fernanda Suppicich. “Pensamiento maternal, afectos y emociones en la canción ‘Parto’ (2015) del dúo Barone-González” Artículos libresLuis Ferreira. “Entre flujos y migraciones en el Atlántico Negro: la configuración musical de la rumba y el candombe de Buenos Aires”Jan Koplow. “Aproximación a la relación entre la escena metalera chilena y los pueblos originarios Mapuche, Selk’nam y Kawésqar”Lucas M. Guingue-Valencia y Daniel Grisales Betancourt. “Discos que asustan a los periodistas: música de carrilera y modernidad campesina en Colombia a mediados del siglo XX” ReseñasNelson Rodríguez. Reseñas de Alonso Corbalán y Joaquín González. 2021. Barras y métricas. La historia de las batallas de rap en Chile. Santiago: Ediciones 517; y The Urban Roosters eds. 2021. Freestyle Revolution. Santiago: Editorial Planeta.

Patricio Manns (b. 1937) is a Chilean singer, songwriter, writer, poet, novelist and journalist. He was one of the group of singers who came together in the Peña de los Parra, the club founded by Angel and Isabel Parra in Santiago in 1965 which became the crucible where neo-folklore metamorphised into nueva cancíon (‘New Song’). Manns' relationship with nueva cancíon has been a fundamental, although at times an ambivalent one. Unlike many of the other musicians he has constantly involved himself in non-musical and political activity. Recently he has been the European spokesperson for the Chilean resistance movement, the Manuel Rodriguez Patriotic Front, which claimed responsibility for the assassination attempt in October 1986 on President Pinochet.

AbstractChilean musical and political themes were an important element of East German life during the socialist presidency of Salvador Allende (1970–1973) and the violent military dictatorship (1973–1990) that overthrew him. The musical movement nueva canción (new song) was critical in mobilising solidarity with Chile around the world. In East Germany, the state-sponsored Singebewegung (singing movement) and the Liedermacher*innen1 (song makers) who were sometimes more openly critical both performed Chilean themes and covers. In addition to promoting solidarity, both groups drew on the musical identity of this group to arouse political participation towards different ends.

El estudio de la Nueva Canción en América Latina ha puesto en evidencia escenas artísticas cuyos territorios, dinámicas y actores sobrepasan, a menudo, los marcos tradicionales del Estado y sus instituciones. Centrado en el caso chileno, el presente artículo se interroga sobre algunas dimensiones de la transnacionalidad presentes en un corpus bibliográfico específico. En primer lugar, identificamos estudios donde el enfoque transnacional se manifiesta en los marcos generales usados para identificar movimientos musicales. En segundo lugar, examinamos trabajos cuyo objeto de investigación exige una mirada supranacional. En tercer lugar, reflexionamos acerca de trabajos donde el método y el objeto de estudio se cimentan sobre enfoques abiertamente transnacionales. Interrogado desde esta perspectiva, el corpus parece sugerir un mundo musical diverso y heterogéneo, de geografías y dinámicas variables (binacionales, transnacionales, comparativas), donde se articulan y conectan las numerosas capas de la experiencia artística contemporánea.

Este artículo examina la recepción de “Libre” (1972), de Nino Bravo, en Chile durante los primeros años de la dictadura de Pinochet. Su objetivo es demostrar cómo el régimen militar se apropió de esta canción, sustituyendo el sentido y la intención política de su versión inicial por una interpretación afín a la ideología del autoritarismo. Se trata, entonces, de ver cómo “Libre” –otrora concebida como una crítica contra la dictadura franquista– llegó a convertirse en un himno de la dictadura chilena, rastreando los significados específicos que se le impusieron durante este nuevo régimen de significación. De ahí nuestro interés por determinar lo que el autoritarismo escuchó en esta canción: un homenaje a la gesta de liberación emprendida por las Fuerzas Armadas y la expresión del espíritu de un arquetipo juvenil ideal. La hipótesis de que “Libre” atravesó un proceso de resignificación en dictadura repara en la insistente reproducción de este tema en una serie de escenarios dispuestos por el bloque autoritario entre 1973 y 1975. La delimitación de estos antecedentes nos permitirá plantear que “Libre” adquirió la forma de un “mito” (Barthes 2008) elaborado por la dictadura para naturalizar ciertos conceptos o narrativas políticas.

Los números de comienzo de año de Contrapulso son de temática libre dentro del amplio campo multidisciplinario de los estudios en música popular en América Latina que nos convoca. Los de mediados de año, en cambio, están orientados hacia temáticas específicas dentro de este campo, como han sido los dedicados a “Música y sexualidad” (2019), “Música y política” (2020), “Voces y vocalidades” (2021), y “Música, sentimientos y afectos”, dosier convocado para el próximo número (2022) https://contrapulso.uahurtado.cl/index.php/cp/announcement En algunos casos, un dosier puede irradiar su temática hacia el número siguiente, como ocurre en este de temática libre, pero con tres artículos provenientes de la llamada al dosier del número anterior –“Voces y vocalidades”–. Incluso en la editorial pasada anunciamos que publicaríamos una segunda parte del dosier con esta entrega, pero finalmente hemos preferido no hacerlo y así mantener el ritmo de la revista señalado al comienzo. Nos disculpamos por ello, aunque el origen de esos tres artículos, transforman este ejemplar en un número híbrido. El primero de los textos irradiados, de Dulce María Dalbosco, aborda comparativamente las figuras de Amália Rodrigues y de Carlos Gardel, buscando convergencias entre el fado y el tango en las ciudades puerto de Lisboa y Buenos Aires, junto al desarrollo de las nuevas tecnologías del disco y del cine. A partir de su canto y de su agencia, ambos artistas se proyectaron como referentes culturales y sociales, se convirtieron en figuras transmediales, modelaron subjetividades y devinieron en agentes culturales íconos internacionales de los géneros musicales que representan. Amália y Gardel son también testimonio de la manera en que el cuerpo del artista se convierte en receptáculo donde se cruzan, se contradicen o se potencian las distintas voces articuladas por ellos: la de sus canciones, sus personajes, sus papeles cinematográficos, y sus discursos. El segundo artículo vinculado al dosier del número anterior, de Maria Pilar Jarpa, aborda la obra del escritor, artista y activista chileno de género Pedro Lemebel, que toma la voz de la cantante mexicana Paquita la del Barrio para trasvestir su propia voz, produciendo una diversidad de alianzas con “lo femenino” que dan cuenta de un devenir irreverente de mujer respecto a las categorías dominantes. En las crónicas y programas de radio de Lemebel, vemos como la canción sentimental y de despecho se transforma en dispositivo de subversión del imaginario heteronormativo y también revolucionario latinoamericano. En el tercer artículo de la revista, de temática libre, María de los Ángeles Montes, aborda el paradigma tradicional del cuarteto cordobés tal como se manifestó hasta finales la década del setenta antes de la propuesta disruptiva de la banda Chébere y de La Mona Jiménez. Para ello la autora revisa un cuerpo considerable de canciones, abordando sus aspectos sonoros, lingüísticos y narrativos en su sentido amplio, enfatizando los valores dominantes de matrimonio, familia y trabajo y sus transgresiones en el espacio festivo del cuarteto, a través del humor y la picaresca. Es en esa suspensión momentánea de la seriedad de la vida cotidiana que impone la fiesta, donde el cuarteto tradicional anima a la relajación de las normas morales imperantes, como la fidelidad masculina, el ascetismo, y el decoro en la mujer. A partir del cuarto artículo incluimos estudios sobre música popular abordados desde la música y la musicología, a diferencia de los tres primeros, escritos desde la literatura, los estudios de género y la semiótica, que enriquecen la diversidad de enfoques de este campo de estudios. Es así como Roberto Serafini, se enfoca en el primera arreglo de Astor Piazzolla para la orquesta de Aníbal Troilo: la milonga-candombe “Azabache” que, a pesar de tener buena recepción del público y de la industria de la época, Troilo nunca llevó al disco. En su artículo, Serafini aborda las posibles razones de esta omisión en el contexto de los años cuarenta en Buenos Aires. Lo hace, a partir de un minucioso estudio de la obra, transcribiendo el manuscrito inédito, relevando la bibliografía, analizando comparativamente distintos arreglos de la época y produciendo un video con su montaje. Por su parte, Nilda Godoy, ofrece un análisis intermedial de la interpretación de Mercedes Sosa para canciones sobre la poesía de Armando Tejada Gómez, enfocándose en la voz como portadora de palabra y música. La autora identifica recursos expresivos en relación al fraseo, el tratamiento dinámico, las acentuaciones, las prolongaciones de sonido, y las decisiones de tempo y altura sobre las letras de las canciones, en un minucioso estudio de vocalidad que completa los tres artículos irradiados del número pasado de Contrapulso al actual. El sexto artículo, de Tomás Mariani, se centra en el disco El incendio del poniente (1984) del cantante argentino de folklore, Jacinto Piedra, publicado en el marco de la llamada primavera democrática argentina, buscando su relación con las culturas juveniles de los ochenta. Para ello, el autor considera lo visual, lo literario y lo sonoro-musical del disco y la red de relaciones que conforma, que se articulan con un discurso en el que folklore y juventud pueden formar parte de una misma construcción de identidad, compartiendo además espacios con el rock. El último artículo, de Víctor Navarro, aborda una canción del poeta-rockero chileno Mauricio Redolés que ofrece una crónica de la lucha de los estudiantes secundarios contra la dictadura militar en la década de los ochenta. La canción es abordada desde la historia cultural y los postulados sobre música y profecía de Jacques Attali, intentando descifrar la microhistoria que subyace en la letra, la clase subalterna que se describe, y sus posibilidades de diálogo con el Chile actual, ofreciendo un interesante análisis de la estructura cultural de la canción. Este número culmina con tres reseñas críticas de libros de reciente aparición. La primera, de Andrés Celis, aborda un extenso estudio colectivo sobre el heavy-metal en América Latina. La segunda, de Sebastián Carrillo, está referida a un no menos extenso recuento de 200 discos de rock chileno. La tercera, de Tomás G. Márques, nos informa de una autoedición sobre la práctica del hip-hop femenino en Chile. Junto con agradecer a lo/as autore/as que han depositado su confianza en Contrapulso, enviándonos sus manuscritos según las normas de la revista y luego haciendo correcciones y modificaciones según lo hemos ido solicitando, queremos reconocer muy especialmente a quienes han realizado los acuciosos referatos ciegos del material recibido, contribuyendo a mantener el buen nivel de la revista y sirviendo como instancia de perfeccionamiento para los propios autores. Estos fueron Ana Belén Disandro, Angélica Adorni, Ariel Durán, Christina Baker, Claudia Rolando, Daniel Domingo Gómez, Daniel Party, Federico Eisner, Héctor Rojas, Heloísa Valente, Joshua Katz, Juan Sebastián Rojas, Juliana Pérez, Lucio Carnicer, Marina Cañardo, Pablo Toro, Rodrigo Arrey, Simón Palominos y Tania Costa. El contenido de Contrapulso 4/1 (1/2022) es el siguiente: Dulce María Dalbosco. “De la voz al símbolo: Amália y Gardel como estrellas de la canción portuaria” María del Pilar Jarpa. “Devenir rabiosa: Lemebel, Paquita la del Barrio y ‘el lenguaje de la ira’”María de los Ángeles Montes. “El paradigma tradicional del cuarteto cordobés. Sonidos, palabras y relatos” Andrés Serafini. “Misterioso ‘Azabache’: contextualización y análisis del primer arreglo de Astor Piazzolla para la orquesta de Aníbal Troilo” Nilda Godoy. “La voz de Mercedes Sosa cantando la poesía de Armando Tejada Gómez. Un análisis de la interpretación como aporte al estudio del canto” Tomás Mariani. “El incendio del poniente (1984) en la primavera democrática argentina: folklore y juventud en el disco solista de Jacinto Piedra” Víctor Navarro. “‘Química’, de Mauricio Redolés: una crónica del movimiento estudiantil en la dictadura militar chilena” Reseñas Andrés Celis: Nelson Varas-Díaz, Daniel Nevárez Araújo y Eliut Rivera-Segarra eds. 2021. Heavy Metal Music in Latin America: Perspectives from the Distorted South. Lanham, Maryland: Lexiton Books. Sebastián Carrillo: Gabriel Chacón, Felipe Godoy, Cristofer Rodríguez y César Tudela. 2020. 200 discos de rock chileno. Una historia del vinilo al streaming. Santiago: Ocho libros. Tomás G. Marqués: Paulina Briceño (A.K.A Brita la Matriarca). 2021. Ser Bgirl. Filosofía del Hip Hop. Santiago: Autoedición.

Nos es muy grato presentar el dosier “Música, sentimientos y afectos”, que surge a partir de la pregunta central acerca de cómo podemos abordar los sentimientos y los afectos como objeto de estudio en/con/desde la música popular. Las respuestas evidencian una multiplicidad de aspectos teóricos y metodológicos con los que las y los autores de los presentes trabajos han dialogado. Dan cuenta de las diferentes perspectivas desde donde se pueden estudiar los afectos y los sentimientos en esta música, considerando, repertorios, estéticas, estilos, significados colectivos, momentos históricos, discursos sobre las músicas, performance, entre muchos otros. Uno de los aspectos teóricos que resaltamos, es la aproximación que las y los autores realizan desde los estudios en música popular hacia el “giro afectivo” o “affective turn” propuesto por Clough y Halley (2007), que emerge desde las ciencias sociales a fines del 2000, incorporando en sus análisis y discusiones los significativos trabajos de Sarah Ahmed (2015; 2019) y Sianne Ngai (2005), junto al diálogo con los enfoques de género de autoras que han trabajado líneas específicas, tales como Luce Irigaray (1992) y Luisa Muraro (1994), del feminismo francés e italiano de la diferencia respectivamente, y Judith Butler (1988) de la teoría queer. La canción popular ha sido la invitada especial en el desarrollo analítico y reflexivo que las y los autores han plasmado en cada uno de los artículos que componen este dosier. El gesto de ubicar la canción al centro de los análisis, evidencia una construcción de sentido sobre este género musical basado en su cercanía con los afectos y sentimientos, sumado al estudio sobre las diversas posibilidades de expresión sonora, semiótica, discursiva y performativa que transforman la canción en un género con un lenguaje singular que habla e interpela con voz propia y con propiedad a la sociedad, pues, como señala Semán (2019) “una vez salidas de la intimidad del autor” (p. 11), las canciones “son del público, de otros músicos, de la crítica” y luego son traídas de vuelta cuando son estudiadas. Si los sentimientos y los afectos conforman una parte habitual en los discursos coloquiales alrededor de la música, son más recientes las investigaciones que los abordan desde una perspectiva académica. Para dar cuenta de emociones y sentimientos en las canciones es posible hacer foco en alguna de sus múltiples dimensiones, pero queda claro que los sentidos e interpretaciones que promueven generalmente son el producto de una relación articulada entre música, lírica y performance. Las manifestaciones humorísticas son en particular las que más parecen lograr su efectividad cuando producen mutuas afectaciones entre estos elementos, como se podrá constatar en varios de los artículos del dosier. Del grupo de trabajos recibidos y por el cual agradecemos a las y los autores que nos presentaron sus propuestas y luego de la evaluación en doble ciego realizada por pares, arribamos a los siguientes cuatro artículos que se presentan por orden alfabético. Las herramientas analíticas que se incorporaron a partir del giro afectivo para el estudio de la música popular latinoamericana contribuyen a repensar el repertorio del rock argentino en los años setenta, es decir cuando se estaba configurando como género musical situado. El trabajo de Facundo Guzmán, a través de la canción “Mariel y el Capitán”, de Sui Generis, abre una ventana para tomar nota de cómo el grupo creado por Charly García y Nito Mestre produjo una ampliación de la agenda temática para el naciente rock argentino. Una ampliación que tuvo su correlato con el ingreso de un auditorio femenino, no solo por tematizar el amor romántico sino, también por la sexualidad y repensar la noción de masculinidad. En Mariel y el Capitán, Guzmán constata como la articulación entre texto y música configuran un discurso que, a través del humor irónico arremete contra la moral burguesa porteña de la época. La idea misma de crítica al statu quo de las “buenas costumbres” en materia de sociabilidad amorosa ha funcionado en el tiempo como un dispositivo que, como rastreó el autor en la parte final de su texto, dio pie a posteriores reinterpretaciones del sentido de la canción a partir de nuevas agendas de la Argentina del siglo XXI, como es el caso de la demanda por el reconocimiento de la identidad de género. El amor romántico y el sufrimiento es considerado un tópico recurrente en las canciones populares, junto con la valoración despectiva que habitualmente se hace en torno a estas canciones que expresan ese tipo de afecto que alude a un exceso o desborde del sentimiento. Rocío López, autora del trabajo sobre el amor y el sufrimiento, nos recuerda -a partir de una referencia de Simon Frith- que la mayoría de las canciones, tanto en el mundo occidental como no occidental, son sobre el amor romántico. Sobre este punto de partida cobra sentido lo disímil de los géneros que forman su corpus de análisis, como son el pop, el Kpop y el cuarteto cordobés, con el elemento común del amor romántico. Pareciera que abordar el tópico del amor sin abordar los estudios de género resulta una tarea incompleta, o descontextualizada, en este sentido la autora guía su estudio en base a conexiones interesantes entre amor/género. Sus reflexiones apuntan hacia las “formas legítimas del amor” en una sociedad que ha sido estructurada y educada en base a afectos y sentimientos heteronormados y dentro de este mismo modelo afectivo de pareja, destaca aquellos “sentimientos habilitados” como formas válidas de expresión afectiva, así también, pone énfasis en la “ruptura de los modos hegemónicos de concebir las relaciones”. Resulta interesante la problemática acerca de la noción del pop como género que apela a la construcción de significados en torno al amor sentimental, como la temática “amor platónico, enfermedad y locura” de una de las canciones analizadas, cuyos significados estilísticos y sonoros son permeados desde la industria musical estadounidense para ser imitados en Corea del Sur, siendo dos realidades musicales geográficamente alejadas que comparten fórmulas de éxito y a su vez son explotadas de ida y vuelta. El cancionero infantil tiene en nuestra región una intensa, fructífera y multifacética historia que, en el terreno de la canción popular, ha tenido una circulación social innegable sobre todo a partir de la segunda mitad del siglo pasado. Se conformó una trama que ha involucrado a músicos, intérpretes y creadores de un repertorio específico que, a través de diversos tipos de mediatización de la industria cultural primero, como de los sistemas educativos nacionales después, se incorporó al repertorio de consumo y de usos de familias e infancias. Juan Carlos Poveda enfoca su indagación analítica en la música de Mazapán, grupo a la vez pionero y de referencia de la canción infantil chilena, activo desde hace más de cuatro décadas. La revisión de un corpus amplio, las catorce producciones discográficas de mayor circulación de la agrupación creada por Carmen Lavanchy, le permiten constatar que el abanico de emociones que afloran en las canciones es más amplio y complejo de lo que podría atribuírsele a este tipo de repertorio. Es así como Mazapán habilitó “un espacio para reacciones y emociones no siempre aceptadas por el mundo adulto para con la infancia”, afirma Poveda. Canciones que hacen audibles la melancolía, la tristeza o el enojo representan para el autor “no solamente una riqueza formativa y estética, sino también una postura política que permite comprender y valorar a niñas y niños en su real complejidad, desplazando la atención y la expectativa de lo que aún no han llegado a ser -adultas/os- a lo que realmente son”. En el último trabajo del dosier, Fernanda Suppicich, basa su análisis en un interesante tema sobre el pensamiento maternal y su relación con los afectos y las emociones en la canción “Parto” del dúo argentino Barone-González, abordada metodológicamente como estudio de caso. Canción que en su propuesta estética, renueva la visión del tango en el marco de un momento complejo, lleno de imbricadas situaciones sociales y políticas de la Argentina reciente. La temporalidad evocada en las canciones es un factor que, de una u otra forma suele estar presente en la conciencia de sus creadoras/es, sobre todo cuando sienten que a través de la música deben decir/hacer algo en función de su experiencia con la realidad social como ocurre con “Parto”. Destacamos la nutrida aproximación temática en el artículo de Suppicich, que se sostiene teóricamente de forma sólida en la noción sobre el pensamiento maternal y sus posibilidades afectivas de la mujer situada, es decir, en un cuerpo que siente, en un espacio, en un sistema social y político, tomando en cuenta el binomio asociado al vínculo afectivo femenino de “madre-hija”, o la categoría “mujer/madre” a partir del concepto de el orden simbólico de Muraro (1994) y de la diferencia de Irigaray (1992). La opción metodológica de estudio de caso le permite a la autora dar profundidad al análisis de la música/texto lírico/voz, realizando un detallado mapa de escucha sobre estructura, melodía, timbre, textura, armonía, dinámica, entre otros elementos que configuran el discurso musical, logrando evidenciar el sonido de lo afectivo y emotivo en la canción, en diálogo con la base teórica. Finalmente, cada trabajo desde su singularidad temática y enfoque contribuye al desarrollo de nuevas perspectivas investigativas, que con sus diferentes diálogos interdisciplinarios esperamos sean un aporte a los estudios de música popular en América Latina. Agradecemos a Contrapulso, su director y al equipo editorial la posibilidad de participar como editores de este dosier sobre “Música, sentimientos y afectos”.

Este tercer número de Contrapulso, convocado en medio del estallido social chileno de fines de 2019 y publicado en medio del recrudecimiento de la pandemia del Corona Virus en América Latina y Estados Unidos, no ha permanecido al margen de todo esto, aunque una revista académica no siempre deba o pueda dar cuenta de la contingencia inmediata que la rodea. Sin embargo, el tercer número de la revista fue convocado acusando recibo del estallido social y, de cierta forma, sumándose de este modo al propio clamor ciudadano.Es así como para este número convocamos el dossier “Música, sonido y movimientos sociales”, buscando artículos que abordaran la forma en que la música popular ha acompañado históricamente estos procesos en la región. Lo hicimos, porque creemos necesario prestar atención al modo en que la música y el sonido se relacionan con demandas por cambios en los modelos imperantes, orientadas hacia el resguardo de derechos humanos, medioambientales, sociales, económicos y culturales. Si bien llegó el triple de los artículos que conforman esta edición, aquellos motivados por la presencia de música popular en los movimientos sociales que imperan en la América Latina del siglo XXI –como fue convocado el dossier– fueron justamente escritos durante el fragor e inmediatez de las movilizaciones, sin tiempo para decantarlos y pulirlos mejor, por lo que no alcanzaron a ser publicados. Esperamos que a futuro los valiosos manuscritos que llegaron en esta temática encuentren una vía de publicación en este o en otro medio. De este modo, el concepto de “movimiento social” que prima en este dossier tiene más que ver con la solidaridad internacional surgida a partir de los golpes de estado y el exilio latinoamericano, como el concierto “An Evening with Salvador Allende” celebrado en 1974 en Nueva York, que es abordado por Juan Carlos Ramírez, y el exilio musical argentino en México en los años setenta, estudiado por Candelaria Luque. Ambos artículos son también actos de construcción de memoria. Junto a ellos, forma parte de este dossier un artículo sobre el uso y la resignificación que hizo el régimen de Augusto Pinochet de bienes simbólicos para sus fines políticos, como fue la apropiación de la canción “Libre” de Nino Bravo, abordada por Josefina Lewin. Es así como estos textos hablan más sobre el binomio música y política que de prácticas musicales surgidas desde la base de los movimientos sociales, que es como se manifestaría dicho binomio en el presente. Solamente uno de los artículos del dossier da cuenta de este fenómeno, que además suma el hecho de hacer música durante la pandemia: “El desafío de la inmediatez en la murga en Chile” de Alejandro Gana, uniendo las dos problemáticas que nos aquejan. Debido al efecto de la crisis global de la pandemia en las condiciones de investigación y en la acentuación de las desigualdades en la labor de investigadores e investigadoras, en Contrapulso optamos por ampliar el plazo de recepción de artículos y reseñas para este número. Esto produjo que al menos un tercio de los textos recibidos fueran de autoras mujeres, y que finalmente un 40% de lo efectivamente publicado fuera de investigadoras, la mitad en el caso del dossier. Finalmente, es un intento permanente de la revista por disminuir la distancia entre la América hispana y Brasil, en esta nueva edición hemos aumentado los textos en portugués. Ambas regiones muchas veces se aíslan mutuamente, restándole riqueza al debate intelectual latinoamericano, lo que es especialmente sensible en el caso de los estudios en música popular. Es así como los artículos de este número dan cuenta de realidades de Chile, Argentina, Brasil, México y Estados Unidos, mientras que las reseñas abordan libros publicados en Chile, Perú, Brasil y Estados Unidos que resultan de interés para los estudios en música popular de la región. En la sección de artículos libres, pero siempre orientados por la línea de la revista, incluimos un estudio de Nelson Rodríguez sobre la tendencia actual del hip-hop en Chile donde imperan los certámenes de competencia e improvisación llamados “peleas de gallos”, y un interesante artículo teórico de Humberto Junqueira donde reflexiona sobre el uso del método etnográfico de observador/participante en el caso del choro en Belo Horizonte. El contenido de Contrapulso 2/2, 8/2020 es el siguiente: Dossier Juan Carlos Ramírez. “‘An Evening with Salvador Allende’: del hito en suspensión a la suspensión del hito” (3-16). Candelaria Luque. “El grupo Sanampay: canción y resistencia en el exilio argentino en México (1976-1983)” (17-34).Josefina Lewin. “La apropiación de ‘Libre’, de Nino Bravo, durante el régimen de Pinochet: reconstruyendo la gestación de un mito” (35-49).Alejandro Gana. “El desafío de la inmediatez en la murga en Chile. Expresiones musicales satíricas en contextos de distanciamiento social” (50-64).Artículos libresNelson Rodríguez. “El ascenso del freestyle de competencia en Chile: las Batallas de gallos como forma renovada de consumo del hip-hop” (65-79).Humberto Junqueira. “Participar, observar, investigar: o método como percurso” (80-91).Reseñas David Spener. 2017. “No nos moverán”: biografía de una canción de lucha. Santiago: LOM ediciones, 179 pp. por Elia Romera-Figueroa (92-94).Paulo Gustavo da Encarnação. 2018. Rock cá, Rock lá: A produção roqueira no Brasil e em Portugal - 1970/1985. São Paulo: Intermeios, 284 pp. por Manoel R. Corrêa Martins (95-99).Jesús Cosamalón y José Carlos Rojas. 2020. ¡Qué cosa tan linda!” Una introducción al estudio de la salsa en el Perú, 174 pp. por Francisco Melgar (100-103).William Moylan. 2020. Recording Analysis. How the Record Shapes the Song. Nueva York: Routledge, 569 pp. por Luis Perez Valero (104-106).

Con este número culminamos una primera época de Contrapulso en la que hemos publicado la revista los meses de enero y agosto de cada año. A partir del siguiente ejemplar cambiaremos las fechas de publicación a abril y octubre para no coincidir con el fin de los semestres de clases ni los períodos de receso estival. De este modo, el próximo número 5/2 será publicado a fines de octubre del presente año. Para esa ocasión esperamos artículos de temas libres y reseñas, pero también adscritos al dossier “Pueblos originarios y música popular en América Latina” a cargo de Jacob Rekedal e Ignacio Soto Silva, cuya convocatoria en español, portugués o inglés permanecerá abierta hasta el 30 de agosto de 2023 en el siguiente enlace de la revista: https://contrapulso.uahurtado.cl/index.php/cp/announcement. Los números de comienzo de año de Contrapulso están completamente dedicados a temas libres dentro del amplio marco de una revista orientada a los estudios multidisciplinarios de las músicas populares en o de América Latina y el Caribe. Se trata de músicas que poseen distintos grados de vinculación con la industria y la tecnología, aunque provengan de prácticas de la tradición oral o hayan sido creadas o interpretadas en partitura. En este número se manifiesta muy bien ese arco de posibilidades. Contrapulso 5/1 comienza con un artículo de Ricardo Martínez-Gamboa sobre formas de promoción de la música popular desde comienzos del siglo XX hasta la actualidad, con especial atención a la irrupción de recomendaciones musicales entregadas a los usuarios por los servicios por streaming. El autor aborda los distintos mecanismos mediante los cuales desde el maching learning se llegan a tales recomendaciones para luego reflexionar sobre las implicancias sociológicas de esta tendencia a través de la cual conocemos y gustamos de música sin que exista una mediación humana y cultural manifiesta. Es así como construimos identidades atomizadas, desvinculadas de una escucha social concreta como ha venido ocurriendo con nuestra experiencia musical a lo largo de la historia. El siguiente artículo es un estudio comparativo que realiza César González entre el LP Siembra (1978) de Willie Colón y Rubén Blades y el sencillo y videoclip “La gozadera” (2015) de Gente de Zona y Marc Anthony. En ambos ejemplos de alcance mundial, aparece en un primer plano la representación de la integración latinoamericana mediante la construcción sonora y textual de lo latino. De este modo, el artículo busca continuidades y discontinuidades en la forma en que la salsa y sus derivados han afrontado la latinoamericanidad de acuerdo a los distintos contextos que enmarcan estas producciones. El tercer artículo, de Víctor Navarro, también se centra en un disco, en este caso en la cuarta pista del LP conocido como La ventana (1972) de la banda chilena de fusión Los Jaivas. Se trata de “La quebrá’ del ají”, cuya letra suma elementos naturales y sobrenaturales, recurriendo a las temáticas del lugar feliz y del mundo al revés propias de la poesía popular, y que rescata la tradición de lugares encantados y ciudades perdidas. El texto indaga en las causas que explicarían la aparición de esta temática en la historia de la banda, considerando el contexto político y cultural del Chile de comienzos de los años setenta. El siguiente artículo, de Elías Esper, Natalia Malebrán, Karina Labraña y Martín Berríos, aborda la trayectoria del grupo chileno Santiago Cuatro (1978), que revive en los años ochenta las prácticas de arreglo vocal del Neofolklore de mediados de los sesenta. Este estudio se basa en el análisis del discurso de los integrantes del grupo, junto a revisión de prensa y bibliografía. La triangulación de esta información da cuenta de procesos de modernización del país y de su correlato en propuestas modernizadoras del folklore; de las aperturas al folklore como espectáculo televisivo y festivalero durante la dictadura neoliberal chilena; y el modo en que lo nuevo se define en respuesta a lo ya establecido, al mismo tiempo que lo establecido se reconfigura en respuesta a lo nuevo. En el quinto artículo, Julia Parodi indaga en la construcción del sentimiento de identidad nacional a partir del discurso de la revista Folklore (1960-1980) pieza central del fenómeno del boom del folklore en Argentina. El texto propone un acercamiento desde el análisis del discurso a una serie de columnas publicadas durante los primeros años de la revista en la sección “Conciencia Folklórica”. Se trata de autores cuyas voces venían legitimadas por su condición de “expertos” y que promovían un contrato de lectura particular, señala la autora. La búsqueda de huellas afectivas en este discurso sugiere una estrategia de la revista orientada a la consagración de los artistas del folklore a través del refuerzo de un tono afectivo predominante. En el sexto y séptimo artículo, de Mario Gómez, y de Natalia Díaz y Gianni Pesci, respectivamente, encontramos el problema de la performance como asunto central. El texto de Gómez aborda la práctica de los payadores en la Patagonia chilena según la idea de arte verbal como modo de comunicación entre performers y audiencias. El artículo ofrece una interesante ilación de diversos aportes teóricos sobre la performance a lo largo del tiempo, las disciplinas y los territorios. En base a trabajo de campo, revisión de registros, entrevistas y a la propia experiencia del autor como payador, el texto aborda dos formas de performar la payada: en las jineteadas y en los encuentros de payadores. La contextualización de la payada patagónica mediante el contacto con los cantores y el ejercicio del canto, confirma que un abordaje contextual enriquece la comprensión de la performance en relación a la conformación de comunidades, identidades y memorias. Finalmente, el artículo de Natalia Díaz y Gianni Pesci nos ubica en el extremo norte de Argentina, y se centra en la performance transformista de Maximiliano Mamani –Bartolomina Xixa– bailando “Ramita seca”, una vidala mezclada con rap, en un basural de la Quebrada de Humahuaca. El artículo indaga en las articulaciones identitarias que habilita esa performance y en la idea de un folklore de resistencia, que desarma el relato de una argentinidad blanca, heteronormada y homogénea, pues la performance de Barolina la identifica con exclusiones indígenas, de género, de frontera y de pobreza.Este número culmina con tres reseñas de material publicado en 2022. Las dos primeras, de Julio Osses y de Karen Donoso abordan dos libros sobre música popular en Chile durante la transición a la democracia en la década del noventa. La siguiente, de Leonardo Díaz-Collao, es sobre un álbum disponible en plataformas digitales –vinculado a la temática del próximo dossier– y que inaugura las reseñas de fonogramas en la revista. Junto con agradecer a lo/as autore/as que han depositado su confianza en Contrapulso, queremos reconocer muy especialmente la labor de quienes han realizado los acuciosos referatos ciegos del material recibido, contribuyendo a mantener el buen nivel de la revista y sirviendo como instancia de perfeccionamiento para los propios autores. Este número fue evaluado por Alonso Núñez, Federico Eisner, Felipe Solís, Gerardo Figueroa, Ignacio Soto, José María Moure, Juliana Guerrero, Karen Donoso, Liliana González, Raúl Suau, Sergio Araya, Víctor Contreras, Victoria Polti y Viviana Parody. El contenido de Contrapulso 5/1 (1/2023) es el siguiente: ArtículosRicardo Martínez-Gamboa. “¿Una canción para siempre?: la evolución de la promoción musical del pop, desde el piano del entrepiso hasta las recomendaciones de Spotify”César González. “Del disco Siembra al sencillo ‘La gozadera’: el mito mestizo de la integración latinoamericana”Víctor Navarro. “‘La quebrá’ del ají’: lugar legendario y comunidad en la obra de Los Jaivas”Elías Esper, Natalia Malebrán, Karina Labraña y Martín Berríos. “La experiencia del conjunto vocal Santiago Cuatro y sus integrantes: modernización, tensiones y proyecciones”Julia Parodi. “‘Conciencia folklórica’: el sentimiento patriótico reafirmado por el discurso de la revista Folklore (1961-1981)”Mario Gómez. “Jineteadas y encuentros de payadores: performance de la payada rioplatense en Chile”Natalia Díaz y Gianni Pesci. “Bartolina Xixa baila en un basural: cuerpo, sonido y performance de una colonialidad permanente”</p ReseñasJulio Osses: Juan Pablo González. 2022. Música popular chilena de autor. Industria y ciudadanía a fines del siglo XX. Santiago: Ediciones Universidad Católica.Karen Donoso: Cristofer Rodríguez. 2022. Con el corazón aquí. Estado, mercado, juventudes y la Asociación de Trabajadores del Rock en la transición a la Democracia (1991-1995). Santiago: Ediciones Universidad Alberto Hurtado.Leonardo Díaz-Collao: Vñvm et al. 2022. Inatugen BSO, banda sonora del documental Bajo Sospecha: Zokunentu.

A Música Popular Brasileira e a Nueva Canción Chilena foram expressões artístico-culturais críticas ao autoritarismo imposto pelo Estado, em um período predominantemente marcado por regimes militares no Cone Sul. Nos últimos anos houve um crescimento de pesquisas que buscaram estabelecer conexões entre a MPB e a Nueva Canción Chilena, com enfoque nas perspectivas da história comparada e transnacional. O presente artigo tem o intuito de explorar a presença da Nueva Canción Chilena na memória da resistência cultural brasileira, a partir da análise do livreto Cancionero de la Nueva Canción Chilena, localizado no Archivio Storico del Movimento Operaio Brasiliano (ASMOB). Os significados da guarda e da produção desse documento apontam caminhos para pensar fluxos e redes culturais, principalmente no que diz respeito a experiência do exílio que está relacionada ao contexto da fonte.

Abstract The Chilean nueva canción (‘new song’) movement is one of Latin America's most enduring musical phenomena. Strongly associated with the rise of left-wing political forces in the 1960s, and then with anti-dictatorship protests in the 1970s and 1980s, nueva canción is deeply embedded in Chilean political consciousness. This article provides a new perspective on the movement by exploring its populist elements and considering these in relation to Communist Party cultural policy. It focuses on a significant historical moment – the Chilean Communist Party's 1971 Assembly on the Chilean Revolution and the Problems of Culture – to ascertain how the political potential of ‘Chilean new song’ was viewed by this key partner in the Chilean coalition government. Through this examination, this article offers new insight into the political positioning of CNS, illustrating the movement's socio-political role in terms of the broader ideological principles and imperatives of the vía chilena (‘Chilean road’) to socialism.

La Nueva Canción Chilena (ncch) contribuyó a expresar la solidaridad de la izquierda chilena hacia las revoluciones cubana y vietnamita antes y durante la Unidad Popular (1970-1973). Por la particularidad del caso chileno y su “vía pacífica” al socialismo, el apoyo a estas luchas revolucionarias no estuvo exento de conflictos. Aquí analizamos cómo estos artistas expresaron su solidaridad hacia ambas revoluciones y cómo sortearon o profundizaron dichos conflictos. Presentamos dos hallazgos principales. El primero destaca la relevancia de la NCCh en la denuncia del imperialismo estadunidense y como expresión de solidaridad Sur-Sur. El segundo documenta el uso de géneros, instrumentos e intertextualidad para apoyar a dichos pueblos y validar la “vía chilena”. El análisis de este repertorio bajo las nociones de solidaridad Sur-Sur es novedoso, puesto que permite develar las estrategias usadas tanto para expresar solidaridad como para insertar la “vía chilena” en el contexto de la guerra fría.

Rodrigo Sarmiento es licenciado en Historia del Arte y candidato a magíster en Literatura Peruana y Latinoamericana por la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, Perú. Su tesis de licenciatura, “Felipe Pinglo y la canción criolla. Estudio estilístico de la obra musical del Bardo Inmortal”, ganó el Premio a la Investigación 2018 otorgado por el Vicerrectorado de Investigación y Posgrado y fue publicada por el Fondo Editorial de esta casa de estudios. Es también autor del libro encargado por el Ministerio de Cultura, Llegó rasgando cielos, luz y viento. Vida y obra de Chabuca Granda, para celebrar el centenario del nacimiento de la compositora peruana, así como de diversos artículos y ponencias que giran en torno a la música peruana y su historia cultural. Actualmente, se encuentra investigando sobre la canción popular americana de finales del siglo XIX e inicios del siglo XX, en el marco del programa de Doctorado en Música con mención en Etnomusicología de la Universidad Nacional Autónoma de México. Natalia Elisa Díaz es Licenciada en Sociología por la Universidad Siglo XXI, especialista en estudios de performance y Doctora en Ciencias Antropológicas por la Universidad Nacional de Córdoba, Argentina. Desarrolla tareas de investigación en el Instituto de Humanidades de la misma universidad. Además, se desempeña como productora de contenidos en línea para el Instituto Superior de Estudios Pedagógicos de la provincia de Córdoba. Sus áreas de investigación abarcan los estudios socio-antropológicos sobre músicas populares, en especial, le interesan los procesos de creación de sentido en la producción y recepción del folklore argentino desde una perspectiva socio-discursiva. Actualmente trabaja sobre las culturas afectivas en el campo del folklore y el rock argentino desde los estudios de performances y el género. Gimena Pacheco es maestranda en Antropología Social por la Universidad de Buenos Aires, Facultad de Filosofia y Letras, Argentina. Es música, etnomusicóloga, profesora de artes en música y miembro del equipo de investigación de la sección Etnohistoria del Instituto de Ciencias Antropológicas, UBA. Participa en dos proyectos de Investigación UBACyT y PICT, que abordan los usos y apropiaciones en torno al culto a la Virgen de Copacabana en Argentina, siglos XIX al XXI. Sus investigaciones han estado centradas en las prácticas musicales y performáticas vinculadas con procesos de (re)definiciones identitarias en Argentina, enmarcados en el área de los estudios etnomusicológicos contemporáneos con perspectiva antropológica. Actualmente investiga los procesos de apropiación de la música folklórica involucrados en la construcción de identidades étnico-nacionales con foco en el Noroeste argentino. Becaria del Fondo Nacional de las Artes, (2019) y del Fondo para la Investigación Científica y Tecnológica, Argentina (2020/21). Luciano Oyarzún es antropólogo por la Universidad de Concepción (2014) y magíster en musicología latinoamericana por la Universidad Alberto Hurtado (2018). Su formación académica está complementada con estudios particulares de música, participando en proyectos locales como Pichicahuin y Concepción 14, lo que le otorga un campo de observación privilegiado en su área de investigación en música popular. Ha colaborado con el colectivo Historia Mapuche de la ciudad de Concepción en el área etnomusicológica y lleva a cabo investigaciones arqueomusicológicas con aerófonos líticos del wallmapu, a partir de las colecciones CAP del laboratorio de arqueología de la Universidad de Concepción y la muestra de aerófonos líticos del MHNCO. Actualmente se desempeña como músico e investigador de música popular chilena. Aníbal Fuentealba Acuña es sociólogo por la Universidad ARCIS, magister en sociología y diplomado en estudios de música popular por la Universidad Alberto Hurtado. Docente e investigador independiente en temas de sociología de la música, en particular vinculado a temáticas de género, política y movimientos sociales, además ha trabajado en metodologías de investigación cualitativa. Se desempeñó como coordinador de proyectos y en el archivo de la Fundación Víctor Jara por más de diez años. Luis Pérez Valero es doctorando en música por la Pontificia Universidad Católica Argentina, compositor, musicólogo, director de orquesta, docente y productor musical. Posee un máster universitario en música española e hispanoamericana por la Universidad Complutense de Madrid (2012), un magíster en música por la Universidad Simón Bolívar (2009) y una licenciatura en música, mención composición por IUDEM-UNEARTE (2005). Como investigador ha publicado los libros Producción musical. Pedagogía e investigación en artes (2020) y El discurso tropical. Industrias culturales y producción musical (2018), así como artículos en diversas revistas arbitradas. Como compositor su obra es publicada y distribuida por la editorial estadounidense Cayambis Music Press. Es docente e investigador de la Universidad de las Artes del Ecuador en Guayaquil. Néstor Dueñas-Torres es Magister en Musicología por la Universidad Nacional de Colombia y egresado del programa de Music Business y Recording Arts de Full Sail University. Fue chelista de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia y bajista en grupos de música popular; actualmente toca tiple. Ha compuesto música para documentales y tiene experiencia en producción musical, postproducción de audio para audiovisuales, diseño de sonido y sonido directo. Actualmente investiga temas relacionados con la industria cultural, el rock en español y la historia de la música. También es docente y administra su estudio de grabación. Además, colabora con el manejo de redes, produce y edita los podcasts de la Maestría en Musicología de la Universidad Nacional, y es miembro de la IMS –International Musicological Society–. María Jesús Silva es Licenciada en Educación y Pedagogía en Música por la Facultad de Artes y Educación Física de la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación de Santiago de Chile. Actualmente opta al título de Profesora de Música con una memoria vinculada a cancioneros del siglo XX como herramienta pedagógica. Es guitarrista y cantante de la banda Sargento Merkén www.youtube.com/watch?v=KZQbIuEag8U Javier Paredes es Magister en Musicología Latinoamericana por la Universidad Alberto Hurtado y Licenciado en Música por la Pontificia Universidad Católica de Chile con mención en Interpretación en Guitarra Clásica y Musicología. Su área de interés está enfocada en los estudios en música popular, específicamente, el desarrollo de géneros musicales en Chile y el análisis musical. Ha trabajado como ayudante de investigación en proyectos Fondecyt relacionados con la música popular chilena y publicado artículos en revistas académicas y medios independientes. Sus investigaciones recientes están enfocadas en la emergencia y desarrollo del Nuevo Pop Chileno en los años ochenta y el análisis musical del LP Pájaros de Arcilla de la banda chilena de fusión Congreso. Este número fue arbitrado por Agustín Ruiz, Alejandro Gana, Ana María Alarcón, Eileen Karmy, Ignacia Cortés, Jaime Camilo Ramírez, Javier A. Silva-Zurita, Juan Carlos Poveda, Juan David Luján, María de los Ángeles Montes, Martín Farías, Renato Romero y Viviana Silva.

Luis Pérez Valero es doctorando en música por la Pontificia Universidad Católica Argentina “Santa María de los Buenos Aires”; Máster universitario en música española e hispanoamericana (Universidad Complutense de Madrid, 2012); Magister en música (Universidad Simón Bolívar, 2009); Licenciado en música mención composición (Instituto Universitario de Estudios Musicales-UNEARTE, 2005). Sus investigaciones giran en torno al análisis de la música popular, la producción musical, estética de la grabación, entre otros. Ha publicado en diversas revistas académicas artículos de investigación en musicología para la producción musical y en artes. Ha publicado los libros El discurso tropical. Producción musical e industrias culturales (2018) y coautor de Producción musical. Pedagogía e investigación en artes (2020). Es compositor asociado a Cayambis Music Press. Actualmente se desempeña como docente, investigador y coordinador de la Unidad de Titulación en la Escuela de Artes Sonoras de la Universidad de las Artes, Carrera de Producción Musical. Juan Diego Parra Valencia tiene un PhD en Filosofía, especialista en literatura y músico. Docente-Investigador de la Facultad de Artes y Humanidades del Instituto Tecnológico Metropolitano de Medellín. Ensayista y escritor con diversos artículos en áreas de filosofía, estética, arte, filosofía de la técnica, semiótica, cine y música. Ganador del Premio Nacional de Periodismo Simón Bolívar por el trabajo investigativo en el reportaje documental Cuando el chucu-chucu se vistió de frac (2014). Director y coguionista del documental Paparí. El pionero del rock tropical (2018). Publicaciones sobre música: El libro de la Cumbia. Resonancias, transferencias y transplantes de las cumbias latinoamericanas (2019-autor/compilador); Deconstruyendo el chucu-chucu. Auges, declives y resurrecciones de la música tropical colombiana (2017); Arqueología del chucu-chucu. La revolución sonora tropical urbana antioqueña. Medellín, años 60 y 70 (2014), Afrosound acústico para dúo de guitarras. Tramas y urdimbres de la interpretación clásica en el rock tropical colombiano (2020-coautor) Mónica Alexandra Herrera Colorado es Magíster en Artes Digitales del Instituto Tecnológico Metropolitano, Licenciada en Música de la Universidad de Antioquia. Músico y cantante desde hace más de 20 años en diferentes agrupaciones musicales, además tiene estudios técnicos en música, Tecnóloga en Informática Musical de Instituto Tecnológico Metropolitano de Medellín y Administradora de empresas Agropecuarias. Nacida en Caldas Antioquia, Colombia. Ha participado en diferentes seminarios y asociaciones como ponente de investigaciones en temas relacionados con el análisis expresivo de la voz de la mujer y el canto de la música tropical colombiana. Actualmente es docente en el área de música del Instituto Tecnológico Metropolitano. Juan Francisco Sans es Doctor en Humanidades, Magister Scientiarum en Musicología Latinoamericana y Licenciado en Artes de la Universidad Central de Venezuela, Profesor Ejecutante de Piano de la Escuela de Música Juan Manuel Olivares, y Maestro Compositor del Conservatorio Nacional de Música Juan José Landaeta en Caracas. Ha publicado cuatro libros, 60 artículos en revistas especializadas y capítulos en libros monográficos, 35 ediciones críticas de partituras, 13 discos compactos como productor, pianista y compositor. Ha ganado diversos premios y reconocimientos como compositor, ejecutante y musicólogo. Es profesor titular de la Universidad Central de Venezuela. Desde hace dos años y medio se desempeña como profesor-investigador en el Instituto Tecnológico Metropolitano de Medellín. Ana María Díaz-Pinto es doctoranda en Etnomusicología por la Universidad de California, Davis y Licenciada en Música mención Musicología por la Pontificia Universidad Católica de Chile. Ha sido merecedora de la Beca del Rector en Artes, Humanidades y Ciencias Sociales para estudios doctorales de su casa de estudios y ha presentado sus trabajos académicos en conferencias organizadas por sociedades como IASPM-AL, Sociedad Chilena de Musicología y Asociación Latinoamericana de Antropología, entre otras. Sus intereses de investigación se relacionan con la música popular latinoamericana, cultura juvenil, performance y movimiento. Macarena Robledo-Thompson cursa el Magíster en Artes mención Música por la Pontificia Universidad Católica de Chile y Licenciada en Música mención Musicología por la misma casa de estudios. Es becaria ANID para Magíster Nacional y se ha desempeñado como asistente de investigación en proyectos FONDECYT y como ayudante de cátedra en el Instituto de Música de la PUC, de forma paralela a su trabajo como anotadora de programas en instituciones culturales. Sus principales intereses de investigación tienen relación con la música en Chile y Latinoamérica, específicamente los ámbitos relativos a la música y género y los estudios sobre ópera y voz. Paula Cristina Vilas es cantora, trabajadora vocal e investigadora. Profesora de la Universidad Nacional de Avellaneda, Departamento de Humanidades y Artes, y Maestría en Estéticas Latinoamericanas Contemporáneas. Es docente de Canto Colectivo I y II Escuela de Música Popular de Avellaneda y Escuela de Arte de Florencio Varela, provincia de Buenos Aires. Es Doctora en Artes Escénicas por la Universidad Federal de Bahía, Brasil con tesis y realización escénica centradas en la voz entre la etnografía y el trabajo vocal en escena. Realizó estudios en el Departamento de Etnomusicología de la Escuela de Antropología e Historia, México DF. Ha sido profesora visitante del Instituto de Arte de la Universidad de Brasilia y ha dictado seminarios en la Maestría en Arte Latinoamericano de Universidad Nacional de Cuyo. Coordinó el grupo de investigación Voces y Vocalidades del Instituto de Investigación en Etnomusicología de la ciudad de Buenos Aires. Ha publicado artículos, capítulos de libros y libros en coautoría; realizó conciertos, registros fonográficos y algunas producciones audiovisuales. María Pía Latorre es musicoterapeuta egresada de la Universidad del Salvador, Buenos Aires, y docente en el Instituto Vocacional de Arte “José Manuel de Labardén”, dependiente del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires. Coordina talleres de Canto y Técnica Vocal para estudiantes de música y teatro. Se ha desempeñado como adjunta en el grupo de Investigación Voces y Vocalidades del Instituto de Investigación en Etnomusicología, del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires y en los en seminarios: Voces y Vocalidades, Voces y técnicas en perspectiva de la vocalidad (2011- 2016) y proyectos de Investigación (2013-2016) coordinados por la Dra. Paula Vilas, con quien también ha presentado ponencias y talleres en congresos (UNNE, EMPA). Como cantante ha realizado diversas presentaciones y grabaciones y actualmente es integrante de Comando Pampero, trío de estilos pampeanos y milongas. Gabriela Mariana Castelli es Directora del Centro Fonoaudiológico Fonoar de la ciudad de La Plata y docente de la Tecnicatura en Fonoaudiología ISFDyT9 Es Doctoranda de la Universidad del Museo Social Argentino, UMSA y licenciada en Fonoaudiología por la Universidad Nacional de La Plata, entrenada en Voz, con formación de postgrado en Análisis Acústico de la Voz. Es cantante y compositora de canciones. Maria Virginia Zangroniz es Licenciada en Fonoaudiología por la Universidad Nacional de La Plata, entrenada en Voz y actriz de la Escuela de Teatro de La Plata. Integró la comisión de Voz del Colegio de Fonoaudiólogos de Buenos Aires, La Plata, y fue profesora de su posgrado en Voz profesional. Fue profesora titular de Eufonía y Educación vocal en la Licenciatura en Fonoaudiología, UCALP. Es docente a cargo de materias de Voz y Trabajo vocal, profesora del curso Una voz libre, formación de posgrado para docentes universitarios de la UNAJ, Florencio Varela. Profesora invitada de la Facultad de Medicina y Ciencias de la Salud de la Universidad de Barcelona; la Facultad de Trabajo Social, Universidad Nacional de La Plata; la Diplomatura en Salud Sexual y Reproductiva, Universidad Nacional de San Martín; y del proyecto de extensión “Más y más voces trans”, Universidad Nacional de San Luis. Es concurrente ad honorem desde el 2013 al Hospital “Dr. Ricardo Gutiérrez” de La Plata, integra el Equipo de atención de la Salud Integral de la Diversidad Sexual. Trabaja en el acompañamiento en la transición vocal de personas trans. Marcelo Fabián Martínez es músico, compositor y artista sonoro. Licenciado en Composición con Medios Electroacústicos por la Universidad Nacional de Quilmes, UNQ, es también clarinetista por el Conservatorio Nacional de Música “Carlos López Buchardo” y técnico en electrónica. Desde el año 2001 se dedica a realizar música original, diseño sonoro y puesta sonora para espectáculos escénicos y audiovisuales en festivales de arte de diversos países: Chile, Uruguay, Brasil, Colombia, México, Cuba, Canadá, Polonia, Holanda, Francia, España, Bélgica, Alemania y Argentina.Como docente, se desarrolla en el Área Transdepartamental de Artes Multimediales, y en la Especialización en Teatro de Objetos de la Universidad Nacional de las Artes; en el Conservatorio Superior de Música de la Ciudad de Buenos Aires y en la Maestría en Arte Sonoro, (UNQ). Como docente investigador integra proyectos en la UNQ y en la UNA. Actualmente es director y profesor de la carrera “Producción Musical y Nuevas Tecnologías” de la UNQ. Liliana Toledo es doctoranda en Historia y Etnomusicología por la Universidad de Arizona, Maestra en Historia especializada en la historia cultural del México posrevolucionario y licenciada en Música. En sus tesis de maestría estudió el proyecto de educación musical rural de las Misiones Culturales. De 2010 a 2017 fue investigadora del CENIDIM, donde clasificó, describió y organizó el Archivo Histórico. Sus artículos han sido publicados en dos ocasiones en la Oxford Research Encyclopedia of Latin American History. Entre 2016-2020 fue parte del proyecto del CIESAS La razón cultural en el capitalismo contemporáneo. Un análisis comparativo sobre las representaciones y los estereotipos culturales en México y América Latina, auspiciado por el CONACYT. Los trabajos derivados de este proyecto fueron publicados en 2019 y 2020 en los volúmenes Cultura en venta 1 y 2, publicados por Random House. Se interesa en temas de género, migración y nacionalismo. Lorena Ardito Aldana es doctoranda en Estudios Latinoamericanos por la Universidad de Chile y Docente asociada de la Universidad Academia de Humanismo Cristiano. Es música y tiene un magíster en Estudios Latinoamericanos de la UNAM. Ha desarrollado investigaciones y proyectos culturales sobre música, carnavales, afrodescendencia, género y derechos colectivos, e integrado diversas agrupaciones musicales y carnavaleras, así como colectivos de investigación interdisciplinaria. Actualmente es parte de la Escuela de Artes Comunitarias y Carnavaleras “La Remolino”, la Colectiva Tiesos pero Cumbiancheros, la Cooperativa T´ikana Ediciones, el Núcleo Kuriche, la Red Chilena de Estudios Afrodescendientes y el Festival de Marimbas Tradicionales Chile. Coordina junto a Mauricio Fidel Camacho el proyecto web La Caracola, dedicado a compilar y divulgar el legado de la maestra, intelectual, activista y folclorista afrocolombiana Alicia Camacho Garcés, y produce el Programa radial comunitario online Cultoras, junto a la percusionista chilena Karen Gómez. César Puentes Arcos es sociólogo de la Universidad de Chile y Magíster en Educación en la Universidad Academia de Humanismo Cristiano. Desarrolló tareas de asesor para la Agencia de Calidad de la Educación y el Programa Interdisciplinario de Investigación en Educación. Desarrolla asesorías organizacionales con visión sistémica de integralidad. Además se desempeña como gestor cultural en el área del carnaval y la música popular. Actualmente trabaja como asesor educacional en innovación para la calidad y mediación de conflictos además de realizar gestión territorial desde una concepción participativa. Marisol García es periodista independiente, Premio Pulsar 2019 al Fomento de la Música y el Patrimonio. Cursa un magíster en Arte, Pensamiento y Cultura Latinoamericanos en el instituto IDEA-USACh. Mantiene desde 1995 un constante trabajo de colaboración en diarios, revistas y radios en escritura, entrevistas e investigación sobre canción popular, y ha desarrollado el mismo tema en encargos para documentales, libros y exposiciones en museos y bibliotecas. Consultora de bandas sonoras de cine chileno –Una mujer fantástica y Gloria, entre otras–. Es coeditora del sitio enciclopédico MusicaPopular.cl y parte del equipo que anualmente organiza el Festival IN-EDIT Chile, dedicado al cine y documental musical mundial. Es autora de los libros Canción valiente. 1960-1989. Tres décadas de canto social y político en Chile (Premio Municipal 2014 a la Mejor Investigación Periodística), Llora, corazón. El latido de la canción cebolla (Premio Pulsar 2018 a la Mejor Publicación Musical Literaria), Claudio Arrau (Finalista Premio Municipal 2020, en Género Referencial) y Lucho Gatica (2019). Además, ha editado libros sobre Violeta Parra, Los Jaivas, Osvaldo Gitano Rodríguez y Panteras Negras. Ricardo Salton ejerce la crítica y el periodismo musical en la ciudad de Buenos Aires; actualmente en la revista Noticias, el diario La Nación y Radio Nacional Clásica. Por décadas, fue el redactor sobre música popular del diario Ámbito Financiero. Además, trabaja en gestión cultural y, actualmente, en el Ministerio de Cultura nacional, como productor artístico y programador de elencos nacionales. Recibió los premios Konex y José Arverás por su labor periodística. Es Licenciado en Musicología por la Universidad Católica Argentina. Su área es la música popular y, en especial, el tango. Fue investigador del Instituto Nacional de Musicología Carlos Vega. Ejerció la docencia en distintas universidades del país. Publicó artículos en revistas académicas y presentó artículos en congresos y conferencias de musicología. Fue uno de los redactores sobre música popular argentina para el Diccionario de la Música Española e Hispanoamericana. Nelson Rodríguez Vega es doctorando en Artes mención Música –modalidad investigación– por la Pontificia Universidad Católica de Chile. Es Profesor de Música y Licenciado en Educación por la Universidad de Concepción de Chile. Es Magíster en Artes mención Musicología por la Universidad de Chile. Actualmente. Es Becario de la Agencia Nacional de Investigación y Desarrollo/Programa de Becas/Beca de Doctorado Nacional 21200805. También posee un diplomado en Estética y Filosofía por la Pontificia Universidad Católica de Chile. Se especializa en el estudio del rap/hip-hop chileno atendiendo problemáticas relativas a la identidad, práctica musical, influencia de la industria cultural y autenticidad. Su actual tesis de doctorado se centra en la emergencia del freestyle o batallas de gallos en Chile, una performance del hip-hop que basa en los duelos de improvisación. Ha publicado artículos y reseñas de libros, preferentemente sobre hip-hop, en revistas académicas chilenas y extranjeras. Este número fue arbitrado por Alejandro Gana, Carolina Santa María, Enrique Cámara, Fernanda Vera, Javier Silva, Jordi Tercero Bustamante, Juan Carlos Poveda, Julio Arce, Leonardo Díaz, Lizette Alegre, Natalia Bieletto, Nayive Ananías, Omar García Brunelli, Pablo Alabarces, Paloma Martin, Sebastián Muñoz, Silvia Martínez y Soledad Venegas.