Dissertations / Theses on the topic 'Oeuvre littéraire'

Devenue par son mariage l'épouse d'un fermier général, possesseur d'une grande fortune et de noblesse récente, Mme d'Epinay s'est trouvée avoir accès à l'élite parisienne, brassage de financiers, de nobles de robe et de nobles d'épée. Attirée par ce monde élitaire, mais s'y sentant mal préparée par son éducation, rejetant à la fois l'ascétisme janséniste et la dissipation mondiale dans laquelle se jetait son mari, elle constitua un cercle intime, formé de financiers, de nobles amateurs de littérature et d'hommes de léraires du Moyen Age, ou la femme était le garant d'un art de vivre appelé courtoisie puis civilité et débouchant sur la civilisation. Constitée d'un noyau dominé d'abord par Jean-Jacques Rousseau puis par Diderot, le cercle intime se rangea dans le camp des philosophes des lumières, prônant le développement de la civilisation et dénigrant la religion. Victime de la prodigalité de son mari et accablée par une maladie endémique, Mme d'Épinay sut transformer ses handicaps en éléments attractifs, pour maintenir son cercle qui bénéficia des relations de Grimm, son amant, avec des cours étrangères. Inscrivant une activité de femme de lettres dans sa fonction de salonnières, elle laisse une oeuvre qui témoigne de son parcours intellectuel
By her mariage, Madame d'Epinay became the wife of a tax farmer. She was, thus, introduced to the parisian elite. She was attracted by this select world, but feeling badly prepared to it, by her education, rejecting both "jansenist" acetism and the frivolous social life to which her husband gave himself, she constitued an intimate circle of financiers, noblemen amateurs of literature and writers. Her circle was in the continuity of the precious salons and the middle-age literary courts where women were the defenders of an art of living called courtesy, then civility and leading to civilisation. This intimate circle was dominated by Jean-Jacques Rousseau, then Diderot and stood on the side of the enligthment philosophers, claiming the development of the civilisation and denigrating the religion. Beeing the victil of her husband prodigality, and overwhelmed by an endemic decease, Madame d'Epinay succeeded to transform her handicaps into attractive elements in order to maintain her circle which took advantages of Grimm's, her lover, relations, with foreign courts. By including a literary woman activity in her fonction of a salon lady, she was produced a wide literary work

Cet ouvrage propose d'établir une monographie inédite de Jean-Louis Vaudoyer (1863-1963), "figure associée" à la vie littéraire et artistique du "Tout-Paris" de la première moitié du vingtième siècle. - la lecture des 17 romans (1906-1931), des 10 recueils de poésies (1906-1928), des nombreux essais (chroniques, préfaces, 28 livres de voyage, 45 écrits et critiques et de reflexes sur l'art) ne suffisent pas à brosser un portrait complet de l'auteur. L'action culturelle de Vaudoyer (conservateur du musée Carnavalet de 1934 à 1941, administrateur de la Comédie-française de 1941 à 1944, académicien français en 1950) ajoute encore à notre information mais ne cerne pas non plus l'homme dans sa totalité. Il faut donc se tourner vers d'autres documents pour approfondir l'enquête. L'exploration du fonds Vaudoyer qui comporte des documents inédits et non cotés, conserves dans 32 cartons déposés à la Bibliothèque nationale répond partiellement à notre attente. A partir des 6335 correspondances inédites consultées (4796 reçues contre 1539 envoyées par Vaudoyer) un monde ressuscite. On y lit les réactions de Mme Alfred Vaudoyer, sa mère (2600 lettres échangées entre elle et Jean-Louis), et celles de ses principaux amis (Mme Bulteau, Paul Alfassa, Emile Henriot, Edmond Jaloux, Eugène Marsan, Francis de Miomandre, les Régnier, Camille Soula). - avec un esprit de sympathie et d'honnêteté on a donc tenté d'approcher un amateur sensible, raffiné, érudit, porté par un goût très vif de l'artificiel, et une œuvre, miroir un peu terni d'un milieu, d'une époque révolue, mais dont les résonances en mineur conservent du charme
This literary chronology aims at establishing an unprecedented monograph concerning Jean-Louis Vaudoyer (1863-1963) a distinguished character associated with the artistic life of "Tout-Paris" in the first half of the twentieth century. Perusing his 17 novels (1906-1931), his collections of poetry works (1906-1928), his numerous essays (chronicles, forewords, 28 travels books, 45 articles about critiques an reflections on art) was not sufficient to draw a full comprehensive portrait of this author. Vaudoyer's cultural activities 'curator of the "Carnavalet museum" from 1934 to 1941, administrator of the "Comédie Française" from 1941 to 1944, member of the "Académie Française" from 1950) complement our information but still insufficiently. We had therefore to turn to other sources and documents to develop more this study. Our exploration of the unpublished, not indexed Vaudoyer collection and be- quest, kept in 32 files deposited at the French national library come up only partly to our expectations. When consulting the 6355 unpublished letters (4796 received as against 1539 sent by Vaudoyer, 2600 exchanged him and his mother), an era and a social circle came life again. - have therefore, with sympathy and honesty attempted to came closer to a sensitive, subtle, charming, refined learned "amateur" art lover enjoying a discerning taste for artificiality, and a work the resonance of which in a minor key retains its attraction and charm

Pourquoi Jean Forton (1930-1982), romancier français publié par Gallimard de 1954 à 1966, salué par la critique de l’époque et candidat au Goncourt à plusieurs reprises, est-il tombé dans un oubli quasi-complet ? Pour répondre à cette question, nous avons étudié l’évolution de la réception de son œuvre de 1951 à nos jours, à travers la presse régionale et nationale, afin de clarifier le rôle des événements, des critiques et du contexte littéraire. Au travers de la destinée éditoriale de Forton, nous avons cherché à savoir si le fait de vivre en province pouvait avoir des incidences sur la notoriété d’un auteur. Enfin, nous avons formulé des hypothèses sur la réception future de l'œuvre de Jean Forton, en prenant en compte les bouleversements récents et actuels du monde de l’édition, la place de plus en plus restreinte de la littérature française dans le monde, ainsi que les changements d’attitude dans la lecture
Why has Jean Forton – a French novelist published by Gallimard from 1954 to 1966, hailed by the critics of the time and a one-time Goncourt Prize runner – fallen into near-oblivion ? To answer this question, we have examined the evolution of the way his works have been received from 1951 to this day, through both the national and regional press, with a view to clarifying the influence of events, critiques and literary context. By examining Forton’s varied editorial fortunes, we try to determine whether the fact of living in the provinces has an effect on the fame of an author. The last part of our dissertation deals with a number of hypotheses concerning the future reception of Jean Forton’s works. We take into account the recent and current upheavals within the world of publishing, the increasingly confined status accorded to French literature worldwide, as well as the changes in readers’ attitudes to literature

Nicos nicolaidis (1884-1956) est le plus grand prosateur chypriote de la premiere moitie de notre siecle. Pourtant il es meconnu du grand public. Il crea la plus grande partie de son oeuvre (poesie, drame, prose), au caire ou il s'installa apres avoir quite son pays natal et fuit la grece sa patrie spirituelle. A travers son oeuvre, realiste dans son ensemble, nicos nicolaidis leve la voix contre les idees recues, l'oppression, l'inegalite et la discrimination sociale. C'est pourquoi il est considere par les critiques de l'epoque comme un ecrivain contestataire voire meme communiste. Son gagne-pain fut la peinture. Il publie lui-meme ses livres, ce qui lui permet de rester libre et independant, mettant ainsi en application sa pensee. En effet, sa vie presque ascetique refletait sa pensee sociale qui fut celle de la liberte individuelle et de l'egalite entre tous les etres humains.

Cette etude cherche a demontrer que l'histoire editoriale d'un texte litteraire apporte un eclairage nouveau et pertinent a l'analyse de l'evolution et de la reception des oeuvres litteraires. Robinson crusoe (1719-1720) de daniel defoe, beneficiant d'une vie editoriale a la fois dense et stable pendant une longue periode, sert d'exemple a cette demonstration. Des sa publication, et pendant plus de deux siecles, robinson crusoe va faire l'objet de nombreuses traductions, reeditions. Adaptations, imitations. . . Par ailleurs l'aventure insulaire du heros de defoe va servir de modele a d'autres histoires qui prendront le nom de robinsonnades. Bien que le texte original de robinson crusoe soit en langue anglaise, et que le lieu de sa premiere edition l'inscrive dans l'espace editorial anglais,le champ geographique de cette recherche se limite volontairement a la france. Histoire editoriale de robinson crusoe en france, classement des nombreuses versions du texte en fonction des differents types de production des versions, etude des elements peritextuels des livres dans lesquels elles s'incarnent, permettent de retracer l'evolution de robinson crusoe au travers des textes et des livresqui representent l'oeuvre (definie ici comme un concept subsumant et transcendant l'ensemble des versions) a differentes epoques, tout en degageant parallelement les traits identitaires qui la recouvrent

Samuel Beckett (1906-1989) entreprend l'écriture dramatique après la Seconde Guerre Mondiale afin d'interroger la représentation théâtrale par des œuvres elliptiques. C'est en tant que théâtre sans histoire, sans vraisemblance, sans imitation, promu en tant qu'événement visuel et sonore que nous étudions toute l’œuvre dramatique de Beckett. À travers une analyse de ses différents constituants (décor, espace, temps, action, personnage, langage. . . ), nous interrogeons leurs tensions irrésolues (complémentarité et négation) complexes et plastiques : un conflit persiste entre ce qui est représenté et la manière dont il est représenté (objet/sens/ re présentation). Cette tension œuvre dramatique / œuvre plastique prouvera d'une part l’impossibilité de représenter : incommensurabilité de l’œuvre en tant que processus unique de création par rapport à un style, une tradition, une époque ; d'autre part, paradoxalement, la création d'une œuvre dramatique unique ayant sens, forme et fond plastiques, ceux de la scène et de l'abîme de ce qui est en jeu.

Dans les Fastes, Ovide propose un commentaire, composé en distiques élégiaques, du calendrier public romain et de ses transformations au début de l'Empire, avec l'introduction de fêtes commémorant les exploits d'Auguste, ou de membres éminents de sa " maison ". Or le poète n'est nullement soumis à un " discours officiel " qui lui serait imposé par le prince. Totalement maître du jeu dans son enquête étiologique, Ovide se joue des contraintes formelles du calendrier : il n'est pas tenu de respecter scrupuleusement l'ordre d'apparition des fêtes, mais se livre à un habile " montage ", nous invitant à considérer " en série " différents épisodes, pour relever des dissonances. L'écriture élégiaque se présente comme " secondaire " par rapport au grand genre épique, donc comme d'emblée problématique, mais le travail mené par Ovide sur les effets de " tension " ne saurait être considéré dans une optique exclusivement littéraire : il révèle aussi les débats contemporains sur l'évolution de la religion publique. " L'esthétique de la séquence " mise en œuvre tout au long du poème permet à Ovide d'analyser les différentes composantes du statut divin promis à l'empereur. De même, il évoque les levers et couchers de constellations, instaurant un dialogue entre temps de la cité et temps des dieux, pour montrer comment l'empereur modifie les formes du " pacte " conclu entre les deux mondes. Enfin, la réflexion proposée sur l'apothéose, analysée dans ses rites et ses mythes, constate la naissance d'une dynastie impériale, qui assurera la transmission du pouvoir d'exception mis en place. Les Fastes témoignent donc d'une réflexion théologique et politique originale, ainsi que d'un talent littéraire accompli. Autrefois dépréciée comme une marque de désinvolture, leur virtuosité poétique témoigne, au contraire, d'une profonde intelligence de la religion romaine : c'est avec une grande finesse qu'Ovide analyse les ambigui͏̈tés de la " restauration républicaine " d'Auguste
Ovids "Fasti" offers a commentary on the Roman public calendar and acutely stresses its transformations at the beginning of the Empire, with the introduction of new festivals celebrating Augustus and important members of his family. The poet doesn't have to submit to any "official discourse" : he is playing with the formal structure of the calendar, and his clever "montage" reveals essential "tensions" not only in the elegiac writing, but also in the public religion. The complex construction based on "sequences" enables Ovid to analyse the components of the divine status promised to the "princeps" after his death. The poet also mentions the rising and setting of the constellations, which are interpreted as signals of the dialogue between gods an men. Ovid wants to show how Augustus is manipulating celestial rhythms in order to come closer to the gods. His reflection about the apotheosis notices the birth of a dynasty, which will care about the transmission of the great imperial power. In the "Fasti", Ovid presents original ideas about politics and religion and shows a great literary talent. His poetic virtuosity doesn't impede his theological reflection, on the contrary, it represents a tool for his aetiological inquiry

Notre travail de thèse, « La Première œuvre poétique de Jean Boudou : édition philologique, commentaire littéraire et glossaire lexicologique », constitue à ce jour l'unique étude philologique portant sur l'œuvre de Jean Boudou, écrivain majeur de la littérature occitane du XXe siècle. Nous établissons l'édition critique des deux premiers recueils de l'auteur, Lo frescun del nóstre Viau (1945) et La canson del paìs (1948), ainsi que de ses poèmes de jeunesse, et présentons pour la première fois ces textes en respectant les choix typographiques et linguistiques de Boudou. Nous complétons notre approche philologique par un glossaire lexicologique. Concevant notre glossaire comme une première étape analytique à l'étude de la langue de l’auteur, nous soumettons notre description aux exigences méthodologiques de la linguistique contemporaine. Nous optons, dans nos analyses littéraires, pour une étude structurale des textes. Nous avons cherché à situer l'œuvre de Boudou dans l'histoire des littératures occitane, française et européenne afin d’en dégager les principaux partis pris esthétiques
The thesis research The first poetic work of Joan Bodon: philological edition, literary commentary and lexicological glossary is to this day the only philological study dedicated to the work of Joan Bodon, a major author of 20th century Occitan literature. The thesis establishes the critical edition of Bodon’s first two collections - Lo frescun del nóstre Viau (1945) and La canson del paìs (1948) – as well as of his early poems. The texts are studied for the first time in a version respecting Bodon’s typographical and linguistic choices. The thesis’s philological approach is complemented by a lexicological glossary, as the first analytical step towards the study of the author’s language. The lexicological glossary follows the methodological rigor of contemporary linguistics. The thesis focuses its literary analysis on a structural study. It aims at replacing Bodon’s work in the historical context of Occitan, French and European literatures in order to extract author’s main aesthetic choices

Le principe d'un dialogue entre les arts n'est pas à prendre comme un système d'influences ni dans un sens d'une "correspondances des arts" mais comme une interaction qui passe par la réécriture, à la fois pratique et poétique. Le sens du texte naît de sa lecture : les films du corpus "The postman Always Rings Twice" sont lectures du roman de James Cain. Le fim devient lieu d'une signifiance. La lecture doit faire un travail du même ordre que celui de l'écriture : construire. Dans "Pandora and the Flying Dutchman", la réécriture opère entre collage et recyclage, entre citation textuelle et picturale, voire même musicale. Cependant, la réécriture est auussi affaire de mémoire : réactiver ses souvenirs de lectures, se placer dans un réseau architextuel, poétique. "Le réseau donne son identité à l'oeuvre" : le texte contient le souvenir des autres textes. Les résurgences de mythes invitent à une poétique de la réécriture autant "verticale" qu'"horizontale", associant anamnèse et modernité. La modernité vient d'une écriture qui fonctionne par "anachronisme", liant un mythe grec à une légende judéo-chrétienne : l'imaginaire repose sur des images qui se croisent, sur des liens, ou encore des matrices. Avec "Pandora", nous saisissons la réécriture comme résultat d'un travail qui va dans le sens d'un abandon de l'homogénéité de l'art, comme passage à la ménippée
The principe of a dialogue between the arts should not be taken as a system of influences or in the sense of "correspondence of the arts", but as an interaction which occurs via through re-writing, at once practical or poetic. The meaning of a text comes through its reading : the film versions of "The Postman Always Rings Twice" are readings of the James Cain novel. The film becomes the site of signification. Reading must perform the same work as writing : that is, to build. In Pandora and the Flying Dutchman, re-writing operates between collage and recycling, between textual, pictorial or even musical quotation. However, re-writing is also a matter of memory : reactivating one's memories of reading, placing onerself in a architectural, poetic network. "The network gives its identity to the work" : text contains the memory of the other texts. The resurgence of myths invites you to a re-writing that is a "vertical" as it is "horizontal", combining anamnesis and modernity. Modernity comes from a writing which functions by anachronism, binding together a Greek myth and a Judeo-Christian legend : the imaginary is thus based on interwoven images, links, or matrices. With "Pandora", we grasp re-writing as the result of a work which is similar to renouncing the homogeneity of art, in a transition towards a menippean structure

La critique de Starobinski comprend à la fois la critique thématique, la critique existentielle et la critique subjective. Cette dénomination multiple explique les particularités de sa critique. Participant au mouvement du relativisme qui est renforcé par le refus de la valeur absolue, après la cruelle deuxième guerre mondiale, et qui permet à la conscience humaine d'aborder le phénomène humain par diverses perspectives, Starobinski préfère ne pas s'enfermer dans une seule méthode, et il applique chaque méthode d'analyse à chaque oeuvre à étudier. C'est la raison pour laquelle la critique de Starobinski n'a pas une mine uniforme. Cette thèse tâche d'éclairer l'univers critique de Starobinski à partir de trois points de vue. Elle examine, premièrement, les généralités de la critique littéraire et de la critique thématique, deuxièmement, la théorie générale de la critique de Starobinski, et troisièmement, des analyses concrètes de cette critique. L'introduction esquisse l'ambiance historique de la naissance de la critique de Starobinski, en examinant la critique littéraire, par exemple, de Sainte-Beuve, de Taine, de Lanson, de Bachelard, de Sartre, de Barthes, de Goldmann et des autres critiques thématiques. La première partie tente de mettre à jour le fondement épistémologique qui détermine et imprègne toutes les activités critiques de Starobinski. Cette partie examine ainsi le concept du mot 'relation', le sens de la liberté réflexive et la théorie de la critique thématique chez Starobinski. La deuxième et troisième partie comportent l'analyse sur les oeuvres critiques de Starobinski qui conçoit la discordance de la vie intérieure et extérieure, provoquée par la relation humaine, comme l'origine du mal et du malheur de l'homme. Pour expliquer cette discordance, le critique utilise les thèmes, tels que le regard, le masque, la transparence, l'obstacle et la mélancolie
Starobinski's criticism has denominations of thematic, existential and subjective criticism at the same time. These multiple denominations about his criticism explain his own particularity. Taking part in the movement of relativism that was reinforced by the refuse of absolute value after the cruel Second World War and permitted human consciousness to approach to human phenomena through diverse perspectives. Starobinski preferred not to imprison in one method, and applied each analysis method to each work to study. This is the reason why Starobinski's criticism doesn't have one form. This thesis aims to illustrate Starobinski's own critical world in three points of view. First, this thesis examines general theories of literary criticisms and thematic criticism, second, general theories of Starobinski's criticism, and third, his concrete analyses by the criticism. The introduction describes the historical background of the birth of Starobinski's criticism, examining literary criticisms of Sainte-Beuve, of Taine, of Lanson, of Bachelard, of Sartre, of Barthes, of Goldmann and of other thematic critics. The first chapter is to find out the epidemiological foundations that determine and define all of Starobinski's critical activities. This chapter includes Starobinski's own concept of 'relation' and the sense of reflexive liberty, and his thematic critical theory. The second and the third chapters comprise analyses of Starobinski's critical works that regard the discordance of internal life and external life, provoked by the human relations, as the origin of human evil and misery. To explain this discordance, the critic use these themes, such as 'regard', 'masque', 'transparence', 'obstacle' and 'melancholy'

Cette thèse a pour champ d'investigation l'oeuvre dramatique de Musset, à savoir son drame, ses comédies et proverbes, ses poèmes dramatiques. L'ouvrage se présente sous forme de deux livres, le premier consacré à l'oeuvre maitresse Lorenzaccio, le second au reste de la production dramatique. Dans le premier livre intitulé Lorenzaccio : la crise existentielle de l'auteur et du héros, nous nous sommes attaché à montrer en premier lieu que le drame est le miroir d'un Musset mal dans son être, déçu de la société, Lorenzo pouvant être considéré comme un de ses possibles, un être dont le pessimisme tourne à la névrose, en second lieu que la mort du héros est en réalité un suicide. Cette problématique est développée en un crescendo dramatique soutenu : pessimisme, névrose, suicide. Cette étude, et c'est vrai pour la thèse dans son ensemble, fait appel à de nombreuses méthodes critiques, anciennes ou récentes, le choix variant en fonction du thème développé. Le second livre est consacré au reste de la production dramatique ; la première partie, le théâtre de l'amour, s'attache au thème le plus récurrent et établit parallèles et divergences entre un Musset aux amours orageuses et ses héros. La seconde partie, un théâtre aux multiples facettes, traite des thèmes secondaires, selon une méthode synthétique. Les deux livres sont suivis d'une synthèse visant à situer Lorenzaccio, dans l'ensemble de la production dramatique
This thesis investigates on Musset’s dramatic work : his drama, his comedies and proverbs' and his dramatic poems. The work is split into two books : the first one dealing with the master work Lorenzaccio and the second with the remaining of Musset’s dramatic production. In the first book, entitled Lorenzaccio : la crise existentielle de l'auteur et du héros (Lorenzaccio : the existential crisis of the author and the hero), we applied ourselves firstly to show that the drama is the reflection of Musset's own uneasiness and disappointment with society, Lorenzo being thought of as one of the possible Mussets : someone whose pessimism evolves into neurosis ; secondly that the death of the hero is, in reality, a suicide. This is developed into a marked dramatic crescendo : pessimism, neurosis, suicide. This study, and this is true for the thesis as a whole, makes use of numerous critical methods, ancient and recent, depending upon the theme approached. The second book deals with the remaining dramatic work. The first part Le théâtre de l'amour (The theater of love), tackle with the theme recurring most often and estabished convergences and divergences between Musset with his stormy passions and his characters. The second part, Un théâtre aux multiples facettes (A multifacetted theater) approaches secondary themes, with a synthetic method. These two books are followed by a synthesis, aiming to place Lorenzaccio within the whole dramatic production

La lecture des romans de André Pieyre de Mandiargues (France : 1909-1991) permet d'observer, sous le double point de vue de la littérature et de la psychanalyse, l'existence de phénomènes répétitifs, analogiques et associatifs qui appartiennent principalement aux pôles métaphoriques et métonymiques. Ces phénomènes composent une instance narrative, centre représentatif d'une réalité psychique et de son expression littéraire, qui obéit à un concept psychanalytique complexe, le narcissisme, et qui se déploie dans les textes à la faveur des axes de ce concept (retrait libidinal, idéalisation, dédoublement, double entrave, oscillation métaphoro-métonymique) en relation avec le système complet de l'Œdipe. Elle a en outre pour fonction d'actualiser dans les récits l'organisation du phallus, les stades oral et anal, les fantasmes originaires, les pulsions, mais aussi la notion d'identité. Les correspondances établies entre le texte et le concept, d'une part, et entre les phénomènes psychiques qui s'infèrent de l'instance narrative, d'autre part, mettent au jour, grâce à l'analyse des itinéraires, des personnages et par la déduction qui en est faite de statuts du personnage, de la narration et de la fiction, un fonctionnement textuel narcissique. L'application d'une méthode d'analyse scientifique est ainsi proposée, à partir de la théorie et de trois dimensions que sont l'expression des phénomènes inconscients, l'ensemble construit d'une sémantique et une grande architecture rhétorique, qui décrit les moyens par lesquels le narcissisme s'impose fondamentalement comme principe d'engendrement textuel. La thèse répond, au plus près des textes, à a la problématique posée par le sujet en établissant que le narcissisme se trouve à l'origine des romans de André Pieyre de Mandiargues et qu'il donne tout leur sens aux instances créatrices de la psychanalyse, lesquelles se résolvent sous la forme d'un axiome terminal
On reading Andre Pieyre de Mandiargues' novels (France : 1909-1991) one observes the existence of recurring, analogical and associative phenomena from both the literary and psychoanalytical points of view and principally belonging to the metaphoric and metonymic domains. These phenomena make up a narrative instance, a centre representing a psychic reality and its literary expression, obeying a complex psychoanalytical concept, narcissism, deployed in the texts along the axes of this concept (libidinal withdrawal, idealization, split personality, double bind, metaphoric-metonymic oscillation) in relation with the entire Oedipus system. Furthemore, in the stories it has the task of updating the organization of the phallus, the oral and anal stages, origin fantasies, drives but also the notion of identity. Correspondences between the text and the concept, on the one hand, and between psychic phenomena intervening in the narrative instance on the other, show up a narcissistic textual functioning observed by analysing itineraries, characters and the character statuses thereby deduced, the narrative and fiction. A method of scientific analysis to be applied is thus proposed, based on theory and three dimensions which are the expression of unconscious phenomena, the whole built on a semantics system and a broad rhetorical architecture which describes the means by which narcissism fundamentally imposes itself as a textual engendering principle. The thesis responds to the problem set by the subject, keeping as close as possible to the texts, by establishing that narcissism is at the root of Andre Pieyre de Mandiargues' novels and that it gives to psychoanalytic creative instances all their meaning, these being resolved in the form of a terminal axiom

La thèse articule analyse textuelle et linguistique contrastive autour des problématiques croisées de la traduction (du grec vers le français et l’anglais). Elle a un double objectif: a) faire le point sur le concept de connotation de façon à conclure sur sa valeur opératoire notamment en matière de traduction littéraire b) mettre la connotation à l’épreuve de la traduction en cernant comment les réseaux connotatifs se déploient respectivement dans un texte original et dans les textes traduits. La première partie est théorique. Elle porte, dans un premier temps, sur la traduction, ses enjeux et ses problèmes et, dans un second temps, sur le concept de connotation. Elle essaye de revisiter la connotation dans le temps, et de la reconfigurer au sein des sciences du langage pour la replacer ensuite dans une sémantique englobante. Elle montre que le concept de connotation, en dépit de son statut controversé, peut être un outil opératoire pour prendre en compte l’unité littéraire du texte. La deuxième partie est consacrée à l’analyse. Elle se veut un essai de sémantique textuelle dans une perspective traductologique et littéraire qui s’attache à la pluralité des sens, des voix et des lectures. Le corpus d’exploration est l’œuvre romanesque de N. Kazantzaki et plus particulièrement La Dernière Tentation du Christ, traduit en français par M. Saunier, et en anglais par P. A. Bien
The thesis combines textual analysis and contrastive linguistics, clustering around intersected problems and theories of translation (from Greek into French and English). It has a double objective: a) to update the concept of connotation, in order to prove its applicability, especially for the analysis of literary translation, b) to put the concept of connotation to the test of translation by observing how connotations constructed on textual networks are transferred from one language into another. The research is divided into two parts: theory and analysis. The first part deals, initially, with theoretical and practical problems of translation. It also traces a historical background of connotation and reshapes it within the different fields of Language Sciences (Pragmatics, Stylistics, Semantics), so as to resituate it into an integrative approach of Semantics. It shows that connotation despite its controversial status can be a functional and useful concept for a literary and textual approach. The second part is an essay of textual semantics from a translation and literary perspective, focusing on plurality of meaning, voices and interpretations. It takes as corpus Kazantzakis' novels and more precisely The Last Temptation of Christ, translated into French by M. Saunier and into English by P. A Bien

Cette étude montre comment une production polygraphique du début du XVIIe siècle (celle de Guillaume Colletet, 1616-1658), dont la forme résulte de contraintes extérieures à des motivations proprement littéraires (facteurs socio-économiques, effritement du savoir humaniste au profit d’une culture mondaine ascendante), transcende l’éclatement qui lui est imposé en instrumentalisant la polygraphie comme un levier d’expérimentation littéraire. Dans ce creuset polygraphique, les différents textes ainsi que les grands pôles de la production (poésie, traduction, théorie), qui auraient dû rester hétérogènes, sont consciencieusement mis en relation dans un dialogue fécond. De sorte que, dans un mouvement réflexif et autocritique permanent, pratique et théorie, en interaction perpétuelle, s’entremêlent, en même temps que l’œuvre n’en finit plus de se réécrire. Ce faisant, s’élabore un va et vient dialectique, ciment des différentes productions, les constituant de facto en Œuvre. Mais bien plus, étant elle-même mouvement de reprise permanent, elle incite à replacer, au-delà d’elle, toutes les œuvres dans le temps progressif de leur fabrication et plus généralement dans l’histoire, ouvrant la porte à l’écriture d’une Histoire littéraire critique éminemment moderne. Un tel exemple incite à terme à ouvrir une réflexion de l’ordre de la philosophie de l’art : quelles sont les conséquences sur la conception du Beau d’une œuvre qui ne se pense plus comme un monument, mais comme un mouvement ?
With this study, I’ve tried to show how a polygraphic production from the early seventeenth century (the work of Guillaume Colletet, 1616-1658), shaped by non literary motives (such as social and economic factors, and the crumbling of a humanist knowledge benefitting the rising of society life), can transcend the fragmentation imposed, and this by using polygraphy as a lever for literary experimentation. In this polygraphic melting-pot, the various texts, as well as the main fields of production (poetry, translation, theory), which should have remained heterogeneous, are conscientiously related in a fertile dialogue. As a consequence, theory and practice mingle in constant interaction, in a permanent reflexive and self-criticising movement. Meanwhile, the work never stops re-writing itself. By doing so, a dialectic movement to and fro is created, holding together the various productions, and de facto making them a Work of art. Even more, as it is a movement of permanent recreation, this work prompts us to put back, not only this particular work, but also all the works of art, in their context, i.e in the gradual time of their elaboration, and more generally speaking in history. This paves the way for the elaboration of a critical literary history which is eminently modern. Enventually, such an example leads us to start a reflection in the field of the philosophy of art : what are the consequences on the idea of the Beautiful of a work which is no longer to be thought about as a monument, but as a movement?

Jean Amrouche, berbère et chrétien, est mort, miné intérieurement d'avoir voulu être français et algérien, au nom des valeurs que la France lui avait inculquées. Poète, il se mua en critique littéraire, directeur de revue (L'Arche) puis interlocuteur de grands écrivains à la radio (Gide, Claudel, Mauriac, Ungaretti, Giono). Dans cette période d'intégration à l'occident, son âme céda la place à la partie la moins noble de son être. Mais il gardait remords et nostalgie de cette "ombre morte de lui-même". Parallèlement à son métier d'écrivain et de critique, il vécut le drame spirituel du colonisé. Il s'évertua à proclamer que le problème algérien était en réalité un problème français: la France "de l'évangile des droits de l'homme et de l’Egalite des chances", la France "mythique" est par vocation libératrice des peuples. Selon lui le combat algérien pour la dignité et l'indépendance n'était pas un combat contre la France. Il s'y engagea par la parole, l'écrit et les négociations secrètes. Ce faisant il retrouva l'âme de son peuple et de son héros éponyme Jugurtha, et dans le même temps, la veine poétique. Son itinéraire est éclairé par son journal (1928-1962), sa correspondance (820 lettres retrouvées), des notes et brouillons, des émissions littéraires ou politiques, tous documents inédits
Jean Amrouche, a Christian and a berberian, died wrecked by his desperate attempt to be at once both French and Algerian, in the name of values that have been taught to him by France. As a poet, he soon became a literary critic (L'Arche) then an interviewer on the French radio. During his period of integration to occident, the lower parts of his being took over the higher inspirations of his noble soul, but deep inside he kept remorse and nostalgia over that "dead shadow of himself". Together with his profession of writer, he had to go through the spiritual drama of the colonized people. He kept proclaiming that the Algerian problem was in fact a French one. The France of "the rights of man gospel and equality of chances", the "mythical" France is by vacation for liberty of the nations. According to him, the Algerian struggle for dignity and independence was not a struggle against France. Consequently, he involved himself in it by words, writings and secret negotiations. Through them, he recollected his people's soul the one of his eponym hero "Jugurtha", and simultaneously, his poetic inspiration. His route can be lighted trough his diary (1928-1962), his correspondence (820 recovered letters), annotations, rough copies, radio series, all unpublished documents

Nikolaj Kljuev (1884-1937) est l’une des figures les plus fascinantes de l’« Âge d’argent » russe et du modernisme. Longtemps interdite après son exécution, son œuvre n’a été redécouverte qu’à la faveur du « boom » éditorial de la perestroïka, la publication de poèmes épiques tardifs suscitant un vif intérêt pour son œuvre témoignage de la violence de la collectivisation. Né dans le Nord russe, engagé pour la cause paysanne, correspondant d’Alexandre Blok entre 1907 et 1915, idéologue du néo-populisme dans les années 1910, bolchevik en 1919, Kljuev est devenu, dans les années 1920, une référence pour la génération des jeunes poètes soviétiques (Harms, Vvedenskij, etc.), un conservateur de la culture russe ancienne et un modèle d’anti-comportement, dans le contexte d’un champ littéraire en pleine reconfiguration. Attirant un public très divers, modulant sa personnalité littéraire et sa voix en fonction de son auditoire, Kljuev s’épanouit sur scène comme dans le cadre privé du cercle et du couple. Alors qu’il a trouvé, au cours des années 1910, un matériau esthétique de choix dans le folklore russe, la vieille foi et les chants populaires, c’est le « je » qui demeure au centre de son univers poétique, sous la forme d’un héros lyrique évoluant au sein des cycles. Ceux des années 1917-1932 occupent une place cruciale dans sa trajectoire poétique, dans la mesure où c’est en leur sein que s’élabore le « cosmos de l’Isba », au cœur de l’univers poétique kljuevien. Éminemment charnel et homoérotique, le «je» est aussi désincarné dans un Verbe qui devient le vecteur de l’intentionnalité du texte poétique, au même titre que les masques du poète se font le véhicule de son identité narrative
Nikolai Klyuev (1884-1937) is one of the most fascinating figures of the Russian «Silver age» and modernism. Forbidden for half a century after the poet’s execution, his work was almost fully recovered only at the end of the 1980’s, and the publication of the late epic poems sparked an intense interest in those poetic testimonies of the violence of collectivization. Born in the Russian North, committed to the peasant revolution, Alexander Blok’s penpal between 1907 and 1915, ideologist of neo-populism in the 1910’s, bolshevik in 1919, Klyuev became in the 1920’s a reference for the young generation of soviet poets (Harms, Vvedenski, etc.), a keeper of Russian folk culture and an example of anti-behavior whithin the frame of a mutating literary field. Attracting a diverse crown and modifying his literary persona as well as his voice regarding his audience, Klyuev thrives on stage as well as within the private circle and couple. Whilst he has found during the 1910’s a valuable aesthetic material in Russian folklore, old belief and popular songs, his poetic universe gravitates around his «self» in an egocentric manner. The utopian formula of the «isba cosmos» is formulated precisely within the lyric cycles of the 1920’s that correspond to the intimate intention of his verse. Carnal and homoerotic, the «lyric hero» is also disembodied in the Word that carries the poetic intention, the same way the mask Klyuev dons in public becomes the vehicle of his narrative identity in perpetual representation

L'autobiographie pose problème quand elle est envisagée dans le genre théâtral. Du fait que l'auteur dramatique s'exprime par la bouche d'êtres fictifs, la parole des personnages ne pourrait être assimilée à la sienne. Pourtant, il semble que, tant dans les dialogues qu'elles donnent à entendre que dans les situations, personnages et lieux qu'elles mettent en scène certaines pièces, en particulier à partir du XVIIIe siècle, qui constitue une étape majeure dans l'expression de soi, portent en elles les signes d'une expression autobiographique. Si l'autobiographie n'existe pas au théâtre dans les termes dégagés par des théoriciens comme P. Lejeune ou G. Gusdorf, nous étudions ici les modalités sous lesquelles elle se manifeste néanmoins, quasiment toujours de manière cachée, implicite, ambiguë, détournée mais affective. En plus d'une méthode qui permettrait, au lecteur d'une part, au spectateur d'autre part, d'identifier et d'attester cette expression autobiographique en dégageant certains aspects textuels et scéniques, nous nous attachons à réfléchir à l'expression autobiographique avec la relation qu'entretiennent les oeuvres de notre corpus avec le public, une relation toute entière épanouie dans l'émotion. Des sentiments qu'accompagnent des réactions physiques ressenties par le lecteur/spectateur sont donc générées par la reconnaissance de la voix de l'auteur dans un drame qui mêle autobiographie et fiction. Nous nous intéressons à l'expression autobiographique de l'auteur dramatique dans la perspective d'une relation particulière de celui-ci avec le public, relation qui contraste avec les principes brechtiens qui ont dominé la création théâtrale au XXe siècle
The autobiographical genre is a problem when it is considered inside the theatral genre. Because the dramatical author express himself through the mouth of fictional characters, the words of the characters could not be considered as the expression of the author himself. However, it seems that through the dialogues that can be heard, the situations, the characters and the places that are staged, some plays, especially since the 18th century, which represents a major step in self-expression, contains the signs of an autobiographical expression. Although the autobiographical genre as defined by P. Lejeune or G. Gusdorf does not exists in the theatre genre, we will study here how it nevertheless expresses itself, that is to say almost always in a hidden, implicit, ambiguous, diverted, but probable way. We will think of a method allowing the reader, but also the member of the audience, to identify and testify the presence of this autobiographical expression by emphazising some textual and scenic aspects. We will also work on connecting the autobiographical expression with the relationship that live the authors of the new work contained in our corpus with the audience. This relationship being fully opend up in emotion. Some feelings, coming with physical reactions felt by the reader/audience, are created by the recognition of the author's voice in a drama that mixes autobiographical and fiction. We will take an interest in the autobiographical expression of the dramatical author through the perspective of his particular relationship with the audience, relationship that contrasts with Brecht's principles, which have ruled the theatrical creation in the 20th century

Le théâtre de la Renaissance est un art hybride : la scène est un lieu composite où se mêlent et se côtoient jeu dramatique, musique et chorégraphie. L’œuvre de Shakespeare ne déroge pas à cette règle, et le dramaturge intègre naturellement la danse à ses pièces : d’abord créatrice d’images métaphoriques dans les pièces historiques, elle est ensuite régulièrement exécutée sur scène à partir de Roméo & Juliette et sa célèbre scène de bal. Elle culmine dans le Songe d’une nuit d’été où, en plus d’occuper le plateau, elle contamine le texte et fournit un canevas à la pièce.Dès lors, dépasser la fonction esthétique de la danse permet de comprendre comment, inscrite au cœur même de l’architecture des pièces, elle en structure la diégèse et, d’après les termes empruntés à Anne Ubersfeld, « met en lumière [s]es noyaux de théâtralité2 » afin d’accéder à un schème plus profond de la construction diégétique shakespearienne. Lorsque la danse en tant qu’esthétique ornementale s’efface de la mise en scène, elle (ré)apparaît sous forme verbale : ce n’est plus le corps mais le langage qui assure sa présence, jusqu’à lui donner une valeur hautement symbolique. Les réseaux sémantiques se structurent-ils alors sous forme de danse cosmique, expression de l’harmonie à la Renaissance ? Ou, à l’inverse, la discorde les transforme-t-elle en danse tragique ? L’objectif de ces travaux repose sur l’analyse des différentes strates du texte qui,de l’exécution scénique à sa dimension symbolique (c’est-à-dire de la strate la plus concrète à la plus abstraite), font de la danse une « matrice textuelle de représentativité. »
This dissertation explores the use of dance in William Shakespeare’s works,from stage performance to the highly symbolical value of choreography. Most of his plays refer to dance, and it is included in more than a dozen works. In Elizabethan and Jacobean times, dancing was a necessary accomplishment for actors,for they were often called upon to dance during a performance. The aim of this study is to examine how the choreographic art is included in his plays, and what dance styles may be adopted, for the only indication given in the texts is a stage direction calling for“a dance”. Particular emphasis will be placed on the role and functions of the dance both in Shakespeare’s dramatic works and Renaissance England. When dancing is not intended for performance on stage, Shakespeare nonetheless refers to it in most of his plays to provide the audience with metaphorical imagery. The linguistic analysis of the semantic and lexical fields leads to a deeper understanding and exploration of the diegetic structure of his works. At that time, dance was also an accepted symbol of harmony, and Shakespeare used it as a pattern to comment on “the attempt to achieve order in a discordant world”(Alan Brissenden, Shakespeare and the Dance). It passes visual comments on the playsand suggests a scheme that structures them. This dissertation aims at analysing howdance relates to the cosmic ideas of the Renaissance, and how Shakespeare departs from this ideology. Could the dance turn into a tragic dance rather than a cosmic one?

Un défi. C'est ainsi que se présente la lecture de l'oeuvre Ducassienne, une oeuvre dont l'hermétisme semble décourager les lecteurs les plus expérimentés herméneutiquement, mais qui, en réalité, les invite à goûter "ce fruit amer et sans danger" que sont "Les Chants". . . Et "Les poésies". Du défi au risque, du risque à l'interprétation et de l'interprétation à l'histoire des lectures, tel est le cheminement de la réception critique de Lautéamont et de son oeuvre. D'une expérience esthétique à l'autre, Lautréamont s'avère de plus en plus accessible et de plus en plus lisible. Grâce à l'oeuvre critique de L. Bloy, d'A. Breton, de S. Dali, de G. Bachelard, de M. Blanchot, de Ph. Sollers et de bien d'autres, la lecture de l'oeuvre ducassienne se concrétise dans une production de textes critiques. Ils sont la preuve de la réception de Lautréamont, de sa place éminente dansd le processus de lecture
A challenge. This is how the reading of ducasse's work could be qualified. The hermetisme of his poetical works seems to discourage even the hermetically experienced readers, but which, in reality, invites them to taste <> whitch are les chants. . . And poesies. From challenge to risk, from risk to interpretation, from interpretation to the history readings, such is the progress of the critical reception of lautreamont and his works. From an aesthetic experience to anather, lautreamont proves more and more accessible and more and more readable. Thanks to critical works of leon bloy, andre breton, salvador dali, gaston bachelard, maurice blanchot, philippe sollers, and many others, the reading of ducasse's poetical works materializes in a production of critical texts. They attest to the reception of lautreamont, to his eminent place in the process of reading

Dès sa parution, Citadelle, considéré(e) par Saint Exupéry comme l'œuvre de sa vie reçut un accueil sinon glacial, du moins mitigé. « Son mélange de lyrisme à de vagues considérations philosophiques » fut dénoncé par la Critique et quelques années plus tard, les Universités françaises et étrangères se scinderont en plus ou moins deux grands mouvements d'interprétation de l'œuvre : l'un, majeur en France, voyant en Citadelle un Poème et en Saint-Exupéry un Poète, l'autre une œuvre avant tout philosophique, voire de Philosophie, et en Saint Exupéry, un Philosophe qui s'était ignoré. En conséquence, cette thèse étudie tout d'abord la Réception Critique de Citadelle tant en France qu'à l'étranger. Afin de tenter de comprendre ces divergences d'opinions quant au positionnement de l’œuvre au sein de la généricité, la seconde partie s'attache à essayer d'éclairer le dernier Art Poétique exupéryen tout en montrant l'originalité de cette démarche scripturaire qui repose sur deux composantes essentiellement liées : conceptuelle tout autant que figurative et symbolique, que la Critique semble n'avoir eu de cesse d'opposer l'une à l'autre dans son interprétation. La troisième partie de cette thèse tente une réponse nouvelle à la lumière des éléments précédents afin de déterminer dans quelle mesure Citadelle - qui est assurément un Poème au sens exupéryen du terme - peut être considérée comme une œuvre de Philosophie, au regard non seulement de l’Histoire de la Philosophie mais encore de ce qui ferait la / les spécificité(s) discursive(s) du texte produit par « la Philosophie ». Enfin, afin de saisir l'origine de quelques concepts fondamentaux dans la pensée de l'auteur, éclairant tant sa démarche scripturaire que l'originalité de cette œuvre incomprise et insuffisamment étudiée, nous traitons de Saint-Exupéry lecteur de quelques Philosophes majeurs
As soon as it was published, Citadelle, considered by Saint Exupéry as the work of his life, received a mixed reception."Its mixture of lyricism to vague philosophical considerations" was denounced by the Critique and a few years later, the French and foreign universities split into more or less two major movements of interpretation of the work : one, major in France, which judged Citadelle as a Poem and Saint-Exupéry as a Poet, and the other which deemed it as a philosophical work above all, or even of Philosophy, and Saint Exupery as a proper Philosopher (with no academic experience). As a result, this thesis studies first Citadelle’s Critical Reception both in France and abroad. In order to try to understand these differences of opinion as to the positioning of the work within the genericity, the second part tries to enlighten Saint-Exupéry’s last Poetic Art, while showing the originality of this scriptural step which rests on two essentially related components : conceptual as well as figurative and symbolic, which the Critique seems to have constantly opposed to one another in its interpretation.The third part of this thesis attempts a new answer in the light of the preceding elements in order to determine to what extent Citadelle - which is certainly a Poem in the Saint-Exupéry sense of the term - can be considered as a work of Philosophy, in the light not only of the History of Philosophy but also what would make the discursive specificity (ies) of the text produced by "Philosophy". Finally, in order to understand the origin of some fundamental concepts of the author's thought, which illuminates both his scriptural approach and the originality of this misunderstood and insufficiently studied work, we deal with Saint-Exupéry as a reader of some major philosophers

La recherche porte sur le premier cours obligatoire de français au collégial, Écriture et littérature, au cours duquel les étudiants – en majorité jugés faibles lecteurs par leurs professeurs – font face à des défis de lecture importants lorsqu’il s’agit de lire des œuvres littéraires complètes, dont le programme d’études impose la lecture. Lire une œuvre complète exige non seulement du temps, mais aussi la mise en relation complexe et constamment réévaluée de détails avec l’ensemble de l’œuvre. De plus, les titres imposés à l’entrée au cégep présentent aussi des différences notables avec les œuvres généralement lues au secondaire. Dans ce contexte, différents acteurs du milieu collégial questionnent les pratiques d’enseignement mises en œuvre, mais ils infèrent surtout ces pratiques au départ de leur expérience professionnelle; notre recension des écrits montre que l’enseignement de l’o.c. au collégial n’est pas documenté sur le plan scientifique, en dehors des résultats obtenus par l’équipe de Dezutter et al. (2009-2012), qui a mené une recherche sur la place de cette œuvre complète dans les trois cours de français confondus. Nous avons ainsi opté pour l’exploitation secondaire des données collectées spécifiquement dans le cours Écriture et littérature pour décrire les pratiques d’enseignement mises en œuvre par trois professeurs autour de la lecture d’une œuvre littéraire complète choisie par eux. Notre étude multicas, descriptive et exploratoire, est centrée sur le registre épistémique des pratiques d’enseignement, que Vinatier (2007) définit comme « ce qui s’enseigne et comment ». À partir de trois séquences d’enseignements filmées, une analyse thématique a été réalisée. Les angles d’entrée dans l’œuvre, la place laissée à celle-ci et quatre formes de savoirs (sur la littérature, sur la langue, sur les processus de lecture et sur le monde) ont été examinés afin de déterminer ce qui s’enseigne. La notion de rôles, croisée ultérieurement avec les savoirs convoqués, a permis de décrire comment cela s’enseigne. Les résultats obtenus montrent que la proportion de l’œuvre exploitée est très variable et que les trois professeurs adoptent surtout un rôle d’expert de savoirs sur le monde pour la traiter. Les savoirs sur les processus cognitifs ne sont presque jamais convoqués, et nous n’avons pu observer aucune manifestation évidente de rôles soutenant le développement de la lecture comme activité cognitive. La place laissée à la subjectivité des lecteurs s’avère ténue, et la lecture implicitement convoquée s’éloigne largement de celle susceptible d’être mise en œuvre en contexte extrascolaire, bien que certains liens soient plus souvent établis par l’un des professeurs avec la culture première des étudiants. En conformité avec le programme d’études, les activités entourant l’œuvre littéraire complète semblent au final souvent au service de l’évaluation de l’écriture, ce qui fait plutôt de la lecture de l’œuvre littéraire complète un prétexte à d’autres apprentissages.

Le principal reproche fait aux ouvrages de Jaime Bayly (Lima,1965) est leur absence de caractéristiques littéraires ; d’où la tendance à les classer dans le domaine de la paralittérature. Cependant, l’objectif de cette thèse est de montrer que cette classification mérite d’être remise en question et doit être nuancée. Après avoir éclairci les termes « littérature » et « paralittérature », la première partie se donne pour objectif de rappeler le contexte littéraire dans lequel se trouve Jaime Bayly au moment de ses premiers ouvrages. L’étude d’écrits d’écrivains péruviens tels que Mario Vargas Llosa et Alfredo Bryce Echenique pose la question de l’influence de ces auteurs sur Jaime Bayly et de ses manifestations : exploitation sans prise de recul mais aussi appropriation personnelle dans des domaines aussi divers que la réalité politique et historique du Pérou, la présentation de Lima, de la société liménienne (notamment vis-à-vis des minorités ethniques et sexuelles). L’influence de deux principaux écrivains nord-américains doit aussi être mise en avant : Bret Easton Ellis et David Leavitt ; essentiellement en ce qui concerne le traitement de l’homosexualité, de la toxicomanie et de l’oisiveté des personnages. Les échos évidents de passages ou d’ouvrages entiers bien déterminés amènent à poser le problème du manque d’inspiration de Jaime Bayly. Enfin, la production bayléenne ne doit pas être dissociée d’autres écrivains latino-américains - péruviens mais pas seulement - du même âge. Une étude de certains de leurs ouvrages met en valeur un certain nombre de caractéristiques et de préoccupations communes. Dans ces conditions, les écrits de Jaime Bayly présentent un intérêt dont est généralement dépourvue la paralittérature. La seconde partie s’intéresse aux récurrences thématiques constatées dans la production bayléenne, généralement invoquées pour l'écarter de la littérature. Cette intertextualité se manifeste de différentes façons : reprise des anecdotes de manière condensée ou au contraire développée (le rôle des trois premiers romans est fondamental). Le caractère complémentaire ou non entre les ouvrages doit être souligné ; de même que les limites de cette situation, qui ne font que rappeler les carences de la création bayléenne. La présence d’éléments autobiographiques dans les écrits amène à classer ces derniers non pas comme de simples fictions, mais en tant que romans autobiographiques ou personnels. Cette classification permet alors d’exposer et d’approfondir les rapports étroits qu’entretient l’écrivain entre sa situation personnelle et l’écriture. C’est précisément cette relation particulière qui confère à l’écriture bayléenne un statut thérapeutique, cathartique et compensatoire. Pourtant, cette dimension trouve assez vite ses limites : des objectifs non littéraires ou psychologiques doivent également être invoqués pour expliquer la reprise des mêmes thématiques. La notion de paralittérature intervient dans ce cas. D’un point de vue formel, peut-on parler de progression dans l’écriture bayléenne ou de simples tentatives sans réelle construction ? Certaines constantes apparaissent (situation qui rapproche de la paralittérature), évoluent parfois dans des domaines aussi variés que la temporalité, les jeux linguistiques, les tonalités (émotion, humour et cynisme, principalement), l’usage limité de la description, le traitement des titres et des illustrations, mais dénoncent bien souvent une absence d’originalité et d’inspiration. L’homogénéité n’est qu’apparente, comme le révèle l’étude des procédés d’identification des personnages, mais aussi de certains éléments du paratexte, les divers genres littéraires, les types de narration, les styles direct et indirect. Pour autant, une certaine tendance à la simplicité est à nouveau dénoncée quant à la structure des ouvrages, le traitement des personnages, le rythme narratif. En outre, ce qui faisait la spécificité de la prose narrative bayléenne - les nombreuses formes de la narration « improvisée » - tend à disparaître. Cette évolution rejette alors les écrits bayléens du domaine paralittéraire. L’étude menée arrive à la conclusion que l’œuvre bayléenne est difficile à définir : certains aspects tendent à la classer dans la paralittérature, d’autres l’excluent (difficulté accrue en raison de la grande porosité entre les deux domaines que sont littérature et paralittérature), mais elle présente un intérêt non négligeable
The most frequent reproach opposed to Jaime Bayly's books (Lima, 1965) is that they lack typical literary characteristics, which explains why they are often classified as paraliterature. Yet, the objective of this thesis is to show that this classification can be challenged and must be qualified After shedding light on such terms as « literature » and « paraliterature », the first part of this thesis aims to remind the reader of the literary context in which Jaime Bayly wrote his first books. The study of works by Peruvian authors such as Mario Vargas Llosa and Alfredo Bryce Echenique raises the question of the influence of these writers on Jaime Bayly, as well as how it appears in his books: Is this influence exploited without any distance, or is it also appropriated by Bayly in such varied areas as the political and historical reality of Peru, the presentation of Lima, of its society (in particular with regards to ethnic and sexual minorities)? The influence of two major North-American writers must also be put forward : Brett Easton Ellis and David Leavitt; mostly as concerns the way they deal with homosexuality, drug-addiction, and the characters' idleness. The fact that Bayly's works obviously echo fragments of specific works, if not the entire work, leads us to raise the issue of Jaime Bayly's lack of inspiration. Finally, Bayly's works should not be disconnected from those of other Latino-American writers – not just Peruvians – of the same age. Studying some of their works reveals a certain number of common characteristics and concerns. In this respect, Jaime Bayly's books can boast qualities of which paraliterature is usually deprived. The second part of our thesis will focus on the recurring themes to be found in Bayly's production, as they are usually put forward as excluding Bayly's works from the literary sphere. This intertextuality takes on several forms: anecdotes may be re-used either in a very condensed way, or on the contrary with large developments (the role played by the first three novels is determining). We will underline to what extent the novels may, or may not complete each other; similarly we will study the shortcomings of this technique, which eventually betray the limits of Bayly's creative spirit. The occurrence of biographical elements in Bayly's books leads us to classify the latter not just as fiction, but as autobiographical or personal works. This classification will then allow us to study and give a more comprehensive picture of the tight links that the writer establishes between his personal situation and the act of writing. It is specifically this special relationship which confers a therapeutical, cathartic and balancing effect to Bayly's act of writing. Yet, this dimension should not be over-estimated : non-literary and non-psychological objectives must be mentioned when it comes to justifying the repetition of the same themes. This is when the notion of paraliterature intervenes. From a formal point of view, can any progression be noticed in Bayly's works or are they just attempts which fail to reach a real construction? Some specificities appear (so that these works may be compared to paraliterature); they sometimes expand to such diverse areas as the treatment of the time line, linguistic games, tones (emotion, humor and cynicism mostly), the limited use of description, the treatment of titles and illustrations, but they often expose a lack of originality and inspiration. His works just look homogenous, as will be made clear in the study of the techniques used to identify the characters, as well as the study of some elements of the presentation of the books, of the various literary genres, of the types of narration, of direct and indirect speeches. We will nevertheless expose a certain tendency towards simplicity as regards the structure of the books, the treatment of characters, the narrative rhythm. Moreover, what used to distinguish Bayly's narrative prose – the varied forms of “improvised” narrations – tends to disappear. This evolution downgrades Bayly's works to paraliterature. The study that was carried out will conclude that it is not esasy to define Bayly's works : in some aspects, they may be categorized as paraliterature, and in others, they can only be excluded from this category (it is all the more difficult to make up one's mind as the borderline between literature and paraliterature in very porous) ; in the end Bayly's works are of great interest

L'etude commence par decrire l'activite critique d'apollinaire (diversite des formes, periodisation, heritages, enjeux. . . ) puis montre en quoi cette activite strategique du champ litteraire se met au service du combat esthetique du poete. Sont ensuite analyses les jugements d'apollinaire sur divers auteurs, anciens ou contemporains. Enfin, on etudie l'ecriture critique et ses processus de creation
We first describe apollinaire's literary criticism : variety, chronology, influences. . . Then we show that this criticism serves the poet's aesthetic fights. We study apollinaire's judgements on classics and contemporary authors. Finally we study the poet's critical style

Entre 1969 et 1979, les metteurs en scène lisboètes Luis Miguel Cintra et Jorge Silva Melo façonnent un répertoire qui est d’abord une réponse au contexte où s’inscrit leur action. Malgré des conditions matérielles contraignantes, leur compagnie parvient à proposer une programmation cohérente qui reflète l’évolution de la société portugaise : contournement de la censure (par les classiques) jusqu’en 1974, euphorie révolutionnaire entre 1974 et 1975 (Brecht, Gorki) puis, jusqu’à la fin des années soixante-dix, ouverture à l’Europe, à travers l’écriture dramatique allemande et française (Chartreux et Jourdheuil, Théâtre du Quotidien, Horváth, Büchner et Karl Valentin). Leur répertoire est surtout le fer de lance d’un projet novateur qui concilie l’engagement dans le monde, l’exigence artistique et le souci d’éduquer le spectateur. Il repose, dans la lignée du théâtre d’art, sur le renouvellement du répertoire et la mise en place d’une programmation dynamique. Il est, enfin, le miroir de leur œuvre théâtrale, reflétée à la fois dans les textes et le discorso (Strehler) qu’ils engendrent. Leur quête artistique s’articule autour de trois axes incessamment reformulés : la critique de la société, la représentation de la période révolutionnaire et un langage qui privilégie le détour et les croisements interculturels pour dire le monde
From 1969 to 1979, Lisbon’s directors’ theater Luis Miguel Cintra and Jorge Silva Melo shape a repertory that, first of all, is a response to the context in which their action takes place. In spite of their binding material conditions, their theater group is able to put forward a coherent programming which reflects the evolution of Portuguese society: bypassing censorship with classic authors until 1974, revolutionary euphoria between 1974 and 1975 (Brecht, Gorki) then, until the late seventies, an opening to Europe, through German and French playwriting (Chartreux and Jourdheuil, Théâtre du Quotidien, Horváth, Büchner and Karl Valentin). Their repertory combines engagement in the world, artistic exigency and the desire to educate the spectator. Just like Théâtre d’art, it is based on the renewal of repertory and on a dynamic programming. It is also the mirror of their theatrical work, reflected both in the texts chosen and in th! eir discorso (Strehler). Their artistic quest revolves three constantly reformulated aspects: criticism of society, representation of the revolutionary period and a language that emphasizes the detour and intercultural crosses to say the world

Pierre d’angle de la discipline littéraire, la lecture littéraire d’œuvres patrimoniales semble aujourd’hui relever de la gageüre sur le terrain de l’enseignement, notamment au lycée. Le développement du numérique et la croissance exponentielle des supports de communication ont donné naissance à de nouvelles pratiques de lecture et d’écriture qui en conjuguent et en multiplient les modes (images, son, texte, icônes, etc.) De fait, l’omniprésence de la littératie multimodale numérique dans les pratiques culturelles a changé le rapport à la littérature, à la lecture et à la culture. Les façons de lire et d’écrire ont également été bouleversées. Cette évolution semble avoir accentué le hiatus apparent entre les pratiques de lecture scolaire des œuvres classiques et les pratiques culturelles privées des jeunes lycéens. Dans le même temps, les prescriptions des programmes du secondaire invitent à articuler l’enseignement de la littérature avec l’éducation aux médias et au numérique. L’innovation est encouragée. Pourtant, les travaux concernant l’impact des usages numériques sur la lecture littéraire constituent un champ de recherche relativement récent. A la croisée des recherches en didactique de la littérature sur le sujet lecteur et des travaux sur la littératie médiatique multimodale en contexte numérique, notre thèse interroge ce que peut être l’enseignement de la lecture littéraire des œuvres classiques au lycée à l’ère du numérique et de la multimodalité médiatique.Pour répondre à cette question, nous avons posé l’hypothèse qu’un dispositif de lecture médiatique multimodal prenant en compte les pratiques culturelles privées des lycéens serait susceptible de favoriser l’implication dans la lecture et l’appropriation de l’œuvre classique. En cohérence avec une visée descriptive et compréhensive, nous avons mené une recherche exploratoire auprès de nos élèves au sein de quatre classes différentes de seconde et de première. Nous avons conçu trois séquences d’enseignement intégrant un texte du lecteur médiatique multimodal numérique en dialogue avec des activités plus traditionnelles. Notre méthodologie qualitative vise la description et la compréhension approfondie de douze parcours de lecteurs grâce au croisement de données recueillies par le biais de textes d’élèves, d’écrits multimodaux, d’exposés filmés, des questionnaires et des entretiens. L’étude confirme que le dispositif médiatique multimodal numérique favorise l’implication des lecteurs, la mise en œuvre de gestes d’appropriation de la lecture et l’expression de la subjectivité lectorale. Elle met également en évidence l’importance des échanges intersubjectifs, le rôle des interactions au sein de la séquence d’enseignement et l’élargissement, des espaces et des temporalités investis par la subjectivité lectorale. L’analyse des données montre la maitrise très relative des compétences de littératie médiatique multimodale numérique chez les élèves et confirme l’importance d’une formation systématique et raisonnée en ce domaine
Nowadays, the traditional cornerstone of studying literature – the reading of heritage works - is becoming a challenge for teachers, particularly those working in high schools with pupils aged from 15 to 18. The development of digital technologies and the exponential growth of social media has generated new multimodal writing and reading practices which combine images, sound, text, icons, etc. Indeed, for many people, the omnipresence of multimodal, digital literacy in cultural practices has motivated changes in their relationship to literature and culture and radically transformed reading and writing practices.This development has heightened the already apparent disconnect between school reading programs, concentrating on classical literature, and the private cultural practices of schooled teenagers. At the same time, the curriculum at secondary level invites teachers to articulate the study of literature with education for media and digital literacy. Innovation is encouraged. However, researchers have only recently started to investigate the effects of using digital media on literary reading. Drawing on research into the reader as subject, from the field of the didactics of literature, and research into multimodal digital and media literacy, this thesis asks what form teaching the reading of literary classics could take in this digital, multimedia age.In order to respond to this question, this thesis explores the hypothesis that a teaching protocol which takes into account the private cultural practices of the students, by giving a place within the learning to multimodal media, is likely to favour student implication in reading the classics and their appropriation of them. This qualitative study involved four different classes of students aged between 15 and 18. Each class participated in three teaching sequences which combined the use of multimodal, digital media with more traditional activities.Through analysis of a mixed corpus of traditional student writing, multimodal writing, filmed presentations, questionnaires and interviews, this study aims to provide a comprehensive, in-depth description of the path taken by twelve readers. The results confirm that employing a teaching protocol incorporating digital, multimodal media favours reader implication, appropriation of the reading and the expression of subjectivity. The results also highlight the importance of exchanges between readers, the role of interactions within the teaching sequence, and the pertinence of broadening the spaces and timeframes beyond the classroom which opens up a place for subjective expression. The analysis reveals a relatively varied level of mastery of multimodal, digital media by the pupils involved in the study, which confirms the importance of rational, systematic education in this domain

Ce travail consiste en une étude du héros tragique à travers les oeuvres majeures de Hemingway : The Sun also Rises (1926), A Farewell to Arms (1929), To Have and Have Not (1937), For Whom the Bell Tolls (1940), Across the River and into the Trees (1950), et The Old Man and the Sea (1952). Dans une approche générale de la vision tragique, nous étudierons en particulier le rôle de la mort dans son oeuvre romanesque, car ses personnages sont souvent hantés par ce thème. La place de l'amour qui apparaît dans tous ses romans, comme aspect de la vision tragique ou comme remède, les blessures physiques et psychologiques qui sont les causes de l'expérience tragique du héros, les moyens qu'il trouve pour survivre dans un monde devenu absurde seront aussi analysés, ainsi que des thèmes particuliers (le déracinement, la tauromachie, le sentiment de néant, la fuite du temps, le vieillissement. . . ), afin de cerner au mieux la vision tragique dans chaque roman. Les oeuvres seront étudiées par ordre chronologique, afin de voir s'il existe une évolution de la vision tragique chez l'auteur. Etant donné que l'auteur a subi lui-même des blessures physiques et psychologiques, (traumatismes liés à son enfance, blessures de guerre et suicide de son père), nous essayerons de voir s'il y a un lien entre sa fiction et sa vie personnelle, qui fut en apparence, et selon sa légende, à la fois mouvementée et flamboyante. Nous analyserons plus particulièrement l'importance qu'il attachait au fait d'écrire qui fut non seulement pour lui le moyen à travers lequel il espérait atteindre une certaine 'immortalité', mais aussi et surtout la seule panacée qui lui permettait de se débarrasser de ses angoisses. Nous mettrons également l'accent sur le fait que lorsque, dans les années cinquante, Hemingway prit conscience qu'il était incapable de rester fidèle à sa légende, il sentit que ce moyen de survie lui échappait, ce qui aboutit à un désespoir profond
This dissertation aims at studying the Hemingwayian hero's tragic vision of life. The major works we will be dealing with are The Sun also Rises (1926), A Farewell to Arms (1929), To Have and Have Not (1937), For Whom the Bell Tolls (1940), Across the River and into the Trees (1950), and The Old Man and the Sea (1952). First and foremost, we will analyse the role of death in Hemingway's fiction, because his heroes are often haunted by this theme. Love, which pervades most of his fiction, as a cause of -- or as a remedy for -- his characters' tragic experience, as well as the physical and psychological wounds at the basis of their tragic vision of life, will be analysed. The different ways through which the Hemingwayian heroes manage to survive in a hostile world will also be discussed. We will deal chronologically with the novels in order to see whether an evolution in the writer's vision can be detected. Since Hemingway himself received serious physical and psychological wounds, (the traumas relating to his childhood within a puritanical family, the shock caused by his war experience and his father's suicide), our purpose is to see whether there exists an interaction between his private life, which seems, on the surface, both exciting and hectic, and his fictional world. The fact that writing was not only a means through which Hemingway longed to attain 'immortality', but was also a remedy for him to ward off his feelings of nada will be emphasised and we will therefore also try to see whether, when the writer realised that he was no longer able to be the legendary figure he used to be, this remedy, which had enabled him to survive so far, was still powerful enough to save him from total despair

L’appropriation peut être considérée comme l’aboutissement de la lecture et le point de fuite de toute réflexion sur la réception et les enjeux de la littérature. L’appropriation personnelle des œuvres littéraires par les élèves est implicitement à l’horizon de tous les programmes d’enseignement du français et des recherches en didactique de la littérature. Peut-on lui laisser une place plus grande qu’elle n’en possède actuellement dans le système scolaire français, et en particulier en classe de seconde ? C’est la thèse que nous défendons, en inscrivant notre réflexion dans le sillage des recherches sur le sujet lecteur. Nous interrogeons tout d’abord la notion d’appropriation à la lumière de l’herméneutique contemporaine et des théories de la réception, mais aussi en regard des attentes de l’Institution scolaire, et nous définissons les espaces discursifs dans lesquels l’appropriation des œuvres littéraires peut s’observer. Nous analysons ensuite les résultats d’une recherche exploratoire réalisée dans différentes classes de seconde : nous avons mené auprès de nos élèves cinq expériences placées sur une ligne du temps, leur conférant une place de sujets lecteurs, inscrits dans l’histoire d’une relation singulière à la littérature. Nous mettons en lumière les résultats observés sur deux plans : Laisser en classe une place pour la rencontre personnelle des élèves avec les œuvres littéraires permet de répondre très nettement à certaines difficultés actuelles rencontrées par la transmission de la littérature. Par ailleurs, nous formulons plusieurs hypothèses sur le processus d’appropriation dans le cadre scolaire, en particulier sur le lien entre impressions subjectives, lecture objectivante, et construction de la posture lettrée attendue par l’école, mais aussi sur la construction d’une posture éthique, et sur l’ancrage des œuvres dans la mémoire. Nous analyserons les modifications qu’une telle démarche entraîne au plan pédagogique dans l’accueil de la parole de l’élève, dans le rapport au temps, dans les postures requises de la part de l’enseignant et dans les démarches d’apprentissage mobilisées auprès des élèves
Appropriating literary works for year 11 / 10th grade french students Here, appropriation metaphorically refers to the process by which readers make a literary work their own. The expression also refers to the result of this process: the inscription and expansion of the work within each individual memory. The active participation of each reader is required throughout the hermeneutical process, from the open mindset needed to absorb a new reading until the point when it becomes registered in one’s “interior library”. Appropriation can be regarded as the final step of the reading process and the vanishing point of any analysis on the way literature is perceived and received. Personal appropriation of literary works by students is at the backdrop of any curriculum for teaching French and all research in didactics of literature. Maybe it should be granted more emphasis than it is in the French school system today, particularly in year 11 / 10th grade. This is my thesis statement, in the light of modern research on the reader as a subject. I shall first consider the notion of appropriation from the point of view of modern hermeneutics and reception theories, in compliance with the French official educational standards, and define the discursive spaces where appropriation of literary works occurs. I shall then analyze the findings of an exploratory research carried out in a number of year 11 / 10th grade classes: students were submitted to five successive experiments which placed them in the position of subject readers, within the story of a specific and individual relationship to literature. The findings are interpreted in two main axes. First, leaving room for a personal encounter between students and literary works during lessons permits to successfully address a number of current issues on the transmission of literature. Then, I consider several hypotheses concerning the appropriation process in class, more particularly, the link between subjective impressions, more objective readings and the acquisition of the expected academic standards, but also the acquisition of an ethical posture and the inscription of the works in students’ memories. I shall finally examine the pedagogical changes implied by such an approach in the management of class participation, of timing; in the positioning of the teacher and the learning strategies developed by students

Des figures de Zola que retient la postérité, celle du critique littéraire est la plus méconnue. L'oeuvre dans son ensemble témoigne pourtant de son omniprésence et de sa richesse. Dans la deuxième moitié du XIXe siècle, la critique littéraire, portée par le développement de la presse, touche de nouvelles couches de lecteurs et fonctionne de plus en plus comme instance de légitimation de la littérature. Zola se fait vite connaître comme un acteur essentiel dans un "champ" très concurrentiel où s'opposent les forces de la tradition et celles de la modernité. Chroniqueur imaginatif et incisif, il en appelle à la contestation des valeurs établies et accompagne le renouveau de la littérature : il revendique l'influence de Michelet, de Sainte-Beuve, de Taine, mais fait entendre sa propre "voix". Il promeut la lecture des frères Goncourt, de Flaubert, hâte la reconnaissance de Balzac et combat l'héritage problématique du romantisme. La lecture par Zola des auteurs classiques et contemporains, son interprétation de l'histoire littéraire, ses conceptions artistiques et sa poétique sont en fait animées par une philosophie de la représentation qui postule une dialectique subtile entre le tempérament créateur et la connaissance du réel. Au-delà de sa signification historique, la critique littéraire de Zola éclaire de façon décisive les enjeux de la "création" dans sa dimension esthétique et anthropologique
Of the figures that posterity retains from Zola, the most unrecognized one is that of the literary critic. And yet his whole work testifies to its pervasive and rich presence. .

Cette these gravite essentiellement autour du theme de milieu social et creation litteraire. Nous nous sommes interesse a etudier les oeuvres romanesques principalement a trois niveaux, a savoir : au niveau des causes et des consequences de la dualite du mode de vie qui regit la societe africaine contemporaine et au niveau de la narratologie. L'etude des premieres rencontres entre les africains et les europeens et l'infiltration des valeurs culturelles de la societe occidentale dans la societe africaine a travers l'ecole nouvelle et l'eglise montre que la fiction s'apparente a la realite. Le milieu social joue le role de catalyseur par rapport a l'imaginaire de chaque romancier. L'etude du probleme du pouvoir politique nous revele l'individualisme au sens negatif du terme chez les nouveaux dirigeants. Leur appetit insatiable pour le pouvoir et la richesse les rend brutaux a l'endroit de leurs concitoyens. L'autre preoccupation majeure chez les romanciers porte sur les consequences economiques. Linguistiques et socio-culturelles occasionnees par la dualite du mode de vie. Et si les romanciers ont comme denominateur commun l'emprunt des materiaux de construction au milieu social, l'etude a montre que chaque romancier a sa maniere d'utiliser ces materiaux. C'est surtout l'etude de la narratologie qui nous a revele la particularite des pratiques litteraires de chaque romancier. Bref, chaque romancier cree, a sa maniere, une oeuvre romanesque
This thesis turns mainly round the theme of social environment and literary creation. Our interest was to study the literary works mainly at three levels, namely : at the levels of causes and consequences of the duality of the way of life which governs the contemporary african society and at the level of narratology. The study of the first encounter between africans and europeans and the infiltration of the african society by the cultural values of the western society through the new school and the church shows similarity between fiction and reality. The social environment plays the role of a catalyst concerning the imagination of each novelist. The study of the problem of the political power reveals the new leaders' individualistic behaviour in the negative sens. Their insatiable craving for power and richness makes them brutal towards their fellow countrymen. The other major preoccupation of the novelists centres around the economic, linguistic and socio-cultural consequences brought about by the duality of the way of life. And if the novelists have as common denominator the borrowing of constructing materials from the social environment, the study has shown that each novelist has his own way of using these materials. It is especially the study of narratology which has revealed the particularity of each novelist's literary practice. In short, each novelist has his own way of creating a literary work

Bien souvent considérée comme un art immatérial, la littérature offre pourtant des traces bien visibles de son existence. Les maisons d'écrivains, les musées et les expositions littéraires ainsi que les parcs à thème constituent des espaces qui matérialisent la littérature. L'objet de notre thèse sera d'étudier ces différents dispositifs et d'interroger leurs liens avec la manière même de concevoir la littérature
Often classified as an immaterial art, literature however offers real and visible tracks of its existence as evidenced by writers’ houses, museums and literary exhibitions spreading all over France. The increasing number of theme parks and the development of literary theme parks offer new interesting perspectives. In a multidisciplinary approach involving cultural history, sociology of literary practices and literary theories, the aim of this research work is to question the representations of literature conveyed by these literary spaces. This reflection results from the following paradox: what can be shown to evoke an art of words, only accessible in the act of reading?

La présenté étude vise à embrasser les divers aspects des recherches de Varron (116 - 27 av. J. C. ) concernant l'œuvre des poètes latins archaïques : Livius Andronicus, Naevius, Plaute, Ennius, Accius - qui occupent, dans ses traités de critique littéraire, une place privilégiée. D'emblée la réflexion a été centrée sur les fragments conservés des ouvrages de Varron relatifs à l'histoire des lettres latines, aux origines du théâtre à Rome, à la biographie et aux productions des principaux dramaturges latins. Malgré le naufrage textuel qui a fait sombrer dans l'oubli bon nombre des jugements du réatin en matière de littérature latine, ses méthodes d'investigation ainsi que les conclusions auxquelles il est parvenu continuent à prévaloir aujourd'hui. Tant il est vrai que, par rapport à ses prédécesseurs, Varron se posait en novateur - dans la mesure où il avait introduit à Rome des concepts et une problématique dérivant en droit ligne de la science alexandrine
This study aims at comprehending the various aspects of Varro’s researches about old Latin poets: Livius Andronicus, Naevius, Plautus, Ennius, Accius - who occupy an important place in his treatises of literary criticism. At the very first, great attention has been concentrated upon the fragments of Varro’s books that concern specially the history of Latin literature, the origins of Roman theatre, the lifes and the works of the principal Latin dramatists. In spite of oblivion they fell into, not only many critical judgments expressed by Varro in matter of belles lettres, but also the methods of inquiry he used and particularly his positive conclusions go on being authoritative nowadays. So true it is that, with regard to his roman predecessors, Varro appeared as an innovator - in so far as he had introduced in Rome concepts and problematics directly derived from alexandrine science

Cette recherche est consacrée au développement de la pensée utopique dans les dernières oeuvres d’Émile Zola : « Paris (1898) », « Fécondité » (1899), « L’Ouragan », « Travail » (1901), « L’Enfant roi », « Sylvanire ou Paris en amour » (1902), et « Vérité » (1903). La société idéale selon Zola s’annonce dès les « Contes à Ninon » (1864), les premiers romans et « Les Rougon-Macquar »t. Dans Paris, la pensée utopique se fait sentir dans les discours idéologiques et polémiques qu’engage le héros fondateur, qui s’oppose à la société décadente de la fin du XIXe siècle. Dans « Fécondité », les Froment fondent une ferme idéale et des colonies en Afrique. Dans « Travail », Luc Froment construit la Cité heureuse du XXe siècle par laquelle Zola imagine une utopie technique, scientifique et artistique. Dans « Vérité », son dernier roman, l’écrivain ébauche l’école de l’avenir. Finalement, nous étudions les idées natalistes et eugéniques de Zola et les influences fouriéristes, anarchistes et collectivistes sur ses derniers romans
This research is dedicaded to the development of utopian thought in Emile Zola’s last works : “Paris” (1898), “Fécondité” (1899), “L’Ouragan”, “Travail” (1901), “L’Enfant roi”, “Sylvanire ou Paris en amour” (1902), and “Vérité” (1903). Zola announces his ideal society in first tales (“Contes à Ninon”, 1864) and novels and in his “Rougon-Macquart” series (1871-1893). In “Paris”, utopian thought starts from the ideological and polemical discourses engaged by the founding hero Pierre Froment, who opposes the decadent society of the end of the 19th century. In “Fcondité” the Froment family founds an ideal farm and colonies in Africa. In “Travail”, Luc Froment builds the City of Felicity of the 20th century by which Zola imagines a technological, scientific and artistic utopia. In “Vérité”, the author develops an educational program for the future. Finally, we are analyzing Zola’s eugenic ideas and the influence on his last novels by Charles Fourier as well as by anarchist and collectivist thinkers

Le déséquilibre et le désordre du réel ont modifié chez l’homme baroque la vision de son être; leur présence écarte la gratuité de ses actes. Ses fascinations sont des indices révélateurs, ses rejets et ses attachements représentent des témoignages et des messages à déchiffrer. Notre étude essaie d’expliquer les raisons de la fascination de la génération baroque pour l’élément liquide à travers l’examen de l’imaginaire de ses aspects dans l’oeuvre baroque. L’imaginaire ou ce que Gilbert Durand appelle ‘’le capital pensé’’ de l’homme est une entité stratifiée dans la durée, plusieurs facteurs participent à sa structuration. Par conséquent, son examen exige une approche pluridisciplinaire et interdisciplinaire. Grâce aux sciences cognitives qui représentent la voie par laquelle passe l’avenir des recherches sur l’imaginaire selon Philippe Walter, la présente étude essaie d’éclairer l’Imaginaire baroque à travers l’examen de la valeur de l’élément de l’eau dans des textes publiés entre 1580 et 1640. Notre travail utilise quatre des six sciences cognitives qui sont désignées par Georges A. Miller et qui instaurent à travers leurs corrélations des domaines interdisciplinaires. Pour explorer les représentations de cet élément dans le texte baroque avec un objectif qui consiste à leur proposer des explications causales sont indispensablement mobilisées l’anthropologie, la philosophie, la psychologie, et la linguistique. L’imaginaire baroque est reconstitué dans notre recherche grâce aux 5 croisements établis entre les sciences précédentes et les disciplines de l’histoire de l’art, de la critique littéraire, du folklore, de l’ethnologie, de la mythologie, de la sociologie, et de l’histoire des religions. Notre travail examine l’un des aspects de la nature dans l’imaginaire baroque. A travers nos analyses, nous essayons de retracer l’être et l’existence de l’homme baroque grâce aux présences de l’un de leurs constituants dans l’oeuvre de ce dernier. L’élément de l’eau est ce constituant qui représente l’un des aspects de la nature. La problématique dans notre travail, est composée d’un volet qui porte sur la valeur de l’élément de l’eau dans l’oeuvre baroque. Il y a un second volet visant à prouver que l’examen de l’imaginaire représente un outil permettant de cerner les reliefs et les complexités d’un texte baroque et un texte ayant une structure similaire avec celle que possède ce dernier, c’est-à-dire une structure incohérente et non linéaire. Notre recherche aimerait proposer une lecture de l’imaginaire de la matière dans le texte baroque et dans le texte littéraire en général. Elle aimerait démontrer que l’examen distant et interactif des actes de l’homme aide à leur trouver des explications; et que l’examen de l’imaginaire d’une oeuvre qui représente un acte de l’imaginaire de l’homme, aide à cerner ses implicites, les raisons de sa création, et la psychologie qui a dominé les circonstances de sa production
The imbalance and the chaos in which Baroque man lived, changed his vision of his entourage and at the same time they excluded the gratuitousness of his actions. His fascinations are messages to be deciphered, his rejections and attachments represent revealing clues and testimonials. Our study tries to explain the reasons of the fascination of the baroque generation for the liquid element through the examination of the imaginary of its aspects in the baroque work. The imaginary or what Gilbert Durand calls "thought capital" of man is a hybrid organism, several factors participate in its structuring therefore its examination requires an interdisciplinary approach. Through cognitive science, that represent the future of research on the imagination according to Philippe Walter, this study tries to illuminate the Baroque Imagination through the examination of the value the element of water in the works published between 1580 and 1640. Our work uses four of the six cognitive sciences which are designated by Georges A. Miller and which establish interdisciplinary fields through their correlations. To explore the representations of this element with the Anthropology, philosophy, psychology, and linguistics are indispensable to the objective of offering them causal explanations. The baroque imagination is reconstituted in our work by combining these sciences with the disciplines of the history of art, literary criticism, folklore, ethnology, mythology, sociology, and the history of religions. Our work examines one of the aspects of nature in the baroque work. Through our analyzes we try to trace the being and the existence of baroque man through the manifestations of one of their components in the work of the latter. The element of water which is this component and it represents one of the aspects of nature. The problematic in our work is composed of a component that deals with the value of the element of water in the baroque work. The second part aims to prove that the 7 examination of the imaginary represents a tool that helps to identify the reliefs of a baroque text and a text with a similar structure with the latter, that is to say an incoherent structure and complex. Our research proposes a reading for the imaginary of the material in the literary text. Our study would like to demonstrate that distant and interactive examination of human acts and his works serves to identify their explanations; and that the examination of the imaginary of a work which represents an act of the imaginary of man serves to identify its implicit and the reasons for its creation, and the psychology that dominated the circumstances of its production

On compte plus de 250 noms dans les pièces de Jean Anouilh, allant des dramaturges Eschyle. Corneille ou Racine aux penseurs Socrate, Descartes ou Sartre, mais aussi des poètes comme du Bellay, Victor Hugo ou Aragon ou des conteurs et romanciers comme Daudet, Balzac ou Gide. Les grands noms de la musique, tels que Mozart, Wagner ou Massenet, côtoient ceux des arts plastiques comme Mignard ou Picasso. En outre des nombreux personnages historiques côtoient ceux du monde des lettres et des arts, comme Caton, de Gaulle ou Hitler. Cités de façon neutre la plupart du temps, un jugement de valeur est attaché cependant à certains d'entre eux. Shakespeare et Molière sont les auteurs les plus cités, pour lesquels Anouilh ne cache pas son admiration et qu'il considère comme ses maitres. Par ailleurs Anouilh parle souvent des journaux, dont il montre l'influence dans le monde moderne, du cinéma, qu'il critique souvent, et du critique littéraire, qu'il malmène autant que Giraudoux, qu'il aimait tant. Anouilh présente le théâtre comme un divertissement destiné à nous faire oublier la mort, à l'image de Pascal. Il se refuse à transmettre des messages et se moque du théâtre qui pense. Il décrit aussi le monde du théâtre, les relations des acteurs entre eux et la vie difficile des troupes itinérantes. Les artistes sont présentés comme des gens à part et on y trouve un nombre respectable de femmes (et parfois d'hommes) infidèles. L'acteur apparait comme une personne ayant plusieurs âmes lui permettant d'incarner les êtres les plus divers.

Notre étude a pour but d'éclairer les fonctions et les significations des figures obsessionnelles qui apparaissent de façon itérative dans les oeuvres littéraires d'Alain Robbe-Grillet : rideaux rouges, porte avec son embrasure, miroir, cellule, mer, piège, ruines, rendez-vous, etc. , en recourant au savoir de la psychanalyse, en particulier aux théories de Jacques Lacan. Dans la première partie, l'analyse porte sur les premières pages du Miroir qui revient qui permettent d'y mettre en évidence le moteur qui fait fonctionner toutes ces figures génératrices, à savoir le vide fondamental trouant le centre du texte de Robbe-Grillet. Ce vide peut être comparé à l'ouverture dont parle Lacan, creusée entre le sujet et l'Autre. Dans la deuxième partie, nous confirmons cette hypothèse en abordant le réseau des personnages, l'analyse étant centrée sur les figures paternelles et maternelles. Tous les actes créatifs de Robbe-Grillet qui apparaissent " obsessionnels " peuvent être considérés comme autant de tentatives pour résorber le vide central. D'où provient la nécessité du recours au scénario du fantasme. Dans les troisième et quatrième parties, nous analysons en détail trois étapes du scénario qui correspondent en gros aux trois périodes des oeuvres littéraires de Robbe-Grillet.

Cette thèse est une analyse littéraire de trois œuvres de Frederik van Eeden(1860 1932) un auteur néerlandais : il s'agit du De Kleine Johannes (1887), Johannes Viator (1892) et Van de koele meren des doods (1900). Dans le premier chapitre je définis les outils nécessaires pour faire une analyse littéraire. Je définis les termes de narration, focalisation, personnages, motif et thème. Pour cela je me fonde sur la théorie de Gérard Genette et Mieke Bal. Dans le second chapitre je fais une analyse de passages. Dans chaque passage j'analyse successivement la narration, la focalisation, les personnages et les motifs. Nous y voyons que ces objets objectifs servent des buts très divers. Dans un quatrième chapitre je fais une analyse de thème, tout le long du texte. J'étudie la relation père-fils dans le conte, le thème de l'être humain dans le deuxième roman et le thème de la société dans le dernier roman. L'analyse de ces trois thèmes montre la récurrence du thème de l’identité. Le thème central de l’œuvre de cet auteur est une réponse à la question qui suis-je? Et cela dans une traversée vers l’âge adulte.

Dans l’optique de Gisèle Séginger, ce travail s’interroge sur l’inscription littéraire de l’Histoire chez Gustave Flaubert, des Œuvres de jeunesse à Salammbô. L’étude des premiers écrits révèle les causes profondes de l’engouement de l’écrivain pour l’Histoire et met en évidence les motivations conjoncturelles, culturelles et personnelles, en particulier familiales, de cette représentation. Chez Flaubert, la poétique de l’Histoire dit la crise de l’Art et le divorce entre l’Artiste et son contexte intellectuel, social et politique. Après les premiers textes placés sous le signe de la dérision et du nihilisme, l’écrivain refuse de partager les préoccupations de son temps pour se consacrer à une quête essentiellement esthétique aboutissant à la définalisation de l’œuvre. « Athée politique », comme Sade dont il est l’héritier, Flaubert donne une image très critique de la monarchie mais dénonce aussi, à la manière de Tocqueville, les effets pervers de la démocratie qui conduit à l’uniformisation de la société et menace la liberté individuelle. Agnostique, il est fasciné par la splendeur de l’Antiquité et associe le christianisme à une forme de dégradation. Révolté contre la société, il dénonce les idées reçues, la morale et les valeurs bourgeoises. Le jeune Flaubert met en question toutes les doctrines politiques ou sociales et déconstruit l’historiographie. Son œuvre repose sur une vision shakespearienne et montre l’omniprésence du Mal et de la Mort. Anticonformiste et souvent ironique, elle s’inscrit, non sans provocation, à contre-courant de toutes les représentations (providentialistes, romantiques, rationalistes, positivistes) de l’Histoire au XIXe siècle
Still within the scope of Gisèle Séginger’s study, this work questions the literary inscription of History in Gustave Flaubert’s works. It is more specifically concerned with those works ranging from his Oeuvres de jeunesse to Salammbô. The study of Flaubert’s early writings reveals the deep causes of the writer’s infatuation for History and shows the conjectural, cultural and personal – more particularly the family – motivations of such representation. In Flaubert’s writings, the poetics of History bespeaks both the crisis of Art and the divorce between the artist and his intellectual, social and political contexts. His early texts were placed under the sign of derision and nihilism, and then the author refuses to share his epoch’s preoccupations and seeks to an aesthetic quest leading to the unfinalizing of the work. As a “political atheist”, just like Sade, whom he is his heir, Flaubert draws a highly critical image of the French monarchy and denounces in Tocqueville’s way the perverse effects of a democracy that leads to society’s uniformity and threatens individual freedom. As an agnostic, he is fascinated by antiquity’s splendor and associates christianism to some form of decay. As a rebel against society, he denounces ready-made ideas and the bourgeoisie’s morality and values. The youthful Flaubert questions all the political or social doctrines and deconstructs historiography. His works, which are based on a shakespearean vision, show the ubiquity of both evil and death. Considered as anti-conformist and ironic, his works stand in a provocative way against all the nineteenth century’s representations of History whether they are providential or romantic or rationalist or positivist

Witkiewicz est l'auteur d'une oeuvre tres diversifiee, theatre, essais, romans, ouvrages philosophiques, peinture et meme photographies. Son oeuvre theatrale met en valeur de nombreux caracteres du genre "grotesque", mis au service d'une conception du monde essentiellement tragique. Contemporain de nombreux mouvements litteraires et artistiques apparus dans le premier tiers du vingtieme siecle, il manifeste envers eux une mefiance, en raison de l'intuitionnisme et de l'irrationnalisme qu'il y percoit. Les caracteres des personnages de ses pieces ainsi que les themes de sa dramaturgie sont souvent recurrents. La langue qu'il utilise fait appel aux registres les plus divers. Ses pieces comportent un grand nombre de personnages toujours decrits avec minutie, dans des didascalies-fleuve. Son theatre, tres souvent represente dans son pays possede un impact assez faible en occident. Quelles en sont les causes ? une analyse des representations de ses pieces en pologne, d'une part et dans les pays d'expression francaise, d'autre part doit permettre d'y repondre. Une pratique scenique de witkiewicz permet de preciser les conditions de reussite de ses drames. En annexe, un essai de mise-en-scene pour "une locomotive folle", la construction d' une piece "l'ile de satan" a partir de deux fragments publies, un exemple de lecture des "cordonniers" ainsi que l'analyse detaillee d'une scene de cette piece et enfin un expose des problemes engendres par la traduction d'une piece non encore publiee en france mais jouee a paris en 1986: "miss tootlie-pootlie" permettent, je l'espere, de cerner de plus pres cette oeuvre fondamentalement pessimiste
Witkiewicz is the author of a work very varied, theater, essays, novels, philosophical works, painting and even photography. His theatrical work set oo many features of grotesque style at the service of a world conception essentially tragic. Contemporary of several artistic and literary movements, loomed up on the horizon of the first third of twentieth century, he mistrusts them owing to intuitionnism and irrationalism that he detects in them. The dramatis personae of his plays as the themes of his dramatic art are often recurrents. The language employed refers to the most varied levels. His plys consist of many dramatis personae always describe meticulously in sizeable didascalies. His plays are very often performed in his country but they have an enough weak impact in occident. What are the reasons of that? an analysis of the performances of his plays in poland, on the one hand and in the countries of french expression, on the other hand can allow to answer. A theatrical practice of witkiewicz permits to specify the conditions of success of his dramas. In annex, an attempt to put on stage: "a crazy locomotive", the construction of a play: "the island of satan" from two published fragments, an example of reading about "the shoemakers" as a detailed analysis of of a scene of this play and at last the problems created by the translation of a play never published in france but performed in paris in 1986: "miss tootlie-pootlie", allow, i hope so, to delimit more closely, this work inherently pessimistic

Ce travail, qui relève de la problématique des rapports existant entre le réel et la littérature, a pour but d'étudier selon quelles médiations les problèmes politiques, sociaux et culturels sont traduits en catégories narratives dans les œuvres d'Ezekiel Mphahlele et d’Alex La Guma. Cette étude, qui s'appuie sur des concepts empruntés à la psycho-sociologie et à la narratologie, part du principe que le texte est le point de rencontre d'un système narratif et d'un système évaluatif et manifeste à travers la spécificité de sa structure l'idéologie de son auteur. Nous avons ainsi pu comparer la vision idéologique de chacun des deux écrivains étudies à partir de leurs procédés narratifs respectifs
This study falls within the problematic framework of relationships between fiction and reality and seeks to analyse how political, social and cultural problems are converted into narrative categories in Alex La Guma's and Ezekiel Mphahlele's fiction. Our approach is based on concepts borrowed from social psychology and literary structuralism and proceeds from the assumption that a text is the meeting point between a narrative system and an evaluative system which manifests the author's ideology through the specificity of its narrative structure. We have thus been able to compare Alex La Guma's ideological vision to Mphahlele's through a systematic analysis of their narrative procedures

Exilée russe d'origine juive, arrivée à Paris en 1919 à 16 ans, romancière à succès des années 30, Irène Némirovsky est morte à Auschwitz en 1942. Fêlure significative, son oeuvre se partage en romans à personnages juifs et romans à personnages français. Alors que ses premiers récits comme le dernier témoignent de l'importance qu'elle accorde à l'origine juive des personnages, allant jusqu'à jouer avec les stéréotypes antisémites, ses "romans français" lui font une place originale dans le "roman de moeurs" de l'entre-deux-guerres. Mais qu'il s'agisse des figures de femme (mères rivales et jeunes filles libres), de la précarité des espaces, du rapport entre l'Histoire et la mémoire de la persécution et de la place de l'argent, à la fois art et jeu, les "romans juifs" ont une poétique profondément différente. Ils se détachent aussi de ce qu'écrivent les romanciers juifs français de l'époque, même lorsqu'en 1940 elle aborde comme eux la question du rapport entre juifs et non-juifs dans le mariage, achevant de dessiner une figure complexe et ambigüe de romancière juive d'avant la Shoah

Les professeurs de lettres en lycée sont invités à construire des « séquences d’enseignement cohérentes fondées sur une problématique littéraire » et à « inciter les élèves à problématiser leur réflexion en relation avec l’objet d’étude concerné » (programmes de lettres de l'Éducation Nationale, septembre 2010). La mise en œuvre de ces exigences par les élèves et les professeurs est complexe et passe par une clarification épistémologique et didactique.Dans un premier travail de recherche (mené en Master 2 MEEF, parcours « Expertise, enseignement et apprentissage »), nous avons montré, au terme d'une exploration des savoirs fondamentaux de la discipline des lettres notamment éclairée par la Poétique d'Aristote, que l'œuvre littéraire peut être appréhendée comme la tentative de réponse à un problème, tentative que l'auteur construit au moyen d'une forme littéraire. Dans cette perspective, le modèle de problématisation de Michel Fabre appuyé notamment sur les travaux de Gilles Deleuze (pour la logique du sens) de Gaston Bachelard (pour la construction de problèmes) et de Michel Meyer (pour le questionnement problématologique) permet de guider les élèves vers la compréhension du sens de l'œuvre en les aidant à reconstruire le problème à laquelle l'œuvre tente de répondre. À l'aide d'enregistrements de travaux d'élèves et d'un entretien post-séance mené avec un professeur de lycée, nous avons pu repérer, par des analyses successives, des éléments susceptibles de générer l'activité de problématisation dans la lecture des textes littéraires, ainsi que certaines conditions à respecter de la part du professeur pour que cette activité favorise la construction de nouveaux savoirs par les élèves.La mise en activité des élèves au service de la construction de compétences de lecture apparaissant de plus en plus comme une pratique pertinente et nécessaire dans les classes de lycée, l'intérêt de notre recherche se déplace vers le lien entre problématisation et compétence de lecture littéraire : l'activité de problématisation dans la lecture analytique des textes (quelle que soit leur longueur) est-elle une démarche adéquate et performante pour permettre aux lycéens de construire avec la liberté nécessaire leurs compétences de lecture littéraire ?
Can reading literature be viewed as problem building and can it help high-school students get involved in encountering, getting familiar with, written works and acquiring critical skills? This is what this doctoral research defends within the theoretical framework of problematization (Fabre, Orange) and in the perspective of the theory of the subjective reader. This research first questions the presence of the paradign of the problem in the field of teaching French along with its links with the current methods of literature reading in high school: what does setting a problem about a text mean and is there a specific way to problematize one’s thinking in the field of Literature studies? It assumes that the problem-building process may be a relevant method of reconfiguring the text by the student, and that it may shed light on the links between subjective impressions and objectifying reading. This work then puts this hypothesis to the test. With the help of recordings of class activities at Première and Seconde levels and post-lesson interviews of students and teachers, it analyses students’ language interactions using problematization’s lozenge and provides elements likely to generate the activity of problematization as well as certain prerequisites to its triggering student involvement and the development of literary reading skills. Finally it analyses a survey carried out with French departments in two schools experimenting on how they guide students through their encounter of texts, and offers a few recommendations, particularly as to adopting an ethical approach, training teachers and anchoring written works in the students’ memory

Ce travail de thèse se focalise sur l'écrivain anglais John Ronald Reuel Tolkien et sur son oeuvre littéraire. Celle-ci est composée de plusieurs écrits et surtout des romans The Hobbit (1936) et The Lord of the Rings (1954-1955). L'intention que Tolkien avait au début de sa carrière littéraire était la création d'une mythologie pour son pays, l'Angleterre. Cette profonde ambition primaire s'unit à sa passion de jeunesse pour les langages imaginaires et à sa profession de philologue et d’enseignant d ’anglo-saxon à l’université d’Oxford. La Terre du Milieu, le monde que Tolkien dessine pour sa mythologie, devient alors le lieu où ses contes, qu'il définira de contes de fées, se déroulent et où ses langages peuvent se développer. Nous allons démontrer dans ce travail, qui est formé de trois parties, la pertinence de l’oeuvre de Tolkien dans le contexte de la littérature contemporaine et le fait que sa production littéraire implique plusieurs éléments qui relient mythologie, philologie, fantaisie et modernité. Nous nous concentrons sur certains aspects thématiques de la littérature européenne qui ont inspiré la création mythologique par Tolkien. La deuxième partie du travail encadre le point de vue linguistique au sein de l’oeuvre de Tolkien. Finalement, la troisième partie a la fonction de résumer les aspects précédents et d'analyser la théorisation des contes de fées par Tolkien, tout comme il la développe dans son célèbre essai "On Fairy-Stories", pour conclure avec la réception critique que notre auteur a reçue dans le monde moderne et contemporain, et qui lui a aussi permis d’être l’un des auteurs les plus lus et influents du XXe siècle
This thesis focuses on the English writer John Ronald Reuel Tolkien (1892-1973), the famous author of The Lord of the Rings. Tolkien’s literary work gathers many writings, stories and two famous novels, such as The Hobbit (1936) and The Lord of the Rings (1954-1955), that achieved a great succes all over the world. At the beginning of his literary career Tolkien aimed at the creation of a mythology to his country, England. This ambition was matched with his juvenile passion of inventing languages and his profession as a philologist and Anglo-Saxon teacher at Oxford University. Middle-earth, Tolkien’s secondary world, becomes the place where his fairy tales occurs and his languages may develop. This work shows how Tolkien’s work fits in the context of contemporary literature and that his production involves many elements collecting mythology, philology, fantasy and modernity.It consists of three parts: in the first part, some of the themes and the mythological sources of Tolkien’s tales are analyzed, in particular the Finnish sources, the Medieval and poetic ones. Thesecond part, the linguistic matters concerning Tolkien's work are taken into consideration and, in particular, the way how languages may create a world and the relation between reality and the perception of such reality, which will inevitably influence the language referred to it.Finally, in the third part, the Fairy element, which is one of the bases of Tolkien’s work is discussed, as well as the reception of our author, both from the critique point of view and the audience one, so as to demonstrate why he may be considered as one of the greatest writers of the twentieth century

La musique a beaucoup influencé l’écriture de Michel Butor, dont les œuvres traduisent bien souvent dans l’art littéraire des structures musicales, comme celles du contrepoint (fugue, thème et variations), de la musique sérielle ou du jazz. Ce travail a l’ambition de montrer la métamorphose de ces structures musicales dans les textes, tout particulièrement complexe lorsqu’il s’agit de traduire la simultanéité inhérente à la polyphonie musicale.Cette pratique musicale de l’écriture bouleverse les structures littéraires conventionnelles, s’associant ainsi aux innovations caractéristiques du Nouveau Roman (changements fréquents de narrateur, fragmentation du récit) et proposant aussi de nouvelles contraintes qui mènent l’écriture à des formes inédites : concerts-conférences, formes mobiles, œuvres radiophoniques. Cela transforme aussi notre perception du temps, non plus linéaire mais cyclique, ainsi que nos habitudes de lecture en nous impliquant dans la construction de l’œuvre.Enfin, l’influence de la musique permet de créer ce que j’ai nommé des cosmos culturels, inventant des connexions entre des cultures éloignées les unes des autres dans le temps ou l’espace, dans un geste d’hospitalité et de générosité caractéristique de l’œuvre butorienne. L’écrivain propose souvent de voir dans cette hospitalité littéraire un modèle éthique, voire politique. Les différents genres littéraires pratiqués par Michel Butor sont étudiés à travers quelques œuvres qui témoignent des diverses modalités de l’influence musicale sur l’écriture de Michel Butor : le roman, les œuvres mobiles, les dialogues avec des œuvres d’art, l’opéra Votre Faust et les récits de rêve sont rapprochés de tendances musicales familières à l’écrivain
Music has much influenced the writing of Michel Butor whose works often translate musical structures into literary art. These can be the counterpoint (fugue, theme and variation), serial music or jazz. This way of working shows the metamorphosis of these musical structures in the texts, particularly complex when the writer has to translate the simultaneousness inherent in musical polyphony. This musical practise of writing upsets the conventional literary structures, thus associating with innovations which characterise the Nouveau Roman (frequent change of narrators, fragmentation of the narrative) and also proposing new constraints that lead the writing into novel forms: conference-concerts, mobile forms, radio works. This practise also modifies our reading habits, compelling the reader to be responsible for the construction of the work and our perception of time which is no longer linear but cyclical. Lastly, the influence of music enables to create what I have called cultural cosmoses, inventing connections between cultures usually isolated in time or space, in a gesture of hospitality and generosity which is characteristic of the works of Michel Butor. The writer sees this literary hospitality as an ethic, or politic model. The different literary genres practised by Michel Butor are studied through a few works which testify to the various modalities of the musical influence on the writing of Michel Butor: the novel, the mobile works, the dialogues with art works, the opera Your Faust and the narrations of dreams are related to the musical trends familiar to the the writer

Étude onomastique du prénom Yvette dans quelques oeuvres littéraires françaises et québécoises parcourt les vicissitudes du prénom Yvette de 1884 à 1993, la remarquable popularité de ce prénom dans les années 1920 au Québec comme premier choix des parents pour leurs nouveau-nées, sa décroissance et finalement, sa disparition complète en 1980. Notre point de départ est la discorde soulevée par Lise Payette, alors ministre responsable du statut de la femme et membre du Parti Québécois en 1980, désignant la femme du Premier ministre Claude Ryan par le prénom Yvette. Ce mémoire analyse l'usage de ce prénom dans deux nouvelles françaises, quatre romans québécois de langue anglaise ainsi qu'un roman et trois pièces de théâtre québécois de langue française. Les ouvrages les plus significatifs dans ce corpus à l'étude sont : Yvette de Guy de Maupassant, The Apprenticeship of Duddy Kravitz de Mordecai Richter et L'Impromptu d'Outremont de Michel Tremblay. Cette recherche démontre que le prénom Yvette a d'importantes origines européennes et françaises et que dès la fin du XIXe siècle et le début du XXe siècle, ce prénom a été maintes fois associé à des valeurs comme la jeunesse, la beauté, l'innocence, le romantisme, l'abandon de soi et la dévotion filiale et familiale. Au milieu du XXe siècle, les auteurs de langue anglaise associent le prénom Yvette à l'image stéréotypée de la Québécoise de souche. À l'inverse, les auteurs québécois de langue française insistent pour leur part sur le côté démodé de ce prénom qui se répercute en l'absence significative de celui-ci dans la littérature québécoise de langue française.