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Dissertations / Theses on the topic 'Oeuvres – Danse'
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1
Jourdan, Gledel Marie Françoise. "Jean Cocteau : danse et poésie." Rennes 2, 1998. http://www.theses.fr/1998REN20018.
Full textAbstract:
Jean Cocteau, poète aux écritures multiples, intègre très tôt l'art chorégraphique dans sa création poétique. Ainsi, réalités quotidiennes sublimées, décalages rythmiques, figures emblématiques et autres thèmes ou motifs récurrents se répondent de poésies en ballets. Cette interaction danse poésie a un retentissement certain dans son oeuvre, lui assurant une profonde cohésion. La poésie devient chez Cocteau une force vitale imprégnant le monde, force que seul le poète medium peut capter. Puisant aux diverses sources du mysticisme, jean Cocteau développe une vision d'un univers pluridimensionnel de mondes emboîtés à l'infini, abolissant toute notion de temps, simple reflet de l'emboîtement des espaces. Hésitant entre secret et explications, l'attitude paradoxale de Cocteau déroute la critique et donne naissance a de nombreux malentendus. Cocteau, fascine par la création chorégraphique, perpétue pourtant à sa manière une tradition française du ballet théâtre. A son exemple d'autres écrivains (Claudel, Cendrars, Picabia, Valery, Gide) vont tenter l'aventure et ce mouvement, particulièrement manifeste dans l'entre-deux guerres ravive les questionnements sur la relation entre danse et poésie et sur la pureté en art<br>Jean Cocteau, poet with numerous types of writing, very early integrated choregraphic art into his poetic creation. That way sublimated daily reality, symbolic characters and many other recurrent themes and patterns can be found again and again both in his poems and ballets. This interaction between poetry and dance had definite repercussions in his works leading to a deep cohesion. Poetry became in Cocteau's works a strength that filled the whole world and that only the poet as a medium could fully grasp. Drawing from the various sources of mysticism, Cocteau develops a view of a 'pluridimensional' universe made of worlds that endlessly fit together, abolishing the concept of time, reflecting merely the interlocking of space. Vacillating between secrecy and explanations, Cocteau's paradoxical choices dismayed the critics and gave birth to many misunderstandings. And yet in his own way Cocteau, fascinated by the choregraphic creation, carried on the French traditions of 'ballet-theatre'. Following his example, other writers (Claudel, Cendrars, Picabia, Valery, Gide) tried the adventure and this movement which was most patent between the two wars reopens the debate on the relation between dance and poetry and on the purity in art
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Habig, Claire. "Mouvement et musique, partance et partition dans les oeuvres de Jacques Réda, Guy Goffette et Jean-Michel Maulpoix." Thesis, Strasbourg, 2016. http://www.theses.fr/2016STRAC012/document.
Full textAbstract:
Cette étude vise à montrer le lien entre mouvement et musique dans les œuvres de Jacques Réda, Guy Goffette et Jean-Michel Maulpoix. Leurs textes sont traversés par toutes sortes de déplacements, aussi insatisfaisants que complexes puisque départ et retour se mêlent au point dedevenir interchangeables. Entravés ou contraints d’avancer, les poètes rêvent de s’établir dans un entre-deux : entre mobilité et immobilité, entre départ et retour, entre ici et ailleurs. La partance est le moyen qu’ils trouvent pour concilier les opposés et partir tout en restant. C’est grâce à la musique et à la transposition d’éléments propres à cet art qu’ils parviennent à mener à bien ce paradoxal mouvement de surplace. En effet, par la mise en œuvre d’une partition ils déclenchent une efficace partance. La langue musicale se fait alors pleinement un moyen de transport. Véhicule et émotion, elle débouche sur des épisodes de danse où se réalise l’alliance du mouvement et de la musique<br>This study tries to show the connection between movement and music in the works of Jacques Réda, Guy Goffette and Jean-Michel Maulpoix. Many kinds of complex and disappointing movements go accross their texts, and way off and way back are so intermingled that they become interchangeable. Trapped or forced to move forward, the poets dream to live between mobility and immobility, departure and return, here and away. The partance is the way they found out to reconcile the opposite and go away while they stay. Thanks to the music and to the transposition of its elements, they succeed in leading this paradoxical and motionless movement. With the writing of a score – partition – they cause an efficient partance. Their musical language becomes a means of transport. Vehicle and emotion, it leads to danse scenes where the alliance of movement and music shows through
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Marquié, Hélène. "Métaphores surréalistes dans des imaginaires féminins : quêtes, seuils et suspensions : souffles du surréel au travers d'espaces picturaux et chorégraphiques : parcours dans les oeuvres de Leonora Carrington, Leonor Fini, Dorothea Tanning, Martha Graham, Doris Humphrey et Carolyn Carlson." Paris 8, 2000. http://www.theses.fr/2000PA081713.
Full textAbstract:
Le propos est de mettre en lumiere au travers des univers de trois femmes peintres proches du surrealisme leonora carrington, leonor fini, dorothea tanning -, et de trois choregraphes et danseuses contemporaines martha graham, doris humphrey, carolyn carlson -, des correlations en terme de processus et de dynamismes createurs, ainsi que de contenus. De relever des projets et des trajets paralleles ou convergents, dans la facon dont l'imaginaire se constitue et se realise. De reperer, dans la mise en oeuvre de principes similaires, les expressions differentes resultant de la specificite de chaque art, pictural ou choregraphique. Ces processus sont rapportes au surrealisme, non pas en tant que mouvement historique, mais en tant qu'esthetique et ethique, pensee dialectique qui refuse de separer le reel de l'imaginaire, la poetique de la politique. Deux perspectives servent a eclairer le champ etudie et a faire surgir des questionnements. Celle de la danse, qui definit une attitude esthetique et critique a partir du champ choregraphique, en termes de mouvements et de processus. Une perspective feministe qui tient compte de la specificite de l'experience creatrice des femmes au sein decadres referentiels et contextuels dont les structures appartiennent a un systeme qui organise des rapports de domination des hommes sur les femmes. Le surrealisme offre ici un champ specifique et paradoxal ou ces structures revetent une forme particuliere, les rapports restant fondamentalement inchanges. Il s'agit donc de questionner certains referents, et de voir de quelle facon ils sont mis enjeu, ou de-joues par les femmes artistes.
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Le, Boulba Pauline. "les bords de l’œuvre : réceptions performées & critiques affectées en danse." Thesis, Paris 8, 2019. http://www.theses.fr/2019PA080011.
Full textAbstract:
Cette recherche-création s’est déployée autour d’une réflexion sur la réception en danse et sur les modes de partage de celle-ci. Prenant à rebrousse-poil une histoire de la critique de danse qui juge et évalue, j’ai tenté de privilégier des démarches qui viennent perturber, troubler et brouiller les frontières entre création et réception. La première partie de ce travail consiste à trois analyses d’œuvres chorégraphiques : Une hypothèse de réinterprétation de Rita Quaglia (2009), histoire(s) d’Olga de Soto (2004) et enfin Admiring la Argentina de Kazuo Ôno (1977). Ces trois pièces révèlent trois manières de regarder des œuvres, trois manières de parler des/aux œuvres, trois manières de répondre à une danse en dansant. Les trois œuvres analysées en première partie se distinguent par l’importance qu’elles accordent à la subjectivité comme vectrice de savoirs (perceptifs et cognitifs). Ainsi, à la « réception performée » s’ajoute le terme de « critique affectée » pour compléter ma réflexion. Celle-ci désigne autant le caractère subjectif au sein des objets étudiés, que ma manière d’être à mon tour touchée et prise par les objets et personnes que j’ai observé·e·s ces dernières années. La critique affectée concerne également les parcours de deux critiques de danse — Laurence Louppe (1938-2012) et Jill Johnston (1929-2010) — qui constituent le centre d’attention de ma deuxième partie. À travers leurs pratiques critiques distinctes, il m’importe de questionner un héritage dont je souhaite me défaire ou au contraire que je désire faire mien. Cette recherche a été une progressive mise en abyme de mon regard de spectatrice et de différents modes de travail en tant qu’artiste-chercheure. Elle rend compte d’une multiplicité de formats — journal de bord, fragments critiques, analyses d’œuvres et analyses de pratiques, matériaux de performance — comme autant de points de vue sur une œuvre. À ce travail écrit, s’ajoute un temps performatif lors de la soutenance<br>This practice-based research developed from questioning reception of dance and manners of sharing this experience. In venturing countercurrent to a history of dance criticism which bears judgment and makes assessments, I attempted to favor initiatives which disrupt, disturb and blur the borderlines that settle between creativity and reception. The first chapter of this research focuses on the analysis of three choreographic works: Une hypothèse de réinterprétation by Rita Quaglia (2009), histoire(s) by Olga de Soto (2004) and Admiring La Argentina by Kazuo Ohno (1977). Each of these pieces offer three different perceptions of artworks, three ways of speaking about/with artworks, three ways of answering to dance by dancing. The three works analyzed in the first chapter are characterized by the importance they grant to subjectivity as a vector of (perceptive and cognitive) knowledge. Thus, introducing the term “affected critique” to the term “performed reception” implemented the scope of my analysis. This term elects both the subjective dimension within these objects and my personal relationship to the works and people which have moved and “possessed” me over the course of my observations these past years. “Affected criticism” also arises from research on the careers of two dance critics – Laurence Louppe (1938-2012) and Jill Johnston (1929-2010) – which form the core of my second chapter. Through the particularities of their critical practices, I cared to question a heritage from which I wished either to differentiate myself or on the contrary to adopt and develop as my own. This research consequently developed as a progressive mise en abyme of my personal gaze as spectator and of the different ways of working as an artist and researcher. This dissertation therefore tries to embrace and account for the multiple shapes – journal entries, fragments of critical writing, analysis of artworks and artistic practices, performance material – that form as many standpoints from which to observe a body of work. A performative moment will prolong the written work of this research during the submission
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Borsaro, Brigitte. "Le Théâtre de Jean Cocteau et l'esthétique du cirque et du music-hall." Montpellier 3, 1995. http://www.theses.fr/1995MON30007.
Full textAbstract:
Souvent devisagees, rarement envisagees, la personne et l'oeuvre de jean cocteau ont suscite de nombreux commentaires. Or la partie theatrale de cette creation aux diverses facettes n'a pas veritablement eveille l'interet des exegetes. D'importances zones d'ombre subsistent autour d'une oeuvre couvrant pourtant toute la premiere moitie du xxeme siecle. Multiples sont les projets et les realisations dont l'histoire a perdu ou transforme la memoire : plus de trente ans apres la mort du poete, une page de l'histoire de son theatre restait encore a ecrire. Jean cocteau a des le debut lie les destinees de son theatre a celles du cirque et du music-hall : de l'adaptation du songe d'une nuit d'ete (1913-1915) a orphee (1926) ces arts etablissent un lien a la fois technique et thematique entre des spectacles ou entrent egalement en scene des peintres (picasso, jean hugo, irene lagut) et des musiciens (stravinsky, satie, le groupe de six). Veritables evenements artistiques, les premieres donnerent souvent lieu a des scandales largement rapportes et commentes par la presse du temps. Omnipresents dans les oeuvres de jeunesse, elements fondateurs d'un theatre essentiellement visuel, le cirque et le music-hall disparaissent au fur et a mesure que jean cocteau perfectionne sa technique theatrale et elabore sa propre mythologie. Tout en conservant les acquis du passe, le poete se tourne peu a peu vers un theatre qui renonce a privilegier les aspects visuels : la recherche textuelle l'emporte progressivement sur la recherche scenique<br>Often stared, rarely considered, the personality and works of jean cocteau have generated many comments. The theatrical part of his works in all its diversity hasn't really aroused the interest of his followers. There are still areas of obscurity around his works covering half the twentieth century. There are many projects and achievements, the memory of which history has lost or changed : more than thirty years after the death of the poet, a page of his theatre's history still remains to be written. From the start, jean cocteau linked the destinies of his theatre to those of the circus and the music-hall : from the adaptation of a midsummer night dream (1913-1915) to orphee (1926) those arts establish a link both technical and thematic between shows equally involving painters such as picasso , jean hugo, irene lagut and musiciens like stravinsly, satie, le groupe des six. True artistics events, the premieres often gave raise to scandals widely reported ans commentated in the current newspapers. The circus and the music-hall were omnipresent in his first works, and were alos elements in the fouding of a theatre mainly visual. However, the circus and music-hall disappeared just as jean cocteau perfected his theatrical technique and elaborated his own mythology. While conserving his past skills the poet went slowly howards a theatre wich didn't give priority to visual aspects : the textual research progressively taking over the scenic research
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Sahuc, Janine-Claude. "Kate Millett : oeuvres et mythes." Paris 7, 1985. http://www.theses.fr/1985PA070116.
Full text
7
Iacovo, Ludovic. "Le regard d'Hypnos ou le sommeil des oeuvres d'art." Aix-Marseille 1, 2009. http://www.theses.fr/2009AIX10110.
Full textAbstract:
La représentation du sommeil dans les oeuvres d'art semble interrompre par sa radicalité le mouvement même de la représentation en général qui n'est plus alors le signe d'un au-delà à venir. L'image indicielle au lieu d'apparaître en filigrane se fait aussi bien pure présence laissée à elle-même, ne renvoyant à rien d'autre que soi. Ici, la figure du sommeil s'impose comme une figure limite où la discursivité de la pensée est comme happée par la consistance même de l'image. Le temps, le langage, le récit, l'interprétation semblent basculer dans une sorte d'arrière-monde qui n'appartient plus tout à fait à l'oeuvre. La pensée touche à une sorte de stupéfaction immense où ce qui "est" précède sa compréhension logique. L'oeuvre d'art fait événement et s'impose au regard comme si ce dernier devenait celui du dieu Hypnos lorsqu'il contemple le monde onirique dans lequel il vit, là où le réel ne fait plus qu'apparaître. La réalité esthétique de l'oeuvre d'art ne pourrait être alors que son sommeil.
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Liazidi, Hamid. "Les oeuvres de Zakes MDA : Idéologie, dramaturgie et théâtralité." Nice, 1997. http://www.theses.fr/1997NICE2018.
Full textAbstract:
Le but de ce travail est de déterminer les spécificités idéologiques et esthétiques ainsi que les traits distinctifs de l'écriture de MDA par rapport à celle des autres écrivains noirs sud-africains. Afin de démontrer le caractère novateur et distingue de l'œuvre de MDA, nous avons opté pour une approche éclectique et comparative. La première partie de notre recherche est consacrée au rapport entre la dramaturgie et l'engagement de MDA. Elle montre, d'une part son idéologie libérale et modérée dans l'analyse du thème de l'oppression-libération, et d'autre part l'emploi d'une diversité de techniques pour médiatiser le discours et les situations dramatiques. Contrairement à la prédominance de l'idéologique sur l'esthétique dans l'œuvre panafricaniste, MDA les maintient constamment en équilibre. La deuxième partie porte sur les composantes structurales et techniques de l'œuvre de MDA. Elle démontre son esprit avant-gardiste, son innovation, et sa contribution à l'évolution de la dramaturgie sud-africaine. MDA a adapté les techniques empruntées à la dramaturgie et la pensée modernistes au contexte socio-politique en Afrique du sud. Par ailleurs, son insertion des éléments de la culture traditionnelle est destinée à diversifier les thèmes et les situations plutôt que de construire une dramaturgie indigen<br>The objective of this work is to determine the ideological and esthetic qualities as well as the distinctive features of mda's works by comparison to those by the other black south african writers. We have provided an ecclectic and comparative approach in order to demonstrate mda's innovation and distinction. The first part is devoted to the relation between mda's mode of writing and commitment. It shows on the one hand mda's moderate and liberal thought in his analysis of the theme of oppression-liberation and on the other hand his use of various techniques in order to mediate dramatic discourse and situations. The predominance of the ideological properties on the esthetic ones in the panafricanist works stands in contrast to the constant balance mda maintains. The second part focuses on the structural and technical components of mda's works. It demonstrates his avant-gardiste thought, his innovation and contribution to the evolution of the south african writing. MDA has adapted the techniques borrowed from the modernist tradition to the socio-political context in south africa. His implementation of elements from the traditional culture is intended to create a diversity of themes and situations rather than to construct an indigenuous dramatic theory
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Scharf, Fabian. "L'Utopie dans les dernières oeuvres d'Émile Zola (1898-1903)." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040254.
Full textAbstract:
Cette recherche est consacrée au développement de la pensée utopique dans les dernières oeuvres d’Émile Zola : « Paris (1898) », « Fécondité » (1899), « L’Ouragan », « Travail » (1901), « L’Enfant roi », « Sylvanire ou Paris en amour » (1902), et « Vérité » (1903). La société idéale selon Zola s’annonce dès les « Contes à Ninon » (1864), les premiers romans et « Les Rougon-Macquar »t. Dans Paris, la pensée utopique se fait sentir dans les discours idéologiques et polémiques qu’engage le héros fondateur, qui s’oppose à la société décadente de la fin du XIXe siècle. Dans « Fécondité », les Froment fondent une ferme idéale et des colonies en Afrique. Dans « Travail », Luc Froment construit la Cité heureuse du XXe siècle par laquelle Zola imagine une utopie technique, scientifique et artistique. Dans « Vérité », son dernier roman, l’écrivain ébauche l’école de l’avenir. Finalement, nous étudions les idées natalistes et eugéniques de Zola et les influences fouriéristes, anarchistes et collectivistes sur ses derniers romans<br>This research is dedicaded to the development of utopian thought in Emile Zola’s last works : “Paris” (1898), “Fécondité” (1899), “L’Ouragan”, “Travail” (1901), “L’Enfant roi”, “Sylvanire ou Paris en amour” (1902), and “Vérité” (1903). Zola announces his ideal society in first tales (“Contes à Ninon”, 1864) and novels and in his “Rougon-Macquart” series (1871-1893). In “Paris”, utopian thought starts from the ideological and polemical discourses engaged by the founding hero Pierre Froment, who opposes the decadent society of the end of the 19th century. In “Fcondité” the Froment family founds an ideal farm and colonies in Africa. In “Travail”, Luc Froment builds the City of Felicity of the 20th century by which Zola imagines a technological, scientific and artistic utopia. In “Vérité”, the author develops an educational program for the future. Finally, we are analyzing Zola’s eugenic ideas and the influence on his last novels by Charles Fourier as well as by anarchist and collectivist thinkers
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Chun, Jong-ho. "La nature et la grâce dans les oeuvres de Prévost." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040050.
Full textAbstract:
Notre étude consiste à analyser les pensées morales de l’abbé Prévost, concernant l'éducation en examinant particulièrement les thèmes de la nature et de la grâce dans ses deux romans, les Mémoires et aventures d'un homme de qualité et Cleveland. Les romans de Prévost sont didactiques et théologiques. Sa conception de la nature humaine est étroitement liée à celle de l'augustinisme et ses héros sont porteurs de valeurs morales et religieuses qui représentent la condition humaine. Au début de ses romans, Prévost présente un 'élève de la nature' qui est un homme avant l'état de chute. Ses romans débutent au moment de l'entrée de ce héros dans la vie sociale, ce qui correspond à la transition de l'état de l'Eden à l'état de chute. Il décrit principalement la condition de l'homme tombe dans cet état. Ces héros sont marqués par la hantise d'un péché originel, par la nature déchue et par la concupiscence. Ce qui est également très important, c'est la présence de la grâce. Nous pouvons relever dans ces romans de nombreux éléments miraculeux pour convertir le héros, et la grâce divine apparait souvent sous le masque des mentors. Pour sauver l'âme déchue dans l'état de chute, et pour protéger l'innocence naturelle contre la puissance du péché originel, Prévost insiste sur l'importance de l'instruction donnée par les mentors. Nous trouvons donc dans ses romans, l'appel de la nature marquée par le péché, et l'appel de la grâce<br>Our study consists in analyzing moral thoughts of abbe Prevost, concerning education by examining particularly themes of the nature and the grace in his two novels, the Memoires et aventures d'un homme de qualite and Cleveland. The novels of Prevost are didactic and theological. His concept of the human nature is closely linked to the augustinism and his heroes are bearers of moral and religious values who represent the human condition. In the beginning of his novels, Prevost presents a 'pupil of the nature' who is a man before the state of fall. His novel starts at the moment of the entry of this hero in the social life, which corresponds to the transition from the state of eden to the state of fall. He mainly describes the condition of the man fallen in this state. These heroes are marked by the obsession of an original sin, by the fallen nature and by the concupiscence. What is very important, it is the presence of the grace. We can find in these novels many miraculous elements to convert the heroes, and the divine grace appears often under the mask of the mentors. To save the fallen soul in the state of fall and to protect the natural innocence against the force of the original sin, Prevost insists on the instruction given by the mentors. Therefore, we can find in his novels, the call of the nature marked by the original sin and the call of the grace
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Hatano-Chalvidan, Maude. "Dires sur l'interdisciplinarité : la référence à l'interdisciplinarité dans le dicours de chercheurs en "sciences exactes"." Paris, CNAM, 2008. http://www.theses.fr/2008CNAM0620.
Full textAbstract:
The academic research field has remained strongly organised along disciplinary lines. At the same time, words like interdisciplinarity, multidisciplinarity, transdisciplinarity started to make their way through. Although everyone today uses this vocabulary, no one actually knows what these words stand for. Epistemological debates point out to the following. At the same time, words like interdisciplinarity, multidisciplinarity, transdisciplinarity started to make their way through. Although everyone today uses this vocabulary, no one actually knows what these words stand for. Epistemological debates point out to the following paradox : although this vocabulary is regularly used in many academic fields, yet it has to be clearly defined. The present study will focus on these words that researchers use to describe their activities. 21 interviews were done. Referring to their analysis, we try understanding how researchers might also attach an additional meaning to this vocabulary. In using it, they ’tell’ about theirs professional activities in the research field. They talk about their career,professional activities and also about their working space and their place in the scientific field. This study suggests three ways of thinking and imaging the figure of interdisciplinary in the research field. And it accounts for functions and significations of those in researcher’s<br>Les établissements publics de recherche ainsi que les activités scientifiques se structurent selon des spécialités institutionnelles et disciplinaires. Parallèlement, les usages de la terminologie construite autour de la figure sociale de l’interdisciplinarité, se multiplient. Les notions d’interdisciplinarité, de pluridisciplinarité ou de transdisciplinarité sont de plus en plus employées pour qualifier des activités scientifiques mais également fortement mobilisées tant par les organisations que par les acteurs de la recherche. Elles font pourtant l'objet de nombreux débats épistémologiques et praxéologiques. A partir de la conduite de 21 entretiens, nous avons analysé les discours des chercheurs pour comprendre la manière dont ceux-ci investissent et s'approprient "l'interdisciplinarité" dans la desription qu'ils font de leur pratique de recherche. En disant "faire de l'interdisciplinarité", ils présentent d'une certaine manière leurs activités, leur parcours professionnel, leur espace de travail et affichent également un positionnement particulier dans le champ scientifique. Cette recherche a pour objectif de montrerr les significations et fonctions que prend l'interdisciplinarité dans le discours des chercheurs. Elle met à jour trois façons différentes d'investir et de concevoir la figure de l'interdisciplinarité scientifique
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Cheng, Fong Ping. "La variation dans les oeuvres de Marguerite Duras." Paris 8, 1999. http://www.theses.fr/1999PA081602.
Full textAbstract:
Cette these traite de l'oeuvre de marguerite duras et de son rapport a la musique. Le travail conduit sous la direction de madame beatrice didier, professeur a l'universite de paris viii, s'appuie sur divers articles parus dans corps ecrit/repetition et variation' qui evoquent la profonde influence de la musique dans l'oeuvre durassienne. Cette fusion pourrait correspondre a la quete personnelle de marguerite duras qui a toujours tente de se degager d'un instrument d'expression traditionnel et dont le desir etait de << detruire >> l'ecriture pour exprimer l'effacement de l'auteur en faveur de l'oeuvre seule. C'est une ecriture constamment dominee par des emprunts aux compositions et aux tonnes musicales. Emprunts que l'on a tente d'identifier methodiquement. Tantot dans la forme, et on parle alors a propos de ses oeuvres, de sonates, de fugues. Tantot dans l'analyse du mouvement general, du temps et de la duree. Nous en avons aussi interroge la structure romanesque et souligne la recurrence de themes majeurs que marguerite duras evoque avec insistance et repetition. Elle interroge constamment la douleur, l'amour blesse, la folie, qui la preoccupe profondement. La variation, semble des lors. La forme qu'elle va favoriser, car elle est la plus adaptee a l'expression des ses pensees et de ses emotions. La variation est <<a form in which successive statements of a theme are altered or presented in altered settings. The theme may range in length from a short melodie motif or harmonie scheme to a complete melody of one or more strains. It may be repeated more or less intact throughout the variations in the manner of an ostinato or cantus firmus, in which case it is the accompanying parts that change; or it may itself be altered in a series of varied statements. >>, elle est cependant une forme d'ecriture qui se nourrit d'elle-meme et revient sur elle-meme perpetuellemment. En ce sens. Elle vehicule l'expression de la folie et de la douleur emprisonnees dans un langage enferme et obsedant. Recreant scrupuleusement l'univers durassien. Ces emprunts a des techniques musicales repondant a des regles rigoureuses, organisent le cadre de son expression. Cependant, en depit de la rigueur de cette ecriture convenue, elle a su degager une musicalite personnelle. Jouant de ces regles, elle a trouve des silences, cree des vides, degage des tonalites constituant ainsi une ecriture
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Raissi, Lobna. "Pédagogie dans les oeuvres de Madame d'Epinay." Nice, 2011. http://www.theses.fr/2011NICE2009.
Full text
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Court, Jean-Michel. "L'orchestration dans les oeuvres symphoniques de stravinsky." Aix-Marseille 1, 2000. http://www.theses.fr/2000AIX10020.
Full textAbstract:
L'etude des oeuvres symphoniques de stravinsky permet d'etablir certains liens de filiation avec rimsky-korsakov. La comparaison, par le biais du traite d'orchestration de rimsky-korsakov, des techniques d'instrumentation des deux compositeurs en fait apparaitre les points communs et les divergences. Dans la premiere partie, on aborde les rapports de la melodie, de l'harmonie, du rythme et de l'architecture formelle avec l'orchestration. Dans la seconde, ce sont les particularites du style orchestral de stravinsky qui sont etudiees, a travers l'analyse des combinaisons instrumentales. Si le compositeur respecte la plupart des conventions de l'orchestration romantique, il parvient, par une poetique originale du timbre, a s'ecarter subtilement du modele que lui a legue son maitre. Les dispositions spatiales specifiques, les artifices d'ecriture, le contrepoint instrumental, les decalages entre la logique du discours musical et celle de l'instrumentation brouillent la perception des timbres et concourent a l'elaboration de sonorites caracteristiques de l'esthetique stravinskienne. L'ecriture instrumentale se definit chez stravinsky comme une adaptation des canons de l'orchestration tels qu'ils sont definis par rimsky-korsakov; mais stravinsky detourne l'objet musical, le deforme, en modifie les contours : le jeu avec le modele est une etape signifiante du processus de composition.
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Song, Ki-Jeong. "L'organisation familiale dans les oeuvres de Colette." Paris 3, 1985. http://www.theses.fr/1985PA03A104.
Full text
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Desautels, Claudine. "L'utilisation des oeuvres d'art dans la publicité." Master's thesis, Université Laval, 1995. http://hdl.handle.net/20.500.11794/22978.
Full text
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Texsier-Pauleau, Marie-Hélène. "L'eau et la mer dans les oeuvres de Marguerite Duras." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1996PA040165.
Full textAbstract:
L'eau et la mer apparaissent dans toutes les œuvres de M. Duras comme les éléments immuables du décor. Le paysage est interchangeable, il varie selon les climats, les latitudes et les saisons mais toujours il se tient dans un espace délimité par la mer et les cours d'eau. Sous des formes très variées, les eaux envahissent le territoire romanesque et influencent le style aussi bien au niveau du rythme que du lexique. Les eaux vives jouent également un rôle important sur le déroulement de l'action, elles guident les personnages dans les étapes décisives de leur vie, traduisent leurs états d'âme et illustrent leurs comportements sociaux. Le réel se révèle toutefois source de désillusion et les personnages se réfugient dans un univers symbolique qui tend à reproduire l'Eden perdu. La vie aquatique matricielle et intemporelle leur offre un modèle pour exprimer leur idéal. Les images marines témoignent donc d'une aspiration spirituelle qui donne aux textes leur dimension poétique, elles sont la marque la plus personnelle de l'imaginaire de l'auteur<br>Water and sea appear in the works of M. Duras as permanent elements of the background. The landscape may change with the climate, the place or the season but it always includes sea or stream. In various forms, water overruns the narrative area and influences the style, from the rhythm to the vocabulary. Running water plays also an important part in the progress of plots; it guides characters through the decisive steps of their life, conveys their frame of mind and reflects their social behavior. But reality occurs to be a source of disenchantment and characters shelter in a symbolic world which aims to restore the lost Eden. The aquatic life, original and timeless, offers them a model to express their ideal. So, the evocation of the sea displays a spiritual desire and gives a poetical dimension to the texts, it is the most typical sign of the writer's imagery
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Cuisinier-delorme, Samuel. "Danse cosmique, danse tragique : mort et renaissance de l'anatomie chorégraphiée dans le répertoire shakespearien." Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2013. http://www.theses.fr/2013CLF20014.
Full textAbstract:
Le théâtre de la Renaissance est un art hybride : la scène est un lieu composite où se mêlent et se côtoient jeu dramatique, musique et chorégraphie. L’œuvre de Shakespeare ne déroge pas à cette règle, et le dramaturge intègre naturellement la danse à ses pièces : d’abord créatrice d’images métaphoriques dans les pièces historiques, elle est ensuite régulièrement exécutée sur scène à partir de Roméo & Juliette et sa célèbre scène de bal. Elle culmine dans le Songe d’une nuit d’été où, en plus d’occuper le plateau, elle contamine le texte et fournit un canevas à la pièce.Dès lors, dépasser la fonction esthétique de la danse permet de comprendre comment, inscrite au cœur même de l’architecture des pièces, elle en structure la diégèse et, d’après les termes empruntés à Anne Ubersfeld, « met en lumière [s]es noyaux de théâtralité2 » afin d’accéder à un schème plus profond de la construction diégétique shakespearienne. Lorsque la danse en tant qu’esthétique ornementale s’efface de la mise en scène, elle (ré)apparaît sous forme verbale : ce n’est plus le corps mais le langage qui assure sa présence, jusqu’à lui donner une valeur hautement symbolique. Les réseaux sémantiques se structurent-ils alors sous forme de danse cosmique, expression de l’harmonie à la Renaissance ? Ou, à l’inverse, la discorde les transforme-t-elle en danse tragique ? L’objectif de ces travaux repose sur l’analyse des différentes strates du texte qui,de l’exécution scénique à sa dimension symbolique (c’est-à-dire de la strate la plus concrète à la plus abstraite), font de la danse une « matrice textuelle de représentativité. »<br>This dissertation explores the use of dance in William Shakespeare’s works,from stage performance to the highly symbolical value of choreography. Most of his plays refer to dance, and it is included in more than a dozen works. In Elizabethan and Jacobean times, dancing was a necessary accomplishment for actors,for they were often called upon to dance during a performance. The aim of this study is to examine how the choreographic art is included in his plays, and what dance styles may be adopted, for the only indication given in the texts is a stage direction calling for“a dance”. Particular emphasis will be placed on the role and functions of the dance both in Shakespeare’s dramatic works and Renaissance England. When dancing is not intended for performance on stage, Shakespeare nonetheless refers to it in most of his plays to provide the audience with metaphorical imagery. The linguistic analysis of the semantic and lexical fields leads to a deeper understanding and exploration of the diegetic structure of his works. At that time, dance was also an accepted symbol of harmony, and Shakespeare used it as a pattern to comment on “the attempt to achieve order in a discordant world”(Alan Brissenden, Shakespeare and the Dance). It passes visual comments on the playsand suggests a scheme that structures them. This dissertation aims at analysing howdance relates to the cosmic ideas of the Renaissance, and how Shakespeare departs from this ideology. Could the dance turn into a tragic dance rather than a cosmic one?
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Vernier, Olivier. "D'espoir et d'espérance : l'assistance privée dans les Alpes-Maritimes au XIXe siècle, 1814-1914 : bienfaisance et entraide sociale /." Nice : Éd. Serre, 1993. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb366688071.
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Piégay, Nathalie. "Enjeux de la citation dans le roman : oeuvres d'Aragon." Paris 7, 1994. http://www.theses.fr/1994PA070103.
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Joulin, Cécile. "La mort dans les "Oeuvres Oratoires" de Bossuet." Lyon 3, 2002. http://www.theses.fr/2002LYO31001.
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Le thème de la mort dans les "Oeuvres Oratoires" de Bossuet est étudiée dans une perspective littéraire et théologique. La mort est d'abord un évènement qui nécéssite une préparation spirituelle : le chrétien doit toujours garder présentes la pensée de la mort et celle du salut éternel. Bossuet considère que le moment même de la mort ne consiste que dans la séparation du corps et de l'âme ; il n'est plus temps alors de se convertir : l'impie et le juste connaîtront donc deux morts très différentes. L'évènement de la mort dans les "Oeuvres Oratoires", n'est important que par les perspectives qu'il ouvre : celles de l'au-delà-purgatoire, enfer, paradis - selon les décisions de Dieu au jour du jugement. Bossuet ne sépare pas la pensée de la mort de celle de la vie éternelle et cherche toujours dans ses sermons à faire naître chez ses auditeurs un désir de conversion. Le prédicateur tire de la mort une leçon morale : inéluctable, elle révèle la vanité de toute grandeur terrestre, la vanité du monde. Il livre surtout la leçon théologique de la mort : la mort corporelle est infiniment moins à craindre que la mort spirituelle, seule véritable mort, qu'il importe de vaincre, jour apès jour, dans le temps vécu ici-bas. En fait, seul le mauvais usage du temps est redoutable, car il peut conduire à la damnation. On touche ici à ce qui est peut-être la plus grande préoccupation de Bossuet : celle du temps qui passe et non celle de la mort. Il n'y a chez lui ni une écriture ni une pensée spécifique liées au motif de la mort : c'est en prêtre, non en rhéteur ou en philosophe, qu'il aborde ce sujet. La mort n'est pas une fin dans sa perspective chrétienne, mais seulement le terme du "voyage" de la vie vers la terre ; par le baptême, le fidèle appartient déjà à la vie éternelle. Aussi importe-t-il qu'il anticipe ici-bas en menant une vie toute spirituelle. Et, c'est encore de la vie que la Croix est paradoxalement le signe : le signe du triomphe définitif de la vie sur la mort.
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ABDELLAOUI, NOURSAID. "La caractérisation dans les oeuvres de G. Chaucer." Amiens, 1991. http://www.theses.fr/1991AMIE0010.
Full textAbstract:
Geoffrey chaucer nous emmene avec ses tales sur le chemin de cantobery en compagnie de quelques pelerins. Nous ne sommes pas de simples temoins mais des auditeurs-spectateurs avertis grace aux informations fournies dans le general prolgue. Au fil du temps, des hommes et des femmes vont grace a leur conte se raconter a nous, se devoiler, s'attaquer et se critiquer mutuellement. La reaction des pelerins qui ecoutent est interessante. Le cas de deux d'entre eux merite une etude particuliere car ils jouent avec l'apparence et semblent incarner faux-semblant, figure quasi-immuable dans toute la litterature. Un troisieme personnage de chaucer qu'on decouvre dans troilus and criseyde est egalement a rapprocher de faux-semblant. Nous nous interessons aux moyens mis en oeuvre par chaucer pour parvenir a la caracterisation de ses personnages. Nous nous attardons sur l'onomatomancie utilisee par chaucer pour son oeuvre entiere. Notre auteur, grace au nom, cerne ses protagonistes. La caricature animaliere ou autre chez chaucer lui sert egalement a definir ses creations. Un detail physique significatif ou vestimentaire lui sert de revelateur pour ses personnages. . .<br>Chaucer takes us with his tales in the company of his pilgrims to canterbury. Yet, thanks to the general prologue we form a well- informed and mature audience. We do not only witness facts and statements, we also read between the lines in order to understand and know chaucer's art of characterization. Thus we are wholly conscious that the pilgrims do not simply- relate tales but also talk about themselves and reveal their very personality. Some of them have even attacked each other. Others simply confessed their sins and obsessions. We have been particularly interested in the reaction of two pilgrims whose appearance is actually and totally different from their inner soul. They seem to embody the well-known and eternal figure of faux-semblant. We have also been deeply interested in the resources chaucer brought into play to achieve characterization. We have dedicated a whole chapter to "onomatomancie" which is the art of predicting and defining characters by the means of their names. We have dedicated another chapter to the study of caricature. In fact, every physical or dress detail functions as a sign revealing chaucer's literary figures'characteristics. Last but not least, we. .
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Nègre, Corinne. "Les oeuvres dans le protestantisme nimois, 1561 - 1945." Montpellier 3, 1988. http://www.theses.fr/1988MON30032.
Full textAbstract:
C'est une etude essentiellement sur les oeuvres de bienfaisance en l'eglise reformee de nimes, qui a ete une des premieres en france des 1561, et qui a represente le mouvement theologique liberal au sein du protestantisme francais lors du synode national en 1872. Le fondement de notre recherche est le diaconat, au service des pauvres, qui subsise de 1561 a 1945, date a laquelle il sera pris en charge progressivement par l'etat. Au xix siecle, plus particulierement, pourquoi l'eglise a-t-elle cree des etablissements pour secourir les pauvres tels que les ecoles, les orphelinats, les creches, un hopital ? dans quel esprit ? dans quels buts ? quels ont ete leurs evolutions ? l'eglise reformee de nimes, citadelle protestante sous l'ancien regime, a su developper au xix siecle, et conserver au xx siecle, un reseau de charites grace a la generosite de ses membres, malgre une population qui ne representait que le quart de la population nimoise. 1945, marque la fin du monopole de l'eglise dans la vie sociale qui est remplacee par l'etat qui instaure le 4 octobre 1945, la securite sociale<br>This is a study based essentially on the charitable works in the reformed church of nimes which was from 1561 one of the first ones settled in france, and represented the liberal and theological ovement in the midst of the french protestantism at the time of the national synod in 1872. The base of our research work is the deconry in employ of the poor people which has subsisted from 1561 to 1945, date from when its responsability was progressively assumed by the state. In the 19 th century more specially : why did the chhurch create such institutions as schools, orphanages, infant-homes or hospitals, in order to help poor poeple ? in which frame of mind ? in which purpose ? how have they altered ? the reformed church of nimes, protestant city during old government, has been able to develop (in the 19th century) and preserve (in the 20th century) a fabric fund thanks to the munificence of its members, in spite of a populate which is only the quarter of the nimes on. 1945, is the end of the church's monopol in social life replaced by the stage which establishes the "social safety", on the 4 th of octobre, 1945
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Boivin, Pier-Luc. "Intégration de l'improvisation dans trois de mes oeuvres." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/27569.
Full textAbstract:
Ce mémoire de maîtrise porte sur l’intégration de l’improvisation dans la création de trois de mes œuvres récentes. Ces œuvres sont : Nyctophilia – minimum 11’00’’ – pour quatuor à cordes et soliste improvisateur ; Æther – 10’ – pour trio à instrumentation non définie ; Presqu’étoile – 10’ – pour grand orchestre. En guise d’introduction, je présente mes préoccupations artistiques, l’origine de mon travail ainsi que la dualité qui semble opposer l’improvisation et la composition. Je dresse ensuite, en lien avec mes influences personnelles, un bref portrait de l’improvisation dans le jazz et dans la musique savante axé sur la seconde moitié du 20e siècle. Finalement, les œuvres font l’objet d’une analyse ciblée afin de démontrer les moyens utilisés pour intégrer l’improvisation dans la composition. Chacune des trois œuvres expose un moyen spécifique issu de ma réflexion et de mes recherches afin de gérer l’improvisation : Nyctophilia – axe de gestion de l’information ; Æther – conversationnalité et improvisation libre ; Presqu’étoile – comprovisation à partir d’Æther.<br>The focus of this master’s thesis is the integration of improvisation in three of my recent pieces: Nyctophilia – minimum 11’00’’ – for string quartet and soloist improviser ; Æther – 10’’ – for a trio of undetermined instruments ; Presqu’étoile – for full orchestra. As an introduction, I present my artistic concerns, the origin of my work, and the seeming duality that places improvisation in opposition to composition. Then I draw, according to my personal influences, a brief portrait of improvisation in jazz and in art music, primarily in the second half of the 20th century. Finally, I analyze three of my pieces to show the means utilized to integrate improvisation into composition. Each piece exhibits a specific way to manage the inclusion of improvisation, these methods being the result of my reflections and research. Nyctophilia – axis as a means of information management ; Æther – conversationnality and free improvisation ; Presqu’étoile – comprovisation in relation to Æther.
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He, Xinyi. "Femmes et rôles féminins dans les oeuvres d'Eschyle." Thesis, Limoges, 2016. http://www.theses.fr/2016LIMO0083/document.
Full textAbstract:
Dans l’Antiquité, en Grèce, la tragédie joue un rôle important dans la vie des Grecs. Il y avait des concours tragiques pendant des fêtes religieuses ; surtout, pendant les Grandes Dionysies, avait lieu le concours tragique le plus important. Beaucoup de dramaturges y participaient et trois grands tragiques ont émergé, dont Eschyle a été le premier dramaturge illustre et connu. Il s’inspirait des sources mythiques et des légendes antiques. Il posait les questions et présentait sur scène les problèmes que les Athéniens rencontraient. Il faisait réfléchir les citoyens athéniens par ses tragédies. Il a introduit de nombreux personnages féminins dans l’espace théâtral et leur a accordé des rôles importants. Cela ne correspondait pas à la situation réelle des femmes grecques de cette période-là. Les femmes grecques devaient rester toujours dans le gynécée, s’occuper des affaires à l’intérieur de la maison, être en charge du filage et du tissage, rester toujours silencieuses sans se mêler des affaires politiques et donner naissance aux enfants pour assurer le renouvellement des générations. En revanche, les figures féminines du monde créé par Eschyle quittent leur gynécée, voyagent, s’exposent devant le public, s’expriment à haute-voix, se mêlent des affaires politiques, refusent le mariage et la maternité ou montrent peu d’amour maternel envers leurs enfants. Mais pourquoi le dramaturge se décide-t-il à mettre sur scène de si nombreuses figures féminines qui ont un rôle important ? D’abord, il ne faut pas oublier que les personnages féminins sont joués par les acteurs masculins et que les chœurs féminins sont constitués de choreutes masculins ; par conséquent, les figures féminines sont créées par le dramaturge Eschyle. Il y a plusieurs raisons : la beauté scénique qui séduit l’attention de l’auditoire ; la nature de femme qui est à l’origine des maux humains et son irrationalité qui pousse le développement tragique ; et la faiblesse féminine qui entraîne le manque de contrôle et de maîtrise de soi et qui rend les figures féminines aptes à jouer le rôle que les personnages masculins ont du mal à interpréter<br>In ancient Greece, the tragedy plays an important role in the lives of Greeks. There were tragic contests during the religious holidays. During the Great Dionysia, there was the most important tragedy contest. Many playwrights participated in it and there emerged three great tragedians, the first playwright, Aeschylus included. He was inspired by the mythical sources and ancient legends. He showed the problems met by the Athenians on stage through mythical characters. His tragedies made the Athenians think about the problems. He showed many female roles in theatrical space and put them in an important place, which didn't correspond to the real situation of the Greek women in that period. These Greek women had to remain still in the harem, take care of household affairs, charge the spinning and the weaving, always remain silent without meddling in political affairs and give birth to children for the family. In contrast, the female figures in the world created by Aeschylus leave their harem, travel, expose themselves to the public, express themselves loudly, get involved political affairs, refuse marriage and show little maternal love towards their children. But why the playwright decides to make the many female figures on stage play the important roles? First, we need to notice that the female characters are played by male actors and that the female choirs consist of male choruses, therefore, the female figures are created by the playwright Aeschylus. There are several reasons for this : the beauty in the scene attracted the attention of the audience; woman is the source of human evil ; irrationality of women drives the development of the tragedy ; and the weakness of women decides their lack of self-control and make them more suitable to play the roles that male characters struggle to interpret
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Vidieu-Larrère, Francine. "Lecture de l'imaginaire des oeuvres dernières d'Antonin Artaud." Chambéry, 1994. http://www.theses.fr/1994CHAML001.
Full textAbstract:
Cette thèse a pour objectif d'établir l'autonomie de l'oeuvre dernière d'Antonin Artaud (de 1943 à 1948) par rapport aux écrits antérieurs, d'étudier, en en révélant l'unité, la structure poétique des textes scripturaux et picturaux, de mettre au jour ce vers quoi ils tendent, ainsi que leur manière exemplaire d'adapter le temps à leur réalité. Elle procède pour cela à la lecture de l'imaginaire de l'oeuvre en précisant, en préambule, la particularité de cette dernière, les itinéraires qui s'y dessinent et la méthode d'investigation et d'exploration choisie. La première partie suit l'itinéraire qui dévoile l'opposition entre le "je" et le(s) double(s), sous-tendant, de la part de celui qui parle, une recherche d'identité et des efforts pour dénoncer une réalité fallacieuse, ouvrage des doubles et résultat d'une claustration imposée, mais toujours repoussée. Le deuxième itinéraire, objet de la deuxième partie, montre que le corps du "je" est menacé d'envahissement par des forces extérieures contre lesquelles plusieurs stratagèmes sont adoptés. Le plus efficace serait d'opérer provisoirement le morcellement du corps afin d'occuper tout l'espace possible et ainsi éloigner l'ennemi. La troisième partie s'articule en fonction du troisième et dernier itinéraire développant les possibilités de reconstruction de l'être à partir du "mouvement", nettement valorisé, et des forces rythmiques favorisant l'émergence des forces de rassemblement capables de mener vers l'unité. Cela implique la solitude du "je", coupé de toute ascendance (familiale et culturelle), mais non de descendance puisque la création se manifeste également dans la venue des filles "parthénogénétiques". L'individuation obtenue, c'est la quête du réel qui est assurée<br>The aim of this dissertation is to show that Antonin Artaud's last works (from 1943 to 1948) are independent from his previous writings, to study the poetic structure and bring out the unity of his scriptural and pictural texts, to unveil their overall meaning and the examplary way time is adapted to their reality. To that purpose, we shall try, in an introductory part, to interpret the role played by imagination in these writings while underlining their specificity and their main guiding lines, and defining our method of investigation. The first part follows a guiding line which reveals the opposition between the "I" and the "double(s)", the speaker's underlying quest for identity and his efforts to expose a deceptive reality which is the double's doing and results from an imposed but never accepted confinement. The second guiding line, studied in the second part, shows that the bodily part of the "I" is threatened by outside forces against which various stratagems are used to prevent invasion, the most efficient one would be for the body to temporarily split up in order to occupy as much space as possible, thus keeping the foe at a distance. The third part hinges on the third and last guiding line, enlarging upon the possibility of reconstructing forces to emerge, leading to unity. It implies that the "I" is a solitary entity, cut off from any family or cultural roots, but not without offspring since creation also manifests itself in the coming of the "parthenogenetic" daughters. Once identity is achieved, the quest for reality is ensured
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Jost-Schoubrenner, Brigitte. "L'élément féminin dans les oeuvres d'Anthony Trollope (Barsetshire & Palliser)." Montpellier 3, 2001. http://www.theses.fr/2001MON30033.
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Soussan, Myriam. "Kaddish, deuil et écriture : les oeuvres des écrivains enfants de déportés." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030014.
Full textAbstract:
Autour d'un corpus qui réunit des écrivains dont les parents ont été déportés -Jean-Claude Grumberg, Sarah Kofman, Georges Perec et Art Spiegelman-, orphelins ou enfants de survivants de la Shoah, nous avons tenté de dégager une thématique commune à l'écriture d'une enfance fracturée, hantée par des disparus. Comment ces textes autobiographiques rendent compte de morts dont l'absence de sépulture et la spécificité du crime génocidaire ont interdit le deuil ? Dans un premier temps, l'écriture des enfants de déportés semble s'attacher à restituer à leurs parents une identité de vivant et enquêter sur ce qui subsiste de leur passage : les preuves -photographies, documents officiels, etc. -, la mémoire, les lieux, sont recensés, fouillés, déchiffrés, afin de réinscrire tout ce qui peut attester de leur existence passée. Dans un deuxième temps, cette écriture cherche à témoigner de leur mort, à travers la littérature des rescapés et l'incorporation au texte de cadavres, de cendres Dans un troisième temps, elle se heurte à l'inassouvissable, à une déchirure entre commémorer les morts, en un livre mausolée, ou les conserver encry<br>We attempt to draw a common thematic from writings of a fractured childhood, haunted by the missing deportees, through a corpus of writers whose parents were sent to Auschwitz : Jean-Claude Grumberg, Sarah Kofman, Georges Perec and Art Spiegelman. How do these orphans or children of survivors of the Shoah, and their autobiographical texts, render those dead unburied, whom the specificity of the genocide prevented their heirs from mourning ? The writing of the children of deportees endeavors first to restore for their parents an living identity while searching for what remains of their existence. A corpus of proofs, -photographs, official documents, etc. -, memory and places, are collected, searched, deciphered, in order to inscribe attestation of their past life in some form of textuality. Secondly, their writing testifies to their death, through the literature of the survivors and its incorporation into the text of corpses, and ashes Finally it comes up against the unquenchable, a tearing between commemoration of the dead in a book- mausoleum or the impossibility of a separation from them, conserved crypted, in a non-appeasing struggle, rooted in the disaster of their disapearance
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Jaunay, Pascale. "L'imaginaire dans les oeuvres romanesques de Daniel Moyano : sous le signe du lien." Poitiers, 1998. http://www.theses.fr/1998POIT5011.
Full textAbstract:
Cette étude concerne principalement les sept romans de l'écrivain argentin contemporain Daniel Moyano. Elle s'intéresse à l'imaginaire, non pas dans son rapport à la réalité, mais comme un univers autonome, qu'elle envisage selon trois optiques distinctes. La première partie s'inspire de la psychanalyse pour étudier les deux premiers récits du corpus, où l'imagination s'avère salvatrice au sens où elle met au jour les liens qui unissent les protagonistes au père et à la réalité de laquelle ils étaient exclus. Une seconde partie considère les romans suivants dans leur rapport à la société et à l'histoire argentine traditionnellement représentées en termes de " Civilisation" et de "Barbarie". L 'imagination se montre alors fondatrice, car elle soustrait La Rioja des protagonistes aux lois de l'Histoire des "Civilisateurs", et restaure les liens qui l'unissent à la nature pour lui assurer une nouvelle forme de permanence dans le temps. Enfin, la troisième partie s'attarde sur la vision du monde que proposent les derniers romans, en essayant de formuler les principes de la pensée mythique (profondément métisse et musicale) qui s'y déploie : grâce à elle, l'imagination devient protectrice, puisqu'elle peut assurer les liens d'un accord harmonieux entre les hommes et la mécanique de la vie qu'ils sont chargés de chanter. L'aspect dynamique de l'imagination, qui révèle ses pouvoirs à mesure que les oeuvres s'éloignent du réalisme, est ainsi évoqué en même temps que sont analysés le détail des textes et les images, symboles et figures mythiques, qui les composent.
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ZEE, HWANG SHEUE-SHYA. "Le monde paysan dans les oeuvres romanesques de marcel ayme." Lyon 2, 1988. http://www.theses.fr/1988LYO20047.
Full textAbstract:
Notre travail consiste a montrer premierement la conjugaison des realites geographiques (le vecu) et des donnees romanesques (l'imaginaire) qui permet a marcel ayme de tisser une toile de fond sur laquelle il depeint ses personnages ruraux, deuxiemement les traits dominants du paysan aymeen a travers son rythme quotidien et sa mentalite propre, troisiemement les amours paysannes qui conditionnent l'ambiance familiale et determinent les comportements des ruraux et finalement la sublimation de la vie rustique a travers une ferme enchantee<br>Our work consists in : firstly the conjugaison of geographical realities (the native land of the author) and romantic subjects (the imagination of the author) that allows him to build a background of his rural characters, secondly the caracteristics of the aymian peasant through his daily life and his mentality, thirdly the love of the country people that takes a prominent part in the family life and determines the peasant's behaviours, finally the sublimation of rustic life through a magic farm
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Fray, Nelly. "Temps et transgression dans les oeuvres romanesques de Virginia Woolf et de Nathalie Sarraute." Bordeaux 3, 1999. http://www.theses.fr/1999BOR30040.
Full textAbstract:
En etudiant la forme particuliere d'une transgression que virginia woolf et nathalie sarraute, dans leurs oeuvres, ont associee au traitement temporel, on decouvre a l'evidence le caractere pathetique d'une lutte incomprise. Acte au present, la transgression n'a de raison d'etre que dans cet aspect fulgurant de l'instant. C'est une tentation aussitot refoulee, une violence reprimee, que les textes ne laissent jamais filtrer. La transgression est aussi un outil pour des textes qui s'efforcent d'outrepasser les limites qui leur sont assignes, developpant alors une veritable strategie du depassement. Il s'agit bel et bien pour virginia woolf et nathalie sarraute d'entamer une respectable tradition litteraire inviolable, reifiee, figee. Citant, pastichant, les auteurs n'ont pas d'autre objectif que d'elaborer les regles d'un jeu volontairement irreverencieux qui entame les fondements les plus solides de la culture et de la tradition. L'ensemble du dispositif narratif est au service de cette transgression a deux temps ; les procedes d'ecriture epousent cette dualite et comprennent deux etapes : le respect et la restitution des grands axes de la realite et l'action transgressive d'un present demystificateur. Demystificateur.
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Munoz-Teulié, Marie-Christine. "Homo dolens : souffrance de l'ame, souffrance du corps dans les oeuvres de william shakespeare." Montpellier 3, 1999. http://www.theses.fr/1999MON30062.
Full textAbstract:
La renaissance anglaise jette un regard nouveau sur la souffrance de l'homme, des lors que celui-ci est reconnu comme un individu a part entiere, evoluant au sein de la communaute humaine. La revolution copernicienne fait acceder l'homme au statut individuel, de la meme facon qu'elle le transforme en sujet d'etude anatomique, psychologique et philosophique. Shakespeare, en sa qualite d'artiste, s'attache a depeindre les souffrances humaines dans toute leur diversite, au gre des pieces et des poemes qu'il compose au cours de sa carriere. L'homme souffrant constitue un centre d'interet privilegie pour cet auteur de theatre, poete a ses heures, car il represente de maniere emblematique la condition humaine dans toute sa fragilite. Les bouleversements engendres tout au long du 16eme siecle, en angleterre, par l'avenement de la reforme ont un retentissement considerable sur la vision de la souffrance humaine. Les mysteres religieux herites du moyen age cedent en partie la place a un theatre reforme, dont les preoccupations didactiques modifient la peinture du christ souffrant et de l'humanite a sa suite. Shakespeare trouve dans ces considerations theologiques et esthetiques une source d'inspiration qu'il exploite a sa facon. L'heritage petrarquiste dans le domaine de la poesie procure un cadre imaginaire dans lequel la souffrance engendree par le desir inassouvi occupe une place essentielle. Shakespeare reprend certaines des conventions de ce genre poetique, pour les soumettre au prisme deformant de son ironie. Il developpe ainsi une reflexion complexe sur les artifices du genre, tout en composant un discours renouvele sur la souffrance d'amour.
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Jeung, Jine-Jou. "La violence et la guerre dans les premières oeuvres dramatiques de Paul Claudel." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040099.
Full textAbstract:
Le sens de la violence est "force vive" qui a la racine designe la vie. Dans les premieres oeuvres de claudel, le sens le plus important de la violence et la guerre est un destruction creative. Nous avons montre la violence et la guerre par deux sens : symbolique et dramaturgique. Le phenomene de la violence de ses pieces est l'expression du conflit spirituel de claudel apres sa conversion. Puis elle est le reflet et le proces de la fin du siecle. Elle est l'accusation du materialisme du scientisme et du pessimisme qui avait beaucoup influence les jeunes de l'epoque. Quant au sens dramaturgique, la violence a une fonction esthetique theatrale et therapeutique pour l'ame du spectateur. Elle donne la vivacite au drame de claudel qui fait naitre l'intensite dramatique et la realite esthetique du theatre. Dans ce sens, claudel est le precurseur d'antonin artaud du theatre de cruaute<br>Violence is essentially "life-force", as the origin of the word suggests. An important meaning of violence in the early dramas of claudel is that it is an energy of creative destruction. Our analysis is : there are two dimensions in claudel's employment of violence in his drama. One is that it may be a reflection of his way of life. His struggle was expressed in his dramas in the form of conflict between art and faith, flesh and soul. In a larger context, his violence can be accounted to be a reaction to the phenomena of "fin de siecle", or the will to challenge prevailing materialism, scientism and nihilism. The other dimension of violence : it may be employed as a dramaturgy technique. Violence gives a sens of tension, revealing aesthetic reality. It has the function of striking the sleeping mind of the spectator in a world of fixed ideas, making them wake up to their long-forgotten true selves. In this sens, claudel's violence as a dramaturgy technique anticipates antonin artaud, whose keen interest was in cruelty in the drama
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Piaskowski-Mac, Dowell Florette. "Le sens de l'espace dans les oeuvres de Christina Stead." Paris 3, 1992. http://www.theses.fr/1993PA030088.
Full textAbstract:
La notion d'espace dans les oeuvres de christina stead est traitee tant a un niveau cognitif qu7a un niveau affectif. Nous etudions l'etre, non pas d'une facion abstraite mais en tant qu'etre incarne dans un milieu. Il y a une interdependance entre l'environnement physique et social, aussi bien que psychique. Le cadre physique joue un role structurant dans les phenomenes de la perception et de la representation spatiale de soi dans un lieu et une periode determines. L'espace personnel, qui varie d'un individu a l'autre, est fondamental pour la preservation de la personnalite. De l'espace sensible on passe a l'imaginaire, un sentiment d(immense nostalgie de l'illimite que nous eprouvons, une compulsion a partir sur de vastes oceans tout en contemplant le ciel etoile au-dessus de nous. Cette zone de voyage et d'exploration, ce desir d'aller vers l'inconnu n'est pas un concept theorique mais un etat d'ame qui determine la difference entre moi et le monde. Il y a une dialectique de l'expansion et du repli sur soi-meme que l'on trouve dans tous les personnages de christina stead. Toutefois, on ne peut se replier dans un monde imaginaire et tout elan createur n'a de signification que s'il s'accompagne d'ouvertures au monde ; c'est pourquoi christina stead a ete surnommee "a waker and dreamer"<br>The notion of space in the works of christina stead is being studied on the cognitive and affective level. Man is not analysed from an abstract point of view but as being part of his surroundings. There is an interdependence between his physical, social and psychological environment. His sense of perception and his self-image are largely affected by the physical factors around him, the place and the particular period in which he lives. Each individual creates his own personal space or buffer zone which varies from one individual to the other and is fundamental for the preservation of personality. His field of the perceptive and sensitive is also extended to the imaginary. There is that usual nostalgic feeling of the unlimited space, this compulsion to travel on the wide oceans whilst gazing at the stars. This desire to explore and go towards the unknown is not a theoretical concept but what we call our soul, that which determines the difference between the self and the world. There is a dialectic between expansion and withdrawal which we find in all christina stead's characters, yet one cannot live in his inner space, his imaginary world and his vital impulse has meaning only if it opens up to the world, that is why christina stead has been surnamed "a waker and dreamer"
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Abbassi, Ali. "Les figures du temps à travers les oeuvres d'Albert Camus." Limoges, 1998. http://www.theses.fr/1998LIMO2007.
Full text
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Visitkijakarn, Vatchara. "Le Mariage dans les oeuvres romanesques de George Sand." Lille 3 : ANRT, 1988. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37610662s.
Full text
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Nicol-Gleize, Danielle. "La tradition celtique dans trois oeuvres de Julien Gracq." Paris 10, 1985. http://www.theses.fr/1985PA100229.
Full text
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Kim, Young-Ju. "Le dialogue romanesque dans les oeuvres de Georges Sand." Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2002PA040113.
Full textAbstract:
Etant un être du dialogue sous toutes ses formes, George Sand nous invite à l'analyser dans ses romans. L'examen des formes et des fonctions du dialogue éclaire sa spécificité et sa place importante dans les œuvres de notre romancière. La répartition entre la tirade et le silence accompagné de phénomènes paralinguistiques est à mettre en parallèle avec le rapport dynamique entre le corps et la parole. De là, nous avons mis l'accent sur le lien étroit entre le dialogue et l'espace pour examiner le dialogue dans la totalité de son contexte. Nous avons observé que le lieu ne constitue pas seulement la toile de fond, mais aussi participe au déroulement du dialogue en jouant un rôle actanciel. En se développant sur deux axes, horizontal ou vertical, cet espace varie selon les romans, les périodes : le déplacement du héros s'effectue horizontalement dans les romans "intérieurs" et les romans rustiques tandis que dans les romans socialistes, le mouvement se situe essentiellement sur l'axe vertical. Grâce à l'analyse de chaque roman de notre corpus, nous voyons plus clairement l'évolution du style de George Sand qui a su créer une nouvelle écriture, une esthétique de l'oralité<br>Constantly engaged in all forms of dialogue, George Sand invites the reader to analyse this phenomenon in her novels. Through a consideration of the forms and functions of dialogue in her works, I thus seek to highlight its specificity and importance. Firstly, I suggest that the alternation between monologue and a silence accompanied by paralinguistic phenomena should be seen in parallel to the dynamic relationship between speech and the body. I then investigate the link between dialogue and space in order to place it in its full context. I demonstrate how this link not only provides a background, but also participates actively in the progression of the dialogue. Developing on two axes, horizontal and vertical, this space varies according to the novel or period in question. The development of the hero takes place on the horizontal axis in the 'interior' and rustic novels, whereas in the socialist novels this same progression is seen along the vertical axis. Through close analysis of each novel in the designated corpus, it is possible to achieve a clearer appreciation of the stylistic evolution of George Sand, who succeeded in the creation of a new style, an aesthetic of oral character
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Visitkitjakarn, Vatchara. "Le mariage dans les oeuvres romanesques de george sand." Paris 8, 1987. http://www.theses.fr/1987PA080165.
Full textAbstract:
L'oeuvre de george sand, ses romans en particulier, presente tres largement le theme du mariage, qui est aborde selon deux angles ; celui des aleas d'une union malheureuse, et celui des epreuves necessaires pour aboutir au bonheur dans le mariage. George sand analyse dans ses romans l'un des grands problemes sociaux du xixe siecle, dont les evenements historiques ont bouleverse les formes legales. Le comportement des individus vis-a-vis de cette institution varie du tout au tout selon les classes, ainsi que l'attitude reciproque des conjoints, et la maniere d'agir du pere envers ses enfants. Puisque le mariage est considere comme un moyen de consolider la situation sociale de la famille, il est evident que le mariage de convenance constitue le type d'union le plus commun sous la restauration. Il s'agit aussi de la coutume la plus contestee par george sand a travers son oeuvre, car l'argent, l'instruction et la beaute servent alors uniquement a l'ascension sociale. George sand, elle, plaide pour le mariage d'amour : ses heros aiment tous passionnement, ce qui leur donne la force de s'unir avec la femme aimee sans se corrompre. Pour echapper au conformisme et a la corruption de la societe ils leur faut fuir hors de la societe (se cacher, mourir, ou pratiquer l'union libre) - ou se revolter contre elle et avoir des amours antisociales. George sand envisage egalement l'amelioration de la societe, l'etablissement d'une forme d'egalite des sexes qui permettrait de trouver le bonheur a l'interieur du mariage. Voici "l'ame et la foi" qu'elle nous legue au travers de ses romans de la periode 1832-1848 a laquelle se limite notre etude entreprise dans des perspectives historiques et thematiques<br>The works of george sand, in particular her novels, present very widely the theme of marriage, which she approaches from two angles : the ups and downs of an unhappy union and the trials neccessary to a happy marriage. George sand analyses in her novels one of the great social problems of the 19th century, the legal forms of marriage being shattered by the historical events of this time. The behaviour within the framework of this institution varies entirely accordingly to the social class, for example the attitude to each other of the married couple and the relation of the father to his children. As the marriage is considered as a means of consolidating the social standing of the family, it is obvious that the marriage of convenience constitutes the most common type of union during the restoration. This custom is the most strongly contested by george sand throughout her works, because money, education and beauty were at the time the only means of social mobility. George sand makes a plea for the marriage of love : her heroes all love passionately, which allows them the power to unite with their lover without being corrupted. To escape conformism and corruption they have to either move outside society (to hide their love, to die ou love outside the bounds of marriage) or to revolt against it and to have unconventional relationships. George sand also envisages the improvement of society and the establishment of an equality between the sexes which would allow happiness in marriage. Thus, "the soul and the faith", which she bequeaths us from the period of her novels between 1832-1848, to which our study is limited in its historic and thematic perspectives
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Pittia, Sylvie. "L'idéologie de l'argent dans les oeuvres philosophiques de Cicéron." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040059.
Full textAbstract:
Nous étudions les questions d'argent, de richesse et de pauvreté à travers les traités philosophiques. L'origine grecque des sources est avérée, mais la réflexion reste pragmatique, tempérée par l'histoire et la coutume romaines. L'éclectisme ne doit pas apparaitre comme une faiblesse de la pensée ou un manque d'originalité : il est méthodique. Nous examinons premièrement quelle place Cicéron fait à la pauvreté, spécialement quand il s'agit du sage. Le sage a vocation à diriger la cité : il doit donc avoir soin de son patrimoine. Ensuite, nous étudions comment se réalise une juste acquisition des richesses. Quelles sont les sources du profit conformes à la morale cicéronienne? Enfin, nous étudions l'utilisation des richesses. A quoi les employer, qui en faire bénéficier? Cette démarche se conclut par l'esquisse de deux portraits : le bon et le mauvais riche. Nous soulignons la cohérence des textes philosophiques cicéroniens sur la question de l'argent. Nous privilégions la valeur idéologique de ce témoignage engage, en considérant avec prudence l'idée qu'il soit représentatif des mentalités. La richesse cicéronienne est la recherche d'un juste milieu entre pauvreté et opulence, entre avarice et prodigalité<br>We study money, wealth and poverty questions in the philosophical works. The Greek origin of Cicero’s material being granted, his reflexion remains nonetheless pragmatic as it is tempered by roman history and uses. Eclectism should not appear as a weakness or a lack of originality in thought for it is methodical. We first examine the importance given by Cicero to poverty, especially when the wise man is at stake. The wise man is bound to govern the city: so he must pay attention to his patrimony. We then study how to acquire wealth by just means. What are the sources of profit that suit ciceronian morals? Lastly, we draw our attention to the use of the wealth. To what use should it be employed? To whom should it benefit? To conclude we sketch two figures, that of the good rich man and that of the bad. We underline the coherence of Cicero’s philosophical texts concerning money. We privilege the ideological value of this committed testimony, prudently confronting with the idea of its being representative of mentalities
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Jang, Kyung. "L'espace intérieur dans quelques oeuvres romanesques de Georges Bernanos." Paris 4, 1987. http://www.theses.fr/1987PA040185.
Full textAbstract:
Bernanos definit son activite litteraire, exercee comme un veritable sacerdoce, en faisant appel a un mysterieux langage de l'enfance. Pour bernanos, le monde moderne est pourri par le mensonge. Les mots y sont vides de leur sens. Bernanos a voulu, par son ecriture, redecouvrir la verite de l'enfance. Cette these etudie ce que l'on peut appeler "l'espace interieur" des heros de six romans de georges bernanos, a savoir : sous le soleil de satan, l'imposture, la joie, le journal d'un cure de campagne, monsieur ouine, nouvelle histoire de mouchette. A travers les personnages de ses romans, bernanos decrit son propre espace interieur, c'est-a-dire ce qui s'est spatialise interieurement dans son esprit. Les prophetes humilies des romans de bernanos : donissan, chevance, chantal de clergerie, le cure d'ambricourt, mouchette, nous font donc entrer dans l'espace interieur de bernanos. Les personnages de tenebres et de negativite contribuent eux-memes au surgissement de la lumiere. Poursuivant la recherche de la voix interieure de son enfance jusqu'au bout, bernanos rencontre la voix de l'amour, qui n'est autre pour lui que la voix de dieu. Le travail litteraire veut chez bernanos proceder de l'amour<br>The literary work of georges bernanos, undertaken as a truly priestly activity, is marked by a mysterious language of childhood. For bernanos, the modern world is corrupted by untruthfulness. Words have been emptied of their meaning. Bernanos wanted, through his writing, to rediscover the truthfulness of childhood. This thesis studies what may be called the "inner space" of the heroes of six of bernanos'novels : sous le soleil de satan, l'imposture, la joie, le journal d'un cure de campagne, monsieur ouine, nouvelle histoire de mouchette. Through the characters of his novels, bernanos describes his own inner space, what has taken shape within his own mind. Thus the humiliated prophets of his novels (donissan, chevance, chantal de clergerie, the cure of ambricourt, mouchette) take us into the inner space of bernanos himself. Even the dark and negative characters contribute to a sudden bursting-forth of light. At the end of his unflagging search for the inner voice of his infancy, bernanos encounters the voice of love, which for him is none other than the voice of god. For bernanos, literary creation proceeds form love. Words take on life only insofar as they proceed form the gift of self
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Audebert, Marie-Claude. "Les etats-unis dans les oeuvres de truman capote." Paris 4, 1987. http://www.theses.fr/1987PA040143.
Full textAbstract:
Les etats-unis sont au centre des oeuvres de l'ecrivain truman capote. Il a subi au cours de sa vie litteraire les influences de la litterature americaine, de ses contemporains et de l'histoire de son pays. Ces influences essentielles americaines sont determinantes dans le developpement litteraire de l'auteur. Son attirance pour les ecrits de fiction journalistique confere a son oeuvre une base reelle, fondee sur l'experience des differentes regions ou l'ecrivain a vecu. La region du sud correspond a la premiere partie de la vie de l'ecrivain et apparait en recit du souvenir de facon cyclique. Il attache a cette region beaucoup d'importance, car elle l'a forme. La ville de new york est associee au deuxieme cycle litteraire et se rapporte a la periode de l'apres seconde guerre mondiale. Cette epoque influencee par le cinema et l'ecriture cinematographique conduit l'ecrivain en californie. L'ouest, partage entre la californie et le kansas, sera la toile de fond de son troisieme cycle litteraire. Ce cycle est fonde sur l'experience, son expression litteraire sera le roman non roman. Ce journalisme litteraire lui permettra une peinture plus factuelle de etats-unis<br>The united states are a major theme in the works of truman capote. All along his literary life, he was to be influenced by his contemporaries, the literature and the history of his country. These basic influences are determining for his literary development. The attraction made on him by the literary journalistic writings give to his work a real basis, based upon his experiences of the different areas where he lived. The south was where he lived for the first part of his life and appears periodically as literary memories. He is most devoted to this part because it is where he grew up. New york start the second cycle and is based on the period after the world war ii. At the time, he was influenced by the movie system and by the cinematographic writing and was led to this part of america. The west, california and texas, was to be the area described in his third cycle. This cycle is based upon direct experience; his literary technique
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Handaj, Abdellah. "Le héros tragique dans les oeuvres majeures d'Ernest Hemingway." Nancy 2, 1999. http://www.theses.fr/1999NAN21019.
Full textAbstract:
Ce travail consiste en une étude du héros tragique à travers les oeuvres majeures de Hemingway : The Sun also Rises (1926), A Farewell to Arms (1929), To Have and Have Not (1937), For Whom the Bell Tolls (1940), Across the River and into the Trees (1950), et The Old Man and the Sea (1952). Dans une approche générale de la vision tragique, nous étudierons en particulier le rôle de la mort dans son oeuvre romanesque, car ses personnages sont souvent hantés par ce thème. La place de l'amour qui apparaît dans tous ses romans, comme aspect de la vision tragique ou comme remède, les blessures physiques et psychologiques qui sont les causes de l'expérience tragique du héros, les moyens qu'il trouve pour survivre dans un monde devenu absurde seront aussi analysés, ainsi que des thèmes particuliers (le déracinement, la tauromachie, le sentiment de néant, la fuite du temps, le vieillissement. . . ), afin de cerner au mieux la vision tragique dans chaque roman. Les oeuvres seront étudiées par ordre chronologique, afin de voir s'il existe une évolution de la vision tragique chez l'auteur. Etant donné que l'auteur a subi lui-même des blessures physiques et psychologiques, (traumatismes liés à son enfance, blessures de guerre et suicide de son père), nous essayerons de voir s'il y a un lien entre sa fiction et sa vie personnelle, qui fut en apparence, et selon sa légende, à la fois mouvementée et flamboyante. Nous analyserons plus particulièrement l'importance qu'il attachait au fait d'écrire qui fut non seulement pour lui le moyen à travers lequel il espérait atteindre une certaine 'immortalité', mais aussi et surtout la seule panacée qui lui permettait de se débarrasser de ses angoisses. Nous mettrons également l'accent sur le fait que lorsque, dans les années cinquante, Hemingway prit conscience qu'il était incapable de rester fidèle à sa légende, il sentit que ce moyen de survie lui échappait, ce qui aboutit à un désespoir profond<br>This dissertation aims at studying the Hemingwayian hero's tragic vision of life. The major works we will be dealing with are The Sun also Rises (1926), A Farewell to Arms (1929), To Have and Have Not (1937), For Whom the Bell Tolls (1940), Across the River and into the Trees (1950), and The Old Man and the Sea (1952). First and foremost, we will analyse the role of death in Hemingway's fiction, because his heroes are often haunted by this theme. Love, which pervades most of his fiction, as a cause of -- or as a remedy for -- his characters' tragic experience, as well as the physical and psychological wounds at the basis of their tragic vision of life, will be analysed. The different ways through which the Hemingwayian heroes manage to survive in a hostile world will also be discussed. We will deal chronologically with the novels in order to see whether an evolution in the writer's vision can be detected. Since Hemingway himself received serious physical and psychological wounds, (the traumas relating to his childhood within a puritanical family, the shock caused by his war experience and his father's suicide), our purpose is to see whether there exists an interaction between his private life, which seems, on the surface, both exciting and hectic, and his fictional world. The fact that writing was not only a means through which Hemingway longed to attain 'immortality', but was also a remedy for him to ward off his feelings of nada will be emphasised and we will therefore also try to see whether, when the writer realised that he was no longer able to be the legendary figure he used to be, this remedy, which had enabled him to survive so far, was still powerful enough to save him from total despair
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Bayramoğlu, Zeynep. "La problématique d'occidentalisation dans les oeuvres de Orhan Pamuk." Paris, INALCO, 2008. http://www.theses.fr/2008INAL0024.
Full text
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Aqelsaravani, Zahra. "L'homme, l'humain et l'humanisme dans les oeuvres d'Albert Camus." Thesis, Bordeaux 3, 2014. http://www.theses.fr/2014BOR30032.
Full textAbstract:
Albert Camus a lui-même distingué trois phases dans son Œuvre : celle de l’absurde : (la prise de conscience du non-sens de la vie conduit Camus à l’idée que l’homme est « libre de vivre sans appel », « quitte à payer les consciences de ses erreurs » et doit épuiser les joies de cette terre. La vie accepte le non-sens du monde et trouve le bonheur au sein même de l’absurde. Camus affirme que l’absurde n’est ni dans l’homme ni dans le monde, mais dans leurs présences communes, dans leur « confrontations » et le définit comme « l’indifférence à l’avenir et la passion d’épuiser tout ce qui est donné »), celle de la révolte : (la révolte est considérée par lui comme la seule position tenable face à l’absurde. Elle figure avec la liberté et la passion, comme une solution valable et capable d’assurer la justice. Elle seule peut assurer une action affective capable de dépasser la stérilité et l’angoisse créées par l’absurde), celle de l’amour : (Camus entend par là, l’amour de l’homme, tel qu’il est, avec ses forces et son intelligence et aussi avec ses limites et ses faiblesses. Camus exprime son affection et sa solidarité envers l’homme. Ce n’est plus seulement un humanisme classique qui s’affirme, plus seulement une position morale, mais une position d’homme sensible. Camus recherche encore à s’approcher de ces « quelques choses », de cette « part obscure » qui est en tout homme, et en lui-même en particulier). Cette étude interroge sur la remarquable prose camusienne qui touche au premier plan la question de l’Homme qui progresse et modifie au fil des années ; l’attachement au service d’une justice relative aux hommes dont l’idée n’est pas séparable de celle du bonheur ; l’adhésion à une éthique humaine et humaniste qui n’est que pour pousser l’esprit humaine à la perfection. Son art n’est pas « une réjouissance solitaire ». Camus formule son exigence envers l’Homme car l’art est le moyen de l’expression d’une communion entre les hommes<br>Albert Camus himself distinguished three phases in his work: that of the absurd (awareness of non-meaning of life led Camus to the idea that man is ‘’ free to live without appeal’’, take a risk to pay the consciences of his errors and must exhaust the joys of this earth. Life accepts the non-sense of the world and finds happiness in even the absurd. Camus says that the absurd is not in man nor in the world, but in their common presences, in their ‘’ confrontation’’ and defines it as ‘’ indifference to the future and the passion to exhaust all that is given’’), that of the revolt: (revolt is considered by him as the only tenable position to face the absurd. It appears with the freedom and passion, as a valid solution and capable of ensuring justice. It alone can assure emotional action capable of overcoming unproductiveness and anxiety created by the absurd), that of the love (Camus meant here the love of man as he is, with its forces and intelligence as well as its limitations and weaknesses. Camus expresses his affection and solidarity towards man. This is not only a classical humanism which expresses itself, not just a moral position, but the position of a sensitive man. Camus still tries to approach these ‘’ few things’’ this ‘’obscure part’’ which is in every man, and himself in particular. This study examines the remarkable prose of Camus that concerns the issue of man, who progresses and changes over the years; attachment to the service of justice, relating to man whose idea is not separable from that of happiness; adherence to human and humanist ethics which are pushing the human mind to perfection. His art is not ‘’ a solitary joy’’. Camus formulates his expectation from man because art is the way of expression of communion between people
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Galili-Lafon, Jeanne. "Irène Némirovsky : le trouble d'une oeuvre." Paris 8, 2002. http://www.theses.fr/2002PA082174.
Full textAbstract:
Exilée russe d'origine juive, arrivée à Paris en 1919 à 16 ans, romancière à succès des années 30, Irène Némirovsky est morte à Auschwitz en 1942. Fêlure significative, son oeuvre se partage en romans à personnages juifs et romans à personnages français. Alors que ses premiers récits comme le dernier témoignent de l'importance qu'elle accorde à l'origine juive des personnages, allant jusqu'à jouer avec les stéréotypes antisémites, ses "romans français" lui font une place originale dans le "roman de moeurs" de l'entre-deux-guerres. Mais qu'il s'agisse des figures de femme (mères rivales et jeunes filles libres), de la précarité des espaces, du rapport entre l'Histoire et la mémoire de la persécution et de la place de l'argent, à la fois art et jeu, les "romans juifs" ont une poétique profondément différente. Ils se détachent aussi de ce qu'écrivent les romanciers juifs français de l'époque, même lorsqu'en 1940 elle aborde comme eux la question du rapport entre juifs et non-juifs dans le mariage, achevant de dessiner une figure complexe et ambigüe de romancière juive d'avant la Shoah
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Héron, Pierre-Marie. "Esthétique et morale dans les oeuvres de Marcel Jouhandeau et Jean Genet." Paris 7, 1995. http://www.theses.fr/1995PA070008.
Full textAbstract:
Envisageant l'ensemble du corpus des deux ecrivains, l'essai s'attache a degager les grandes donnees d'esthetique et de morale de leur experience du meurtre et de l'homosexualite, deux des lieux les plus douloureusement sensibles de leur rapport au monde et a leurs lecteurs. La premiere partie en suit la formulation et l'evolution a propos du meurtre, des "passions heretiques" des contes des annees 1920 aux chroniques de faits divers de 1966 (jouhandeau); des crimes de faits divers des recits des annees 1940 au meurtre politique des derniers ecrits (genet). La seconde partie fait de meme a propos de l'inversion, longtemps vecue comme coupable, et a laquelle les deux ecrivains ont pu donner, plus ou moins longuement, un role de fondement esthetique et morale (ou au moins esthetique: genet). Les trois premiers chapitre s etudient l'evolution du type de m. Godeau jusqu'a l'esthetique du libertinage des carnets de don juan, puis la defense de l'idolatrie des journaliers et des ecrits erotiques contemporains, enfin le savoir-vivre etabli dans les memes decennies sur fond de dispute morale. Quatre chapitres consacres a genet suivent la representation de la sexualite masculine jusqu'au compromis moral de journal du voleur, son reniement dans les textes de 1954-1955 pour une logique esthetique, enfin le bilan du livre posthume, oscillant entre prostitution et pieta. Une derniere partie s'attache aux prolongements spirituels des demarches morales et esthetiques, elaborees en effet dans un climat religieux dont jouhandeau et genet cherchent a detacher dans le meme temps des voies ou ideaux de perfection<br>Considering the whole corpus of the two writers, the essay means to extract the main data of aesthetics and morals from their experience of murder and homosexuality. Two of the most grievously sensitive scenes of their relationship to the world and their readers. The first part follow s its formulation and evolution about murder, from the "heretical passions" pf the 1920s' tales to the 1966 news in brief (jouhandeau); from the foul crimes of the 1940s' stories to the political murder in the last works (genet). The second part does the same with inversion, felt guilty for long, and to whom the two writers may have given the role of a n aesthetic and moral basis (or at least aesthetic: genet). The first three chapters study the evolution of the type of m. Godeau up to the libertin aesthetics in the carnets de don juan, then the defence of idolatry in the journaliers and the erotic works of the same period, finally the savoir-faire developped in the same decades on the ground of a moral debate. Four chapters devoted to genet follows the representation of male sexuality up to the moral compromise of journal du voleur, its denial in the 1954-1955s' texts to the benefit of an aesthetic logic, lastly the conclusion of the posthumous book, between prostitution and pieta. A last part studies the spiritual extensions of the aethetic and moral processes, which are actually elaborated in a religious climate from which jouhandeau and genet seek to detache ways and ideals of perfection
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Barstad, Guri Ellen. "Stratégies narratives dans les chroniques romanesques de Jean Giono." Aix-Marseille 1, 1993. http://www.theses.fr/1993AIX10049.
Full textAbstract:
Le but de cette these est de suivre les strategies narratives de giono et de lire certains de ses romans comme des fables de sa propre ecriture. Elle postule que la critique de giono n'est pas theorique mais pratique: sous des histoires racontees et sous leur contenu, il existe un recit second, interne a ces histoires, et qui donne a voir l'art du romancier. Le corpus se compose de un roi sans divertissement, mort d'un personnage, le moulin de pologne et les grands chemins. L'etude d'un roi sans divertissement cherche d'abord a devoiler la strategie manipulatrice du narrateur, a observer comment il fait passer son message. Ensuite, le recit de saucisse revele comment par une marche graduelle vers la verite, celle-ci en arrive a une expression de plus en plus directe du veritable sens de son recit. Enfin, il s'agit d'une etude du hetre, mise en abime de tout le roman. Mort d'un personnage est presente comme la fable d'un renouvellement esthetique. La lecture du moulin de pologne est d'abord une tentative de comprendre le sens du destin des coste, ensuite c'est une meditation autour de certains traits caracterisant l'artiste. L'etude des grands chemins, s'attache en premier lieu a rechercher des elements du texte signalant le detachement du narrateur vis-a-vis de l'artiste, puis elle se concentre sur l'ambiguite du narrateur pour aboutir a une lecture du roman comme une mimesis de l'acte d'ecrire, et a une reflexion sur narration, temps et identite narrative. La these en conclut que l'esthetique de giono s'oppose a une theorie speculative de l'art. Pour lui, la pratique de l'art est une activite artisanale solitaire, un tete-a-tete avec les mots.
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Ahn, Young-Hyun. "L'Imaginaire mythique dans les premiers oeuvres de Jean Giono : cosmogonie et initiation." Limoges, 1994. http://www.theses.fr/1994LIMO0505.
Full text
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Inderwildi, Hilda. "L oeuvre romanesque de kubin, sa place dans la creation de l artiste et dans l art fantastique au debut du vingtieme siecle." Toulouse 2, 1994. http://www.theses.fr/1994TOU20011.
Full textAbstract:
Ce travail cherche a preciser les modes de symbolisation dans l oeuvre romanesque de kubin, peintre-ecrivain qu on situe d ordinaire dans la litterature fantastique de la decadence et a proximite des courants expressionnistes et surrealistes. Nous nous sommes fixes sur l etude comparative des dessins et du texte pour apporter un eclairage nouveau sur la poesie fantastique de l auteur et sur l originalite de ses modes d expression picturale. C est ainsi que nous avons cru pouvoir saisir l art de kubin a travers la mobilite, le refus des solutions definitives et un eclectisme correspondant non a une dispersion mais a une volonte constructive - eclectisme qu on peut en outre placer dans le voisinage du pessimisme schopenhauerien et de la philosophie de l indetermine selon friedlander. Il faut se demander si le genie de kubin n est pas dans ce qu on a pu considerer parfois comme des defauts. En explorant toutes ces possibilites, nous avons voulu donner une image plus complete d un artiste dont on occulte assez souvent les dimensions humoristiques et contemplatives. Il resulte de cette multiplicite un fantastique tres nuance ou l apport de la peinture apparait comme decisif dans sa collaboration avec la poesie. This work is meant to explore the process of symbolisation and the significance of kubin's fantastic writings; it is an attempt to define the originality of kubin's fantastic poetry which paradoxically always maintains itself on the dividing line between the unreal, satire and the grotesque. The study of kubin's graphic art throws light on the varied nuances, ambiguities, uncertainties and the various structures of indetermination in his dream world; it shows the real caracter of kubin's creation, that is to say the eclecticism and the mobility which should be regarded as kubin's positive achievement this study tries to "rehabiliate" kubin's eclectic art and give a complete image of an artist who shows a peculiar form of intellectual hedonism together with a deep and effective sense of humour.