To see the other types of publications on this topic, follow the link: Oeuvres – Danse.
Journal articles on the topic 'Oeuvres – Danse'
Create a spot-on reference in APA, MLA, Chicago, Harvard, and other styles
Consult the top 50 journal articles for your research on the topic 'Oeuvres – Danse.'
Next to every source in the list of references, there is an 'Add to bibliography' button. Press on it, and we will generate automatically the bibliographic reference to the chosen work in the citation style you need: APA, MLA, Harvard, Chicago, Vancouver, etc.
You can also download the full text of the academic publication as pdf and read online its abstract whenever available in the metadata.
Browse journal articles on a wide variety of disciplines and organise your bibliography correctly.
1
Scarpulla, Mattia. "Archives, danse1 et recréation. Une introduction2." Archives 46, no. 1 (2016): 15–34. http://dx.doi.org/10.7202/1035720ar.
Full textAbstract:
Dans son article, Mattia Scarpulla s’intéresse aux archives courantes et historiques du milieu professionnel de la danse qu’il nous décrit à travers les fonctions de transmission et de diffusion. Les archives administratives de ce milieu prennent différentes formes et sont autant de moyens de transmission, que ce soit lors de la création de la chorégraphie, de sa représentation ou encore de sa recréation. Le document d’archives, ainsi transmis, est porteur de la mémoire de la danse et du potentiel créatif des oeuvres. L’auteur explique qu’à la base de la mémoire de la danse, il y a sa disparition, d’où la nécessité de la conserver pour une nouvelle création. Quant aux archives historiques du domaine, elles possèdent également ce fort potentiel créatif qui se manifeste, entre autres, par la diffusion d’archives qui deviennent des oeuvres en elles-mêmes.Scarpulla nous présente trois institutions vouées à la conservation de ces archives, chacune possédant ses propres enjeux et approches, soit la bibliothèque de la danse Vincent-Warren, le Centre national de la danse et le Musée de la danse, situé à Rennes. Par ces exemples, l’auteur évoque la question des archives en lien avec la nécessité de produire de nouvelles mémoires, de nouvelles danses et aborde des sujets tels que le pouvoir de dire, les enjeux politiques institutionnels et les enjeux personnels propres à ce milieu. Ces derniers aspects sont des ouvertures vers des considérations sur la production d’archives, en tenant compte du facteur humain et créatif à la base d’un choix ou d’une action.
2
Grayson, David, Claude Debussy, Pierre Boulez, and Myriam Chimenes. "Oeuvres completes, ser. 5, vol. 8: Jeux, poeme, danse." Notes 47, no. 3 (1991): 955. http://dx.doi.org/10.2307/941939.
Full text
3
Caron, Claudine. "La musique de Pierre Mercure à l’affiche de spectacles de danse." Circuit 21, no. 3 (2011): 9–21. http://dx.doi.org/10.7202/1006357ar.
Full textAbstract:
Le catalogue des oeuvres de Pierre Mercure reste des plus énigmatiques ; manuscrits introuvables et bandes magnétiques perdues seraient en cause. Tourné vers les spectacles de danse lors desquels ses oeuvres ont été diffusées – entre 1948 et 1964, Pierre Mercure compose onze musique de danse – , cet article propose d’en retracer l’histoire à partir des photographies, des programmes de spectacles et des articles de presse. Nous verrons par ce corpus comment Mercure repense la composition au fil des années en explorant des trajectoires originales dans son écriture, en utilisant des outils et des techniques des studios de musique électroacoustique et en revisitant le cadre du concert conventionnel avec, d’une part, des danseurs, de l’équipement technologique en lieu et place des interprètes et, d’autre part, un éclairage spécialisé et la participation de collaborateurs en arts visuels. Pierre Mercure aura certes été un grand créateur aux côtés des artistes de Refus global et ceux-ci auront naturellement contribué à la diffusion et à la réception de la musique contemporaine au Québec.
4
Schroedter, Stephanie. "De nouvelles danses pour le vieux Monsieur B. Musique de J.-S. Bach avec chorégraphies et improvisations de la fin du XXe siècle." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 13, no. 1-2 (2012): 105–16. http://dx.doi.org/10.7202/1012356ar.
Full textAbstract:
Un survol des développements choréomusicaux de la fin du XXe siècle révèle un nombre étonnant de productions en danse de tous genres et styles sur la musique de Jean-Sébastien Bach. Il ne fait aucun doute que Bach a été l’un des compositeurs les plus populaires chez les chorégraphes du siècle dernier, même si les oeuvres utilisées n’étaient pas forcément vouées à la danse. Ainsi, plusieurs faits peuvent expliquer ce phénomène. D’abord, les formes et les structures dans sa musique sont claires et évidentes, se prêtant admirablement aux chorégraphies. Deuxièmement, sa musique est très expressive, ce qui tient de la rhétorique et de la théorie des passions de son époque. Enfin, le compositeur a souvent été inspiré par les rythmes de la danse, même si sa musique est généralement beaucoup plus complexe que la musique de danse dite « idiomatique ». Nous comparerons deux démarches d’interprétation en danse afin de démontrer l’étendue possible des conceptions chorégraphiques de l’oeuvre de ce doyen de la musique occidentale. L’une est la création de Gerhard Bohner, chorégraphe allemand ayant évolué au sein du Tanztheater de Pina Bausch ; l’autre consiste en des improvisations de Steve Paxton.
5
Sienaert, M. "’n Aspek van intertekstualiteit in die poesie van Breytenbach: Francois Villon en die Middeleeuse Franse literere tradisie." Literator 11, no. 2 (1990): 64–82. http://dx.doi.org/10.4102/lit.v11i2.802.
Full textAbstract:
Apart from biographical correlations marking the poetry of Breyten Breytenbach and Francois Villon (imprisonment and exile) there is an ongoing intertextual dialogue between the two authors on which this article focusses. Thematic correlations indicate that both oeuvres link up with the age-old literary tradition of the ubi sunt and the danse macabre. Stylistic correlations, such as word-play, the polyvalent nature of the text and the use of paradox as creative principle appear to be symptomatic of the existential insecurity characterizing historically and culturally transitional periods. This implies inter alia that the parallel between the two oeuvres is not merely anecdotal, but that the Breytenbach discourse has validity in a context far broader than South Africa and ties in with a universal literary tradition where master data of the text unfold in a wholly different dimension than a first level meaning might suggest.
6
Teatro & Dança, REPERTÓRIO:. "Prise en compte des enjeux esthétiques et de santé en danse contemporaine professionnelle: paroles de chorégraphes, interprètes et répétieurs [Sylvie Fortin]." REPERTÓRIO, no. 13 (November 16, 2012): 55. http://dx.doi.org/10.9771/r.v0i13.4014.
Full textAbstract:
Dans cet article, j’aborde comment la santé est négociée selon plusieurs aspects de la pratique professionnelle de la danse. Alors que plusieurs chorégraphes, en sous-texte de leurs oeuvres, dénoncent des injustices humaines, nous pourrions escompter une considération de la santé et du bien-être des artistes qui donnent corps à ce regard sur le monde. Nos résultats d’entrevues auprès d’une quarantaine de chorégraphes, répétiteurs et interprètes professionnels s’apparentent toutefois à ceux d’autres études en regard de la passion et de la vocation souvent évoquées pour expliquer les atteintes corporelles auxquelles consentent les artistes. Ces derniers sont même parfois fort résistants à de nouvelles façons de penser et de vivre leur art. De nos entrevues est clairement apparu un discours dominant axé sur la préséance de l’oeuvre et le dépassement des limites corporelles. Si la danse contemporaine est née en réaction au codes du ballet, elle continue à perpétuer une culture du silence face aux souffrances physiques et à la détresse psychologique des interprètes.
7
Perrot, Edwige. "Pour une esthétique de la dissidence : dire du corps et dire du discours au service d’une polyphonie hétéromorphe dans les solos de Pol Pelletier." Voix divergentes du théâtre québécois contemporain, no. 47 (August 16, 2011): 37–52. http://dx.doi.org/10.7202/1005614ar.
Full textAbstract:
Dans la lignée des fêtes dionysiaques, la musique, le chant, la danse, le corps, le récit sont au coeur de l’oeuvre théâtrale de Pol Pelletier. Au premier abord, tant l’hétéromorphie que la polyphonie semblent caractériser le théâtre de Pol Pelletier. Comment les solos de Pol Pelletier s’inscrivent-ils dans une esthétique de la divergence, voire de la dissidence ? Pourquoi l’hétéromorphie chez Pelletier ne se mesure pas uniquement à la surface de ses oeuvres, mais raisonne jusqu’aux fondements mêmes de tout ce qui y est dit, de tout ce qui y est montré, de tout ce qui y est joué ?
8
Thibault, Sara, and Hervé Guay. "Sorties du théâtre : pratique de l’interartistique chez Brigitte Haentjens." L’Annuaire théâtral, no. 61 (August 28, 2018): 131–48. http://dx.doi.org/10.7202/1051030ar.
Full textAbstract:
Cet article s’intéresse à la partie du travail de Brigitte Haentjens où celle-ci rompt avec une esthétique purement dramatique pour pénétrer dans des zones interartistiques. Dans plusieurs oeuvres de ce corpus, Haentjens fait appel à une approche non textocentriste ou encore recourt à des matériaux non dramatiques. Cet ensemble de mises en scène opère ainsi des percées du côté de la performance, de la danse, de la choralité et du théâtre environnemental afin de proposer un contrat spectaculaire légèrement différent que dans le reste de sa production, c’est-à-dire qui oscille entre plusieurs pôles artistiques au lieu de rester simplement théâtral. C’est une façon particulièrement efficace de rendre compte, par le corps, des tensions entre les individus et le groupe, de miser sur un dialogisme convergent et d’approfondir au contact d’autres arts la perspective critique, féministe, qui est la sienne.
9
Despotovich, Brett, Robert Hengeveld, Risa Horowitz, Brandy Leary, Lynne Quarmby, and Susan Stewart. "An Other North: The Arctic Circle Summer Solstice Expedition 2017." RACAR : Revue d'art canadienne 43, no. 1 (2018): 53–62. http://dx.doi.org/10.7202/1050820ar.
Full textAbstract:
Cette section Pratiques présente un aperçu du travail de six Canadiens, cinq artistes et une scientifique, qui en juin 2017 ont navigué le long des côtes ouest et nord du Svalbard, dans l’Arctique, dans le cadre de The Arctic Circle Summer Solstice Expedition. Cette expédition réunissait trente artistes, scientifiques, architectes et éducateurs, dont les pratiques englobent le dessin, les médias photographiques, les interventions in situ, la vidéo, la danse, la performance, l’écriture, les démarches sociales et la biologie moléculaire. Cette section témoigne de la nature interdisciplinaire, transdisciplinaire et multidisciplinaire des projets réalisés pendant l’expédition, ainsi que des multiples réflexions nées dans les mois suivants des discussions s’y étant déroulées. Encadrées par divers thèmes de projet, tels le deuil, la souveraineté, les catastrophes écologiques, les études nordiques et la cosmologie, les expériences collectives des participants, ainsi que les oeuvres qui en résultèrent, soulèvent des questions concernant les écologies humaines et leurs effets sur elles-mêmes et sur la planète entière.
10
Lacombe, Hervé. "Francis Poulenc et la danse." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 13, no. 1-2 (2012): 61–68. http://dx.doi.org/10.7202/1012351ar.
Full textAbstract:
La danse constitue un axe important de la production de Poulenc et un modèle essentiel de son style, axe qu’il convient d’examiner globalement. Les références explicites (dans les titres) ou implicites aux danses irriguent toute son oeuvre, en dehors même des ballets, et contribuent à créer un imaginaire de la danse, lié à ses lectures et à ses souvenirs. Les danses populaires urbaines et les danses anciennes s’inscrivent logiquement dans l’esthétique néoclassique et permettent la constitution d’un « folklore personnel ». Le cas exemplaire des Biches, partition composée pour les Ballets russes de Diaghilev, permet à Poulenc de déployer sa propre poétique fondée sur une relation étroite nouant musique, danse et programme intime.
11
Seibert, Andrei Yur'evich. "The livre partition phenomenon in J.-G. Kastner’s oeuvre." PHILHARMONICA. International Music Journal, no. 6 (June 2020): 9–19. http://dx.doi.org/10.7256/2453-613x.2020.6.34651.
Full textAbstract:
In the 19th century, after a two-centuries oblivion, the interest in a medieval genre “danse macabre” reappeared. Dances of Death were embodied not only in pictorial art, literature and music, but also attracted the attention of scholars. The research subject of this article is one of such scientific works - “Les Danses des Morts” by J.-G. Kastner. Its uniqueness consists in the combination of a theoretical research and practical embodiment of its results in a piece of music. The genre of the tractate is defined by scholars as “livre partition” - a sheet music book. The article contains the biographical data of the life and creative work of the French scholar, music expert and composer, little-known in Russian musicology. Based on their own translation of the original text, the authors study the structure-content components of the tractate and define its specificity. J.-G. Kastner considers the genre “danse macabre” in the historical, philosophical and aesthetic contexts; traces back the interdependence of literary, decorative, and musical versions of the dances. The tractate of the French musicologist considers in detail the range of instruments of dance macabre (based on the collection of wooden engravings of a gothic Doten Dantz printed in the late 15th century). The authors define the features of J.-G. Kastner’s ideas which differ them from the thanatological views of his predecessors H. Peino and E.-H. Langlois.
12
Beaudet, Jean-Michel. "Le lien. Sur une danse des Wayãpi (Amazonie)." Protée 29, no. 2 (2005): 59–66. http://dx.doi.org/10.7202/030626ar.
Full textAbstract:
Ce texte propose une description et une analyse simple d’une danse amazonienne. Les Wayãpi, peuple du plateau des Guyanes, ne mettent en oeuvre que des danses collectives, où les danseurs sont en même temps instrumentistes et chanteurs. Dans cette danse en chaîne, où les interprètes se tiennent par l’épaule, le rythme semble se fonder sur le souffle commun plutôt que sur une pulsation préétablie. Enfin, ce souffle commun ne semble être possible, ne réussir que si les hommes, qui jouent des instruments à vent, prennent appui sur leur « cavalière » pour respirer. Ainsi, cette présentation tente de comprendre comment cette forme musicochorégraphique associe les différences (individuelles, de sexe, etc.), la posture respiratoire et le mouvement d’ensemble.
13
Greif, Hans-Jürgen. "Peindre sa mort et celle des autres." Article 19, no. 2 (2008): 12–18. http://dx.doi.org/10.7202/017491ar.
Full textAbstract:
Résumé Qu’un peintre représente la mort des autres, voilà rien d’inhabituel, surtout s’il s’agit d’une des nombreuses danses macabres au Nord des Alpes, à la fin du Moyen Âge, et dont la plus célèbre fut sans doute celle du monastère des Innocents à Paris (1424/1425, détruite en 1529 ; gravures de Guy Marchant en 1485). Mais la présence du peintre dans la suite de ceux que la Mort emmène est bien plus rare. Les questions auxquelles l’article tente de donner une réponse sont les suivantes : pourquoi ce peintre suisse du début du XVIe siècle s’est-il joint à la danse macabre ? Quelle place occupe ce vado mori dans son oeuvre ?
14
Papavassiliou, Anthony. "Une caractéristique stylistique de l’Intelligent Dance Music : ambiguïté et rupture rythmiques chez Aphex Twin." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 16, no. 1-2 (2017): 133–46. http://dx.doi.org/10.7202/1039619ar.
Full textAbstract:
La musique d’Aphex Twin, souvent décrite comme un lieu où l’excès (Danielsen 2010) côtoie la rupture (Hawkins 2007), n’avait jamais fait l’objet d’analyses poussées sur le plan du rythme. Le style d’Aphex Twin appartient au courant de l’Intelligent Dance Music (IDM), généralement décrit comme un courant où les artistes adoptent une démarche expérimentale (Butler 2006) pour produire des oeuvres destinées à l’engagement du corps et de l’esprit. Nous avons analysé les principales oeuvres d’Aphex Twin appartenant à la période distincte (1995-2001) pendant laquelle lui et de nombreux autres artistes d’IDM ont produit des ensembles microrythmiques (communément nommés drills). L’objectif était de comprendre comment est organisé le rythme et de quelle manière le microrythme interagit avec lui. Parmi les oeuvres analysées figurent « Windowlicker » (1999), décrite par Hawkins (2007, 46-47) comme une oeuvre dissymétrique aux rythmes « captivants », ainsi que « To Cure A Weakling Child » (1996) et « Cock/Ver10 » (2001) ; dans notre démarche, nous avons suivi une méthodologie conçue pour l’étude du rythme dans l’IDM. Nous avons observé un discours rythmique mettant l’emphase sur des stratégies de groupement dissymétrique créant, d’une part, des situations souvent ambigües rythmiquement, et, d’autre part, un contexte favorable à la tension rythmique. Celle-ci est souvent accompagnée par l’augmentation du nombre des syncopes et des permutations rythmiques et peut résulter en un déphasage variablement important du flux rythmique. Ces différents effets altèrent, à différents degrés, la perception métrique et perturbent l’effet d’entraînement. Les ensembles microrythmiques enrichissent le rythme et densifient la structure métrique tout en formant des gestes musicaux. Ils participent, d’une certaine manière, à l’ambiguïté rythmique de par leur constitution, basée sur une périodicité intermédiaire entre les fréquences du rythme et celles des hauteurs. Si leur présence reste caractéristique de l’IDM de la période étudiée, ils peuvent jouer un rôle dans le groupement des ensembles rythmiques sans toutefois agir comme des éléments de poids.
15
Mougeolle, Marie. "Le collectif comme mode d’intervention : Perturbations de La 2e Porte à Gauche." L’Annuaire théâtral, no. 60 (August 15, 2018): 75–89. http://dx.doi.org/10.7202/1050922ar.
Full textAbstract:
La 2e Porte à Gauche invite, en 2016-2017, des artistes issus de la danse et des arts visuels à réfléchir ensemble autour de la question « Qu’est-ce que la danse peut produire (d’autre)? » L2PAG interroge alors la forme de l’oeuvre en regard du médium qui la crée, tout en interrogeant la problématique du collectif comme forme, méthode de travail et mode d’incubation d’idées ou de transgressions. Cet article tente de penser les dynamiques de création interdisciplinaires à travers le prisme de la création collective : comment faire oeuvre autrement, et à plusieurs? Comment fonder des lieuxmétis (Nouss, Plaidoyer pour un monde métis, 2005), territoires de création où identités et appartenances collaborent à faire oeuvre?
16
Côté, Julie-Anne. "De la danse au musée : mémoires de l’oeuvre chorégraphique contemporaine." Muséologies 7, no. 2 (2015): 55–70. http://dx.doi.org/10.7202/1030250ar.
Full textAbstract:
La notion de patrimoine culturel s’est élargie ces dernières années. Traditionnellement associée aux monuments et aux sites sous l’angle de leurs valeurs esthétiques et historiques, elle englobe maintenant les traditions et les pratiques sociales, mais aussi les arts du spectacle, dont la danse. L’élargissement de la notion de patrimoine pose la question des nouveaux objets patrimoniaux et muséaux dont les aspects vivants, contemporains, intangibles ou immatériels sont régis par des valeurs qui s’opposent aux valeurs traditionnelles des musées. Ainsi, quoique la conservation et la valorisation du patrimoine de la danse apparaissent nécessaires, elles n’en restent pas moins complexes, particulièrement en ce qui touche l’oeuvre chorégraphique contemporaine en Occident. La danse contemporaine requiert des modes singuliers de mémoire qui supposent diverses perspectives de transmission et de mise en mémoire. Après avoir situé la danse par rapport à la notion de patrimoine culturel immatériel, ce texte présente le double registre de la mémoire de la danse contemporaine : une mémoire documentaire et matérielle et une mémoire vivante et créative. L’étude du Musée de la danse de Boris Charmatz montre comment cette mémoire vivante et créatrice de la danse est mise en oeuvre et l’examen du projet d’exposition virtuelle de la Fondation Jean-Pierre Perreault présente la mise en valeur d’une mémoire documentaire et matérielle. Ces deux formes de mise en mémoire d’oeuvres chorégraphiques contemporaines illustrent de nouvelles perspectives de sauvegarde et de muséalisation d’un patrimoine vivant.
17
Girdwood, Megan. "‘Puppet of skeletal escapade’: Dance Dialogues in Mina Loy and Carl Van Vechten." Modernist Cultures 16, no. 2 (2021): 265–88. http://dx.doi.org/10.3366/mod.2021.0331.
Full textAbstract:
In an undated letter, likely composed in late 1914, Mina Loy reflected on the recent aesthetic experiences that had greatly affected her, writing that the ‘things that have made [her] gasp were a few Picassos, Windham [ sic] Lewis, Nijinski dancing – perfection is infrequent’. The letter was addressed to her American agent Carl Van Vechten, a dance and music critic at the New York Times, who played a highly influential role in shaping discourses around ballet and modern dance both in the US and internationally. This article conjoins Loy and Van Vechten's modernist oeuvres – crossing genres including poetry, novels, newspaper reviews, and photography – in order to reveal the importance of dance to their shifting aesthetic commitments and shared interest in the expressive capacities of the human form. Dancing bodies, moving fluently across the work of this modernist pair, variously transcribe Futurist satires, Decadent revivals, and a primitivist fascination with the erotic aspects of dance, crystallising in Loy and Van Vechten's responses to the Harlem Renaissance.
18
Bouchard, Mawy. "Les Projets d’« illustration » de la langue vernaculaire et leurs héritages littéraires." TTR : traduction, terminologie, rédaction 9, no. 2 (2007): 47–74. http://dx.doi.org/10.7202/037258ar.
Full textAbstract:
Résumé RÉSUMÉ : Les Projets d'" illustration " de la langue vernaculaire et leurs héritages littéraires - Dante écrivit, peu après Vita nova, en 1305, son De Vulgari eloquentia, texte qui servit de " manifeste ", d'abord aux champions des vernaculaires italiens, ensuite aux défenseurs des langues vulgaires européennes en pleine expansion dès la fin du XIVe siècle. Dante suggérait aux poètes désireux d'" illustrer " leur langue maternelle de composer une oeuvre aussi magnifique que celle de son grand maître romain, Virgile. Une oeuvre sans dénomination générique, mais définie par son vers hendécasyllabe et ses matières " illustres " : salus, virtus, venus. Boccace fut le premier disciple de Dante. Il répondit à l'appel de son maître, en écrivant une oeuvre dédiée à Mars, le tout-puissant dieu guerrier, seul capable d'accorder la gloire éternelle aux pauvres mortels. La Teseida délie nozze d1 Emilia servit de modèle, quelques années seulement après sa parution, aux poètes anglais et français. Chaucer traduisit la Teseida, qui devint " The Knight's Tale ", et l'intégra à ses Canterbury Tales vers 1380. En France, un traducteur anonyme du roi René d'Anjou traduisit à son tour, vers 1460, l'oeuvre épique de Boccace, qu'il intitula Thezeo. Au XVIe siècle, époque déterminante dans l'histoire de la langue française, Anne de Graville " translata de vieil langage en nouveau " le Thezeo qu'elle intitula: le Beau romant des deux amans Palamon etArcita et de la belle et saige Emilia. Cette étude suit le parcours de la Teseida de Boccace d'une langue à une autre, en s'intéressant au projet et au " contre-mouvement" de l'illustration des langues vernaculaires européennes esquissé par le grand poète toscan, Dante.
19
Salus, Carol. "Poetic Transformations in Matisse's Earliest Dance Images." Dance Research 39, no. 1 (2021): 6–32. http://dx.doi.org/10.3366/drs.2021.0320.
Full textAbstract:
Matisse's early dance paintings Joy of Life, Dance (I), and Dance (II) appear in countless art books in which their public receptions are repeatedly treated in a superficial manner. The fame of these works needs to be understood in a fuller context for students of dance and art. Matisse's early dance paintings are carefully examined in terms of their historical influences. His exposure to Isadora Duncan, Loïe Fuller, and the Ballets Russes is considered. The frequent citation of specific folk dances Matisse saw at the time he created these works is challenged. What becomes significant is how poetically Matisse transformed the many sources he absorbed into his own reductive style. Matisse's decades-long interest in dance is demonstrated by select examples from his dance oeuvre. Even as an invalid, Matisse continued to work with dance themes. His joy in watching dance and making dance works, including those for ballet, reflected his passion for colour, motion, and expression of the liveliness he saw in dance. It is hoped that this article can lead to more interdisciplinary scholarship and teaching between dance studies and art history.
20
Chen, Qi. "Dante in the Chinese context: Translation, study and teaching." Forum Italicum: A Journal of Italian Studies 55, no. 2 (2021): 653–86. http://dx.doi.org/10.1177/00145858211022558.
Full textAbstract:
The rise and revival of Dante since his introduction into China over a century ago has been a complex process, marked by two highpoints: the first in the 1920s and 30 s, with early interest in Dante’s significance as an historical figure and translation of his works into Chinese; and the second, a reprise of his work in the post-Mao reform period from the 1990s on, with the advent of serious translation projects and literary analysis from a Chinese perspective. This article examines the translation, research, and teaching of Dante and his works in China during two periods, 1880–1978 and 1979–2020, and provides a window into how Dante has been read and understood in China since the introduction of his oeuvre.
21
Prévost, Maxime. "Écrire la voyance." Études littéraires 37, no. 2 (2006): 87–98. http://dx.doi.org/10.7202/013673ar.
Full textAbstract:
Résumé Cet article s’intéresse à la représentation que fait Honoré de Balzac de Dante Alighieri dans sa nouvelle Les proscrits (1831). Balzac donne vie au plus grand poète de l’époque médiévale pour rappeler à ses lecteurs que l’écrivain de génie tient nécessairement du voyant. Le Poète véritable serait celui dont la faculté de seconde vue lève le voile, ne serait-ce que partiellement, sur les mystères métaphysiques de la création. On suggère en conclusion que, par le choix du titre général de Comédie humaine, Balzac se réclame implicitement de l’autorité de Dante pour écrire une oeuvre visionnaire et mystique.
22
Garand, Caroline. "Jean-Pierre Ronfard, el Autor." Dossier — Jean-Pierre Ronfard : l’expérience du théâtre, no. 35 (May 6, 2010): 114–24. http://dx.doi.org/10.7202/041559ar.
Full textAbstract:
Multiple, exaltant, paradoxal, le siècle d’or espagnol s’inscrit comme symbole de la liberté de créer. S’approprier ses grandes oeuvres et ses grands mythes, c’est, d’une certaine manière, réclamer pour soi le statut d’el Autor, ce créateur qui non seulement écrit, mais dirige, met en scène et apparaît, dans le motif duteatrum mundi, comme l’équivalent de Dieu. Ainsi, dansLe grand théâtre du monde, Jean-Pierre Ronfard, plus que d’adapter le chef-d’oeuvre de Calderon, cherche-t-il à affirmerles délices de la conquête, celle du pillard désinvolte qui puise là où il le souhaite, trouvant toujours moyen, à travers les mots des autres, d’exprimer sa propre vérité.
23
Zieziula, Grzegorz. "Beyond the Dogma of a ‘National Style’: Dance-Type Narration in Stanislaw Moniuszko’s Operas." Musicology Today 15, no. 1 (2018): 41–61. http://dx.doi.org/10.2478/muso-2018-0006.
Full textAbstract:
Abstract A privileged position in discourse on 19th-century opera is occupied by narration concerning the emancipation of national styles. In order to work out a fresh approach in scientific study of this subject, it seems crucial that we should abandon the ethnocentric perspective. This was one of the main postulates of Jean-Marie Pradier’s utopian project of ethnoscenology. Importantly, Pradier also stressed the physical aspect of all stage practice. In the times of Rossini, Verdi, Gounod and Moniuszko, the physicality of the spectacle was associated not only with singing, but also with choreography. The links between 19th-century opera and its broadly conceived dance component are the subject of a highly inspiring essay by Maribeth Clark, whose arguments, theses and conclusions we also present here in detail. Stanisław Moniuszko’s operatic style is commonly associated with Polish dance rhythms. Still, salon dance should also be considered, apart from national dances, as one of the keys to the composer’s entire oeuvre. In a study of his stage works from both the Vilnius and the Warsaw periods, the dance idiom will not be limited to the presence of dance rhythms in the protagonists’ arias or to the ballet sections. Dance qualities can be discerned in Moniuszko’s music on a much deeper, fundamental level of the construction of operatic narration. Dance is frequently a hidden mechanism that serves as an axis of development for the presented events or as an element that organises the dramaturgy of entire scenes and instrumental passages. This paper is an attempt to take a fresh look at the role of the dance idiom in Moniuszko’s operatic narrations, an initial reconnaissance, in which I point to the sources of the composer’s inspirations and illustrate my theses with specific examples.
24
Toporova, Anna V. "Dante and His Poem as Perceived by Boris Zaitsev." Studia Litterarum 6, no. 2 (2021): 184–97. http://dx.doi.org/10.22455/10.22455/2500-4247-2021-6-2-184-197.
Full textAbstract:
The present article analyzes the last work written by Boris Zaitsev before emigrating from Russia: the article Dante and His Poem dedicated to Divine Comedy. At first glance, the article may seem to be a collection of sundry thoughts about Dante and his work. At the same time, its deeper meaning comes to the fore when one examines the main points made by the author and incorporates the article into his oeuvre as a whole. In the article, Zaitsev focuses on Dante as a human being (“history of the soul”) and on Divine Comedy as a fruit of his creative genius. Having lost his native country even before emigrating from it, Zaitsev desperately began to search for the “truth” in both life and work. In this quest, the exile and truth-seeker Dante served as Zaitsev’s Virgil in his voyage through unknown and often hostile territories. From this standpoint, Divine Comedy acquired a unique meaning for Zaitsev, who began to treat it as a Gospel of sorts. A comparison of this article with Zaitsev’s next work, the essay Saint Sergius of Radonezh that he wrote in emigration, shows the unified perspective of the writer’s work: the connection between truth and the Truth, between poetic word and the Word- Logos. Dante and Saint Sergius are shown as beacons and waymarks in the “gloomy forest” of life. Their life experience, described in the context of their difficult times, served as a source of strength and solace for Zaitsev and offered models of existential behaviour that helped him to break out from horror and gloom towards light and Truth.
25
Toporova, Anna V. "Dante and His Poem as Perceived by Boris Zaitsev." Studia Litterarum 6, no. 2 (2021): 184–97. http://dx.doi.org/10.22455/2500-4247-2021-6-2-184-197.
Full textAbstract:
The present article analyzes the last work written by Boris Zaitsev before emigrating from Russia: the article Dante and His Poem dedicated to Divine Comedy. At first glance, the article may seem to be a collection of sundry thoughts about Dante and his work. At the same time, its deeper meaning comes to the fore when one examines the main points made by the author and incorporates the article into his oeuvre as a whole. In the article, Zaitsev focuses on Dante as a human being (“history of the soul”) and on Divine Comedy as a fruit of his creative genius. Having lost his native country even before emigrating from it, Zaitsev desperately began to search for the “truth” in both life and work. In this quest, the exile and truth-seeker Dante served as Zaitsev’s Virgil in his voyage through unknown and often hostile territories. From this standpoint, Divine Comedy acquired a unique meaning for Zaitsev, who began to treat it as a Gospel of sorts. A comparison of this article with Zaitsev’s next work, the essay Saint Sergius of Radonezh that he wrote in emigration, shows the unified perspective of the writer’s work: the connection between truth and the Truth, between poetic word and the Word- Logos. Dante and Saint Sergius are shown as beacons and waymarks in the “gloomy forest” of life. Their life experience, described in the context of their difficult times, served as a source of strength and solace for Zaitsev and offered models of existential behaviour that helped him to break out from horror and gloom towards light and Truth.
26
Haine, Malou. "Le magazine américain Vanity Fair (1913-1936) : vitrine de la modernité musicale à Paris et à New York." Les musiques franco-européennes en Amérique du Nord (1900-1950) : études des transferts culturels 16, no. 1-2 (2017): 23–37. http://dx.doi.org/10.7202/1039610ar.
Full textAbstract:
De sa création en 1913 à sa fusion avec Vogue en 1936, le magazine américain Vanity Fair a pour vocation de parler de l’art contemporain européen et américain par de courts articles de vulgarisation, des photographies et des caricatures. Plusieurs domaines artistiques sont couverts : musique, danse, opéra, littérature, peinture, sculpture, arts graphiques, cinéma, photographie et mode. La France constitue tout à la fois le rêve, l’attraction et le modèle des Américains : elle reste omniprésente jusqu’au milieu des années 1920, puis cède la place aux artistes américains. Vanity Fair reflète plus particulièrement la vie culturelle à New York et à Paris, même si ses ambitions sont plus largement ouvertes sur l’Europe et les États-Unis. Dans la rubrique intitulée « Hall of Fame », il n’est pas rare de trouver un Français parmi les cinq ou six personnalités du mois. La France est présente davantage pour ses arts plastiques et sa littérature. Le domaine musical, plus réduit, illustre cependant plusieurs facettes : les Ballets russes de Diaghilev, les ballets de Serge Lifar, les ballets de Monte-Carlo, les nouvelles danses populaires (tango, matchiche), l’introduction du jazz, la chanson populaire, les lieux de divertissements. Quant à la musique savante, le Groupe des Six, Erik Satie et Jean Cocteau occupent une place de choix au début des années 1920, avec plusieurs de leurs articles publiés en français. Dans les pages de Vanity Fair, des critiques musicaux américains comme Virgil Thomson et Carl Van Vechten incitent les compositeurs à se débarrasser de l’influence européenne. John Alden Carpenter ouvre la voie avec The Birthday of the Infanta (1917) et Krazy Kat (1922), mais c’est Rhapsody in Blue de Gershwin (1924) qui donne le coup d’envoi à une musique américaine qui ne copie plus la musique européenne. À partir de là, la firme de piano Steinway livre une publicité différente dans chaque numéro qui illustre, par un peintre américain, une oeuvre musicale américaine.
27
Epelboin, Annie. "La communauté poétique : Mandelstam et la bouteille à la mer." Études littéraires 41, no. 2 (2011): 19–31. http://dx.doi.org/10.7202/045157ar.
Full textAbstract:
L’image de la bouteille à la mer désigne, dans la tradition littéraire, les aléas de la transmission, le lien ténu entre le poète et ses lecteurs à venir. Pour Mandelstam et Celan, elle prend une dimension supérieure car ce lien du poète au lecteur est fondateur de l’acte de poésie en lui-même. Dans l’essai « De l’interlocuteur » (1913), Mandelstam privilégie la rencontre avec le destinataire-lecteur : celui qui trouve devient l’égal et le frère de celui qui envoie. Ainsi s’érige dans le moment de la reconnaissance une réciprocité amicale, intrinsèque à la vie du poème et comme contenue par lui. Cet échange s’effectue avec Villon comme avec Dante, de même que Dante l’avait mis en oeuvre avec Virgile et entre les poètes de l’Antiquité, dans l’uchronie de L’Enfer. À son tour, Celan « reconnaîtra » en Mandelstam le maître et l’ami, constatant qu’ils se destinent mutuellement leurs poèmes. Cette joyeuse communauté poétique est donc interactive, elle fonde une vaste confrérie transnationale autant que transtemporelle, en ce qu’elle naît d’une lecture-reconnaissance qui ignore les frontières et le vecteur temps.
28
Thoms, Victoria. "Martha Graham's Haunting Body: Autobiography at the Intersection of Writing and Dancing." Dance Research Journal 40, no. 1 (2008): 3–16. http://dx.doi.org/10.1017/s0149767700001339.
Full textAbstract:
In this article I employ modern dance pioneer Martha Graham's memoirBlood Memory(1991) to complicate understandings of autobiography. Following a deconstructive perspective (Buse and Stott 1999; Derrida 1994) and taking up feminist critiques of both autobiography (Benstock 1988; Chanfrault-Duchet 2000) and the effects of embodiment (Phelan 1997; Albright 1997), I theorize autobiography as a haunting interstice between writing and the body. I suggest that while the written account is an important means to chart a life, there are forms of autobiography that remain unrepresentable in the frame of writing. This impossibility is most poignant inBlood Memoryas Graham struggles to represent the autobiographical significance of the embodied performance yet is haunted by the inability to fully articulate in writing its significance for her. I argue that in encountering the written autobiography we should not disavow this haunting but rather acknowledge its importance as a means of encountering that life.To trouble tacit assumptions about written autobiography, I ask, How might written autobiography be understood as haunted? And how might dance serve to illustrate its haunted state? Lastly, what are the possible effects of understanding written autobiography as haunted? To address these questions I first consider the unsettled encounter with Graham'sBlood Memory. I theorize the effects of this encounter as stemming from the shadowy but persistent presence of Graham's danced oeuvre as an alternative form of autobiography and argue that this oeuvre could also be considered an autobiographical text. Then placing the “proper” written autobiography in dialogue with the danced autobiography, I posit the haunted status of autobiography itself–as always already troubled by multiple and alternative textual productions of self that can be both bodily and written in form. Finally, I suggest the possible effects of considering autobiography in this way.
29
Todeschini, Giacomo. "Servitude et travail à la fin du Moyen Âge La dévalorisation des salariés et les pauvres « peu méritants »." Annales. Histoire, Sciences Sociales 70, no. 01 (2015): 81–89. http://dx.doi.org/10.1353/ahs.2015.0088.
Full textAbstract:
RésuméPar l’analyse qu’il fait de la fausse méritocratie comme argument utilisé par les économistes néolibéraux pour justifier les inégalités économiques croissantes, Thomas Piketty sollicite, dansLe capital au XXIesiècle, une réflexion des historiens à propos de la représentation des salariés aussi bien dans la pensée économique que dans les politiques administratives des époques préindustrielles en Occident. Ce regard porté sur ceux que la tradition textuelle théologique, économique et gouvernementale appelait lesmercenarii, c’est-à-dire les salariés, révèle que, à partir du XIIIesiècle, l’Europe chrétienne des élites alphabétisées a interprété le travail manuel comme le signe d’une compétence utile et en même temps dévalorisante d’un point de vue social et politique. L’ancienne idée romaine du salaire commeauctoramentum servitutis, preuve d’une servitude, réapparaît sous une forme réélaborée à la fin du Moyen Âge en se transformant en un discours complexe organisé par les juristes, les théologiens et les pouvoirs locaux sur l’incompétence intellectuelle et la nécessaire marginalité politique des salariés en tant que travailleurs manuels. L’idée selon laquelle le travail salarié signale une condition de servitude et de manque d’intelligence caractérise au début de l’époque moderne autant les oeuvres littéraires que la rationalité économique dominante représentée par les premiers économistes « scientifiques ».
30
Csúr, Gábor Attila. "Henrik Hajdus (1890–1969) Rolle I Udbredelsen Af Det 19. Og 20. Århundredes Danske Litteratur I Ungarn." Folia Scandinavica Posnaniensia 23, no. 1 (2017): 46–59. http://dx.doi.org/10.1515/fsp-2017-0006.
Full textAbstract:
Abstract The Hungarian literary translator Henrik Hajdu (1890–1969) was one of the most extraordinary persons in the history of translating Scandinavian literature into Hungarian. Aside his activity as a translator from Norwegian and Swedish, Hajdu was also an important promoter of Danish authors of the 19th and 20th century. He held lectures on Nordic culture and literature, wrote reviews in prominent Hungarian journals and maintained regular contact to many of the Scandinavian publishers, writers, dramatists and poets. He translated novels by Henrik Pontoppidan, Martin Andersen Nexø and Sigrid Undset, made an edition of Ibsen's complete works and a great amount of short stories and poems. His oeuvre numbers about a hundred separate publications. This paper focuses on how he contributed to the general acceptance and reception of Danish literary works written between 1850 and 1930 among the Hungarian readers.
31
Moss, Kira. "Introduction and Summary of Contents." Aurorae Borealis Studia Classica 10 (October 12, 2020): 1–12. http://dx.doi.org/10.7557/16.5661.
Full textAbstract:
The tenth volume in the series presents a hitherto overlooked item in the oeuvre of the famous discoverer of electromagnetism, Hans Christian Ørsted (1777–1851). A highly influential figure in cutting-edge science internationally, Ørsted was also active as a populariser of various kinds of academic discoveries and theories within nineteenth-century Denmark. However, no separate publication on the aurora borealis by Ørsted has been known until now. It is in one of the many contemporary collections of miscellanies for the general public – namely, in Dansk Folkekalender for the year 1841 (printed 1840) – that Kira Moss has discovered his unsigned article on “Nordlyset” [The Northern Light]. In her introduction, Moss presents evidence of Ørsted’s authorship, contextualises the place of the northern lights in Denmark in the period known as Romanticism, and presents a detailed summary of his own theory. As a supplement, she provides a complete English translation of Ørsted’s article.
32
Terrien, Pascal. "Formation des maîtres et de musiciens pédagogues : le musicien-enseignant." Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 15, no. 1 (2015): 45–54. http://dx.doi.org/10.7202/1033794ar.
Full textAbstract:
La formation au certificat d’aptitude aux fonctions de professeur de musique (C. A.) du Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris (CNSMDP) est organisée depuis 2009 en différents modules. Parmi ceux-ci, le module B « Former des formateurs » donne lieu, en fin de cursus, à un exposé oral où l’étudiant doit « être capable de décrypter les savoirs (compétences, programmes, méthodes) et les moyens mis en oeuvre dans un cours observé » (Livret du Département de formation à l’enseignementdu CNSMDP 2010). Après avoir visionné un cours d’instrument, l’étudiant est invité à le décrire, à en analyser les éléments et à produire un commentaire qui permette au jury d’apprécier ses connaissances et ses compétences en pédagogie, ses qualités d’analyste, la pertinence des remarques et des remédiations qu’il proposerait au professeur. Sont étudiés dans cet article la corrélation entre les objectifs déclarés de ce module et les résultats obtenus par l’analyse des productions orales des étudiants lors de cette épreuve. Cette étude s’appuie sur l’analyse de la transcription des commentaires des étudiants, mise en perspective avec les objectifs affichés par cet examen et les attentes diverses du jury, et prenant comme référence le cadre théorique décrit par Hammerness, Darling-Hammond et Brandsford (2005).
33
Bident, Christophe. "Maurice Blanchot: de la chronique à la théorisation." Alea : Estudos Neolatinos 10, no. 1 (2008): 13–28. http://dx.doi.org/10.1590/s1517-106x2008000100002.
Full textAbstract:
Jamais Blanchot n'a écrit autant de critiques littéraires que pendant les années de guerre. Or ces textes, pour la plupart, restaient inconnus du public. Ils sont désormais accessibles sous le titre Chroniques littéraires du Journal des débats, 1941-1944 (Paris: Gallimard, 2007). On y trouve des pages sur Dante, Rabelais, Descartes, Montesquieu, Blake, Hoffmann, Jarry ou Joyce: autant d'auteurs sur lesquels Blanchot, ensuite, n'écrira plus. On y voit revenir quelques idoles: Giraudoux, Mallarmé, Valéry, les surréalistes français et les romantiques allemands. La critique de Blanchot n'est pas une critique universitaire. C'est d'abord une critique de jugement, qui ouvre la voie à une critique d'interprétation. C'est aussi une critique d'écrivain, qui se tient au plus près de l'acte de création. Et ce sont déjà les théories que Blanchot développera parfois bien plus tard, de La Part du feu à L'Entretien infini, qui se trouvent esquissées. Non sans contradictions ni pas de côté, et dans la certitude fiévreuse d'une oeuvre qui commence.
34
Bertozzi, Marco. "Un cinéma blessé : Pasolini et le mythe de la ville intacte." Cinémas 27, no. 1 (2017): 41–55. http://dx.doi.org/10.7202/1041107ar.
Full textAbstract:
Quel est l’imaginaire urbain esquissé par Pasolini dans ses films ? Quelles sont les formes de la ville imaginées dans son oeuvre, d’abord à Rome puis dans d’autres cités, dans les pays du « tiers-monde » ? Cet article tente de répondre à ces questions en partant de l’hypothèse que le cinéaste aborde la représentation de la ville en ayant à l’esprit l’urbs intacte, dont l’identité pure, presque mythique, est encore gardée par ses murs antiques (comme par le cadenas qui assure l’inviolabilité de l’image de la ville dans la célèbre Vue de Florence « à la chaîne »), et qu’il vit comme une blessure profonde toute tentative d’ouvrir ce type de ville à la contemporanéité ; ce qui l’amène à prendre la défense de la ville entière, même dans ses aspects les plus ordinaires et les moins monumentaux, de la même manière qu’il défend la littérature populaire et la poésie dialectale, tout aussi importantes à ses yeux que l’oeuvre de Dante ou de Pétrarque.
35
Bérard, Stéphanie. "Les dramaturgies antillaises contemporaines du « Chaos-Monde »." L’Annuaire théâtral, no. 43-44 (May 25, 2010): 45–57. http://dx.doi.org/10.7202/041705ar.
Full textAbstract:
La création théâtrale caribéenne contemporaine s’oriente vers des voies esthétiques plurielles favorisant le mélange des genres, des langues et l’hybridation des formes artistiques (en intégrant en son sein des composantes culturelles populaires telles que tradition orale des contes, proverbes et chansons, musiques et danses, rituels profanes et religieux). Des oeuvres innovantes, parfois déroutantes, viennent perturber les habitudes des spectateurs contraints de donner un sens à des pièces en apparence hétérogènes, désordonnées, voire chaotiques. C’est ce « désordre théâtral » que nous examinons dans cet article, et plus précisément les manifestations et les effets qu’un apparent chaos peut opérer sur l’écriture dramatique et sur la scène. Avec le temps… Con el tiempo… et Andidan Lawonn-la, du metteur en scène et comédien guadeloupéen Gilbert Laumord, sont deux pièces fondées sur l’exploitation dramaturgique de la culture populaire créole. Une fulgurante énergie créatrice se déploie sur la scène où s’opère la rencontre des langues, des genres et des arts, tandis que la parole poétique et contée se conjugue à l’expression corporelle. Ce théâtre hybride, à l’architecture fragmentée, voire disloquée, défie les lois de la rationalité et de la logique en célébrant la naissance d’un ordre nouveau, celui, obscur et opaque, imprévisible et fluctuant, du « Tout-Monde ».
36
Ziethen, Antje. "La littérature pour la jeunesse ou l’art de « danser dans les chaînes » : trois textes sur la diaspora haïtienne en Amérique du Nord." Francophonies d'Amérique, no. 33 (June 13, 2013): 79–94. http://dx.doi.org/10.7202/1016369ar.
Full textAbstract:
Le présent article se propose de sonder un corpus de littérature pour la jeunesse provenant d’auteurs haïtiens de la diaspora nord-américaine, afin d’en découvrir les leitmotivs et leur inscription dans un contexte de migration. À partir des oeuvres de Marie-Célie Agnant (Alexis d’Haïti,Alexis, fils de Raphaël) et de Stanley Péan (La mémoire ensanglantée), tous deux résidant au Québec, ainsi que d’Edwidge Danticat (Behind the Mountains), installée à New York, nous interrogerons la manière dont ce genre infléchit les topoï de la littérature dite postcoloniale (pour adultes) dans un univers d’enfants ou d’adolescents. Nous montrerons que – quoique soumise à des contraintes par rapport à son contenu et à sa forme – cette écriture s’invente des stratégies narratives, stylistiques et pédagogiques afin de familiariser le jeune lecteur avec un univers inconnu, parfois injuste et violent. Pourtant, nonobstant la représentation de la souffrance, de l’exclusion ou du malaise, se déploie, à travers la parole simple mais imaginative des enfants, un monde fabuleux, où se conjuguent aventures, épreuves, dépassement et rencontres enrichissantes. Enfin, émergera de l’analyse des textes leur dessein multiple : disséminer, sensibiliser, éduquer, divertir et inspirer un lectorat prêt à se laisser emporter, à apprendre plus sur soi-même et autrui.
37
Guin, Elisabeth Le. "“One Says That One Weeps, but One Does Not Weep”: Sensible, Grotesque, and Mechanical Embodiments in Boccherini's Chamber Music." Journal of the American Musicological Society 55, no. 2 (2002): 207–54. http://dx.doi.org/10.1525/jams.2002.55.2.207.
Full textAbstract:
Abstract The structural coherence and teleology emblematic of eighteenth-century Classicism are not strong features in the music of Luigi Boccherini (1743–1805). His posthumous reputation has suffered a great deal as a result. But regarded through the lens of performance—the sensations and images involved in its bodily presentation—his music evokes a different eighteenth century characterized by urgent, even volatile, inquiries into the nature of the self. In this article I use contemporary theories of embodiment as articulated by Gasparo Angiolini and other creators of pantomime dance—a tradition to which Boccherini had considerable exposure—in order to address the heart of Boccherini's oeuvre, the chamber music for strings, in regard to its characteristic presentations of sensibilité through extreme repetitiveness and a hyperattention to details of dynamics and articulation; of the grotesque through bizarre timbres and registral excesses; and of Newtonian mechanistic philosophy through gestural enactments of rapidity and rigidity. These presentations often distance and ironize the performer, particularly in regard to virtuosity. I argue that they make thereby a sophisticated contribution to the central Enlightenment tension between subjectivity and appearance so memorably articulated in Diderot's “Paradoxe sur le Comédien.”
38
Allen, Jess. "Tracktivism: Eco-activist walking art as expanded choreography in rural landscape." Choreographic Practices 10, no. 2 (2019): 175–95. http://dx.doi.org/10.1386/chor_00002_1.
Full textAbstract:
Abstract This article offers a reflexive account of my journey from dance into walking art through a methodological examination of tracktivism: the rural, eco-activist, pedestrian performance practice I have developed over the past eight years. My dancer's perception of walking art in the sculptural tradition had always been as choreography on an expanded scale: bringing attention to spatial patterns in landscape through the 'stylus' of the walking body. Here I examine the ways in which the growing oeuvre of tracktivist works have employed this choreographic device to (re)frame walking art as eco-activist performance. I consider how an art walk may be shaped in such a way as to foreground the spatial nature of ecological dis/connection in working agricultural landscapes, giving examples from my practice. I also propose that as patterns or routes expressly designed to be walked, the performer's material body becomes a 'measurant' to calibrate human scale against planetary scale. Thus the practice might be perceived to function as emancipated eco-activist choreography that offers a means of revealing and embracing our ecological enmeshment with/in complex more-than-human flows.
39
Lamy, Laurent. "ARISTOTELES MULTIPLEX :." Belas Infiéis 3, no. 1 (2014): 55–103. http://dx.doi.org/10.26512/belasinfieis.v3.n1.2014.11259.
Full textAbstract:
Cette étude part d’un fait trop négligé : les corpus d’auteurs comme Platon et Aristote ne connaissent leur editio princeps qu’au terme d’un long processus de recouvrement, de transmission, de collation philologique, de restitution et de traduction, contrairement à la majorité des oeuvres où elle coïncide avec la première édition. Référer à l’authorship, au statut d’auctor, c’est aussi considérer l’auctoritas. Pour ce faire, nous allons examiner les vagues de traduction du corpus aristotélicien à la Renaissance, aussi bien à Florence qu’à Padoue, fief des aristotéliciens radicaux, aux vues teintées d’averroïsme. Un champ de bataille se dessine alors entre les tenants de l’oratio, nourrissant un souci d’élégance et d’acuité dans le style inspiré de Cicéron, et les zélateurs du latin de la scolastique médiévale, la logica vetus, affligée par une langue plutôt laborieuse. Une attention particulière est portée aux travaux de traduction et aux prises de position de Leonardo Bruni et de Lorenzo Valla, chauds partisans de l’oratio. Nous inscrivons leur démarche dans une tradition de pensée qui prend son essor chez Cicéron et Quintilien et qui, par le relais du De vulgari eloquentia de Dante Alighieri, va s’épanouir dans la rhétorique des baroques espagnols, dont Baltasar Graciàn, pour ensuite être défendue avec force chez Giambattista Vico à l’encontre du rationalisme cartésien, pour trouver enfin une niche de prédilection dans la théorie critique des Romantiques d’Iéna, non moins que chez Walter Benjamin, qui en est un épigone. Nous en concluons que l’histoire des idées aussi bien que celle des diverses conceptions des usages de la langue sont aussi une histoire de (la) traduction.
40
Miller, Malcolm. "Jerusalem, Music Centre: Andre Hajdu." Tempo 67, no. 264 (2013): 78. http://dx.doi.org/10.1017/s004029821300017x.
Full textAbstract:
An 80th birthday concert full of the spirit of youthful exploration reflected the innovative interactive aesthetic of Andre Hajdu, the Hungarian-Israeli composer, whose oeuvre is gradually gaining wider international exposure. Presented by the Jerusalem Music Centre on 29 March 2012, the programme featured works from the last quarter of a century for chamber duo and solo piano, including two premières, culminating in an improvisational interactive jam session by an array of students and colleagues, joined by the composer himself at the piano. To begin was Hajdu's Sonatine for Flute and Cello (1990) ‘in the French style’ performed with panache by the flautist Yossi Arnheim and cellist Amir Eldan. It is an elegantly written work radiating the spirit of Hajdu's teachers Milhaud and (less overtly) Messiaen, with whom he studied in Paris in the 1950s and 60s. Beneath the light-hearted veneer of polyphonic textures is a serious, plangent expressiveness. The first movement, libre et gai, moves from the chirpy, Poulenc-like delicacy of a cat-and-mouse imitative chase, building tension towards a final stretto. In the second movement, molto moderato, Arnheim wove a lyrical cantilena for flute over gentle cello accompaniments, giving way to rarified high cello registers shadowed by eloquent lower lines of the flute. An exuberant dance-like finale, Libre mais un peu rythmé, increased in drama before receding to a tranquil conclusion.
41
Louwagie, Fransiska. "L’écriture « extime » de Gérard Wajcman : blancs, notes et intertextes dans L’interdit*." Études françaises 45, no. 2 (2009): 131–50. http://dx.doi.org/10.7202/037849ar.
Full textAbstract:
Résumé Le présent article propose une analyse de L’interdit, roman (Wajcman, 1985), une oeuvre qui se compose presque exclusivement de notes de bas de page, le corps du texte étant « absent ». Si l’oeuvre semble, d’après ce qu’indique son sous-titre, conclure un pacte romanesque, force est cependant de constater qu’elle participe également d’une écriture autofictionnelle et testimoniale, centrée sur la mémoire de la Shoah. L’interprétation de ce projet littéraire se fait en trois étapes. Dans un premier temps, nous examinerons les fonctions esthétique et phatique des notes : une lecture linéaire et circulaire de celles-ci nous permettra de déceler les grands traits de la trajectoire du protagoniste. Troisièmement, l’analyse des citations intertextuelles (notamment celles tirées de Proust, de Dante et de Flaubert) nous conduira à approfondir les isotopies sémantiques des notes, ce qui confirme que l’apparente dissémination de sens dans L’interdit ne constitue qu’une impression de surface. Finalement, nous montrerons comment L’interdit réalise le projet testimonial que Wajcman définit dans ses ouvrages consacrés à la Shoah et à l’histoire de l’art (L’objet du siècle et Fenêtre,Chroniques du regard et de l’intime). De fait, appartenant lui-même à la deuxième génération de survivants juifs du génocide, l’auteur se construit dans son « roman » une position testimoniale qu’il fonde sur les concepts lacaniens du sujet décentré, de l’objet (a) et de « l’extime ».
42
Duriez, Shawn. "Lire avec les yeux de l’histoire, ou le temps retrouvé de la critique sollersienne." Études françaises 46, no. 2 (2010): 121–35. http://dx.doi.org/10.7202/044538ar.
Full textAbstract:
Ce texte propose une réflexion sur l’oeuvre critique de Philippe Sollers — qui compte à ce jour trois tomes : La guerre du goût (1994), Éloge de l’infini (2001) et le plus récent Discours parfait (2010) — composée principalement de courts textes de critique littéraire, artistique et culturelle issus de la contribution régulière de l’auteur au journal Le Monde. L’objectif de cette réflexion est de montrer en quoi la critique sollersienne, qui se veut une véritable guerre défensive contre le mauvais goût, repose en dernière instance sur une conscience « vivante et verticale » de l’histoire, qui s’oppose à une conception linéaire du temps axé sur la succession, le dépassement et l’obsolescence. La spécificité de cette conscience du temps sera d’abord dégagée par le recours au concept d’histoire monumentale de Nietzche, ainsi qu’à l’interprétation heideggerienne de ce concept, mobilisée par Sollers dans la préface à La guerre du goût, selon laquelle « L’Histoire n’est pas une succession d’époques, mais une unique proximité du Même, qui concerne la pensée en de multiples modes imprévisibles de la destination, et avec des degrés variables d’immédiateté. » La mise en dialogue de ces deux philosophies de l’histoire conduira à la conclusion selon laquelle la « guerre du goût » menée par Sollers est en fait une guerre contre le ressentiment et le nihilisme métaphysique, considérés comme les principaux fondements de la société du Spectacle et de son mépris de la grandeur, de l’intelligence et du génie. Cette réflexion sur le temps et l’histoire servira par la suite à interroger l’oeuvre critique dans sa composition, qui, par le rapprochement d’artistes et de penseurs tels que Rimbaud, Sade, Montaigne, Joyce, Dante, Proust, Voltaire et Picasso, traduit une recherche de la « singularité universelle » de l’art par-delà la distance historique qui sépare les oeuvres. De cette conception de la critique sera dégagé l’impératif sollersien de « lire avec les yeux de l’histoire », c’est-à-dire savoir distinguer, apprécier et critiquer ce que, de l’énorme masse de signes qui se donnent pour lisibles, l’histoire elle-même révèle comme incarnation de sa propre singularité.
43
Fiedler, Erik Sporon. "Mellem asoteriologiske aforismer og sort gnosis: Emil Cioran, Peter Sloterdijk og Peter Sloterdijks Cioran." Religionsvidenskabeligt Tidsskrift, no. 69 (March 5, 2019): 187–206. http://dx.doi.org/10.7146/rt.v0i69.112756.
Full textAbstract:
ENGLISH ABSTRACT: This article presents an introduction to the Romanian author Emil Cioran’s life and work. Cioran lived most of his life in self-imposed exile in Paris, where he kept himself out of the public gaze. From his small attic at the left-bank of the river Seine he published numerous books of collections of aphorisms and essays dealing with his own miserabilism and permanent existential despair. Further, in his books he is reflecting on the human condition in a world where humans have no possibility of receiving nor acquiring salvation or redemption. This presentation of Cioran leads to an investigation of his influence on the work and thought of the German philosopher Peter Sloterdijk. I show that Cioran in fact plays an important and long-lasting role throughout Sloterdijk’s authorship by analysing texts from three different periods of his oeuvre. Thus, I seek to construct a picture of Sloterdijk’s Cioran and understand why he is important to him.
 DANSK RESUMÉ: I denne artikel gives en generel præsentation af og introduktion til den rumænske forfatter Emil Ciorans liv og værk. Cioran levede størstedelen af sit liv i selvvalgt eksil i Paris uden for offentlighedens søgelys. Fra sit lille loftskammer på den venstre bred af Seinen publicerede han løbende samlinger af aforismer og essays omhandlende sin egen miserabilisme og permanente eksistentielle ulykke. Endvidere reflekterer han i bøgerne over den menneskelige eksistens vilkår i en verden, hvorfra mennesket ikke har nogen muligheder for at blive forløst. Præsentationen af Cioran fører til en undersøgelse af hans indflydelse på den tyske filosof Peter Sloterdijks værk og tænkning. Gennem en analyse af tekster fra tre forskellige perioder i Sloterdijks forfatterskab viser jeg, at Cioran spiller en vigtig og vedvarende rolle igennem hele Sloterdijks filosofiske arbejde. Således forsøger jeg at konstruere et billede af Sloterdijks Cioran og at forstå hvorfor han anser ham for vigtig.
44
Broos, Ben. "The wanderings of Rembrandt's Portrait of Aeltje Uylenburgh." Oud Holland - Quarterly for Dutch Art History 123, no. 2 (2010): 89–107. http://dx.doi.org/10.1163/003067212x13397495480745.
Full textAbstract:
AbstractFor more than a century the only eyewitness account of Rembrandt's Portrait of an old woman (fig. 1) was a description made by Wilhelm Bode in 1883. At the time, he was unable to decipher the date, 1632; nor did he know anything about Aeltje Uylenburgh or the history of the panel. However, the painting's provenance has since been revealed, and it can be traced back in an almost unbroken line to its commission, a rare occurrence in Rembrandt's oeuvre. A pendant portrait, now lost, featured the preacher Johannes Sylvius, who is also the subject of an etching by Rembrandt dating from 1633 (fig. 2). Rembrandt had a close relationship with the Sylvius couple and he married their cousin Saskia Uylenburgh in 1634. After Aeltje's death in 1644, the couple's son Cornelis Sylvius inherited the portraits. We know that Cornelis moved to Haarlem in 1647, and that in 1681 he made a will bequeathing the pendants to his son Johannes Sylvius Junior. For the most part of a century they remained in the family. We lose track of the portrait of Johannes Sylvius when, in 1721, Cornelis II Sylvius refurbishes a house on the Kruisstraat in Haarlem. However, thanks to a handful of eighteenth- and nineteenth-century copies, it has been possible to reconstruct the trail followed by Aeltje. In 1778, a copy from Dessau turned up at auction in Frankfurt. It was bought under the name of Johann Heinrich Roos by Henriette Amalie von Anhalt-Dessau. There is a copy of this copy in the museum of Marseilles, attributed Ferdinand Bol (fig. 3). In 2000 an article in the Tribune de Genève revealed that the original had belonged to the Burlamacchi Collection in the eighteenth century, and was then thought to be a portrait of Rembrandt's mother. Jean-Jacques Burlamacchi (1694-1748), a prominent Geneva collector, acquired major works of art, including probably the Rembrandt portrait, while travelling in Holland and Britain around 1720. It was the heirs of Burlamacchi, the Misses de Chapeaurouge, who opened the famous collection to the public. In 1790 or thereabouts, the Swiss portrait painter Marc-Louis Arlaud produced a copy, now in the museum at Lausanne (fig. 4), which for many years was thought to be an autograph work by Rembrandt. The painter Georges Chaix also made a copy, which he exhibited in Geneva in 1823. This work still belongs to the artist's family; unfortunately it has not been possible to obtain an image. After the Burlamacchi Collection was sold in about 1825, the painting was referred to somewhat nostalgically as 'Un Rembrandt "genevois"'. It was bought for 18,000 francs by the Paris art dealer Dubois, who sold it to the London banker William Coesvelt. In 1828, Coesvelt in turn sold the portrait through the London dealer John Smith, who described it as 'the painter's mother, at the age of 62'. We know that the picture was subsequently acquired from Albertus Brondgeest by the banker James de Rothschild (1792-1868) for his country house at Boulogne, as this is mentioned in the 1864 description of Rothschild's collection by Charles Blanc. Baron James's widow, Betty de Rothschild, inherited the portrait in 1868 and it was in Paris that the Berlin museum director Wilhelm Bode (fig. 5) first saw the painting. In his description of 1883 he states that the woman was not, in his opinion, Rembrandt's mother. In 1886 the portrait fell to Betty's son, Baron Alphonse (1827-1905). Bode published a heliogravure of the work in 1897, which remained for many years the only available reproduction (fig. 6). Rembrandt's portrait of a woman was a showpiece in Baron Alphonse's Paris smoking room (fig. 7). Few art historians came to the Rothschild residence and neither Valentiner nor Bredius, who published catalogues of Rembrandt in 1909 and 1935, respectively, had seen the painting. Alphonse's heir was Baron Edouard de Rothschild, who in 1940 fled to America with his daughter Bethsabée. The Germans looted the painting, but immediately after the war it was exhibited, undamaged, in a frame carrying the (deliberately?) misleading name 'Romney' (fig. 8). In 1949, Bethsabée de Rothschild became the rightful owner of the portrait. She took it with her when she moved to Israel in 1962, where under the name of Bathsheva de Rothschild she became a well-known patron of modern dance. In 1978, J. Bruyn en S. Levie of the Rembrandt Research Project (RRP) travelled to Tel Aviv to examine the painting. Although the surface was covered with a thick nicotine film, they were impressed by its condition. Bruyn and Levie were doubtful, however, that the panel's oval format was original, as emerges from the 'Rembrandt-Corpus' report of 1986. Not having seen the copies mentioned earlier, they were unaware that one nineteenth-century replica was also oval (fig. 9). Their important discovery that the woman's age was 62 was not further investigated at the time. Baroness Bathsheva de Rothschild died childless in 1999. On 13 December 2000 the painting was sold by Christie's, London, after a surprising new identity for the elderly sitter had been put forward. It had long been known that Rembrandt painted portraits of Aeltje Uylenburgh and her husband, the minister Cornelis Sylvius. Aeltje, who was a first cousin of Rembrandt's wife, Saskia Uylenburgh, would have been about 60 years old at the time. Given that the age of the woman in the portrait was now known to be 62, it was suggested that she could be Aeltje. The portrait was acquired for more than 28 million US dollars by the art dealer Robert Noortman, who put it on the market as 'Aeltje' with a question mark. In 2005, Noortman sold the portrait for 36.5 million to the American-Dutch collectors Mr and Mrs De Mol van Otterloo. At the time, the Mauritshuis in The Hague felt that trying to buy the portrait would be too extravagant, while the Rijksmuseum was more interested in acquiring a female portrait from Rembrandt's later period. Aeltje was thus destined to leave the Netherlands for good. A chronicle of the Sylvius family published in 2006 shows that Aeltje Uylenburgh would have been born in 1570 (fig. 10), demonstrating that she could indeed be the 62-year-old woman depicted by Rembrandt in 1632. We know that Aeltje was godmother to Rembrandt's children and that Saskia was godmother to Aeltje's granddaughter. Further evidence of the close ties between the two families is provided by Rembrandt's etching of Aeltje's son Petrus, produced in 1637. It is now generally accepted that the woman in the portrait is Aeltje. She was last shown in the Netherlands at the 'Dutch Portraits' exhibition in The Hague. In February 2008 the Museum of Fine Arts in Boston announced that it had received on long-term loan one the finest Rembrandts still in private ownership.
45
Bui, Camille. "L’art comme remise en scène de la vie quotidienne : traduire le social en esthétique." traduire, no. 27 (May 4, 2017). http://dx.doi.org/10.7202/1039810ar.
Full textAbstract:
Cet article explore, à travers le paradigme de la traduction, la mise en scène des interactions sociales dans Playtime de Jacques Tati (1967), Kontakthof de Pina Bausch (1978-2000-2008) et Reconstitutions d’Édouard Levé (1998-2003). Chacune de ces oeuvres témoigne du désir de traduire le social en esthétique : il s’agit de dire l’ordinaire des jeux de distance et de proximité entre les corps, par le cinéma, la danse ou la photographie. Ce geste de traduction emprunte à la logique de la re-présentation qui réifie le social, mais il ne peut s’y réduire. Car la traduction vise aussi à reconduire, sur la scène de l’art, la dynamique du lien en tant qu’adresse faite à l’autre, au risque de son échec. Penser le geste artistique comme traduction permet d’être sensible au devenir chorégraphique des situations sociales, autant qu’à la socialité qui anime des oeuvres qui nous émeuvent ou nous indiffèrent.
46
Behaz, Amel, and Mahieddine Djoudi. "Dynamic Generation of Adaptative Hypermedia Document in an e-learning Environment." Revue Africaine de la Recherche en Informatique et Mathématiques Appliquées Volume 3, Special Issue... (November 26, 2005). http://dx.doi.org/10.46298/arima.1839.
Full textAbstract:
International audience In the hypermedia systems the reinforcement of the learner interest requires the production, edition and diffusion of various type of teaching documents (courses, exercises, etc). The aim of our work, is the elaboration of a model of documents and teaching activities. This model describes parameters and functionalities to integrate in pedagogical contexts witch supports different activities. Based on this model, we conceived and carried out a dynamic adaptive hypermedia environment called MEDYNA, witch helps us to draft documents for e-learning. The system takes into account parameters and elements of the proposed model. It allows the dynamic generation of adaptive context to the learner. We exploited the XML technology for the implementation of our system. Dans les systèmes hypermédia le renforcement de l'intérêt de l'apprenant requiert la production, l'édition et la diffusion de divers types de documents pédagogiques (cours, exercices, corrigés, etc.). Dans le cadre de notre travail, nous avons élaboré un modèle de Documents et Activités Pédagogiques qui décrit l'ensemble des paramètres et fonctionnalités à intégrer au sein des contenus pédagogiques supportant différentes activités. Sur la base de ce modèle, nous avons conçu et réalisé un environnement numérique de travail MEDYNA de type hypermédia adaptatif dynamique aidant à la rédaction de documents destinés à l'enseignement à distance. Le système prend en compte les paramètres et éléments du modèle proposé. Il permet ensuite la génération dynamique des contenus adaptatifs à l'apprenant. A cet égard, nous exploitons la puissance de XML pour la mise en oeuvre de notre système.
47
Rusanova, Milena. "THE ORIGIN OF NEOCLASSICISM. NEOCLASSICISM IN CHOREOGRAPHY IN MUSICAL ART, LITERATURE AND DRAMA." Young Scientist 10, no. 86 (2020). http://dx.doi.org/10.32839/2304-5809/2020-10-86-66.
Full textAbstract:
The article examines the process of origin and formation of the Neoclassicism era in the Ukrainian art. Сultural processes of different types of art of Ukraine of the end of XX – the beginning of XXI century are investigated. the chronological boundaries of the neoclassical epoch in the countries of Europe and Ukraine are compared, their difference is determined. It provides a brief overview of the historical situation that led to the later flowering of neoclassicism. Features of neoclassicism in music, literature, drama and choreography are considered. In particular, the works of Ukrainian neoclassical writers as M. Zerov, M. Drai-Khmara, P. Phylypovych, M. Rylsky, Y.Klen, who entered the society of prosaics and poets «Kyiv Neoclacissist», are briefly characterized. The main goal of the Ukrainian neoclassical literature is outlined namely by researching authentic Ukrainian literature and assimilating the best European literary samples to create own unique literary forms. The musical neoclassical art is analysed, in particular, the essence of the concept "neofolklorism" is revealed (laying certain neoclassical principles on folklore motives, M. Skoryk’s oeuvre as an example). Problematic issues regarding the development of neoclassical drama in Ukraine arise, modern Ukrainian drama is considered in the context of economic market. The problem of Ukrainian drama’s competitive ability and possible conditions for this are analysed. Neoclassical choreographic art is studied, namely its characteristic features, directions, forms. The plot and non-plot neoclassical performances are compared; genres of post-neoclassical performances are listed. Non-plot ballet neoclassicism that originates from American choreographer J. Balanchyn’s oeuvre is created by using jazz and modern dancing means of expression and forms. Plot ballet neoclassicism originates from F. Ashton’s oeuvre and has Anglo-French origin. The main characteristics of the plot neoclassical performance are complicated ballet terminology, increasing of attention to dramatically or literary plot, the presence of realistic, expressionistic and surreal principles, using the pantomime, modern, jazz, popular, folklore dancing means of expression, dance symphony and academic ballet principles.
48
Kengne Tchendji, Vianney, and Blaise Paho Nana. "Management of Low-density Sensor-Actuator Network in a Virtual Architecture." Revue Africaine de la Recherche en Informatique et Mathématiques Appliquées Volume 27 - 2017 - Special... (March 12, 2018). http://dx.doi.org/10.46298/arima.3110.
Full textAbstract:
International audience Wireless sensor networks (WSN) face many implementation’s problems such as connectivity, security, energy saving, fault tolerance, interference, collision, routing problems, etc. In this paper, we consider a low-density WSN where the distribution of the sensors is poor, and the virtual architecture introduced by Wadaa and al which provides a powerful and fast partitioning of the network into a set of clusters. In order to effectively route the information collected by each sensor node to the base station (sink node, located at the center of the network), we propose a technique based on multiple communication frequencies in order to avoid interferences during the communications. Secondly, we propose an empty clusters detection algorithm, allowing to know the area actually covered by the sensors after the deployment, and therefore, giving the possibility to react accordingly. Finally, we also propose a strategy to allow mobile sensors (actuators) to move in order to: save the WSN’s connectivity, improve the routing of collected data, save the sensors’ energy, improve the coverage of the area of interest, etc. Les réseaux de capteurs sans fil (RCSF) font face à de nombreux problèmes dans leur mise en oeuvre, notamment aux problèmes de connectivité des noeuds, de sécurité, d'économie d'énergie, de tolérance aux pannes, d'interférence, de collision, de routage, etc. Dans ce document, nous considérons un RCSF peu dense, caractérisé par une mauvaise couverture de la zone d'inté-rêt, et l'architecture virtuel introduite par Wadaa et al qui permet de partitionner efficacement ce type de réseau en clusters. Dans l'optique de router optimalement les informations collectés par chaque capteur jusqu'à une station de base (noeud sink, supposé au centre du réseau), nous proposons une technique d'utilisation des fréquences multiples pour limiter les interférences lors des communications. Ensuite, nous proposons un algorithme de détection de clusters vides permettant d'avoir une vue globale de la répartition réelle des capteurs dans la zone d'intérêt, et ainsi donner la possibilité de réagir en conséquence. Nous proposons également une stratégie de déplacement des capteurs mobiles (actuators) afin de: sauvegarder la connectivité du RCSF, optimiser le routage, économiser l'énergie des capteurs, améliorer la couverture de la zone d'intérêt, etc.
49
Thisselin, Thomas. "Le rôle des virtuoses dans la valorisation de la musique soviétique Examen de la presse communiste française. Examen de la presse communiste française." Slovo The Distant Voyages of Polish..., Varia (2021). http://dx.doi.org/10.46298/slovo.2021.7452.
Full textAbstract:
International audience La valorisation en France entre 1945 et 1956 de la musique soviétique s'opère à travers les événements ou les articles de presse consacrés aux virtuoses soviétiques. La musique est valorisée par des arts ou des pratiques connexes, néanmoins parties intégrantes de la musique : l'enseignement soviétique, la danse, le cinéma… La période stalinienne d'après-guerre élargie à l'immédiat après Staline représente l'acmé de la dictature stalinienne et reste encore aujourd'hui la plus mystérieuse de l'histoire soviétique. Cette période correspond par ailleurs, en URSS, à un moment d'exacerbation de la politique culturelle dite du « réalisme socialiste » dans le domaine des arts, et spécialement de la musique. Cela exigeait de l'artiste une représentation véridique, historiquement concrète de la réalité dans son développement révolutionnaire, son devoir étant de participer à la lutte idéologique et à l'éducation des masses dans l'esprit du socialisme. Limiter la question de la réception de la musique soviétique aux réactions et aux discussions que cette musique suscitait dans les revues savantes serait ne pas prendre en compte la manière dont elle a interrogé, en tant que modèle, la sphère de la consommation musicale française en général. Il s'agit ici de ne pas interpréter la réception de la musique soviétique en France à travers celle d'un compositeur ou d'une oeuvre. Les virtuoses sont ainsi valorisés comme des intermédiaires. La force d'un tel travail réside en la masse d'informations recueillies et organisées à partir de toutes les publications nationales assimilées communistes de l'époque, chambres d'écho de ce qui se passait alors en URSS et riches en informations sur les carrières et les représentations des virtuoses.
50
Kisiel, Michał. "Aristeus and Thanatos. Samuel Beckett’s Insect Poetics Creepy." Zoophilologica, no. 5 (December 31, 2019). http://dx.doi.org/10.31261/zoophilologica.2019.05.17.
Full textAbstract:
In the broadest possible terms, this paper aims at exploring the relation between death and insects in Samuel Beckett with a special emphasis put on the fact that it is insects that form one of the most repetitive and complex animal figures in his oeuvre. Surprisingly, his otherwise desolate and bleak spaces – despite the inherent anthropocentric framework they are founded on – are inhabited by the plethora of nonhuman species. Insects are here no exception; Beckett’s writings are abundant in references to flies, bees, hornets, wasps, or ants. The paper begins with confronting Alain Badiou’s take on Beckett with Rosi Braidotti’s and Giorgio Agamben’s theories, including the anthropological machine. It is argued that, contrary to the human figures condemned to ceaseless agony and torment deprived of the ultimate horizon of death, insects belong entirely to the realm of death in Beckett; in other words, they struggle to breach through the wall of life. In order to prove that, I discuss the unclear ontological status of Worm in The Unnamable. Moreover, the paper reconstructs Moran’s relation to his bees, depicted in Molloy, including his insightful study of the waggle dance and the discovery of their cadavers. Finally, the paper focuses on the logic of a swarm, which Beckett seems to be fascinated with, and the metonymies of insect tropes and technology, whose Thanatic aspects disclose the unsettling connections between humans and nonhumans in Beckett’s works.