Dissertations / Theses on the topic 'Onirism'

Denna uppsats undersöker hur den svenska konstnären Greta Knutson historiskt sett har kanoniserats i relation till sitt förhållande med den kände dadaisten Tristan Tzara och den franska surrealiströrelsen under 1920- och 1930-talet. Knutson hade en lång och produktiv karriär och uppsatsens intention är att flytta fokus från de tidiga dagarna i Paris med surrealisterna till hennes senare konstnärliga period, räknad från slutet på 1960-talet fram till hennes död 1983. Min tes är att en radikal stilförändring då skedde till ett, paradoxalt nog, mer surrealistisk konstnärligt uttryck. Med hjälp av Griselda Pollock och det teoretiska begreppet ”kanonisering” ifrågasätts varför denna senare period i stort har gått förbi konsthistorien och hur Knutsons relation till surrealismen sett ut. Genom en formalistisk analys presenteras därefter verken La Surprise, Feu dans la maison och Det stulna brevet, vilka är representativa för Knutsons senare konstnärliga period.
This essay examines how Swedish born artist Greta Knutson has been historically canonised in reference to her relationship with the famous Dadaist Tristan Tzara and the French surrealist movement of the 1920’s and 1930’s. Knutson had a long and productive career and the overall purpose of my essay is to change focus from the early days in Paris with the Surrealists into her later artistic period, counted from the late 1960’s until her death in 1983. It is claimed here that she then made a radical change of style into, paradoxically, a more surrealistic artistic expression. Through Griselda Pollock and the term “canonisation” I’m exploring and questioning why Knutson’s later career has gone unnoticed in art history and I’m also looking at Knutson’s relation to surrealism. Through a formalistic analysis the artworks La Surprise, Feu dans la maison and Det stulna brevet are presented, which are representative for Knutson’s later artistic period.

La rencontre de Guillaume Apollinaire avec Paris a été déterminante dans la vie du poète, tant sur le plan intellectuel qu'existentiel. Dans son œuvre où elle occupe une place de choix, la capitale française ne représente pas seulement un lieu de vie mais une source d'inspiration et d'écriture extrêmement féconde. Bien qu’héritée de toute une tradition littéraire de la ville qui s’est développée au XIXe siècle, la poésie apollinarienne de Paris est conçue sur le mode de l’« esprit nouveau » qui accompagne la naissance d’une ère placée sous le signe de la découverte et du progrès, et s’intègre aux recherches esthétiques des avant-gardes artistiques et littéraires caractérisées par l’audace et le goût de l’aventure. Entre tradition et invention, le Paris d’Apollinaire n’est pas seulement celui du « Pont Mirabeau » et de « Lettre-Océan » qui, d’Alcools à Calligrammes, témoigne d’une volonté de s’affranchir de certains « modèles » et de créer une poésie libre de toutes contraintes qui dit le « réel » en empruntant les voies de l’imaginaire, c’est aussi la capitale fascinée de l’infatigable « flâneur des deux rives », ou insolite et secrète du guide passionné ; c’est encore la ville subjective et mentale du « guetteur mélancolique » confronté à son passé douloureux, ou aux prises avec le monde moderne ; c’est, enfin, la ville rêvée et phantasmée de « l’enchanteur » des ponts et des noms de Paris
Guillaume Apollinaire's encounter with Paris was a decisive event in the poet's life, both intellectually and existentially. In his artwork where Paris occupies a place of choice, the French capital does not only represent a place of life but a source of inspiration and extremely fertile writing. Although inherited from an entire literary tradition of the city that developed in the nineteenth century, Parisian apollinarian poetry is conceived on the mode of the "new spirit" that accompanies the birth of an era under the sign discovery and progress, and integrates with the aesthetic research of artistic and literary avant-gardes characterized by daring and the taste of adventure. Between tradition and invention, the Paris of Apollinaire is not only that of the "Mirabeau Bridge" and "Letter-Ocean" which, from Alcools to Calligrammes, demonstrates a desire to get rid of certain "models" and to create a poetry free of all constraints that says the "real" by borrowing the ways of the imaginary. Paris is moreover the fascinating capital of the tireless "stroller of both banks", or of the unusual, surreptitious and passionate guide; It is also the biased and cerebral city of the "melancholy watchman" confronted with his painful past, or grappling with the modern world. Paris is, finally, the dreamed and phantasmatized city of the "charmer" of the bridges and of the names of Paris

Dans le cadre d’une étude comparatiste, ce travail vise à analyser, en les rapprochant pour la première fois, les univers créatifs de l’écrivain italien Dino Buzzati (1906 – 1972) et de son confrère français Claude Louis-Combet (1932 –), selon la dualité chair et âme, qui est une constante de leur oeuvre respective. Les deux auteurs, par le biais de l’autobiographie romancée, de la réélaboration mythique, comme d’une vision originale de l’art figuratif, ont exprimé une sensibilité et un imaginaire étonnamment proches. Ils auront été accompagnés par des figures légendaires et des amis artistes, afin de guider le lecteur vers la dimension fantasmatique et mystique de son inconscient
As part of a comparative study, this work aims to analyze, by bringing them together for the first time, the creative worlds of the Italian writer Dino Buzzati (1906 – 1972) and his French colleague Claude Louis-Combet (1932 –), according to the flesh and soul duality, which is a constant in their works. Both authors, through the fictionalized autobiography, the mythology reworking, as an original vision of figurative art, expressed sensitivity and imagination surprisingly close. They have been accompanied by legendary figures and fellow artists, to guide the reader into the mystical and fantasy dimension of his unconscious

L’exil et le deuil, en relation dialectique, sont très présents dans l’œuvre sombre et peuplée de personnages misanthropes de Linda Lê. La trilogie est nourrie par le traumatisme de la perte du père, du pays et de la langue. La question de la langue affecte profondément l’écrivaine. En effet, son abandon voulu de la langue natale pour celle du pays d’adoption engendre un sentiment de trahison. A partir de son exil du langage, Linda Lê construit un langage de l’exil : celui de l’obscurité, du trouble, de la crise, aggravée par la mort du père abandonné. L’écriture lui est une nécessité pour faire le deuil et un pharmakon contre la folie. Hétérogène dans leur forme, chacun des livres de la trilogie correspond à une étape du deuil. Homogène dans le fond, ils représentent différents aspects de la quête du père. Imprégnée du vécu de l’auteure, la trilogie est néanmoins une œuvre de fiction avec une part d’extravagance et d’onirisme. La construction du récit reflète donc une indécision générique, marquée par la cohérence entre mémoire et imagination, conscient et inconscient. De plus, la trilogie témoigne d’une dualité culturelle : un pan tourné vers le passé vietnamien et l’autre vers le présent européen. Enfin, la dualité sentimentale entre amour et colère fait apparaître une idéologie très lêesque, apparemment paradoxale mais en réalité logique et philosophique : la vie naît de la mort, la mort est cachée au sein de la vie
Exile and mourning, in dialectical relation, are of paramount importance in Linda Lê’s books which are populated by misanthropic characters. The trilogy is nourished by the traumatic loss of the father, the country and the language. The writer is deeply affected by the issue of the language. In fact, she deliberately abandoned her native tongue for that of her adopted country thus generating a feeling of betrayal. From her “exile of language”, Linda Lê constructs a “language of exile”: one of obscurity, of confusion, of crisis, aggravated by the death of her abandoned father. Writing is necessary for her in order to go through mourning and is a pharmakon against madness. Heterogeneous in their form, each book of the trilogy corresponds to one stage of grief. Homogeneous in their substance, they represent the different aspects of the father’s quest. Steeped in the personal experience of the author, the trilogy is nevertheless a work of fiction with a part of extravagance and onirism. The construction of the story also reflects the generic indecision, marked by the coherence between memory and imagination, conscious and unconscious. In addition, the trilogy is a testimony to a cultural duality with the Vietnamese past on the one hand and the European present on the other. Finally, the sentimental duality between love and anger is a mark of the “lê-esque” ideology: paradoxical in appearance but logical and philosophical in reality: life is born from death and death is hidden within life

On a fait une présentation purement théorique qui nous a aidé à trouver les instruments pour connaître le groupe d’écrivains roumains étudiés. Les chapitres introductifs ont éclairci la notion d’image onirique par rapport à l’image en général, et ensuite au rêve et à la rêverie. L’imaginaire onirique a été expliqué en partant des définitions classiques afin de mettre le concept dans un cadre plus général, tel qu’il est conçu par les poètes qui ont écrit entre 1964-1974, et qui se sont donné le nom de « Le Groupe Onirique ». Il s’agit d’un mouvement littéraire qui a surgi malgré le réalisme socialiste qui s’est imposé dans la littérature roumaine de l’époque. Le mouvement s’est revendiqué du surréalisme français (surtout de la peinture surréaliste), mais aussi du romantisme, en essayant de trouver une vision personnelle. Pour les écrivains de cette période, être onirique signifiait être différent des autres « versificateurs ». Il faut aussi dire que l’onirisme s’est manifesté non seulement dans la poésie, mais également dans la prose. Cependant, on a analysé uniquement la poésie, comme partie relevant de ce mouvement et les articles publiés par les oniristes ont servi de schémas d’analyse. La plus importante partie de cette thèse a été l’analyse herméneutique des œuvres poétique de Leonid Dimov, Emil Brumaru, Daniel Turcea, Vintilă Ivănceanu, Virgil Mazileascu. On a découvert les images oniriques et les symptômes de l’imaginaire onirique qui la rendent différentes des autres poésies de l’époque. On a découvert le rapport entre la poésie onirique et la peinture, et surtout entre la poésie onirique et la peinture surréaliste. En effet, la subjectivité et le critère esthétique pénètrent profondément dans la littérature et la peinture pendant le surréalisme et également dans l’onirisme. Pour conclure, la thèse vise le renouvellement d’une période de la poésie roumaine, mais aussi comment elle se situe par rapport au mouvement européen dans le contexte littéraire européen
A purely theoretical presentation has been written which helped us fins the instruments to get to know the group of Romanian writers studied in this thesis. The introductory chapters have explained the notion of dream image in report to the image in general, and then to the dream and day-dreaming. The dream imaginary has been explained starting from the classical definitions in order tu put the concept in a larger context. This imaginary is conceived by the poets who wrote between 1964-1974, and who called themselves „The Dream Group”. It is a literary movement which appeared despite the socialist realism which had imposed itself in the Romanian literature of the epoch. This new movement is born from the French sur-realism (especially the sur-realist painting), but also from romanticism, trying to find a personal vision for itself. For the writers who belong to this period, being „dreamy” means being different from the other verse writers. It must be also said that this movement has manifested not only in poetry, but also in prose. However, it is only the poetry that has been analysed and the articles published by the dream poets have served as a scheme for analysis. The most important part of the thesis was the hermeneutical analysis of the dream poetry from the mentioned period in the works of the following poets: Leonid Dimov, Emil Brumaru, Daniel Turcea, Vintilă Ivănceanu, Virgil Mazileascu. In a distinctive chapter it was analysed the report between dream poetry and the sur-realist painting as well as the hybrid volumes published by Leonid Dimov together with the sketches draw by Florin Pucă and Ioan Donca. In conclusion, the thesis re-contextualised a period of the Romanian poetry in report to the European literature

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Partindo-se de reflexões que envolvem a exploração animal com os três aspectos da ecologia e com o onirismo ativo vivenciado e propagado pelos defensores dos direitos animais, procurou-se criar dispositivos com micro-intervenções urbanas que foram realizadas em diversos espaços. Objetivou-se sensibilizar as pessoas através da Educação Estética para a condição que impomos aos demais animais. O trabalho apontou a importância do movimento de Libertação Animal para o contexto da Educação Ambiental, enquadrando-se nos estudos que relacionam ética, estética, saúde e educação. Buscou-se mostrar que a instrumentalização dos animais não-humanos perpassa por quase todas nossas atividades e não raras vezes, essas práticas estão igualmente associadas à exploração humana e ambiental. As intervenções foram capturadas em fotografia e filmagem e transformadas em um recurso áudio-visual. Procurou-se, desta forma, contribuir com a Educação Ambiental Não-Formal disponibilizando-se um material didático a ser utilizado enquanto fomentador de espaços de diálogo para problematizar a situação dos animais não-humanos e como ela também nos afeta, abrindo, assim, caminhos para que seja possível desenvolver uma Educação Ambiental com perspectiva da inclusão da consideração moral pelos animais. Esta pesquisa qualitativa apresenta cunho experimental e se propõe a ser produtora de reflexão a cerca do especismo e como ele se reflete em nosso corpus social, individual e educacional.
Beginning with reflections that involve animal exploitation with the three aspects of the ecology and the active oneirism lived and propagated by the animal rights defenders, we created urban micro interventions accomplished at many different places. Aiming to sensitize people through Aesthetic Education to impose the condition that the other animals this work indicated the contribution of Animal Liberation to the Environmental Education context. It is framed in studies that relate ethics, aesthetics, health and education. Search to show that the nonhuman- animals instrumentalization permeates almost all of our activities and not infrequently, these practices are also associated with human and environmental exploitation. The interventions were photographed and filmed and became an audio visual resource. This way, we intended to contribute to Non Formal Environmental Education providing an educational material to be used while developers forums for dialogue to discuss the plight of nonhuman animals and as it also affects us, thereby opening avenues to be able to develop an Environmental Education perspective with the inclusion of moral consideration for animals. This qualitative study presents experimental nature and aims to be producing the reflection about speceism and how it is reflected in our social, individual and educational corpus.

Si l'espace constitue pour le lecteur une dimension bien réelle de la découverte du récit, le concept critique recouvre en revanche des domaines multiples, de la disposition textuelle aux questions du contexte énonciatif, du cadre et du 'point de vue', ou des paysages. Dans l'œuvre narrative de l'écrivain italien contemporain Antonio Tabucchi, l'espace concentre des thèmes majeurs, ainsi que des motifs stylistiques et des problématiques de composition qui singularisent l'écriture. La matérialité du texte, et la présence insistante du paratexte, mettent d'abord en relief une présentation du livre comme voyage. Une perception morcelée de l'écrivain et de l'homme contemporain se dégage de parcours initiatiques, où le cheminement géographique nourrit et révèle la progression de l'individu. L'aspiration revendiquée à une proximité de l'écriture est paradoxalement entravée par le commentaire de l'auteur, qui s'insinue dans la fiction pour orienter, baliser et encadrer la lecture. L'approche linguistique de la désignation des lieux (deixis spatiale, topographie et toponymie), souligne l'importance des mots 'courts' (adverbes et prépositions) dans un vocabulaire accessible, répétitif mais riche en évocations exotiques. .
In the stories of the contemporary italian writer Antonio Tabucchi, the question of space coagulates thematic, stylistic and linguistic singularities. A fragmented conception of the writer's personality and of contemporary man emerges from initiatory courses, in which geographic route feeds and reveals the individual's psychological progression. An analysis of the books' material presentation and of the texts' narrative structures reveals a first - and somewhat 'primitive' - conception of literature as travel. The affirmed hope for a proximity of tone is contradicted by the author's comment, which insinuates into fiction in order to orientate and frame reading options. A linguistic approach of spatial designation (deixis, topography and toponimy) complements the study of narrative settings (catographic analysis) and allows to isolate caracteristic spatial references. .

Suite aux découvertes scientifiques du milieu du XIXe siècle sur l’évolution, comment penser la Création? Cette rupture dans la pensée n’annonce pas seulement la fin d’un monde mais l’ouverture vers de nouvelles interrogations. Celles-ci trouvent leur incarnation dans un personnage de roman de Flaubert, l’anachorète de "La Tentation de saint Antoine". Le saint y incarne le malaise et les doutes fin XIXe. Parce qu’il concentre à la fois les signes d’une crise temporelle sur un fond de mythe universel, l’artiste va s’identifier à cet archétype. Par artiste, nous entendons un groupe d’artistes rassemblés ici en vertus d’affinités intellectuelles : Victor Hugo [1802-1885], Gustave Moreau [1826-1898], Odilon Redon [1840-1916], August Strindberg [1849-1912] et Alfred Kubin [1877-1959]. Ces « solitaires de l’art » incarnent un courant de pensée dont on trouve une assise théorique chez deux penseurs : Nietzsche et Kierkegaard. Cette étude, pluridisciplinaire, couvre donc la période des dernières décennies du XIXe et empiète légèrement sur le XXe siècle. Ce qui permet de former un groupe fonde notre réflexion : ces artistes pensent la genèse comme un tout. S’y rejoignent celles du cosmos, des espèces, de l’œuvre d’art et de soi. Ainsi, de l’observation des mécanismes de création naturelle, à leur mise en pratique dans l’art, la question est de découvrir de qui est en œuvre : des coïncidences, le hasard, une projection psychologique ? La réflexion glisse de la physique à la métaphysique, comme le siècle passe de Darwin à Freud. La pensée des mécanismes de création abandonne alors progressivement un rationalisme contesté pour découvrir tout le potentiel créateur de la subjectivité
Following the scientific discoveries of the middle of the XIXth century on the evolution, how to think Creation? This rupture in the thought does not announce only the end of a world but the opening towards new interrogations. Those find their incarnation in a character of novel of Flaubert, the anchorite of "The Temptation of Saint Anthony". The Saint incarnates uneasiness and doubts of the end of the XIXth. Because he concentrates at the same time the signs of a temporal crisis and universal myth, the artist will identified with this prototype. By artist, we mean a group of artists gathered here in virtues of intellectual affinities: Victor Hugo [1802-1885], Gustave Moreau [1826-1898], Odilon Redon [1840-1916], August Strindberg [1849-1912] and Alfred Kubin [1877-1959]. These "Recluses of Art" incarnate a stream of thought which finds a theoretical base among two philosophers: Nietzsche and Kierkegaard. This study, multi-field, covers the period of the last decades of XIXth, encroaching few years up the XXth century. What makes it possible to form a group found our reflection: these artists think the genesis like a whole. Meet (reach/join?) there those of cosmos, species, artwork and oneself. Thus, from the observation natural creation’s mechanisms, to their practical application in art, the question is to discover how it works: coincidences, fate, psychological projection? The reflection slips of physics to metaphysics, as the century passes from Darwin to Freud. The thought of mechanisms of creation then gives up gradually a rationalism disputed to discover all the creative potential of subjectivity

Trabalho de Projeto apresentado para cumprimento dos requisitos necessários à obtenção do grau de Mestre em Ciências da Comunicação
Contém um filme com anexo
A imersão desencadeada no encontro com uma obra cinematográfica é do domínio do sonho. Os estímulos do Cinema reproduzem o mecanismo da fantasia, do "sonhar acordado", da suspensão da realidade numa dimensão onírica. A reflexão teórica e a curta-metragem que compõem o presente trabalho abordam este processo e a sua duplicação nos próprios filmes, na impregnação do Cinema por ele mesmo, quando os códigos visuais se fundem e não permitem distinguir o que convencionamos como "real" e "ficcional".

Etudier comment s'exprime l'atmosphère au cinéma et comment elle est perçue par le spectateur implique l'analyse systématique d'une série de principes cinématographiques. D'abord, l'atmosphère spectatorielle regarde le rapport de croyance que le public entretient avec le film. L'impression de réalité, les phénomèmes d'identification et de distanciation, et le caractère onirique de l'image filmique sont développés en fonction de leur contribution à la création de l'atmosphère cinématographique. Dans l'atmosphère filmique, c'est la représentation du film qui est analysée. Elle se divise en deux catégories principales : l'atmosphère visuelle (des premiers films coloriés et teintés, du jeu de l'acteur, des divers types de cadrages et mouvements de caméra, des figures filmiques temporelles) et l'atmosphère sonore (la musique, les voix, les autres bruits et le silence). Tous participent à la formation de l'atmosphère d'un film. Après une étude générale des éléments constitutifs de l'atmosphère filmique, les principes développés dans la première partie seront appliqués à une oeuvre en particulier : La Nuit du chasseur de Charles Laughton (1955). Adapté du roman de Davis Grubb, ce film a une place unique dans l'histoire du cinéma car il présente une atmosphère riche et complexe qui bascule souvent entre un univers onirique et un monde réaliste.

Orientador: Ernesto Giovanni Boccara
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-26T01:46:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ferreira_AdrianadeSousa_D.pdf: 10920782 bytes, checksum: d042b3349cc769b0784aeef760ae571e (MD5) Previous issue date: 2014
Resumo: A tese tem como hipotese uma possivel e necessaria construçao de uma interconexao entre duas midias de narrativas imageticas, objetivando colocar o corpo como tradutor da realidade humana subjetiva e dar visibilidade para a imaginaçao atraves do caminho da arte, que abre historicamente trilhas para expressar a vida interior,possiveis atraves de interfaces operacionais com a materia,no caso o proprio corpo
Abstract: The text is a search for interconexion in between two mediatic imagetic narratives,focusing in placing the human body as the translator of the human subjective reality.In order to make visible the human imagination through the art way, wich opens so many trials to express inner life,wich is possible only bonding with matrter, in here the human body iteself
Doutorado
Multimeios
Doutora em Multimeios

La présente thèse explore, dans une optique de recherche-création, la nouvelle fantastique onirique, notamment au plan de ses stratégies de spatialisation, indissociables de la narration et, surtout, de la focalisation.La partie création de la thèse, soit le recueil de nouvelles homogène intitulé Comme des galets sur la grève , met en place neuf textes plus ou moins courts et participant du fantastique onirique. Ce recueil témoigne de mon parti pris pour l'espace, puisqu'il se concentre autour d'un lieu rassembleur, un lac situé dans une région isolée, que fréquentent des personnages marginaux. Tous ces êtres tourmentés, esseulés, sont attirés par ce plan d'eau. Invariablement, le lac agit en tant que révélateur de leur psyché, de leur quête. Dans toutes les nouvelles, le fantastique fait irruption à des degrés divers, se manifestant généralement par le biais de procédés propres à l'onirisme, étroitement liés à la focalisation et aux types de lieux choisis. Dans la partie"essai" de la thèse, c'est-à-dire : Rêver le"réel" : l'espace dans la nouvelle fantastique onirique, je reviens sur les travaux théoriques inspirés par le fantastique et je pose les bases de ce qui peut être considéré comme sa variante onirique. J'explore aussi la notion d'espace littéraire, particulièrement dans un contexte nouvellier et fantastique, et je présente un modèle théorique permettant d'étudier l'espace de la nouvelle fantastique onirique, modèle qui guide l'analyse de douze nouvelles issues de trois auteurs québécois pratiquant ce sous-genre : Aude, Hugues Corriveau et Danielle Dussault. J'y observe principalement la spatialisation, en mettant en évidence ce qui caractérise la manière de chaque auteur. Enfin, j'opère un retour sur ma pratique scripturale et sur le fantastique onirique présent dans Comme des galets sur la grève , par le biais d'une réflexion portant sur l'importance de l'espace dans mon écriture et son rôle dans le recueil, le tout en bénéficiant de la perspective renouvelée que les analyses des trois nouvelliers m'offrent. Chez les auteurs retenus, ainsi que dans mon recueil, le fantastique onirique s'envisage comme étant une pratique scripturale étroitement associée au regard et à la focalisation des protagonistes, mais aussi à la spatialisation des textes, les lieux fondant l'élaboration même d'un réseau d'analogies, de mises en abyme et de dédoublements illustrant la quête d'un sujet désireux de s'extraire d'un"réel" aliénant, pour habiter un univers plus accordé à sa"déviance".

Ce mémoire de création s'intéresse à l'écriture de la nouvelle littéraire au Québec ainsi qu'aux discours produits par les écrivains québécois en lien avec la pratique des ateliers d'écriture en milieu scolaire. En première partie, ce mémoire présente un recueil de nouvelles littéraires qui flirte avec l'onirisme : symboles, métaphores, allégories, dans une fusion des sens non soumis à la logique habituelle ou à la cohérence en vain attendue. Dans une ville inconnue et fantasmagorique, une auteure écrivante cherche à devenir écrivaine. Quand les chemins de la langue sont devenus impraticables, quand le marginal n'arrive plus à se nommer, il doit se réinventer, se dire. Dans cette cité miroir où des simulateurs d'aube influencent le cours des choses, la fiction domine, cherchant toujours à nuancer les demi-vérités déguisées en mensonge. Car cette ville, comme la fiction, fait naître des jardins dans les cendres de grands-mères. En seconde partie, ce mémoire propose d'explorer le discours de trois écrivains québécois, soit Suzanne Jacob (Histoires de s'entendre, 2008), Sylvie Massicotte (Au pays des mers, 2002) et Philippe Haeck (Dis-moi ce que tu trouves beau, 2001). Grâce à la notion de significato, telle que définie par Gisèle Mathieu-Castellani (La rhétorique des passions, 2000), nous tâcherons de mieux circonscrire la définition que chaque auteur appose à l'écrivain, à l'écriture ainsi qu'à la littérature en soi. À la lumière de cette analyse, nous tâcherons de mieux comprendre de quelle manière est abordée, par ces écrivains québécois, la création littéraire en milieu scolaire."à l'écrivain, à l'écriture ainsi qu'à la littérature en soi. À la lumière de cette analyse, nous tâcherons de mieux comprendre de quelle manière est abordée, par ces écrivains québécois, la création littéraire en milieu scolaire.

Parmi les thèmes qui traversent l’œuvre de Huysmans celui du rêve a fait l’objet d’une attention soutenue mais restreinte à quelques œuvres, principalement À Rebours et En Rade. Pourtant, dès ses premiers romans, Huysmans met en scène des rêveurs, taraudés par le désir d’être autres ou d’être ailleurs. Dans ses croquis, ses comptes rendus de Salons, il s’intéresse aux virtualités, aux hypothèses et délaisse la chose vue pour explorer des potentialités. La conversion ne met pas fin à cet attrait, exacerbant au contraire le rejet du monde et la tentation de l’au-delà. Ainsi, l’onirique n’est pas qu’une parenthèse dans des vies médiocres, c’est aussi une modalité de l’écriture. L’attention de Huysmans se porte sur le surgissement : les rêves au cœur du sommeil mais aussi le fantastique du quotidien, le retour du souvenir, les mystères de ce que l’on appelle déjà l’inconscient. Notre ambition est, dans une perspective synchronique, de relever la présence du rêve dans son œuvre et d’envisager les formes qu’il peut prendre. Il s’agit de se demander comment le rêve s’inscrit dans la narration et d’évaluer ce qu’il apporte à des textes dont on sait que le romanesque n’est pas la préoccupation principale. Cependant, il faut se garder de donner de Huysmans l’image d’un idéaliste : son œuvre est fortement marquée par un naturalisme revendiqué et l’auteur exprime constamment son rejet d’un style tiède ou vaporeux. Au désir de « substituer le rêve de la réalité à la réalité même » (À Rebours) s’oppose en permanence une volonté de détruire ces simulacres, de dénier au personnage toute échappatoire. L’ambition formulée d’un naturalisme spiritualiste, dont le modèle lui est fourni par la peinture des Primitifs flamands, permet à l’auteur de concilier ces deux exigences et l’engage sur la voie du roman moderne
Dreaming is one of the well-known themes of Huysmans’ work. It has been well studied as far as Against nature or En Rade are concerned. However, since his earliest writings, Huysmans has presented dreamers who attempt to be somebody else or try to be somewhere else. When writing sketches and art criticism, he takes an interest in different possibilities or assumptions and abandons what he sees to explore virtuality. His conversion does not put an end to this interest, but emphasizes the rejection of the world and the temptation of the beyond. Thus the dream is not a parenthesis in narrow lives, it is also a way of writing. Huysmans’ attention is focused on what springs up: dreams in the heart of sleep but also the fantastic side of everyday life, memories coming back, and the mysterious aspects of what is already called the unconscious. The purpose of this study is to detect, in a synchronic perspective, the presence of dreams in his work and to consider what form they can take. It also wants to show how dreaming is included in the narrative and to evaluate what it brings to novels which reject the romanesque. However, we will be careful not to show Huysmans as an idealist: his work is strongly influenced by naturalism and constantly claims his rejection of a colourless or sentimental style of writing. The desire to “substitute the vision of a reality for the reality itself” (Against nature) is faced with a permanent will to destroy simulacra, to prevent the characters from escaping the real world. Huysmans’ doctrine of spiritual naturalism allows him to reconcile these two requirements and set him as a forerunner of the modern novel

Notre approche du théâtre panique d’Arrabal a été dirigée par la perception d’une esthétique paradoxale, d’une dimension éthique et cathartique au cœur d’une théâtralité qui restitue sur scène la confusion de la vie et l’humain dans sa totalité. Cette thèse s’interroge sur les moyens par lesquels Arrabal a créé l’univers panique ainsi que sur les piliers d’une esthétique a priori fondée sur la dérision et l’altération de la réalité, dans une perpétuelle oscillation entre l’outrancier et le fascinant. Il s’agit de comprendre le fonctionnement du dispositif de la cruauté, à la fois dramaturgique et dramatique, et comment se révèle cette tension dialectique entre abject et sublime, à travers une pensée qui se prétend insaisissable. Notre travail cherche donc à situer tout d’abord la naissance de la pensée panique, à questionner la dimension contestataire et subversive de l’œuvre d’Arrabal, et à en envisager les variations et les permanences. La forme brute et primitive de ce théâtre en fait un spectacle qui nous touche et provoque un choc émotionnel qui stimule la pensée. A travers l’exploration de la cruauté enfantine, de la manifestation du cauchemar, du bouleversement des valeurs, de la violence et du blasphème, nous verrons que l’espoir et la quête de soi éloignent ce théâtre du tragique pur et du nihilisme. La merveille de l’enfance, les songes, l’humour, l’érotisme apparaissent alors comme autant de moyens d’une révolte poétique qui permet de tenir tête à une réalité oppressante et d’affronter la condition humaine sans tomber dans le désespoir. Cette polarisation entre le haut et le bas, entre l’espoir et la chute, dans une ritualisation de l’espace scénique, fait du théâtre d’Arrabal un théâtre libertaire et fondamentalement humain, qui devient un moyen d’accéder à la connaissance de soi
Our approach of Arrabal’s panic theater was led by the perception of a paradoxical aesthetic, an ethic and cathartic dimension at the heart of a theatricality bringing to the stage the confusion of life and human condition. This Ph.D thesis questions the means by which Arrabal created the panic paradigm and the foundations of an aesthetic first of all based on mockery and distortion of reality, perpetually oscillating between outrage and fascination. Our aim is to understand how cruelty is expressed, both dramatically and theatrically, and how the dialectical tension between abject and sublime is revealed through a vision often considered evasive. We first seek to understand when the panic concept was born, to question the subversive and protesting side of Arrabal’s work and to point out what changes and what remains the same through his productions. The crude and primitive nature of this theater makes it a performance that brings out an emotional shock and stimulates the audience’s mind. By exploring the themes of children’s cruelty, nightmare, abrupt change of values, violence and blasphemy, we will see that hope and the ontological quest keep this theater from pure tragic and nihilism. Childhood, dreams, humor, and eroticism appear as forces which feed a poetic revolt, to stand up against an oppressive reality and fight against human condition without falling into despair. This polarization between the high and the low, the hope and the fall, by a ritualization of the scenic area, makes Arrabal’s theater libertarian, fundamentally human, and therefore a means to know oneself

Esta pesquisa analisa algumas das características temáticas e formais que compõem a obra do autor uruguaio Felisberto Hernández (1902-1964). Pelo fato de resistir a diferentes classificações genéricas, esta obra apresenta muitas divergências entre consagradas vozes críticas como: Echavarren (1981), Ángel Rama (1968, 1985), Jorge Bernardo Rivera (1996), José Pedro Díaz (1991, 2000), Davi Arrigucci Jr. (2006). A partir disso, este estudo pretende discutir os pontos que evidenciam sua excentricidade em seu contexto de produção (no que diz respeito à literatura uruguaia da primeira metade do século XX) e também analisar certos procedimentos narrativos que, em um permanente fluir de memórias, revelam um estilo bastante peculiar (raro) como se verifica na animização dos objetos, nos múltiplos processos de fragmentação (da consciência e do corpo) e na atmosfera onírica.
This research examines some of the thematic and formal aspects that constitute the work of Uruguayan writer Felisberto Hernández (1902-1964). For its resistance to any formal classification, this narrative world has challenged divergent and renowned critical voices such as Roberto Echavarren´s (1981), Ángel Rama´s (1968, 1985), Jorge Bernardo Rivera´s (1996), José Pedro Díaz´s (1991, 2000) and Davi Arrigucci Jr.´s (2006). From this point on, the present study aims to discuss some of the points that demonstrate its eccentricity inside its production context (that of the first half of 20th century Uruguayan Literature) and to analyze some of the narrative procedures which, in a permanent flow of memories, reveal a quirky (rare) style verified in the use of animated objects, multiple fragmentation processes (of consciousness and body) and its oneiric atmosphere.

CoordenaÃÃo de AperfeiÃoamento de Pessoal de NÃvel Superior
O projeto das Passagens (Das Passagen-Werk, 1927-1940), estudo inacabado de Walter Benjamin (1892-1940), pois composto de uma sÃrie de fragmentos e citaÃÃes, trata do desdobramento â nas condiÃÃes do âalto capitalismoâ â do conceito do carÃter fetiche da mercadoria, no intuito de articular uma teoria social crÃtica. A base de sua pesquisa situa-se na interpretaÃÃo dos fenÃmenos visÃveis da Paris, capital do sÃculo XIX: as passagens, as construÃÃes de ferro e os tipos de iluminaÃÃo, os panoramas, o interior das moradias burguesas, a moda e o Jugendstil, os folhetins, as lutas de barricadas decorrentes dos movimentos sociais, as reformas urbanas de Haussmann, tipos sociais como o flÃneur, o colecionador e o jogador, as produÃÃes teÃricas do socialismo utÃpico de Saint-Simon e Fourier, bem como a poÃtica de Baudelaire em especial etc. O autor alemÃo enfoca especificamente a contradiÃÃo entre o desenvolvimento das forÃas produtivas e o uso delas por parte do coletivo nas relaÃÃes capitalistas de produÃÃo. Essa contradiÃÃo se expressa no espaÃo simbÃlico das imagens onÃricas, as quais interpenetram o antigo e o novo, e configuram todas as construÃÃes da sociabilidade moderna. O quadro metodolÃgico esboÃado no trabalho sobre as galerias comerciais parisienses tem por base a analogia proposta entre a interpretaÃÃo dos sonhos psicanalÃtica e a interpretaÃÃo dos fenÃmenos coletivos compreendidos enquanto formas onÃricas. O problema desta aparÃncia social reificada ganha plena elaboraÃÃo na constituiÃÃo do estatuto metodolÃgico da imagem dialÃtica,com base na suspensÃo dos elementos ambÃguos dos fenÃmenos da cultura do fetiche. No presente trabalho sÃo apresentadas as linhas mestras da categoria polÃtica do despertar histÃrico que, enquanto processo de interpretaÃÃo e crÃtica da histÃria, opera uma sÃntese conceitual (constelaÃÃo) que inter-relaciona dialeticamente o conjunto complexo das categorias teÃricas: o carÃter fetiche da mercadoria, o conceito de expressÃo, a distinÃÃo entre imagem onÃrica e imagem dialÃtica, bem como do prÃprio despertar. Desse modo, Benjamin lanÃa as bases para uma teoria social crÃtica e para uma nova escrita da histÃria nos marcos de uma historiografia materialista.
The Arcades Project (Das Passagen-Werk, 1927-1940), an unfinished study conducted by Walter Benjamin (1892-1940), composed of a series of fragments and quotations, is related to the unfolding â in the conditions of the high capitalism â of the concept of the goodâs fetish character, in order to debate a critical social theory. The basis of his research is the interpretation of the visible phenomenon of Paris, the Capital of the Nineteenth Century: passageways, iron buildings, the kinds of illumination, sceneries, the interior of bourgeois abodes, fashion and the Jugendstil, feuilletons, stockade fights deriving from the social movements, the Haussmann urban reforms, social types as flÃneur, the collector and the player, the technical productions of Saint-Simon and Fourierâs utopian socialism, also Baudelaireâs poetics in particular, and etc. The German Author focuses especially on the contradiction between the development of the production forces and the use of these forces by the society in the capitalistic relations of production. This contradiction expresses itself in the symbolic space of oniric images, which interpenetrates the old and the new, and configures all buildings in modern society. The methodological picture sketched in the paper on the Parisian commercial galleries has as a basis the analogy proposed between the psychoanalytical interpretation of dreams and the interpretation of collective phenomena seen as oniric forms. The problem of the reified social appearance acquires whole elaboration in the constitution of the methodological statute of the dialectical image, based on the suspension of ambiguous elements in the fetish cultural phenomena. We present in this paper the master lines of historical awakeningâs political category that, while interpretation process and history critique, operates a conceptual summary (constellation) that dialectically interrelates the complex group of theoretical categories: the goodâs fetish character, the expression concept, the distinction between oniric and dialectic image, as well as the awakening itself. Thus, Benjamin sets the basis for a critical social theory and of a new understanding of the historical knowledge in the landmarks of a materialistic historiography.

Le città invisibili de Calvino (1972), recueil de descriptions de villes inscrites dans un récit-cadre, posent à nouveau la question de l’écriture, grâce aux deux personnages Marco Polo et Kublai Kan devisant des villes de l’empire, des hommes et des choses, de leur existence, leur utilité, leur durée, leur sens ; mais aussi, mis en abyme, des problèmes de la ville moderne et du vivre ensemble, ou encore de ceux de l’art d’écrire, histoire de décrire ou plutôt de raconter encore la réalité de façon philosophiquement onirique, à moins que ce ne soit oniriquement philosophique. Notre travail de recherche se propose de lire cette œuvre comme un prisme des recherches calviniennes sur la création littéraire, alors que l’écrivain est sur le point d’être coopté à l’Oulipo. Ce livre se rattache à un ensemble d’idées présentes dans une grande partie de son œuvre, narrative tout autant que théorique et épistolaire, ou médiatique, comme une variation partiellement oulipienne et un écho persistant de son amusement perplexe ou de sa perplexité amusée mais parfois inquiète, devant cet acte curieux, intellectuel et expérimental, qu’est l’écriture. Désirs d’écrire ou de dire le monde extérieur traversent Calvino qui veut aussi en offrir une image construite et maîtrisée, conscient néanmoins de la part inhérente de hasard qui les détermine. Grâce à l’écriture combinatoire et à la réécriture parodique, l’écrivain s’ouvre la possibilité d’un espace fantastique et personnel à travers une poétique réflexive originale puisant à la fois dans le symbolique et l’ironie et une réflexion poétique, où se rencontrent, profondes et détachées, intelligence du monde et intelligence de l’écriture
Invisible Cities by Calvino (1972), is a collection of cities’s descriptions registred in a frame story. It raises again the question of writing, through two characters Marco Polo and Kublai Kan who have a conversation on some different subjects, such as empire’s cities, human beings and things, their existence, utility, duration, meaning, but also creating a mise en abyme of problems of modern city and living together, or those of the Art of writing, another way of describing or rather recounting reality in a philosophically oneiric way unless it is oneirically philosophic. Our research work intends to read this book like a prism of Calvino’s thought about literary creative writing, while the writer is just about to be coopted into joining the Oulipo, linking it to ideas we find in most of his work, narrative as well as theoritical and epistolary or mediatised, like a partially oulipienne variation and a persistent echo of his perplexed pleasure or amused perplexity but sometimes troubled in front of this strange act, intellectual and also experimental, which is writing. Desires to write or to express the outside world go through Calvino but he wants to give us a constructed image and a also controlled one, still aware that an inherent part of hazard is determinant on these. Thanks to combinatorial writing and rewriting parodies the writer has the opportunity to open a fantastic and personal area, through an original reflective poetic drawing from symbolism and irony, and a poetic reflection where the intelligence of the world and the intelligence of writing meet, both deep and detached

L'efecte hipnòtic en el cinema postmodern desenvolupa una aproximació al discurs postmodern a través de la categoria estètica d'allò sinistre (das unheimliche), com el camí que senyala l'ombra i el fantasma, el desplaçament del subjecte i la representació de l'inconscient, el real del desig, per mitjà de la metàfora de la hipnosi aplicada al cinema.
Hypnotic effect in postmodern cinema develops an approach to postmoden theories throught the sinister aesthetic category (das unheimliche), understood as the way that shows the shadow and the ghost, the subject displacement and the unconsciousness representation, the real of the desire, by the metaphor of hypnosis applied to cinema.

Dans le cadre de la maîtrise en communication de l'UQAM, j'ai décidé de me pencher sur la transposition du rêve au cinéma, et ce, par l'intermédiaire d'un mémoire-création consistant en la rédaction d'un scénario de long-métrage à forte teneur onirique. M'intéressant davantage à la dimension syntaxique que sémantique du rêve, l'approche privilégiée fut celle de la rhétorique où j'ai cherché tout d'abord à identifier les principales figures du rêve et à en approfondir le fonctionnement pour les appliquer par la suite à une création. Composé de trois chapitres, ce document d'accompagnement au scénario de long-métrage Le Rassemblement (dont vous trouverez une copie au volume II de ce mémoire) consiste en un retour sur les différents enjeux à la fois théoriques et créatifs qui sont intervenus lors du processus d'écriture. Le premier chapitre servira à mettre en contexte l'histoire proposée alors que seront exposées les diverses intentions à la fois formelles et thématiques sous-jacentes à l'écriture de ce scénario. Ainsi, il sera possible de constater que cette histoire est née tout d'abord d'une volonté d'expérimentation de l'onirisme au niveau formel à laquelle est venu se greffer par la suite un désir d'exploitation de certaines thématiques. Ensuite, le deuxième chapitre se concentrera plus particulièrement sur la rhétorique de l'onirisme. Ainsi, après avoir analysé à partir des théories freudiennes sur le rêve la composition des principales figures de ce dernier, en l'occurrence, la condensation et le déplacement, nous examinerons leur transposition au cinéma. En ce sens, avant de passer à notre propre travail de transposition, nous analyserons tout d'abord comment la condensation et le déplacement ont pu se retrouver à l'intérieur d'oeuvres cinématographiques oniriques déjà existantes à partir de l'analyse d'un corpus de trois films, soit Lost Highway, Being John Malkovich et Mulholland Drive. Suite à cela, viendra donc l'analyse de notre propre travail de transposition où nous constaterons que l'utilisation de la rhétorique du rêve dans le scénario Le Rassemblement ne s'est pas fait dans la seule optique de l'installation de procédés stylistiques, mais qu'elle est venue influencer directement des aspects importants du récit, tels que l'installation des thématiques et la composition de la structure narrative. Puis, pour terminer, le troisième et dernier chapitre consistera en un retour sur notre démarche d'écriture où nous regarderons l'évolution de l'histoire à travers les principales étapes de ce cheminement qui a mené à ce scénario de long-métrage intitulé Le Rassemblement. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Rhétorique, Onirisme, Cinéma, Scénarisation.

Le présent mémoire s'intéresse à la problématique écriture-folie dans L'Homme-Jasmin, de l'auteure et artiste allemande Unica Zürn. Ce texte, sous-titré Impressions d'une malade mentale, consiste en le compte rendu de la réelle expérience de la folie de l'auteure. En prenant appui sur les liens établis dans le texte entre ces deux sphères, nous voulons démontrer en quoi, et surtout de quelle façon, la maladie mentale non seulement alimente, mais aussi conditionne et oriente l'écriture. Notre premier chapitre se consacre aux représentations de l'enfermement et de la folie. Deux constats principaux sont dégagés de cette réflexion. D'abord, l'enfermement constitue essentiellement une forme négative de l'expérience de la folie: le fonctionnement de la vie asilaire, les traitements qu'on y dispense, les gestes et les attitudes des médecins el infirmières sont ressentis comme des attaques, des agressions. Ensuite, nous constatons qu'en dehors des murs de l'asile, la folie apparaît sous un tout autre jour: elle est considérée comme un don, un privilège, une occasion unique de réaliser l'improbable et l'impensable. Le second chapitre s'attarde à l'imaginaire et l'onirique, plus particulièrement au fantasme, aux rêves et aux hallucinations. L'imaginaire fantasmatique est abordé par le biais du personnage de l' Homme-Jasmin. Ce dernier, fantasme tout droit sorti de l'enfance, se transforme, des années plus tard, en la figure centrale de la folie de Zürn. Les rêves et les hallucinations seront considérés sous l'angle de leur mise en récit. L'analyse des récits de rêves et des épisodes hallucinatoires permettra de déterminer la position de l'auteure relativement à ces deux expériences oniriques. Le tout dernier chapitre s'attache de façon plus particulière aux rapports entre écriture et folie. Nous réfléchirons sur cette problématique en abordant tout d'abord la question des signes. Puis, nous nous attarderons aux anagrammes présentées dans L 'Homme-Jasmin. Notre étude des anagrammes, qui clôt le mémoire, établit une ultime corrélation entre folie et écriture, en démontrant que la folie est tout entière comprise dans et par le jeu de langage. Ce dernier, espace libérateur, répond à l'enfermement subi par l'auteure. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Folie, Enfermement, Écriture, Onirique, Anagrammes.

Ce mémoire vise à démontrer de quelle manière les procédés spéculaires présents dans deux films du réalisateur américain Wes Craven, A Nightmare on Elm Street (1984) et Wes Craven 's New Nightmare (1994), révèlent et transgressent les conventions génériques du fantastique, de l'horreur et du slasher film. À ce jour, le travail réflexif de Craven demeure peu étudié par la critique. Bien que plusieurs travaux consacrés aux fictions d'épouvante se soient penchés sur l'oeuvre de ce cinéaste, rares sont ceux qui mentionnent l'importance du motif spéculaire. Or, l'apport de Craven s'étend au-delà de la simple réutilisation des codes de l'horreur; le réalisateur bouleverse les conventions du genre. Par le biais de l'onirisme, le film A Nightmare on Elm Street exploite la qualité réflexive du dispositif cinématographique. Le processus « fictionnalisant » du rêve imitant celui du cinéma, le film propose, au moyen des cauchemars de ses personnages, une réflexion sur la nature des images présentées à l'écran. Ce premier film se trouve enchâssé dans un second, Wes Craven's New Nightmare, dans lequel Craven brise les cadres convenus de la fiction d'horreur et démultiplie les univers diégétiques. Le réalisateur y opère un fantastique horrifiant qui rend explicitement compte de la dichotomie illusion/réalité inhérente au genre, ainsi que de l'incontournable question des frontières et de leur inquiétante perméabilité. Par le truchement de ses diverses manifestations spéculaires, Wes Craven 's New Nightmare met en scène les thèmes chers au cinéma d'épouvante, mais propose en outre une critique iconoclaste de ce genre cinématographique. Notre analyse se base principalement sur une hypothèse énoncée dans l'ouvrage fondateur Le récit spéculaire. Essai sur la mise en abyme, de Lucien Dallenbach, selon laquelle la mise en abyme constitue un code herméneutique à petite échelle permettant l'interprétation de l'oeuvre qui la contient. Nous proposons une étude des divers jeux de miroir -tant esthétiques que narratifs -imbriqués dans ces films, afin d'expliquer de quelle manière ceux-ci déterminent une relecture des codes du cinéma d'horreur, mais également comment ils confrontent le spectateur à sa propre image. Ultimement, nous cherchons à prouver que la mise en abyme, par ses qualités frontalières, constitue une figure fantastique significative ainsi qu'un outil puissant pour la création d'effets horrifiques. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : A Nightmare on Elm Street, Wes Craven's new nightmare, Wes Craven, Cinéma, Horreur, Spécularité, Mise en abyme.

Tese de mestrado, Pintura, Universidade de Lisboa, Faculdade de Belas Artes, 2014
Going through three distinct paths, Visual Arts/Photography, the invention of the Essay and Poetry, this theorical-practical dissertation is followed by an artistic project which is formed of photographs and textual creations. The series that make up the practical work is intimately connected to the reflection surrounding photography matters and its subjectivity, being this a form of communication and information transmission or the lack of it. It is building an archive where in one side exists a photographic record of the reality, although very close to oneiric environments and, in the other side, a fragmented textual record of experienced dreams. Since the emergence of photography its reflection is divided in two segments, the technique and the “emotion”. It is especially in interest to detach the photography role as an extension of the memory where the registration of what exists in that moment becomes, before long, part of the past, of what existed. Photography allows doing this journey in time, allows to keep present matters of the past. Keeping a strong autobiographic character, this work builds a net of visual and textual information narrowly connected to the interior and to the individual memory, almost like it would be a fragmented poetic contemplation, conserving a conducting wire between the several pieces that it is composed by