Dissertations / Theses on the topic 'Orphée (mythologie grecque) – Dans l'art'

Cette recherche est consacrée au héros mythologique Orphée durant l'antiquité tardive (IIIe-VIIe siècle ap. J. C. ). Elle s'appuie d'abord sur les images du musicien apparues dans l'empire romain mais aussi sur les textes antiques le mentionnant. Ces deux types de témoignages ont été regroupés en deux catalogues (volume II et annexe 2). La réflexion proposée dans la synthèse (volume I) utilise également l'histoire des mentalités et des religions, de même que les différents aspects d'Orphée depuis ses origines archaïques. Le but est de comprendre la grande popularité du héros à l’époque tardive, de retrouver les rôles qu'il y tenait et surtout de retracer comment une figure du paganisme gréco-romain a pu trouver place dans l'iconographie des premiers chrétiens. La première partie est centrée sur les images, païennes et chrétiennes, (mosaïques, reliefs, céramiques, arts précieux) qui dévoilent une scène uniformisée montrant Orphée parmi les animaux ; dans la deuxième partie, les textes (des mythographes, des poètes, des philosophes, des pères de l'église) révèlent une figure plus diversifiée de théologien, de purificateur, de magicien. . . Dans la troisième partie, nous voyons que ce personnage, à la fois hors du monde et nécessaire au monde, se rapproche du type du theios aner et prend alors une dimension plus universelle. C'est ce qui lui permet d'être assimile par la nouvelle religion chrétienne comme figure inspirée, porteuse de paix, synonyme du lien entre le divin et l'humain.

La notion d’orphisme est née à la veille de la Première Guerre mondiale. Forgée par Guillaume Apollinaire, elle lui sert à désigner l’art nouveau et audacieux de ses amis-peintres, notamment ceux réunis autour de Robert Delaunay. Cependant, dès cette époque, le terme, utilisé de manière imprécise par le poète, pose problème. Depuis, les controverses se multiplient et durant le siècle qui nous sépare de l’invention de ce nom tout ce qui touche à l’orphisme a été remis en cause, jusqu’à son existence même. Prenant position contre cette attitude, nous proposons dans cette thèse d’envisager la production et les conceptions artistiques de l’époque sous un angle nouveau. En nous défaisant des étiquettes traditionnelles de nombreux « -ismes », nous prenons – selon la suggestion d’Apollinaire – le mythe d’Orphée comme un outil permettant de réanalyser l’art du début du XXème siècle. Cette relecture (des parcours des artistes, de leurs sources d’inspiration, des rapports entre différents centres artistiques et acteurs de la scène artistique), ainsi qu’une analyse comparative des œuvres ont pour but de démontrer que ce que nous appelons l’« orphisme » ne fut pas un concept artificiel, appliqué de manière parfaitement arbitraire à la somme des trajectoires – quelques peu accidentelles et indépendantes les unes des autres – de différents artistes, mais plutôt une évolution logique et cohérente, dont l’ampleur et l’impact sur la postérité ne furent jamais appréciés à leur juste valeur. En utilisant le mythe d’Orphée comme fil conducteur structurant notre analyse, nous mettons donc en évidence les grandes lignes de l’évolution du phénomène auquel Apollinaire a donné le nom d’orphisme : les origines et l’interprétation du terme et de la conception mêmes, le contexte historique et artistique de l’apparition et de l’évolution du mouvement, les rapports entre ses différents acteurs, les sources d’inspiration des artistes et enfin une évolution stylistico-chronologique de cette tendance
The notion of Orphism was born on the eve of the World War II. Forged by Guillaume Apollinaire, it served him to describe a new and bold art of his friends, especially those concentrated around Robert Delaunay. However, the notion was already troublesome back then: ill-defined and unclear, it was used by the poet in a vague way. Since then, the controversies continue to mount and in a century that elapsed since the invention of the notion, everything concerning Orphism is questioned, even its very existence. Contesting this negationist approach, we propose in this thesis to analyze the artistic production and conceptions of this period under a new light. We are distancing ourselves from the traditional labels of “-isms” and we are using the Orpheus myth – as suggested by Apollinaire – as a tool which allows us to reanalyze the art from the beginning of the 20th century. This new analysis – of artists’ career paths, their fascinations, relationships between different artistic centers and between people involved in this avant-garde – and the comparative analysis of artworks serves to prove that what we call Orphism is not an artificial concept, applied in an arbitrary manner to the somewhat accidental and independent career paths of different artists. On the contrary, Orphism is a logical and consistent evolution, whose true importance and impact was never fully appreciated. By using the Orpheus myth as a guiding thread, we are bringing to light the main lines of the evolution of Orphism: the origins and interpretation of the notion and the conception, the historical and artistic context in which the movement was born and was evolving, the relationships between its actors, artists’ inspirations and, last but not least, the stylistic evolution of Orphism over the time

De ses premieres representations dans les arts en italie au xve siecle jusqu'a la " creation " de l'opera a florence et a l'orfeo de monteverdi au debut du xviie siecle, la figure d'orphee se presente sous diverses formes : troubadour, " poeta theologus ", jeune heros grec, berger melancolique, amant incosolable, fils d'apol-lon, poete. . . Mais le mythe d'orphee, bien qu'occupant une place importante dans les arts plasti-ques de 1480 a 1520 ( cassoni, peinture, nielles, gravures, bronzes, majoliques ), periode qui correspond a l'apparition et a la mise en place de l'imprimerie et qui lui assura par consequent une divulgation aupres d'un public de plus en plus lar-ge, ne semble atteindre une complexite d'approches et de significations qu'a tra-vers des cadres intellectuels humanistes precis. L'academie careggi, fondee en 1462 par marsile ficin sous le patronage de cosme et de laurent de medicis, jouera ce role. Un siecle plus tard, la camerata bardi, reunissant des humanistes et des musiciens toujours a florence, grace a sa reflexion sur les rapports du mot et du son et sur leurs pouvoirs respectifs, developpera l'expression meme du mythe d'or-phee, a savoir le pouvoir de la musique. Mais ce sont monteverdi et son librettiste striggio qui, a mantoue, en 1607, vont exprimer le plus largement les possibilites de la legende et du personnage, et leurs differents niveaux de lecture. Avec eux, le mythe d'orphee trouve son veritable epanouissement, grace a la multiplicite des lan-gages, en meme temps qu'il permet la creation d'un genre : l'opera
From its first representations in the italian arts from the 15th century to the creation of the opera in florence ( around the end of the 16th century) and to the orfeo of monteverdi at the beginning of the 17th century, the figure of orpheus appears under various aspects : troubadour, " poeta theologus ", young greek hero, melancolic shepherd, sorrowful lover, son of apollo, poet. . . Between 1480 and 1520, the myth of orpheus takes up a crucial position in the visual arts. But it reaches a complex and sophisticated signification through humanist institutions as the accademia careggi founded in 1462, or, one century later, as the camerata bardi, gathering musicians and philosophers in florence. But orpheus'myth will achieve its full expression with monteverdi and his libret-tist striggio. Together, they give birth to a new musical form : the opera

Notre etude a pour objet les personnages de jason et medee dans la litterature grecque et latine et dans la sculpture. Nous avons etudie les documents qui representent ces deux personnages ensemble ou l'un d'eux dans des scenes de l'expedition argonautique, ces documents figures datent de la periode archaique (surtout debut du vieme s. Avant notre ere) au iveme s. De notre ere. Le catalogue est constitue seulement d'objets sculptes (sarcophages d'epoque imperiale, urnes, reliefs de fonction diverse), mais dans la partie traitant l'iconographie des differents episodes, nous comparons le materiel sculpte avec tout autre document representant la meme scene (ceramique, peintures, monnaies etc. ). Jason apparait dans l'art accompagne de ses camarades ou avec medee, mais il est une figure pale et d'importance mineure a cote de medee qui a cause de son origine barbare et ses actes demesures a longuement inspire les artistes des la fin du vieme s. Avant notre ere et surtout sous l'influence de la tragedie attique sur les autres arts
The object of our study is jason and medeia in the greek and latin literature and in the sculpture. We have studied the documents where the two figures are present together, or only one of them, in an episode of the argonautic expedition. Those figurative documents date from the archaic period (specially the beginning of the vith c. B. C. ) up to iv th c. A. D. The descriptive catalogue is formed only of carved objects (imperial sarcophagi, urns, reliefs of diverse fonction) but in the part traiting the iconography we compare the carved material with all other document (ceramic, paintings, coins) representing the same episode. Jason appears in the art accompagnied by his comrades, or by medeia, but he is a pale, minor figure beside her, who because of her exotic origin and her excessive behavior she has during a long time inspired the artists (since the end of the vith c. B. C. ) and particularly because of the influence of the attic drama on the other arts

Archétypal et protéiforme, le mythe d'Orphée ressuscite au théâtre et au cinéma du XXe siècle, se chargeant de significations nouvelles. Sa trame narrative s'affirme par le jeu dramatique et par l'image et s'ouvre à des horizons inexplorés, tout en restant fidèle à la tradition. Pour Victor Segalen, Jean Cocteau, Tennessee Williams, Jean Anouilh, Marcel Camus et Yorgos Scourtis, la figure orphique incarne non seulement le triomphe de la musique et de l'amour, mais aussi l'échec irrémédiable, la solitude, et surtout la recherche d'un ailleurs qui abrite leurs rêves et leurs idéaux : la justice, la liberté, la pureté, l'art ou la beauté. Notre étude de la palingenèse du mythe orphique dans les arts dramatiques du XXe siècle débute par la définition du contexte historique et esthétique, ainsi que des préoccupations personnelles des auteurs qui ont gardé au mythe une place importante au sein de leur œuvre. Dans un deuxième temps, nous analysons les séquences du récit mythique, pour étudier, ensuite, les grands thèmes qui le traversent et que l'on retrouve dans ses différentes versions. Enfin, nous analysons les dimensions sociologiques, spirituelles, métaphysiques et esthétiques des relectures modernes, afin de démontrer qu'à travers toutes les modifications que subit le mythe, sa symbolique sacrée persiste dans sa foi et sa fidélité à rechercher un idéal dans un monde de désenchantement.

Cette thèse traite de la persistance des modèles classiques dans le théâtre français de l’entre-deux-guerres, en particulier des réécritures qui s’appuient sur les mythes grecs. La recherche est organisé en trois parties. La première partie dresse un panorama sur l’histoire des spectacles, inspirés des mythes grecs, qui se sont épanouis en France, de 1919 à 1944. Dans la deuxième partie on analyse les textes concernant un certain nombre de figures mythiques : Électre, Œdipe, Médée, Antigone, Orphée. On essaye de comprendre selon quelles ‘techniques’ de réappropriation les auteurs (Sartre, Anouilh, Giraudoux, Cocteau, Gide, De Bouhélier, Fabre, Lenormand) ont remodelé la matière classique, et de mesurer la distance qui existe entre leur parcours et le modèle tragique grec. Dans la troisième partie, enfin, on s’attache à dégager les éléments communs à ces exemples de reprise moderne du tragique
This thesis focuses on the persistence of classic models in French theatre in the period between the wars, especially on the re-elaborations of the Greek myth. The research has been structured in three parts. The first one traces the history of various plays inspired by the myth, that flourished in France between 1919 and 1944. The second part analyses texts concerning legendary characters, such as Electra, Oedipus, Medea, Antigone, Orpheus. It also tries to understand to what extent the authors in question (Sartre, Anouilh, Giraudoux, Cocteau, Gide, De Bouhélier, Fabre, Lenormand) re-appropriated the classical subject, and to measure the distance between their works and the original Greek models. Finally the third part brings together the findings of this work: the emergence of common traits between different attempts to recover Greek classic elements

La these intitulee la figure d'orphee dans l'oeuvre de pierre simon ballanche comporte trois parties. La premiere analyse la reecriture du mythe d'orphee par ballanche sous son triple aspect religieux, mythique et poetique. Apres avoir rappele rapidement ce que furent les trois ages d'or d'orphee, les trois periodes ou, depuis la plus lointaine antiquite jusqu'au romantisme, la figure du chantre occupe une place decisive dans la litterature, c'est la question du prophetisme moderne qui est abordee. La seconde partie, "la cite d'orphee", s'attache a etablir le rapport entre le mythe d'orphee et les preoccupations sociales, ideologiques et institutionnelles de l'auteur, issues de la revolution. Apres 1793, tout est detruit, tout est a reconstruire. La figure du premier legislateur de l'humanite, capable de rassembler les barbares pour qu'ils forment une cite harmonieuse, permet a ballanche de penser la refondation de la cite sous les auspices du sentiment, elan amoureux portant les membres de la cite les uns vers les autres, meme s'ils ne se connaissent pas, afin qu'ils forment un corps social soude et uni. Enfin, la troisieme partie, le sens de l'histoire, part du constat suivant :orphee est pour ballanche le pretre des symboles. Voila qui lui permet de poser le probleme du symbolisme historique et, plus largement, son inscription dans une philosophie de l'histoire profondement plebeienne, fondee sur la notion de palingenesie : parce que le peuple travaille et souffre, l'histoire avance, obscurement. La vision syncretique de ballanche, sa place complexe et contradictoire dans le champ des interpretations de la revolution francaise, son originalite, enfin, dans la maniere de definir le poete des temps modernes permettent en definitive une approche ideologico-poetique, partielle mais precise, du premier romantisme francais.

Entre 540 et 490 avant J. -C. , deux ‘Grands Yeux’ autour d’un nez, un personnage ou un objet apparaissent sur 2225 vases attiques. Leur sens a fait l’objet de nombreuses hypothèses : la prophylaxie, en se basant sur la coupe comme support le ‘vase-masque’, le ‘vase-visage’ ou miroir, jusqu’à ce que la prise en compte de leur diversité finisse par leur conférer une fonction purement ornementale. Pourtant, en considérant les valeurs de l’œil en Grèce ancienne et particulièrement son caractère actif, puis le fait que près d’un tiers des vases à yeux soient des kyathoi, des skyphoi, des mastoïds, des amphores, des cratères, des hydries, des oenochoés et des lécythes, les différentes thèses sont largement émoussées. D’abord, les jeux de contraste et de colorisation du motif l’insèrent parfaitement dans le climat expérimental des ateliers du Céramique de cette époque. Par ailleurs, les yeux se sont révélés être de véritables opérateurs, capables de structurer l’espace du vase, mais aussi de produire un effet particulier. Ils introduisent, valorisent, dissimulent ou révèlent. Principalement peints sur des vases liés à la consommation de vin du Symposion, ils accompagnent le buveur dans son cheminement vers l’ivresse et le poussent à expérimenter une émotion, qui peut-être conçue comme une liquéfaction ou un envol. Ainsi, avec les figures du satyre, de la ménade, de Dionysos et de Gorgô, les yeux préparent le buveur à la découverte de l’Autre en lui, à une transformation éphémère. Placés entre l’identité et l’altérité, le motif des yeux est symptomatique du bouleversement identitaire qui précède la naissance de la démocratie à Athènes
Between 540 and 490 B. -C. , two ‘Wide-Eyes’ around a nose, a figure or an object appear on 2225 attic vases. The search of their meanings gave us several theories: drunkenness prevention, established on cup as support the ‘mask-vase’, ‘the ‘face-vase’ or mirror, until theirs diversity just implicate an ornamental purely function. Though, as considering eye’s importance in ancient Greece and particularly his active nature, then the fact that approximately one third of the eyes-vases are kyathoi, skyphoi, mastoids, amphorae, craters, hydrias, oenochoes, and lekythoi, various thesis are largely blunt. First, contrasts and colourisations games of pattern insert perfectly in experimental background Keramic’s workshop during this period. Elsewhere, the eyes are revealed real operators, they are able to structure vase’s space, but also to product a particular impression. They insert, promote, hide or reveal. Mainly painted on vases connected with wine consumption during the Symposion, they escort drinker in his progression toward inebriation and lead him to experiment an emotion, is seen as liquefaction or a flight. Therefore, with the satyr figures, or maenad's, Dionysos's and Gorgô's, the eyes prepare the drinker to discover the Other in him, to feel ephemeral transformation. Located between identity and otherness, the eyes pattern is symptomatic of identity’s upheaval which precede the birth of Athens's democracy

Parmi la cinquantaine de livres que pierre emmanuel a ecrit, la moitie est en vers. Le premier qu'il a publie s'intitule elegies, le dernier le grand oeuvre. Les poemes de cet auteur constituent un va-et-vient entre des sujets mythiques (orphee et eurydice) et des sujets bibliques (le christ, par exemple). Avec des interferences entre eux. Le poete adapte ce mythe classique a ses besoins litteraires. La presence et l'absence de la figure d'orphee dans sa poesie (soit dirctement explicitees, soit par l'intermediaire principalement des themes de l'amour, la mort et la nouvelle naissance), sont la manifestation de sa vision de la vie et de ses interets personnels. L'ambiguite regne dans certaines parties de l'oeuvre de pierre emmanuel, car cet ecrivain sent en lui une dualite. Maintes fois il s'est propose de ne pas regarder en arriere vers le casse qui tue; mais notre auteur, oprhee en fin de compte, s'est retourne plus d'une fois. Il lui faut continuellement renaitre, c'est-a-dire casser d'etre l'homme "ancien" pour devenir l'homme "nouveau". En nous demandant s'il peut etre qualifie de poete chretien ou syncretique nous devoilons les "visages" d'un homme qui a prefere appele pierre emmanuel plutot que noel mathieu
Amongst the fifty or sa books which pierre emmanuel has written, half of them are in verse. The first one which ne published is called elegiesn, and the last one le grand oeuvre. The euthor's poems are a mixturs batween mythical subjects (orpheus and eurydice) and biblical subjects (christ, for example), with the interactions of ideas between them. The post adapts this classical myth to his literary needs. The presence and absence of the figure of orpheus in his poetry (either directly explicit, or by the principal intermediary of the themes of love, dath and new birth), are the demonstration of his vision of lifs and of his of his own personbal interests. Ambisuty reigms in certain parts of pierre emmanuel's work bacause this writer feels a duality within himself. Often, it is sussested not to look back back towards a pst which kills; but cur author, orpheus at the end of the day, has returned mors than once, he has to be continuallyu reborn, that is to say, to stop being the "cld" man in order to become the "new" man, by asking ourselvs if he can be classified as a christian poet or suncretic poet, we unmask the "faces" of a man who has prefered be called pierre emmanuel

La violence figurée sur les vases l'est tantôt par des schémas expressifs tantôt par des détails discrets et significatifs. Les œuvres différentes, de la période archai͏̈que ou classique en Grèce, qui représentent une ou des violences sont nombreuses. Un choix a été nécessaire, et nous avons dirigé notre recherche selon quatre axes : les représentations des monstres, le Vase François, des images de l'Ilioupersis et les coupes qui illustrent l'attribution des armes d'Achille. Les artistes grecs construisent l'image de la violence. Quelques peintres ont utilisé des constructions très subtiles que nous avons tenté de démonter, pour rendre visible cette essence même de la violence. Elles n'en ont pas moins suffi à indiquer la pertinence du " problème artistique " qu'elles ont soulevé et tenté de résoudre. En effet, les représentations étudiées marquent une progression. Les monstres laissent d'abord apparaître dans leurs schémas plus archai͏̈ques une idée de mascarade. Puis, nous avons vu une démonologie liée au destin de l'homme qui mène jusqu'à une " transsubstantiation ". Mais la victoire de l'homme, qui peut paraître d'abord aisée, demeure beaucoup plus difficile et complexe. Et cela s'observe grâce au talent des artistes. D'abord, si elle dépend du courage des Grecs, elle a aussi besoin, souvent, de l'aide des dieux. Et ils sont très fréquemment représentés à côté des combattants. Mais parfois, cette présence divine a du mal à vaincre elle aussi. La représentation des femmes combattantes met en lumière une lecture qui remet en question cette sempiternelle victoire. Derrière ces combats de guerriers se profilent le combat d'Athéna et des Erinyes et peut-être aussi le celui de l'oi͏̈kos contre la polis. Enfin, dans les documents que nous avons relus, au-delà de l'ordre et de l'harmonie des compositions nous avons montré le désordonné et même le chaos. En fait, de façon très contemporaine, ces représentations introduisent le chaos dans l'ordre
The violence depicted on the vases is shown either by expressive models or by discreet and significant details. Different works representing one or more types of violence are many in the archaic and classical periods of Greek art. A choice was necessary and our research follows four lines: illustrations of monsters, the François Vase, depictions of the Ilioupersis and the cups illustrating the presentation of Achille's armour. The Greek artists constructed the image of violence. Some used very subtle constructions, That we have attempted to interpret, in order to reveal this essence of violence. These chosen constructions are sufficient to demonstrate the "artistic problem" they raise and attempt to solve. The representations studied here show a progression. Firstly, the archaic models of monsters convey the idea of masquerade. Then we detected a demonology connected with man's destiny leading to a "transubstantiation". But man's victory, apparently easily attained, remains much more difficult and complex. This is shown in the skill of the artists. If victory depends on the valour of the Greeks, it also often requires the help of the gods. They are frequently represented beside the warriors. But at times this divine presence has difficulty in prevailing. Depictions of women warriors emphasize a reading which questions this perpetual victory. Behind the warriors in combat can be discerned the combat of Athena and the Erinyes and possibly also that of the oi͏̈kos against the polis. Finally in the document we have studied, we have shown, beyond the order and harmony of the compositions, disorder and even chaos. In fact, in a quite contemporary manner, these representations introduce chaos into order

Cette thèse propose d'explorer la légende d'Œdipe et ses avatars dans l'art en France, à travers l'analyse d'œuvres diverses, peinture, sculpture, poésie et critique d'art. Elle a pour objectif de déterminer les réceptions du mythe par les artistes et plus généralement dans l'esprit du temps. Œdipe intéresse les artistes et les écrivains du XIXe siècle pour plusieurs raisons. En premier lieu, la question du mythe se pose dès lors qu'on s'interroge sur le théâtre, en particulier la tragédie. Dans un second temps, le héros thébain se place fréquemment au cœur de réflexions découlant de la philologie comparée, laquelle permet d'alimenter les nombreuses recherches de mythologie comparée. En troisième lieu, Œdipe suscite l'intérêt des archéologues qui mettent au jour les richesses du passé de la Grèce et renouvellent les études de son histoire. Enfin, deux œuvres d'art fondamentales, dont la renommée a traversé tout le siècle, ont contribué à faire d'Œdipe l'un des mythes les plus prégnants dans l'histoire culturelle du XIXe siècle : le chef-d'œuvre de Jean-Auguste Dominique Ingres de 1808 et celui de Gustave Moreau exposé en 1864. Participant au renouvellement de la peinture d'histoire, la légende d'Œdipe a su reconquérir son statut de mythe symbolique, devenant de la sorte un maillon essentiel de la culture classique et littéraire. Mais il a également fait l'objet de nombreuses manipulations, témoignant ainsi du pouvoir exégétique des artistes, qui en ont rapidement fait un mythe personnel. Œdipe incarne, à la fin du siècle, au même titre que les mythes d'Orphée et de Prométhée, la figure du héros tueurs de monstres, l'artiste déchiffreur des mystères de la nature

Suite à un duel musical, Apollon écorche Marsyas. Le destin de la peau du musicien devenant une membrane sonore offre un paradigme. De la création. Ce mythe est confronté à certains aspects de la production plastique contemporaine. Selon notre thèse, l'artiste s'écorche et retourne sa peau qu'il offre comme matière pour l'inscription du monde. La peau a le plus souvent été envisagée comme une limite ou comme un paradigme de la urface d'inscription, entretenant un rapport privilégié avec l'écriture. Mais sa dimension la plus importante est peut-être son épaisseur au travers de laquelle s'effectuent les échanges entre le corps et son environnement. Les arts plastiques participent d'une topologie épidermique grâce à l'épaisseur cutanée qui permet l'exposition des corps selon un singulier régime de représentation. La peau créatrice n'est pas tant un support d'inscription qu'une écriture en soi. Ce processus créatif s'apparente à des phénomènes tels que l'excrétion et la concrétion

Ce travail étudie la constitution, de l'Antiquité au Romantisme, d'un mythe littéraire du sphinx à partir de la convergence formelle et symbolique de deux figures homonymes: le sphinx égyptien, monument sacré, d'une part; la sphinx hellénique, monstre légendaire, d'autre part. Originellement distinctes, ces figures tendent progressivement à se confondre dans une réflexion métapoétique portant sur les conditions de représentation littéraire de l'énigme universelle. Le sphinx, en sa forme syncrétique, se fait ainsi l'emblème d'une conception symbolique de l'univers et du livre, hiéroglyphes offerts au déchiffrement d'Œdipes herméneutes. L'ambivalence de la figure, référent visible de Gizeh ou mythème caché de la fable thébaine, détermine alors deux régimes de représentation différents: l'allégorie, qui, du Moyen Age à la Renaissance, illustre explicitement le sens symbolique du sphinx; le mythe, qui, à l'époque romantique, le scèle dans la trame métaphorique du texte, énigme poétique
This work studies the emergence, from Antiquity to Romanticism, of a literary myth of the sphinx, resulting from the formal and symbolic convergence of two homonymous figures: the Egyptian sphinx, holy monument, on the one hand ; the Greek sphinx, legendary monster, on the other. Originally distinct, these figures have merged progressively into a metapoetic reflection on the literary depiction of the universal enigma. The sphinx, in its syncretic form, thus becomes the emblem of a symbolic idea of the universe and the book, both hieroglyphics to be deciphered by some Oedipal exegete. The ambivalence of the sphinx, the visible representation at Giza or the hidden mythem of the Theban story, leads to two different portrayals : the allegory, which, from the Middle Ages to the Renaissance, explicitly illustrates the symbolic meaning of the sphinx ; the myth, which, during the romantic period, hides it in the text's metaphorical framework, as a poetical enigma

L'anthropomorphisme de la religion grecque pose la question des codes iconographiques et des moyens stylistiques mis en œuvre par les artistes pour représenter le corps des dieux construit le plus souvent (mais pas exclusivement) sur le modèle du corps humain. Hors norme, si l'on part d'une vision classicisante de l'Antiquité, apparaissent d'emblée certaines catégories de figuration : les monuments aniconiques du divin, comme les " pierres rudes " d'Achai͏̈e et d'Arcadie, images d'Hermès ; pour le même dieu (mais aussi pour Dionysos), les formes semi-iconiques du pilier et du mannequin, combinaisons d'un support géométrique avec une tête, un masque, un phallus ; ce dernier, en devenant gigantesque, circonscrit à lui seul le corps d'Hermès et de Dionysos ; les visions proprement tératologiques de certains dieux grecs et les phénomènes d'hybridation zoo/anthropomorphe, sans que les concepts d'hybridation et de monstruosité se laissent confondre (Eros ou Nikè ne sont pas des monstres). Touchant aussi au corps animal des dieux, la question des métamorphoses soulève une problématique liée à la spécificité du langage figuré (plastique ou pictural) et du langage littéraire. Ce dernier étant d'une souplesse et d'une richesse qui lui permettent de traduire le corps des dieux d'une manière plus complexe et plus analytique et même de le visualiser dans l'imaginaire du lecteur, alors que les arts figurés ne savent montrer ce processus que par une série de formules plutôt sommaires et répétitives. Mes recherches ont montré qu'il y a, en Grèce, dieux et dieux. Autant les grandes figures de l'Olympe, après une période de tâtonnement, acquièrent une forme canonique, autant des personnalités divines moins intégrées dans le panthéon, présentent un corps plus incertain. Le corps des dieux grecs ne forme pas un ensemble constitué et homogène. Il est sujet à des variations qui sont de plusieurs ordres : régionales (on découvre par Pausanias des divinités fort éloignées des modèles attiques) ; chronologiques (les dieux d'Homère et des arts figurés du haut archai͏̈sme ne sont pas ceux d'Apollonios de Rhodes et des sculpteurs pergaméniens) ; génériques aussi, dans la mesure où la sculpture, art religieux et politique, et la peinture de vases, dont les fonctions sont narratives et ornementales, n'ont pas les mêmes visées et n'obéissent pas aux mêmes contraintes techniques
Anthropomorphism of Greek religion poses the problem of iconographical codes and stylistic means use by artists in order to picture god's body lay out upon human cast, most of the time (but not only). From a classical way of visualizing Antiquity, become directly apparent categories of representation : aniconic god's images such as "uncouth stones" from Achaia and Arcadia, images of Hermes in this instance ; for the same god (also Dionysus) the pillar and manikin semi-iconic shapes, grouping of a geometric stay with a head, a mask, a phallus ; the latest becoming gigantic when it is Hermes or Dionysus' body ; properly teratologic; images of some gods and zoo/anthropomorphic hybridization phenomenon, hybridization and monstrosity concepts must not be confused (Eros or Nike are not monsters). Concerning the zoomorphic body of gods, the question of metamorphosis raises problematic bounds to the image's specificity (sculpture and painting) and that of the text. The ease and richness of poetry allows the body of the gods to be expressed in a more complex and analytic way and even to be pictured in the reader's mind, when the figurative arts represent this process only by means of a range of rather repetitive and hasty formulas. My searches proved that there is gods and gods. The great figures of Olympus grope to reach their canonical form, as much as the divine personalities less integrated into the pantheon show a more fluctuating body. Gods' body does not constitutes an homogenous and established unity. It is composed to fluctuations of several kinds : local (Pausanias informs us of gods who's shape is far from the attic model) ; chronological (upper archaism gods of Homer and figurative arts are not those of Apollonius and the pergamenian sculptors) ; generic too, in so far as the religious and political art that is sculpture, and painting with its narrative functions, do not have the same goal and do not obey to the same technical constraints

Le nombre de documents se rapportant aux monstres et à la monstruosité montre qu'ils constituent en Grèce une catégorie anthropologique et conceptuelle importante, ce dont témoignent la littérature et l'iconographie des vases. Cette étude s'attache à l'étude du vocabulaire de la monstruosité, mais aussi aux images abondantes sur ces objets d'usage commun que sont les vases. L'importance accordée par les Grecs à la monstruosité, qu'elle soit mythologique ou non, montre qu'elle est utile à penser : par ses brouillages et ses transgressions, elle définit les limites de l'humanité
The number of documents relating to monsters and monstrosity shows that in Greece they are an important anthropological and conceptual category, as evidenced by literature and iconography of the vases. This study focuses on the study of the vocabulary of monstrosity, but also an abundant images on these objects commonly used as vases. The importance given by the Greeks to the monstrosity, wether mythological or not, shows that it is useful to think about it : thanks to its interference and its transgressions, it defines the limits of humanity

L'oiseau est-il une création du XXe siècle ? Il est facile de répondre par la négative tant son empreinte est forte dans toutes les civilisations du monde. Pourtant, seul le XXe siècle choisit ainsi de l'isoler de son contexte de vie anecdotique, de le doter d'attributs, non plus seulement allégoriques, mais moraux, non plus seulement religieux ou politiques, mais lai͏̈ques et humains, humains et sacrés. Si la sculpture des premières décennies du XXe siècle met en évidence une scission entre une sculpture de la raison et une sculpture de la situation, il nous paraît logique d'inscrire l'oiseau dans cette seconde catégorie. Cet oiseau-là résulte, en effet, de l'histoire socio-politique du monde, faite et subie par les hommes. Il lui doit ses beautés (couleurs, chant et essor) et sa misère tant physique que psychologique. L'oiseau incarnait la liberté; le Xxe siècle la lui a imposée: libre d'aimer ou de consacrer l'amour, libre de tuer, libre de mourir. La liberté est un joug dont l'homme moderne a goûté l'âpre parfum. Cet oiseau-là n'existait pas avant l'avènement du XXe siècle. L'oiseau devait désormais pénétrer l'intériorité humaine. L'oiseau aurait été un buvard, une éponge, un reflet des ressentis humains du siècle, le "fantôme particulier" de l'homme, son double créé, sa métaphore privilégiée. L'oiseau créé, tout à la fois, porte-étendart de ses rêves et garde-fou de ses pulsions criminelles, aurait aidé l'homme à atténuer la vigueur de ses chocs passionnels au cours du siècle. L'oiseau serait devenu l"'avatar de l'artiste qui se soumet à cette figure comme s'il s'agissait d'un surmoi en réduction", écrit encore Werner Spies au sujet de Max Ernst et de son double, Loplop.

Cette étude est un prolongement, dans le domaine poétique, de la réflexion sur la métis engagée par Marcel Detienne et Jean-Pierre Vernant. En tant que récit d'épreuves, l'Odyssée est le cadre idéal pour une expression poétique de la métis. Ulysse et Pénélope sont rusés, ils partagent une homophrosunè, une égalité et une complicité d'intelligence. Ils sont, également, polukerdeièsin, ils ont un penchant, un tropisme, pour les astuces. Ils ne font qu'un quand il s'agit de tirer un profit. Le terme qui nous a semblé le plus approprié pour rendre compte de l'intelligence d'Ulysse et de Pénélope est kerdosuné, l'astucieuse efficacité, la recherche du profit (kerdos). L'enjeu des épreuves épiques est le rétablissement de la reconnaissance, de la charis. Ulysse ruse pour retrouver sa place au sein de l'oikos, pour être reconnu par les siens. Le chant épique participe à cette entreprise de protection et de maintien de la charis. Il est un expédient, un pharmakon epistrophon qui « fait tourner » (traduction d'epistréphein) les cœurs vers l'euphrosuné, l'état joyeux. L'étude de la métis dans l'Odyssée révèle l'importance de la fonction poétique du jeu dans la Grèce archaïque
This study is an extension of Marcel Detienne and Jean-Pierre Vernant's reflexion on métis in poetic's field. As a narrative of contests, Odyssey is the ideal setting for a poetic expression of métis. Odysseus and Penelope are crafty, they share a homophrosuné, an egality and a compliticity of cunning. They are also, polukerdeièsin, they have a penchant, a tropism, for the tricks. They are one when it cornes to making a profit. The term that we thought most appropriate to account for Odysseus and Penelope's intelligence is kerdosuné, the clever efficiency, the profit (kerdos) motive. The challenge of epic contests is the restoration of the recognition, the charis. Odysseus tricks to find his place in the oikos, to be acknowledged by his relatives. The epic song participates in this project of charis protection and preservation. Il is an expedient, a pharmakon epistrophon wich « turns » (translation of epistréphein) the hearts toward the euphrôn, the cheer. The study of métis in the Odyssey reveals the importance of the poetic function of the game in the Ancient Greece

L'appellation "art hybride" apparait suite a une reflexion sur notre pratique artistique personnelle et correspond a une analyse de l'evolution de l'art textile a partir des annees 60, ou s'opere une revolution de la tapisserie dans un contexte d'emancipation des femmes, principales instigatrices de ce metier d'art, en se detachant de la condition d'artisanat pour englober des pratiques artistiques differentes afin de devenir un art autonome. Cette mutation caracterise une tendance artistique de cette epoque, a la recherche de ses origines (anthropologie) pour se projeter dans le futur. De ce fait, elle se transforme progressivement en un art hybride, au dela des categories artistiques, transgressant les limites imposees par les techniques et le materiau lui-meme dans une quete metaphysique pour retrouver une identite humaine. En entreprenant de redefinir notre pratique et en nous interrogeant sur la particularite feminine inherente au textile, nous avons effectue des recherches sur les origines textiles et avons decouvert le mythe complexe de la metamorphose d'arachne contenant la symbolique de la creation feminine liee aux problematiques essence/existence et illusion/realite, faisant apparaitre le concept de transformation, d'hybridation. Suite a nos recherches corroborant notre intuition concernant le processus createur, nous avons deliberement appele notre pratique "art hybride" et l'avons presentee comme manifeste, y associant cinq exemples d'artistes correspondant a cette mouvance
The appellation "hybrid art" appears after a reflexion on our artistic practice and corresponds to an analysis of the evolution of textil art since the sixteens, when the revolution of the tapestry takes place, in a context of emancipation of women, the principal instigators of this artcraft, living condition of handicraft to include different artistic practices in order to become a selfart. This transfer shows an artistic tendency of this age, investigating the origins (anthropology) to be projected in the future. As a matter of fact, it's being transformed progressively in an hybrid art, beyond the artistic categorys, transgressing the limits imposed by the technics and the material itself in a metaphysical quest in order to find an human identity. In determining our practice and interrogating the feminine particularity belonging to the textil, we have made investigation on the textil origins and have discovered the complex myth of the metamorphosis of arachne, containing the symbolic of the feminine creation connected with the problematicals essence/existence and illusion/reality, make appears the concept of transformation, of hybridation. After our investigations, corroborating our intuition on the creative process, we have deliberately called our practice "hybrid art" and we have presented it as a manifest, joining five exemples of artists from this moving

Puisé aux sources de textes divers, issus de l'antiquité à nos jours, principalement la littérature, nous étudions dans différentes expressions : création, métamorphose, sublimation de personnages emblématiques, avec ou sans l'intervention du syndrome de Pygmalion. Interférence de l'amour, de la folie et des fantasmes naturels ou hallucinogènes, à la lisière du fantastique, sosies, transpositions et subterfuges, conduisent tant au succès qu'à l'échec. L'émergence de personnages créés, modifiés, ressuscites, animés ou réanimés illustrent le désir permanent de créer, de générer, qui nous motive. Pygmalion en est le porte drapeau, mais nous allons bien au delà de son mythe. En filigrane demeure la notion tant de sublimation que d'animation. Nombreux sont les échecs, en opposition aux quelques succès, plus ou moins spectaculaires. Les fictions sont étayées par les récit biographiques romancés mais réels. Aucun des héros n'échappe à une forme de mutation, intellectuelle, psychique, physique ; désirée ou subie, dirigée ou personnelle et parfois la conjugaison des deux. L'entreprise n'est jamais innocente, et parfois au seul bénéfice du Pygmalion démiurge ou narcissique
Drawing on various text sources, mainly literary, from antiquity until the present day, we have studied different ways of expression: creation, metamorphosis and sublimation of emblematic characters, with or without the Pygmalion syndrome. The interference of love, madness and natural or hallucinogenic specters, on the edge of the fantastic, with doubles, transpositions and subterfuges lead these characters to success as well as to failure. The emergence of created, modified, resuscitated, lively or revived characters illustrates the desire that motivates us. Pygmalion is the standard-bearer, but we go far beyond his myth. Sublimation and liveliness remains in the background. There are innumerable setbacks, in contrast with the few successes that are more or less spectacular. These novels are based on real-life, though somewhat romanticized biographies. None of the heroes escapes intellectual, psychic, physical mutation, whether desired or suffered, either directed or personal and sometimes the combination of the two. Never is the endeavour innocent; sometimes it is to the exclusive benefit of the godlike or narcissistic Pygmalion

La thèse part du constat de la polyvalence sémantique des gestes en image, des schémas gestuels qui doivent prendre en charge également l'expression de la supplication verbale. Il s'agit d'un montage de signes qui ne renvoie pas à un rituel structuré mais à plusieurs démarches et solutions iconographiques selon le mythe représenté. La thèse s'organise en 7 chapitres centrés sur une ou plusieurs grandes figures mythiques (Priam, Alkmène, Télèphe, Oreste, Cassandre, Déjanire). Le suppliant assis sur l'autel non seulement est le centre de la composition, mais il forme avec la statue et l'autel une image dans l'image, selon un processus parallèle à celui que l'on trouve dans les textes tragiques. Cette statue/suppliant, fixé sur l'autel, prend vie grâce à un ensemble de gestes qui l'impliquent et qui sont essentiellement des gestes d'intégration et filiation. La supplication s'exerçant dans la ralité à plusieurs échelles, en image est pensée presqu'essentiellement sur le mode de l'oikos
The thesis is based on the constat that gestures in images are semantically polyvalent. Gestures have to assume also the verbal expression of supplication. It's a interaction of signs that does not refer to a structurate ritual, supplication is expressed by numerous rituals and figurative solutions. These is constructed by 7 chapter, centred about one ore more mythical characters. (Priamos, Alkmena, Telephos, Orestes, Kassandra, Dejanira). Suppliant in the center of composition is like a picture into a picture, with a process that is parallel of the textual one in attic tragedy. This statue/suppliant, fixed on the altar, take life by the gestures that implicate him. Supplication play on numerous levels, but in images it's thought almost essentially in the way of oikos

Cette recherche iconographique porte sur Amymoné, une Danaïde, fille de Danaos, maîtresse de Poséidon. Notre étude commence par une description de 62 vases attiques et italiotes du Ve siècle et IVe siècle av. J. C. , ainsi que différents autres supports, 45 mosaïques, reliefs, peintures, bijoux, monnaies. Amymoné y figure seule, en compagnie de satyres et/ou de Poséidon. D'autres personnages secondaires viennent compléter certaines scènes. Pour chacun de ces supports un commentaire tente de confirmer ou d'infirmer la présence de la Danaïde dans ces scènes et de comprendre le sens de l'image. La deuxième partie de notre travail se compose de six chapitres. Le premier concerne la généalogie d'Amymoné et sa légende à travers les sources littéraires anciennes. Les textes, avec quelques variantes selon les auteurs, narrent la rencontre de la Danaïde avec Poséidon à Argos, le lieu où va jaillir la source de Lerne offerte à la jeune fille par le dieu. Amymoné, la jeune fille reconnaissable à l'hydrie qu'elle porte ou qui est présente à côté d'elle, est une tendre proie pour des ravisseurs. D'abord un satyre : ces scènes peuvent avoir subi l'influence d'un drame satyrique mais évoquer également le cortège dionysiaque ; puis Poséidon dans des scènes pleines d'ambivalence. La rencontre de Poséidon et d'Amymoné, dans des scènes où il n'est plus question de poursuite entre eux, peut évoquer l'union : une association d'objets, de personnages présents autour du couple peut le suggérer, mais il s'agit plus d'une union sexuelle que maritale. Certaines de nos scènes évoquent également le monde de l'au-delà, des éléments "extérieurs" au thème, comme la provenance des vases, leur type, les autres scènes figurant sur ces mêmes vases ont pu nous conduire à cette conclusion, tout comme la présence de personnages liés au monde des morts, ou l'évocation de l'eau, origine de la vie, mais aussi porteurs d'un sens eschatologique. En conclusion, nous évoquons le devenir des aventures d'Amymoné sur d'autres supports iconographiques. Dans le monde romain le thème de la Danaïde a perduré sur de nombreux siècles et dans de nombreuses région du bassin méditerranéen sans vraiment subir de grandes transformations.

Alexandre Soumet, poète aujourd'hui oublié, a pourtant bel et bien marqué son époque. Académicien, cofondateur de la revue "La Muse française" avec Victor Hugo, il peine pourtant à choisir entre l'esthétique classique et romantique. Fidèle à l'idéologie allemande, faisant du romantisme un courant à la fois philosophique et poétique, il est également un fervent adepte de l'illuminisme à la façon de Swendenborg et Novalis. Notre étude vise à souligner la quête initiatique de notre chantre oublié dans laquelle la figure du poète (et donc d'Orphée) est centrale. Il s'agira tout d'abord d'analyser le lien entre l'évolution générique de ses œuvres (odes, tragédies, opéra, épopée) et l'initiation poétique et philosophique à laquelle il se livre. Puis, nous étudierons la place tenue par le mythe d'Orphée, sujet à de multiples métamorphoses. Les mythes bibliques et littéraires ainsi revisités seront perçus comme les marques d'une forme de transcendance de l'œuvre littéraire.

Ce mémoire de maîtrise vise à comprendre le symbolisme de la mosaïque de Ganymède de la Maison de Dionysos à Néa Paphos (Chypre) datée de la fin du IIe ou du début du IIIe siècle p.C. et à préciser le contexte d’utilisation de la salle. Ce double questionnement découle de l’observation des motifs géométriques associés à la scène qui représente l’enlèvement de l’éphèbe troyen par un aigle. D’une part, la nature du « fleuron », associé au panneau figuratif, est analysée à l’aide de documents iconographiques et de textes anciens. Les résultats de cette analyse permettent de discuter du sens symbolique, idéologique ou philosophico-religieux que ces motifs confèreraient à la scène. D’autre part, la disposition des « fleurons » et des autres motifs géométriques suggère que la salle aurait pu être utilisée dans un contexte précis. Outre ces indices décoratifs, la fonction de la salle est aussi discutée selon les données architecturales et planimétriques. Certaines conclusions sur le symbolisme, qui découlent de l’étude de la mosaïque de Ganymède, sont ensuite confrontées à certains pavements figurés de la domus.
This masters essay aims to understand the symbolism of the Ganymede mosaic of the House of Dionysus in Nea Paphos (Cyprus) dated to the end of the 2nd or the beginning of the 3rd century AD and to determine the room’s use. This double inquiry arises from the observation of the geometric details associated with the scene representing the rapt of the Trojan ephebe by an eagle. Firstly, the nature of the "rosette" associated with the figurative panel is analyzed with the iconographic documents and the ancient texts. The results of this analysis allow us to discuss the symbolic, ideological or philosophical-religious meaning that motifs would confer on the scene. Secondly, the arrangement of the "rosette" and other geometric patterns suggests that the room could have been used in a specific context. In addition to these decorative clues, the function of the room is also discussed according to architectural and planimetric data. Some conclusions about the symbolism that emerge from the study of the mosaic of Ganymede are then confronted with certain figured pavements found in the domus.

L'attitude du surréalisme a l'égard de l'antiquité et de la mythologie grecque semble parfois ambiguë car elle allie défiance et attraction. Ainsi, les surréalistes ont montré un gout tout particulier pour le mythe de narcisse comme le prouve sa récurrence tant dans la production littérature que picturale du mouvement. En peinture, André Masson et Salvador Dali sont paradigmatiques de la représentation de ce mythe dans le mouvement, le récit de l'éphèbe amoureux de lui-même sera à l'origine, chez les deux artistes, d'une production tant picturale et poétique. Dali peindra sa célèbre métamorphose de Narcisse en 1936-37 avant de reprendre le sujet en 1980 dans narcisse jeune endormi. Alors que Masson traitera le thème dans sept œuvres s'échelonnant de 1934 à 1973. Tous deux se sont inspirés des métamorphoses d’Ovide mais, si l'on distingue en filigrane des traces d'intertextualité, l'intervention de la sensibilité et des préoccupations de chaque artiste, associée a l'utilisation de sources littéraires plus modernes, parasite le texte antique. Des lors, les écarts par rapport à la tradition menant à une "réécriture" partielle du mythe, sous l'influence notamment de la psychanalyse. Choisir ce mythe pour un artiste n'est pas gratuit comme l'a montré Paul Valéry. Alors que Salvador Dali y voit à la fois l'occasion d'exposer pédagogiquement le narcissisme et de représenter son malaise existentiel jusqu'à sa rencontre avec gala. André Masson l'abordera a la lumière d'une réflexion sur le suicide qui privilégie dans la formation du moi l'élément
The attitude of surrealism towards antiquity and greek mythology is ambiguous : it combines suspicion and attraction. So surralists shown a particular predilecion for the myth of narcissus, as its presence in their litterature as much as in their painting attest it. Concerning the illustration of this myth, André Masson and Salvador Dali are the most representative artists in the surrealist movement : they both composed poetical texts, oil-paintings or drawings about this subject. Dali represented this theme twice in his career : the first time in 1936-37, with his famous metamosphosis of narcissus, the second time in joung narcissus asleep dated from 1980. In Masson's production, the subject appears seven times, between 1934 and 1973. Both of these artists knew the metamorphoses of Ovide, but their respective personnality, associate to the reading of modern texts, interfere in their interpretation of the myth. So that the differents in comparison with the antique text lead to a "rewriting" of the myth, interpreted by the means of psychoanalysis. To choose this myth is not innocent for an artist, as Paul Valery shown it. If Salvador Dali asserts that his ambition was to expose the narcissism in his work, he parallely exhibits his own perversity. With this myth, Masson conjures up the suicide associated to the existence of a sado-masochist element included in each humain being. Then, the subject changes to illustrate a fusion of man and nature and an existential philosophy

Le griffon à l’époque archaïque grecque est le résultat de l’importation du motif depuis le Proche-Orient. Si sa popularité à cette époque est flagrante, elle décroît radicalement à la fin des guerres médiques. Cependant, lorsqu’il réapparaît avec force au IVe siècle av. J-C, il est transformé. Dans les textes, on le retrouve pour la première fois dans un récit, un mythe scythe dans lequel il est en perpétuel conflit avec ses voisins pour la propriété de l’or abondant de la région qu’il habite. Dans les arts, il n’est plus représenté sous forme de protomé de bronze sur des chaudrons dédiés à diverses divinités, mais on le retrouve en grande partie sur des vases en terre cuite. Qui plus est, entre ces deux médiums on ne saurait reconnaître qu’il s’agit de la même créature. Que s’est-il produit entre ces deux moments pour que le motif du griffon soit autant modifié ? L’hellénisation du motif au Ve siècle à travers les arts et les écrits n’est pas facilement discernable, sans compter que les textes d’époque romaine sont d’une fiabilité douteuse en raison d’interprétations a posteriori qui ne reflètent pas nécessairement la pensée des artistes originaux. Les principaux agents de cette hellénisation sont le développement stylistique du motif plastique ainsi que la présence du griffon dans une pseudo-koinè gréco-scythe.
The griffin of the Archaic Period in Greece is the result of the import of the pattern from the Middle East. If its popularity at that time was obvious, it drastically decreased at the end of the Greco-Persian wars. However, when it reappeared in full force during the fourth century BC, it was completely changed. Ancient sources reference a tale, a Scythian myth in which the griffins are in perpetual conflict with their neighbors, the Arimaspians, over the glittering gold that is plentiful where they roost. In the arts, the griffin was no longer represented as a bronze protome on cauldrons dedicated to various deities, but rather on terracotta vases. Apart from its morphology, the creatures associated with each support are widely different in style, and the motif is nigh unrecognizable. What might have occurred for the griffin motif to have changed so much ? The Hellenization of the pattern in the fifth century through art and writing is difficult to discern. As for the Roman texts, they are of dubious reliability due to interpretations that do not necessarily reflect the thought process of the originals artists. However the Hellenization of the plastic and litterary motif is easily perceived through the stylistic development of the plastic pattern and the presence of the griffin in a pseudo Greek Scythian Koine fabricated.

La réflexion critique de ce mémoire se veut une étude approfondie des thématiques communes au mythe d'Orphée et Eurydice ainsi qu'au roman Prochain épisode d'Hubert Aquin. C'est la puissance du langage poétique d'Aquin qui nous permet d'établir des liens entre mythe et roman, puis la présence de thèmes tels que la mort, le doute, l'amour et la musique, le regard en arrière, la figure du double, le pays perdu et la révolution. La section création regroupe quarante-huit poèmes. Elle est née et s'est nourrie d'une expérience humaine infernale et extraordinaire, rapportée dans le mythe d'Orphée et le roman d'Aquin, soit le processus de mort, de métamorphose et de renaissance.

L'objet de la recherche consiste a decouvrir les elements issus du folklore roumain et ceux de la musique moderne dans les oeuvres d'enesco, au debut du vingtieme siecle l'etiquette attribuee a enesco affirme qu'il est le chef de file de la jeune ecole roumaine, ce que nous recusons. Actuellement, il n'existe aucune etude universitaire sur l'oeuvre d'enesco en dehors des publications de son pays natal: la roumanie. Cette these s'imposait donc. Elle fait apparaitre qu'enesco utilise les elements folkloriques roumains comme de simples materaux et non comme un concept ideologique de son esthetique. Le, folklore roumain n'etant qu'un alibi au service d'experiences musicales d'avant-garde, principalement sur le plan voval et orchestral, mais aussi vis a vis du concept meme de musique
The rearch of this thesis about enescu's music shows how traditionalism and modernism can be married in a classical style of music at the beginning of the twentieth century period. The problematic which aren't agree is the turning of folklore by enescu to designate him as a leading composer of romania school music. Actually, no exists an univerity study about enescu's music exemptedin his native country : romania. So, it was necessary to realize an analyze of his work with a french view. It appears that enescu used folklore only as material and not ideological concept. His opera oedip attests enescu as one of the highest lyric composers of the twentieth century and not a romanian composer, because of modernist concets. Romania folklore serves only to modern experiences, especially about vocal an,d orchestral music

Ce travail est une étude mythologique portant principalement sur deux figures héroïques grecques, Pélops et Hippodamie, couple fondateur de la lignée des Pélopides. Inscrivant ma démarche dans la lignée des travaux de Marcel Detienne, Claude Calame et Charles Delattre sur la notion de mythe, non pas catégorie indigène mais objet construit a posteriori par les chercheurs actuels, je définis, sur la base des critères minimaux que sont les noms propres des héros et leurs types figurés, un corpus fait de textes grecs et dans une moindre mesure romains et d'œuvres figurées grecques, étrusques et romaines, que j'étudie ensuite systématiquement pour y mettre en évidence les possibles critères d'unité ou de discontinuité dans les représentations de ces figures héroïques, en me montrant attentif à la grande variété des contextes (cultuels, génériques, historiques) dans lesquels elles sont évoqués. J'étudie ainsi tant les cultes héroïques rendus à Pélops et Hippodamie à Olympie que les représentations figurées de ces héros et les différentes formes de discours qui les mentionnent, d'Homère à Nonnos de Panopolis. Je tente enfin de fournir les principaux éléments d'une étude globale de cet ensemble dans une perspective informée par l'anthropologie historique. Si l'ensemble général des évocations de Pélops n'a qu'une cohérence limitée, plusieurs sous-ensembles s'avèrent plus pertinents, le principal étant celui formé par les représentations de la course de chars qui aboutit à l'union des deux époux aux dépens d'Oinomaos, père récalcitrant d'Hippodamie
This is a mythological study concerning mainly two heroic figures of ancient Greece: Pelops and Hippodameia, ancestors of the heroic genos of the Pelopids. In the continuity of the works of Marcel Detienne, Claude Calame or Charles Delattre about the notion of myth, no more considered as an « indigenous category » but as a construct built a posteriori by contemporary scholars, I define, on the basis of the minimal criterias that are the proper nouns of the heroes and their iconographical types, a corpus composed of Greek (and also in some measure Latin) texts and of Greek, Etruscan and Roman figurative works, which I then study systematically in order to find out more precise criterias of unity or discontinuity in the representations of these heroic figures, paying special attention to the great variety of contexts (cults, genres, historical eras) in which they are evoked. I thus study the heroic cults devoted to Pelops and Hippodameia in Olympia, the visual representations of these heroes, and the different forms of speech which mention them, from Homer to Nonnos of Panopolis. I lastly try to provide the main elements for a global study of this corpus in a perspective informed by historical anthropology. If the widest corpus, composed of the mentions of Pelops, has only a limited coherence, several subsets appear more pertinent, mainly that which is formed by the representations of the chariot race that allows the union of two spouses, despite the reluctance of Hippodameia's father, Oinomaos

La fascination exercée par le mythe d’Orphée sur des artistes, des écrivains, des musiciens et des poètes semble pérenne. Comme toujours, au vingtième siècle des auteurs reviennent aux personnages mythiques d’Orphée et d’Eurydice. En 1914, un jeune poète italien nommé Dino Campana compose Canti Orfici (Chants Orphiques), un recueil de poèmes uniques. En 1926, une pièce de théâtre, Orphée, est composée et montée par un artiste français remarquable : Jean Cocteau, qui voyait l’interprétation contemporaine du poète inspiré et de lui-même dans ce sujet. Il reprend le mythe une fois de plus dans un de ses grands films, Orphée, en 1950. Une femme écrivain belge, Marguerite Yourcenar compose un roman, La Nouvelle Eurydice qui est publié en 1931 et en 1991. Auteur portoricaine de nombreuses œuvres critiques, Iris M. Zavala a écrit un roman théorique, El sueño del amor (Le rêve de l’amour) en 1998. L’histoire et le mythologique s’entrecroisent dans ce roman polyphonique. Elle ressuscite ce mythe pour parler des préoccupations aux Caraïbes et de son écriture afin de détacher Eurydice du récit mythique. La comparaison de ces textes soigneusement choisis et placés ensemble, bien que l’on n’en a pas l’habitude, serait intéressante et complémenterait des recherches antérieures dont elle profiterait. Cette étude comparatiste se propose alors de mettre en valeur le genre par l’explication et la révelation de différences et similarités importantes entre ces visions variées du mythe d’Orphée pour dévoiler la richesse de ces textes inspirés par la mythologie grecque qui par conséquent prouve celle d’Orphée et Eurydice, qui retentissent toujours dans une variété de genres artistiques de nos jours car ils nous communiquent encore. L’écho du mythe d’Orphée suggère finalement qu’il y a une conversation entre le mythe et l’auteur qui s’inspire et expire la création d’un texte racontant une histoire à la fois ancienne et moderne. Nous allons traiter en premier temps les anciennes versions du mythe pour voir les images d’Orphée qui se trouvent dans les légendes et la mythologie grecques. Il faut donc exposer graduellement des éléments importants des narrations où figurent Orphée et/ou Eurydice de façons différentes dépendant de la version de l’histoire du chantre de Thrace. Cela nous permettra ensuite de regarder la ressuscitation de l’intérêt pour le mythe d’Orphée pendant le XXe siècle. Les éléments mythiques permanents et modifiés seront regardés attentivement par ces réinterprètes avec le but de montrer leur rôle sur le sens du mythe. Ceci faisant que nous cherchons à voir comment le sens du mythe est modifié en accord avec le genre du texte et le genre sexuel des auteurs de ces variations. Cette étude cherche à démontrer la valeur du genre qui par conséquence dévoile les raisons pour lesquelles certains réinterprètes s’identifient au chantre Orphée tandis que d’autres réinterprètes s’approprient Eurydice tout en ayant le même but de faire renaître ces personnages mythiques pour nous enchanter et inspirer avec leur voix éternelle. Nous proposons donc de compléter l’étude du mythe en suivant de près ces variations à travers l’objectif de notre hypothèse cherchant à enrichir aussi bien que inspirer les multiples recherches qui continuent même au delà du XXe siècle de regarder en arrière le mythe du chantre Orphée et de la nymphe Eurydice
The fascination exerted by the myth of Orpheus on artists, writers, musicians and poets seems perennial. As always, in the twentieth century authors come back to the characters of Orpheus and Eurydice. In 1914, a young Italian poet named Dino Campana composed Canti Orfici (Orphic Songs), a collection of unique poems. In 1926, a theater play, Orphée, is composed and produced by a remarkable French artist : Jean Cocteau, who associated himself with the contemporary interpretation of the inspired poet in this subject. He comes back to the myth again in one of his great films, Orphée, in 1950. A Belgian woman writer, Marguerite Yourcenar composed a novel, La Nouvelle Eurydice which is published in 1931 and in 1991. A Puerto Rican author of numerous critical works, Iris M. Zavala wrote a theoretical novel, El sueño del amor (The dream of love) in 1998. History and the mythological intertwine in this polyphonic novel. She resuscitates this myth in order to speak about her preoccupations in the Caribbean and about her own writing so as to unatach Eurydice from the narrative of the myth.The comparison of these carefully chosen and unusually paired together texts would be interesting and would complement past researches from which it will profit. This comparative study proposes then to valorize genre and gender by explaining and revealing the important differences and similarities between these various visions of the myth of Orpheus in order to unveil the richness of these texts that are inspired by Greek mythology which consequently proves the value of Orpheus and Eurydice who still resound in a variety of artistic genres to this day since they continue to communicate with us. The echo of the myth of Orpheus finally suggests that there is a conversation between the myth and the author who is inspired and exhales the creation of a text that tells the story, which is ancient and modern at the same time.Firstly, we shall treat the ancient versions of the myth so as to see the images of Orpheus that can be found in Greek legends and myths. The important elements of the narrations including Orpheus and/or Eurydice will be shown gradually in accordance with the different versions of the story of the bard from Thrace. This will allow us to look at the resuscitation of interest in the myth of Orpheus during the 20th century. The permanent and modified mythical elements will be studied attentively by these reinterprets with the goal of showing their role in the meaning of the myth. This leads to our looking for ways to explore how the sense or the meaning of the myth is modified in accordance with the textual genre and the gender of the authors of these variations. This study seeks to underline the value of genre/gender which consequently unveils the reasons for which certain reinterprets identify with Orpheus while other reinterprets appropriate Eurydice with the same goal of allowing the rebirth of these mythical characters so that they may enchant and inspire us with their eternal voice. We propose then to complete the study of the myth by closely following these variations through the objective of our hypothesis while striving to enrich as well as inspire the multitude of researches that continue to look behind even past the 20th century to see the myth of Orpheus the bard and Eurydice the nymph

Héraclès est une des figures les plus importantes dans la littérature et l’art de la Grèce ancienne et il est le sujet d’une vaste geste aussi complexe que variée. Celle-ci est développée dans les traditions orales et retranscrite dans les textes, ainsi que largement mise en image. Héraclès est énormément représenté dans la céramique attique, qui constitue un support polysémique, rendant toutes les variations que permet sa figure complexe. Déjà la nature d’un vase est susceptible de regards variés, allant de la simple réception jusqu’à une pensée plus élaborée, suivant les occasions et la culture des spectateurs. De plus, Héraclès est le seul personnage de la mythologie grecque à posséder une nature aussi ambiguë, de héros et de dieu. Les imagiers grecs ont donc adapté, sur divers supports, de l’architecture jusqu’aux céramiques, un nombre important de ses exploits, mettant en lumière telle ou telle qualité, souvent en fonction de la nature de l’épisode suscité. Naturellement, le contexte particulier d’une cité, de la situation politique de l’époque et de l’objet en question sont autant de données qui entrent dans l’interprétation des images d’Héraclès aux périodes archaïque et classique de l’Antiquité grecque
Herakles is one of the most important figures in the literature and art of ancient Greece, and he is the subject of a huge mythology as complex as varied. Herakles’ story is developed in the oral traditions and transcribed in the texts, as well as widely put in image. He is profusely represented in attic ceramics, which constitute a polysemic support, making all the variations that allow his complex figure. First, a vase could be seen in differents ways and views : from a simple reception to a more elaborate thought, according to the abilities and the culture of the spectators. Then, Heracles is the only character in Greek mythology who has such an ambiguous nature, of heroes and gods. So the Greek artists have adapted, on various media, from architecture to ceramic, a large number of his deeds, highlighting one quality or an other, depending on which episode is represented. Obviously, in order to interpreting the image of Herakles in the archaic and the classical periods of Greek antiquity, the particular context of a city, the political situation and the object must all be considered

La thèse propose l’étude des variations du mythe de Persée et Andromède au fil des siècles, à travers l’analyse d’oeuvres musicales mises en relation avec des oeuvres picturales et littéraires sur le même thème, selon une méthode de mythocritique – étude des topiques récurrents du mythe dans un contexte littéraire ou artistique – et de mythanalyse comparée – étude d’un mythe dans un contexte social ou historique – appliquée aux différents arts. La problématique de cette thèse – comprendre l’évolution du mythe en fonction de la pensée de l’artiste et de l’époque – s’est formée à la lecture des ouvrages sur le mythe, sur les symboles de Persée et Andromède et sur les relations entre les arts. La méthode appliquée à cette étude, qui rend possible le rapprochement des oeuvres de différentes disciplines artistiques, a été élaborée avec l’objectif d’effectuer la mythanalyse de Persée et Andromède et de comprendre ainsi comment, à un moment donné, les artistes s’approprient des symboles mythiques et livrent leur propre interprétation. Les convergences entre les analyses mythocritiques des oeuvres musicales, picturales et littéraires sur Persée et Andromède, justifient les conclusions mythanalytiques pour une époque précise. L’ensemble de celles-ci, au fil des siècles, à l’image d’un palimpseste, met en lumière le renouvellement du mythe du XVIIe siècle jusqu’à aujourd’hui
The thesis proposes the study of the variation of Perseus and Andromeda's myth all along the centuries through the analysis of musical works in relation with pictorial and literary works over the same myth, according to a method of mythocritic – study of the recurring topicals of the myth in a literary or artistic context – and compared mythanalysis – myth’s study in a social or historic context – applied to various arts.The aim of this thesis – to understand the evolution of the myth according to the mind of the artist and the era – appeared with the reading of the various works on the myth itself, on Perseus and Andromeda’s symbols and on the relations derived between the arts. The method applied to this study, which makes possible the relationships of works of differents arts, as been elaborated in purpose to make Perseus and Andromeda's mythanalysis and to understand how at some point, the artists appropriated themselves mythical symbols and deliver their own understanding.The convergences between the mythocritic analysis of musical, pictorial and literary works on Perseus and Andromeda, justify for mythanalysis conclusions in a precise time. All of them, all along the centuries – the palimpsest – highlights the evolution of the myth of the seventeenth century until today

Cette étude que j'ai intitulé «Œuvre monstre, une création informe» s'inscrit dans une recherche dans l'art contemporain sur des phénomènes plastiques liés à l'idée de l'extrême. Ils restent tributaires d'une théorie de la forme vers celle de l'informe et d'une grande plasticité que rehaussent mes œuvres personnelles, mélangeant de façon heureuse la sculpture traditionnelle et le numérique. Or, associer l'image numérique, l'argile et la vidéo au sujet du monstre était une manière de toucher au plus profond des œuvres cruelles et informes, de ressemblances déchirantes et déchirées. La forme monstrueuse n'est donc pas réduite à une simple signification consciente, elle transcrit un discours univoque et le monstre devient alors le concept par excellence dans ma pratique plastique. L'œuvre devient de l'ordre de "monstrum", l'image est d'essence "monstrative". Chaque image, telle qu'elle soit, numérique, photographique ou vidéographique est une monstrance. La sculpture serait la représentation du corps déchu, ou de l'image de la mort, qui surgit dans le miroir de Narcisse qui n'a plus rien à faire de la ressemblance, donnant un reflet qui appréhende le masque de Méduse. Cette recherche qui s'attache à l'informe, débusque les mythes sous des pratiques violentes et accidentées, appuyée par une recherche théorique qui s'est développée notamment autour de la pensée de Georges Bataille, ainsi que des anthropologues et de la phénoménologie, et par leurs pensées, l'œuvre ramène les différentes expériences d'extrême, d'excès, et de perte, à la dimension du sacrifice
This study I entitled "Monster Work, a Formless Creation" is to be inscribed within a contemporary art research that deals with the idea of the extreme in relation to plastic phenomena, for the latter depend on the theory of form and on a great plasticity enhanced by personal creations that happily melt traditional sculptures with digital technology. As a matter of fact, combining the digital image, the clay and the video, with the monster, was a way to reach what is profound within formless and cruel works of art that are of painful and torn resemblances. The monstrous form is, thus, not reduced to a simple conscious significance, it transcribes an unambiguous discourse and the monster becomes the concept, par excellence, of my plastic practice. The work of art becomes connected to the "monstrum" and the image is inherently endowed with a visual power (in French "monstrative"). Every image, be it digital, photographic or video graphic is a monstrance. Sculpture would be the representation of the fallen body or the image of death that appears in Narcissus Mirror and that is no longer related to any form of resemblance, showing a reflection that grasps the Mask of Medusa. This research that is focusing on formlessness serves to dispel the myths under violent and rugged practices supported by a theoretical research based on the philosophy of Georges Bataille as well as that of anthropologists and phenomenologists, and through their thoughts, the work brings the different experiences of extremes, excess and loss to the dimension of sacrifice

En Grèce ancienne, une modalité importante de la perception du divin, bien qu’elle ne soit pas la seule, est la perception visuelle. Celle-ci a pu se faire notamment au moyen des images, qui, tout en relevant du visible, permettent de « montrer l’invisible » et de donner corps au divin. Dans le but de nourrir le questionnement sur la représentation et la perception du divin dans le système religieux des Grecs, la présente étude propose une analyse des diverses stratégies de mise en image(s) de la présence divine au sein d’une production artistique spécifique : la peinture de vases attique des VIe et Ve siècles av. J. -C. En effet, si la représentation figurée des dieux a pu prendre de multiples formes, notamment dans la statuaire, le vase peint en est un support particulièrement intéressant à étudier, car l’iconographie céramique fonctionne sur un mode propre et donne ainsi un éclairage particulier sur les représentations que les Grecs se faisaient du monde et d’eux-mêmes. Par la lecture et l’analyse des images, cette étude touche en outre à certaines problématiques plus vastes, portant notamment sur l’éventuel référent cultuel de ces images, sur la relation établie entre les mortels et les divinités au travers du rituel, et sur l’idée que les Grecs se faisaient de leurs dieux et des manières dont ils pouvaient se manifester
In the Greek world, an important mode of divine perception, although this is not the only one, is the visual perception. This was especially made possible by means of images, which are part of the visible but enable to “show the invisible” and, therefore, to embody the divine. To shed light on the issue of divine representation in the Greek religious system, this study intends to provide an analysis of various processes for imaging the divine presence within a specific artistic production: attic vase-painting of the sixth and fifth centuries BC. While figurative representation of the gods could take many forms, vase-painting is a particularly interesting case study for it works on a proper mode and then offers a specific sight on the way the Greeks perceived the world and themselves. By reading and analysing these images, this study also address some broader issues, as the possible cultual referent of these pictures, the relationship established through the ritual between worshipers and deities, and the picture the Greeks had of their gods and of the ways in which they could manifest themselves

Hélène de Troie, héroïne emblématique du cycle troyen, jouit d’une fortune particulière en Étrurie, à partir du Ve siècle av. J.-C., notamment sur les miroirs en bronze, objet traditionnellement associé au monde féminin. Plus qu’une simple légende, chez les Grecs, son histoire symbolise la suprématie de la beauté et le conflit qui oppose la morale à l’esthétique. Les sources littéraires qui la mentionnent sont innombrables et son personnage s’est construit au fil des siècles, s’adaptant aux époques et aux mentalités. Personnage ambigu et complexe, Hélène a de multiples facettes : à la fois figure exemplaire du mariage et en même temps adultère et bigame, parthenos et nymphê, elle incarne les divers aspects du féminin. Notre étude s’intéresse à son iconographie en Étrurie, où les artisans interprètent le mythe grec et l’adaptent aux besoins de la clientèle locale. À partir d’un corpus de vingt-sept miroirs, datés du Ve au début du IIIe siècle av. J.-C., nous nous sommes appliqués à révéler un discours spécifique dont on a cherché à délimiter les formes. La confrontation du corpus de miroirs à d’autres répertoires du monde grec et italique, notamment la peinture vasculaire, ainsi que les sources textuelles antiques, ont permis de mettre en lumière l’imaginaire d’Hélène, mais aussi la présence d’un « réseau iconographique » féminin qui se forme au IVe siècle av. J.-C. dans la péninsule italique. Ainsi, les autres héroïnes homériques comme Cassandre, Ariadne ou Polyxène, participent à un même discours formant la trame d’un répertoire visuel exaltant les valeurs de l’aristocratie féminine italique. Notre recherche s’intéresse ainsi au mundus muliebris italique, en particulier tyrrhénien, à travers l’iconographie d’Hélène, modèle héroïque, et à travers le miroir, objet porteur de valeurs féminines fortes. Ce réseau sémantique féminin, dont Hélène est l’une des figures principales, rappelle certaines notions, comme la beauté, la charis, la séduction ou le mariage
Helen of Troy, emblematic heroine of the Trojan Cycle in 5th century BC, enjoyed a special fortune in Etruria, of bronze mirrors in particular, an object traditionally associated with the female world. More than just a legend, among the Greeks, the history of Helen symbolizes the supremacy of beauty and conflict between morality and aesthetics. The literary sources that mention it are innumerable and its character has been built for many centuries, adapting to the different times and mentalities. An ambiguous and complex character, Helen of Troy has many sides to her: she is both an exemplary figure of marriage and, at the same time, an adulterer and bigamist, parthenos and nymphê, she embodies many different feminine aspects. Our study is interested in Etruria’s iconography, where craftsmen interpret the Greek myth and adapt it to the local customer needs. From a corpus of twenty-seven mirrors, dated from the 5th to the early 3rd century BC, we sought to reveal a specific speech and determine its forms. The comparison of the corpus of mirrors with other, Greek and Italic, directories, including vascular painting, and ancient textual sources, made it possible to highlight not only Helen's imagination, but also the presence of a female "iconographic network" that was formed in the Italic peninsula in the 4th century BC, in which other Homeric heroines such as Cassander, Ariadne and Polyxene, using the same speech forming the framework of a visual directory, wich extolls the values of the Italic female aristocracy. Our research focus on the Italic muliebris mundus, Etruscans in particular, through the iconography of Helen, a heroic model, and through the mirror, an object that represents strong female values. This feminine semantic network, of which Helen is one of the main figures, recalls certain notions, such as beauty, charis, seduction and marriage

La punition divine est un phénomène récurrent dans la mythologie grecque. L’hybris, commise par des individus vaniteux et orgueilleux aspirant à se comparer aux dieux ou même à se succéder à eux à la domination du Cosmos, provoque une série de châtiments atroces, imposés par les Olympiens à des hommes et à des femmes, à des humains et à des êtres mythiques, à des héros, à des rois et même à d’autres dieux sans discrimination. L’étude actuelle examine l’iconographie de divers types de châtiment divin dans l’art gréco-romain et la peinture occidentale (XVe-XIXe siècles). Elle analyse l’interaction entre les œuvres d’art et les sources littéraires antiques, médiévales et modernes, ainsi que les points communs remarqués entre les thèmes antiques du châtiment divin et certains épisodes bibliques ou chevaleresques. Elle se focalise enfin sur l’influence que l’iconographie de la punition divine antique a exercée sur la politique, la société et la religion aussi bien dans l’Antiquité qu’à l’époque moderne
Divine punishment constitutes a recurrent phenomenon in Greek mythology. The hubristic behaviour of vain and selfish individuals, who aspire either to compare themselves to the gods or to succeed them to the domination of the Cosmos, provokes a series of atrocious tortures inflicted by the Olympians to men and women, to humans and mythical creatures, to heroes, kings and even to other gods equally.The present PhD study examines the iconography of a variety of types of Divine Punishment in the Greek and Roman art and the occidental painting (15th-19th centuries). It analyses the interaction between the various works of art and the ancient, mediaeval and modern literary sources. It pinpoints the resemblances between the ancient themes and certain biblical or chivalrous episodes. It focuses finally on the influence wielded by the iconography of divine punishment in politics, society and religion, both in Antiquity and in modern times

Le mythe de Médée, reçu par la première modernité comme un paradigme complet depuis la Conquête de la Toison d’or jusqu’à son retour sur le trône de Colchide, compose un prisme à multiples facettes : « Médée-tueenfant » (La Péruse), le personnage légué par la tragédie attique et devenu archétype d’une violence contrenature, y croise Médée magicienne, qui bouleverse le lignage et la ligne du temps, mais aussi la princesse orientale éprise d’un héros civilisateur. Pétrie par la culture chrétienne et admise au répertoire des arts officiels, cette figure ambivalente se rend perméable aux recherches esthétiques et aux débats éthiques des Temps modernes, en vue de l’expression de l’horreur, de l’allégorisation de la gloire, comme dans la représentation des passions.Or, la fondation de l’Ordre de chevalerie de la Toison d’or au duché de Bourgogne, en 1430, jusqu’à la fin de la Guerre de succession d’Espagne où se redessine la carte des puissances européennes, fait de la fable un miroir fictionnel privilégié des jeux de pouvoir entre les grandes dynasties européennes, en tant qu’instrument du discours programmatique du Prince. Dans le paysage culturel d’influences communes que forment les Cités-États de l’Italie et le royaume de France, cette étude montre, par la réunion de l’iconographie de Médée, l’analyse de saprésence dans les imprimés et de ses réécritures à la scène d’après l’antique, comment les échanges entre les arts visuels et les arts du texte oeuvrent à l’établissement d’un motif héroïque paradoxal. Ou comment Médée « devient Médée », renouvelant le serment que lui avait fait jurer Sénèque : « Fiam »
The exceptional scope provided by the myth of Medea, which spans from the Conquest of the Golden Fleece to her return to the throne of Colchis, was received in its entirety by the Early Modern Arts and offers a multi-faced prism : Medea “tue-enfant” (La Péruse), the character left by the Ancient ancient Greek tragedy that became an archetypal figure of monstrous violence, crosses the path of the oriental lover of a civilizing hero, and also the enchantress who scatters lineages and timelines. Sculpted by the Christian culture and allowed into the official artistic repertory, this ambivalent figure absorbs the aesthetics and ethical debates of modernity. Indeed, Her Medea’s myth can be used for the expression of horror, allegories of glory, as well as expression of the passions.In addition, from the establishment of the Order of the Golden Fleece, by the Duke of Burgundy in 1430, to the end of the War of the Spanish Succession (which redefined the entire map of major European powers), Medea’s myth becomes one of the most efficient fictional mirrors of the political disputes between the most influential families of Europe, as an instrument of the publication of the Prince programme. Into the landscape of the cultural influences shared by the States of Early Italy and the French Kingdom, this study intends to show, by analysingthe spread of iconography of Medea, her presence in printed material and her classical performance reception and rewriting, how the exchanges between visual and literary productions work towards the definition of a paradoxical heroic standard. Where Medea “becomes Medea” and renews the oath that Seneca made her take: “Fiam”

Philosophiquement le XXème siècle est de bien des façons un siècle existentialiste où l’existence est pensée comme transcendance du monde dans l’attente. Selon l’existentialisme l’homme est à la fois dans le monde et outre le monde car si la situation nous transcende dans sa factualité nous la transcendons par notre volonté. Pourtant pour l’existentialisme de l’échec rien – si ce n’est la mort – ne peut vraiment libérer l’homme de la situation de fait du monde historique: sa seule transcendance peut alors être seulement dans le sentiment d’une impossibilité de la transcendance et donc dans conscience de l’échec. On retrouve poétiquement cette situation d’échec dans le mythe d’Orphée où elle interroge métalogiquement le pouvoir de l’acte poétique. Au-delà de l’orphisme religieux le mythe d’Orphée nous propose alors la vision d’un chant qui est à la fois désenchantement nostalgique et enchantement épistémique et donc respectivement lamentation pour ce qui n’est plus et admiration pour ce qui est. Orphique est donc la mélancolie nostalgique qui en vain veut transcender le présent dans le passé mais qui toutefois en tant que phonie magique transcende le présent dans le futur. On peut alors pour le XXème siècle poétique parler d’existentialisme orphique et recenser certaines de ses manifestations les plus éminentes. Dans la poésie italienne le poème L’ultimo viaggio (1904) de Pascoli présente un syntagme – non esser più – qui porte à lui seul une problématique existentialiste – aussi bien dans son mode nostalgique négatif que dans son mode épistémique affirmatif – que l’on retrouve de manière tout aussi forte chez Ungaretti et Montale et Pasolini où l’aspiration à l’être vit indiscutablement dans la désolation du ne plus être. Ces quatre poètes sont alors affrontés selon une même méthode herméneutique qui actualise la microcritique d’un syntagme fortement circonstanciel – non esser più pour Pascoli, equivoco della luna pour Ungaretti, eternità d’istante pour Montale et grin di cristàl pour Pasolini – par la macrocritique du corpus poétique de chaque poète afin d’interroger – tout au long du XXème siècle – diverses modalités d’un même existentialisme orphique
Philosophically the 20th century is in many ways an existentialist century where the existence is thought of as transcendence of the world in the expectation. According to existentialism man is at the same time in the world and beyond the world because if the situation transcends us in its factuality we transcend it by our will. Yet for the existentialism of failure nothing – except death – can really free man from the factual situation of the historic world: his sole transcendence can only be in the feeling of the impossibility of transcendence and thus in the consciousness of failure. Poetically we find this situation of failure in the myth of Orpheus where the power of the poetic act is questioned metalogically. Beyond the religious orphism the myth of Orpheus offers us the vision of a chant which is at the same time nostalgic disenchantment and epistemic enchantment and therefore respectively a lamentation for what is no more and admiration for what is. Thus orphic is the nostalgic melancholy which in vain wants to transcend the present in the past but nontheless as a magic word transcends the present in the future. So for the 20th poetic century we can speak of orphic existentialism and list some of its most eminent manifestations. In the Italian poetry the poem L’ultimo viaggio (1904) by Pascoli presents a phrase – non esser più – which carries of its own an existentialist problematic – both in its negative nostalgic way as in its affirmative epistemic way – that we find with equal force in Ungaretti and Montale and Pasolini where, without any doubts, the aspiration to the being lives in the desolation of the no longer being. These four poets are thus faced with the same hermeneutic method which actualizes the microcriticism of a strongly circumstantial phrase – non esser più for Pascoli, equivoco della luna for Ungaretti, eternità d’istante for Montale and grin di cristàl for Pasolini – via the macrocriticism of the poetic corpus of each poet in order to question – all along the 20th century – different modalities of one and the same orphic existentialism