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Dissertations / Theses on the topic 'Parodie (littérature) – Dans la littérature'
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Salas, Alexandre. "Figures paradoxales de la sainteté dans la littérature moderne et contemporaine." Paris 7, 2012. http://www.theses.fr/2012PA070086.
Full textAbstract:
Il aura fallu attendre que le christianisme ne structure plus la société pour que la littérature interroge, en toute liberté, les catégories de mystique et de sainteté, à travers des relectures ludiques, érotiques ou polémiques des Vies de saints. Au fur et à mesure que l'Orient et l'Occident se déchristianisent, que l'hagiographie est récupérée par les écrivains qui transforment et la soumettent à leurs objectifs propres, et que le sacré connaît une dilution proportionnelle à son extension - ce qui pose, nous le verrons, la question d'une sainteté de l'ordinaire -, la littérature paraît prendre progressivement le relais de la religion, ce qui implique un transfert de sacralité sur l'art. Le désenchantement du monde irait-il de pair paradoxalement, avec un certain enchantement littéraire ? L'art ne générerait-il pas, à son tour ses propres saints ? Si tant est qu'il y ait des croyants de la littérature, la véritable foi littéraire n'est-elle pas inséparable du blasphème ? Aussi interrogerons-nous les conditions de possibilité d'une théologie de la littérature aujourd'hui, à travers l'exploration du rapport paradoxal que Ia Modernité entretient avec le sacré et la sainteté<br>It is only when Christianity ended shaping society that literature began to freely question the various categories of mystic and holiness through playful, erotic and controversial rewritings on the life of saints. In a era when Christianity gradually declines in various parts of the world when hagiography is taken over by writers who transform it and use it for their own purpose, in a time when the sacred fades away as much as it has spread - which, as we shall see, raise the question of secular holiness -, literature seems to succeed to religion, which implies that art turns out to be sacralized. We can wonder if the disenchantment of the world paradoxically goes hand in hand with a kind of literary enchantment. Does art, like religion, engender its own saints? If there are true believers in literature, then is it possible to dissociate real literary fait from blasphemy? Thus, we shall question the various conditions that may constitute a theology of contemporary literature, through the close scrutiny of the relationship between Modernity an the sacred and holiness
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Torres, Luc. "Discours festif et parodie dans "La pícara justina" de Francisco López de Ubeda." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030020.
Full textAbstract:
Le travail de recherche que nous presentons se propose d'etayer une lecture carnavalesque de la picara justina (1605) de francisco lopez de ubeda, premier <<roman>> de la picaresque << feminine >>. Notre reflexion s'inspire, d'une facon generale, de la dimension critique donnee a l'ouvrage par marcel bataillon et ses suivants, et, plus particulierement, d'une interpretation personnelle du frontispice, qui met au jour sa symbolique carnavalesque (deguisement, parodie litteraire, reflets d'une oralite festive). Nous debutons notre analyse par une etude du contexte festif qui prend en compte les differents leitmotive de la fete et leur realisation effective a l'aube d'un nouveau regne (celui de philippe iii) marque par les celebrations et rejouissances de toutes sortes. Par la suite, nous reprenons dans le detail les differentes modalites de la parodie, telles qu'elles sont illustrees dans le texte, en soulignant le passage de la tete a la litterature, de la realite historique, sociologique et anthropologique au discours de la fiction. Nous montrons notamment comment le texte se nourrit d'une tradition festive <<populaire>> (survivance de motifs folkloriques ou traditionnels fortement aristocratises), tout en la depassant (ajout d'elements appartenant a une culture << savante >> : emblematique, rhetorique universitaire, pratiques academiques). En conclusion, nous donnons une definition generale de l'ouvrage qui l'associe davantage aux productions d'une litterature de divertissement originale {don quichotte, buscon) qu'au modele alemanien.
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Magni, Stefano. "Détournement des genres dans la production narrative postmoderne en Italie." Paris 8, 2006. http://www.theses.fr/2006PA082922.
Full textAbstract:
Ce travail est consacré à l'étude de la littérature narrative postmoderne en Italie. Il analyse le détournement de certains genres narratifs tels que le roman de formation, le roman historique, le roman policier et la nouvelle. Il étudie des textes postmodernes qui ont parodié des modèles italiens du XIXe et du XXe siècle. Nous avons divisé notre travail en trois parties. Notre but a été d'éclaircir, dans une première phase, les termes de la recherche, en donnant des repères théoriques (postmodernisme, genre littéraire, parodie) suffisants pour lire les œuvres du corpus. Dans la deuxième et dans la troisième partie, nous avons étudié cinq auteurs : Benni, Folgore, Macchiavelli, Manganelli et Vassalli. Ils nous ont servi pour analyser d'abord les différences entre modernisme et postmodernisme et pour observer ensuite les différentes formes du postmodernisme. Nous avons ainsi essayé de comprendre quelles valeurs esthétiques, philosophiques et morales a comportée le détournement postmoderne<br>This research deals with the study of postmodern narrative literature in Italy. It analyses its reassessment of certain narrative genres such as the "Bildungsroman", the historical novel, the detective novel and the short story, and explores some postmodern texts parodying Italian models from the XIXth and the XXth century. My work is composed of three parts. My aim was first to define the terms of my research and to establish some theoretical principles concerning the notions of postmodernism, literary genres and parodies, as a ground for the reading of the authors included in my corpus (Benni, Folgore, Macchiavelli, Manganelli and Vassalli). Secondly, I have analysed instances of modernism and postmodernism in my corpus and their structural differences. Thirdly, I have examined the different forms of postmodernism, and endeavoured to understand the aesthetic, philosophical and moral strategies which have led to postmodern reclassification
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Pouyaud, Stéphane. "Parodie et création romanesque dans les littératures européennes (Antiquité-XVIIIe siècle) : essai de poétique historique." Thesis, Reims, 2018. http://www.theses.fr/2018REIML008/document.
Full textAbstract:
L’objet de ce travail est de montrer le rôle capital qu’a joué la parodie dans la construction du genre romanesque, le seul de ce que l’on considère aujourd’hui comme les grands genres à ne pas être théorisé jusqu’à la fin du XVIIe siècle. La parodie est considérée comme une pratique facile et gratuite, comme une attaque déloyale visant à détruire sans pitié un modèle supérieur. Pourtant, on peut plaider en faveur de son pouvoir habilement corrosif et régénérateur : en critiquant une esthétique, elle en dénonce les défauts et invite à la renouveler. Tournée vers le passé du texte qu’elle imite, elle est aussi tournée vers l’avenir et porte en germe, dans sa critique, la suggestion de voies de renouvellement. Cette capacité de la parodie de régénérer par-delà la critique explique que le roman, en l’absence de théorisation, se soit largement défini par la parodie. Son rôle a, de ce fait, été crucial aux époques où le roman n’était ni théorisé ni accepté et elle a constitué un des lieux majeurs de la réflexion sur le genre romanesque. Non seulement la parodie bouscule le genre du roman et, par ce geste même, le constitue comme genre, mais elle permet aussi de mettre en évidence la conscience générique d’une époque et les formes qu’elle adoptait. Œuvre de lecteur, elle reflète la vision qu’a eue une époque du roman et les manières dont elle entendait le renouveler : elle est donc doublement théoricienne. Il s’agit ici de voir comment la parodie, du roman grec au roman du XVIIIe siècle a été le laboratoire du genre romanesque, situé dans un fragile équilibre entre la destruction des esthétiques qui l’ont précédé et la promotion de nouvelles formules<br>The aim of this dissertation is to show the decisive role that parody played in the construction of the novel as a genre, that has not been theorized before the end of the XVIIth century (a unique case within the main forms of literatures). Parody is often considered as an easy process, an unfair and merciless way to attack a superior model. However, its defenders can valuably argue for its caustic and regenerative impact : by criticizing the novel’s aesthetic, parody points out its weaknesses and thus shows the way to renew it. By the process of imitation, parody inevitably confines the parodied text into the past; but at the same time it looks towards the future and suggests, in its criticism itself, new territories to explore. This fertile feature of parody explains why it has largely helped to define the novel in the absence of theoricians. At times when the novel was neither theorized, nor even accepted, parody has played a crucial role, concentrating most of the intellectual reflection about the novel. Not only has parody shaken the form of the novel – which by the way helped establishing it as a genre, it has also highlighted how conscious people were of the existence of this genre, the forms it took. Being a reader’s work, parody reflects how an audience considered the novel and how it intended to renew it : in that sense it has a double contribution to theory. Our objective is to see how, from the greek novel to the XVIIIth century, parody has been a think tank for the novel, in a fragile balance between the destruction of former aesthetics and the promotion of new formulas
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James-Raoul, Danièle. "La parole empêchée dans la littérature arthurienne." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1992PA040148.
Full textAbstract:
Les romans arthuriens s'elaborent a partir de tout un jeu sur la communication rompue ou defaillante que le heros aura pour mission de retablir, de clarifier ou d'ameliorer. Le vieux fonds mythologique celtique, la tradition et les divers codes psychologiques et sociaux se conjugent pour peser tour a tour sur la langue du heros, faisant de la parole empechee, sous de multiples facettes, un motif central de cette litterature. C'est d'autant plus sensible que l'empechement de parole - du silence absolu au discours sibyllin et voila en passant par l'imposesibilite temporaire du dire - scelle toujours le destin de l'etre: c'est un tremplin formidable pour l'acces a la connaissance, pour l'epanouissement de la personnalite pour la renaissance d'une parole authentique et prometteuse, rappelant le modele divin. Rien ne vaut d'empecher la parole pour mieux parler: telle est la paradoxale lecon donnee en definitive par tous ces romans, dans leur cheminement romanesque mais aussi dans leur rhetorique. En effet, les ecrivains eux-memes semblent sans cesse reprimer leur discours, le stopper, le suspendre; mais c'est le laisser deviner, voire suppleer, par le lecteur, dans une infernale logique de l'ajout. Entre l'enormite de sa production et l'empechement de paorle qui caracterisent la litterature arthurienne, le paradoxe n'est ainsi qu'apparent: c'est parce que la parole mise en scene dans les fictions romanesques est sempiternellement refrenee que la parole mise en oeuvre dans le livre arthurien est inepuisable<br>The arthurian romances are elaborated out of a kind of game on communication being broken or failing which the here will be commissioned to restore, clarify or impose. The ancient fund of celtic mythology together which tradition and variety of psychological and social codes combine to weig in turn upon the heroes' longues, thus makinf the hindered speech - in manifgold facets - onr of the central motifs of arthurian literature. It is all the more evident as the impeded world always sets its seal to the human destiny from sheere silence to a sibylin ot veiled discourse or else a temporarily impossibl utlerance: it is afantastic stepping-stone to the attainment of knowledge, to the happy development of personality, and to the revival of genuine and promising speech a recall of the divine model. Repress the flow of speech and it tells better: actually this is what all those romances paradoxically teach and this lesson is to foundin their advancingnarrative as well as in their rhetoric. Indeed, the writers themselves constantly seem to restain their discourse, to stopi to hold it in; but is pnlu have it guessed, or even supplied by the reader following an infernal process of addition. The paradox which appears between the huge amount of writing in the arthurian literature and the way words are refrained stands merely as a semblance: when performed in the fiction of romances the speech keeps being hindered and therefore the stream of the words used in the arthurien book runs endlessly
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Estrada, Vargas Graciela. "Ironie et parodie dans l’écriture romanesque contemporaine : Saramago, Fuentes, Kundera." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030119.
Full textAbstract:
L’étude de l’ironie et la parodie dans l’écriture romanesque de Saramago, Fuentes et Kundera s’avère un moyen efficace tant pour saisir les particularités stylistiques de ces auteurs que pour souligner leurs convergences. Les liens entre eux incluent des rapports d’amitié, des actions d’intermédiaires et des inquiétudes similaires. D’où l'évocation de quelques unes de ces notions. Un éventail des traditions, techniques et époques variés (de Diderot à Broch, de Cervantès à Ionesco) que l'on retrouve dans leur écriture, a été abordé. Entre autres, la dimension scatologique, présente chez Cervantès qui devient une technique créatrice d'ironie dans le roman contemporain de nos trois auteurs. Les romans du corpus ont été publiés entre 1958 et 1995. En utilisant l’ironie et la parodie, les trois romanciers remettent en question la vérité (religieuse, politique, morale, sociale, artistique) qui pèse dans l’esprit des sociétés contemporaines. La parodie biblique est un point de convergence de leurs écritures. Toutefois des particularités stylistiques se dessinent. A l'aide de l’ironie et l’humour, ils se détachent de toute idéologie, vérité (certitude), norme ou convention jugées irréfutables. Notre partie théorique fournit un panorama historique où l'on distingue l’ironie et la parodie classiques de leurs versions modernes et postmodernes. Nous précisons les différences entre la parodie et le pastiche, la satire, la métafiction et leur interaction avec l’ironie. Nous proposerons alors un modèle avec trois grands axes : la profanation du Sacré, la bifurcation du chemin de la Vérité et la condamnation de la Norme, pour l’étude de l’ironie et la parodie dans les romans de trois auteurs<br>The study of irony and parody in the writing of novels of Saramago, Fuentes and Kundera turns out to be an efficient means to comprehend a certain number of stylistic particularities of these writers, as well as to highlight their points of convergence. The relation between the writers includes friendship, similar actions as intermédiaires and same concerns. This study deals with some of their concepts. In their writings, we study a range of traditions, techniques and periods (from Diderot to Broch, from Cervantes to Ionesco). Among them, the scatological dimension, visible in the Cervantes works, which, in the contemporary novel written by the three writers, becomes a technique of ironic creation. The novels which are studied were published between 1958 and 1995. Using irony and parody, the three novelists reappraise the truth (of religion, politics, moral, society, art) that influences the spirit of contemporary societies. The Bible parody is a point of convergence in their writings, but with stylistic particularities. These novelists turn their back on any ideology, truth (certainty) or convention believed to be irrefutable by using irony and humour. The theoretic chapters of this study provide a historical panorama in order to distinguish the classic from the modern and post-modern parody and irony, including a detailed look about the differences between parody and pastiche, satire, meta-fiction and it’s interaction with irony. This study offers a model based on three major axes: the Sacred profanation, the Truth bifurcation and the Norm condemnation, to analyse irony and parody in the novels of the three writers
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Coudreuse, Anne. "Tentation et refus du pathos dans la littérature française du XVIIIe siècle : esthétique, éthique, réception." Paris 8, 1997. http://www.theses.fr/1997PA081318.
Full textAbstract:
Ce travail sur le pathos dans la litterature francaise du xviiie siecle porte plus particulierement sur les questions esthetiques et ethiques soulevees par cette notion, ainsi que sur sa reception au xxe siecle. L'analyse d'extraits exemplaires debouche sur un modele theorique du pathos, considere comme l'ensemble des moyens mis en oeuvre par le texte litteraire pour emouvoir le lecteur. Cette recherche se situe au croisement de la rhetorique, de l'histoire des mentalites et de l'histoire des representations aussi bien theatrales que picturales. L'etude lexicologique du pathos s'appuie sur la base de donnees frantext et sur les dictionnaires du xviiie siecle. Les oeuvres theoriques de marmontel, de chamfort et de l'abbe du bos prouvent l'importance du pathos dans le champ esthetique de cette periode, surtout dans les genres narratif et dramatique, en un siecle longtemps tenu pour un "desert poetique". Le pathos est propice au melange des formes esthetiques et des genres litteraires. Il met le corps et le langage a l'epreuve. Il induit une redefinition des roles sexuels dans la representation des emotions; les larmes ne sont pas l'apanage des femmes. Le pathos se deploie toujours dans un texte adresse qui cherche a avoir un effet sur le lecteur. Le choix des larmes, s'il repond a un gout dominant du public de cette epoque, est aussi un choix des armes, determine par une strategie, comme le montre son utilisation dans les proces et dans les romans libertins. Mais au xviiie siecle, le pathos fait egalement l'objet d'un refus dans lequel se conjoignent des raisons historiques, esthetiques et ethiques. La parodie, l'ironie et l'apathie permettent d'en denoncer l'obscenite et le mauvais gout. On trouvera en annexe une etude sur l'elegie, l'histoire et le pathetique dans la poesie de chenier ainsi que des extraits de textes qui n'ont jamais ete reedites: cubieres, coqueley de chaussepierre, charles bordes. .<br>This survey of pathos in 18th century french literature is chiefly concerned with esthetical and ethical matters, as well as with the way they are re-interpreted in the 20th century. Through the reading of a sample of pathetic texts, a definition of pathos itself is envisaged : the word is applicable to whatever technique likely to raise emotion in the reader. The background to this study is thus multiple and ranges from rhetorics to the history of representation. Along with lexicological research, theoretical works of the period, such as those of abbe du bos, marmontel and chamfort, contribute to assert the importance of pathos in the whole 18th century production, especially in the fields of narration and drama. Pathos is somewhat of a melting pot of different esthetical forms and genres. It is a test for language and the body, through which new sexual identities become revealed, since not only women were then allowed to weep. Pathos systematically tends to involve the reader. Although lachrimose writing may be a taste peculiar to the siecle des lumieres, the fact remains that the shedding of tears is, in most cases, politically oriented, as witness its prevalence in legal proceedings or libertine novels. Yet, the seduction of pathos sometimes gives way to rejection. It is then dismissed as mere obscenity, and heavily mocked by parodic and ironic authors. A study of elegy and pathos in chenier's poetry, as well as a number of texts never republished since the 18th century (coqueley de chaussepierre, cubieres, bordes) will be found in the annex
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Martial, Isabela. "Ironie, parodie et discours obliques dans trois œuvres du cycle de senectute de Lope de Vega, La Doretea, La Gatomaquia et Las Rimas de Burguillos." Paris 10, 2010. http://www.theses.fr/2010PA100036.
Full textAbstract:
Ce doctorat s’intéresse aux usages de l’ironie, de la parodie, et d’autres discours obliques dans trois œuvres de Lope de Vega, La Dorotea, La Gatomaquia et Las Rimas de Burguillos. L’auteur rédige ces textes au soir de sa vie, lorsqu’il comprend qu’il ne recevra pas de reconnaissance officielle, avec la volonté de produire une œuvre qui témoigne de son génie. Le succès de ces textes confirme qu’ils représentent les testaments de Lope. L’auteur y adopte une attitude éminemment réflexive et critique, et les discours obliques se distinguent comme le premier instrument de ses analyses. A travers eux Lope interroge la production de son temps, le rapport de ses contemporains au passé, et le statut des représentations classiques (notamment celles du pétrarquisme, de la poésie pastorale, et de l’épopée). Lope montre le caractère sclérosé d’un système de représentation, et il met en cause le rôle de l’imitation dans l’art. Lope aborde également le débat sur la fiction qui secoue l’Europe ; à travers les discours obliques il analyse les liens qui unissent l’écrit et le réel. Dans une démarche qui relève de l’ironie romantique, il en vient à désigner ses textes comme des œuvres de fiction. Les testaments de Lope répondent aux chefs d’œuvre de Gongora et Cervantes, qui avaient déjà mis en cause l’imitation classique et les lieux communs d’une tradition. Lope s’inspire aussi du Quichotte lorsqu’il soulève le problème du statut des livres, et présentente ses textes comme des textes. Avec ses rivaux, il témoigne de la rupture qui marque son époque. La scission du monde chrétien, les avancées de Colomb, de Copernic, de Galilée favorisent l’éclatement des représentations mentales de la Renaissance. Le prestige des modèles classiques est dès lors menacé. Par ailleurs, un système de représentation s’épuise, du fait de l’importance donnée à l’imitation mais aussi de la diffusion croissante des livres, liée à l’existence de l’imprimerie. Ce contexte favorise la crise d’une vision classique de la création. À la notion d’imitation des anciens les contemporains de Lope cherchent à substituer celle d’imitation du réel, et dès lors se pose le problème du rapport de subordination de la littérature à la vie. Le statut et la valeur des livres font soudain l’objet d’une interrogation ; celle-ci prend corps dans la polémique sur la fiction que suscite l’émergence du roman. Comme Gongora et Cervantes, Lope de Vega représente ces bouleversements à travers la parodie et l’ironie. Ces discours autorisent une analyse littéraire de questions qui ont été abordées de manière théorique pendant plusieurs décennies. Ils permettent de mettre en scène une réflexion sur la création et sur la valeur de l’écrit. Dans La Dorotea, La Gatomaquia et Las Rimas de Burguillos Lope donne à voir la nature fondamentalement artistique de son texte, il le présente comme un système autonome, indépendant de la réalité, et reposant sur la volonté de l’auteur. S’il s’inspire de Gongora et Cervantes, Lope propose des réponses originales à des questions brûlantes. Il contribue ainsi à la transition littéraire qui s’amorce<br>We have studied the different uses of irony, parody and oblique speeches in Lope de Vega’s La Dorotea, La Gatomaquia and Las Rimas de Burguillos. Lope produces these works at the dusk of his life when he understands that he will not receive any official recognition and he wants to offer writings that will give evidence of his genius. The critical reception of these works confirms that they are Lope’s literary testaments. In them Lope adopts a profoundly reflexive and analytical posture. Oblique speeches are the main instrument of the author’s contemplation. Through them Lope studies the contemporary literary production, the way his age relates to the past and the status of a classical imagery (petrarquism, pastoral poetry and epic literature are the subjects of his analysis). Lope indicates that traditional representation systems have become fossilized and he questions the role of imitation in art. Through irony and parody he also tackles the ongoing debate on fiction; he reflects on the nature of the relationship that links literature to reality. He eventually points out the literary dimension of his writings and designates them as works of fiction. Lope therefore is answering back to Gongora and Cervantes in his testaments. Like them, he shows that it is no longer posible to imitate the classical models. He also reflects on the status of books like Cervantes in the Quichotte and ends up accepting the artistic and subjective nature of his work. Lope and his rivals express a breakdown; recent discoveries and religious events have changed the apprehension of the past. Creation can no longer rely on the imitation of models and the status of literature is the subject of many controversies. Through oblique speeches, Lope represents this crisis
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Barbéris, Isabelle. "Copi : le texte et la scène : mimèsis parodique, mise en scène de soi et subversion identitaire dans les années parisiennes (1962-1987)." Paris 10, 2007. http://www.theses.fr/2007PA100050.
Full textAbstract:
Chaque pièce de Copi se présente comme un coup de dés. Son oeuvre dramatique ressemble à un kaléidoscope d'influences contradictoires, de sensibilités hétérogènes et d'étincelles de traditions diverses. Copi a voyagé à l'intérieur du champ du théâtre en pratiquant tous les gestes, en s'essayant à toutes les postures : ses différents Moi ont joué avec les différents Moi du théâtre. La dramaturgie copienne théâtralise de manière ironique la relation conflictuelle de l'étranger face au public, du dominé face au dominant, mais aussi du créateur face à ses chimères. Le théâtre extériorise, de manière chaotique et débordante, le conflit interne au geste créateur, exprime la division existentielle du faux inclus. Le champ de forces du théâtre permit à Copi de conduire des gestes symétriques de dissémination et de rassemblement. Sa manipulation des moyens du théâtre rend palpable la jubilation de l'artiste à faire et à défaire, à apparaître et à disparaître, à déballer et à remballer ses fantasmes. La scène et ses moyens frustes offrent un terrain de jeu dans lequel l'homosexuel argentin peut rassembler les signes épars d'une identité en exil, et la problématiser sous les yeux d'un public représentatif de la norme dominante. Oscillant entre la stigmatisation identitaire et l'effacement derrière l' « empire des signes », le théâtre de Copi pousse à bout le paradoxe de la sincérité de l'acteur en se présentant comme une décharge distanciée. La démarche de l'acteur en quête de stabilisation de l'image de soi consiste alors à s'opposer au public tout en s'offrant inconditionnellement à lui. La théâtralisation du malentendu, de la non-communication cherche une réponse sur scène, montrant par-là la nature transitionnelle de cette pratique en ordre dispersé. Dans cette approche du théâtre réfractaire à tout achèvement des formes et au-delà, à tout achèvement de la relation théâtrale elle-même, sortir du temps de la représentation et du temps du paraître équivaut à mourir, comme s'il n'y avait aucun au-delà à la mise en scène de soi. La manipulation des signes du théâtre, parce qu'elle est aussi manipulation de soi, prend l'artiste au piège du jeu avec les signes et les images. Derrière le jeu de masques et les oripeaux du travesti, derrière le recyclage subversif des signes, la pratique théâtrale de Copi est une manière d'éprouver, sur scène, son étrangeté à soi-même. Page blanche à remplir, espace à habiter, la scène est un lieu où le sujet exilé tente, par la manipulation des bribes de soi, de transformer les traces d'un monde perdu en instantanés et en présence scéniques.
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Bluteau, Olga. "L'art de la parodie dans les Meslanges de Pierre Certon (1570)." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1993PA040245.
Full textAbstract:
Les Meslanges constituent la dernière œuvre connue de Pierre Certon, l'un des compositeurs majeurs du seizième siècle. De ce recueil, édité en six volumes, ne subsiste actuellement qu'un seul exemplaire, incomplet (l'un des volumes a disparu). Ces Meslanges contiennent quatre-vingt-seize pièces de cinq à treize voix, parmi lesquelles quatre-vingt-sept chansons profanes et sept œuvres destinées au culte protestant. La plupart de ces œuvres sont des parodies, c'est-à-dire des adaptations d'œuvres musicales dont la destination - et s'il y a lieu les paroles a été changée (Jacques Chailley). Transcription, reconstitution et analyse musicale montrent que Certon y a utilisé la plupart des techniques d'écriture de son temps pour les adapter à la parodie. Il a également synthétisé les principaux styles musicaux de la renaissance : chanson parisienne, contrepoint franco-flamand et musique italienne. Toutes ces caractéristiques contribuent à faire des Meslanges de Certon un traité de l'art de la parodie par l'exemple et une œuvre majeure de la fin du seizième siècle en France<br>Les Meslanges are the last known work of Pierre Certon, one of the main French composers of the sixteenth century. This book was published in six volumes. Today only one incomplete exemplary remains. It contains ninety-six pieces from five to thirteen voices. Eighty-seven of them are secular chansons and seven others are psalms or prayers foe the protestant worship. Most works are parodies, that is musical adaptations whose destination - and words if need be - has been changed (translated from Jacques Chailley's definition). Transcriptions and musical analysis show that Certon used all composing technics of his time and adapted them to parody. He also assembled the main styles of the renaissance: Parisian chanson, Franco-Flemish counterpoint and Italian music. All these characteristics make of Pierre Certon's Meslanges a treatise explaining the art of parody through examples and an essential work of the end of the French sixteenth century
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Surace, Elisabeth. "Parodie et théâtralité : pratiques de l'écriture spectacle dans "Moralités légendaires" de Jules Laforgue." Aix-Marseille 1, 2005. http://www.theses.fr/2005AIX10081.
Full textAbstract:
Ce travail vise à démontrer l'originalité et la modernité des "Moralités légendaires" de Jules Laforgue à la lumière de deux concepts-clés : ceux de la parodie et de la théâtralité. Profondément inscrites dans leur époque, ces nouvelles mettent néanmoins au jour des stratégies innovantes. La parodie est un moyen pour ancrer la parole de l'auteur dans un choeur référentiel qui met en question les lieux communs d'une culture. Plus encore, l'activité de réécriture est le prélude à l'évènement d'une écriture originale qui s'exhibe dans une posture d'auto-désignation. Soumise à un principe de théâtralité qui se retrouve dans toutes les strates du discours, la parole laforguienne des "Moralités" se donne en spectacle à travers une entreprise qui éprouve les limites entre les genres. La théâtralité de ces nouvelles s'origine ainsi dans le décloisonnement littéraire amorcé à la fin du XIXe isècle mais également dans la volonté auctoriale d'éprouver la validité de nouveaux supports.
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Mazza, Caterina. "Les enjeux de la réécriture. : Potentialités et limites de la relecture parodique du canon moderne dans la littérature japonaise contemporaine." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015INAL0006.
Full textAbstract:
Les perspectives de recherche de cette étude s'organisent autour d'un axe thématique qui ouvre la dimension littéraire japonaise contemporaine au débat critique international : l'un des enjeux de notre analyse est de comprendre, par la comparaison d'un nombre limité d'œuvres exemplaires, la spécificité de l'expérience de la réécriture parodique du canon au Japon. Par ailleurs, tout en définissant de façon ponctuelle et rigoureuse le champ d'investigation, cette analyse permet de réfléchir au problème complexe de l'utilisation, devenue paradigmatique, des formes intertextuelles dans la littérature "postmoderne". S'agit-il d'une façon pour préserver ou déconstruire ? Est-il possible de considérer la relecture parodique comme une forme de traduction du canon? Dans cette perspective, on se propose de conduire une analyse directe et comparative des œuvres d'auteurs divers mais qui se sont tous intéressés à des textes-source communs : en particulier on prend en considération le cas exemplaire des parodies des textes de Kawabata Yasunari (1899 – 1972) réalisées par Ogino Anna (1956), Inoue Hisashi (1934-2010) et Shimizu Yoshinori (1947) (respectivement dans "Watashi no aidokusho", 1991 ; "Bun to Fun", 1970 et "Kirikirijin", 1981 ; "Ese monogatari", 1991). Face aux œuvres immortelles du grand maître de la modernité, tous trois ont réalisé des parodies qu'on peut lire comme des traductions dans un langage nouveau d' hypotextes célèbres ("Yukiguni", "Izu no odoriko") ; ou, en même temps, comme des parodies de la traduction, qui révèlent les fragments d'un jeu cassé, moyens utiles à la réflexion metatextuelle<br>The overall aim of my research is to investigate whether and, if so, how the use of intertextual tropes like parody and pastiche have been a determining factor in the “translation” of the modern canon in contemporary Japanese literature. In order to investigate these aspects, I have explored as a case study three works completely different in terms of style and themes, but that share a common hypotext: in fact, I analyse in this research the parodies of Yukiguni, the worldwide renowned masterpiece of Kawabata Yasunari, realized by Ogino Anna, Shimizu Yoshinori and Inoue Hisashi (respectively in Watashi no aidokusho 『私の愛毒書』, 1991; Ese monogatari 『江勢物語』, 1991; Kirikirijin, 『吉里吉里人』, 1981).Through a comparative examination of the chosen texts, but also considering the critical discourse on the “canonization” of the works of Kawabata and the non-negligible role of their translations for the western audience, I try to demonstrate the strategic importance of intertextual practices in contemporary Japanese literary scene: the exploration of the use of parody and pastiche in postmodern Japanese context highlight the challenging perspective of a literature that reflect on itself by reflecting itself<br>Le prospettive di ricerca di questo studio si concentrano attorno ad un asse tematico che apre la dimensione letteraria giapponese contemporanea al dibattito critico internazionale : nucleo essenziale del nostro percoso è infatti la proposta di un'analisi, realizzata attraverso la messa in relazione di un corpus di testi esemplari, dell'esperienza della riscrittura parodica del canone letterario moderno nel Giappone contemporaneo.In particulare, il caso di studio analizzato è quello delle riscritture realizzate da tre autori contemporanei (Ogino Anna, Shimizu Yoshinori, Inoue Hisashi) che hanno in commune ipotesti estremamente celebri : Yukiguni ("Il paese delle nevi") e Izu no odoriko ("La ballerina del paese delle nevi"), di Katawabe Yasunari, primo Nobel giapponese per la letteratura
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Berguerand, Raphaëlle. "Littérature et engagement au Mexique : Carlos Monsiváis, polygraphe et homme de parole." Grenoble 3, 2007. http://www.theses.fr/2007GRE39044.
Full textAbstract:
Lire l'œuvre polygraphique et protéiforme de Monsiváis, c'est remettre en cause les idées reçues et entrer dans une nouvelle problématique de l'engagement. L'œuvre de Monsiváis se trouve partagée entre le dire et le faire, entre une intention critique et un appel à d'autres modes de conduite. L'écrivain se situe à mi-chemin entre l'écriture de la mémoire singulière d'une époque et la réflexion sur les problèmes de la société actuelle afin de participer à sa transformation. Il se livre en effet à une construction nouvelle des différents phénomènes culturels. L'œuvre et l'action de Monsivàis s'organisent autour de deux grands pôles: l'avènement d'une nouvelle culture et l'écriture d'une autre histoire. La réécriture monsivienne de la culture et de l'histoire invite à penser d'une manière nouvelle l'être au monde d'un homme de lettres mexicain, c'est-à-dire son engagement. Le geste de l'engagement, de la "mise en gage" détermine des choix d'écriture et contraint des modes de lectures. L'invocation d'autres codes esthétiques et littéraires transforme l'acte de lecture en une expérience de liberté. Monsivàis offre une prose qui remet en question les certitudes et toute notion de savoir constitué. Il incite le lecteur à construire un ou plusieurs sens, à partir des éléments apportés et à s'engager lui-même dans cet acte. Écrire le passé c'est s'inscrire personnellement dans l'avenir de la lecture; c'est dépasser sa propre finalité et justifier son existence en tant que membre d'une réalité plus vaste. Le travail de la mémoire est alors une nécessité existentielle et la connaissance des événements participe de l'identité mexicaine. Chez Monsivàis, la littérature se définit en fonction du travail qu'elle sollicite. La littérarité d'un texte dépend de la qualité de l'expérience qu'il suscite. Finalement, Monsivàis renouvelle le concept de littérature engagée. Il n'incite pas à l'action directe mais à une évolution personnelle et intérieure, à travers le langage<br>By reading Monsivàis's polygraphiq and proteiform work, one questions the clichés and discovers a new concept of the problem of engagement. Monsivàis's work inbetween a critic intention and a call to other ways of behaviour. The writer is in the middle of the way between the writing of the singular memory of a period and the reflection about the current society's problems in order to participate to its transformation. He proposes a new construction of the different cultural phenomena. Monsivàis's work and action is organized around two big poles: the advent of a new culture and the writing of another history. Monsivian rewriting on culture and history invites to think differently about the presence in the world of a literary Mexican man, that is, his engagement. The act of engagement determines writing choices and forces ways of reading. The invocation of other aesthetics and literary codes transforms the act of reading in an experience of liberty. Monsivàis offers a prose that questions the certainties and every notion of a constituted knowledge. He incites the reader to build one or many senses, and to engage himself in such an act. Writing the past is entering oneself in the future of the reading; it is exceeding one's own purpose and justifying one's existence as a member of a wider reality. The work of the memory is an existential necessity and the knowledge of the events participate on the Mexican identity. In the case of Monsivàis, literature is defined according to the work requested. The literarity of a text depends on the quality of the experience aroused. Finally, Monsivàis renews the concept of engaged literature. He does not incite the reader to direct action but to a personal and interior evolution, throw the language
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Yang, Guang zheng. "Paysage, corps, parole chez Giono : une lecture thématique de la trilogie de Pan." Paris 8, 1993. http://www.theses.fr/1993PA080825.
Full textAbstract:
L'objet de la recherche est la lecture des quatre elements (terre, eau, feu et vent) dans les trois romans de jean giono -- colline, un de baumugnes et regain. A travers une etude sur l'omnipresence et l'activite de ces elements dans l'espace textuel. Cette these tache de definir le paysage gionien comme territorie imaginaire. La premiere partie de la these traite les formes, afin de degager un corps du paysage. La seconde rassemble les traits du corps imaginaire des elements, et tente de preciser ses caracteristiques, son "paysage" au sens richardien, en donnant le privilege a l'activite musculaire et a la sexualite. Elle considere aussi le corps reel des personnages, le "corps a corps" des elements et des etres, et la reduction de l'espace. La troisieme aborde les differentes operations rhetoriques qui constituent une "syntaxe de l'imaginaire". Elle deploie aussi le rapport entre figure et contexte diegetique, style et circonstances, plan metaphorique et representation de la realite. Et la quatrieme revele la relation entre la parole delirante de janet et la creation poetique d'un "monde"<br>The aim of this research is reading the four elements (earth, water air (wind) and fire) in the three novels of jean giono -- hill, one of the baumugnes and aftergrass. Through a study about the omnipresence and activity of these elements in the textual space, this thesis tries to define the landscape as an imaginary domain. The first part of the thesis treats the elements' forms, mouvement and signifiant dimension. The second gets together the traits of the elements' imaginary body, and tries to state precisely its characteristics and its "landscape" in richard's meaning. The privilege is given to the muscular activity and the sexuality. This part states also the personages' bodies, the "body to body" between the elements and the man, and the reduction of the space. The third deals with the different rhetoric operations who constitute a "syntax of the imaginary". It shows the relation between the figure and the context, the style and the story's circumstances, the metaphorical plan and the representation of the reality. And
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Teramoto, Naruhiko. "Travail de la réécriture dans "Les Chants de Maldoror" de Lautréamont." Nancy 2, 2000. http://www.theses.fr/2000NAN21022.
Full textAbstract:
Acte métalangagier consistant à imiter et/ou transformer les textes d'autrui, la "réécriture" est un des enjeux littéraires majeurs de Lautréamont (Isidore Ducasse). Reposant sur la taxinomie de la "transtextualité" proposée par Gérard Genette, notre étude a pour objectif d'analyser dans Les Chants de Maldoror (1869) les procédés de la réécriture tels que la parodie, le plagiat, la citation, l'allusion, etc. Ayant discerné le plus strictement possible les "hypotextes" ou textes-matériaux choisis et façonnés par Lautréamont, nous essayons de lire alternativement et simultanément ces hypotextes et le texte définitif des Chants que nous pouvons nommer "hypertextes". Les hypotextes constituant le premier anneau de l'avant-texte virtuel des Chants dont les manuscrits restent toujours introuvables, notre analyse vise à tracer le domaine en mouvement de la pratique de l'imitation et de la transformation. Ce qui nous permettra de constater que la réécriture dans les Chants ne se fonde pas sur les "réminiscences" proprement dites, mais sur la lecture attentive des hypotextes qu'a Lautréamont sous les yeux. En repérant tout processus mené vis-à-vis de la constellation des hypotextes ciblés, des ouvrages romantiques jusqu'au discours scientifique, en passant par le roman gothique et le roman feuilleton, nous mettons en relief l'aspect stratégique du travail de la réécriture de ce poète qui envisage la problématique du "beau" et du "vrai" (la science), à l'époque postromantique<br>Metalinguistic act which consists in imitating and/or transforming the texts of the others, the "rewriting" is one of the major literary stakes of Lautréamont (Isidore Ducasse). Based on the taxinomy of the "transtextuality" proposed by Gérard Genette, our study aims to analyse in Les Chants de Maldoror (1869) the procedures of the rewriting as parody, plagiarism, quotation, allusion, etc. After having distinguished as strictly as possible the "hypotexts" or texts-material chosen and shaped by Lautréamont, we try to read alternatively and simultaneously them and the definitive text of the Chants which can be named "hypertexts". As the hypotexts form, in our theoretical point of view, the first link of the chain of the virtual "avant-text" of the Chants whose drafts are not found yet, our analysis is to trace the domain in motion of the pratic of the imitation and the transformation, which will enable us to establish that the rewriting in the Chants doesn't rest on the "reminiscences" themselves, but on the poet's careful reading of the hypotexts which he has before his very eyes. As we locate every procedure which aims to the constellation of the hypotexts - from the romantic works, the Gothic Roman and the roman serial to the scientific discourse -, we shall highlight the strategic aspect of the work of the rewriting by this poet who confronts the problems of the "beauty" (the literature) and of the "truth" (the science) in the postromantic period
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Cadeddu, Joseph. "La bustina di Minerva (1985-1994) d'Umberto Eco : aspects et effets de l'ironie et de la parodie." Paris 10, 1996. http://www.theses.fr/1996PA100150.
Full textAbstract:
Notre travail examine, selon une approche litteraire, rhetorique, linguistique et sociologique, les modalites et les enjeux de l'ironie et de la parodie dans "la bustina di minerva", rubrique journalistique qu'umberto eco tient dans l'hebdomadaire italien l'espresso. Le corpus analyse est constitue de 483 articles, ecrits de 1985 a 1994, que nous avons recueillis. Dans la premiere partie, nous nous interessons aux caracteristiques materielles de la rubrique, a sa place dans la structure de l'espresso, au genre journalistique auquel elle appartient. Dans "la bustina", eco aborde les sujets les plus varies. Pour les definir, nous avons effectue une analyse de son contenu dont la nature a ete rattachee a l'oeuvre de l'auteur et dont l'evolution a ete mise en relation avec les mutations de la societe italienne des annees quatre-vingt quatre-vingt-dix. L'ironie est un trope qui occupe une place preponderante dans la satire et la parodie, genres qui sont souvent combines dans cette chronique. Leur amalgame donne lieu a la parodie satirique, a la satire parodique et a la satire pastichielle. Notre seconde partie definit les cibles et les specificites de ces differents types de parodies, ainsi que les formes sous lesquelles se manifeste l'ironie. Elle est consacree aux modalites de ce langage double et mensonger qui reflete la macrostructure meme de "la bustina". Dans la troisieme partie, nous etudions les motivations de cette langue codee, en demontrant que son utilisation ne resulte pas toujours d'un choix d'eco, la competence du public de l'espresso. De cette langue opaque, dont nous evaluons la valeur poetique et qui constitue une forme de politesse discursive, nous etudions egalement les effets sur le lecteur empirique. Les resultats de nos tests de reception font ressortir les risques de ce cryptojournalisme (decodages errones), mais aussi sa capacite a favoriser l'interpretation plurielle.
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Bénac, Karine. "Le statut du sujet de la parole dans l'oeuvre de marivaux." Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030125.
Full textAbstract:
A partir du constat de la diversite des modes de parole dans l'oeuvre de marivaux, ce travail cherche a mettre en evidence une apprehension neuve, par marivaux du sujet de la parole. Le sujet ne semble plus en effet compris par marivaux comme unifie autour de la raison, mais comme un sujet pluriel, fonde par l'activite conjointe de la raison, de la sensibilite et de l'imagination d'une part ; parle travail inconscient des desirs et l'intersubjectivite d'autre part. Dans quelle mesure un vrai sujet de la parole est-il donc possible ? vrai sujet, c'est-adire un sujet capable de recueillir et de manifester sa diversite dans une parole en premiere personne, une parole aussi qui reconnaisse l'autre comme autre ; une parole enfin qui evite les pieges de l'enfermement dans la specularite, le desir de l'autre ou les attachements oedipiens. Une analyse des rapports entre parents et enfants dans la comedie degage tout d'abord ces pieges qui guettent le sujet desirant a la recherche d'une autonomie. La mise en perspective du role structurant des fantasmes originaires dans la quete de soi permet ensuite de proposer un possible a du sujet. Enfin, l'etude des variations imaginaires dans les journaux et oeuvres diverses, ainsi que des rapports entre des positions antagoniques de la parole au theatre, tente d'esquisser les grandes lignes de l'avenement d'un sujet vrai de la parole, fonde dans et par l'intersubjectivite, et reconciliant en lui unite et diversite, connaissance de soi et reconnaissance de l'autre.
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Stavropoulou, Anna Magia. "L’enfant lecteur et la parodie : Composantes et fonctions de la réception du parodique dans l’oeuvre d’Eugène Trivizas." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040207.
Full textAbstract:
L’objet de la présente recherche est l’étude de l’accessibilité des enfants lecteurs à la réception de l’élément parodique, présent dans les œuvres littéraires d’Eugène Trivizas, auteur grec d’une grande renommée dans la littérature d’enfance. Ceci concerne toute forme de parodie et à tous les niveaux où elle pourrait se produire, des conditions dans lesquelles elle se produit, des facteurs qui favorisent sa réalisation et des manières par lesquelles elle pourrait être aperçue. Par ailleurs la recherche se propose de vérifier si les fonctions des parodies de Trivizas estimées « libératrices » ont bien eu cet effet sur les jeunes lecteurs et si la poétique parodique de l’auteur contribue à la création du jeune lecteur critique. L’étude des résultats de la recherche réalisée avec des élèves des écoles maternelles et primaires en Grèce aboutit aux convictions suivantes: a. La réceptivité parodique des enfants lecteurs concernant l’œuvre d’Eugène Trivizas peut être réalisable à certaines conditions. b. La communication parodique suscitée dans les œuvres littéraires d’Eugène Trivizas, possède la dynamique de fonctionner au niveau de la socialisation et de la politisation des jeunes lecteurs<br>The object of the present research is to investigate the capabilityof children readers to perceive the parodic element which emerges in the literary texts of Eugene Trivizas, one of the most renounced Greek writers of children' s literature. This concerns every form of parody, also the levels on which it is produced, the circumstances under which it is produced, and finally the factors which favour its realisation and the ways in which it can function. Furthermore, this research aims at verifying whether the functions of parody in the work of Eugene Trivizas which are conceived as "liberating" have, indeed, this impact on children readers and whether the parodic poetics of the writer contributes to the creation of a young critical reader. The study of the results of the research which was carried out on pupils of nursery and primary schools of Greece leads to the following two conclusions: a. The reception of the parodic element in the work of Eugene Trivizas is feasible/ possible under certain circumstances. b. The communication of parody possesses the dynamics to lead towards the socialisation and politicalisationof young readers
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Iounes-Vona, Rosaria. "La femme et le merveilleux entre Carnaval et Carême dans Le piacevoli notti de Giovanfrancesco Straparola." Nancy 2, 2006. http://www.theses.fr/2006NAN21027.
Full textAbstract:
Fondée sur une analyse conjointe des contes et énigmes des Piacevoli notti, cette étude met en lumière la nature de la relation instaurée entre les femmes et le merveilleux au cours de la période Carnaval - Carême. Les objets magiques, les animaux parlants, les métamorphoses, mais aussi le merveilleux religieux revu et corrigé par le biais de la parodie, entendue selon la pensée bakhtinienne, constituent autant de vecteurs synonymes de quête, d'épreuve, mais aussi d'aide et de récompense. La représentation des femmes est tantôt classique, lorsque la beauté se conjugue avec la bonté, tantôt subversive, lorsqu'une femme vieille et laide incarne la suprématie de la Vie sur la Mort, et tantôt dénigrante, lorsque l'allégorie aboutit à la vision d'un corps féminin violenté. Elle concourt à expliquer qu'après avoir été le plagiaire d'une partie des Novelle e favole de Girolamo Morlini, Giovanfrancesco Straparola ait été à son tour plagié par des conteurs italiens et français de renom<br>Based on a joint analysis of the two elements of this work, tales and riddles, this study has for aim to enlighten the nature of relationship established between women and the fantastic element, during the Carnival-Lent's period, revised by parody, according to the bakhtinian idea. Magical objects, speaking animals, metamorphoses and the religious fantastic element are vectors synonyms of quest, ordeals as well as help and reward. Giovanfrancesco Straparola's representation of women, as it is determined by the fantastic element, is sometimes classical when the beauty is linked to goodness, sometimes subversive when an ugly, old woman embodies the supremacy of Live over Death, and sometimes denigrating when the allegory results in the vision of the body as an assaulted woman. This partly explains why, after having been the plagiarist of some the Girolamo Morlini's Novelle e favole, Giovanfrancesco Straparola has himself been plagiarized by famous Italian and French storywriters
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Segrest, Colt Brazill. "Métamorphoses burlesques : la fabrique de la parodie dans l'Ancien Italien de Paris (1668-1697)." Nantes, 2012. http://www.theses.fr/2012NANT3017.
Full textAbstract:
C'est à l'Ancien Théâtre Italien de Paris que se produit au XVIIe siècle l'éclosion de la parodie sur scène. La citation parodique à valeur d'hommage, employée par Scarron dans Jodelet ou le maître valet, est remplacée dans la deuxième moitié du siècle par une forme de parodie théâtrale qui dépend davantage des éléments spectaculaires. Cette étude vise à analyser les ressources de la parodie chez les italiens : acteurs et types, costumes, machines, décors, etc. Nous analysons comment l'imitation burlesque des œuvre célèbres de Corneille et de Racine, entre autres, se manifeste dans ce contexte. A partir du corpus des canevas de Domenico Biancolelli, traduits par Thomas-Simon Gueullette, du manuscrit 9329 de la Bibliothèque nationale et des éditions du Théâtre italien de Gherardi publiés entre 1694 et 1741, nous avons relevé et analysé plusieurs exemples représentatifs de la parodie théâtrale. Nous avons prêté une attention particulière aux éditions clandestines publiées hors de France, tel que le Supplément de Bruxelles de 1697. Alors que les italiens entretiennent un rapport privilégié avec l'Académie royale de musique, leur relation avec la troupe française est plus conflictuelle, d'où plusieurs plaintes déposées par les Comédiens français auprès de la police, dont une qui condamne formellement la pratique de la parodie chez les Italiens, qui les prenaient pour cible. Ainsi, parodie théâtrale et rivalité des troupes se nourrissent l'une de l'autre.
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Lemierre-Dauphin, Eliane. "L'adaptation des textes littéraires par la bande dessinée." Nice, 2001. http://www.theses.fr/2001NICE2017.
Full textAbstract:
Nous avons à nous demander en quoi l'adaptation BD est une sémiotique particulière, et si elle est un genre spécifique. Dans l'hypothèse d'une sémiotique particulière, deux possibilités : soit l'adaptation relève d'une sémiotique de métalangage, soit elle relève d'une sémiotique de connotation. Mais ne peut-on envisager une troisième sémiotique, une sémiotique de l'adaptation ? La première partie traite de la production. Le chapitre 1 examine la production du point de vue de l'histoire, de la statistique, de la sociologie, de la narratologie et de la pragmatique. D'abord l'adaptation en général. Puis l'adaptation par la bande dessinée, la constitution de la bande dessinée en champ culturel autonome, les dessinateurs et les éditeurs. Puis la notion de littérature et de paralittérature, les écrivains adaptés, et les genres littéraires. Enfin nous précisons en quoi l'adaptation BD est un genre spécifique, du fait de la particularité de l'acte adaptatif. Le chapitre 2 traite de la sémiotique de la production. Nous commençons par la lecture du texte littéraire, d'abord lecture de la fiction narrative, puis celle du texte lyrique qui relève d'une énonciation particulière. Ensuite l'analyse de la transformation iconique, à partir d'une seule image. Enfin l'étude dela bande dessinée en tant que système par Thierry Groensteen. La deuxième partie traite de la réception. Le chapitre 1 traite de la sémiotique du métalangage, avec notamment Deux amis de Maupassant par Dino Battaglia, un extrait du Journal de Kafka adapté par André Juillard, Jean-Louis Tripp et Edmond Baudoin, et Salammbô de Flaubert par Philippe Duillet. Le chapitre 2 traite de la sémiotique de connotation, examine aussi deux cas particuliers, la narrativisation de textes lyriques et la parodie. Le chapitre 3 propose une troisième sé́miotique, la sémiotique de l'adaptation BD dont les deux dominantes sont, une sémiotique de connotation hypotextuelle et une sémiotique de connotation hypertextuelle
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Lintner, Dorothee. "Avatars de l'épopée dans la geste rabelaisienne et les histoires comiques du 17e siecle." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030187.
Full textAbstract:
La thèse s’intéresse aux usages de l'épopée chez Rabelais et les histoires comiques du XVIIe siècle (Sorel, Furetière, Scarron, Tristan L’Hermite, d’Aubigné). Elle cherche à dépasser l’interprétation parodique, souvent mobilisée par la critique moderne, et à montrer comment ces auteurs semblent rivaliser avec les poètes héroïques de la même époque (Ronsard, Chapelain, etc.) en tentant de refonder le récit comique long. Tout d’abord, on tente d’évaluer la présence de l’épopée dans ces œuvres comiques par un relevé des références et des citations, et une redéfinition de l’héroïsme tel qu’il apparaît dans les récits. Dans un deuxième temps, on cherche à expliquer l’usage de ces références par les auteurs comiques, autrement que par le concept moderne et trop souvent plaqué de « parodie » : on s’intéresse donc aux usages sociologiques de l’épopée, qui sert à la satire politique, religieuse, mais aussi savante. Les historiens sont, par exemple, des cibles privilégiées, car ils se servent de l’épopée pour cautionner leurs projets d’historiographie nationaliste et mythologique. Ce travail doit enfin permettre de mesurer le rôle du genre épique dans le renouvellement de l’écriture comique, tel que l’a instauré Rabelais, et tel qu’il fut poursuivi par ses successeurs. Cette analyse permet de revenir sur la réception de Rabelais au XVIIe siècle, encore peu étudiée, autant que d’appréhender l’influence de ces longues histoires comiques en prose, dans les siècles suivants : romans d’aventures, romans de cape et d’épée – autant de genres qui ont bénéficié des innovations héroïques et vraisemblables de ces longs récits comiques d’une époque disparue<br>This dissertation focuses on the various uses of epic in Rabelais’ Books and in the comic novels of the XVIIth century (d’Aubigné, Sorel, Tristan L’Hermite, Scarron, Furetière). It attempts to go beyond the parodic interpretation commonly adopted by modern criticism towards this corpus, and to underline how these authors compete with the epic poets of that time (Ronsard, Chapelain etc.), as they try to renew the comic narrative. The first part of the study assesses the presence of epic features in the works: using a list of references and quotes, it strives towards a redefinition of heroism, as the paradigm appears in the texts. It then delves into the reasons why the authors so often refer to epic: as an efficient tool for their satiric discourses. The dissertation focuses on the sociological uses of epic that target political, religious and intellectual groups that appropriate epic models for their own purposes. Historians appear as privileged targets because they use epic to validate their historiographic projects, often imbued with nationalist and mythological tendencies. Finally, the work gauges the role of epic in the renewal of comic writing, as established by Rabelais, and continued by his epigones. This analysis sheds light on Rabelais’ reception in the XVIIth century, a topic that has scarcely been studied yet, and offers explanations for the lasting influence of these long comic and prosaic stories in the following centuries: adventure novels, swashbucklers and historical novels are some of the genres that may have taken advantage of the realistic and heroic innovations brought forth by these comic stories of a bygone age
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Piat, Emilie. "L’humour dans la poésie féminine britannique contemporaine (1945-2000) : stratégies et figures." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA046.
Full textAbstract:
Le seul consensus autour de la poésie féminine contemporaine est celui d’une grande diversité. Sur le plan thématique et formel, autant que du point de vue de l’origine des poètes, il semble difficile de réunir sous un paradigme unique les œuvres écrites par des femmes. C’est également l’un des aspects que soulignent l’ensemble des ouvrages consacrés à l’humour : le terme renvoie à des phénomènes si différents qu’il est presque impossible de le réduire à une définition qui recouvre l’ensemble de ses manifestations. C’est pourtant précisément en raison de cette difficulté définitionnelle que l’humour constitue un prisme de choix pour parcourir la poésie féminine contemporaine. Par nature protéiforme, l’humour est « transgenre » ; il subvertit l’ordre social et les instances de pouvoir réel ou symbolique, mais remet aussi en question les identités génériques et sexuelles. Rien d’étonnant à ce que les femmes poètes y voient une arme pour s’attaquer aux idées reçues, aux stéréotypes et aux métaphores figées, notamment celles qui prétendent définir l’identité féminine. Mettant en adéquation ce qui se passe sur le plan de l’énonciation, de la réception, de la rhétorique et de la prosodie, l’humour est donc envisagé comme une modalité d’écriture, c’est-à-dire un ensemble de formes traduisant un positionnement particulier. Cette posture, qu’elle prenne le nom d’irrévérence, d’incongruité ou de décalage, témoigne à la fois des liens complexes que les femmes entretiennent avec la tradition poétique et des stratégies qu’elles ont développées pour y parvenir, dans lesquelles se dessine une même volonté, en explorant les lieux communs et les espaces de consensus, de redessiner les contours de la poésie contemporaine<br>The only consensus around the question of contemporary women poetry is that of its diversity: the themes and forms of the poems written by women are almost as varied as the origins of the poets themselves. Diversity is also one of the aspects underlined by most of the publications on the subject of humour. The term applies to so many phenomena that it is virtually impossible to reduce it to a final definition. Yet it is precisely because humour is so difficult to define that it constitutes a particularly appropriate prism to approach contemporary women poetry. Humour is by essence “transgender”. It subverts social order as well as instances of real or symbolical power, and challenges sexual and generic identities. Unsurprisingly, women poets have seen it as a choice weapon to attack received opinions and stereotypes, especially when those aim at defining femininity. Humour should therefore be considered as a form of writing, or rather a set of forms, expressing a specific positioning and operating on the level of enunciation, reception, rhetoric and prosody. This posture, which can be interpreted as irreverence, incongruity or difference, testifies of the complex ties women have established with the poetic tradition. But to do so, women have also developed strategies which enable them to explore common knowledge and accepted truths, and thus redefine the contours of contemporary poetry
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Topia, André. "Modèles et écarts : scénarios d'écriture de Dubliners à Ulysses." Paris 8, 1995. http://www.theses.fr/1995PA080917.
Full textAbstract:
Ce travail analyse les strategies d'ecriture dans trois oeuvres de james joyce, dubliners, a portrait of the artist as a young man et ulysses, et cela a partir des trois notions de scenario, modele et ecart. Le scenario est ce qui fait de l'ecriture une programmation aleatoire jouant sur les ecarts possibles a partir d'un modele. Dubliners offre des recits programmatiques dans lesquels le deroulement semble obeir a une matrice virtuelle. Nous y examinons successivement la question des cycles perturbes ("the sisters"), de la mediation devoyee (du fantasme comme brouillage optique ("araby"), de la figure de la boucle ("eveline"), du mimodrame emblematique ("two gallants"), du temps programmatique ("the boarding house"), de la copie comme subversion ("counterparts"), du texte gauchi ("clay"), du cliche comme scenario ("a painful case") et du moi comme frontiere ("the dead"). Le portrait montre d'une part un modele liturgique fonde sur des rites d'incarnation, d'autre part un modele dialogique fonde sur une dynamique de l'echange verbal et gestuel. Dans ulysses, les distorsions s'amplifient : conductivite et circulation dans "calypso" ; brouillage du corps par la fluidite musicale dans "sirens" ; montage entre la repetition de la voix et la reproduction du stereotype dans "cyclops" ; decalage entre le texte trompe-l'oeil de gerty et les ecarts du laboratoire bloomien dans "nausicaa" ; fabrication dans "circe" d'un texte gigogne fantasmatique ; subversion du questionnement catechistique par la clarification scolastique dans "ithaca". Nous concluons que dans ulysses la boucle bloomienne est une dialectique de l'ecart<br>This thesis analyses the writing strategies in three works by james joyce : dubliners, a portrait of the artist as a young man and ulysses, and this according to the notions of scenario, model and deviation. In a scenario, writing becomes a variable programming displaying possible deviations from a model. Dubliners offers programmatic narratives whose unfolding seems to conform to a virtual matrix. We examine successively the question of perturbed cyctes ("the sisters"), of perverted mediation ("an encounter"), of the figure of the loop ("eveline"), of emblematic mimodrama ("two gallants"), of programmatic time ("the boarding house"), of copy as subversion ("counterparts"), of writing as a warping process ("clay"), of cliche as scenario ("a painful case") and of the ego as frontier ("the dead"). The portrait shows both a liturgical model based on rites of incarnation and a dialogical model based on a dynamic exchange of words and gestures. In ulysses the gaps widen : conductivity and circulation in "calypso" ; blurring of the bodily functions by the fluidity of music in "sirens" ; montage of vocal repetition and stereotyped reproduction in "cyclops" ; contrast between gerty's trompel'oeil text and the experiments in the bloomian laboratory ; constitution in "circe" of a fantasmic texte gigogne ; subversion of catechistic questioning by scholastic clarificatio in "ithaca". We conclude that in ulysses the bloomian figure of the loop involves a dialectic of deviation
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Poirier, Christian. "Le poème étranglé ou la parole au silence chez le poète René Daumal." Rennes 2, 1994. http://www.theses.fr/1994REN20007.
Full textAbstract:
"La nuit de vérité nous coupe la parole" est à nos yeux la formule traduisant le mieux l'attitude de René Daumal (1908-1944). Nous lisons, grâce à l'emploi antinomique "nuit vérité", la démarche et la finalité du poète. La nuit est celle du temps de la mort, c'est-à-dire du silence conquérant le poète noir. Celle-ci se traduit par l'emploi de moyens pour faire silence, soulignes par : la négation et les tournures a connotations négatives. Au fait de ne rien dire et de dire rien s'appuyant sur le procède d'écholalie perçu de poème en poème, s'ajoute une attitude de révolte portée aussi par le rire et ponctuée par la mort, ultime sceau du poids du silence. La vérité est celle qui jaillit suite a la décomposition de l'être devenu ferment pour re-naître. Thaumaturge abandonnant les dogmes, il fait du poème le lieu même de sa renaissance, métamorphosant la tripe négation non non non en l'unique affirmation d'un ailleurs secret et sacre. Alors, cherchant confirmation dans la parole de l'autre ou d'un "pater in praesentia", il finit de retourner la caverne d'insuffisance en olympe infini. Là, le poète participant à l'absolu, conquiert un silence que nous qualifions de blanc et qui est celui du temps de la vie<br>"Nocturnal truth in interrupts us" is to our eyes the best turn of phrase one may to express R. Daumal's thoughts and approach. Thanks to the "night truth" antinomic use, we see through the poet's proceedings and finality. Night is the one of death's time, i. E the one of silence overwhelming the dark poet. It may be interpreted through the use of ushing means, the latter being emphasized by negation together with a turn of phrase endowed with negative connotations. A rebel attitude also conveyed by laughter and emphasized by death, the ultimate hallmark of silence is added to the ushing and the "utterance of nothing" and founds upon the redundancy process which is to be discerned from poem to poem. Truth gashes out, following the decay of the being who has become ferment to be re-born. Thaumaturge brushing dogmas aside, he uses the poem as the very rebirth place metamorphosing the triple no no no negation into a one and only assertion of a sacred and secret elsewhere. Then, seeking confirmation from the word of the other or from a "pater in praesentia" he finally turns the cave of the mediocre into an infinite olympus. Thus the poet participates in the absolute, he reaches a stillness we shall designate as blank, the stillness of life's time
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Gaiotti, Florence. "Les expériences de la parole dans la littérature de jeunesse au tournant du XXIe siècle." Rennes 2, 2007. http://www.theses.fr/2007REN20020.
Full textAbstract:
La littérature de jeunesse constitue un champ littéraire spécifique qui n’est pas pour autant clos sur lui-même. Les changements qui ont pu s’y opérer au tournant des années soixante-dix, considérés parfois comme avant-gardistes, attestent des liens entre les œuvres destinées à un jeune public et les préoccupations esthétiques, morales et idéologiques d’une époque. Nous montrerons en quoi les récits contemporains pour la jeunesse constituent selon nous des expériences de la parole : ces œuvres qui figurent de manière singulière les problématiques qui ont traversé le récit tout au long du 20ème siècle et postulent un nouveau type de lecteur, s’inscrivent aussi dans une nouvelle représentation de l’enfant. A travers l’étude de romans et d’albums adressés à des lecteurs entre 6 et 12 ans et publiés entre 1984 et 2004, nous verrons comment les auteurs peuvent se livrer à des expérimentations narratives et énonciatives originales qui induisent de nouvelles formes de lectures. Aussi les oeuvres seront-elles envisagées, sous l’angle double de leur création et de leur réception comme des épreuves du sujet et de sa parole. Nous analyserons d’abord plusieurs formes d’expériences créatrices communes à un ensemble d’écrivains, à une maison d’éditions, Le Rouergue, ou propres à un auteur, Philippe Corentin. Nous observerons ensuite les modalités de réception de certaines de ces œuvres à travers les expériences singulières de lecteurs empiriques<br>Children’s literature represents an autonomous, though not close on itself, literary realm. All the changes that took place in the early 70’s might be seen as signs of avant-garde trends, but they link the young audience’s demands to this era’s esthical, moral and ideological concerns. One will show in what ways contemporary narratives intented for the young can be considered as speech experiments : these woks, which specifically reflect the metamorphoses of the novel throughout the XXth century and claim for a new type of reader, also propose a new image of children. Through studies of various novels and picture-books intented for readers between the age of six and twelve, which were published between 1984 and 2004, one will see how authors try out original experiments on narrative and enunciation, thus calling for new forms of reading. That is why these works will be explored as tests or adventures for the subject and his speech, under a doublefold perspective : from both the artistic creation and the esthetic reception. Will be first analysed different patterns of creative experiments – those shared by a group of authors, and by publishing companies (e. G. Le Rouergue), as well as those specific to one writer such as Philippe Corentin. This theoretical model will then be confronted to actual and singular readings that pupils can make of them in school
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Coss-Humbert, Elisabeth. "La Parousie de la conscience dans l'oeuvre de Saint-John Perse : une lecture ontologique de l'oeuvre de Saint-John Perse." Nancy 2, 1988. http://www.theses.fr/1988NAN21010.
Full textAbstract:
Le propos de cette étude est de montrer à travers l'analyse des emblèmes et des thèmes développés par Saint-John Perse, une unité fondamentale crée par le dynamisme d'une pensée qui s'interroge elle-même à travers le verbe poétique. Le poète pratique ainsi une ethopoiea qui sublime toute approche linguistique. Cette étude reconstitue les étapes de la pensée de Saint-John Perse et démontre comment le langage, objet et sujet de la quête poétique, est, à mesure que l'œuvre se construit, la révélation du logos. Le poète manifeste ainsi la nature essentielle de la poésie qui construit l'œuvre en déconstruisant le monde, afin d'en révéler l'essence. C'est en épuisant le langage, en utilisant tous les tropes par lesquels l'homme figure son appréhension du monde, que Saint-John Perse récite, tel un hymne sacre, la marche de l'humanité comme un livre d'images auxquelles les hommes se sont identifiés jusqu'à l'épuisement de leur signifié. Par la conscience que le monde de l'existence n'existe que par le logos, Saint-John Perse s'ouvre à la révélation que le poète restitue le souffle, articule le verbe divin. Il préfigure la seconde genèse de l'homme à son statut ontologique véritable : l'homme est le maitre d'œuvre sans lequel dieu ne pourrait se manifester, il est le signifiant absolu de dieu<br>Through the analysis of the emblems and themes developped by saint-john perse, the object of our study is to show the fundamental unity engendered by the dynamism of the thought that questions itself through the poetical word. Thus, the poet operates an ethopoiea that goes beyond any linguistic approach. This study reconstitutes the successive steps of saint-john perse's thought and shows how the language, both the object and subject of the poetic quest, is, as the poet'ss work unfolds, the revelation of the logos. So he sets forth the essential nature of poetry that composes the opus while decomposing the world in order to reveal its essence. Exhausting the language, using all the tropes through which man figures his apprehension of the world, saint-john perse intones, like a sacred hymn, the march of mankind - a book of pictures to which men identified themselves until they exhausted their meaningfulness. Having reached this awareness that the world of existence exists only through the logos, saint-john perse embraces the revelation that the poet sets forth the divine breath and articulates the divine word. He portends man's second genesis that defines his legitimate ontological status. Man is the masterbuilder without whom god could not reveal himself ; he is god's ultimate exponent
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Fondville, Geneviève. "Parole poétique et parole prophétique : la quête de l'être dans les cosmogonies de Pierre Emmanuel, de "Babel" au "Grand Oeuvre"." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040123.
Full textAbstract:
Presents dans les cinq cosmogonies de l'Œuvre de pierre emmanuel, les prophetes posent de maniere originale la question de la parole poetique. Ils obligent a reflechir aussi bien a ce qui precede la parole et la fonde, le souffle anterieur a tout vocable, qu'a ce qui gene, voire empeche le poete d'expulser ce souffle dans une parole qui le donne en le modulant de maniere absolument personnelle. Les prophetes figurent le poete aux prises avec un germe en lui auquel il doit donner corps quand il voudrait soit se l'approprier, soit se contenter de le contempler. à travers les personnages de babel, jacob, sophia, tu, le grand Œuvre, pierre emmanuel comprend d'une maniere originale le " je est un autre " : non simplement un autre aspect de sa personnalite, double contraire auquel le prophete est toujours confronte, mais l'accueil de l'être qui le fonde, un " toi " qu'il atteste. Incarnation du souffle, la poesie est donc aussi temoignage de l'etre en qui s'accomplit tout homme, tout l'homme<br>The prophets present in the five cosmogonies of the works of pierre emmanuel ask in an original way the question of the poetic word. They oblige the reader to reflect upon what precedes the word and founds it, the breath anterior to any word as well as what impedes it, or even what prevents the poet from expelling this breath, expressing it in a word which conveys it while modulating it in a manner absolutely personal to the poet. The prophets are an image of the poet who possesses inside himself a seed to which he must give flesh when he would be tempted to appropriate it or simply contemplate it. In and through the characters of babel, jacob, sophia, tu, and the grand oeuvre, pierre emmanuel understands in an original way the "i is an other", not just another aspect of his personality, a double opposite with whom the prophet is always confronted, but the welcoming of a being who founds him, a "you" whom he attests. Poetry, which is an incarnation of this breath is thus also a testimony of being in which every man and the whole of mankind find their accomplishment
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Magnot-Ogilvy, Florence. "La parole de l'autre dans le roman-mémoires (1720-1770)." Paris 3, 2002. http://www.theses.fr/2002PA030022.
Full textAbstract:
La parole de l'autre (populaire, étrangère ou féminine) est une ressource que le narrateur du roman-mémoires fait servir à son propos. Trois valeurs de la parole de l'autre sont étudiées : valeur mimétique, pédagogique et marchande. L'analyse de la représentation de la parole de l'autre est décevante quant à la mimésis des paroles pittoresques. La dissonance de la parole de l'autre est cependant exploitée sous la forme des écarts de registre et des échappées romanesques qu'ils autorisent. Plus que sa valeur pittoresque, les effets de la parole de l'autre sur le sujet central font l'objet d'une représentation : les romans dramatisent et théâtralisent l'efficacité des paroles des autres sur le narrateur primaire. Cependant, les paroles dramatisées ne sont pas les plus décisives sur la destinée du sujet central qui est davantage façonné par les paroles anodines et disqualifiées. Les paroles des autres sont enfin représentées par les romans comme des éléments de transactions et revêtues une valeur marchande. .<br>In the first person novel, the narrator makes extensive use of the voice of the "other" (whether popular, foreign or feminine) as a narrative device. This study examines the way in which the various characteristics of the voice of the other are used by the narrator but also, echoing the empiricist theories of J. Locke, how they go beyond their intended application. Three distinct characteristics are analysed: mimetic, pedagogic and transactional. This analysis proves disappointing if is seeking a form of mimicry of picturesque or dissonant voices. The dissonant nature of the voice of the other is, however, exploited through the changes in register and narrative intervals it allows. Beyond its purely picturesque value, the effects of the voice of the other on the principal subject are represented: the novels dramatise the impact of these voices on the primary narrator. However, the dramatised voices are not key to influencing the fate of the principal character who is shaped to a greater extent by the anodyne and peripheral voices. Furthermore, the voice of the other is also represented in these novels as unit of transaction. .
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Bitsa, Anastasie. "Subversion par la parole, la quête et l'énonciation : l'accueil critique du personnage féminin dans l'œuvre romanesque de Tahar Ben Jelloun en France et au Maroc de 1981 à 1996." Montpellier 3, 2003. http://www.theses.fr/2003MON30069.
Full textAbstract:
L'origine et les études de Ben Jelloun, le nombre important des critiques consultées embibées par l'esprit occidental et l'importance du personnage féminin dans l'oeuvre romanesque de l'auteur m'ont incitée à entamer cette étude, ayant comme but d'examiner les paramètres à partir desquels fut analysé le personnage féminin par les critiques consultés convergeant vers la révolte à travers la parole et la quête dans leur sens psychanalytique. Bases théoriques: “Sens et non sens de la révolte” de J. Kristeva et “La théorie de la réception” de H. R. Jauss. Le personnage féminin chez l'auteur est marqué par la vacuité. Chargée d'importance subvertive, la prise de parole se dresse contre la configuration ancestrale de la mémoire selon la vision nietzschéenne, permettant le renouvellement du sujet. Ce qui m'a permis de constater que la reprise de la révolte prend la forme sublime que devient l'art. Le personnage féminin redevient subversif par l'énonciation; ce qui prouve que l'auteur est un artiste<br>It is Jelloun's descent and studies, the significance of the female figure in his fiction and the number of essays I found imbued with the western spirit that urged me to conduct this study and examine the parameters employed in the analysis of the female figure. All critics converge at revolt through speech and search in their psychoanalytic sence. Theoretical basis: “Meaning and non-meaning of revolt” by J. Kristeva, “Reception Theory” by H. R. Jauss. For the author, vacuity marks the female figure. Laden with subversive importance, speaking rises up against the suppression of memory by the ancestral Establishment, according to Nietzsche's vision, and allows the revival of the subject; the resumption of revolt takes a sublime form transformed in to art. The female figure becomes subversive again through enunciation proving that the author is an artist
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Leblanc, Jean-François. "Rouge ; : suivi de L'aurore de la parole." Thesis, Université Laval, 2011. http://www.theses.ulaval.ca/2011/27709/27709.pdf.
Full text
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Lobjoit-Chaumont, Marie-Ange. "Bertolt Brecht, Paul Claudel et la vie de Jeanne d'Arc entourée de parodie." Dijon, 1995. http://www.theses.fr/1995DIJOL016.
Full textAbstract:
Cette étude s'intéresse à Jeanne d'Arc, plus particulièrement à deux de ses avatars littéraires, la salutiste de B. Brecht et la suppliciée de P. Claudel. Elle n'a pas pour objet la recherche d'une symbiose de ces deux écrivains contrastés, mais la découverte par le truchement de leur protagoniste de champs de taches tantôt différentes tantôt similaires, se recoupant plus souvent qu'il ne nous était donné de l'imaginer. Pour ce faire, elle s'articule autour de plusieurs chapitres allant du concret vers l'abstrait. Le premier relate le contexte historique et littéraire des pièces de notre corpus, Die Heilige Johanna de Schlachthofe (1928-1932) et Jeanne au bucher (1934). Le deuxième étudiant la genèse et les variantes de ces drames met en lumière l'esprit de coopération, le regard critique et l'attirance scénique de leur auteur. Le troisième témoigne de l'attitude complexe adoptée par ces écrivains à l'égard du personnage historique qui devient alors un prête-nom servant à l'élaboration d'un récit politise pour le marxiste, à la création d'une œuvre spiritualisée pour le mystique. La sainte de la patrie française a laissé place à une conscience enténébrée parvenant à la connaissance en suivant un itinéraire retrace dans le dernier chapitre; un cheminement initiatique qui valorise la nécessité du sacrifice humain et unit par l’ anthropocentrisme brechtien et théocentrisme claudélien<br>This study focuses on Joan of arc, and particularly on two of her literary manifestations, Brecht’s salvationist and Claudel’s tortured maid. It does not strive to operate the symbiosis of these two contrasting writers but to uncover through their protagonist two types of work which are both different and a like at different times, and which overlap more often than is usually thought. The progression is over several chapters which range from the real to the abstract. Chapter i looks at the historical and literary context of the two plays under scruting Die Heilige Johanna der schlachthofe (1928-1932) and Jeanne au bucher (1934). Chapter 2 studies the genesis of the two dramas featuring Joan but also the differences between them, the spirit of cooperation, the critical stance and stagecraft of each playwright. Chapter 3 testifies to the complex approach that both authors use regarding the historical figure. They both make her into a figurehead allowing the marxist to work out a politicized tale and the mystic to create a spiritualized work. The saint of French patriots has been eschewed in favor of a heroin whose murky conscience reaches knowledge at the end of a progress mapped out in the last chapter. Joan's initiatory journey enhances the necessity of human sacrifice, thereby uniting Brecht’s anthropocentrism and Claudel’s theocentric vision
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Krawczyk, Dariusz. "Dialectique de la parole : étude de la poésie et du théâtre de Marguerite de Navarre." Paris 10, 2007. http://www.theses.fr/2007PA100018.
Full textAbstract:
L'étude est consacrée à la partie moins connue de l'oeuvre de Marguerite de Navarre (1492-1549) : sa poésie et ses pièces de théâtre. Elle prend en compte les critères littéraires qu'elle emploie à l'analyse des textes afin de formuler les traits particuliers de la «poétique» propre à cet auteur. Elle met surtout en relief l'impact de l'idéologie sur la littérature - la Reine de Navarre était l'un des plus actifs propagateurs de l'évangélisme, ce qui se traduit dans ses textes par tout un ensemble de choix esthétiques et poétiques telles que le rôle du poète et de la poésie, la conception du sujet lyrique et l'inscription du lecteur dans le texte. L'étude se divise en trois parties. Dans la première, il est question à la fois de l'attitude de Marguerite envers ses propres œuvres, que son attitude envers la forme poétique comprise dans le sens général, englobant la question des genres et des figures stylistiques micro et macrostructurales. La deuxième partie est consacrée à la personne et son inscription dans le texte de la Reine. En effet, chez elle, la parole est toujours la parole de quelqu'un, l'analyse des instances qui apparaissent dans le discours permet de comprendre jusqu'à quel point l'inscription du lecteur constitue le fondement de sa poétique. La troisième partie s'appuie sur les précédentes et s'articule autour du concept du rôle de la parole poétique : sur sa justification et sa finalité. L'ensemble est précédé par une courte esquisse de l'histoire de la critique des poésies de Marguerite de Navarre<br>The study is based on the analysis of the works of Marguerite de Navarre (1492-1591) and its purpose is to show their exceptional character in comparison to the works of the French Renaissance authors such as Clément Marot or Charles Fontaine. It's also a try to find the poetic tradition the author drew abundantly from. But, most of all, its aim is to present the main axis of the Marguerite's works, and to show how the ideology influences her poetics, knowing that the Queen was one of the mort active defender of the French evangelical movement. The ideology determines the place of the lyrical subject and the reader in the text, the role and character of the word, the role of poetics figures and of the mystic silence, towards which, paradoxally, the word and the poetry of Marguerite de Navarre moue. And, last but not least, the study contributes to rehabilitate the Queen of Navarre, known mostly as the writer of the famous collection of the short stories entitled Heptaméron, as an author creating a very personal and deeply religions poetry. The work is composed of the three parts. The first one is focused on the meaning of the poetic forms: genres, figures and the interior construction of the text. The second considers the rote of the lyrical subject in the Marguerite's poetry. It reflects the author herself, but also her relations with the others. In this part we analyze also the importance of the dialogue as a place of meeting with the Living Word. The third and the last part tries to determine the ideal of Marguerite's poetic word and its tendency to disappear in the silence-nothingness
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Bessette, Ariane. "Du corps extrêmal dans la littérature de 1980 à nos jours : altérité et parole de mort." Thesis, Université d'Ottawa / University of Ottawa, 2015. http://hdl.handle.net/10393/34066.
Full textAbstract:
Dans la littérature de l’extrême contemporain, la figure du corps cristallise la tendance extrême de nos sociétés occidentales (conduites à risque, sport, sexualité), un rapport à la mort marqué par l’évitement et la désymbolisation, l’individualisme croissant et une forte présence du dévoilement de l’intime. En outre, elle se caractérise par une poussée des limites de la représentation et une importante exposition du phénomène de la douleur. À travers le concept de corps extrêmal, épithète renvoyant aux traits contextuels décrits plus haut et à l’altération physique et psychologique qu’expérimente le sujet confronté à des expériences extrêmes comme la maladie et l’anticipation de la mort, cette thèse soutient l’étude de deux figures littéraires : le corps atteint du sida et celui souffrant d’anorexie. Apparues au tournant des années 1980, ces figures bouleversent de manière significative la représentation du réel et du corps. Par l’observation de six œuvres parues entre 1978 et 2009, nous analysons leurs conditions de possibilité et d’émergence, leurs modalités d’inscription dans le texte littéraire, les diverges stratégies de représentation déployées (division et morcellement de l’unité corps, déconstruction de ses attributs biologiques), la mise en discours du phénomène d’altération (description, comparaison, métaphorisation) et le rapport entre le corps et le stéréotype. Le premier chapitre cerne les balises conceptuelles et théoriques de la représentation du corps souffrant du sida et d’anorexie par un alliage théorique formé de trois approches : les travaux sur la représentation ; les recherches sur le stéréotype dans le champ de l’analyse du discours; la sociologie de la littérature, mise en relation avec les sociologies du corps et du risque. Dans le second chapitre, nous observons les représentations du corps atteint du sida dans Ève de Guy Hocquenghem, À l’ami qui ne m’a pas sauvé la vie d’Hervé Guibert et Serial fucker. Journal d’un barebacker d’Érik Rémès. Le troisième chapitre, portant sur Le pavillon des enfants fous de Valérie Valère, Les murs d’Olivia Tapiero et Putain de Nelly Arcan, étudie deux types d’anorexie venant infléchir la représentation du corps : une crise identitaire et une posture de soumission aux normes ambiantes.
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Omhovère, Claire. "Dire le nouveau monde : la quête de la parole dans les romans de Robert Kroetsch." Dijon, 1997. http://www.theses.fr/1997DIJOL014.
Full textAbstract:
Cette étude se limite aux romans de Robert Kroetsch bien que les essais théoriques ou la poésie de l'écrivain soient également sollicites afin de mieux éclairer son parcours. Pris dans leur ensemble, les huit romans offrent une homogénéité remarquable. L'ouest canadien leur confère une unité spatiale, le motif de la quête lui apporte une unité thématique, la tension entre formes écrites et formes orales une unité structurelle. La démarche adoptée sera donc celle du cheminement linéaire, chaque roman constituant une étape dans une lecture qui est également une manière de quête. On commencera par observer le défi auquel l'écrivain canadien anglophone se voit confronté : celui d'exprimer une réalité spécifiquement canadienne dans une langue qui n'est sienne qu'en apparence. Un conflit entre l'anglais importe d’Europe, issu d'une tradition littéraire écrite, et la culture orale des prairies parcourt ces romans. De fait, la fracture entre écrit et oral clive l'écriture romanesque à tous ses niveaux : thématique, narratif et linguistique. Apres une étude liminaire de But we are exiles, le plan tripartite expose qu'à la suite de l'échec de la parole qui grève ce roman, Kroetsch s'achemine progressivement vers une résolution de la tension entre écrit et oral dans le triptyque "out west". C'est ainsi qu'émerge une voix protéiforme dans Badlands et What the crow said. Avec ce dernier roman, l'écriture de Kroetsch prend un tour décisif. Ici se profile que l'oralité ne peut rester sans ambivalence. En effet, si elle permet de rendre la langue au corps qui la parle, l'oralité se solde en revanche par une dépense voluptaire qu'il importe de pouvoir contrôler. Comme chez Sade ou Bataille, limite et transgression ne prennent alors de sens que pour un regard extérieur, celui du lecteur. Alibi et the puppeteer témoignent ainsi que pour éviter le double écueil que représentent une chute dans l'informe et une écriture désincarnée, la parole singulière nécessite la présence d'autrui, tout particulièrement celle de son regard. Dans ces deux romans, la création littéraire est observée, diffractée dans un jeu de trompe-l’œil et de mises-en-abymes ou se confondent ars poetica et ars erotica. Le regard du lecteur y est manipule à loisir afin de réfléchir les processus conjoints de la lecture et de l'élaboration du texte<br>This study focuses on the 8 novels Robert Kroetsch has published to date. These novels find their geographical unity in the Canadian west, their structural unity in the tension between orality and literacy, and their thematic unity in the quest for an authentic voice. As Kroetsch argues, the Canadian writer has no choice but to use a language that is only marginally his own, and which conceals either a British or an American experience. Furthermore, the oral tradition that gives the prairies their linguistic identity is at odds with the standards of high culture, thus preventing the writer from interpreting the partition of language by ear. A chronological approach records the modulations that each novel brings to the question "how do you write in a new country?". This thesis therefore addresses the problems posed by the language-space disjunction from a post-colonial perspective. It also attempts to show how Kroetsch elaborates a writing through which the inherited language is given back to the body that speaks it. In the first novels, characters that embody the legacy of the written tradition compete for narrative control with figures concentrating the vital, scandalous impulses of the prairies oral culture. The rift between orality and literacy cuts across textual layers, threatening the linguistic cohesion of narrative voices. Badlands and what the crow said see the emergence of a protean narrative voice through which both the written and oral traditions of the west confabulate. In what the crow said, however, Kroetsch's writing comes to a crux as the orality his characters revel in is exposed as threatening. The reappropriation of language that orality allows culminates in carnivalesque bouts, bringing about the dissolution of the speaking subject. As in texts by Sade or Bataille, the notions of limit and transgression are established through the gaze of a witness who will then shape artistic release. Alibi and the puppeteer inscribe the presence of the other within the text by erasing boundaries between ars poetica and ars erotica. In Kroetsch's latest fiction, the process of literary creation is observed and refracted in an infinite recession of mirrors, mises-en-abymes and trompe-l'oeil. As a shift from the "i" of the narrator to the eye of the reader occurs, the reader is seduced into sharing the elaborations of the text
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Pernoud, Hermeline. "Féeries pour une autre fois : réécritures et renouvellement des paradigmes des contes de fées (1808-1920)." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA011.
Full textAbstract:
Cette thèse, qui recense plus de mille contes de fées composés entre 1808 et 1920, s’intéresse au renouveau du merveilleux, un registre vieillissant faisant face au désenchantement. Ce travail montre comment le conte, en juxtaposant la modernité et l’imaginaire, bascule dans le comique (parodie des auteurs du Grand Siècle, désacralisation des héros, sapement des valeurs chevaleresques). En même temps, les figures masculines chutent de leur piédestal en engendrant une modification des représentations du féminin.Dans la première moitié du XIXe siècle, les fées et les princesses sont réduites aux stéréotypes de genre : elles sont seulement belles, riches et bienfaisantes. Puis l’esprit fin-de-siècle impose de nouveaux canons, attribuant aux héroïnes les vices de leurs contemporains. Notre thèse dissèque cette vision misogyne afin de montrer comment la crainte de l’extinction de la « race » est née : les pouvoirs magiques des fées et la considération qu’on leur porte diminuent ; les princesses constatent que l’heureux dénouement promis n’est plus. Désormais, ces femmes au cœur de glace deviennent la source des souffrances masculines.Notre travail engage également une réflexion sur les perversions au XIXe siècle et démontre comment les auteurs de contes décadents se servent de motifs propres au merveilleux (manducation, servage des héroïnes) afin d’esthétiser la souffrance et la transformer en plaisir. Enfin, les réécritures de « La Belle au bois dormant » sont emblématiques de la fin-de-siècle. Cette princesse endormie incarne à la fois l’intouchable virginité et la pire des perversités. Sa passivité illustre les violences physiques et psychiques que la société lui impose et justifie ; son éveil revendique les droits des citoyennes et annonce le féminisme<br>This thesis, taking an inventory of more than one thousand fairies tales written between 1808 and 1920, examines the marvellous’ renewal, an outmoded register facing disenchantment. This study shows how the fairy tale, placing modernity next to imagination, turns to comic (parody of the authors of the XVIIe century, deconsecration of heroes, destruction of chivalrous values). At the same time, male characters fall from their pedestal, making an alteration of the female’s representations.In the first half of the XIXe century, fairies and princesses are reduced to gender stereotypes : they are only beautiful, wealthy and benevolent. But the fin-de-siècle’s mind imposes new models, assigning to heroines the contemporaries’ vices. Our thesis reviews this misogynous representation to show how the fear the “race’s extinction” was born : the fairies’ magic power and the esteem for them decrease; the princesses notice that the promised happy end is not anymore. Henceforth, these ice-hearted women become the origin of male sufferings.Our work develops a thought about perversions in the XIXe century and shows how the decadent authors of tales use marvellous subjects (erotic devouring, serfdom of the heroines), in order to anesthetize suffering and transform it into pleasure. Finally, rewritings of “Sleeping Beauty” are emblematic to the fin-de-siècle. This sleeping princess personifies the untouchable virginity and the worst of the perversities both. Her passivity illustrates the physical and mental violence that society imposes her and justifies; her awakening claims female citizens’ rights and announces feminism
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Claude-Phalippou, Laurence. "La parole dans l'oeuvre romanesque de Barbey D'Aurevilly." Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030076.
Full textAbstract:
La parole est au cœur de l’œuvre romanesque de Barbey d’Aurevilly : omniprésente, elle en façonne puissamment à la fois l’esthétique, la poétique et l’imaginaire. Dans sa fiction, l’essentiel passe en effet par le truchement du dire. Le travail du style en témoigne, comme les narrations qui trouvent dans la communication orale aussi bien leur principe déclencheur que le soubassement inconscient qui leur confère toute leur portée. Mais il y a plus : une ontologie singulière se dessine, dans laquelle l’identité des personnages se structure à partir de leur relation à la parole, de leur voix et de leur langue. La densité des récits s’accroît encore quand, des confidences aux causeries, la réussite des échanges verbaux tient moins à ce qu’il est convenu d’en attendre qu’aux enjeux relationnels et inconscients qu’ils mettent au jour. Il en est de même lorsque le dialogue avorte : la surdité, la folie, le silence, la mort ne constituent des échecs qu’en apparence, car ils s’avèrent être le relais efficace de toute une économie libidinale sous-jacente. Les paroles fabulatrices sont également soumises à des renversements de perspective qui élucident leurs ressorts, les mensonges se révélant désirables, les rumeurs inoffensives. Quant à la violence, au fantastique et à la fatalité qui informent l’univers de Barbey, l’analyse de leurs manifestations montre qu’elles sont, elles aussi, inséparables de la force du verbe. La parole aurevillienne se définit en fait par une caractéristique qui subsume toutes les autres : personne ne peut s’y soustraire – pas même le lecteur –, chacun en subissant l’emprise. C’est que parler ou se taire, tout aussi bien qu’écouter, a indéfectiblement partie liée, chez l’auteur des Diaboliques, avec ce dont il est le peintre toujours pénétrant et souvent scandaleux : le désir<br>Speech is in the centre of Barbey d’Aurevilly’s fiction: omnipresent, it strongly shapes altogether its aesthetics, poetics and imaginary world. In his fiction works, the gist is conveyed through speech. Evidence of this is to be found in the style, as well as in the narratives which find in oral communication both their triggering device and the unconscious basis that endows them with meaning and significance. But there is more to it : a singular ontology becomes apparent, in which the characters’ identities are formed from their relationship with speech, their voices and language. The density of narratives increases even more when, from confidences to chats, the success of verbal exchanges depends less on what is to be expected from them than to relational and unconscious stakes that they bring to light. It is the same when dialogue fails : deafness, madness, silence, death represent failures on the surface only, for they prove to be the efficient conveyor of a whole underlying libidinal economy. The fantasising speeches are also subjected to a reversal of perspective that elucidates their hidden motives, lies are shown to be desirable, rumours harmless. As for violence, fantasy and fate which inspire Barbey’s world, the analysis of their manifestation shows that they are, equally, inseparable from the strength of the words. Aurevilly’s speech is actually defined by a characteristic that subsumes all the others : no one can elude it – not even the reader – everyone is caught in its grip. This is because in the fiction of the author of the Diaboliques, speaking or silence, as well as listening, are unfailingly bound with what he knows how to depict so shrewdly and often scandalously : desire
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Brenier, Michèle. "Ecrit francophone et parole sociale : étude d'un corpus romanesque mauricien : Carl de Souza." Rouen, 2004. http://www.theses.fr/2004ROUEL479.
Full textAbstract:
La thèse veut étudier les représentations écrites de la parole sociale dans un corpus romanesque francophone. Cette problématique a été approfondie en analysant la production de l'écrivain mauricien Carl de Souza. Ce corpus plurilingue témoigne d'une écriture complexifiée par l'ancrage dans une société multiculturelle et insulaire de l'océan Indien et par les mrques de l'hétérolinguisme. Dans ce cadre, nous avons avancé deux hypothèses. La première hypothèse pose l'existence d'un lien entre parole sociale et écriture romanesque francophone en milieu plurilingue. La rencontre, voire les conflits entre les langues recouvre les conflits liés à la recherche et à la défense des identités. La seconde tend à soutenir l'idée que le romancier francophone dans les jeunes littératures doit se situer face aux modèles métropolitains. Cette écriture hybride traduit un "décentrement orienté" : avec la "montée des voix" dans un espace éclaté qui obéit à l'esthétique de la globalisation<br>The goal of this thesis is the study of social talking written representations in a French movelistic corpus. We deepened this problematic analysing the production of the Mauritian writer, Carl de Souza. This pluringual corpus shows a complex writing because it belongs to a multicultural insular society of the Indian ocean and because of its heterolinguism references. Within this framework, we forwarded two hypothesis. The first hypothesis envisages a link between social talking and French novelistic writing in a plurilingual surrounding. The gatering, the eventual conflicts among languages hides conflicts linked to the seeking and defensing of identities. The second one brings the idea that the French speaking novelist in young literatures must situate himself versus his metropolitan models. This writing hybrid shows a "directed decentering" with the "raising of voices" in a burst space which obeys the aesthetics of globalization
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Hamon, Jean-Marc. "L' écrivain est-il un homme de parole? : conjonctions et disjonctions entre parole, écriture et silence dans la littérature du XXe siècle." Paris 7, 2014. http://www.theses.fr/2014PA070093.
Full textAbstract:
Parole, écriture et silence » : trois composantes essentielles du langage dont il est nécessaire de mieux définir les liens mais aussi les spécificités. En effet, la narratologie, par exemple, utilise des termes qui orientent notre réflexion vers la parole pour décrire des phénomènes qui sont à l'oeuvre dans l'écriture. Cependant un texte peut être élaboré et lu sans qu'aucune parole ne soit prononcée. D'un auteur au lecteur, la parole qui circule est silencieuse. Si une voix est bien en cause dans ce mouvement de transmission d'un propos, c'est de manière intérieure. Et cette voix intérieure, qui ne fait aucunement appel à l'appareil phonatoire, est générée par le lecteur. L'auteur lui, à l'instar du narrateur-auteur du bavard, peut garder le silence et affirmé qu'il n'a « rien dit ». Par conséquent, désigner les processus opératoires d'une narration par une terminologie se référant à une « voix », comme la notion de « voix narrative », est-elle alors pertinente? Notre thèse est qu'une définition plus précise des fonctions du langage qui sous-tendent l'écriture, nous permettre. D'utiliser des notions appropriés à l'analyse de textes dont l'ambiguïté tient à l'interaction complexe de ces mêmes fonctions. Pour étayer notre propos, nous avons constitué notre corpus par des textes appartenant aux oeuvres de Louis-René Des Forêts, James Joyce et Ghérasim Luca. Loin de rendre incohérent notre corpus, d'un point de vue plus littéraire que méthodologique, l'apport de l'oeuvre de G nous a permis de comprendre l'importance de la répétition — tant aux niveaux stylistique, thématique, descriptif, ou d-tentatives d'écritures romanesques et biographiques — dans les oeuvres des trois auteurs que nous avons choisis comme vecteur de nos recherches. La répétition c'est par conséquent imposée comme point de départ de notre de recherche. Nous ne nous y intéresseron pas uniquement d'un point de vue stylistique ou formel mais nous tenterons de comprendre également la place qu'elle occupe dans le fonctionnement même du langage. Une approche théorique de la répétition nous a permis de nous poser une série de questions essentielles: l'écriture serait-elle une répétition de la parole? Si oui, cela implique-il que parole et écriture sont identiques. Si non, est-ce qu'il y a différence entre parole et écriture? Peut-il y avoir différence lors d'une répétition. Si oui, quelle est la nature d'une telle différence? Pour mieux aborder cette série de questions, et de ne pas orienter trop rapidement nos recherches vers la philosophie d langage, nous proposons de postuler qu'il existe une différence entre parole et écriture puis de soumettre les textes d-notre corpus à une analyse qui tienne compte de ce postulat. Mais nous ne chercherons cependant en aucun cas à comparer les oeuvres de nos auteurs, bien trop singulières pour l'être, car c'est justement à partir de leurs singularités, sises aux confins du langage, que nous tenterons de comprendre comment l'écriture peut être un vecteur expressif se substituant à la communication lorsque celle-ci échoue ou n'est devenue que le pâle reflet d'une ligne serpentine tracée à main levée.
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Boucher, Pénélope. "L’excès éthylique comme condition de possibilité de la parole littéraire dans Dévadé de Réjean Ducharme et Sous le volcan de Malcolm Lowry." Thesis, Université d'Ottawa / University of Ottawa, 2017. http://hdl.handle.net/10393/36553.
Full textAbstract:
L’objectif de cette thèse est d’analyser la représentation de l’excès éthylique dans deux romans du vingtième siècle : Sous le volcan de Malcolm Lowry et Dévadé de Réjean Ducharme. Ce travail de nature comparative se situant à la jonction de plusieurs enjeux épistémologiques et esthétiques, nous proposons d’étudier le rapport à l’alcool à partir d’une herméneutique caractérisée par une distanciation avec les clichés associés à la figure de l’ivrogne tout en concentrant nos efforts à mettre en relief la spécificité de la représentation de l’alcool dans ces textes à différents niveaux d’interprétation.
Pour ce faire, le premier chapitre nous permet de mettre en contexte les deux œuvres ainsi que de déposer les bases théoriques de notre méthode d’analyse à partir de deux phénomènes qui s’avèrent complémentaires et indissociables dans les textes à l’étude : l’excès et l’alcool. Par la suite, il sera question dans le deuxième chapitre, à partir de la notion d’anamorphose, de la problématique de la répétition et de ses modalités d’inscription dans les romans. Cet enjeu relié à la répétition permet, par le fait même, de poser plusieurs questionnements et d’interroger les rapports intertextuels à l’œuvre dans les récits ainsi que la logique de dédoublement et de dissolution de l’identité au cœur même de ces deux textes. Le troisième chapitre est l’occasion d’étudier un autre phénomène intrinsèquement relié à la représentation de l’alcool dans le tissu textuel, soit la fragmentation du texte littéraire en fonction de la réfraction engendrée par l’alcool. Nous verrons donc qu’en plus d’installer une esthétique fragmentaire d’un point de vue narratologique, le sens même des récits tend à se disloquer et parfois même à opposer différentes interprétations. L’analyse du quatrième chapitre s’attaque, quant à elle, directement aux digressions en tentant d’établir une logique textuelle à partir du rapport entre le récit et ses interstices digressifs en conséquence de l’alcool présent dans les récits. Une étude du rapport à la réalité fictionnelle ainsi que du statut de l’ivresse comme état de « voyance » dans les textes complète notre analyse de la représentation de l’alcool dans les deux romans.
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Dagenais-Pérusse, Michelle. "Figures de la parole et parcours d'individuation dans Le ventre de l'Atlantique de Fatou Diome." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/26824/26824.pdf.
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Bhend, Melanie. ""On me dit fou" : la parole du fou en résistance au discours aliéniste dans la littérature française (1830-1870)." Thesis, University of Nottingham, 2017. http://eprints.nottingham.ac.uk/42406/.
Full textAbstract:
Cette thèse vise à rendre compte de la perception de la folie au XIXe siècle à travers l’analyse de textes mettant en scène un narrateur fou durant l’âge d’or de l’aliénisme (entre 1830 et 1870). Elle montre dans quelle mesure la littérature expose les différents discours qui la définissent et sert de plateforme d’expression au contre-pouvoir. Dans la mesure où il s’agit de concevoir la folie dans une perspective discursive, l’analyse a bénéficié des travaux de Foucault sur le domaine et contribue à l’avancée de la critique en privilégiant l’analyse littéraire de la représentation du fou et de son discours. Tout d’abord, l’analyse de La Fée aux Miettes de Nodier et de Louis Lambert de Balzac expose le discours aliéniste en rapport avec celui du fou, en considérant ce dernier comme un être non seulement malade, mais aussi sublime et exceptionnel. Le second chapitre montre comment les narrateurs de Mémoires d’un fou de Flaubert et Aurélia de Nerval rejettent la conception dominante de la folie en lui substituant leur propre conception, poétique et sublime, et en s’attaquant au terme lui-même, l’un par la multiplication de ses acceptions, l’autre par son éviction. Enfin, le troisième chapitre analyse Un Martyre dans une maison de fous de Karl-des-Monts, Mémoires d’une aliénée d’Hersilie Rouy et Un Beau-frère d’Hector Malot. Dans ces récits d’individus internés à l’asile, l’analyse dégage les moyens stylistiques par lesquels les narrateurs cherchent à invalider leur diagnostic de folie et dénoncer les défauts de l’aliénisme, tout en préservant leur individualité de la catégorisation médicale. La thèse montre comment la représentation de la folie et le discours du fou en tant que narrateur servent autant à la création littéraire qu’à l’établissement d’une conception de la folie alternative à celle proposée par l’aliénisme.
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Dyer, Klay. "Parody and the horizons of fiction in nineteenth-century English Canada." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1998. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/tape15/PQDD_0010/NQ32443.pdf.
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Robitaillié, Audrey. "" Away with the fairies" : le motif de l'enlévement par les fées et du changelin : de la mythologie à la diaspora irlandaises." Caen, 2015. http://www.theses.fr/2015CAEN1032.
Full textAbstract:
Ce projet s'attache à analyser les réutilisations du motif de l'enlèvement par les fées et du changelin dans la littérature contemporaine, qu'elle soit irlandaise ou de la diaspora irlandaise. Étudier ces motifs tels qu'ils apparaissent dans les sources folkloriques irlandaises permet d'en dégager les caractéristiques traditionnelles pour ensuite les comparer avec l'usage qu'il en est fait par les auteurs contemporains. Il semble que le motif du changelin soit utilisé comme une métaphore toute irlandaise de l'émigration et de l'exil, soit-il géographique, psychologique ou linguistique. Cette thèse explore donc des problématiques d'identité et de mémoire à travers ce thème du changelin, qui, bien qu'il ne soit pas d'origine irlandaise puisque absent des sources mythologiques, est paradoxalement devenu un véritable symbole littéraire irlandais<br>This project aims at analysing the reuses of the motif of fairy abduction and of the changeling in contemporary literature, either Irish or from the Irish diaspora. Studying these motifs as they appear in the folk accounts allows a better understanding of their traditional characteristics, to then be able to compare them with the way the contemporary writers reinterpret them. It seems that the changeling motif has been taken up as an Irish metaphor for emigration and exile, whether it be geographical, psychological or linguistic. This thesis thus explores issues of identity and memory through the theme of the changeling which, although it is not of Irish origin since it is absent from the early mythological sources, has paradoxically become an Irish literary symbol
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Amoa, Koidio Urbain. "De la parole poétique traditionnelle à l'art des poètes dits de "la deuxième génération" : quelques exemples de poètes des Etats Ouest-africains d'expression française." Bordeaux 3, 1987. http://www.theses.fr/1987BOR30055.
Full text
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Aubague, Mathilde. "Ambiguïtés du récit sério-comique de Rabelais à Fielding : formation du personnage, mystification du lecteur." Thesis, Dijon, 2012. http://www.theses.fr/2012DIJOL017.
Full textAbstract:
Notre étude se propose d’analyser les enjeux et les formes de la représentation d’une figure d’auteur dans la fiction narrative comique du XVIe au XVIIIe siècle en Europe. Cette figure, extérieure à la diégèse ou appartenant au personnel narratif, exhibe un discours d’auteur, mime un dialogue avec le lecteur, instaurant une communication narrative fictive avec le lecteur. Cette communication apparaît paradoxale, elle représente une parole orale, problématique dans un texte écrit, et la présence réelle de l’auteur est insituable dans le texte, la figure auctoriale appartenant déjà à l’univers fictionnel. Le dialogue avec le lecteur repose sur une fiction de présence et sur un dispositif rhétorique séducteur dont les enjeux sont pragmatiques. Le récit est donné comme porteur d’enseignements. Il thématise une formation du héros souvent sujette à caution, dont le lecteur doit démêler les enjeux. La structure comique du récit et de l’énonciation contribue à une mystification du lecteur, appelé à interpréter un texte ludique, à la fois comique et sérieux, qui refuse de livrer son sens de façon univoque. Du XVIe au XVIIIe siècle se mettent en place, en relation avec leur contexte d’écriture, les formes d’un genre sério-comique, qui repose sur la parodie et le détournement des codes et des formes de la littérature contemporaine, sur l’instauration d’une attitude intellectuelle ironique et critique et d’une communication fictive avec le lecteur. Nous analyserons les formes de l’ambiguïté énonciative et narrative chez Rabelais, chez l’auteur anonyme du Lazarillo, chez Mateo Alemán, Cervantès, Charles Sorel, Grimmelshausen, Marivaux et Henry Fielding<br>Our study intends to analyse the stakes and forms of a figure of author’s representation in the comical narrative fiction in Europe from 16th to 18th century. Such figure, either external to the diegesis or belonging to the narrative characters, produces the speech of an author, mimes a dialogue and by doing so, establishes an imaginary narrative communication with the reader. This kind of communication seems paradoxical. It represents oral speech, which is problematic in a written text; the actual presence of the author cannot be placed within the text whereas the auctorial figure already belongs to the fictional world. The dialogue with the author is set on an imaginary presence and on a seducing rhetorical device with pragmatic stakes. Lessons are expected to be drawn from this narrative. It topicalizes the forming of the hero, which is often questionable, and it is up to the reader to untangle the stakes. The comical structure of the narrative and of the enunciation contributes toward a deception of the reader who is expected to give an interpretation of an entertaining text which is both comical and serious, and which refuses to deliver its meaning in a univocal way. From 16th to 18th century forms of a serio-comic gender are established within their writing context. They rely on parody and diversion of the forms and codes of contemporary literature, on the introduction of an ironic and critical intellectual attitude as well as an imaginary interaction with the reader. We will analyse the different forms of enunciative and narrative ambiguity in Rabelais, in the anonymous author of Lazarillo to Mateo Alemán, Cervantès, Charles Sorel, Grimmelshausen, Marivaux to Henry Fielding
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Nappi, Maria Piera. "La parole des femmes dans l'Iliade." Paris 10, 2006. http://www.theses.fr/2006PA100109.
Full textAbstract:
Cette étude de la parole des femmes dans l’Iliade se fonde sur l’analyse des discours au style direct prononcés par des personnages féminins. L’analyse a été faite en prenant en considération à la fois le contenu de ces discours et la façon de parler propre aux femmes (procédés stylistiques, syntaxe, lexique, mots récurrents, parfois réservés à un personnage ). L’enquête a permis d’approfondir trois problématiques fondamentales : 1) Bien qu’il utilise une langue artificielle et à bien des égards limitée par le caractère oral de la tradition (formules, mètre, etc. ), Homère arrive à créer des caractères individuels en attribuant à chacun d’eux un style qui lui est propre. 2) Les résultats montrent qu’il est possible également d’identifier et de définir une rhétorique, un ton et un regard féminins, différents de ceux des hommes. 3) Cette enquête sur les manifestations discursives des femmes a permis ainsi de mettre en lumière des aspects décisifs concernant le statut et le rôle de la femme dans la société homérique ainsi que son rapport avec les hommes<br>The following study of women’s speech in the Iliad is based on the analysis of utterances that female characters pronounce in the poem in direct style. The analysis has been made by taking into account the content as well as the women’s way of speaking ( stylistic features, syntax, lexicon, recurrent words, as well as words specific to each character). The research enabled us to deep in three fundamental points : 1) Despite Homer’s use of an artificial language which is limited by the oral components of its transmission (formulas, metric structure, etc. ), he succeeds in creating individual characters by giving each of them her own style. 2) Moreover, the results show that it is also possible to identify and define a rhetorical use, tone and women’s perspective that are differents from those of men. 3) Finally, our approach on women’s speechesT enabled us to gain insight into some crucial points in order to have a more precise idea of women’s status and function in the Homeric society and their relation to men
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Lacam, Corinne. "La légende au coin du feu : Visages de l'aventure littéraire dans le "Cours familier de littérature" de Lamartine." Clermont-Ferrand 2, 2001. http://www.theses.fr/2001CLF2A002.
Full textAbstract:
Moins lu que decrié, le "Cours. . . " manifeste de la manière la plus frappante l'oubli dans lequel est tombée l'oeuvre de Lamartine. En dépit des maladresses et des partis pris, ce long texte mérite mieux que le titre d'oeuvre alimentaire, dont on l'a affublé. Oeuvre-inventaire en marche vers la totalité, oeuvre-conservation qui fait du moi le miroir du monde, ce "Cours" conjure, par une parole invariablement familière, le risque de la déconstruction. Car il n'est nulle césure entre l'introspection et l'activité critique : tout entouré de ses doubles, le poète se fond en une figure unique dont il relit indéfiniment l'histoire. A travers les voies croisées du magistère et de la confidence, il conduit une méditation qui, pour être dénuée d'apprêts, n'abdique pas ses ambitions : l'histoire de la littérature qui se construit d'Entretien en Entretien se veut une légende de l'homme, "dieu tombé" qui se cherche un destin, à la lumière du flambeau que la littérature promène inlassablement sur l'Histoire. A l'inféconde nostalgie des origines se substitue une authentique espérance : celle de la rédemption accomplie par un langage en lequel la voix intérieure s'accorde à l'harmonie du monde. L'Ecrivain mieux que quiconque incarne cet élan salvateur. Son histoire s'énonce avec des accents nouveaux. Lamartine, en sa vieillesse, a perdu foi dans les investitures surnaturelles, dans les consécrations éclatantes. Il s'avance sous l'humble étendard de son humanité. Il retrouve pourtant la voie heureuse du légendaire : il est dieu parce qu'infiniment homme, glorieux parce que supplicié. Le "Cours" donne ainsi corps tardivement à ce Grand Poème épique que Lamatine n'a cessé de rêver. N'y manquent ni le héros, le Poète, en ses incarnations successives, ni le sens de l'aventure collective car en ces existences d'écrivains, en celle, désenchantées, de Lamartine se joue le drame d'une humanité déchue qui aspire à être relevée
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Amiri, Imen. "Le mythe du Graal à la lumière de Babel : la parole dans la Queste del Saint Graal et l`Estoire del Saint Graal." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030020/document.
Full textAbstract:
Le mythe du Graal, mythe littéraire, créé par Chrétien de Troyes, rencontre des ramifications avec le mythe de Babel, mythe cosmogonique de la pluralité des langues. Peut-on considérer le mythe du Graal comme un mythe de la parole, perdue, recherchée, retrouvée ? L’aventure de l’évangélisation dans l’Estoire del Saint Graal, inspirée des croisades et des missions franciscaines, et la quête du Graal dans la Queste convergent dans leur dynamique vers une unité que symbolise le Graal mais qui empêche la parole. Elles tendent vers le rassemblement et la réunification des matériaux d’un chaos primordial créé sous l’égide de Babel. À un certain chaos, à une certaine fragmentation de la parole se substitue une parole unificatrice relative au Un originel qui ordonne le monde en lui donnant un sens.Cette unification de la parole : une seule parole, celle de Dieu, pour une seule bouche, celle du peuple chrétien, suit le schéma inverse de Babel. En effet l’Estoire ne retrace pas l’éparpillement d’un peuple maudit mais représente l’archétype d’un exode bien encadré d'un peuple choisi et dont la finalité n’est pas de défier Dieu mais de le servir ; c’est pourquoi Dieu lui octroie le privilège et la force des mots. Dans la Queste, le commencement des aventures des chevaliers de la table ronde le jour de la Pentecôte inscrit d’ores et déjà les événements dans la réconciliation post-babélique offerte aux apôtres pour répandre la bonne parole. La Pentecôte qui inaugure le début de la quête du Graal dans la Queste, inaugure de même l’introduction de la nouvelle parole des envoyés de Dieu, qui dès le début du récit en signe l’orientation mystique annihilant ainsi tout héritage courtois<br>The literary myth of the Grail, created by Chrétien de Troyes, has common roots with thecosmological myth of Babel which explains the plurality of languages. Can we consider themyth of the Grail as a myth of a language lost, sought and finally regained? The adventure of evangelism in Estoire del Saint Grail and the Holy Grail in the Queste, inspired by theCrusades and the Franciscan missions, converge in a dynamic unity symbolized by the Grail,which prevents language . They tend to gather materials of a primordial chaos created underthe aegis of Babel. Chaos, and fragmentation of speech are followed by a unifying voice of aunique origin that orders the world by giving it a meaning. This unification of the speech: aunique speech, God’s speech, for one mouth, that of the Christian people, follows a pattern opposite to Babel. The Estoire does not track the dispersal of a damned people but represents the archetype of a well-managed exodus of a chosen people whose purpose is not to defy butto serve God ; Therefore God grants His people the privilege and the power of words. In the Queste, the beginning of the adventures of the knights of the round table on the day of Pentecost recalls the post-Babel reconciliation offered to the apostles in order to spread thegood word. Pentecost inaugurates the start of the quest for the Holy Grail and also theintroduction of a new voice, the voice of God’s messenger. From the beginning of the story,this new voice as a sign of mystical orientation, destroys any courtly legacy
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Cevey-Chabloz, Gunilla. "Tu dis et je murmure! : Une analyse des verbes de parole dans la littérature suédoise pour enfants et leurs traductions en français." Thesis, Högskolan Dalarna, Franska, 2010. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:du-5987.
Full textAbstract:
This study presents a description of the role of verbs in introducing the direct dialogue in literacy and of the way they are translated from Swedish to French in children’s literature. In order to adapt the text to the target language, these verbs sometimes change and lose their impact on the tone and character of the dialogue. This can be problematic in texts aimed for children where readability depends on a child’s language capacity. Another aim of this study is to expose des difficulties encountered in the transfer of values and emotional effects when translating children’s literature from source language to target languageOur conclusion is that the Swedish children’s literature translated to French is often subject to modifications rather than translation of verbs that introduce direct dialogue. Consequently, dialogue meaning and character personalities are modified within the text translation. In our analysis of four Swedish children’s books and their translation to French we have seen that these adaptations are not made for adapting to the intended reader’s capacities in the target language or to the literacy of the source text but rather to adapt to certain linguistic norms relative to the style of French language.