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Dissertations / Theses on the topic 'Pasolini, Pier Paolo, 1922-1975'
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1
Beylot, Pierre. "L'esthétique de Pasolini." Paris 1, 1991. http://www.theses.fr/1991PA010515.
Full textAbstract:
Le principal objectif de ce travail est de réévaluer l'importance de la réflexion de Pasolini : comme Metz ou Eco, Pasolini s'interroge sur la nature du langage cinématographique; mais sa démarche "hérétique", souvent mal comprise, le conduit à envisager de manière originale les problèmes de l'analogie, du rôle de l'organisation des objets dans l'image, ou de la spécificité du cinéma. Il défend également sous le nom de "cinéma de poésie" une esthétique commune, à ses yeux, atouts les cinéastes de la "modernité" des années soixante et s'interroge à cette occasion sur le réalisme de l'i mage, sur sa dimension onirique, sur le rôle de la métaphore au cinéma ou la place de la narrativité et du montage; enfin, faisant de la notion de "discours indirect libre" l'une des clés de son esthétique, il envisage le problème de l'énonciation au cinéma dans toute sa complexité. L'analyse des textes théoriques de Pasolini permet aussi de considérer son cinéma de façon nouvelle: la contradiction présente dans ses films, entre réalisme et parabole, désir d'authenticité et volonté de multiplier les médiations culturelles, peut-être, par exemple, mise en rapport avec le mélange d'implication et d'effacement qui caractérise le "discours indirect libre"The main point of this work is to revalue the importance of gasoline’s theoretical reflection. As either Metz or eco, gasoline focuses himself on the nature of the cinematographic language. But his heretical behavior, often misunderstood, leads him to an original approach to the matter of analogy, the place taken by the organization of objects in the picture, the peculiarity of cinema. He also argues for aesthetics he names "cinema of poetry", which he believes all film producers of the "modernity" shared in the sixties. He closely examines the realism provided by the picture, the part played by the metaphor in cinema, the place taken by narration and montage. At least, he handles the notion of "free indirect talk" as a key of his aesthetics to face the matter of enunciation in cinema with all its complexity. The analysis of his theoretical essays allows us to have quite new views on his cinema. The contradiction between realism and parable which may be found in his films stands for his lust for authenticity and will to multiply cultural mediations. It may also be related to a mixture of involvement and self-effacement which characterizes the "free indirect talk"
2
Nigdélian, Valérie. "Petrolio, le poème du retour de Pier Paolo Pasolini." Aix-Marseille 1, 2007. http://www.theses.fr/2007AIX10059.
Full textAbstract:
Roman inachevé et posthume, "Petrolio" constitue l'aboutissement et la radicalisation des constantes structurelles, thématiques et poétiques à l'oeuvre chez Pier Paolo Pasolini. Le pivot de ce "poème du retour" ? Un mouvement contradictoire irrésolu entre le rêve de l'Un et la nécessité conjointe de la séparation. Qu'il s'agisse du terrain politique où certaine "tentation" fasciste est mise au service d'une authentique utopie révolutionnaire, du terrain littéraire où le recours à des formes poussées participe d'un geste créatif proprement avant-gardiste (le retour aux conventions romanesques valant comme prétexte à la représentation de leur implosion), qu'il s'agisse enfin du terrain antologique où la pulsion régressive est affrontée à son envers - soit au principe paternel -, le "roman" n'en finit pas d'interroger la dialectique du maître et de l'esclave, osée comme "l'impossibilité" même : malgré la mise en scène récurrente de son objectivation par la métaphore sexuelle, le sujet - le bourgeois, l'écrivain - est condamné à la domination.
3
Brayner, Marlos Guerra. "Pier Paolo Pasolini : uma poética da realidade." reponame:Repositório Institucional da UnB, 2008. http://repositorio.unb.br/handle/10482/6833.
Full textAbstract:
Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, 2008.Submitted by Thaíza da Silva Santos (thaiza28@hotmail.com) on 2011-02-10T19:20:25Z No. of bitstreams: 1 2008_MarlosGBrayner.pdf: 2542456 bytes, checksum: 2abeaee21ff9a7a069aeb6f2e9e43329 (MD5)
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Esta dissertação apresenta uma pesquisa sobre aspectos de teoria lingüística e cinematográfica na obra do intelectual italiano Pier Paolo Pasolini, especificamente a partir de seus textos teóricos de caráter ensaístico coligidos no livro Empirismo Hereje. A dissertação apresenta ainda, a análise de alguns poemas e filmes do autor. A pesquisa procura inicialmente investigar como Pasolini entende um sistema de representação semiótica e discute a noção de realidade na sua obra. Em um momento seguinte, procura-se analisar os fundamentos e implicações dos conceitos de realidade, representação e estilo na formação do cinema de poesia. A análise está baseada especialmente na articulação dos conceitos de teoria da linguagem desenvolvida nos ensaios estudados. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT
This dissertation presents a research on linguistic and cinematic theories in the work of the Italian intellectual Pier Paolo Pasolini, specially in the theoretical texts compiled in the volume Heretical Empiricism. The dissertation still embraces analysis of some Pasolini´s poems and films. Initially, the research investigates how Pasolini conceives a semiotic representation system and dialogues with the notion of reality in his work. In the next moment, the research focus on the background information and implications associated with the concepts of reality, representation and style, in order to accomplish poetry cinema. The analysis is embodied with language theory concepts developed into the Heretical Empiricism texts.
4
Lefort, Christian. "Pier Paolo Pasolini : une philosophie de la création." Paris 8, 1999. http://www.theses.fr/1999PA081663.
Full textAbstract:
L'idee forte de ce travail est de vouloir faire ressortir le "comment faire" pasolinien a donner la parole a des personnes qui en sont exclus. Dans l'action de communiquer quelque chose se joue, et c'est de cette chose la que nous allons evoquer. Cette chose qui est en fait la creation, la creation langagiere. La notion de realite est donc necessaire pour comprendre cet entre-deux du langage. Le monde economique n'a pas de tradition ou les detruits des qu'elles ne lui servent plus. Le cinema de pasolini nous montre un monde economique qui veut se liberer des anciennes valeurs, tant au niveau primaire, c'est a dire des parlants, que de celui des techniques artistiques. D'ou l'interet porte par pasolini aux dialectes qui sont une forme vivace d'expressivite et de creation linguistique et surtout de reconnaissance de la subjectivite. Seulement la perte de l'expressivite dans la vie quotidienne ne peut qu'impliquer sa disparition aux niveaux des techniques. L'artiste cherchera a tourner en derision le monde economique et surtout le monde des arts, qui a sa propre tradition dont il ne peut se liberer. Ii a ses codes. Pasolini sera celui qui va donc s'attacher a renverser ces codes quilui ont ete donnes pendant son apprentissage et il le fait au nom des valeurs artistiques et donc de la tradition. Pasolini nous apprendra que pour le cinema la realite devient de plus en plus inexpressive, et dans la mesure ou le cinema exprime la realite a travers la realite, il tend lui-meme a etre de moins en moins expressif donc comme un miroir passif des enormites de la vie. La realite chezpasolini est liee a la mutation du monde, elle est la monstration d'un passage, ou mieux d'une periode de ce passage : un entre-deux en quelque sorte. Entre un monde fini et un monde a construire. Mais cet entre-deux est fait de difference et meme souvent d'instabilites. Pasolini nous montre un monde sans expressivite car lie a la tradition, lie au gardien de la loi, a la figure du pere.
5
Pera, Giuseppe. "Pier Paolo Pasolini : l'intellectuel : critique littéraire et écrits politiques (1940-1960)." Paris 3, 1997. http://www.theses.fr/1997PA030165.
Full textAbstract:
Histoire de la litterature et de la societe italiennes du 19eme et du 20eme siecles a travers la biographie, l'oeuvre critique et les essais politiques de pier paolo pasoliniHistory of the italian literature and society in the 19th and 20th centuries through the biography, the critical work and the political essays of pier paolo pasolini
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Alves, Cláudia Tavares 1988. "O ensaísmo corsário de Pier Paolo Pasolini." [s.n.], 2015. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/270079.
Full textAbstract:
Orientador: Maria Betânia AmorosoDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem
Made available in DSpace on 2018-08-26T21:22:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Alves_ClaudiaTavares_M.pdf: 29417773 bytes, checksum: d6c447624848a90a45550a9833214419 (MD5) Previous issue date: 2015
Resumo: Dentre as diversas atividades literárias e cinematográficas às quais Pier Paolo Pasolini se dedicou ao longo de sua carreira, seu trabalho jornalístico ganhou grande destaque entre o público em geral e a crítica especializada por ter um caráter de intervenção política. A intenção do presente trabalho é buscar caminhos para compreender o percurso intelectual percorrido pelo escritor italiano nos meios de comunicação de massa, iniciando a pesquisa por artigos publicados na década de 1960 em periódicos de menor circulação e culminando em uma análise mais longa e reflexiva sobre o momento que ficou conhecido como o do corsarismo. Tal denominação foi extraída do livro Scritti corsari, de 1975, o qual reúne uma série de textos escritos para grandes jornais italianos, como o Corriere della Sera, a fim de denunciar a dominação de um modo de vida burguês em detrimento de outras manifestações sociais e culturais na Itália após o fim da Segunda Guerra Mundial e seus consequentes avanços econômicos. Nosso objetivo é então pensar o que foi esse momento corsário na obra de Pasolini e de que maneira suas escolhas estilísticas constituíram uma forma muito particular de escrever ensaios jornalísticos
Abstract: Among all different literary and cinematographic activities developed by Pier Paolo Pasolini, his work in newspapers gained great importance with the general public and the critics because of the political intervention it represented. The purpose of this thesis is to search for means to comprehend the intellectual journey made by the Italian writer when he has written for big mass medias. The first step was related to writing reviews about his articles published during the 1960s in smaller journals and then a deeper and reflexive analysis of corsarismo was made. Corsarismo is a designation extracted from the book Scritti corsari (1975), which gathers many texts published in big newspapers, such as Corriere della Sera. These articles were written to denounce the domination of a certain bourgeois way of life to the detriment of other social and cultural manifestations in Italy after Second World War and its consequent economical improvements. Our main goal is to think of what has been this corsair moment in Pasolini¿s work and in which way his stylistic choices became part of a very particular way of writing essays
Mestrado
Teoria e Critica Literaria
Mestra em Teoria e História Literária
7
De, Pizzol Vanessa. "La tension polémique dans les essais de Pier Paolo Pasolini." Nancy 2, 2002. http://www.theses.fr/2002NAN21021.
Full textAbstract:
Pier Paolo Paslolini est un artiste emblématique de la deuxième moitié du Vingtième siècle italien. Son œuvre, qui couvre différents domaines d'expression artistique et littéraire (peinture, poésie, roman, cinéma, théâtre) frappe par sa démesure. Mais plus encore, par la manière dont la réflexion sur l'œuvre et sur la société devient indissociable de l'acte de création. Les essais, de ce point de vue, sont un lieu d'observation idéal de la fusion qui s'opère entre le moment de la création et le moment de la réflexion, entre la littérarité et le discours. Il est une autre fusion qui apparaît nettement dans les essais et qui définit plus généralement le parcours pasolinien : c'est celle qui associe vie et œuvre. Ce principe de fusion n'est cependant pas un facteur de cohésion, du moins en apparence. L'auteur, qui place sa création sous le signe de l'oxymoron, a su en réalité utiliser un conflit qui l'a d'abord opposé à lui-même (acceptation de son homosexualité) avant de l'opposer à sa production et à la société contemporaine. Les essais s'attachent à montrer comment cette tension polémique est, au-delà d'un principe purement esthétique, un principe ontologique, une manière de concilier création et action, de lire le monde par le biais de l'attaque frontale. La production essayiste de Pasolini, envisagée sous cet angle, se fait le graphe de l'évolution de la société contemporaine vers un horizon résolument économique. La vision de l'auteur s'affirme comme profondément pessimiste et les invectives réitérées qu'il adresse à la société se font de plus en plus violentes au fil des étapes franchies par l'histoire de l'Italie (la contestation étudiante, la stratégie de la tension, etc. ) jusqu'à l'assassinat de Pasolini en 1975. La polémique se conçoit alors l'expression de la relation tragique qui lie l'auteur à la réalitéPier Paolo Pasolini was an emblematic Italian artist of the second half of the 20th century. What is particularly striking in his work, which covers several artistic and literary fields (including painting, poetry, novel, cinema and theatre), is its total lack of moderation as well as, even more importantly, its way of presenting the reflection on art and society as intimately connected with the act of creation itself. His essays are a particularly relevant case in point to observe the fusion between the time of creation and the time of reflection, between literature and speech. The other type of fusion which clearly appears throughout the essays - and which more generally defines Pasolini's career - is that between life and work. This principle of fusion is not, however, a factor of cohesion, at least in appearance. The author, who placed his creation under the sign of the oxymoron, actually made the most of the conflict which he initially waged against himself (because of his homosexuality) and then against his work and contemporary society. His essays aim to show how this polemical tension is, beyond its aesthetic dimension, an ontological principle, a way of reconciling creation and action, of reading the world through direct attacks. Seen from this angle, Pasolini's work as essayist becomes the mirror-image of the evolution of contemporary society towards openly economic perspectives. The author's vision was deeply pessimistic and the insults he directed at society became increasingly violent with every new stage of Italian history (such as the student protest movement or the strategy of tension, etc) until his murder in 1975. This polemical tension became an expression of the tragic relationship linking Pasolini to reality
8
Coury, Michèle. "Primitivisme et discours des limites dans l'oeuvre de Pier Paolo Pasolini." Paris 3, 1985. http://www.theses.fr/1985PA03A057.
Full text
9
Pisanelli, Flaviano. "Une écriture dissidente : les dernières productions de Pier Paolo Pasolini." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030045.
Full textAbstract:
Notre thèse intitulée Une écriture dissidente : les dernières productions de Pier Paolo Pasolini vise à analyser et à approfondir la nature et le caractère dissidents de l’œuvre de Pasolini dans les années soixante-dix. À travers une enquête sémantique et lexicographique – et à l’aide de l’outil de la « concordance » – ce travail aborde dans une première partie l’étude du langage poétique que Pasolini utilise dans le recueil Trasumanar e organizzar (1971), en soulignant les nouveautés en matière de forme et de structure que le poète met en place grâce à la notion d’umorismo et à l’élaboration d’une poétique anti-lyrique. Vient ensuite une partie consacrée à l’analyse du roman posthume Petrolio (1992) et du film Salò o le 120 giornate di Sodoma (1975). Dans le but d’élucider, d’une part, l’enjeu et la portée littéraire dissidente de Petrolio et, d’autre part, de comprendre la cruauté du langage filmique de Salò ainsi que la violence physique et psychologique que le cinéaste met en scène, notre analyse souligne les rapports étroits entre les discours littéraire et filmique dans l’œuvre de Pasolini. Dans la dernière partie de la thèse, nous prenons en compte tout un ensemble de textes que Pasolini consacre aux causes de la crise de la littérature néoréaliste italienne ainsi qu’à ses réflexions sur les notions d’écriture, de langage (écrit et filmique) et de forme, qui amènent le poète-cinéaste à se confronter avec certains ouvrages de R. Barthes (Le degré zéro de l’écriture et L’empire des signes). Enfin, l’étude de Scritti corsari explique le positionnement culturel et idéologique de Pasolini face aux événements historiques des années soixante-dix et à la violence politique, socialeThis thesis, entitled A Dissident Writing: Pier Paolo Pasolini’s Last Works, aims to make an in-depth analysis of the dissident nature and character of Pasolini’s works of the 1970’s. Through a semantic and lexicographic investigation – and by employing the method of « concordance » – this work undertakes, in the first part, the study of the poetic language that Pasolini uses in the collection Trasumanar e organizzar (1971), by emphasizing the innovative form and structure which the poet creates through the notion of umorismo and the elaboration of anti-lyrical poetics. This part is followed by an analysis of the posthumous novel Petrolio (1992) and of the film Salò o le 120 giornate di Sodoma (1975). In an attempt to elucidate, on the one hand, the literary, dissident impact and significance of Petrolio, and on the other hand to understand the cruelty of the film language in Salò, as well as the physical and psychological violence that the filmmaker brings to the screen, this analysis emphasizes the close relationship between the literary and film discourse in Pasolini’s work. The last part of the thesis takes into account a group of texts that Pasolini dedicates to the causes of the crisis of Italian neorealist literature, as well as to his reflections on the notions of writing, language (written and film) and form, which lead the poet-filmmaker to confront certain of Roland Barthes’ works (Writing Degree Zero and The Empire of Signs). Finally, a study of Scritti corsari explains the cultural and ideological position of Pasolini, in relation to the historical events of the 1970’s and to the political, social and cultural violence of the “new power” of the consumer society
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Naze, Alain. "Temps et récit chez Walter Benjamin et Pier Paolo Pasolini." Paris 8, 2010. http://www.theses.fr/2010PA083279.
Full textAbstract:
Etablissant un rapprochement entre Benjamin et Pasolini, cette thèse débouche sur le constat de véritables affinités électives entre eux, au point que leur attention commune à la question du langage ouvre chez tous deux sur une philosophie de l’histoire, vraiment thématisée chez le philosophe seulement. Le langage, sous sa forme non instrumentale, constitue chez les deux auteurs le terreau sur lequel un questionnement historico-politique, certes différencié, va germer, à la faveur d’un même angle d’attaque retenu - à l’encontre de la linguistique moderne - : celui de l’origine du langage. N’envisageant aucun retour à l’origine, la philosophie non nostalgique de l’histoire dont la structure s’est dégagée dans le moment précédent trouve une confirmation de son orientation dans le traitement de la question du récit, car si la forme orale, traditionnelle, de la transmission disparaît, il ne s’agit pas de la raviver pour autant, des formes inédites de récit devant s’imposer, à l’image du cinéma. On n’aboutit pourtant pas plus à une apologie de la modernité, l’attitude non réactionnaire de nos deux auteurs, notamment quant aux développements de la technique, s’expliquant par leur refus d’une transmission du passé entendue comme sa prise en charge sous une forme patrimoniale. Si le passé, en effet, reste riche de virtualités pour notre présent, ce n’est que sous la forme de sa faiblesse, et non à titre monumental, qu’une histoire des vaincus pourra s’écrire. La fiction littéraire pourrait bien constituer un vivier de formes en vue d’une transmission écrite de la tradition, en marge de l’histoire positiviste, pour laquelle seule existe l’histoire des vainqueurs, identifiée à la marche du progrès. Au souvenir (Andenken) comme forme d’évocation du passé, il s’agirait de substituer la remémoration (Eingedenken) comme reviviscence du passé, point capital manifestant, entre Benjamin et Pasolini, une connivence d’autant plus profonde qu’elle est indirecte, puisant à la commune source proustienneIn establishing a close link between Benjamin and Pasolini, this dissertation focuses on the observation of veritable selective affinities between the two, to such an extent that their common attention to language allows for a philosophy of history, only truly thematized by the philosopher. For both authors, language, in its non-instrumental form, constitutes the fertile ground in which their own unique form of historico-political questioning will germinate, thanks to a common line of attack: that of the origin of language, in opposition to modern linguistics. Foreseeing no need for a return to origins, the non-nostalgic philosophy of history, whose structure stems from the preceding moment, finds confirmation of its orientation in the treatment of the question of text. If the traditional, oral form of transmission disappears, it must not necessarily be revived, for the original forms shall assert themselves in other ways, as in cinema. However, we must not confuse this with an apology for modernity. The non-reactionary attitude of our two authors, notably in as far as technical developments are concerned, demonstrates a refusal to transmit the past in a patrimonial form. If the past does, in fact, remain rich in virtualities for the present, it is only through its weakness, and not its monumental nature, that a story of the vanquished can be written. Literary fiction could very well be a breeding-ground of forms with the goal of written transmission of tradition, on the margin of positivist history, for which only the stories of winners exist, identified through the march of progress. For memory (Andenken), as a way of evoking the past, we must substitute recollection (Eingedenken) as a way of reliving the past. This is the principal point of connivance between Benjamin and Pasolini, even more profound than it is indirect, drawing from their common source: Proust
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Minardi, Enrico. "La conception de la langue poétique chez Pasolini : les oeuvres critiques et dialectales de jeunesse (1940-1948)." Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2002PA040062.
Full textAbstract:
Dès le début de son activité littéraire, à l'aube des années quarante, Pasolini hérite de l'attitude des écrivains italiens romantiques ou post-romantiques du siècle précédent (particulièrement Tommaseo et Pascoli), chez lesquels la création littéraire avait comme but de rénover la langue de la tradition littéraire. La raison ultime de cette nécessité se trouve dans l'influence sur le romantisme italien de la philosophie de G. B. Vico, lequel avait conçu l'évolution du langage comme une succession de trois stades. Comme le dernier de ceux-ci marque le déclin du langage à cause de la séparation du référent verbal de la réalité désignée, Vico en avait prôné la renaissance dans son œuvre principale, La scienza nuova (1725). Cette thématique est au centre de la réflexion de Pasolini au début des années quarante et conditionne de manière fondamentale la genèse de son œuvreThe poetical works of Pier Paolo Pasolini originates, from the early nineteen-forties onwards, from a concern for language. In this way, Hi follows the Italian romantic poets and their successors (especially N. Tommaseo and G. Pascoli), whose common objective was to renew the literary tradition. This approach was grounded in the language theory of G. B. Vico, who in his major work La scienza nuova (1725) had divided the evolution of language into three stages, the lost of witch marks the decadence of language disconnected from whatever designated reality. Such a statement is largely shared by Pasolini inasmuch as it prompts and conditions his poetics
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Angioni, Maria Cecilia. "L’Orestea d’Èsquil a la traducció de Pier Paolo Pasolini." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2013. http://hdl.handle.net/10803/120579.
Full textAbstract:
Hem considerat la traducció de l'Orestea d'Èsquil feta per P.P. Pasolini analitzant el passatge des del text d'origen (el grec, juntament, però, amb la traducció francesa que Pasolini feia servir - P. Mazon, Les belles lettres) fins al d'arribada per tal d'evindenciar els trets peculiars de la interpretació pasoliniana de la trilogia. Per tal de focalitzar la consideració del mite d’Orestes, també hem tingut en compte obres posteriors com ara el “Pilade” o el documental “Appunti per un’Orestiade africana”.
La història dels Àtrides és vista des de la perspectiva del seu desenvolupament polític, entès com a síntesi. Pasolini, a la seva pròpia introducció, declara obertament aquesta lectura de la trilogia. Mitjançant l’anàlisi vers per vers ens permet esbrinar com, concretament i amb quines eines lingüístiques, aquesta interpretació pren forma, partint del text d’Èsquil i passant pel de Mazon i, alhora, de quina manera aquest procés de síntesi està estrictament lligat a la condició existencial de l'home: la transició, política, de la barbàrie ancestral fins a la democràcia atenesa és paral•lela al passatge des de l'inconsciència fins a la consciència, des de l’obsessió fins a la pau i a la concòrdia.
Des d’un punt de vista més estilístic, hem subratllat el procediment traductiu de Pasolini: mitjançant una traducció "per analogia", Pasolini recupera la força expressiva del grec i, per mitjà d’"arrossegaments" del sentit (forçant ara el lèxic, ara l'estil), sobreposa el seu prisma interpretatiu al text d'Èsquil. Així, hom pot reconèixer per una banda el lèxic propi de Pasolini, funcional en la seva intenció poètica; per una altra la seva personal visió dels personatges, que desenvolupats sota la seva perspectiva prenen matisos peculiars (Agamèmnon irònicament menyspreat i Clitemestra tan apassionada com tràgicament gran, per exemple); o bé, encara, hom pot constatar i valorar com tracta el tema de la guerra o el de l'amor.Finalment, cal destacar que molt sovint Pasolini "corregeix" el francès de Mazon en què s'inspira, donant mostra d'una sensibilitat pel grec que sovint ha estat deixada de banda als comentaris d’aquesta traducció.
La traducció destaca, doncs, tot i estar marcada per una visió política gens defensable (la progressió “marxista” de Thomson), per ser una de les interpretacions de l’Orestea més pregones i modernes, capaç de transmetre a l’home modern les inquietuds que Èsquil posà en escena.I have examined P. P. Pasolini's translation of Aeschylus's Orestea by analysing the transition from the original Greek text - along with the French translation used by Pasolini (P. Mazon: Les Belles Lettres) to the final text in order to show the particular features of Pasolini's interpretation of the trilogy. I have also taken into account some of his later works such as Pilade and the documentary Appunti per un 'Orestiade Africana in order to bring into focus the myth of Orestes. The story of the Atrides is considered in the light of its political development understood as a synthesis. This reading of the trilogy is openly stated by Pasolini himself in his introduction. By a line by line analysis of the text one can discern how and with which language tools he constructed his interpretation starting from Aeschylus's text and through his use of Mazon's translation. I have also indicated how Pasolini's synthesis is closely related to man's existential condition the entirely political transition from the old barbarism to Athenian democracy parallels the transition from unconsciousness to consciousness , from obsession to peace and harmony. From the linguistic point of view I have underlined Pasolini's process of translation. Translating " by analogy", he regains the expressive power of the original Greek and superimposes his own perspective on Aeschylus's text by "shifting" meanings (forcing either the words or the style). Thus one can note on one hand Pasolini's original vocabulary which functions in its poetical intent and on the other hand his unique and very personal grasp of the characters which under his interpretation acquire a distinctive indivisuality ( Agamemnon ironically despised and Clytemnestra as passionate as she is tragically heroic). Nevertheless one can state and assess how war and love are treated. Finally, Pasolini often "corrects" Mazon's French by which he is inspired, displaying a sensibility for the Greek that has often been neglected in commentaries on this translation. Despite the bias of an untenable point of view (Thomson's "Marxist" progression) this translation of the Orestea stands out as one of the most penetrating and most contemporary attempts to convey the matters that Aeschylus put on the stage to a modern reader.
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Oliveira, Maria Rita Aguilar Nepomuceno de. "Pier Paolo Pasolini, l'uomo arrabbiato = um percurso para o trágico." [s.n.], 2010. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/283969.
Full textAbstract:
Orientadores: Antônio Fernando da Conceição Passos, Maria Betânia AmorosoDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-16T14:25:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Oliveira_MariaRitaAguilarNepomucenode_M.pdf: 1216775 bytes, checksum: e4b9ca98dcfd373863139287ef62780b (MD5) Previous issue date: 2010
Resumo: Esta pesquisa tem como objetivo levantar e analisar os aspectos trágicos do drama cinematográfico de Pier Paolo Pasolini, através da análise da sua produção artística (documentários, ficções, teatro) e também da sua vida. O primeiro capítulo apresenta a biografia do poeta, da sua formação até o início da sua atividade cinematográfica. O segundo capítulo apresenta os aspectos trágicos dos seus primeiros filmes (Accattone, Mamma Roma, Il Vangelo secondo Matteo, os filmes cômicos com os atores Ninetto e Totó). O terceiro capítulo expõe a sua ideia de um "teatro da palavra" e a presença dos mitos trágicos nas peças Orgia, Affabulazione e Pilade. O quarto capítulo expõe a sua ideia de documentário como "filme sobre um filme por fazer" e os aspectos trágicos dos filmes documentários La Rabbia e Appunti per un'Orestiade africana. O quinto capítulo desenvolve a concepção semiológica de cinema de Pasolini (o cinema como língua escrita da realidade); e também estilística ( roteiro, uso do plano/contraplano, sua visão de "cinema de poesia"). O sexto capítulo articula os possíveis desdobramentos cinematográficos da tragédia como forma artística e como "estrutura de sentimento", alinhando a concepção de cinema moderno àquela de tragédia moderna. O sétimo capítulo analisa as tragédias gregas filmadas por Pasolini como ficção (Edipo Re e Medea) e a tragédia moderna filmada Teorema, através do levantamento de informações críticas e das evidências do trágico no cinema deste autor. Este trabalho verificou que a possibilidade de um trágico como instrumento de expressão e estrutura de sentimento se resolve em Pasolini pela poesia (a poesia media a representação do mito trágico, no teatro e no cinema). Pasolini encontra o trágico na diversidade de poeta, no escândalo da sinceridade e da autenticidade impossíveis ao homem e ao mundo "irreais" da "normalidade" "burguesa". Assim é que o trabalho apresenta e analisa a apropriação do autor dos mitos trágicos articulando-os às necessidades da estrutura de sentimento (trágica) do autor de cinema moderno de que Pasolini faz parte
Abstract: This research rises and analyses aspects of the tragedy in Pier Paolo Pasolini's work, through analysis of his artistic production (documentaries, fiction, drama) and also of his life. The first chapter presents biographic aspects of his personal trajectory until the beginning of his film activity. The second chapter presents tragic aspects of his first films (Accattone, Mamma Roma, Il Vangelo secondo Matteo, the comic films with the actors Ninetto and Totó). The third chapter exposes Pasolini's idea of a "theater of the word" and how the tragic myth appears on it. The fourth chapter lays out his idea of documentary as "a film about a film to be make" and analyse the tragic aspects of his documentaries La Rabbia and Appunti per un'Orestiade Africa. The fifth chapter develops Pasolini's idea of cinema; his semiological approach (the cinema as the written language of reality), as well as his personal film style ( script, use of the "shot reverse shot" and his vision of the "cinema of poetry"). The sixth chapter articulates the possible consequences of the tragedy as an artistic form and a "feeling's structure" adapted to the cinematic instruments, aligning the concept of "modern cinema" with that of "modern tragedy". The seventh chapter analyses the tragedies filmed by Pasolini as fiction (Edipo Re and Medea) and the filmed "modern tragedy" Teorema, gathering critical information and evidences of the tragic vision in Pier Paolo Pasolini's films. We noticed that the possibility of the tragedy as an instrument of expression and a structure of feeling for the cinema is solved in Pasolini's work by the poetry (is the poetry that mediates the author's representation of the tragic myth in his dramas and films). Pasolini finds the tragedy in his poet's condition of diversity, in the scandal of sincerity and in the authenticity inside the "unrealistic" situation of the bourgeois world and its "normality". Thus the present Research analyses the author's ownership of the tragic myths articulating it to the feeling's structure (the tragic vision) of the authorisme in the "modern cinema" which Pasolini's work belongs
Mestrado
Multimeios
Mestre em Multimeios
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Buresi-Collard, Marie-Françoise. "Esthétique de l'in-carne à partir de l'oeuvre de Pier Paolo Pasolini." Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010607.
Full textAbstract:
Cette recherche a pour objectif la définition du concept d'in-carne tout en questionnant Ie rapport du corps à la réalité dans Pétrole de Pasolini. L'in-carne va élargir les formes de l'esthétique pasolinienne vers une phénoménologie du corps et l'idée d'un corps subjectif. De l'identité à l'ambiguïté corporelle, le corps n'est plus expression, face aux signes qui viennent in-scrire sur lui les traces de structures d'organismes dont il doit intégrer I' organisation, faute d'un dysfonctionnement de son propre organisme. Les corps métamorphiques pasoliniens qui tentent d'échapper à ces organisations semblent voués au broyage de leur identité et à l'illisibilité de leur expression originelle. Dans l'altérité de leur chair et dans l'in-carne d'une réalité dont ils s'emparent, ils offrent encore la possibilité d'entrevoir un corps subjectif qui ne serait plus le seul lieu de l'exercice de la force politique. L'être est envisagé dans la corporéité de son existence : il est ce corps incarné.
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Avino, Loredana d'. "Spectateur et paria : pluralité et individualité dans les écrits politiques de Pier Paolo Pasolini." Rennes 2, 2011. http://www.theses.fr/2011REN20021.
Full textAbstract:
L’analyse des écrits politiques de Pasolini peut nous aider à définir l’impact que sa pensée a eu sur son époque. Cet impact est un exemple du rôle que l’intellectuel peut jouer comme conscience critique de son temps, et cet exemple présuppose la recherche d’un cadre théorique où situer l’intellectuel dans un monde dominé par la puissance des médias et leur capacité à niveler l’opinion et même la pensée. Dans une société où l'intellectuel est essentiellement un clerc qui domine l'espace public défini par les mass-médias et surtout par la télévision, il peut être utile de revenir à la naissance de cette civilisation, avant que la société de l'image prenne le pas sur la société de la parole. Pasolini ressent, analyse et critique cette évolution : il en voyait les dangers et il savait aussi en exploiter les ressorts, ce qui rend actuel son héritage. Sa condition de marginal, de paria, dans la culture italienne de l’époque lui donne un point de vue extérieur sur son monde, mais sa subjectivité s’imposait par un discours polémique et hérétique. Son regard critique et sans compassion sur le monde et sur lui-même se déploie dans ses écrits politiques selon trois thèmes principaux qui sont aussi les facettes de sa personnalité : la passion pédagogique, la sensibilité à la forme artistique et l’engagement socio-politiqueThe analysis of Pasolini's political writings can help us define the impact his thought had in his time. This impact is an example of the role the intellectual can play as a critical consciousness actor of his time and this example presupposes the search of a theoretical frame in which the intellectual evolves in a world that is dominated by the power of mass media and their ability to equalize the opinion and even the thought. In a society where the intellectual is mainly a scholar who stands out in the public field that is ruled by the mass media and especially the TV, it may be interesting to come back to the birth of thiscivilisation before the image-ruled society outclassed the word-ruled one. Pasolini feels, analyses and criticises this evolution : he could see how dangerous it was and also knew howto exploit its forces, what makes his legacy topical. Being an outcast, a pariah in the Italian cultural world of that time enables him to have an external point of view on his world , yet, his controversial and heretical discourse made his subjectivity prevail. The pitiless and critical eye he had on the world and himself develops in his political writings according to three main themes that are also representative of his many-faceted personality : his passion for pedagogy, his sensitivity for the artistic shape and his socio-political commitment
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Carotenuto, Pierre-Paul. "Saint François et le franciscanisme dans l’œuvre de Pier Paolo Pasolini." Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL190.
Full textAbstract:
Les motifs liés au sacré traversent l’ensemble de l’œuvre pasolinienne. Aussi, bien que la déclinaison christique soit indéniablement prédominante, le motif de la sainteté occupe une place tout aussi marquante, à la fois en termes de transversalité des genres que de variété d’accents : d’une sainteté incessamment, autant que vainement, recherchée, à la sainteté d’un pouvoir ascétique, en passant par l’oscillation entre sainteté volontaire et involontaire. À cette nature polyédrique se greffe la multitude des matrices auxquelles le thème puise sa source. En ce sens, si le modèle paulin occupe une position de premier plan, d’autres figures sont à dénombrer. Parmi celles-ci, saint François d’Assise revêt des traits qui, dans l’élaboration pasolinienne, se résument à une nature éparse et sémantiquement polyvalente. En effet, si les apparitions directes du Petit pauvre se cantonnent essentiellement à l’épiphanie furtive du métarécit franciscain d’Uccellacci e uccellini – nous évoquerons à ce sujet le versant d’un franciscanisme émergé –, infiniment plus nombreuses sont les stylèmes franciscains déclinés tel un répertoire symbolique de gestes. Ainsi l’élaboration pasolinienne procède le plus souvent par extrapolation de la parole poétique du saint et contamination des sources, donnant lieu à un franciscanisme tour à tour allégorique-idéologique, métalinguistique ou figuratif. Le point à la fois culminant et le plus secret de cette appropriation coïncide avec la rédaction inaboutie du scénario en vers de Bestemmia, dans lequel un anti-François aux traits blasphèmes parvient à démembrer l’un des textes majeurs des origines de la poésie italienneThe topics related to the sacred cross the whole Pasolinian work. Although the christic declension is undeniably predominant, the subject of holiness also occupies a prominent place, both in terms of the transversality of genres and of the variety of accents : of a holiness incessantly, as much as in vain, researched, to the holiness of an ascetic power, passing through the oscillation between voluntary and involuntary holiness. To this polyhedral nature we can add the multitude of matrices from which the theme draws its source. In this sense, if the model of St Paul occupies a prominent position, other figures are to be counted. Among these, St Francis of Assisi has features which, in the Pasolinian elaboration, can be summed up in a disseminated and semantically versatile nature. In fact, if the direct apparitions of the Little Poor Man are essentially confined to the furtive epiphany of the franciscan meta-fable of Uccellacci e uccellini - we will make reference to an emerged Franciscanism -, infinitely more are the franciscan stylistic modules declined as a symbolic repertoire of gestures. Thus the Pasolinian elaboration proceeds most often by extrapolation of the poetic word of the saint and contamination of the sources, giving rise to a Franciscanism alternately allegorical-ideological, metalinguistic or figurative. The culminating and most secret point of this appropriation coincides with the unfulfilled writing of Bestemmia’s verse script, in which an anti-François with blasphemous features dismembers one of the major texts of the origins of Italian poetry
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Biasi, Andrea. "Il «timp furlan » : Pier Paolo Pasolini tra intimità poetica e teatralità." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040127.
Full textAbstract:
Il est d'usage de parler d’un « Pasolini frioulan », jouant, à notre avis, sur l'ambiguïté de cette expression selon le sens que l’on veut attribuer au terme «frioulan» : substantif, entendu comme langue, ou bien adjectif. Ou encore, les deux à la fois, puisque l'opération recherchée par Pasolini était justement de fusionner en quelque sorte ces deux valeurs en une seule réalité culturelle.En essayant de se plonger avec prudence dans l’intimité de l’auteur nous avons organisé notre travail autour de trois axes qui correspondent respectivement au frioulan, à la poétique et au théâtre. Nous avons suivi un chemin qui trace une ligne directrice de l'expérience frioulane qui commence avec Poesie a Casarsa, en passant par ledit « journal inédit » et s’achève avec le drame théâtral « I turcs tal Friul ».L'approche analytique des trois phénomènes explique comment le timp furlan de Pasolini n’est pas une exclusivité biographique ou poétique (La meglio gioventù), mais une réalité riche et complexe dans laquelle les concepts de langue, d'identité et d'autonomie sont liés au Frioul. En ce qui concerne Pasolini et son séjour au Frioul nous ne pouvons parler d’une immersion totale dans l’ « Eden » frioulan, mais plutôt d’un jeu culturel très intéressant entre italianité et « frioulanité », qui nous permet de placer où bon nous semble les frontières pasoliniennes dans l'identité frioulaneWhen approaching the so called “Pasolini friulano” [Friulian Pasolini], the specialists usually play on the ambiguity of the italian term “friulano”: Friulian as a noun, i.e. the language, or as an adjective, i.e. relating to the region? In our opinion the term covers both of them, because the intended purpose of Pasolini was precisely to merge somehow these two values into an unique cultural reality.Exploring carefully the author’s personal word more through the analysis of his literary works than his biographical data, this research focuses mainly on the Friulian language, the poetry, and the theatre. Having Poesie a Casarsa as starting point, it discusses also the so called Diario Inedito and the drama I Turcs tal Friul, with the aim to establish useful guidelines for a better understanding of the Friulian experience of Pasolini. The analytical approach of these three literary works proves that the timp furlan [friulian time] is not just a poetic or biographical fact (La meglio gioventù): it covers actually a very rich and complex reality, in which the idea of Friuli is strictly connected to the concepts of language, identity and political autonomy. During his stay in Friuli, Pasolini has not experienced a full-immersion in a Friulian Eden. Rather, he played a very interesting cultural game with the ideas of being Italian and/or Friulian. In this context, it is not possible to mark out clearly the Friulian identity of Pasolini and for this reason its boundaries can be shifted at leisure
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Cadel, Francesca. "La langue de la poésie : langue et dialecte chez Pier Paolo Pasolini (1922-1975) et Andrea Zanzotto (1921)." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040038.
Full textAbstract:
Cette thèse de doctorat est consacrée à l'œuvre poétique de Pier Paolo Pasolini et de Andrea Zanzotto, dont elle illustre le dialogue à distance et la complémentarité. Elle est composée de deux parties, de longueur et de structure différentes, par analogie avec la diversité des œuvres, mais selon la même perspective critique unissant recherche biographique et bibliographique. La thèse retrace, à travers leur utilisation du langage, le parcours commun (et les différences) des deux auteurs. Langue et dialecte, dans la poésie de Pasolini et Zanzotto, apparaissent ainsi, au sein du pluralisme culturel italien, comme des signes d'une poétique précise qui se définit par rapport à la relation nature-culture telle qu'elle se donne à lire à travers la tradition littéraire italienne.
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De, Benedictis Sara. "Figures et métamorphoses de la douleur dans l’oeuvre de Pier Paolo Pasolini : littérature, théâtre et cinéma." Thesis, Paris 10, 2019. http://www.theses.fr/2019PA100012.
Full textAbstract:
Cette thèse se propose d’étudier sous le prisme de la douleur les œuvres poétiques, romanesques, cinématographiques et théâtrales de Pier Paolo Pasolini (1922-1975) dans le but de s’interroger sur ses représentations et ses métamorphoses et de tenter de donner un sens à son expression. Elle a pour objectif de montrer la fonction esthétique, symbolique et politique de la douleur : si celle-ci s’exprime à travers différentes formes et topoï auxquels l’auteur-cinéaste fait subir des torsions, la souffrance exhibée est accompagnée d’une joie – voire d’une jouissance (« ab joy ») – ou bien se transforme en rage et en révolte pour porter un regard critique sur la société issue du prétendu « miracle économique ». La production de Pasolini est étudiée selon une approche pluridisciplinaire qui s’appuie sur des ouvrages méthodologiques à caractère littéraire, philosophique, artistique et anthropologique. À travers la notion de « figure » on s’efforce de montrer comment, d’une œuvre à une autre, d’un texte en prose à une scène de film, d’un vers de poème à un monologue d’une pièce de théâtre, les « corps souffrants » et les lamentations entrent en résonance et se complètent. Dans la première partie, sont étudiées les proses narratives rédigées entre 1946 et 1950. La deuxième s’interroge sur la souffrance des subalternes, des peuples et des sujets en marge. Enfin on examine les métamorphoses que la douleur fait subir aux protagonistes des pièces de théâtre et « l’héritage » de l’œuvre de Pasolini, les modalités à partir desquelles divers cinéastes, artistes et écrivains s’inspirent de ses productions ou bien s’en détachentThis dissertation studies the works of Pier Paolo Pasolini (1922-1975) in the light of suffering with the aim of exploring its representations and transformations and of giving a meaning to its expression. The goal it is to show the esthetical, symbolic and political functions of pain: if it is expressed trough different forms and topoï – which are distorted by the author – in the narrative works, it is either accompanied by ostentatious joy (“ab joy”) or it is turned into rage and fury in order to offer a critical view of society at the time of the so-called “economic miracle”. This dissertation investigates Pasolini’s production through an interdisciplinary approach, relaying on works of literature, philosophy, art, history and anthropology. Through the concept of « figure » I mean to show how suffering bodies, lamentations and tears resonate from a poem to a movie, from a play to a novel. This dissertation is made up of three parts: it begins with the analysis of the narrative proses written between 1946 and 1950, then it focuses on the suffering of the wretched, the underclass, the outcasts, and finally it explores the way pain transforms the characters of the plays. The last chapter explores how contemporary filmmakers, novelists and street artists deal with Pasolini’s legacy
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Possamai, Irina. "Approches de la théâtralité pasolinienne : de la scène au texte." Paris 8, 2004. http://www.theses.fr/2004PA082528.
Full textAbstract:
Pasolini a accompagné son activité artistique (poésie, roman, cinéma, peinture et théâtre) d'écrits critiques et théoriques qui apportent beaucoup à l'interprétation de son œuvre. Dans cette thèse sont analysés les textes dramatiques de Pasolini à la lumière de sa réflexion théorique et des traces de représentation de ses pièces en France et en Italie. La perspective proposée rend compte de l'attention croissante des praticiens de la scène pour cette œuvre théâtrale et met en évidence son potentiel performatif. La théâtralité dans ces écrits est caractérisée par la matérialité de l'écriture : par une vocation musicale, une architecture rythmique, des processus intertextuels et métathéâtraux, par une idée de théâtre inspirée des notions de " rite culturel " et d'espace réduit à l'essentiel. Cette étude s'appuie également sur une recherche d'archives : sont exploitées les manuscrits et les textes dactylographiés de Pasolini pour Orgia qui témoignent de la même nécessité théâtralePasolini, poet, novelist, essayist, journalist, scriptwriter, film director, and a playwright, too, has authored many theoretical writings on literature, film-making and theater which are all important in understanding his work. In the present thesis, the dramatic works of Pasolini are analysed in the light of his theoretical thinking and of the records bearing on his theatrical performances in France and Italy. A new perspective is offered which explains the growing attention given by the world of theater to Pasolini's dramatic work and to the performing potential of this work. The “theatrical” impact stands out by the material character of the author's writing : his musical vocation, a rhythmic architecture, transtextual processes, and a concept of theater inspired by such notions as " cultural rites " and the space reduced. The study of the theatrical essentials of Pasolini's works relies also on archives, handwritten and typed texts, evidencing the same sort of dramatic necessity
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El, Ghaoui Lisa. "Langages du désir et métamorphoses du corps dans l'œuvre de Pier Paolo Pasolini." Grenoble 3, 2006. http://www.theses.fr/2006GRE39041.
Full textAbstract:
La spécificité de l'œuvre colossale et polymorphe de Pier Paolo Pasolini (1922-75), poète, cinéaste, critique, romancier, scénariste, essayiste, dramaturge italien qui s'est engagé tout au long de sa vie en "jetant son propre corps dans la lutte", réside dans le fait que toute réflexion sur le corps, toute représentation du corps, remet à chaque fois en jeu la forme artistique, les choix linguistiques, en défaisant, recomposant, contaminant ce grand corps en construction, perméable, sensible, ouvert sur le monde, que représente son œuvre. Dans l'ensemble de la production artistique de Pasolini, que nous avons analysée à travers une approche pluridisciplinaire et divisée en cinq grandes périodes correspondant à des tournants à la fois historiques, personnels et artistiques, le corps est le lieu de la crise de l'identité de l'individu, du conflit entre désir et culture, passion et idéologie, mais aussi le lieu de la rencontre charnelle, sexuelle, "religieuse" avec autrui et le monde (l'expérience corporelle étant pour Pasolini le seul moyen d'accéder à la connaissance) et enfin le référent absolu de tout discours politique ou philosophique – les transformations, les violations qu'il peut subir étant la métaphore ou la prophétie de ce que la société entière peut connaîtreThe specificity of the colossal and polymorphic work of Pier Paolo Pasolini (1922-75), Italian poet, film-maker, critic, novelist, scenario writer, essay writer, playwright who committed himself all along his life by “throwing his own body into the fight”, lies in the fact that any thought about the body, any representation of the body, challenges each time the artistic form, the linguistic choices, while demolishing, recomposing, contaminating this large body under construction, permeable, significant, opened onto the world, that his work represents. In the whole of Pasolini’s artistic production, that we analyzed thanks to a pluridisciplinary approach and divided into five great periods corresponding to turning points, at the same time, historical, personal and artistic, the body is the place of the individual’s identity crisis, of the conflict between desire and culture, passion and ideology, but also the place of the carnal, sexual, “religious” meeting with others and the world (the bodily experience being for Pasolini the only way of reaching knowledge) and finally the absolute referent for any political or philosophical discourse – the transformations, the violations it may undergo being the metaphor or the prophecy of what the whole society may experience
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Passerone, Léa. "La notion de mineur dans l'oeuvre de Pier Paolo Pasolini." Thesis, Bourgogne Franche-Comté, 2017. http://www.theses.fr/2017UBFCH022.
Full textAbstract:
Cette thèse se propose d’étudier la façon dont l’idée de mineur traverse l’œuvre de Pier Paolo Pasolini, que ce soit dans son sens linguistique et littéraire (rapport aux langues et aux auteurs dits « mineurs »), sociopolitique (présence des subalternes et des minorités), ou encore spirituel (« mineur » au sens franciscain). L’ensemble de la vaste production artistique et critique de l’auteur italien que nous prenons en considération semble en effet guidé par le désir de porter à la lumière et de valoriser ce qui d’ordinaire est dénigré, oublié et situé au bas des hiérarchies, quelles qu’elles soient : paysans frioulans, sous-prolétaires romains, peuples du Tiers Monde, langues et cultures périphériques, etc. Les notions de « minore » (« mineur ») et de « minoranza » (« minorité ») paraissent d’autant plus significatives et pertinentes qu’elles sont utilisées et problématisées par l’écrivain-cinéaste, de ses premiers essais littéraires à ses derniers articles et scénarios, à des moments clés de son parcours. Elles se révèlent en outre étroitement liées aux périodes de profondes transformations socio-culturelles que traverse l’Italie, dont elles se font le reflet antithétique. Alors que le prétendu « miracle économique » bat son plein au cœur des années 1960, la notion de mineur, centrée autour de l’idée d’infériorité et d’humilité, cède la place à la notion plus politique et polémique de minorité. Si cette dernière reprend certains traits de la précédente, elle se définit davantage comme altérité radicale et puissance de contestation des modèles dominants, tout en accentuant l’esthétique et la poétique de la contamination, selon lesquelles humilis et sublimis sont indissociablesThis PhD thesis intends to explore how the idea of minor is present throughout Pier Paolo Pasolini’s works, in its linguistic and literary sense (linked to languages and authors called « minors »), in its socio-political sense (presence of the subalterns and the minorities), or even in its spiritual sense (« minor » according to Franciscans). The extensive artistic and critical production of the Italian author who we consider, seems in fact to be guided by the will of highlighting and promoting what is usually depreciated, forgotten and situated at lower levels in every hierarchy : Friulian peasants, Roman sub-proletarians, people from the Third World, outlying languages and cultures, etc. The notions of minor and minorities are particularly significant and relevant, given that they are used and questionned by the writer and the director from his first literary essays to his last articles and scenarios, in key moments of his career. Furthermore, they appear closely associated to the period of deep socio-cultural changes that Italy is experiencing, hence the contradicting images they convey. While the so-called « economic miracle » is triumphal in the sixties, the notion of « minor », centered on the idea of inferiority and humility, is replaced by the more political and polemical notion of minority. If this last notion has some characteristics of the former one, it should also be defined as a radical alterity and contesting power of the dominant models, at the same time keeping the emphasis on the contamination esthetic and poetics, whereby humilis and sublimis are inseparable
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Barbato, Alessandro. "L' alternativa fantasma : l'esperianza africana e la ricerca del sacro nell'opera di Michel Leiris e di Pier Paolo Pasolini." Paris, EHESS, 2009. http://www.theses.fr/2009EHES0409.
Full textAbstract:
L'objet de la présente recherche consiste en une comparaison critique regardant la vie et l'oeuvre de Deux parmi les personnalités plus fascinantes et discutées du siècle dernier: Michel Leiris et Pier Paolo Pasolini. Deux poètes qui à des moments différents et avec un milieu culturel tout aussi différent, ont décidé de pousser leur recherche artistique et intellectuelle au-delà des frontières de la pure expression littéraire pour rencontrer des disciplines comme l'histoire des religions et l'ethnologie. Le lien utilisé afin de faire virtuellement rencontrer les deux parcours culturels pris en examen ne pouvait être que l'Afrique, surtout en vertu du rôle que le continent noir, vrai et propre mélange de fantaisies romantiques et de rêves de régénration, occupe dans l'oeuvre des deux auteurs. De plus le thème de l'Afrique résulte intimement lié à la profonde réflexion que Leiris et Pasolini ont développé à propos de la dimension du sacré. Une réflexion qui, au-delà des différentes positions auxquelles ils arrivèrent dans le cours de leur activité, permettra de manifester comment les auteurs pris en examens participent à une précise tendance culturelle présente dans un vaste secteur de la culture européenne du siècle dernierThe subject of this research is a critical comparison between Michel² Leiris and Pier Paolo Pasolini's life and work. They have been two opf the most fascinating and controversial personalities of the last century. These poets, in different historical moments, living a different background, have pushed their artistic and intellectual research excelling literary expression and meeting doctrines like history of religions and ethnology. The chosen connection to virtually bring together two cultural ways examined could only be the African continent: this fact can be explained because of the important role that the "black continent" - mixture of romantic fantasies and regeneration dreams - has played in both authors. The theme of Africa is intimately connected with the reflections that both, Leiris and Pasolini, have developed about the dimension of the holy. Leaving out the different results they reached during their activities, their reflection explain how both authors belong to a specific cultural trend that has been present in a large part of European culture of the last century
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Buaes, Aline Greff. "Protegido pelas contradições - Coletânea de crônicas jornalísticas de Pier Paolo Pasolini (1960 a 1965)." Universidade de São Paulo, 2009. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8148/tde-03022010-173749/.
Full textAbstract:
Este trabalho apresenta a tradução comentada da língua italiana para o português de uma seleção das crônicas publicadas pelo escritor e cineasta italiano Pier Paolo Pasolini em sua coluna semanal na revista Vie Nuove, órgão oficial do Partido Comunista Italiano, entre os anos de 1960 e 1965. As crônicas foram divididas em três blocos temáticos: Literatura, Cultura e Política e Sociedade. Uma introdução ensaística acompanha a tradução comentada.This thesis presents a commented translation from Italian to Portuguese language of a selection of chronicles published by the Italian writer and filmmaker Pier Paolo Pasolini on the weekly magazine Vie Nuove, official media of the Italian Communist Party (PCI), between 1960 and 1965. The chronicles are divided into three thematic groups: Literature, Culture and Politic and Society. An essayist introduction opens the commented translation.
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Mastrodonato, Michela. "«Pietà per la creatura !» : Il sentimento del sacro nella poesia di Pier Paolo Pasolini." Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040124.
Full textAbstract:
L’écoute du sacré touche les racines de la poésie de Pasolini, même si il se décrit comme un athée. La recherche analyse sa poésie dans sa chronologique: les collections de la jeunesse (La meglio gioventù et L’usignolo della Chiesa Cattolica) sont caractérisées par visions et images christologiques dans un paysage de «apparences sacrée» où il découvre l’homosexualité comme une «faute innocente», pas intentionnelle, qui lui empêche d'entrer en communion avec les autres créatures. Pour ce péché il demande écoute, engageant une dispute biblique et théologique. Avec l'arrivée à Rome s’ouvre une nouvelle phase: Pasolini découvre la dimension chorale des banlieues romaines et cette découverte rompt son isolement intellectuel (Le ceneri di Gramsci). Alors il cesse de demander pardon et revoit le concept de péché qui n'est plus à l'intérieur mais aussi à l'extérieur de lui-même, commis par qui (la bourgeoisie néo-capitaliste, hégémonique, irréligieuse et « fasciste ») empêche chaque «créature» d'être telle qu'elle est. Pour chaque «créature», unique, Pasolini appelle à la miséricorde: «Pitié pour la créature!» (La religione del mio tempo) et construit, dans le chemin de la meilleure tradition humaniste de Virgile à Dante à Leopardi, une vision sacrée de la réalité inscrite dans un horizon non « créationniste » mais certainement « créaturelle», dans lequel Dieu ne peut pas être vu mais seulement aperçu à la façon d’un soleil éclipsé, lumière occulte dont on ne voit pas la source, qui tombe sur les créatures (surtout les dernières et les marginalisés) et qui leur donne une vie pleine de sens poétique: l'incarnation du «surhumain» dans l’«humaine» (Trasumanar et organizzar)The sense of a sacred vision deeply influences the poetry of Pasolini. This research paper confronts the fact that P. always saw himself as an atheist. It analyses his poetry in its chronological evolution, indicating how the first collections (La meglio gioventù and L’Usignolo della Chiesa Cattolica) are characterized by Christological visions and images. In Friuli, in a maternal landscape made up of “sacred appearances”, he discovers his homosexuality as a "guilty innocent", something not intentional and that prevents him from the communion with other creatures. For this sin, he asks to be heard, engaging in a biblical-theological dispute. His arrival in Rome opens a new phase: P. discovers the choral dimension of the Roman suburbs that breaks the previous isolation (Le ceneri di Gramsci). He stops asking for forgiveness and reviews the concept of sin that is not only internal, but also external, committed by the neo-capitalistic bourgeoisie who is both irreligious and “fascist”, preventing any single “creature” from being as it truly is. For every “creature”, unique and different from all the others, P. calls for mercy: «Pity the creature!» (La religione del mio tempo) and in the wake of the best humanistic tradition from Virgil to Dante onwards to Leopardi, he builds a sacred vision of reality which is inscribed into a philosophical horizon, not “creationist” but “creatural", in which God is felt rather than seen, like an eclipsed sun, a dimmed light whose source is impossible to see. A light which illuminates the last “creatures” (workers and all marginalized people), the incarnation of celestial dimension in human history (Trasumanar e organizzar)
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Frach, Sylwia. "Vision contemporaine de la Grèce antique : mythe et cinéma selon Pier Paolo Pasolini." Thesis, Paris Est, 2013. http://www.theses.fr/2013PEST0011.
Full textAbstract:
La vision de la Grèce antique de Pasolini est une vision barbare parce que le cinéasterefuse toute idéalisation néoclassique. Une telle vision de l’antiquité était déjà répondue dans laculture européenne à travers les textes de Nietzsche. Pasolini est inspiré particulièrement pardeux disciplines auxquelles il se réfère souvent : l’anthropologie et la psychanalyse.A une thématique barbare correspond aussi, chez le cinéaste italien, un environnementbarbare, avec l’accord entre la forme de l’expression et la forme du contenu. Pasolini rejette lareconstitution archéologique : à la luminosité aveuglante du Maroc (où est tournée la partiemythique d’OEdipe roi), à l’architecture archaïque de pierre de la Cappadoce (la Colchide deMédée), aux remparts d’une ville syrienne d’Alep (Corinthe dans Médée), le cinéaste associe descostumes dans lesquels s’inscrivent de différentes cultures archaïques, et des musiquesprovenant pour la plupart des pays non-occidentaux (africaines, tibétaines, japonaises,roumaines).Avec la pratique de la contamination et du pastiche, Pasolini souhaite recréer le langageintemporel du mythe, le langage primaire dans lequel s’inscrit la civilisation paysanne. Cetterelation entre le mythe grec et le monde rural s’articule principalement autour de la notion decyclicitéPasolini’s vision of ancient Greece is barbaric because the filmmaker refuses any neoclassicalidealization. This vision of antiquity was already famous in European culture through the textsof Nietzsche. Pasolini is particularly inspired by two disciplines he often refers to : anthropologyand psychoanalysis.The barbarian theme is also linked to a barbaric environment, with agreement between the formof expression and form of content. Pasolini rejects archaeological reconstruction. He combinesblinding brightness of Morocco (were the mythical part of the Oedipus Rex is turned), archaicarchitecture in stone of Cappadocia (Colchis in Medea), and the ramparts of a Syrian city Aleppo(Corinth in Medea) with costumes from different archaic cultures and music mostly from non-Western countries (African, Tibetan, Japanese, Romanian).With the practice of contamination and pastiche, Pasolini wants to recreate the timelesslanguage of myth, the primary language of the peasant civilization. The relationship between theGreek myth and the rural world revolves mainly around the notion of cyclicity
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Corilow, Priscila Malfatti Vieira 1983. "Por uma ética para o 121o. dia : leituras em Pier Paolo Pasolini, Giorgio Agamben e Georges Didi-Huberman." [s.n.], 2015. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/270078.
Full textAbstract:
Orientador: Maria Betânia AmorosoTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem
Made available in DSpace on 2018-08-27T01:28:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Corilow_PriscilaMalfattiVieira_D.pdf: 1336590 bytes, checksum: 7e46b6e821569982c57d67268a847864 (MD5) Previous issue date: 2015
Resumo: O centro desse trabalho é um percurso crítico através de algumas das obras de Pier Paolo Pasolini, em especial, as compreendidas entre a segunda metade da década de 1960 e a primeira metade da de 1970. Foram lidos atentamente: a sequência da flor de papel, quatro poemas que integram a coletânea Trasumanar e Organizzar, o roteiro não filmado Porno-Teo-Kolossal, os escritos intitulados Divina mimesis, alguns artigos da coluna mantida no periódico Tempo, intitulada Il caos, assim como vários dos ensaios de Scritti Corsari, o romance Petrolio e os filmes Medea e Salò o le 120 giorni di Sodoma. Dialogando com a percepção de Georges Didi-Huberman em Survivance des lucioles, de que há certa relação de continuidade entre a obra de Pier Paolo Pasolini e a de Giorgio Agamben, procuro também dar corpo ao meu entendimento de que há uma confluência entre o pensamento de ambos, através do cruzamento das leituras dos escritos de Pasolini com algumas das obras de Agamben, em especial La comunità che viene e Altissima povertà e Signatura rerum. As linhas principais que norteiam esse percurso ¿ que ocorre em diálogo com algumas das leituras de Georges Didi-Huberman sobre o cinema e os escritos de Pasolini ¿ são certa percepção não linear do tempo, presente tanto no pensamento de Pasolini quanto no de Agamben e certo "caráter apocalíptico" do pensamento de ambos, apontado por Didi-Huberman. Estabelece-se como importante elemento nessa pesquisa o diálogo entre Elsa Morante e Pasolini, ao redor de Il mondo salvato dai ragazzini, livro de poemas de Morante considerado pelo escritor como um "manifesto político". Esse diálogo nos oferece elementos singulares para essa iniciativa interpretativa
Abstract: This work is based on a critical effort of understanding, it was done through some Pier Paolo Pasolini`s peace of artistic work, especially that one comprehended between the second decade of 1960 and the first decade of the 70¿s. I have not had the pretense of doing an exhaustive analysis of none of them, however they were read carefully: La sequenza del fiore di carta, four poems, which composes a collectanea Trasumanar e Organizzar, the non-filmed script of Porno-Teo-Kolossal, the writings entitled Divina mimesis, some articles of Il Caos column, that was maintained in the periodical Tempo, some of Scritti Corsari, the romance Petrolio and also the movies Medea and Salò, 120 giorni di Sodoma. In dialog with the perception of continuity between Pier Paolo Pasolini¿s work and Giorgio Agamben¿s work, which was sustained by Georgs Didi Huberman in Survivance des lucioles, I look for supporting my comprehension, that there is a confluence between them both work. It was done by crossing my readings with the writings of Pasolini and Agamben, particularly in La comunità che viene, Altissima povertà and Signatura rerum. The line that guide me ¿ which occurs in dialogue with some headings of Didi Huberman about cinema and Pasolini's writings ¿ are the non linear perception of time, that characterizes Agamben's "apocalyptic character" and can be found in the thoughts of both, as Didi Huberman has pointed. An element that has established its importance for this research is the dialog between Elsa Morante and Pasolini, it was considered by him as the "political manifest" of the writer in Il mondo salvato dai ragazzini, that offered us singular elements for this interpretative initiative
Doutorado
Teoria e Critica Literaria
Doutora em Teoria e História Literária
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Toën, Mélinda. "Le sentiment de l'histoire dans l'oeuvre de Pier Paolo Pasolini : une poétique en prise avec le temps." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010514.
Full textAbstract:
Pier Paolo Pasolini a entretenu des rapports complexes et chaotiques avec l'Histoire. C'est à partir d'un texte intitulé Le sentiment de l'histoire dont il est l'auteur que notre travail de recherche est né. C'est ce rapport qu'il s'agira de comprendre, car, nous semble-t-il, c'est de ce corps à corps avec l'histoire que se love la production artistique du cinéaste. En découpant le corpus pasolinien en trois grands axes, nous verrons d'abord comment son sentiment de l'histoire est vécu sous le mode d'un retour à un temps pré-historique; puis comment l'antique vient hanter le contemporain et enfin comment « il dopo storia » ce temps dénoncé par Pier Paolo Pasolini dès la moitié des années soixante a effacé tous les spectres du passé, provoquant ainsi l'homologation la plus atroce: celle des corps et des chairs, modifiant par là même notre rapport à la réalité. Pasolini serait alors l'ange de l'histoire (Angelus Novus) si bien décrit par Walter Benjamin, annonçant avec une exactitude glaçante ce que le XXI ème siècle est devenu. Un ange qui agit à la fois pour son temps et contre son temps afin de permettre l'émergence des spectres de l'histoire pour reprendre le vocabulaire de Walter Benjamin. Ces figures fantomatiques, ces lucioles pasolinniennes survivent dans notre présent et permettent ainsi de construire un agir politique en faveur de notre temps: voilà sans doute l'héritage que nous a laissé Pasolini.
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Marie, Arnaud. "Théâtre de Federico Garcia Lorca, Jean Genet, Pier Paolo Pasolini : la cérémonie impossible : marges et frontières de la représentation." Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100124.
Full textAbstract:
Dans ce travail nous lisons les œuvres théâtrales de Jean Genet, Pier Paolo Pasolini et Federico Garcia Lorca comme des cérémonies sacrificielles qui exposent la représentation mimétique aux brûlures du désir et de l’Histoire. L’étude de l’espace et du temps, des personnages et du langage dramatique montre d’abord comment la représentation est pervertie, soumise à un vertige néobaroque. La cérémonie sacrificielle dont nous observons ensuite les formes et modalités d’exécution apparaît elle aussi prise dans ce vertige. Détournée de son scénario convenu, minée par la dérision, elle fait place à une autre cérémonie qui s’installe dans ses marges et aux frontières de la représentation. Nous l’appelons cérémonie impossible car elle se mesure à l’invisible et s’attache à donner corps à la réalité mouvante du désir à ses métamorphoses incessantes. C’est en ce point que le théâtre doit s’agencer avec la poésie, la danse, le cinéma. Nous montrons enfin que cette cérémonie laisse le théâtre en proie à des visions infernales, inspirées par les cataclysmes de l’histoire du vingtième siècle, mais qu’elle dessine aussi un espace utopique, un espace de rencontre amoureuse avec l’autre, où Genet, Pasolini et Lorca inventent et fabulent une communauté soustraite à l’emprise du PouvoirIn this study, plays by Jean Genet, Pier Paolo Pasolini and Federico Garcia Lorca are read as being sacrificial ceremonies exposing a mimetic representation to the burning of desire and history. The study of time and space, of the characters and the dramatic language shows at first how the representation can be perverted and subjected to a neobaroque vertigo. The sacrificial ceremony itself with its forms and mode of implementation seems to be part of this vertigo as well. As it is diverted from its conventional scenario, undermined by ridicule, it gives way to another ceremony that appears on the fringe and on the borders of representation. We’ll call it impossible ceremony because it tackles the invisible and endeavours to give substance to the changing reality of desire, to its constant metamorphosis. In this respect theatre must accommodate poetry, dancing and the cinema. Last of all we show that this ceremony lets theatre be in the grip of diabolical visions, inspired by the cataclysms of twentieth century history while it defines a utopian gap, a gap for romantic encounters where Genet, Pasolini and Lorca invent and make up a community shielded from the hold of power
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Trento, Giovanna. "Pasolini et l'Afrique -L'Afrique de Pasolini : panméridionalisme et représentations de l'Afrique postcoloniale." Paris, EHESS, 2008. http://www.theses.fr/2008EHES0354.
Full textAbstract:
Pier Pasolini (1922-1975), intellectuel italien complexe et de grande envergure, a élaboré une vision de l'Afrique qui n'avait jamais été analysée en profondeur. La recherche a étudié la représentation de l'Afrique chez Pasolini : par l'analyse de son vaste corpus biblio/filmographique et de ses expériences de vie et de voyage, en restituant son travail dans son contexte historique et social, en confrontant les différents discours avec lesquels cette représentation entre en résonance et par l'élaboration des notions de Grand Midi et Panméridionalisme. Le regard africain de Pasolini, d'une part, nous raconte entre les lignes l'Italie qui essaye de se réinventer après le fascisme, et la valorisation du dialecte et du folklore à partir de la fin des années Quarante qui fait suite à la redécouverte de Gramsci ; d'autre part, ces questions nous projettent vers des thèmes qui caractérisent le débat académique de la fin du XXème siècle : la relecture de Gramsci au niveau international à l'époque postcommuniste, la notion transnational de paysannerie, la construction et la conservation d'un imaginaire "afro-classique", la question de la Mémoire coloniale et la façon dont s'énonce une perspective postcolonialeItalian writer and filmmaker Pier Paolo Pasolini (1922-1975) provided a complex representation of Africa that had not been studied yet. The author of this thesis finally did it by : researching into his huge production, outlining his life and traveling, placing his work into its historical context, comparing his work with other similar/different discourses, and by introducing the notions of Pan-South and Pan-southern Approach. On one hand, Pasolini's presentation of Africa portrays -between the lines- how Italy dismissed fascim and the war, by rediscovering Gramsci and by discussing the notion of folklore; on the other hand, it lets us focus critically on issues that will be relevant internationally in social sciences and humanities at the end of XX century, such as: a renewed attention to Gramsci's work, the transnational notion of peasantry, the development of Afrocentrism, the rise of colonial memories, and the postcolonial perspective
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Le, Bars Christian. "Regards cinématographiques sur la mort." Toulouse 2, 2007. http://www.theses.fr/2007TOU20104.
Full text
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Millot, Loïc. "Poétique du sacré chrétien dans les filmographies de Pier Paolo Pasolini et Andreï Tarkovski." Thesis, Université de Lorraine, 2016. http://www.theses.fr/2016LORR0204.
Full textAbstract:
C’est parce qu’il existe historiquement un fonds commun, le christianisme, que les films de Pier Paolo Pasolini (1922-1975) peuvent communiquer par l’intermédiaire du sacré avec les films d’Andreï Tarkovski (1932-1986). Leurs carrières de cinéastes débutent presque au même moment, au début des années 1960, et dans le même pays, l’Italie. Le premier film réalisé par Pier Paolo Pasolini, Accattone (Accattone, 1961), est projeté pour la première fois à la Mostra de Venise le 31 août 1961, là-même où L’Enfance d’Ivan (Ivanovo detstvo, 1962) de Tarkovski recevra l’année suivante le premier « Lion d’or » de l’histoire du cinéma soviétique. La religion n’occupe cependant pas la même place dans la vie sociale italienne, où le catholicisme est religion d’État jusqu’en 1984, que sous un régime athée fondé sur la « Séparation de l’Église avec l’État et avec l’École » en vertu de la loi du 23 janvier 1918. Nous formons l’hypothèse que leurs poétiques engagent respectivement une fonction critique à l’égard d’un pouvoir ayant autorité sur le sacré. Cette charge critique s’exercerait pour Tarkovski à l’encontre de la politique athée et matérialiste du régime soviétique, que ce soit à la fin du gouvernement de Krouchtchev (1953-1964) ou celui de Leonid Brejnev (1964-1982) sous lequel il évolue principalement en tant qu’artiste soviétique. Dans le cas de Pasolini, cette charge critique s’exercerait à l’encontre de la religion catholique et de son alliance politique avec la Démocratie chrétienne. Dans les deux cas, il s’agit d’investir et de s’approprier l’opposition fondamentale entre le sacré et le profane pour redéfinir leur frontière et leur répartition dans l’espace et le temps. Le parcours que nous suivrons s’échelonnera en trois parties. La première est axée sur la façon dont les réalisateurs ont respectivement actualisé au cinéma un paradigme de l’incarnation pour élaborer des figures christiques. Par leur intermédiaire, les réalisateurs nouent respectivement des rapports avec la liturgie, tantôt pour briser l’identification constituée historiquement sur « le » Christ de l’Église, tantôt pour réintroduire le culte et la tradition orthodoxes refoulés par le régime soviétique. Dans une deuxième partie, nous interrogeons la façon dont la représentation des corps et des sexualités mettent en tension le sacrilège et le sacré. Il faudra penser la dialectique du sacré et du profane avec des autorités ayant pouvoir de sanctionner la représentation des corps. La troisième partie, enfin, appréhende le sacré et le profane comme deux catégories opposées contribuant à la reconfiguration politique de l’espace et du commun. Nous analyserons l’emploi de traditions chrétiennes et la relation fondée sur la sanction qui unit des peuples « saints » à des formes de souveraineté politique se présentant elles-mêmes comme des autorités sacrées, séparées du commun des mortelsBecause there exist historically a common culture, Christianity, that the films of Pier Paolo Pasolini (1922-1975) can communicate with the films of Andreï Tarkovski (1932-1986). Their careers of filmmakers begin almost at the beginning of the years 1960, and in the same country, Italy. The first film carried out by Pier Paolo Pasolini, Accattone (Accattone, 1961), is shown for the first time at Mostra of Venice on August 31st, 1961, where the Childhood of Ivan (Ivanovo detstvo, 1962) of Tarkovski will receive the following year the first “gold Lion” of the History of the Soviet cinema. The religion does not occupy however the same place in the Italian social life, where Catholicism is religion of State until 1984, which under a Soviet regime based on the “Separation of the Church with the State and the School” since 1918. Their poetic respectively engage a critical function with regard to a power having authority on Sacred Christian. This criticism would be exerted for Tarkovski against the atheistic and materialist policy of the Soviet regime, under the government of Krouchtchev (1953-1964) and Leonid Brenev (1964-1982). In the case of Pasolini, this criticism would be exerted against the Catholic Church and to its political alliance with the Christian-Democracy. In both cases, it would be a question of investing and of adapting the fundamental opposition between the Sacred and the Profane to redefine their border and their distribution in space and time
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Rey, Mimoso-Ruiz Bernadette. "Le mythe du merveilleux barbare : aspects mythocritiques de Pasolini à Lounguine." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040092.
Full textAbstract:
L'expression de "merveilleux barbare", selon Pasolini, ouvre des perspectives de réflexion sur la remise en cause du concept de barbarie. Dans une approche comparatiste (littérature/cinéma) à travers les œuvres romanesques et filmiques, nous nous interrogeons sur une possible définition mythique du barbare et de sa représentation à partir des études mythocritiques réalisées ces dernières années. La figure du barbare s'impose à la fois dans le temps et l'espace, ce qui nous conduit à un rappel des conceptions antiques, et plus particulièrement helléniques des écarts entre "civilisé" et "barbare". Nous examinons les composantes de l'espace romanesque figuré dans le roman de Le Clézio (Procès-verbal) et dans ceux de Burgess (A clockwork orange) et de Quignard (La frontière) puis, nous étudions les caractéristiques particulières à la narration filmique de l'espace du barbare dans les films qui nous occupent (Accattone, Mamma Roma, Luna Park) dont nous avons réalisé les découpages plan par plan. Nous avons considéré en particulier les problèmes spécifiques de la transposition du roman de Burgess au film homonyme de Kubrick. En nous appuyant sur les irradiations mythiques d’Orphée dans ses composantes transgressives envers les lois de la cité, nous établissons des relations entre les personnages romanesques et filmiques et le mythe dont nous parvenons à démontrer dans une troisième partie les modalisations et les variantes. Ensuite, dans une quatrième partie nous nous penchons sur l'analyse des perceptions entre le masculin et le féminin qui conduisent à un réseau iconoclaste et transgressif vers une nouvelle poétique proche de Rimbaud. Enfin, dans une cinquième partie, nous nous interrogeons sur les prolongements contemporains du merveilleux barbare et de sa nécessaire existence comme instance dénonciatrice des idéologies destructrices. Nous en venons à établir un rapprochement entre le mythe du merveilleux barbare et la figure de l'artiste dans sa vocation éclairanteThe expression of the “marvelous barbarian” according to Pasolini opens to a reflection about the concept of barbarity. The novels and films of our corpus are examined in a comparative prospect. The mythic definition of the barbarian and its representation in literature and cinema is analyzed from the mythocritic essays of our days. The barbaric figure imposes itself in time and space. We quoted the antic conceptions, particularly in Greece where divergences appear between the civilized and the barbarians. The space of the novels (le Clezio's Procès-verbal, Aa clockwork orange by A. Burgess, Quignard's La frontière) are examined (part i) we study the particular characteristics of the filmic narration and the space of the barbarian in the films quoted (Accattone,Mamma Roma,Luna Park) through a shooting script presented shot by shot. We considered particularly the special problems of the adaptation from the novel of a. Burgess to the homonymous film of Kubrick. (part ii). Basing our analysis on the mythical irradiations of Orpheus according to his transgressive components towards the city, we correlated the characters of the novels and of the films to the myth which we demonstrated the modelisations and variations (part iii). We analyzed the peculiar perceptions of masculine and feminine linked to an iconoclast and transgressive network and a new poetic approach to Rimbaud (part iv). At last we examine the contemporary extensions of the marvelous barbarian and we ask the necessity of his existence which appears like a telltale proceeding of the destructive ideologies. We conclude with a links between the myth of the marvelous barbarian and the figure of the artist's enlightened vocation
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Deloche, Pascale. "Le temps des figurants : La réserve eschatologique dans La ricotta, de Pasolini." Thesis, Lyon, 2018. http://www.theses.fr/2018LYSE2065/document.
Full textAbstract:
« Entre mon marxisme et mon décadentisme, il manquait la médiation d’un troisième terme qui est justement le christianisme ». Ainsi s’exprime Pasolini en 1964. Cette thèse propose de réexaminer La ricotta à partir d’une notion théologique : la réserve eschatologique élaborée par Jean-Baptiste Metz en dialogue avec les théologiens de la libération. A cette lumière, l’examen du procès de La ricotta et de son conflit central autour du rire, du sacré et du blasphème, offre la possibilité d’appréhender à nouveaux frais la portée politique des choix esthétiques de Pasolini puis de restaurer la trame historique sur laquelle se détache son œuvre. La ricotta répondait à une commande de film sur la fin du monde. L’approche par l’eschatologie éclaire la réponse pasolinienne : son récit de Passion lui permet de se positionner comme marxiste athée, à l’intérieur d’une culture chrétienne assumée et revivifiée. Enfin, la réserve eschatologique qui travaille l’esthétique du peuple dans La ricotta, notamment dans letraitement des voix, ouvre le pastiche pasolinien au temps des figurants“Somewhere between my Marxism and my Decadentism, a third term was missing which is, in fact, Christianity”, dixit Pasolini in 1964. This thesis will re-examine La ricotta, through a theological prism : using the Eschatological Reservations developed by Johann Baptist Metz in tandem with the Liberation Theologists. In the light of this concept, the study of the trial of La ricotta and its central tension built around the comic, the sacred and the blasphemous, will allow us to consider the political weight of Pasolini’s aesthetic choices and to reconstruct the historic background of his work. La ricotta was commissioned as a film about the end of the world. One may shed new light on Pasolini’s creation by using eschatological theory. Through his interpretation of the Passion of Christ, he appears as a Marxist atheist within his asserted and revitalized Christian culture. To conclude, the Eschatological Reservations influence Pasolini’s aesthetic interpretation of the poor and their voices in Laricotta, and herald a new era, the Age of the Extras
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Hervé, Stéphane. "De l'inactualité du théâtre : poétique et politique de l'hétérotopie chez Pier Paolo Pasolini et Rainer Werner Fassbinder." Thesis, Montpellier 3, 2011. http://www.theses.fr/2011MON30101/document.
Full textAbstract:
Autour de 1968, le théâtre, confronté à l’exigence de contemporanéité posée par les mouvements de contestation et au développement sans précédent des médias de la culture de masse, connaît une période intense de problématisation de sa puissance politique. Du fait même de sa marginalisation dans l’espace social, le théâtre devient une hétérotopie, c’est-à-dire un genre d’utopie effectivement réalisée : il oppose sa disposition communautaire à la masse indistincte des consommateurs, un discours de vérité aux mensonges des sociétés capitalistes et autoritaires, l’exposition d’une expérience authentique aux simulacres spectaculaires. Les pratiques théâtrales de Pasolini et de Fassbinder semblent participer de ce mouvement hétérotopique : les deux auteurs présentent le théâtre comme un art irréductible aux jeux du pouvoir, de la consommation et du spectacle. Pourtant ces pratiques apparaissent en déphasage avec les œuvres phares de ce moment théâtral. Cette thèse se propose d’envisager les trois types d’inactualité qui les caractérisent : inactualité thématique (leur rapport conflictuel aux mouvements contestataires étudiants ou gauchistes), inactualité esthétique (le choix de la parole au moment du règne scénique des corps, le primat accordé à la vie affective au détriment de sujets ouvertement politiques), inactualité « ontologique » (la minoration des effets de présence des corps scéniques). Pour cela, elle cherche à mettre en évidence les reprises de motifs centraux de la pratique théâtrale hétérotopique, mais aussi les déplacements qu’ils subissent dans les œuvres dramatiques et scéniques des deux auteursAround 1968, the theatre, confronted with the requirements of contemporaneousness laid down by the protest movements and with the unprecedented development of the medias of mass culture, experiences an intense period of problematisation of its political power. Owing to its marginalization in the social space, the theatre becomes a heterotopia that is a kind of utopia actually achieved: it opposes its community tendency to the indistinct mass of consumers, a speech of truth to the lies of capitalistic and authoritarian societies, the display of a genuine experiment to spectacular simulacra. Pasolini’s and Fassbinder’s theatrical practices seem to be part of this heterotopical movement: both authors present the theatre as an art that withstands the games of power, of consumption and spectacle. Yet there seems to be a gap between these practices and the landmark works of the theatrical time. This thesis intends to consider the three types of unactuality that define them: thematic unactuality (their antagonistic relationships with the protest movements), aesthetic unactuality (the choice of the words whereas the bodies are preponderant on stage; the primacy given to the affective life rather than more evident political subjects), ontological unactuality (by reducing the effects of presence of the scenic bodies). Therefore, it tries to expound the repetition but also the redefinition of the important motifs of the theatrical heterotopical practice in the dramatic works and the performances of the two artists
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Houcke, Anne-violaine. "L'invention de l'antique dans le cinéma italien moderne : la poétique des ruines chez Federico Fellini et Pier Paolo Pasolini." Thesis, Paris 10, 2012. http://www.theses.fr/2012PA100170.
Full textAbstract:
Le néoréalisme – et notamment le cinéma de Roberto Rossellini – a montré à quel point l’Italie sortait ruinée de la Seconde Guerre mondiale. À la théâtralité fasciste et à la rhétorique grandiloquente de la romanità succède une attention nouvelle portée à l’humilis et, corollaires de cet « amour pour la réalité » (expression de Pasolini, à propos de Rossellini et de Fellini), de nouvelles pratiques cinématographiques. Cette recherche a pour ambition de mettre en regard deux cinéastes généralement considérés comme antithétiques, avec pour fil directeur « l’invention de l’antique », afin de mettre en évidence l’existence d’un horizon commun, qui trouve son origine dans deux réalités historiques : d’un côté le rejet de l’Antiquité fasciste, de l’autre la résistance à la fuite en avant contemporaine. L’« antique », entendu conceptuellement comme matrice de résistance (donc non limité aux bornes historiques assignées à l’Antiquité), est ici pris dans un jeu dialectique et dynamique avec l’idée de modernité, puisqu’il s’agit de déterminer comment une modernité esthétique a pu s’inventer et s’expérimenter contre, ou tout contre, une autre modernité – sociale, économique, politique. Fellini plonge dans l’univers chaotique et placentaire de la création en studio. Pasolini, à l’inverse, se déplace toujours plus loin du centre, à la rencontre de nouveaux corps, et de nouvelles terres à arpenter. Dans les deux cas pourtant, il s’agit d’en passer, de manière poétique, par deux disciplines que l’après-guerre n’accepte pas plus que le fascisme – la psychanalyse et l’ethno-anthropologie – pour mettre au jour des survivances, pour porter à la lumière ce que la modernité refoule, et « fictionner » à partir de ces fragments. L’invention sera donc d’abord entendue au sens archéologique du terme (impliquant repérages, découverte, mise au jour). Elle sera aussi entendue au sens poétique de l’« œuvrement » à partir des fragments, mettant en évidence des affinités électives entre l’Antiquité et le cinémaNeorealism in general, and Roberto Rossellini’s works in particular, portray post-WW2 Italy as a country in ruins, both literally and metaphorically. Fascist theatricality and the pompous rhetoric of the romanità are abandoned, and a new focus is given to humilis – “loving reality” in the words of Pasolini commenting on Rosselini’s and Fellini’s works – and the new film practices that stem from it. In this dissertation, I compare two film makers who are usually put in systematic opposition to each other, and show how their works actually have common characteristics when analysed from the perspective of what I call “the invention of Antiquity”. From two distinct points in history, they not only reject the fascist interpretation of Antiquity, but also resist modern Italy’s race to progress. Here the concept of “Antiquity” is defined as a form of resistance, which as such transcends its traditional historical boundaries. It is involved in a dynamic dialogue with the idea of modernity, so as to show how a form of aesthetic modernity gets invented and put into practice as a reaction against a different form of social, economic and political modernity. Fellini delves into the chaotic and womb-like world of film studios, while Pasolini moves further and further away from the centre, in search of new bodies to discover and new lands to walk. Yet they must both find a poetic way of dealing with disciplines that post-WW2 Italy rejects as much as fascism – psychoanalysis and ethno-anthropology. For both of them, the aim is to uncover relics of the past, to shed light on those elements repressed by modernity, and create fictions” out of these fragments. The term invention is thus first intended in its archaeological meaning (i.e. locating, discovering, uncovering). It is then used in a more poetic sense, as an act of “crafting” out of fragments, which highlights specific connexions between the world of antiquity and the world of films
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Chraïbi, Sofia. "Perversion, création et judéo-christianisme : les cas de Pasolini et de Mishima." Nice, 2004. http://www.theses.fr/2004NICE2013.
Full textAbstract:
Notre travail porte sur la structure perverse, dans une référence lacanienne. Reprenant les apports conceptuels psychanalytiques du fétiche et du déni, nous les articulerons à une troisième proposition inscrivant notre hypothèse de thèse : la compréhension de la perversion passe nécessairement par l'analyse du lien structural établi par le pervers au Dieu judéo-chrétien. Nous justifierons cette proposition par l'étude de deux intellectuels : l'écrivain/cinéaste italien Pier Paolo Pasolini et l'écrivain japonais Yukio Mishima. S'instituant théoriciens de la perversion, par leurs actes de création, traces fantasmatiques de leus vies, nous verrons en quoi ils nous livrent ce repérage structuralOur work is concerned with perverse structure, essentially refering to a clinically Lacanian theory. Going over conceptual psychoanalytic contributions of fetish and denial, we will link them to a third proposition, in keeping with our hypothesis thesis : we only can understand the perversion when we analyse the structural link instituted by the perverse person with a Judeo-Christian God. We justify this proposition by clinical study of two intellectual persons : Italian cine-writer Pier Paolo Pasolini and Japanese writer Yukio Mishima. Portraying themselves as perversion theoriticians, by their acts of creation which are fantasy traces of their lives, we will see why they reveal their perversion structures
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Letoulat, Alice. "D'un archaïsme moderne : enjeux esthétiques et politiques de l'« impureté » chez Pier Paolo Pasolini, Manoel de Oliveira et Sergueï Paradjanov." Thesis, Poitiers, 2018. http://www.theses.fr/2018POIT5009.
Full textAbstract:
À la vision des films de Pier Paolo Pasolini, Manoel de Oliveira et Sergueï Paradjanov, on peut être surpris par leur préférence pour les formes et thématiques archaïques, c'est-à-dire issues de références anciennes. L'observation de la singularité d'un tel cinéma sert de point de départ à la réflexion. L'archaïsme volontaire de ces réalisateurs semble les isoler dans le champ de l'histoire du cinéma, et pourtant leurs films recèlent aussi des enjeux résolument modernes. À partir du paradoxe qui oppose à première vue les deux termes, ce travail s'efforce de montrer comment l'archaïsme constitue un aspect de la modernité filmique, reposant sur le choix volontaire d'une impureté esthétique qui engage une redéfinition du cinéma, et même de ses possibles politiques. Les choix archaïques des cinéastes constituent en effet une tentative de refondation déjà moderne dans la mesure où elle s'oppose à toute restriction des possibilités filmiques. Pasolini, Paradjanov et Oliveira se proposent donc de penser le cinéma différemment, mais aussi d'interroger leur manière de le pratiquer. Il ne s'agit pas de redéfinir le seul cinéma, mais également ses objets et leur place dans le sensible. Petit peuple des faubourgs romains, visages populaires de Transcaucasie, paysans pauvres du Portugal : les « oubliés » du cinéma et de la société retrouvent images et voix chez les cinéastes concernés. La dimension esthétique du choix de l'impureté filmique n'irait ainsi pas sans une vocation politique qui tient à l'ambiguïté permanente de films dont les brouillages volontaires sont aussi une façon de contrer les hiérarchies conventionnelles. Le développement de la réflexion suit la structure bipartite suggérée par son sujet. Les deux parties fonctionnent toutefois ensemble. Il s'agit d'abord de confronter la notion de « spécificité » du cinéma à la singularité des films étudiés, afin de pouvoir définir ce que l'impureté fait à la forme-cinéma. Le premier chapitre se demande comment qualifier les cinéastes qui ont recours à des formes archaïques alors même qu'ils sont les contemporains d'un cinéma dit « de la modernité ». Dans le deuxième chapitre, on poursuit l'exploration des manifestations archaïques-modernes en étudiant les formes prises par la contamination. Celle-ci générant ambiguïté et altération, les films impurs accueillent aussi une marge dont la visibilité nouvelle permet de repenser la distribution du sensible. Le second temps de la réflexion est ainsi consacré aux enjeux qui lient esthétique impure et politique du partage. Le troisième chapitre étudie les types d'altérités auxquels s'ouvre la forme-cinéma impure. Le quatrième et dernier chapitre s'efforce de comprendre les fonctions occupées par l'exposition des marges et des disparus. Leur préservation n'est pas seulement une survivance mémorielle : les cinéastes en postulent la possible résistance, esthétique et politique. Leurs écarts formels ne relèvent ainsi pas seulement de l'expérimentation mais d'une ambition politique d'exposition. À l'issue des démonstrations, on tient à conserver le paradoxe initial opposant archaïsme et modernité, car l'écart qu'il suppose entre les termes représente la posture impure des cinéastes. Ils occupent volontairement une position à l'écart. Sur ce même seuil se tiennent leurs films dont l'impureté consiste bien à ne jamais céder à la tentation de l'univocité. L'archaïsme moderne définit alors une prise d'écart qui est aussi une hauteur de vue permettant de penser autrement l'écriture de l'histoire par sa refondation permanente. L'acte de reprise apparaît alors comme le geste garantissant une éthique du filmeurWatching Pasolini's, Oliveira's and Parajanov's films, the spectator can be surprised by their taste for archaic themes and forms, inherited from ancient references. This thesis takes its source in the observance of this cinema's singularity. The filmakers' willfull archaism seems to isolate them in the history of cinema. Nevertheless their films also show modern stakes. From the paradox between the two terms, this work tries to show how the archaism is an aspect of film modernity. It leans on the voluntary choice of formal impurity which questions the very definition of cinema, and its political possibilities even. Pasolini, Parajanov and Oliveira offer to think cinema differently, but also to question their own way of practicing it. It is not only the cinema that needs to be redefined, but the place of its objects too. Poor people of Roma, popular faces of Transcaucasia, little peasants from Portugal : the “forgotten” from cinema and society can finally be seen and heard in these filmakers' movies. The formal dimension of filmic impurity is linked to a political vocation which holds on to the permanent ambivalence in the films. Their willfull interferences are also a way to fight the conventionnal hierarchies. The development of the thesis is divided in two parts, as its subject invites it to proceed. Nevertheless both parts work together. First I confronte the “specificity” of cinema to the singularity of the films I study, in order to define what impurity does to the form-cinema. The contamination generates ambivalence and alteration : impure films let see a marginality that is usually banished from cinema and society. The second part of the thesis is dedicated to the stakes which link impure aesthetics to politics of the sharing
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Desogus, Paolo. "Le cose e i segni : per una semiotica dello stile indiretto libero nell'opera letteraria e cinematografica di Pier Paolo Pasolini." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040059.
Full textAbstract:
Cette thèse se propose d’étudier le style indirect libre dans l’œuvre de Pier Paolo Pasolini à travers un axe de recherche qui peut, schématiquement, se rattacher à deux champs: le champs poétique, concernant l'activité littéraire et cinématographique de l'auteur et le champs théorique, où le problème de la forme esthétique devient l'occasion pour l'étude des principes linguistiques etsémiotiques qui en permettent la réalisation. Ce double parcours s'articule à son tour en quatre phases de développement: la phase de la « régression » théorisée dans les années quarante pour expliquer divers processus relatifs à l’emploi du dialecte en littérature ; celle de la « connexion sentimentale », notion tirée des Cahiers de prison de Antonio Gramsci pour décrire le rapport entre les intellectuels et les classes subalternes ; celle du discours indirect libre en tant que tel, qui se trouve à la base de lapoétique des romans romains des années cinquante, et qui est également présent dans d’autres œuvres élaborées plus tard ; et finalement la phase de la subjective indirecte libre, théorisée dans les années soixante pour décrire le style indirect libre au cinéma.La régression, la connexion sentimentale, le discours indirect libre, la subjective libre indirecte constituent le point de contact entre le parcours poétique et dans le même temps théorique de l'auteur. La régression dans la parole de l’autre, ou, comme au cinéma, dans le regard de l’autre, représente en dernière instance la tentative de l’auteur de traduire sur le plan littéraire et cinématographique la réalité de conflits historiques et existentielsThis doctoral thesis studies the free indirect style in Pasolini's works through a double path of research. On one hand it takes into account his literary and cinematic production; on the other it studies the linguistic and semiotic principles on which its free indirect style hinges. This double path has been crossed in the light of four notions that Pasolini developed in his theoretical essays along his artisticactivity. The first one is the “regression”, elaborated in the 40s in order to describe the usage of the Friulian dialect of his early poems. The second one is the “sentimental connection”, which Pasolini discovered in Gramsci's Prison Notebooks and he employed to analyse the relationship between intellectuals and subaltern classes. The third one concerns the free indirect discourse used in Pasolini's Roman novels of the 50s and studied from a linguistic and semiotic point of view in some essays. The last one is the free indirect subjective theorised in the 60s to describe the cinematic adaptation of the free indirect style.Regression, sentimental connection, free indirect discourse and free indirect subjective are the most important notions of Pasolini's free indirect style. They show how the author established itslinguistic, political and sentimental relationship with the subalterns that populates his literary works aswell as his movies
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Marguet, Damien. ""Traduire en images" ? poétiques du film et de la lettre chez Pier Paolo Pasolini, Danièle Huillet et Jean-Marie Straub, et Béla Tarr." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA053.
Full textAbstract:
Lors de la préparation de L’Évangile selon Matthieu (1964), Pier Paolo Pasolini indique dans une lettre au théologien Lucio Caruso qu’il ne souhaite pas adapter le texte biblique mais le « traduire fidèlement en images ». Adapter une œuvre littéraire pour le grand écran consiste généralement à en extraire un « contenu » à partir duquel un scénario sera développé. Or, c’est à l’œuvre matthéenne que le cinéaste souhaite nous ramener, non à l’histoire du Christ. Il va ainsi s’attacher à traduire la poésie du texte au moyen du cinéma. Le concept de traduction auquel Pasolini fait appel ne désigne-t-il pas un mode de relation aux œuvres dont pourraient relever d’autres films réalisés à partir de sources écrites ? C’est ce que cette thèse entend vérifier en rapprochant l’expérience de L’Évangile du travail entrepris par Danièle Huillet et Jean-Marie Straub à partir de plusieurs textes et de la relation entretenue par le cinéma de Béla Tarr aux écrits de László Krasznahorkai. À travers ces démarches apparaît la possibilité d’une altération formelle du film par le texte. Elles nous font passer du régime de la translation, qui sous-tend la majorité des théories de l’adaptation, à ceux de la reprise et de la métamorphose. Que ce concept de traduction puisse éclairer certains aspects de la pratique cinématographique, c’est ce que je chercherai simultanément à démontrer. La vision d’un film tient d’une énonciation continue où s’éprouve la langue. Aussi, envisager le cinéma comme un espace traductif, c’est y voir un lieu possible de redistribution des positions et de reconfiguration des énoncés. Cette poétique du traduire est une politique, qui engage une conception de la création artistiqueDuring the preparation of The Gospel According to Matthew (1964), Pier Pasolini stated in a letter to theologian Lucio Caruso that he did not want to adapt the biblical text, but wished to “translate [it] faithfully into images”. To adapt a literary work onto the big screen usually consists in extracting out of it a “content” from which a script can then be developed. But Pasolini’s intent was to take us back to the text of the gospel, not to the story of Christ – hence his endeavour to translate the text’s poetry by means of cinema. The concept of translation invoked by Pasolini denotes a certain mode of relationship to a given work. Could this mode pertain to other films derived from written sources? This is what will be investigated in this thesis, by bringing together the experience of The Gospel According to Matthew and two other approaches: on the one hand, the works by Danièle Huillet and Jean-Marie Straub based on various texts; on the other hand, the relationship between Béla Tarr’s cinema and László Krasznahorkai’s writings. Through these processes emerges the idea of a possible alteration of the film’s form by the text. From the rule of translation, which underlies most of the theories of adaptation, we move to the rule of reprise and metamorphosis. I will also try to demonstrate that this concept of traduction can shed light on some aspects of the practice of filmmaking. The viewing of a film is a continuous enunciation where the language is being experienced. Therefore, to consider cinema as a translative space is to perceive it as a place where positions can be dealt anew and utterances reshaped. This translative poetics is actually a politics, and one which affects our conception of artistic creation
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Wang, Chunchun. "La Traversée vers la postmodernité : la transformation de l’Italie à travers le cinéma de Michelangelo Antonioni, Federico Fellini et Pier Paolo Pasolini (1957-1978)." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2018. http://www.theses.fr/2018PA080020.
Full textAbstract:
La présente thèse étudie la transformation de l’Italie vers la postmodernité (1957-1978) à travers le cinéma de trois auteurs : Michelangelo Antonioni, Federico Fellini et Pier Paolo Pasolini. Elle explore l’historicité du cinéma, en interrogeant la manière par laquelle le septième art constitue une mise en forme et une écriture de l’histoire. Dans la convergence de deux histoires, celle humaine et celle du cinéma, elle met en récit l’expérience de la transformation sociétale et artistique. En dernière analyse, il est question d’étudier le cas italien comme un paradigme. En réactualisant les propositions des trois cinéastes dans le contexte contemporain de la mondialisation, de l’hypermédiatisation et de la domination technologique, le présent travail nous invite à repenser la vie humaine et la création artistique face aux défis de la postmodernitéThis thesis examines the transformation of Italy towards postmodernity (1957-1978) through the cinema of three film directors: Michelangelo Antonioni, Federico Fellini, and Pier Paolo Pasolini. It explores the historicity of cinema, by questioning the concrete means through which film constitutes a form and a writing of history. In the coming together of two histories, the human one and that of the cinema, the thesis recounts the experience of a societal and artistic transformation. In the final analysis, it is a question of studying the Italian case as a paradigm. By updating the proposals of the three filmmakers in the contemporary context of globalization, hypermedia and technological domination, this work invites us to rethink human life and artistic creation, facing the challenges of postmodernity
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Hammouda-Ammari, Hajer. "Violence du langage, langage de la violence : étude comparée chez quatre cinéastes italiens : Rossellini, De Sica, Visconti, Pasolini." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030056.
Full textAbstract:
L’œuvre cinématographique de Rossellini, Visconti, De Sica et Pasolini est si riche, si diversifiée, toujours poignante par la virulence des thèmes qu’elle traite et qui s’inscrivent au cœur même de la réalité. Les outils privilégiés de ces cinéastes italiens pour capter cette réalité dans sa nudité et dans son extrême violence sont : la « parole » poétique et authentique, dialectale ou argotique, dont le sens est souvent inconnu ou difficile à décrypter, la gestuelle naturelle des corps et les mimiques des visages dont les personnages sont dotés, ensemble de signes recueillis grâce à une caméra omniprésente. Le tout est restitué par le biais d’« images » qui, traversées par des pointes de picturalité et de sculpturalité chez Visconti et Pasolini, captées avec poésie et vibration dans l’art de Rossellini et De Sica, là où surgit le tragique, donnent à la réalité un sens fort symbolique : celui de la palpitation du vivant. En partant de Roma città aperta, Sciuscià, La terra trema et Accattone, cette recherche s’attache à cerner le langage verbal et le langage non verbal de la violence contenus dans ces films. Elle consiste en premier lieu à aborder la question de la langue en l’identifiant puis en approfondissant ses aspects pragmatique et lexical qui reflètent le mécanisme de la violence, à explorer le langage mimogestuel qui, combiné au langage visuel adopté par chaque cinéaste, parvient à nous restituer la part violente du réel. Cette recherche nous enseigne comment la diversité des styles mène à l’unicité de l’objectif : celui d’atteindre la violenceThe cinematographic work of Rossellini, Visconti, De Sica and Pasolini is of an important abundance, so diversified, always characterized by the virulence of the topics treated, that are inspired by the reality. The privileged material of these Italian moviemakers to register this reality in its nudity and its extreme violence are : the poetic and authentic, dialectal or slang “word”, which sense is often unknown or difficult to decipher, the natural gesture and expression of the faces offered by interprets, signs collected thanks to an omnipresent camera. The whole is restored through “images” which, picked up with pictural and sculptural styles in Pasolini and Visconti’s films, collected with poetry and vibration in the art of Rossellini and De Sica, where the tragedy emerges, give to the reality a very symbolic meaning : the palpitation of life. Starting with the analysis of Roma città aperta, Sciuscà, La terra trema and Accattone, this work attempts to determine both the verbal language and the non verbal language of the violence contained in these films. It consists first on tackling the question of the language by identifying it, then by looking further into its pragmatic and lexical aspects which reflect the mechanism of violence, to explore the gestural language which, combined with the visual language adopted by each moviemaker, manage to reproduce faithfully the violent part of reality. This research shows us how the diversity of styles carries out to a unique objective : reaching the violence
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Andrade, Ana Carolina Negrão Berlini de [UNESP]. "Trans-formações (a) temporais em Il Decameron: de Pasolini a Boccacio." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2010. http://hdl.handle.net/11449/99091.
Full textAbstract:
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000624271.pdf: 913925 bytes, checksum: 67fbd808733c11535daa2794cda1953a (MD5)Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico (CNPq)
O presente trabalho faz uma análise do diálogo intersemiótico estabelecido entre a obra literária Il Decameron (1348-1353), de Giovanni Boccaccio (1313-1375), e o filme homônimo, de Pier Paolo Pasolini (1922-1975), tendo como principal objetivo elucidar a transcriação artística operada por Pasolini, sobretudo no que diz respeito às construções metalingüísticas presentes no texto literário, que são cinematograficamente retomadas pelo cineasta. No texto sincrético, a metalinguagem está intrinsecamente ligada à poeticidade, seguindo os pressupostos teóricos do próprio Pasolini, expostos em Empirismo Eretico (2000). Os conceitos presentes nesse livro, como o famoso cinema de poesia ou a linguagem da realidade, norteiam a nossa escolha de outros teóricos, os quais nos auxiliam na tarefa de comprovar que tanto Boccaccio quanto Pasolini realizam operações metalingüísticas, sendo que as molduras narrativas por eles criadas explicitam a auto-reflexão acerca do fazer artístico, funcionando, desse modo, como marcas autorais. Assim, as duas versões de Decameron não se comunicam apenas pelo tema, mas pelo modo como as narrativas são estruturadas, pois Pasolini constrói a sua obra por meio de soluções cinematográficas que remetem à construção do discurso realizada por Boccaccio
The present work does an analysis of the intersemiotic intercourse established between the literary work Il Decameron (1348-1353), of Giovanni Boccaccio (1313-1375), and the namesake movie, of Pier Paolo Pasolini (1922-1975), regarding as the main objective to find out the artistic transcreation operated by Pasolini, above all, in what touches the metalinguistic constructions present in the literary text that are cinematographically retraced by the film maker. In the syncretic text, the metalanguage is intrinsically bound to the poetical, following Pasolini’s own theoretical conceptions exposed in Empirismo Eretico (2000). The concepts in this book, like the famous cinema of poetry or the language of reality, guide the selection of other theorists, who help in the quest to prove that both Boccaccio as well as Pasolini make metalinguistic operations, as the narrative frames created by him expound the introspection of the artistic labour, working, this way, as authorial marks. Thus, the Decameron’s two versions do not communicate only through the theme, but through the way their narratives are structured because Pasolini’s work is built hereby cinematographic solutions which allude to Boccaccio’s discourse construction
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Wang, Chunchun. "La Traversée vers la postmodernité : la transformation de l’Italie à travers le cinéma de Michelangelo Antonioni, Federico Fellini et Pier Paolo Pasolini (1957-1978)." Thesis, Paris 8, 2018. http://www.theses.fr/2018PA080020.
Full textAbstract:
La présente thèse étudie la transformation de l’Italie vers la postmodernité (1957-1978) à travers le cinéma de trois auteurs : Michelangelo Antonioni, Federico Fellini et Pier Paolo Pasolini. Elle explore l’historicité du cinéma, en interrogeant la manière par laquelle le septième art constitue une mise en forme et une écriture de l’histoire. Dans la convergence de deux histoires, celle humaine et celle du cinéma, elle met en récit l’expérience de la transformation sociétale et artistique. En dernière analyse, il est question d’étudier le cas italien comme un paradigme. En réactualisant les propositions des trois cinéastes dans le contexte contemporain de la mondialisation, de l’hypermédiatisation et de la domination technologique, le présent travail nous invite à repenser la vie humaine et la création artistique face aux défis de la postmodernitéThis thesis examines the transformation of Italy towards postmodernity (1957-1978) through the cinema of three film directors: Michelangelo Antonioni, Federico Fellini, and Pier Paolo Pasolini. It explores the historicity of cinema, by questioning the concrete means through which film constitutes a form and a writing of history. In the coming together of two histories, the human one and that of the cinema, the thesis recounts the experience of a societal and artistic transformation. In the final analysis, it is a question of studying the Italian case as a paradigm. By updating the proposals of the three filmmakers in the contemporary context of globalization, hypermedia and technological domination, this work invites us to rethink human life and artistic creation, facing the challenges of postmodernity
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Boudreau, Jean-Philippe. "Le scénario de film : une esthétique de l'inachèvement : perspectives théoriques du non finito." Thesis, Université Laval, 2007. http://www.theses.ulaval.ca/2007/24788/24788.pdf.
Full text
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Lorandini, Francesca. "Au-delà du formalisme : la critique des écrivains en France et en Italie pendant la seconde moitié du XXe siècle." Thesis, Paris 10, 2014. http://www.theses.fr/2014PA100044.
Full textAbstract:
Ce travail arpente le domaine de ce qu’Albert Thibaudet nommait « la critique des artistes » pour montrer que, au cours de la seconde moitié du XXe siècle, ce genre de critique a constitué un véritable laboratoire permettant de sortir des impasses auxquelles avait conduit la vision autotélique de l’œuvre proposée par la critique formaliste et par la néo-avant-garde. Dans la première partie de l’étude on s’interroge sur l’évolution de la critique formaliste, en envisageant le tournant linguistique des années 1960 comme l’aboutissement naturel d’une révolution culturelle qui a eu lieu à la fin du XIXe siècle. En menant une analyse comparée entre la France et l’Italie, on observe les deux critiques formalistes en-dehors de leur rapport de filiation, et on brosse un modèle transnational qui montre qu’elles partagent la même conception de la littérature postulée par la néo-avant-garde. La deuxième partie du travail est consacrée à l’analyse d’une tendance relevable dans la critique des écrivains à partir de l’après-guerre, où une étude purement intrinsèque de l’œuvre d’art est mise en discussion. On propose une analyse comparée de la critique littéraire de Georges Perec, Michel Tournier, Philippe Muray, Tommaso Landolfi, Pier Paolo Pasolini et Pier Vittorio Tondelli, afin de souligner que leur pratique critique ne s’est pas limitée à une déclaration personnelle de poétique, mais elle a ouvert une voie alternative à l’exaspération des positions théoriques formalistes, en anticipant ou en prônant le dépassement d’une vision autoréférentielle de l’œuvre qui a caractérisé la littérature de la fin du XXe siècle aussi bien en France qu’en ItalieMy dissertation covers the field of what Albert Thibaudet called “the critique of artists” in order to show that, throughout the second half of the twentieth century, this form of criticism has given readers a different perspective on literature in comparison to that of the formalists and the neo-avant-garde. In the first part of my study, I examine the evolution of formalist criticism in the twentieth century, considering the linguistic turn of the 1960s as the natural outcome of a cultural revolution which took place at the end of the nineteenth century. By conducting a comparative study between France and Italy, I attempt to outline a transnational model which shows that the two formalist critiques share the same understanding of the literature postulated by the neo-avant-garde. The second part of my thesis is devoted to the study of one of the main tendencies in the critique of the writers since the Second World War, a tendency that called into question a purely intrinsic study of the work of art. Here, I propose a comparative study of the literary critique of Georges Perec, Michel Tournier, Philippe Muray, Tommaso Landolfi, Pier Paolo Pasolini and Pier Vittorio Tondelli, in order to underline that their critical practice has not limited itself to a personal declaration of their poetic views, but it has truly opened up an alternative approach to formalist theoretical positions. They refused to speak of literature as a secluded world, and by doing so they anticipated one of the most important features of the literature of the end of the twentieth century, both in France and in Italy
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Ciliberto, Giorgio. "L’esistenzialismo orfico : la poetica dell’esistenza nell’oera poetica di Pascoli, Ungaretti, Montale e Pasolini : microcritica e macrocritica delle modalità significanti." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040136.
Full textAbstract:
Philosophiquement le XXème siècle est de bien des façons un siècle existentialiste où l’existence est pensée comme transcendance du monde dans l’attente. Selon l’existentialisme l’homme est à la fois dans le monde et outre le monde car si la situation nous transcende dans sa factualité nous la transcendons par notre volonté. Pourtant pour l’existentialisme de l’échec rien – si ce n’est la mort – ne peut vraiment libérer l’homme de la situation de fait du monde historique: sa seule transcendance peut alors être seulement dans le sentiment d’une impossibilité de la transcendance et donc dans conscience de l’échec. On retrouve poétiquement cette situation d’échec dans le mythe d’Orphée où elle interroge métalogiquement le pouvoir de l’acte poétique. Au-delà de l’orphisme religieux le mythe d’Orphée nous propose alors la vision d’un chant qui est à la fois désenchantement nostalgique et enchantement épistémique et donc respectivement lamentation pour ce qui n’est plus et admiration pour ce qui est. Orphique est donc la mélancolie nostalgique qui en vain veut transcender le présent dans le passé mais qui toutefois en tant que phonie magique transcende le présent dans le futur. On peut alors pour le XXème siècle poétique parler d’existentialisme orphique et recenser certaines de ses manifestations les plus éminentes. Dans la poésie italienne le poème L’ultimo viaggio (1904) de Pascoli présente un syntagme – non esser più – qui porte à lui seul une problématique existentialiste – aussi bien dans son mode nostalgique négatif que dans son mode épistémique affirmatif – que l’on retrouve de manière tout aussi forte chez Ungaretti et Montale et Pasolini où l’aspiration à l’être vit indiscutablement dans la désolation du ne plus être. Ces quatre poètes sont alors affrontés selon une même méthode herméneutique qui actualise la microcritique d’un syntagme fortement circonstanciel – non esser più pour Pascoli, equivoco della luna pour Ungaretti, eternità d’istante pour Montale et grin di cristàl pour Pasolini – par la macrocritique du corpus poétique de chaque poète afin d’interroger – tout au long du XXème siècle – diverses modalités d’un même existentialisme orphiquePhilosophically the 20th century is in many ways an existentialist century where the existence is thought of as transcendence of the world in the expectation. According to existentialism man is at the same time in the world and beyond the world because if the situation transcends us in its factuality we transcend it by our will. Yet for the existentialism of failure nothing – except death – can really free man from the factual situation of the historic world: his sole transcendence can only be in the feeling of the impossibility of transcendence and thus in the consciousness of failure. Poetically we find this situation of failure in the myth of Orpheus where the power of the poetic act is questioned metalogically. Beyond the religious orphism the myth of Orpheus offers us the vision of a chant which is at the same time nostalgic disenchantment and epistemic enchantment and therefore respectively a lamentation for what is no more and admiration for what is. Thus orphic is the nostalgic melancholy which in vain wants to transcend the present in the past but nontheless as a magic word transcends the present in the future. So for the 20th poetic century we can speak of orphic existentialism and list some of its most eminent manifestations. In the Italian poetry the poem L’ultimo viaggio (1904) by Pascoli presents a phrase – non esser più – which carries of its own an existentialist problematic – both in its negative nostalgic way as in its affirmative epistemic way – that we find with equal force in Ungaretti and Montale and Pasolini where, without any doubts, the aspiration to the being lives in the desolation of the no longer being. These four poets are thus faced with the same hermeneutic method which actualizes the microcriticism of a strongly circumstantial phrase – non esser più for Pascoli, equivoco della luna for Ungaretti, eternità d’istante for Montale and grin di cristàl for Pasolini – via the macrocriticism of the poetic corpus of each poet in order to question – all along the 20th century – different modalities of one and the same orphic existentialism
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Lorandini, Francesca. "Au-delà du formalisme. La critique des écrivains en France et en Italie pendant la seconde moitié du XXe siècle." Doctoral thesis, Università degli studi di Trento, 2014. https://hdl.handle.net/11572/367942.
Full textAbstract:
My dissertation covers the field of what Albert Thibaudet called “the critique of artists†in order to show that, throughout the second half of the twentieth century, this form of criticism has given readers a different perspective on literature in comparison to that of the formalists and the neo-avant-garde. In the first part of my study, I examine the evolution of formalist criticism in the twentieth century, considering the linguistic turn of the 1960s as the natural outcome of a cultural revolution which took place at the end of the nineteenth century. By conducting a comparative study between France and Italy, I attempt to outline a transnational model which shows that the two formalist critiques share the same understanding of the literature postulated by the neo-avant-garde. The second part of my thesis is devoted to the study of one of the main tendencies in the critique of the writers since the Second World War, a tendency that called into question a purely intrinsic study of the work of art. Here, I propose a comparative study of the literary critique of Georges Perec, Michel Tournier, Philippe Muray, Tommaso Landolfi, Pier Paolo Pasolini and Pier Vittorio Tondelli, in order to underline that their critical practice has not limited itself to a personal declaration of their poetic views, but it has truly opened up an alternative approach to formalist theoretical positions. They refused to speak of literature as a secluded world, and by doing so they anticipated one of the most important features of the literature of the end of the twentieth century, both in France and in Italy.
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Verraes, Jennifer. "Politiques de la parole filmée dans le cinéma de fiction. A quoi pensent les films quand ils parlent?" Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030160.
Full textAbstract:
Se pourrait-il que le cinéma ne se soit pas mis à parler parce qu’il avait quelque chose à dire, mais afin de faire parler la parole, de la mettre sur écoute, de renseigner les imaginaires discursifs qui configurent notre expérience commune ? Se pourrait-il que le langage soit ainsi inscrit au cœur du septième art, comme il fut au centre des savoirs de la modernité théorique ? Notre époque a inventé les moyens de reproduire techniquement la parole, mais n’a sans doute pas tout à fait pris la mesure de la révolution anthropologique induite par la visibilité exceptionnelle que ceux-ci lui donnent. Nous partons de l’hypothèse qu’il y a une pensée cinématographique du langage et de ses usages, un savoir (esthétique, rhétorique, poétique) qui s’ajoute à la parole dès lors qu’elle est représentée dans les films. Plaçant la parole filmée au centre de l’analyse de quatre fables cinématographiques — Fury (1936) de Fritz Lang, Fail Safe (1963) de Sidney Lumet, Salò (1975) de Pier Paolo Pasolini et Film Socialisme (2010) de Jean-Luc Godard —, ce travail donne à entendre quatre "leçons de langage", interrogeant les puissances et les infortunes de la parole dans un monde persuadé qu’il communique massivement. À quoi pensent les films quand ils parlent ? Entre autres choses, ils méditent la portée sociale et politique des actes de paroleCould it be that movies did not started talking because they had something to say, but in order to make the speech speak, to overhear it, to inform the discursive imaginaries that shape our common experience ? Could it be that language is at the very heart of the art of film, as it has been at the centre of modern theoretical knowledges ? Our times have invented the means of reproducing speech technically, but we have probably not fully appreciated the importance of the anthropological revolution induced by the exceptional visibility that it provides to it. Our hypothesis is that there is a cinematographic thought of language and of its uses, an aesthetical, rhetorical and poetical knowledge that is added to speech when it is represented in films. Putting the filmed speech in the centre of the analysis of four cinematographic fables — Fritz Lang’s Fury (1936), Sidney Lumet’s Fail Safe (1963), Pier Paolo Pasolini’s Salò (1975) and Jean-Luc Godard’s Film Socialisme (2010) — our work proposes four « language lessons », questioning the powers and misfortunes of speech in a world convinced that we communicate massively. What do films think when they talk ? Among other things, they meditate the social and political significance of speech acts
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Mele, Ilenia. "Les cendres de Pascoli. Voix de la critique et modernité du poète de Barga." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA133.
Full textAbstract:
Le titre de cette thèse renvoie, de manière explicite, au célèbre recueil de Pier Paolo Pasolini Les cendres de Gramsci. L’influence de Pascoli sur Pasolini n’explique qu’une partie du titre. Les cendres de Pascoli se réfèrent plus précisément à la réception du poète de San Mauro, avec une attention spéciale portée à ce qui reste de son travail. À cet égard, de la fin du XIXe siècle jusqu’aux années soixante du XXe, la continuité de la critique pascolienne a joué un rôle central. C’est à la fin de ce parcours qu’il nous est apparu que les différentes voix de la critique ont fini par dialoguer entre elles, en composant comme un réseau et en renvoyant au lecteur une image vivante de Pascoli et de son œuvre. Gianfranco Contini et Pier Paolo Pasolini n’auraient pas pu marquer un tournant dans la réception de l’œuvre de Pascoli s’il n’y avait pas eu au début du XXe siècle les critiques de Emilio Cecchi, Arturo Onofri ou de Renato Serra. De leurs études émerge l’image de Pascoli poète de la modernité, un aspect que Jean-Charles Vegliante réaffirme encore aujourd’hui, en soulignant jusqu’à quel point la poésie de Pascoli a continué à agir sur la littérature nationale, le Montale des Ossi par exemple, et au delà. Et cela en dépit du discrédit que les critiques de Benedetto Croce ont jeté sur l’œuvre de Pascoli, au point de le considérer le « poeta delle maestrine ».La continuité de la critique nous a permis aussi de saisir l’importance du contexte historique dans la réception littéraire. À côté de l’étude diachronique, nous avons développé un travail sur deux poèmes parmi les plus emblématiques de Pascoli – Italy (cinquième chapitre) et Gog et Magog (huitième chapitre) –, afin de comprendre les idéologies sous-jacentes aux différentes approches que nous avons essayé de reconstituer. Ce choix n’a pas été anodin, ces deux poèmes, au cœur du travail mythopoïétique de Pascoli, ayant divisé les critiques. Aujourd’hui Pascoli, dont les qualités poétiques permettent de remonter jusqu’à Dante et Pétrarque, représente un des Italiens majeurs qu’il serait important de faire mieux connaître en FranceThe title of this thesis refers, explicitly, to the famous Pier Paolo Pasolini’s collection, The ashes of Gramsci. Pascoli’s influence on Pasolini explains only in part the title of the thesis. The ashes of Pascoli refers more specifically to the reception of the poet of San Mauro, together with a special attention to the effects on his work. According to this point of view, the continuity of Pascolian criticism has played a central role: from the end of the nineteenth century until the sixties of the twentieth century. It was at the end of this journey that it became clear to us that the different voices of criticism ended up interacting with each other, composing a network and giving a living image of Pascoli and his work to the reader. Gianfranco Contini and Pier Paolo Pasolini could not have marked a turning point in the reception of Pascoli’s work if he had not received the criticisms from Emilio Cecchi, Arturo Onofri or Renato Serra at the beginning of the 20th century. In their studies the image of Pascoli clearly emerges as poet of modernity, an aspect that Jean-Charles Vegliante still reaffirms today, highlighting as the poetry of Pascoli has continued to act on the national literature, for example on Montale of the Ossi, and beyond. And this in spite of the discredit that the Benedetto Croce's criticisms have cast on the work of the Pascoli to the point of considering him as the “ poeta delle maestrine”.The continuity of the criticism has also allowed us to grasp the importance of the historical context in the literary reception. Alongside the diachronic study, we have developed a work on two of the most emblematic poems of Pascoli – Italy (fifth chapter) and Gog and Magog (eighth chapter) – in order to understand the ideologies underlying the different approaches we have tried to reconstitute. This choice was not insignificant. These two poems, at the heart of the mythopoetic work of Pascoli, have divided critics. Nowadays Pascoli, whose poetic qualities make it possible to go back to Dante and Petrarch, represents one of the major Italian poets that it would be really significant to make him known in France