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Dissertations / Theses on the topic 'Pastorale (peinture) – 17e siècle'
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Sarant, Mylène. "Histoires d'amours pastorales, iconographie de la pastorale narrative dans les arts du XVIIe siècle." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040009.
Full textAbstract:
En littérature, le tournant du XVIe siècle et du XVIIe siècle fut, en autre chose, le temps des pastorales. Dans tous les pays d'Europe, des écrivains tels Torquato Tasso, Gian Battista Guarini, Guidobaldo Bonarelli, Philip Sidney, Honoré d'Urfé, Peter Corneleszoon Hooft choisirent de situer certaines de leurs œuvres sentimentales dans un cadre arcadien. Ces romans et pièces de théâtre, parce qu'ils étaient le symbole d'une vie raffinée et aristocratique tout en restant très accessibles, eurent un très grand succès. Elles suscitèrent des modes, éveillèrent l'attention des musiciens des peintres et des artisans d'art. Si les œuvres littéraires sont bien connues des historiens de la littérature, il en est autrement pour ces nombreuses tapisseries, gravures et tableaux qui s'en inspirent. Les artistes qui se consacrèrent à ces sujets, s'ils ne réalisèrent pas toujours des chefs-d'œuvre, firent pourtant preuve d'imagination et surent traduire en images la richesse de leurs sujets. Leurs œuvres, profondément marquées par le genre tragi-comique, proposent au public des histoires distrayantes où péripéties et drames amoureux se succèdent et s'enchaînent avec une grande vitalité et parfois même de l'humour. Elles ne sont pas non plus dénuées d'un certain érotisme, pour qui prend la peine de les regarder à deux foisIn literature, the watershed between the 16th and 17th centuries was, in certain terms, the age of the pastoral. All over Europe, writers such as Torquato Tasso, Gian Battista Guarini, Guidobaldo Bonarelli, Philip Sidney, Honoré d'Urfé, Pieter Corneliszoon Hooft chose to set certain romantic works in an arcadian context. These novels and plays, because they were the symbol of a refined and aristocratic lifestyle while remaining easily accessible, were very successful. They gave rise to fashions, aroused the attention of musicians, painters and craftsmen. Although the literary works are well known to historians of literature, this is not the case of the numerous tapestries, engravings and paintings which were inspired by the texts. Artists who devoted themselves to these subjects, even though they did not always produce masterpieces, did however show imagination and knew how to translate into images the wealth of their subjects. Their production, deeply marked by the tragic-comic genre, offered to the public entertaining stories where events and romantic dramas succeeded and followed on from each other with great vitality and sometimes even humour. They are not devoid either of a certain eroticism for those who make the effort to take a second look at them
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Lacau, St Guily Agnès. "L'enfant dans la peinture française du XVIIe siècle." Paris 10, 1985. http://www.theses.fr/1985PA100121.
Full text
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Kerspern, Sylvain. "La peinture en Brie au XVIIe siècle." Paris 1, 1990. http://www.theses.fr/1990PA010539.
Full textAbstract:
Etudier la peinture en brie au dix-septième siècle (de 1620 à 1705 environ) supposait, outre une définition du champ géographique et historique, une reconstitution du "paysage pictural", et donc une enquête suivant plusieurs axes : la présence royale dans la région, notamment à Fontainebleau; celle de la puissance ecclésiastique à travers la ville épiscopale de Meaux -toutes deux susceptibles d'entretenir un foyer artistique-; le développement des "maisons de campagne" vers 1630-1660, culminant à Vaux; enfin, les diverses populations plus directement, et souvent plus anciennement, liées a la terre de Brie : nobles, ecclésiastiques, paroissiens. Malgré les lacunes et les pertes (Horace le blanc, Vouet, Vignon, Le Sueur, Le Brun, etc. ), la production destinée à la Brie ainsi évoquée, à travers des ouvrages d'artistes parfois fort mal connus (les élèves d'A. Dubois, Errard, Quillerier, ou même Senelle. . . ) et un certain nombre de chefs-d’œuvre conservés (Le Brun à Vaux, Stella à Provins, Champaigne à Chaumes. . . ), manifeste, malgré les ambiguïtés, un ensemble de comportements vis-à-vis de l'art et des courants qui l'animaient alors, à la fois propre à la région et à l'époque, notamment par son rapport à Paris, et d'une portée plus générale, dans les conditions de productions de l'œuvre peinteTo study painting in brie in the seventeenth century (1620-1705) supposed, besides a definition of the geographical and historical area, a reconstitution of the "pictural scenery", and therefore an investigation according to several axes : the royal presence in the region, specially in Fontainebleau; the one of the ecclesiastical power through the peiscopal city of Meaux -both susceptible of supporting an artistic centre-; the spread of the "maisons de campagne", circa 1630-1660, culminating with Vaux; at least, the various populations more directly, and often more anciently, linked with the land of brie : nobility, ecclesiastic, parishioners. In spite of lacks and losses 'Horace le blanc, Vouet, Vignon, Le Sueur, Le Brun, etc. ), the production designed for brie thus evoked, through works of artists sometimes underrated (the pupil of A. Dubois, Errard, Quillerier, or even Senelle. . . ) and several masterpieces conserved (Le Brun in Vaux, Stella in Provins, Champaigne in Chaumes. . . ), shows a set of behaviours towards art and the movements that animated it then, at once peculiar to the region and the times, specially in his relations with Paris, and of a more general reach, in the conditions which create the painting
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Macé, Stéphane. "La pastorale dans la poésie française de l'âge baroque." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040194.
Full textAbstract:
La poésie pastorale baroque s'affiche comme l'héritière consciente d'une longue tradition littéraire : Virgile et Théocrite, bien sûr, mais aussi les bucoliques mineurs de l'antiquité, les poètes élégiaques latins, puis les grands modèles de la renaissance néolatine. Ces exemples théoriques ou littéraires, enrichis encore par les apports en langue vulgaire des italiens, des espagnols ou de l'école de Ronsard, subissent avec le premier XVIIe siècle une mutation sans précèdent : la frénésie des formes qui s'empare de la poésie bucolique appelait une étude du statut générique de la pastorale. Mais l'analyse des différentes postures énonciatives, de l'approche descriptive ou de la pratique des genres mêlés engage également une réflexion sur la vision du monde baroque : comment expliquer sinon le succès de la poésie pastorale ? Les émules d'honore d'Urfé tentent d'y découvrir le remède à une crise des valeurs aristocratiques, les libertins s'en emparent pour conquérir un espace de liberté, et les poètes dévots de la contre-réforme irriguent le monde bucolique d'une spiritualité nouvelle. Qu'ils cherchent un refuge dans l'imaginaire ou approfondissent leurs blessures au contact d'une Arcadie endeuillée, les pastoralistes baroques investissent la bucolique de leur sensibilité propre, sensibilité dont les habitudes stylistiques sont aussi le plus sur révélateur.
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Fragoso, Vanessa. "Le sentiment de nature dans la peinture "baroque" portugaise : de Baltazar Gomes Figueira, 1604-1674 à Joaquim Manuel da Rocha, 1727-1786." Lille 3, 2010. http://www.theses.fr/2010LIL3A002.
Full textAbstract:
Cette étude dresse un panorama de la peinture de nature dans le domaine de la stylistique et de l'iconographie portugaise durant la période moderne et plus principalement durant presque deux siècles, le XVIIe et le XVIIIe siècle. Il montre un art du paysage et de la nature morte à la fois dépendant des grandes tendances européennes et autonome par sa constante proximité au contexte historique et culturel national. L'approche interdisciplinaire, en mettant en évidence l'esprit et la pensée portugaise à une période de chocs, tend à reconsidérer le discours des historiens sur la subordination de l'art portugais à celui d'Espagne. La nature à travers l'étude des peintures portugaises apparaît plus originale, dotées de sentiments propres à un peuple, à une nation. La nature est, selon des formes et des modes diférents, une forme d'expression de sentiments souvent extrêmes. Le signe d'une nature idéalisée, tantôt image de perfection, tantôt image de terreur, révèle une grammaire dont les constructions se réalisent à l'intérieur de ce système de communication très codifié qu'est la variété. Ces particularités se retrouvent dans des peintures du XVIIe comme du XVIIIe siècle. Il existe donc une tendance artistique réelle qui a perduré dans l'art de la nature au Portugal. C'est pourquoi séparer l'art du XVIIe et celui du XVIIIe siècle, dans ce cas précis, perd totalement de son sens. L'histoire portugaise se distingue tout particulièrement de l'histoire française. Alors que cette dernière oppose une époque une époque d'absolutisme et une autre d'ouverture d'esprit, la seconde souligne deux périodes consécutives de troubles permanents après un siècle d'or et de gloire. Le XVIe siècle est en effet une période significative pour le Portugal. Il conditionna tout l'esprit du peuple et cela durant des siècles. Ces directions de recherche introduisent de nouveau des questionnements sur la validité d'un terme aujourd'hui problématique en France, celui du "baroque". Au Portugal, le qualificatif est employé pour caractériser cette période longue d'une partie du XVIIe et du XVIIIe siècles. Il nous a alors semblé plus judicieux de garder le terme "baroque" en l'appliquant à cette époque pour laquelle des tranches de dates ne sont pas d'une grande importance, voire d'utilité, et durant laquelle nature est synonyme de sentiments, de passions, d'affects et d'art intelligent extrêmement codifié. Sans avoir la prétention d'imposer les peintres portugais au côté des grands maîtres de la peinture comme Caravage ou Poussin, notre travail permet de reconsidérer un art encore inconnu et trop souvent jugé sans grand intérêtThis study presents an overview of the natural painting in the field of the Portuguese stylistics and iconography during modern period and more mainly for almost two centuries, XVII and XVIII centuries. It shows an art of the landscape and the still life at the same time dependent on European tendencies and autonomous by its constant nearness in the national historic and cultural context. The interdisciplinary approach, by bringing to light the Portuguese spirit and throught in a period of shocks, tends to reconsider the speech of the historians on the subordination of the Portuguese art in that of Spain. The nature through the study of the Portuguese paintings seems more original, endowed with feelings peculiar to a nation. The nature is, according to forms and different modes, a shape of expression of extreme feelings. The sign of an idealized nature, sometimes image of perfection, sometimes image of terror, reveals a grammar for which constructions integrate into this highly codified system of communication that is variety. These peculiarities characterize paintings of XVII as XVIII century. There is thus a real artistic tendency, which continued in the art of the nature of Portugal. That is why a separation of art of XVII and XVIII century, in that case precise, loses totally of its sense direction. The Portuguese history distinguishes itself from the French history. While this last one sets a period of absolutism and other one of the openmindedness, the second underlines two consecutive periods of permanent disorders after a century of gold and glory. XVI century is indeed a significant period for Portugal. It conditioned all the spirit of the people for centuries. These directions of research introduce again questionings on the validity of a term today problematic in France, that is the "baroque". In Portugal, the qualifier is used to characterize this long period of a part of XVII and XVIII centuries. It seemed to us more adapted to keep the "baroque" term to this period for which the slices of dates are not important and in the course of which natural was synonymic of feelings, passions, affects and extremely codified intelligent art. Without imposing the Portuguese painters on the side of the great masters of painting, as the Caravaggio or Poussin, our work allows to reconsider an art still unknown and too odten judjed without highly interest
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Lemoine, Annick. "Nicolas Régnier (Maubeuge, vers 1588-Venise, 1667) : un peintre et marchand de tableaux dans l'Italie du XVIIe siècle." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040237.
Full textAbstract:
Peintre, marchand et collectionneur, né à Maubeuge vers 1588, Nicolas Régnier reçut sa première formation à Anvers, avant d’accomplir toute sa carrière en Italie : à Parme, à la cour des Farnèse, à Rome, sous l’égide de Manfredi, et enfin à Venise, où il vécut autant d’expertises et du commerce d’œuvres d’art que de ses propres tableaux. Malgré l’étude pionnière d’H. Voss (1924) et les travaux plus récents de P. L. Fantelli (1974), Régnier demeure encore aujourd’hui un artiste mal connu. L’établissement de sa biographie et du catalogue raisonné de ses œuvres nous ont permis de reconsidérer la place de cet artiste singulier dans le mouvement caravagesque et son rôle dans le renouvellement de la peinture à Venise au XVIIe siècle. En étudiant conjointement ses activités commerciales et son importante collection de maîtres anciens, dispersée peu avant sa mort (1667), nous avons voulu restituer également la figure du connaisseur et du grand marchand d’artNicolas Régnier was born in Maubeuge around 1588. He did his apprenticeship in Antwerp and spent the rest of his life in Italy : at the Farnese Court in Parma, in Rome under the aegis of Manfredi and finally in Venice where he became known not only as a painter but also as an art dealer and a connoisseur. Today, Régnier remains relatively unknown in spite of Voss’s study in 1924 and of the more recent one by Fantelli in 1974. It is now possible, in the light of a new biography of Régnier and of the catalogue raisonné of his works, to reconsider his position in the Caravaggesque movement and his role as an innovator in 17th century Venetian painting. By the study of his commercial activities together with his important collection of old masters, scattered not long before his death (1667), we are now able to reinstate Régnier as a connoisseur and a great art dealer
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Fallay, d'Este Lauriane. "Peinture et théorie à Séville au temps de Francisco Pacheco : La nouvelle Rome." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA04A001.
Full text
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Lévy, Jean-Marc. "Médecins et malades dans la peinture européenne du XVIIe siècle." Strasbourg 2, 2004. http://www.theses.fr/2004STR20014.
Full textAbstract:
Malades et médecins ont été souvent représentés par les peintres du "siècle d'or " de l'art européen : le XVIIe. Après un bref rappel de l'évolution des idées médicales de ce temps, des images de maladies sont analysées. Celles des pestes si redoutées et si meurtrières font l'objet d'un chapitre particulier ; puis des exemples de malades sont envisagés dans la peinture d'Histoire, dans l'art du portrait et dans les scènes de genre. Cette dernière répartition est aussi celle des médecins étudiés dans la troisième partie du travail. La discussion terminale s'efforce de mettre en lumière les motivations des artistes : au premier chef leur pulsion vers le réalisme (favorisée tant par les directives du Concile de Trente que par l'orientation vers la vie quotidienne des peintres oeuvrant en milieu protestant), mais aussi l'essor de l'esprit scientifique, l'intérêt croissant pour la connaissance du corps, la peur intense de la maladie, surtout des épidémies effroyables comme les pestesThe Patients and the physicians were often depicted by artists during the "golden age" of European art : the seventeenth century. After a brief reminder of the evolution of medical opinions of that time, pictures of diseases are analysed. Those concerning the plague, which was so feared and so lethal, will be the subject of a special chapter ; then examples of sick persons are considered in the historical paintings in the portraiture and in the genre paintings. .
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Sapir, Itay. "Ténèbres sans leçons : esthétique et épistémologie de la peinture ténébriste romaine, 1595-1610." Paris, EHESS, 2008. http://www.theses.fr/2008EHES0036.
Full textAbstract:
La thèse doctorale d'Itay Sapir propose une lecture épistémologique de la peinture ténébriste romaine autour de l'an 1600, et place cette révolution picturale dans un contexte de questions théoriques concernant la vision, le savoir et la représentation. Plus particulièrement, les œuvres d'Adam Elsheimer et de Caravage sont interprétées comme les manifestations d'une crise du savoir. Les peintures sont comparées à d'autres objets culturels tels que les textes de Bruno, Montaigne, Shakespeare et Cervantès ainsi que les premières créations du Baroque musical. La limitation concrète de la visibilité, caractéristique du ténébrisme, n'est pas expliquée ici par l'émergence d'un nouveau réalisme, ou encore en lien exclusif avec la Contre-réforme. L'obscurité, ainsi que d'autres dispositifs compliquant le régime mimétique, est reliée à un scepticisme généralisé qui constitue lui-même une réaction à la saturation épistémologique qui suivit l'humanisme de la RenaissanceItay Sapir's dissertation proposes an epistemological reading of Tenebrism in Roman painting around 1600, and puts that distant pictorial revolution in the context of theoretical questions about seeing, knowing and representing. In particular, he interprets the paintings of Adam Elsheimer and of Caravaggio as manifestations of a crisis of knowledge, and analyse them in the context of cultural objects and phenomena from other fields such as texts by Bruno, Montaigne, Shakespeare and Cervantes, and the first creations of the musical Baroque. The concrete limitation of visibility that Tenebrism entails is thus interpreted not as the simple emergence of a new realism or as originating exclusively in the Counter-Reformation, as has been often suggested. Instead, the role of darkness, and of other pictorial devices complicating the mimetic regime, is considered in the context of generalised scepticism, a reaction to the epistemological saturation in the aftermath of Renaissance Humanism
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Jiméno, Frédéric. "La peinture espagnole et la diffusion des modèles français aux XVIIe et XVIIIe siècles : les enjeux de la copie." Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010638.
Full textAbstract:
L'objet de cette étude est de mesurer la culture visuelle des artistes espagnols face à la peinture française par le biais de la gravure et de la copie. Avant tout, on devait préciser le contexte et notamment le statut de la copie en Espagne ou le rôle des académies dans la diffusion de modèles français. Il ne fallait pas négliger les français qui résidèrent dans la péninsule ibérique ou bien le commerce d' œuvres d'art et notamment de peintures. La commercialisation de gravures françaises commença et se structura au XVIe siècle. Les documents témoignent d'une importation massive et variée de gravures dans toute l'Espagne. Il permit à G. Audran, Edelinck ou P. Drevet d'être considérés comme les plus grands praticiens de l'histoire de la technique. Les Français gravèrent aussi des modèles espagnols. Au XVIIIe siècle, les séjours de graveurs espagnols à Paris et la formation de collections de gravures favorisèrent cette diffusion. Les copies inventoriées (plus de 400) confirment ces données. Les plus anciennes datent des années 1630 et les artistes du Grand Siècle furent copiés de leur vivant. Si les modèles du XVIIIe siècle sont plus rares, ils représentent un quart de l'ensemble. Les copies nous permettent d'affirmer que les modèles français furent multiples et bien diffusés en Espagne. Nous avons pu ainsi préciser la chronologie des faits, l'identité des intervenants, expliciter et enrichir ce contexte négligé.
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Fuccia, Laura de. "Collezionisti francesi di pittura veneziana nel Seicento." Paris, EPHE, 2007. http://www.theses.fr/2007EPHE4151.
Full text
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Le, Bihan Olivier. "Catalogue raisonné de l'oeuvre dessiné de Marten de Cock : (Amsterdam ? vers 1600 - ?, aprés 1647)." Bordeaux 3, 1990. http://www.theses.fr/1990BOR30058.
Full textAbstract:
Catalogue raisonne d'une collection de cent onze peintures originales executees par differents maitres hollandais des dix-septieme et dix-huitieme siecles c. Bega. A. Begeijn, d. Van den bergen, g. Du bois, r. Brakenburgh, l. Bramer, j. Camphuijsen, l. Chalon, c. Cornelisz, b. Cuyp, d. Dalens, j. Van der does, h. Dubbels, w. Ferguson, j. Van goyen, p. De grebber, j. Van der hagen, a. Hanneman, e. Van heemskerck, th. Heeremans, m. D'hondecoeter, a. Hondius, a. Keirincx, w. Kool, j. Lingelbach, k. Molenaer, h. Mommers, f. De momper, p. Moninckx, f. De moncheron. P. Muller, j. Olis, j. Van ossenbeeck, p. Van overschee, c. Poelenburch, j. Porcellis, s. Rombout, s. Van ruysdael, j. S. Van ruysdael, h. Swanewelt, p. Verelst. . . ), avec des notices detaillees sur chaque peinture, des etudes inconographiques, des notes, des elements de comparaison photographique, des documents d'archives, une bibliographie et un index general. Catalogue raisonne d'un corpus de soixante quatre dessins originaux de marten de cook (amsterdam ? vers 1600 - ? apres 1647). Avec une selection d'oeuvres refusees. Des elements comparatifs d'illustration, une bibliographie, un index des lieux des conversation et des collectionneursCatlogue raisonne of a collection of one hundred and eleven original paintings by different dutch masters of the seventeenth and eighteenth century (c. Bega, a. Begeijn, d. Van den bergen, g. Du bois, r. Brakenburgh. L. Bramer, j. Camphuijsen, l. Chalon, c. Cornelisz, b. Buyp, d. Dalens, j. Van der does, h. Dubbels, w. Ferguson, j. Van goyen, p. De grebber, j. Van der hagen, a. Hanneman, e. Van heemskerck, th. Heeremans, m. D'hondecoeter, a. Hondius, a. Keirincx, w. Kool, j. Lingelbach, k. Molenaer, h. Mommers, f. De momper, p. Moninckx, f. De moncheron, p. Muller, j. Olis, j. Van ossenbeeck, p. Van overschee, g. Poelenburch, j. Porcellis, s. Rombout, s. Van ruysdael, j. S. Van ruysdael, h. Swanewelt, p. Verelst. . . ), with critical motices, iconograifcal studies, notes, comparative illustrations, archives, bibliography and general index. Catalogue raisonne of sixty four original drawings by marten de cock, ( amsterdam ? vers 1600 - ? apres 1647), with rejected works, comparative illustrations, bibliography, index of locations and of previous owners
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Decoudun-Gallimard, Frédérique. "La vie féminine dans la peinture française au XVIIIe siècle." Paris 10, 1992. http://www.theses.fr/1992PA100015.
Full textAbstract:
La these dont le titre s'intitule "la vie feminine dans la peinture francaise du dix-huitieme siecle" developpe trois parties essentielles : la vie publique, la vie privee, et la vie de travail, et s'appuie sur des oeuvres picturales contemporaines pour justifier ses assertions. Elle traite dans sa premiere subdivision des diverses activites mondaines des femmes, s'attarde sur le phenomene des salons, evoque a travers l'exemple de madame de pompadour la place qu'occupent successivement le theatre et les beaux-arts dans l'univers feminin, (peinture - objets en porcelaine), et aborde ensuite le theme des plaisirs, (jeu - chere - amour). Dans sa deuxieme partie, elle se consacre a l'evocation de la vie privee des contemporaines, relate les rapports que celles-ci entretiennent avec leurs enfants au cours des diverses periodes de l'existence, (nourrissage - elevage mariage), et met en lumiere la responsabilite sociale majeure qui incombe a ces dernieres. Elle evoque par ailleurs les activites purement egoistes auxquelles s'adonnent ces femmes, (toilette - moments d'abandon - menues occupations), et insiste sur l'importance de la notion de plaisir intime. Elle traite enfin dans sa troisieme et derniere partie du theme du travail, instaure ici une distinction tres nette entre les taches avilissantes auxquelles s'adonne la majorite de la population feminine, (domestiques - ouvrieres), et les occupations enrichissantes et epanouissantes qu'executent les artistes, les femmes artisans, ou les professeurs. Elle accorde en dernier lieu une place au plus vieux metier du monde : la prostitution. En conclusion, elle constate l'extreme diversite de la vie feminine de l'epoque, et insiste sur la position ambivalente de la femme dans la societeThe dissertation entitled "women's life through the french painting of eighteenth century" develops three essential parts : the pratical life, the private life and the professional life, and leans on contemporaneous pictural works in order to justify its assertions. It treats in its first part of women's diverse society activities, deals with the salon phenomenon, describes through the example of madame de pompadour the place of the theatre and the fine arts in women's universe (painting, pieces of china), and deals then with the theme of pleasures (games, love). In its second part, the private life of these women is related, the relations between the latter with their children during different periods of existence (feeling, raising, marrying) are evocated and the major social which rests of them is brought to the fore. Moreover it evocates the purely selfish activities to which these women give themselves over (wash, moments of oblivion, minor activities), and insists on the importance of the intimate pleasure. Finally, the third and last part is devoted to the theme of labor, where a very clear distinction is made between degrading tasks with which the majority of the female population is concerned (servants, workers) and rewarding and fulfilling occupations that have the artists, the craftswomen or the teachers. It deals lastly with the oldest profession in the world : the prostitution. To conclude, it notices the extreme diversity of women's life at that time, and insists on the very ambivalent position that they hold in the society
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Hamoury, Maud. "La peinture religieuse en Bretagne aux XVIIe et XVIIIe siècles." Rennes 2, 2006. http://www.theses.fr/2006REN20010.
Full textAbstract:
La richesse du patrimoine religieux breton n'est plus à démontrer. Pourtant l'étude de la peinture religieuse bretonne aux XVIIe et XVIIIe siècles, négligée par les érudits en raison de sa pauvreté supposée, restait encore à découvrir. Cette thèse propose d'analyser dans un premier temps les mécanismes de la commande à travers les différents commanditaires et d'étudier les différentes étapes de la commande que sont le choix de l'artiste, les modalités d'exécution, les obligations respectives des parties et le paiement des œuvres. Une seconde partie s'attache à l'étude des centres de production, l'environnement social et matériel des peintres, avant de s'intéresser au statut et à la formation. La troisième partie analyse le métier de peintre. Il s'agit d'abord de comprendre l'organisation du travail au sein d'un atelier ainsi que le rayonnement des peintres, puis, d'appréhender la technique et la nature du travail du peintre de tableaux. L'analyse du processus de création des œuvres à travers l'étude des sources d'inspiration et en particulier la gravure permet de mesurer l'importance de la copie. Enfin, une dernière partie s'attache à l'étude des œuvres d'un point de vue quantitatif et qualitatif. Un catalogue d'œuvres conservées en Bretagne et un dictionnaire d'artistes font l'objet de volumes à partThe purpose of this thesis is to study Breton religious painting between the XVII and the XVIII centuries. Although the richness of Breton religious heritage is well known, little attention has been given so far to Breton religious painting during this period because of its alleged poorness. This thesis is divided into four sections. Each one will analyse in depth the following topics : First an analysis of the structures of patronage and artistic commissions. These range from choosing the artist, methods and techniques through to contracts and final payments. Next, this thesis look into the different centres of artistic production and the social and economic contexts in which the artists worked. Attention will also be given to the artist's place in society and his training. Then the examine of the painter's profession : analysis of task distribution within the workshop and of the painters' influence. Understanding of painter's technical ability and nature of his work through the study of sources, especially prints. Then lastly, this thesis surveys the amount and range of paintings. Appendix I: Catalogue of paintings in Brittany. Appendix II: Biographical artists dictionary
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Bonfait, Olivier. "Les tableaux et les pinceaux : la naissance de l'école bolonaise (1680-1730)." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1992PA040095.
Full textAbstract:
Les écarts entre la Felsina pittrice de Malvasia (1678) et la Storia de l'accademia Clementina de Zanotti (1739) trahissent le passage d'un foyer artistique ou coexistaient différents génies a une école unifiée à l'image et à la peinture, appréciées par les lettres, diffusées par les marchands, succède un objet d'une nouvelle valeur, le tableau, dans lequel l'aristocratie investit massivement. L'idéal de la collection, devenue un symbole de la noblesse, se cristallise autour de l'histoire et de l'école bolonaise. Dans la galerie du Settecento triomphe l'école contre la peinture et le tableau contre l'artiste. Il s'y forme un horizon d'attente visuel qui substitue à un regard extensif la demande d'un même texte et d'une même rhétorique. Les patrons nobles dominent le monde de l'art des années 1730 mais l'aristocratie, à la fin du siècle, adopte un panthéon artistique européen et modèle ses collections sur l'idée de musée. Une étude détaillée de la carrière de Franceschini, à travers son livre de compte, son inventaire ou ses biographies, montre que l'honneur le bon goût et la vertu régissent la production artistique bolonaise dans la première moitié du 18e siècle. La territorialisation de la production, l'aristocratisation d'une clientèle structurée en réseaux expliquent le poids des conventions artistiques, trois données inconnues au temps de Reni et du Guerchin. La loi du contrat de commande et de la conformité du produit, l'universalité du bon goût et le fondation d'une académie qui règlemente le marché sont les principaux vecteurs de cette homogénéisation des manièresThe gap between Malvasia's Felsina pittrice (1678) and Zanotti's Storia dell'accademia Clementina reveals the evolution from an artistic center, where different personalities coexisted, to a single, unified school. The image and the painting, much appreciated by scholars and diffused by dealers, are substituted by an object of new value, the picture itself, gathered massively by aristocracy. The ideal of a collection, now a symbol of nobility, takes form in historical and Bolognese paintings. The XVIII c. Gallery sees the triumph of the school over the art of painting, and of the picture itself over the artist. There is a new erwastungs horizon that substitutes the demand for a same text and a same rhetoric to an extensive view. Noble patrons control the art world in 1730s, but, by the end of the century, the aristocracy adopts a European artistic pantheon and forms its collections having the idea of museum in mind. A detailed study of Franceschini's career, on the basis of his account book, inventory and biographies shows that honor, bon gout and virtue dominate the Bolognese artistic creation of the first half of the XVIII c. This production is now territorialized, its clients almost exclusively aristocrats, organized in networks that explained the importance of artistic conventions. All these conditions were unknown to Reni and Guercino. The law of the contract and the conformity of the product, the universal criteria for bon gout and the foundation of an academy, that sets the rules of the market, are the principal features of this homogenization of different manners
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Orcel, Chrystèle. "La peinture européenne à la cour des premiers Stuarts, 1603-1649[Texte imprimé] : esthétique et politique." Grenoble 2, 1997. http://www.theses.fr/1997GRE29052.
Full textAbstract:
L'examen de la reussite des amateurs anglais et du foisonnement de portraits s'articule autour de trois etapes. De 1603 a 1632, la cour s'affirma avec ses collections et ses portraits qui s'ecarterent, grace a rubens notamment, d'une esthetique rigide. La famille royale fut desunie, en particulier au sujet du dilemme entre la guerre et la paix face au continent. De 1632 a 1641, de l'installation a londres de van dyck a sa mort, la peinture refleta la vision d'un monde pacifie nourrie par charles ier, qui s'entendit avec l'espagne et le vatican, tandis que les nobles multipliaient les coups d'eclat (achat du cabinet della nave par hamilton. . . ). Charles et ses courtisans beneficierent de la metamorphose des portraits d'apparat, en armure et familiaux orchestree par van dyck, dont la connaissance de titien fut cruciale pour son ideal de la grace. Alors que trois portraits equestres de van dyck voient triompher le roi et qu'a la maison de la reine a greenwich furent loues la paix et les arts par gentileschi, les aristocrates poserent pour des portraits amicaux et amoureux. Les projets mythologiques pour greenwich commandes a jordaens et reni echouerent alors que grandissaient les tensions. Durant la guerre civile, dobson portraitura des royalistes, walker et lely des parlementaires ; cooper s'imposa aupres des deux camps et d'autres montrerent les refuges de la sociabilite. Le reflux des oeuvres collectionnees s'opera vers bruxelles (archiduc leopold-guillaume), madrid (philippe iv) et paris (mazarin et jabach). Ceci ne correspond pas a la geographie qui prevalut de 1603 a 1641 (flandres et provinces-unies fournissant des artistes et l'italie des oeuvres), periode marquee par la dualite entre l'eclat des courtisans (arundel, buckingham. . . ) et les ruptures dues aux stuarts. La peinture n'apparait pas pleinement comme un instrument qui aurait servi a legitimer un pouvoir royal dont les prerogatives furent combattues, et qui fut finalement aboliThe examination of the successes achieved by english amateurs and of the profusion of portraits is divided into three stages. From 1603 to 1632, the court asserted itself thanks to its collections and its portraits, which deviated from rigid aesthetics, notably through rubens. The royal family was disunited, particularly about the dilemma between war and peace facing the continent. From 1632 to 1641, from van dyck's settling in london to his death, painting reflected the vision of a pacified world nurtured by charles i, who came to terms with spain and the vatican, while the nobility multiplied glorious deeds (hamilton's purchase of the della nave cabinet. . . ). Charles and his courtiers profited by the metamorphosis of portraits of state, in armour and family ones, which was orchestrated by van dyck, whose knowledge of titian was crucial for his ideal of grace. While three equestrian portraits by van dyck display the king's triumph and while peace and the arts were praised by gentileschi in queen's house at greenwich, aristocrats sat for friendly and loving portraits. Two mythological projects designed for greenwich, which were given to jordaens and reni, failed as tenseness grew. During the civil war, dobson portrayed royalists, walker and lely parliamentarians : cooper asserted himself on both sides, and others showed the refugees were sociability lay. The ebb of collected works was orientated towards brussels (archduke leopold-william), madrid (philip iv) and paris (mazarin and jabach). This does not square with the geography which prevailed from 1603 to 1641 (flanders and the united provinces providing london with artists, and italy providing pictures), a period characterized by the duality between the courtiers' brilliance (arundel, buckingham. . . ) and the ruptures caused by the stuarts. Painting doesn't wholly seem as a means which would have helped royal power to be recognized, a power whose prerogatives were contended and which was finally abolished
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Brouard, Christophe. ""Ut pictura pastoralia" : la naissance du paysage : les scènes champêtres dans la peinture et le dessin à Venise pendant la première moitié du XVIe siècle." Paris, EPHE, 2010. http://www.theses.fr/2010EPHE4052.
Full textAbstract:
La distinction du genre du paysage dans le panorama artistique vénitien des quatre premières décennies du XVIe siècle est liée à plusieurs facteurs conjoncturels et artistiques. Cette distinction s'est faite en plusieurs étapes chronologiques. Dans un premier temps, les nombreux recueils de poésies pastorales publiés entre la fin du XV et la moitié du XVIe siècle ont contribué à l'éveil d'une sensibilité nouvelle à l'égard d'une nature idéalisée. La prose bucolique, qui repose essentiellement sur des topoï, a été très tôt assimilée par les peintres vénitiens : le concept du locus amoenus s'est ainsi matérialisé à travers des scènes de concerts champêtres, de conversations saintes ou de poesie mythologiques. Ces topoï offraient une variété contenue de motifs que les peintres purent décliner d'abord en quelques idiomes repérables (berger arcadien, nymphe endormie, satyre). Mais, parce qu'elle incarnait un 'ailleurs', complémentaire de leur cadre de vie, cette nouvelle Arcadie fusionna ensuite, par le biais de quelques motifs empruntés à la réalité des peintres (les 'casoni', les moulins, les fermes), avec le paysage qu'ils avaient eux mêmes défini. Outre ce phénomène, notre étude aborde la réception de ces nombreuses scènes champêtres, historiées ou non, chez les connaisseurs et les collectionneurs vénitiens. C'est à Venise qu'une terminologie spécifique se met en place et que le mot de 'paese' (paysage) apparaît pour la première fois (en 1521 environ) pour désigner plusieurs oeuvres conservées dans les collections privéesThe distinction of the genre of landscape in the Venetian artistic world of the first four decades of the 16th century is linked to several artistic and circumstantial factors. This distinction was made in several chronological stages. At first, the various albums of pastoral poetry published between the end of the 15th century and the middle of the 16th have contributed to the awakening of a new sensitivity to idealised nature. Bucolic prose, which is essentially based on topoï, was assimilated very early on by Venetian painters: the concept of the Locus amoenus thus became materialized through pastoral concerts scenes, sacra conversazione, or mythological poesie. These topoï offered variety consisting of motifs that painters could enumerate first in a few identifiable idioms (Arcadian shepherd, sleeping nymph, satyr). But because it incarnates an “elsewhere”, complementary to their lifestyle, this new Arcadia then merged, through motifs borrowed from the painters’ reality (“casoni”, windmills, farms), with the landscape that they themselves had defined. Added to this phenomenon, our study broaches the reception of these numerous pastoral scenes, those with and without a narrative, among Venetian collectors and connoisseurs. It is in Venice that specific terminology was developed and that the word “paese” (landscape) appeared for the first time (around 1521) to name several works conserved in private collections
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Montoya, Manuel. "Le peintre herméneute : théorétique et théologie de l'image dans la peinture espagnole des siècles d'or (1560-1730)." Montpellier 3, 1998. http://www.theses.fr/1998MON30002.
Full textAbstract:
Il est habituel de parler de l'influence du concile de trente dans le contexte esthetique du xvie et du xviie siecle, sans que l'on sache vraiment en quoi la contre-reforme a ete operatoire. La xxve session du concile, extremement muette en la matiere, n'explique rien car elle ne ; s'interesse qu'a l'impact mondain de l'image. C'est pourtant a cette session que se referent uniquement les historiens de l'art. Toutefois, les discussions de la 2eme et de la 3eme periodes consacrees a la presence effective du sens dans le signe eucharistique nous instruisent sur la possible reception de ce debat dans les traites de peinture espagnols qui voulaient contester le contre-sens platonicien et degager, coute que coute, le signe plastique du referent materiel. Apres une etude des nombreux ouvrages (environ 600) publies au cours d'une periode qui va de 1560, date du premier grand traite espagnol, jusqu'en 1730, date du dernier ouvrage "baroque", l'etude se propose de demontrer que le realisme de la peinture espagnole, declare par les historiens de l'art, n'est qu'un leurre, que le "manierisme" et le "baroque" sont des concepts modernes "inventes" qui n'ont aucune raison d'etre et qui n'expliquent absolument rien, et que toute la theoretique et la pratique esthetique espagnoles, au travers d'oeuvres emblematiques, ont essaye de resoudre, a leur facon, l'apparente contradiction entre le signe et l'objet, en presentant la peinture comme un systeme de connaissance et non de reconnaissance qui l'impliquait dans une perspective beaucoup plus large, celle de l'illation, qui trouve ses sources au xiiie siecle, chez saint thomas d'aquin, et meme au ive siecle apres jesus christ, dans la pensee de saint augustinThe influence of the council of trent in the aesthetic context of the 16th and 17th centuries is usually discussed without knowing what the counter-reformation had an effect on. The 25th session of the council is totally silent on the matter, and explains nothing since it is only interested in the worldly impact of the image. It is however to this session alone that art historians refer. Nevertheless, the discussions of the 2nd and 3rd periods devoted to the effective presence of sense in the eucharistic sign inform us on the possible influence of this debate on spanish treatises of painting that wished to dispute the platonic contradiction, and to bring out, at all costs, the plastic sign of the material referent. After a study of numerous works (approximately 600) published in the course of a period that goes from 1560, the date of the first major spanish treatise, to 1730, the date of the last "baroque" work, the study sets out to show that the realism of spanish painting, proclaimed by art historians, is only an illusion, and that "mannerism" and "baroque" are "invented" modern concepts which have no raison d'etre and explain absolutely nothing. And moreover, that the whole of spanish aesthetic theory and practice, through emblematic works, tried, in their way, to resolve the apparent contradiction between sign and object, by presenting painting as a system of knowledge rather than recognition which placed it in a much wider perspective, that of illation, which has its origins in the 13th century in st thomas aquinas, and even in the 4th century in the thought of st augustine
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Berec, Laurent. "Fête et métamorphose dans la littérature pastorale anglaise de 1579 à 1642." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030165.
Full textAbstract:
Du Shepherd's Calendar de Spencer (1579) au Comus de Milton (1637), la littérature pastorale anglaise se caractérise par une forte tension entre un attachement intellectuel à l'orthodoxie chrétienne et une adhésion instinctive à une conception métamorphique de l'être, laquelle trouve sa meilleure expression dans une multitude de fêtes et de rituels archai͏̈ques. Il semble néanmoins que la vision ancestrale, amalgame de paganisme et de catholicisme médiéval, entre en déclin dans l'Angleterre du début de l'époque moderne et que les conceptions des protestants, voire celles des puritiains, connaissent un succès croissant dans les années qui précèdent la Guerre civile. .From Spencer's Shepherd's Calendar (1579) to Milton's Comus (1637), English pastoral literature is marked by a deep tension between an intellectual adherence to Christian orthodoxy and an instinctive attachment to a metamorphic conception of being which manifested itself in a vast number of archaic rituals and festivals. Nevertheless it seems that the ancestral outlook -a mixture of paganism and mediaeval catholicism- was rather on the wane in early modern England so that Protestant, even Puritan beliefs, were more widespread in the years preceding the Civil War. . .
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Raţiu, Dan-Eugen. "Peinture et théorie de l'art au XVIIe siècle : Nicolas Poussin et la doctrine classique." Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010578.
Full textAbstract:
Ce travail propose une analyse de la pensée artistique de Poussin en relation avec la doctrine classique - l'"Ut poesis pictura", l'"Ut rhetorica pictura", le discours académique -, et sa pratique picturale. Les objectifs sont d'éclairer ses caractéristiques et ses enjeux, sa place dans le cadre de la pensée de l'art à l'âge classique et son rôle dans l'émergence d'une nouvelle idée de la peinture. Nous défendons la thèse qu'il s'agit de la réflexion d'un peintre qui, loin d'être soumise aux données historiques et culturelles, mobilise des ressources propres pour adapter d'une manière nouvelles les concepts de la tradition classique et aboutit à redéfinir la nature, les fins et les moyens de son art, les principes de la production créatrice et la bonne manière de considéere les tableaux. Cette interprétation différente de celle avancée par la critique intellectualiste académique ou moderne, permet de reconsidérer le sens des notions de "peinture philosophique" et de "peintre philosophe" quant à Poussin.
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Alsina, Dominique. "Louyse Moillon (Paris, vers 1610-1696) : la nature morte au Grand Siècle : catalogue raisonné." Toulouse 2, 2010. http://www.theses.fr/2010TOU20066.
Full text
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Lhopiteau, Simon. "Pierre Daret, étude monographique et catalogue de son oeuvre." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040033.
Full textAbstract:
Pierre Daret (1605-1678), issu d’une famille d’origine bruxelloise, a fait son apprentissage de graveur en taille-douce chez Pierre Firens puis, après un probable voyage à l’étranger (Flandres, Italie), a commencé une carrière de graveur d’interprétation qui a duré vingt-cinq ans à Paris (1629-1654). Très proche des plus importants peintres de l’école française (Blanchard, Vouet, Le Sueur), il joue un rôle important dans l’évolution du frontispice de livre et ses ambitions économiques (devenir éditeur indépendant) et intellectuelles (prendre sa place comme graveur dans les débats théoriques en cours) l’amènent à publier plusieurs livres importants. Des problèmes familiaux et judiciaires le poussent à partir en province et à se retirer, malgré un bref retour en 1663. Il est hors-jeu dans la nouvelle ère (Colbert-Le Brun-Versailles) et meurt oubliéPierre Daret (1605-1678), whose father had come to France from Brussels, was apprenticed to Flemish-born Pierre Firens en 1618. After a probable trip abroad (to Flanders and/or Italy), he started a brilliant 25-year career (1629-1654) as an engraver after the works of major contemporary French painters (Jacques Blanchard, Simon Vouet, Eustache Le Sueur) whose friend he became. His work in book illustration and frontispieces was epoch-making and his ambitious spirit drove him to try and become financially independent (as an independent publisher) and intellectually relevant in the debates that were fostering the rise of the Académie Royale de Peinture et de Sculpture. He published 4 significant volumes, but had to leave in Paris due to family problems that brought him into trouble with the law. After a brief comeback in 1663, he retired for good in Gascony where he died, all but forgotten in the newly centralized French art scene
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Palonka-Cohin, Anetta. "La peinture religieuse dans le Haut-Maine au XVIIe siècle." Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040176.
Full textAbstract:
Le recensement des tableaux du XVIIe siècle conservés dans les églises sarthoises a permis de constater une forte activité des peintres manceaux à cette époque, jusque là encore très mal connue. Pourtant, elle a contribué à l’élaboration d’une manière propre aux milieux artistiques manceaux d’alors qui ont su prolonger loin dans le siècle la séduction du maniérisme, sans pour autant raidir celui-ci. La prédominance, puis la persistance du maniérisme s’expliquent par l’immense diffusion de la gravure anversoise à la charnière des XVIe et XVIIe siècles. Plus tard, l’autorité des maîtres parisiens, italiens et flamands reposa sur la reproduction de leurs oeuvres par l’intermédiaire des estampes. Éloignée des grands foyers artistiques, la peinture mancelle était en général conservatrice et répétitive, cherchant tout d’abord à vivement frapper le fidèle. Les tableaux religieux de l’époque post tridentine étaient surtout des oeuvres fonctionnelles, limitées à l’interprétation stricte des scènes, et pour lesquels pouvaient suffire des talents médiocres, et où le recours à la copie était très courant. Cette thèse permet de constater que le milieu des peintres manceaux, tout en gardant ses particularités provinciales, fût dynamique, ouvert aux apports nouveaux et riche en personnalités intéressantes. Leurs oeuvres ont constitué une sorte de tournant dans la production régionale dont l’évolution a suivi les mêmes directions que les grands courants parisiens, quoique avec un écart inévitable. Sont d’abord étudiés la Commande, les Peintres, la Création, les OEuvres et l’Évolution de la peinture mancelle (I). Vient ensuite le Dictionnaire des peintres manceaux (II), et enfin le Catalogue des oeuvres (III)The inventory of 17th-century paintings in churches in the département of Sarthe reveals that painters in Le Mans, hitherto little known, were prolific at that time. This hive of activity gave rise to an artistic scene in the province of Maine, in and around the city of Le Mans, which prolonged the style of mannerism well into the century, until it was replaced by the authority of Parisian, Italian and Flemish masters. A far cry from main artistic centres, Maine painting was generally conservative and repetitive. Above all, it sought to strike religious believers. Religious works by Maine painters during the post-Tridentine era were functional works, content to merely portray a scene. They required little or no talent and copying was very widespread. This thesis shows that the painting scene in and around Le Mans, although doggedly provincial, was dynamic, open to new contributions and full of interesting characters. Their work marked a turning point in regional production and its evolution followed the same trends as the major Parisian currents, albeit with an evitable delay. We shall examine commissioning, the artists, creation, works and the evolution of painting in Le Mans (I). This will be followed by the dictionary of Maine painters (II) and the catalogue of works (III)
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Vu, Thanh Hélène. "Pastorale et missions au Japon pendant le siècle chrétien (XVIe-XVIIe siècles)." Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040271.
Full textAbstract:
Cette thèse se propose d’étudier la mise en œuvre de la pastorale par les jésuites et par les ordres mendiants (franciscains, dominicains et augustins) au Japon, au cours des XVIe et XVIIe siècles. Ce travail consiste à s’interroger sur les méthodes mises en œuvre par les religieux, ainsi qu’à la vie des chrétientés : le projet de conversion des missionnaires n’est pas analysé en terme quantitatif (y a-t-il eu de nombreuses conversions ?), mais en terme qualitatif : il s’agit de comprendre ce que signifie être un chrétien au Japon pour les missionnaires, mais également pour les convertis. Le propos est organisé en quatre parties. La première partie s’intéresse à la construction de l’espace missionnaire et vise à comprendre la façon dont les religieux s’approprient l’espace japonais, dans le but de faciliter l’enracinement du christianisme au Japon. La seconde partie étudie ceux qui conduisent la pastorale et sont en charge de la chrétienté, afin de repérer un profil de missionnaire spécifique à la mission japonaise. La troisième partie analyse les stratégies mises en place par les missionnaires pour convertir les Nippons, mais également la façon dont ces derniers pratiquent le christianisme et s’approprient la nouvelle religion. Enfin, la quatrième partie vise à mettre en perspective les trois premières, en questionnant la manière dont les missionnaires appréhendent la pastorale et en étudiant la diffusion d’une culture européenne au JaponThis thesis examines the pastoral work carried out by the Jesuits and the mendicant Orders (Franciscans, Dominicans, Augustinians) in Japan during the 16th and 17th centuries. It analyses the methods developed by the missionaries as well as the lives of the new believers. The missionary project is not analysed in quantitative terms (number of conversions) but in qualitative ones: what does being Christian mean in Japan, for the missionaries, but also for the converts?The study is divided into four parts. The first one deals with the construction of the missionary territory; it aims at understanding how the missionaries manage Japan’s geography in order to help Christianity spread and take root in the country. In the second part, the lives and origins of the missionaries are analysed, allowing for a typical profile to be identified. The third part discusses the strategies deployed by the missionaries to convert the Japanese, and also the way the natives understand pastoral activities and appropriate the new religion. In the fourth and final part, the three first part are put into perspective by studying the way missionaries understood their pastoral work and the way they spread elements of European culture across Japan
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Bolard, Laurent. "Recherches sur la représentation de l'architecture vernaculaire dans le paysage français du XVIIe siècle." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1993PA040018.
Full textAbstract:
Le paysage français du XVIIe siècle est étroitement lié à la représentation d'architectures. Parmi celles-ci, l'architecture vernaculaire occupe une place importante dont rendent bien compte la diversité de types, la précision des caractères techniques, la variété des modèles, les relations avec les sujets et la nature même du paysage, et les références culturelles. La domination du modèle italien consacre l'ambiguïté de ces architectures, entre le mythe et la réalitéFrench landscape of the seventeenth century is narrowly connected to the representation of architectures. Among them, vernacular architecture occupies a first rank place, which is revealed by the diversity of types, the precision of technical characters, the variety of models, the relationships with subjects and nature of landscapes, and the cultural references. The domination of Italian model sanctions the ambiguity of theses architectures, between myth and reality
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Ory, Séverine. "Antoine Leblond de Latour (1635-1706)." Bordeaux 3, 2001. http://www.theses.fr/2001BOR30041.
Full textAbstract:
Le travail en deux volumes relate la vie et l'oeuvre d'un portraitiste parisien ayant travaillé plus de trente ans à Bordeaux au XVIIe siècle : Antoine Leblond de Latour. Dans le chapitre premier sont étudiées les origines familiales permettant de faire ressotir l'influence artistique de ce milieu sur sa vie et sa carrière. Dans le second chapitre, la formation artistique parisienne est étudiée. Le chapitre trois s'attarde sur la carrière et les ambitions d'A. Leblond de Latour à Bordeaux, à la fin est insérée une chronologie de l'artiste parisien. Dans un quatrième chapitre est étudiée sa descendance à travers de la vie et l'oeuvre de ses cinq fils. Dans le chapitre V, son oeuvre est passée au crible, une oeuvre essentiellement de portraitiste. Un catalogue est inséré à la suite. Le sixième chapitre est consacré à ses théories esthétiques exposées dans son traité publié en 1668. Enfin dans un dernier et septième chapitre, l'oeuvre d'Antoine Leblond de Latour est replacée dans l'art du portrait au XVIIe siècle
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Milovanovic, Nicolas. "L'iconographie des grands décors monarchiques (1653-1683) : De la fin de la Fronde à la mort de Colbert." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040022.
Full textAbstract:
Les grands décors monarchiques français réalisés de la fin de la Fronde (1653) à la mort de Colbert (1683), ont été particulièrement nombreux, depuis les appartements du Louvre jusqu'à la galerie des Glaces. Du point de vue formel on constate une triple unification: structurale, iconographique et ornementale, avec une hiérarchisation des sujets et une soumission des ornements au thème général des décors. Tous les programmes sont fondés sur la métaphore, partagée entre le mode énigmatique, où l'interprétation est laissée pour une part à l'initiative du spectateur, et le mode emblématique, où la signification est précisée par un texte. L'iconographie est toujours incluse dans un système où la position éminente du roi est mise en relation avec le bénéfice qu'en retirent les sujets. Le soin avec lequel les programmes ont été élaborés implique que le sens fait bien partie de la "signification esthétique" de l'oeuvre, c'est-à-dire de la part que les concepteurs ont voulu que le spectateur perçoive sur le plan esthétiqueMonarchical french painted ceilings realized between the end of the "Fronde" (1653) and the death of Colbert (1683) are numerous, from the Louvre apartments to the Hall of Mirrors at Versailles. From a formal point of view, there is a triple unification: structural, iconographical and ornamental, with a hierarchy of the subjects and a submission of the ornaments to the themes of the decorations. All programs are founded on metaphor: either enigmatic, when the beholder has an active part to play, or emblematic, when the meaning is given precisely by a text. The meaning remains always part of a system, where the supremacy of the king is related to the benefits the subjects get from it. The careful composing of the iconographical programs implies that the meaning is part of the "esthetic significance" i. E. , that is the part the authors wanted the beholder to perceive on an esthetic level
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Rogeaux, Nadine. "Wallerant Vaillant (1623-1677), graveur à la manière noire, dessinateur à la pierre noire et peintre de portraits." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040181.
Full textAbstract:
Estimée pour ses fondus, ses camaïeux noirs et vibrants, sa lumière intimiste imitant les suggestions caravagesques, la gravure en manière noire fit la réputation de Wallerant Vaillant (1623-1677). A Amsterdam, l'artiste la mena à un degré de perfectionnement qu'aucun précurseur n'avait eu avant lui. Professionnel de l'estampe, Vaillant était aussi un grand dessinateur à la pierre noire. Il fit du portrait hollandais sa spécialité. Ses pastels lui valurent une autre originalité. Par un jeu d'influences réciproques, ces techniques interagirent entre elles, rendent compte d'effets comparables, et définirent le style d'un artiste, prônant le flou des contours et le rendu estompé. Son activité picturale est peu connue. Les natures mortes, le « jeune dessinateur copiant l'antique » sont récurrents dans son œuvre. Vaillant privilégiait toutefois le portrait. Ses autoportraits reflètent une splendeur rembranesque et visent à l'effet. La décennie 1667-1677 est prodigue d'autres tableaux remarquables. A l'imitation d'un Van der Helst ou d'un Hanneman, Vaillant s'intéresse au portrait élégant. Les noirs soyeux, adoucis de blanc ; ses carnations, d'une belle unité de tons; le traitement de ses belles mains soignées, forment les qualités intrinsèques de son art. De formation flamande et hollandaise, Wallerant Vaillant méritait de passer à la postérité. Puisse cette étude consacrée à son histoire et au catalogue raisonne de ses œuvres remplir cette fonction !
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Castiglione, Julia. "L'oeil et la main ˸ juger la peinture à Rome à l'orée du XVIIe siècle. Giulio Mancini, courtisan et théoricien." Thesis, Paris 3, 2019. http://www.theses.fr/2019PA030063.
Full textAbstract:
Juger les tableaux, évaluer leur qualité, estimer leur prix relève de nos jours d’une expertise spécifique, aux mains d’acteurs vers lesquels se tournent les salles de ventes, les musées ou les propriétaires de collections. À Rome au XVIIe siècle, différents groupes s’affrontent pour s’approprier cette compétence, notamment en vue d’accéder au rôle de conseiller à la cour des grands collectionneurs. Alors qu’émerge progressivement un marché des tableaux et que la circulation des œuvres s’amplifie, savoir estimer leur valeur devient une capacité essentielle. Si l’évaluation du prix est traditionnellement un rôle dévolu aux peintres, qui s’estiment les uns les autres au sein de leur corporation, l’émergence de critères commerciaux nouveaux tend à saper l’autorité de la profession en matière de jugement. Cette recherche s’intéresse au processus de captation de cette expertise, qui se détache du savoir-faire des peintres au profit de courtisans spécialisés dans le conseil en matière de peinture. Cette compétence dévolue aux gentilshommes est théorisée par Giulio Mancini dans son traité Considerazioni sulla pittura. En croisant ce texte et la transcription de certains de ses traités inédits, il s’agira de voir comment ce jugement artistique s’intègre plus largement à une culture courtisane partagée. À la croisée de l’histoire, de l’histoire de l’art et de la littérature, cette recherche entend analyser ce processus historique de formalisation d’un jugement artistique s’autonomisant par rapport à la pratique, à la lumière des discours qui l’ont rendu possible et de la reconfiguration des critères de valeur des œuvres d’artJudging paintings, assessing their quality and estimating their price is nowadays considered a specific expertise acquired by agents to whom auction houses, museums or collection owners turn. In Rome during the seventeenth century, different groups compete to appropriate this skill, especially in order to become advisers to great collectors. As a market of paintings gradually emerges and the circulation of works grows, knowing how to estimate their value becomes an essential ability. While price evaluation is traditionally the prerogative of painters, who value each other within their corporation, the emergence of new commercial criteria tends to undermine the profession's authority in terms of quality assessment. This research focuses on the development of this expertise, which is remarkably different from the painters' know-how and favors courtiers specialized in painting advice. Giulio Mancini theorized this skill in his treatise Considerazioni sulla pittura. By crossing this text and the transcription of some of his unpublished treatises, the thesis shows how this artistic judgment is integrated within a broader, shared courtesan culture. At the crossroads of history, art history and literature, this research proposes to analyze the historical process of formalization of artistic judgment, thus not only shedding new light on this practice, but also on the discourses that made it possible and the reconfiguration of the value criteria of works of art
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Delaplanche, Jérôme. "Joseph Parrocel (1646-1704) et son temps." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040108.
Full textAbstract:
Notre thèse de doctorat est une monographie sur le peintre français Joseph Parrocel (Brignoles, 1646 - Paris, 1704). Elle est constituée d'une biographie, d'une étude de l'œuvre, d'un catalogue raisonné et d'un regroupement de pièces annexes. La biographie s'attache à insérer l'artiste dans le contexte politique, intellectuel et artistique de son temps. L'étude de l'œuvre est divisée en quatre chapitres. Le premier aborde les principales caractéristiques de ses peintures et de ses dessins, étudie la formation et l'évolution de son style, et traite de la question de l'attribution dans le domaine de la peinture de bataille avec le cas exemplaire de Jacques-Ignace Parrocel, neveu de Joseph. Le deuxième chapitre analyse l'esthétique du pittoresco à partir des théories artistiques en vigueur en Italie et en France. Quelles sont les conséquences, les ambitions et les limites d'une telle option artistique ? Le troisième chapitre est une étude de la peinture de bataille, distinguant d'une part son histoire sur le plan formel, et d'autre part les implications politiques de ce type d'image. Le quatrième chapitre examine la vision de la nature chez Parrocel. Nous traitons en premier du thème de la chasse au XVIIe siècle, puis des peintures au sujet champêtre. Le catalogue raisonné regroupe tout l'œuvre peint, dessiné et gravé. Nous avons aussi recensé un grand nombre de mentions anciennes d'œuvres disparues. Suivent les annexes rassemblant les pièces d'archives découvertes, la transcription des études manuscrites inédites, et une étude sur la réception et la diffusion de son art. Le travail se conclut par une bibliographie et un indexThis thesis is a monograph on the French painter Joseph Parrocel. It is constituted with a biography, a study of the works, a catalogue raisonné and with a regrouping of appendix. The biography tries to insert the artist in a vast political context. The study of the works is divided into four chapters. The first studies the mains characteristics and the evolution of his paintings and his drawings, and examines the case of Jacques-Ignace Parrocel. The second chapter analyses the pittoresco aesthetic from Italian and French art theories. The third chapter discusses the battle painting. The fourth studies the landscape painting of Parrocel with his hunting paintings. The catalogue raisonné regroups all the works of the artiste (paintings, drawings and engravings). Then, there are the archives, unpublished manuscripts and a final study on the reception of his art
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Bedard, Sylvain. "Les académies dans l'art français au XVIIe siècle (1630-1720)." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040064.
Full textAbstract:
Cette étude porte sur la place dévolue à l'exercice du modèle naturel en France à partir du premier tiers du XVIIe siècle, quand s'organisent dans le pays les premières séances de dessin d'après le nu (ou académie}, jusque vers 1720. L' « école du modèle », que les français ont empruntée à l’Italie du XVIe siècle, notamment à l'académie des Carrache à Bologne, puis à celle de saint-Luc à Rome, et dont l'Académie royale de Paris, fondée en 1648, fera son enseignement principal, va assurer, à l'art français, une prééminence en Europe, dès la fin du XVIIe siècle. Un phénomène qui tient pour beaucoup à l'excellente formation que recevaient les étudiants inscrits à son cours public, initiés très tôt aux difficultés du dessin d'après le naturel. Apres avoir rappelé les expériences françaises dans le domaine avant 1648, nous examinons le développement de la classe du modèle à l'Académie royale, sa pédagogie et sa doctrine (dont ses célèbres conférences, tenues à partir de 1667), ainsi que les œuvres produites par ses professeurs et élèves. Nous abordons ensuite le développement de cet enseignement au dehors de l'Académie royale: dans les ateliers privés des artistes, de même qu'à l'école de dessin des Gobelins, ouverte par Le Brun au milieu des années 1660. Puis à l'extérieur de la capitale, comme à l'Académie de France à Rome, ou les pensionnaires du roi continuaient à dessiner le modèle sur une base régulière, ou dans les écoles académiques de province, ouvertes à partir de 1676, ou sera reprise cette formule « parisienne » de l'école du modèle vivant.
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Fornari-Natale, Shura. "Le peintre et historien romain Giovanni Baglione." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/1999PA040249.
Full textAbstract:
Giovanni Baglione (1566-1643) est un peintre romain mal connu, dont seuls la production caravagesque et les écrits biographiques ont retenu l'attention de la critique moderne. Or, Baglione, opposé à Caravage lors d'un procès retentissant (1603), abandonna, ou peu s'en faut, la manière du lombard dans laquelle, pourtant, il excellait, pour développer une expression plus personnelle que Mancini qualifiait déjà, en son temps, de maniera propria. Fusionnant sa formation maniériste, son goût pour le réalisme et le naturalisme inspiré par les Carrache, cette "manière" devait lui permettre de gagner les faveurs d'un clergé soucieux de s'attacher les services de peintres respectueux des canons de la reforme - une réforme dont Baglione se fit rapidement l'un des champions, pour devenir, au terme d'une ascension fulgurante, un peintre de régime recherché et honoré. Ce destin n'est pas le fruit du hasard : derrière le peintre se cache un homme âpre au gain, fin négociateur, habile diplomate, anime par un désir de reconnaissance hors du commun, à l'origine de la rédaction d'une biographie d'artistes à la forme innovante - les vite de' pittori, scultori et architetti. . . - testament artistique primordial, mais aussi témoignage amer d'un homme controversé, qui voulait rendre compte par la plume d'un talent de peintre que déjà, peut-être, ses contemporains ne voulaient plus lui reconnaitre. Notre thèse, étayée par des documents inédits et par une analyse minutieuse de l'œuvre, a permis d'établir une nouvelle chronologie, de restituer à Baglione certains de ses tableaux et dessins et d'éclairer d'un jour nouveau la personnalité d'un artiste complet, acteur à part entière de l'une des pages les plus animées du XVIIe siècle romain.
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Ameille, Brice. "L’impressionnisme et la peinture ancienne : Itinéraire d’une avant-garde face à la tradition." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040088.
Full textAbstract:
Encore souvent perçu comme une véritable révolution esthétique, l’impressionnisme fait depuis quelques années l’objet d’une importante recontextualisation visant à remettre en question cette vision. Sans dénier au mouvement ses apports novateurs, cette thèse étudie la relation de ses membres avec la tradition picturale. S’appuyant sur un important corpus de textes critiques, de revues spécialisées et de catalogues d’exposition de l’époque, ainsi que sur de très nombreuses comparaisons iconographiques étayées, elle dégage quatre grandes sources d’inspiration : le XVIe siècle vénitien, le XVIIe siècle espagnol, le XVIIe siècle néerlandais, et le XVIIIe siècle français. C’est à l’aune de ce rapport à la peinture ancienne, et par le biais d’une typologie des différents positionnements à son égard, que la « crise » connue par l’impressionnisme au début des années 1880 est réexaminée, et que, plus généralement, une nouvelle approche du mouvement est proposéeImpressionism is often perceived as a genuine aesthetic revolution. However, over the course of past years, it has been reconsidered and this vision called into question. Without rejecting the groundbreaking characteristics of Impressionism, this thesis studies the relationship between the Impressionists and pictorial tradition. Referring to a large corpus of reviews, specialized articles, exhibition catalogs of the period, and supported by many iconographic analogies, it lists four major inspirations: the Venetian 16th century, the Spanish 17th century, the Dutch 17th century, and the French 18th century. In the light of this connection between Impressionism and Ancient painting, and with the help of a typology summing up the different positions regarding this connection, this thesis reexamines the crisis that Impressionism underwent during the early 1880’s and suggests a new approach to the movement
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Ducos, Blaise. "Frans Pourbus le Jeune (1569-1622) entre Habsbourg, Médicis et Bourbons." Amiens, 2008. http://www.theses.fr/2008AMIE0015.
Full text
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Tapié, Alain. "Le sens cache des fleurs : symbolique et botanique dans la peinture du xviieme siecle." Caen, 2000. http://www.theses.fr/2000CAEN1304.
Full textAbstract:
Deja present dans les fresques de l'antiquite ou les enluminures du moyen-age, l'art floral trouve son apogee et son autonomie dans la peinture du xviie siecle. Si le spectateur d'aujourd'hui retient avant tout de ces tableaux la seduction decorative, la richesse de coloris ou la facture minutieuse, il ne doit pas ignorer que les fleurs qui y sont representees constituaient, au-dela de leur fonction ornementale, le vecteur de sens multiples. Dans les ecoles francaise, italienne ou nordique de cette epoque, les artistes ont recueilli et combine un heritage de sens particulierement foisonnant : plus que dans les filiations esthetiques, c'est dans les spheres d'influence religieuse ou philosophique qu'il convient de rechercher la signification multiforme de ces tableaux. Ainsi la tradition chretienne, la vision protestante du monde, comme les sources mythologiques de l'antiquite ou la science botanique naissante, se combinent a des degres divers a la fonction decorative, se juxtaposent ou se fondent, pour charger les fleurs d'une infinite de significations. Guirlandes glorifiant une scene religieuse ou un personnage de haut rang, bouquets ou fleurs isolees incarnant les vertus des saints et de la vierge marie, symbolisant la fragilite de la vie humaine ou des choix moraux proposes a l'homme, temoignages de la beaute de la creation divine, metaphores des saisons ou des cinq sens, recits de metamorphoses mythologiques. Fruits et insectes, a leur tour charges de significations, viennent souvent renforcer l'interpretation symbolique du tableau.
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Trouvé, Stéphanie. "Des ténèbres de la matière aux pures lumières de la science : la peinture à Toulouse au XVIIe siècle et ses rapports avec l'art italien." Paris 10, 2004. http://www.theses.fr/2004PA100168.
Full textAbstract:
Le propos de cette thèse est de mener une réflexion sur la mutation du statut de la peinture à Toulouse et sur les causes de ce phénomène. La question a été de savoir quelle place la société toulousaine assignait-elle à la peinture ? Comment est-on passé pour reprendre les mots de Pader " des ténèbres de la matière " aux " pures lumières de la science " ? Pour exposer le résultat de cette enquête j'ai privilégié un plan thématique en trois parties. La problématique qui vise à étudier l'impact de l'introduction de conceptions et de pratiques nouvelles sur un groupe social a nécessité tout d'abord d'envisager la communauté des peintres comme un ensemble d'individus maniant pigments et pinceaux et produisant des images, pour dresser un panorama du métier de peintre tel qu'il était pratiqué à Toulouse. Cette approche sociale du peintre est suivie d'une réflexion, dont l'objectif principal a été de décrypter les codes sur lesquels se sont fondées les notions " d'artiste " et " d'œuvre d'art ", afin de rendre compte du processus d'émancipation du champ pictural et de ses limites. La troisième partie analyse les concepts et les pratiques artistiques italiens que les peintres ont importésThe subject of this thesis is about painting in Toulouse, with a focus on the alteration of its status and the reasons of this evolution. The major question was to define the place the Toulouse society attached to painting in the 17th century. How did the situation evolve, as Pader wrote, "from the darkness of the matter" to "the pure lights of science"? The scheme of my dissertation is based on a thematic plan in three parts. First, a social approach. The question which aims at studying the impact of the introduction of concepts and new practices on a social group required to consider the community of painters as a group of men handling pigments and brushes and producing images, in order to draw up a panorama of the craft of painter as it was then practised in Toulouse. Secondly, a theoretical part attempts to decipher the codes on which the concepts of "artist" and "work of art" were based, in order to account for the emancipation process of the pictorial field and its limits. The third and last part analyses Italian concepts and practices imported by painters
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Leontakianakou, Irini. "L'œuvre peint d'Emmanuel Tzanès (ca. 1610-1690) : contribution à l'étude de l'école crétoise." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010619.
Full textAbstract:
Ce travail porte sur l'oeuvre d'Emmanuel Tzanès, peintre grec actif en Crète, à Corfou et à Venise au XVIIe s. à cette époque, suite à la conquête ottomane, de nombreux crétois quittent l'ile, jusqu'alors colonie vénitienne. Dernier maitre de l'école crétoise, dont l'essor se situe en Crète après la chute de Byzance (XVe-XVIIe s. ), Tzanès est l'auteur de quelques 120 icônes. Outre la qualité de l'éxécution et la richesse iconographique, cela prouve sa notoriété parmi les artistes de son époque. Cette oeuvre, extrêmement complexe, profondément éclectique, très caractéristique dans la mesure où elle marque la fin d'une époque, tantôt rétrogradé, tantôt "moderne" porte l'empreinte de la tradition byzantine, de l'imagerie crétoise, de la peinture occidentale et de la littérature religieuse. Ce travail, suivi du répertoire complet des oeuvres connues de Tzanès et d'une documentation photographique, s'articule en trois parties. La première est consacrée à une analyse exhaustive de certaines icônes qui présentent un intérêt particulier sur le plan iconographique ou idéologique. Nous avons tenté de détecter les multiples sources d'inspirations post-byzantines ou occidentales, de comprendre leur élaboration picturale et de saisir le fondement idéologique des images. Dans la deuxième partie sont etudiées l'ensemble des icônes du peintre réparties selon des critères formels, ou bien selon leur lieu de conservation initial, intimement lié à leur fonction. Nous considérons, enfin, les commandes et les commanditaires, dans le but de cerner la place de l'artiste dans la société crétoise, corfiote et dans la diaspora des grecs à Venise, avant de déceler les caractéristiques générales de sa peinture et la replacer dans son contexte artistique et historique.
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Restif, Bruno. "La paroisse, cadre d'application de la Réforme catholique en Haute-Bretagne (diocèses de Rennes, Dol et Saint-Malo) : histoire d'un processus de transformation religieuse et culturelle (XVIe et XVIIe siècles)." Rennes 2, 2004. http://books.openedition.org/pur/7058.
Full textAbstract:
Etude de la Réforme catholique " au ras du sol ", le présent travail porte sur l'application de ce processus de transformation culturelle et religieuse dans les 469 paroisses et trèves qui constituent les diocèses haut-bretons de Rennes, Dol et Saint-Malo, du milieu du XVe au début du XVIIIe siècle. La première partie traite des paroisses de Haute-Bretagne dans un long XVIe siècle. Il s'agit d'abord de comprendre le mode de gestion des paroisses, puis de voir à quel point l'église constitue le centre de la paroisse, avant d'envisager l'encadrement clérical, les volontés de réforme et l'apparition des nouveaux problèmes. La seconde partie est consacrée au grand siècle de la Réforme catholique, à savoir le XVIIe. La mise en œuvre de ce mouvement dépend des impulsions épiscopales et de la réforme du clergé, mais aussi de la gestion des fabriques. L'entreprise de christianisation accrue de la société est marquée par l'action des élites dévotes, la prédication du clergé, les missions et l'essor des confréries de dévotion. Par ailleurs, les transformations de l'espace sacré et la magnificence du culte attestent des liens entre liturgie et pastorale. La troisième partie porte sur les réussites et les limites de l'entreprise réformatrice, dans le domaine des croyances et celui des pratiques. Il s'agit d'abord de se pencher sur la question de la transformation des pratiques et des conversions intérieures, puis sur les évolutions et les permanences dans le domaine des dévotions. Enfin, les mutations et les résistances d'un monde ancien attestent de la réalité des stratégies et de leur succès, des résistances et des survivancesAs a "Ground study" of the Catholic Reformation, the present work intents to illustrate the process of cultural and religious transformation within the 469 parishes and chapels belonging to the dioceses of Upper Brittany (Haute-Bretagne), i. E. Rennes, Dol and Saint-Malo, from the middle of 15th to the beginning of the 18th century. The first part covers the parishes of Haute-Bretagne during a long 16th centuy. We first will outline the way parishes are being administered, and then try to understand at what degree the Church constitutes the Parish's centre ; finally we contemplate the clerical framing, the will to undertake reforms and appearing of new problems. The second part is dedicated to the main century of Catholic Reformation, i. E. The 17th century. The implementation of this movement is based both on the episcopal impetus and the reforming within the clergy, but furthermore on the admnistration of the fabriques. The ambition of extending christianisation is characterised by the action of devout elites, the preaching of the clergy, the Missions as well as by the development of worship brotherhoods. Besides, transformations related to the Sacral space, and the worship's magnificence bear witness of the links between liturgy and the pastoral influence. The third part is about the achievements and limits of the reforming action, both as to faiths and practices. We first aim to elucidate the matter of the transformation of the practices and inner conversions, and then illustrate changes and continuities in the field of devotion. Finally, the mutation and resistance of the Ancient World testify of the strategies' reality and success, but also the resistances and remains
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Bastet, Delphine. "Les Mays de Notre-Dame de Paris (1630-1707) : Peinture, Eglise et monarchie au XVIIe siècle." Thesis, Aix-Marseille, 2014. http://www.theses.fr/2014AIXM3116.
Full textAbstract:
Les mays de Notre-Dame, tableaux offerts de 1630 à 1707 par la confrérie Sainte-Anne-Saint-Marcel des orfèvres parisiens à la cathédrale Notre-Dame de Paris en signe de dévotion à la Vierge, forment un des ensembles de peinture religieuse les plus importants du XVIIe siècle. La thèse de doctorat propose une étude de cette série en deux volets, une approche analytique à travers un essai et une approche synthétique à l'aide d'un catalogue. L'essai aborde dans une première partie le contexte confraternel et explique le choix de grands formats présentés dans la nef de la cathédrale. La deuxième partie s'intéresse à la fonction religieuse et politique de ces tableaux. La troisième partie s'attache aux conditions de la commande et aux questions de style et évalue la réception des œuvres au XVIIIe, XIXe et XXe siècles. Le catalogue reprend pour chaque tableau l'ensemble des données documentaires et visuelles. Les textes accompagnant les toiles (contrats, explications, inventaires de Notre-Dame) constituent les annexes. L'importance des mays dans la peinture religieuse du XVIIe siècle tient à leurs résonances avec les préoccupations pastorales et théologales de l'Église de Paris, ainsi qu'à leur statut de modèle pour la peinture religieuse. Exposés au cœur de la cathédrale de Paris, ils constituent un décor sacré au service du roi et de la politique religieuse du royaumeThe mays of Notre-Dame, paintings offered from 1630 till 1707 by the brotherhood Sainte-Anne-Saint-Marcel of the Parisian silversmiths to the cathedral Notre-Dame de Paris in sign of worship in the Virgin, are one of main group of paintings of the XVIIth century. The doctoral thesis proposes a study of this series in two steps, an analytical approach through a essay and a synthetic approach by means of a catalog. The essay approaches on a first part the fraternal context and explains the choice of large formats presented in the nave of the cathedral. The second part is interested in the religious function and the politics of these paintings. The third part becomes attached in the conditions of the command and to the questions of style and estimates the reception of the works at the XVIIIth, XIXth and XXth centuries. The catalog resumes for every picture all the documentary and visual data. Texts accompanying paintings (contracts, explanations, inventories of Notre-Dame) establish appendices. The importance of mays in the religious painting of the XVIIth century holds their echos with the pastoral concerns and théologales of the Church of Paris, as well as in their status of model for the religious painting. Exposed at the heart of the cathedral of Paris, they constitute a decoration crowned in the service of king and of religious politics of the kingdom
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Vincent-Cassy, Cécile. "Les "chemins du ciel" : sainteté féminine, martyre et patronage en Espagne sous Philippe III (1598-1621) et Philippe IV (1621-1665)." Paris 3, 2004. http://www.theses.fr/2004PA030147.
Full textAbstract:
Au XVIIe siècle, le culte des saintes vierges et martyres à la Cour de Madrid, et plus spécifiquement au couvent royal de la Encarnación, fondé par la reine Marguerite de Habsbourg en 1611, est rattaché à l’« esprit des catacombes » qui règne alors à Rome. À partir de ce foyer, l’engouement pour les figures de ces saintes, présentées comme des membres de la cour céleste, gagne toute l’Espagne. Le martyre est associé à la notion de patronage, à l’échelle locale ou régionale des Églises particulières d’abord, mais aussi dans la représentation du pouvoir des femmes de la famille royale. Un nouveau critère hagiographique pour la sainteté féminine laïque s’impose alors : la royauté. Ces phénomènes sont perceptibles dans la représentation théâtrale, poétique et picturale des saintes vierges et martyres : le discours de leur sainteté est mis en image et le récit de leur vita est mis en portraitIn the XVIIh century, Virgin Martyrs worship in the Spanish royal court, and particularly in the Royal Convent of the Encarnación, funded by Queen Margaret of Habsburg in 1611, is linked to the “Catacombs spirit” which then dominates Rome. From this centre, this keen interest for these saints, pictured as members of God’s court, conquers Spain. Martyrdom is combined with the notion of patronage, first for specific churches at local and regional levels, but also in the representation of the power of royal family women. Royalty then forces its way as a new hagiographic criteria for profane feminine sanctity. These phenomenons are apparent in the theatrical, poetical and pictorial portrayal of Virgins and martyrs : their sanctity is shaped in images and the story of their vita portrayed
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Quaranta, Gabriele. "L'art du roman : peintures à sujet littéraire en France au XVIIe siècle (du règne de Henri IV à la régence d'Anne d'Autriche)." Thesis, Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010615/document.
Full textAbstract:
Cette thèse mène une enquête sur la parution d'un certain nombre de décors à sujet littéraire dans des demeures aristocratiques pendant la période qui va du règne de Henri IV jusqu'aux débuts de la Régence d'Anne d'Autriche, notamment pendant les années 1620 et 1630. La littérature critique a déjà montré l'importance de certains sujets tirés des œuvres littéraires dans les commandes de Henri IV et de Marie de Médicis : la "Franciade", les "Éthiopiques," "Jérusalem Délivrée". le "Pastor Fido". Il s'agit. pour la plupart, de sujets qui jouiront ensuite d'une fortune particulière chez la noblesse. soit la plus proche à la couronne que la plus "dégagée" et éloignée de la cour. Pendant les mêmes années, avec "L 'Astrée", le "Don Quichotte" et bien d'autres, le roman commençait à s’imposer en genre autonome, destiné à devenir un véritable lieu de représentation mais aussi de formation e de réflexion de société et de la culture de l'Europe moderne. En effet aussi les héros épiques. qui s'imposaient en peinture mais même sur scène - en protagonistes des ballets de cour, des tragédies et des tragicomédies - étaient de plus en plus lus interprétés sous une lumière romanesque, Les arts figuratifs participaient donc. de leur façon, à cette évolution. qui représente l'un des nœuds fondamentales de notre histoire culturelle. En partant du cas spécifique des décors à sujet littéraire. la restitution des différentes commandes. des différentes façon de "lire" ces récit littéraires e de les mettre en images. ainsi que les rapports entre mécénat artistique. mécénat littéraire et. plus en général, les liens entre culture et peinture. sont donc but ultime de ce travailThis thesis investigates a number of pictorial decorations with literary subject in French aristocratic houses during the period from the reign of Henry IV to the beginning of the regency of Anne of Austria, especially during the 1620's and 1630·s. Critical literature has shown the important reference to the literature in pictorial patronage of Henry IV and Marie de 'Medici: from the Franciade to the Ethiopiques, from the Jérusalem Dclivercd, to the Pastor Fido. In a larger part, those subjects enjoyed a great fortune also in aristocratic patronage of crown ministers as weil as of some rebel "frondeur". During the same years, with the publication of Honoré dUrfé's .Astrée, Cervantes ' Don Quixote and many others, the novel began to impose itself as autonomous genre, to becorne an important instrument of representation but also a way of training and reflection on society and culture of modern Europe. Indeed as the epic heroes. who appeared in painting but even on stage - as protagonists of court ballets, tragedies and tragicomedies - were increasingly read and interprete in a "novel' light. So, figurative arts were involved - in their way - to this development, which is one of the nodal points of our cultural history. Starting from the specific case sets a literary subject, the ultirnate goals of this work are the analysis of the different cornmands, the different way to "read" these "histories" and to translate them in images, and the relationships between artistic patronage. literarv patronage and, in general, the links between culture and painting
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Grosperrin, Jean-Philippe. "Le glaive et le voile : économie de l'éloquence dans l'oeuvre de Fénelon." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040228.
Full textAbstract:
L'œuvre de Fénelon combine une théorie de l'éloquence à une pratique du discours modelée sur la mission pastorale, mais susceptible de s'incarner dans des formes très diverses, du sermon à la fiction mythologique. Il s'agissait d'interroger le rapport entre la doctrine religieuse et l'exercice de la parole, entre les fins de la conversion et les moyens rhétoriques mis en œuvre. C'est pourquoi on a privilégié la notion d'économie, qui permettait d'articuler ces divers plans. La première partie montre comment la pensée religieuse de Fénelon, tributaire de l'esprit conquérant de la réforme catholique, ménage et contrôle un espace pour l'art rhétorique. Le principe de l'accommodation, autorisé par l'incarnation, apparait comme le pivot autour duquel se rencontrent charité chrétienne et stratégies oratoires. La deuxième partie s'intéresse au détail de textes caractéristiques de la rhétorique fénelonienne : l'examen des trois fonctions oratoires met en évidence l'influence de la spiritualité sur son éloquence, ainsi que les tensions internes à cette doctrine de l'éloquence. La dernière partie tente de montrer la permanence d'un modèle rhétorique, centre sur ce que Fénelon appelle « peindre » : de la prédication aux aventures de Télémaque, l'œuvre de Fénelon pose de façon singulière, mais aussi caractéristique du XVIIe siècle finissant, la question du rapport entre les pouvoirs de la fiction et la doctrine chrétienne, entre la pastorale catholique et la sphère mondaine.
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Mandrella, David. "La vie et l'oeuvre de Jacob Van Loo (1614-1670) : sa vie, son oeuvre." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040134.
Full textAbstract:
Né à Sluis en Zélande, Jacob van Loo était dans les années 1640 et 1650 un artiste reconnu à Amsterdam. Il était célèbre pour ses « peintures de nus » dont plusieurs exemples sont conservés, notamment des Bacchanales. Il était également un portraitiste et peintre de genre de renom. Il est l’un des pionniers d’une nouvelle conception de la peinture d’intérieurs hollandaise. Après avoir commis un meurtre, il a du se réfugier à Paris où il entra dans l’Académie royale de Peinture et de Sculpture en 1663 et continua une carrière honorable dans le domaine du portrait historié. Ce travail retrace la vie de l’artiste à travers des documents d’archives. Ensuite son oeuvre est commenté selon ses différents genres et sa Fortune Critique établie. Un chapitre spécial traite des peintres hollandais en France au XVIIe siècle. Le travail est accompagné d’un catalogue raisonné de son oeuvre, des peintures acceptées, rejetées ou uniquement mentionnéesThe artist was born in provincial Sluis, in Zeeland. In the period from 1640 to 1650, he was a well-known painter in Amsterdam and, in 1652, became a citizen of that town. He was famous for his nudes, including, for instance, his Bacchanals, but was also a prolific portraitist. In 1650, he invented a new kind of Dutch genre painting, depicting rich individuals in an interior setting. After committing a homicide in 1660, he was forced to flee Amsterdam; he settled in Paris, becoming, in 1663, a member of the Royal Academy of Painting and Sculpture. The present work retraces his life using unpublished archival material and discusses his painterly style and critical reception. Moreover, the study also situates van Loo particularly with regards to other Dutch artists living and working in seventeenth-century France. Finally, this work introduces the first catalogue raisonné ever to be established of van Loo’s oeuvre (including a list of doubtful and/or rejected attributions as well as works only known through art-historical literature or sales catalogues)
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Coquery, Emmanuel. "Charles Errard : ou l'ambition du décor." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040049.
Full textAbstract:
Cette thèse s'attache à reconstituer la vie et l'œuvre de Charles Errard (Nantes, v. 1603-Rome, 1689), peintre, architecte et décorateur. La première partie étudie sa première période romaine (v. 1625-1642), qui voit un jeune artiste pensionné par le roi s'affirmer comme un dessinateur prolifique et bien introduit. La deuxième partie analyse la production datant de cette période. La troisième partie étudie les conditions de son succès dans le monde artistique parisien comme entrepreneur de décoration. La quatrième analyse l'art de cette période en tentant de préciser le statut du grand décor ornemental au milieu du siècle. La cinquième s'attache à son rôle d'éditeur d'estampes et à celui d'architecte. La dernière partie détaille les multiples facettes de sa seconde période romaine, à partie de la fondation de l'académie de France à Rome, mais aussi dans son rôle à l'académie romaine de Saint-Luc. Le catalogue ici reconstitué compte 4 à 5 tableaux sûrs, environ une quinzaine de décors, 400 dessins et gravuresThis thesis deals with the work and life of Charles Errard (Nantes v. 1603-Rome 1689), painter, architect and decorator. The first part studies his first roman period (c. 1625-1642), in which Errard reveals a prolific draughtsman, and a well established young artist. The second part analyses this production. The third part deals with the conditions of this partisan career, as a decorator. The fourth part tackles the elements of his art in Paris. The fifth part regards his role as a print publisher and his conception of architecture. The last embraces his final years in Rome, as the first director of the French academy in Rome and as the Principe of the San Luca academy. The catalogue, here established, counts 5 paintings, 15 decorations, 400 drawings and 500 prints
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Salvi, Claudia. "Jean-Baptiste Monnoyer (Lille 1636 – Londres 1699) : peindre des fleurs et des fruits à l’âge classique." Thesis, Aix-Marseille, 2016. http://www.theses.fr/2016AIXM3068.
Full textAbstract:
A partir de l'élaboration du catalogue de son oeuvre (tableaux de chevalet et peintures décoratives), cette thèse étudie et ré-évalue la place de Jean-Baptiste Monnoyer dans la France du Grand Siècle. L'étude des oeuvres de ses collaborateurs et contemporains permet de préciser l'originalité de sa personnalité artistique et de définir sa place dans le développement de la peinture de nature morte en France au XVIIe siècle. Né à Lille, Monnoyer arrive tôt à Paris, où il ajoute à son expérience de la nature morte nordique l'influence des peintres français de la vie silencieuse. Il inscrit aussi son nom dans le siècle de Louis XIV comme peintre décorateur, effectuant les premiers décors des résidences de jeunesse du monarque (Saint-Germain-en-Laye, Vincennes, les Tuileries). Il y donne ses lettres de noblesse au motif de la guirlande tressant la gloire du prince.Comme collaborateur de Le Brun, il travaille dans des chantiers privés (Hôtel Lambert, château de Vaux), ou des châteaux de ministre du roi (Sceaux). Il part encore travailler en Angleterre à la fin du siècle. L’abondance des commandes royales l'oblige à s’entourer d’assistants. Les enjeux artistiques de cette production sont enfin analysés : la position du genre de la nature morte dans la doctrine officielle de l’Académie et sa reconnaissance dans les collections privées ; le statut du peintre de nature morte dans la génération des classiques, de Félibien à Perrault. Enfin, le rôle fondamental de Monnoyer dans le développement et la diffusion de ce genre est étudiéHaving compiled the entire work catalogue of Jean-Baptiste Monnoyer (easel paintings and decorations), this thesis aims to study and re-value his importance in France during the Grand Siècle.Through the study of works of his collaborators and contemporaries the uniqueness of his artistic personality is specified, as well as his position in the development of still life painting in France during the 17th century.Born in Lille, Monnoyer came early to Paris, where he joins his knowledge of Nordic still life painting to the influence of French « silent life » painters.His name is famous too during the century of Louis XIV as a painter decorator. As such, he made the first decorations for the youth residences of the monarch (Saint-Germain-en-Laye, Vincennes, the Tuileries). He there develops the importance of the pattern of the garland glorifying the prince.As a collaborator of Le Brun, he works in private worksites (Hôtel Lambert, château de Vaux), or in castles of ministers (Sceaux). He also works in England at the end of the century. Due to the great amount of royal orders, he was forced to gather assistants. The artistic issues of this production are analysed: the situation of the still life genre in the official doctrine of the Academy, and his recognition in private collections ; the position of the still life painter in the classical generation, from Felibien to Perrault. And then, the fondamental part of Monnoyer in the development and the rayonnment of this genre is studied
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Nau, Clélia. "Le temps du sublime et le paysage en peinture : Nicolas Poussin, Claude Lorrain." Paris, EHESS, 2000. http://www.theses.fr/2000EHES0124.
Full text
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Nassif, Charbel. "L'œuvre du peintre alépin Youssef Al-Musawwer. Contribution à l'essor de la peinture religieuse melkite au XVIIe siècle." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040051.
Full textAbstract:
Le prêtre Youssef Al-Musawwer est un peintre melkite alépin du XVIIe siècle qui aurait été initié à la peinture postbyzantine à l’étranger dans une région grecque qui demeure difficile à identifier. Il est le chef d’une descendance de peintres qui s’est poursuivie sans discontinuité jusqu’à la fin du XVIIIe siècle. Son œuvre s’inscrit dans le cadre de la renaissance littéraire du patriarcat melkite d’Antioche. Il était à la fois traducteur, copiste, miniaturiste et peintre d’icônes. Nous comptons dix-sept icônes et cinq manuscrits enluminés de Youssef Al-Musawwer. Notre étude a démontré l’attachement de Youssef Al-Musawwer aux œuvres crétoises conservatrices qui remontent aux XVe-XVIe siècles et qui s’éloignent des influences de la Renaissance italienne. Il s'est également inspiré des modèles iconographiques du Nord de la Grèce, de la peinture arménienne et ottomane ainsi que des ouvrages imprimés occidentaux. Youssef Al-Musawwer eut recours à l’hagiographie et à la liturgie pour créer de nouvelles compositions iconographiques. Il n’était pas par conséquent un peintre imitateur et passif. Ses compositions iconographiques, ses connaissances linguistiques ainsi que ses vastes compétences théologiques et liturgiques font de lui un éminent humaniste du XVIIe siècle qui a marqué l’Église melkiteYusuf Al-Musawwer is a Melkite painter and priest from the 17th century. He might have been initiated to Postbyzantine painting abroad in a Greek region that remains difficult to identify. He is the first of a family of painters who continued his path without discontinuity until the end of the 18th century. His work is part of the literary revival of the Melkite patriarchate of Antioch. He was a translator, a copyist, a miniaturist and a painter of icons. Seventeen icons and five illuminated manuscripts realized by Yusuf Al-Musawwer have survived. Our study has demonstrated Yusuf Al-Musawwer's attachment to Cretan conservative works dating back to the 15th-16th centuries and which moved away from the influences of the Italian Renaissance. He was also inspired by the iconographic models of Northern Greece, Armenian and Ottoman painting, as well as Western printed books. Yusuf Al-Musawwer was inspired by hagiography and liturgy to create new iconographic compositions. Therefore, he was not an imitative, passive painter. His iconographic compositions, his linguistic knowledge, and his vast theological and liturgical skills made him an eminent 17th century humanist who marked the Melkite Church
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Bayard, Marc. "Les dessins du Mémoire de Laurent Mahelot : enjeux iconographiques et théoriques de l'image du décor théâtral (1625-1640)." Paris, EHESS, 2003. http://www.theses.fr/2003EHES0091.
Full textAbstract:
L'étude des dessins du Mémoire de Laurent Mahelot (manuscrit de la B. N. F contenant 47 esquisses pour des décors de théâtre à Paris) a permis d'établir une iconographie théâtrale fondée à partir d'une définition de l'image du décor en trois propositions : cette image est contextualisée, élaborée d'après des références picturales et poétiques, et elle est construite selon des implications théoriques. La première partie comprend une délimitation du contexte historique des esquisses du Mémoire. Nous avons, grâce à la découverte de documents d'archives, mis à jour l'importance de Georges Buffequin dans la vie artistique parisienne du début du XVIIe siècle (peintre du roi au service de Richelieu, créateur des dessins du Mémoire). Dans la deuxième partie, nous avons montré en quoi une analyse iconographique spécifique pouvait aider à comprendre la particularité de l'iconographie du décor : c'est-à-dire une imbrication d'éléments visuels "réels" et symboliques. Enfin, dans la dernière partie, nous avons envisagé les implications théoriques de l'image du décor, notamment celle de l'étendue scénique. Par ailleurs, l'étude du Discours à Clinton a permis de révéler l'intérêt de ce texte que l'on considère comme le manifeste de l'esthétique de la variété : il s'intègre ainsi dans l'étude des débats pré-académiques. L'image du décor du début du XVIIe siècle, étudiée dans une pluralité méthodologique du fait de la polyvalence de l'objet, a montré sa valeur iconographique et théorique. Grâce aux dessins de Georges Buffequin, réhabilité, nous avons approfondi la connaissance d'une histoire de l'art pré-académiqueA study of the drawings of Laurent Mahelot's Mémoire (a manuscript containing 47 sketches for scenery-painting, at the Bibliothèque Nationale de France in Paris) permitted me to establish a theatrical iconography based on a definition of the scenery-painting image : a contextual image elaborated from pictorial and poetic referents, and made according to theorical implications. The first part of my thesis is an attempt to delimit the historical context of the Mémoire's sketches. The discovery of some new archive documents allowed me to demonstrate the importance of Georges Buffequin in the artistic life of Paris in the first half of 17th century (the King's painter employed by Richelieu, and creator of the drawings of the Mémoire). In the second part, I show how a specific iconographic analysis could help us to understand the particularity of scenery-painting iconography, i. E. An interconnection of symbolic and real visual elements. Finally, in the third part, I treat the theoretical implications of the scenery-painting image, especially the question of stage "extent". The analysis of the Discours à Cliton reveals the importance of this text, which can be considered as a manifesto of the aesthetic of variety, and thus belongs to pre-academic debates. The analysis of the scenery-painting image during the first years of the 17th century, using a methodological plurality because of the polyvalence of the subject, gives proof of its iconographical and theoretical validity. In fouding my research on Georges Buffequin's drawings, now re-evaluated, I hope perhaps have opened a new door in the knowledge of pre-academic art history
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Degenne, Sophie. "Difformités physiques et mentales : la représentation de la différence dans la peinture et la littérature espagnoles des XVIe et XVIIe siècles." Toulouse 2, 2000. http://www.theses.fr/2000TOU20007.
Full textAbstract:
Qu'ils soient nains, obeses ou androgynes, simples d'esprit ou alienes, les etres marques par une difformite physique ou mentale ne passent pas inapercus dans la societe espagnole des xvie et xviie siecles car ils representent une enigme et un defi pour les esprits cultives de cette epoque, a plus forte raison pour le peuple qui les tient encore pour des prodiges. Les rois et les princes les accueillent dans leurs palais et commandent leur portrait aux peintres les plus celebres : la riche galerie de difformes ainsi constituee, iconographie officielle de l'anomalie humaine dans le domaine profane, offre une vision domestiquee de la difformite. Par ailleurs la deformation a egalement sa place dans l'iconographie religieuse : expression supreme de la souffrance ou de l'ascese dans les scenes de martyres et portraits de saints, elle repond a des fins didactiques et morales. Dans les textes litteraires la representation de la difference eclate en de multiples facettes : les miscellanees s'interessent aux difformes en tant que mirabilia, tandis que les ecrits de fiction proposent une lecture symbolique de l'anomalie humaine fondee sur un systeme de correspondances -laideur physique / laideur morale, anomalie physiologique / anomalie du comportement, folie de l'individu / alienation du monde- ; enfin les recueils d'emblemes se font l'echo des prejuges de l'epoque sur la difformite, apportant en outre la lecon du desengano.
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Maillard, Jean-Christophe. "L'esprit pastoral et populaire dans la musique française baroque pour instruments à vent (1660-1760)." Paris 4, 1987. http://www.theses.fr/1987PA040119.
Full textAbstract:
Au milieu du XVIIème siècle, les meilleurs ménétriers de la ville et de la campagne commencent à gagner les rangs de la musique royale, tandis que les instruments à vent et en bois tourne se perfectionnent pour obéir aux nouvelles exigences. Un répertoire nait de ce contexte, puis évolue par le biais de la musique vocale et de la musique instrumentale. Diverses influences s'effectueront et se mettront au profit de spécimens organologiques dont la configuration et la sonorité restent liées, dans les esprits, à l'évocation de la pastorale, de la vie champêtre, ou du moins à la tendresse et a la douceur. Une analyse des contextes historiques et musicaux conduit à une étude de chaque répertoire: flute traversière, flute a bec, flageolet, flute à trois trous, hautbois, basson et musette de cour. Cette analyse s'appuie sur un dépouillement systématique de l'intégralité du répertoire imprime connu, et sur l'examen d'une cinquantaine d'ouvrages lyriques. Une vision d'ensemble du répertoire, de l'organologie, et des techniques, s'éclaire, pour finir, d'une étude acoustique et de diverses incursions ethnomusicologiques dans le monde actuelIn the mid-XVIIth century, the best minstrels in town and country begin to be admitted in the ranks of the royal musicians, while wind instruments made of turned wood are improving to meet the new demands. A repertoire is born from this context, and evolves through vocal and instrumental music. Various influences contribute to the improvement of organological specimens whose form and sonority remains linked in people's mind to the pastoral, country life, or at least to sweet gentility. An analysis of the historical and musical contexts leads us to a study of each repertoire: transverse flute, recorder, flageolet, three-holed flute, oboe, bassoon and court musette. This analysis is supported by a systematic study of the whole of the known published repertoire, and by examining some fifty lyrical works. An overview of the repertoire, organology and techniques, is enlightened by an acoustic study, and by various ethnomusicological comments on the modern world