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Dissertations / Theses on the topic 'Paysages au cinéma'
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Baron, Christian. "Transcénique Stéréo : Paysages mobiles." Thesis, Université Laval, 2013. http://www.theses.ulaval.ca/2013/29338/29338.pdf.
Full textAbstract:
En soulignant les similitudes entre la révolution virtuelle à celle qui eue lieu au dix-neuvième siècle, avec la mécanisation des transports et de l'image, l'installation vidéo intitulée Transcénique stéréo questionne les impacts des technologies numériques sur notre façon d'être et de se déplacer dans le monde. Le pouvoir libérateur du récit, qui émerge de l'acte de se déplacer et de se représenter ces déplacements, est opposé à la cartographie comme outil de possession et de contrôle. Différentes technologies de l'image analogique sont étudiées afin de comprendre leur mode opératoire et d'en retracer les applications à l'ère du numérique. Finalement, les notions de prise de vue et de montage cinématographique sont analysées afin de comprendre comment ces techniques peuvent être applicable à l'image numérique, et ce, dans l'espoir d'en saisir son « essence ».
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Robillard, Guillaume. "Le «Cinéma antillais» (Guadeloupe, Martinique) : de la détermination à l'extinction de sa voix ?" Thesis, Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01H321.
Full textAbstract:
Existe-t-il un cinéma antillais ? Concentrant notre analyse sur les longs-métrages de fiction des réalisateurs antillais ou d’origine antillaise (pour les diasporas), qu’ils se déroulent majoritairement aux Antilles («cinéma antillais-péyi»), dans l’Hexagone («cinéma antillais-lòtbòdlo») ou à l’étranger («cinéma antillo-toutbò»), nous interrogeons les directions prises par ces films de production française. Considérant l’importance de l’oralité dans les sociétés antillaises, nous analysons les voix exprimées de ce cinéma qui l’habiteraient d’une «Antillanité» : dialogue établi entre, d’un côté, le «cinéma antillais» et, de l’autre, la littérature antillaise et la musique antillaise ; mise en scène des situations de diglossie existant entre le créole et le français ; personnages caractéristiques (porteurs de « voix » créoles) ; voix données au temps-espace des Antilles (en nous fondant sur le concept de chronotope proposé par Mikhaïl Bakhtine) à travers une «historicisation» des paysages qui leur confère une profondeur. En particulier, quelles stratégies ces réalisateurs mettent-ils en place afin de répondre, d’un «point de regard intérieur» (insider’s view), à la vision exotique et touristique de leurs réalités ? En mobilisant les auteurs de la littérature antillaise, en particulier Édouard Glissant, comme des théoriciens de la littérature, des études cinématographiques et de l’esthétique, nous avons étudié comment ces différentes voix proposées, dès lors qu’elles ont émergé, se sont estompées (folklorisées) au profit d’une esthétique tendant de plus en plus vers celle de la carte postale, à laquelle ce cinéma aura tenté de résister dans les premiers temps…Is there a French Caribbean cinema? Focusing our analysis on the fictional feature films made by French Caribbean filmmakers or directors of French Caribbean origin (for diasporas), whatever they are mostly set in the West Indies (“cinéma antillais-péyi”), in mainland France (“cinéma antillais-lòtbòdlo”) or abroad (“cinéma antillo-toutbò”), we question the paths taken by those French-produced films. Considering the significance of orality in Caribbean societies, we analyze the expressed voices of this cinema that would inhabit it with a "Caribbeaness": a dialogue established between, on the one hand, "French Caribbean cinema" and, on the other hand, French Caribbean literature and French Caribbean music; representation of diglossic situations between Creole and French; typical characters (carrying Caribbean "voices”); voices given to the time-space of the French West Indies (based on the concept of chronotope defined by Mikhail Bakhtine) through a "historicization" of landscapes that give them depth. In particular, which strategies do these directors put in place in order to respond, from an "insider's view", to the exotic and touristic vision of their realities? Listening to the authors of Caribbean literature, in particular Edouard Glissant, as well as theorists of literature, film studies and aesthetics, we observe how those different proposed voices, since they have emerged, have faded in favor of an aesthetic tending more and more toward that of the postcard, to which this cinema has tried to resist at its beginning
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Mottet, Jean. "Cinéma et paysage : de la représentation à l'expérience paysagère." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010539.
Full textAbstract:
En Amérique, le problème de la relation avec le territoire vierge est d' abord redéfini dans le courant du 19e siècle par des hommes qui ne sont pas des artistes au sens traditionnel du terme. Des grands photographes de paysage (Jackson, Watkins, Russel. . . ) aux premiers opérateurs de cinéma, ce sont des techniciens ou des entrepreneurs qui inventent et diffusent les premiers paysages américains. Dès le début du 20e siècle, le spectacle de la nature cède la place à la multiplication des visions médiatiques : lanterne magique, panorama, photo, cinéma. Dans ce nouveau contexte, les courts métrages de D. W. Griffith tournés entre 1908 et 1915 sont l'occasion d'analyser les rapports originaux qui s'élaborent entre représentations populaires et scène américaine. De nouveaux schèmes organisationnels se diffusent, en prise directe avec les processus ordinaires de la vie quotidienne, selon les nécessités sociales du moment plutôt qu' en rapport avec une invention réfléchie du paysage dans le cadre d'une esthétique. Cette expérience historique détermine une nouvelle manière d'être à l'espace qui permet de penser les relations du cinéma aux paysages contemporains (naturels et urbains) selon d'autres logiques, intégrant les notions de lieu et non-lieu, sans dissociation. Recroiser le langage du cinéma et du monde conduit par ailleurs à envisager de nouvelles formes d'échanges avec ce qui nous entoure/
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Droin, Nicolas. "Paysage et dépaysement dans l’œuvre de Michelangelo Antonioni : de "Blow Up" à "Identification d’une femme"." Thesis, Paris 10, 2012. http://www.theses.fr/2012PA100175/document.
Full textAbstract:
L’œuvre d’Antonioni constitue un champ privilégié pour initier une étude du paysage dans l’art cinématographique. Notre étude se focalise sur le dépaysement cinématographique d’Antonioni, de Blow up (1966) à son retour en Italie avec Identification d’une femme (1982). Notre étude vise à marquer l’importance d’une conception mouvante et cinéplastique du paysage, intégrant la question du montage, du mouvement (de l’image et dans l’image), pour dégager les forces rythmiques, métamorphiques et plastiques de l’image-paysage au cinéma. A partir de ces forces, nous souhaitons ouvrir la question du paysage à l’aune de la notion de dépaysement. Le dépaysement constitue un matériau opérant pour penser l’image cinématographique, sa déterritorialisation, son mouvement. Dépayser le paysage entraîne chez Antonioni un dialogue avec l’Histoire de l’art qui implique de repenser les questions esthétiques majeures du XXème siècle (de l’abstraction à l’art informel, en passant par le Land Art et la performance) dans le champ d’une étude cinématographique. La question du dépaysement nécessite de proposer de nouveaux outils pour penser le paysage au cinéma. Nous proposons de nommer « entre-paysage » la constitution d’un paysage qui intègre les processus propres à l’image cinématographique dans sa plastique, en nous appuyant sur les notions d’intervalle et d’entre-image. Un « entre-paysage » cinématographique, tel qu’il est possible de le définir dans l’œuvre d’Antonioni, ouvre une mobilisation plastique de l’image-paysage qui nous permet d’interroger en retour la pratique artistique contemporaineThe work of Antonioni is a fertile field to study landscape in cinematographic art. This study focuses on Antonioni's cinematographic disorientation, from Blow up (1966) to its come-back in Italy with Identification of a woman (1982). My work aims at showing the importance of a changing and cineplastic vision of landscape which integrates the question of editing, motion (of image and inside the image itself), in order to highlight the rhythmic, metamorphic and plastic strenghts of the image-landscape in the cinema. Having shown these strenghts, I intend to interrogate the question of landscape from the notion of disorientation. Disorientation represents an operating materiel to think the cinematographic image, its deterritorialisation, its motion. Disorientating landscape in Antonioni's work leads to a dialogue with art history, which implies to rethink the major aesthethic questions of the 20th century (from abstraction to informal art, by Land-Art and performance) in the context of a cinematographic study. The question of disorientation requires new tools to rethink landscape in the cinema. I suggest to name « inter-landscape » the constitution of a landscape which integrates peculiar to image in its plastic processes relying on notions suchs as interval and inter-images. A cinematographic « inter-landscape », as can be define from the work of Antonioni, offers a plastic mobilisation of the image-landscape which allows to interrogate, in turn, contemporary artistic practice
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Molinier, Philippe. "Topographies reelles et imaginaires dans les series cinematographiques d'eric rohmer." Paris 7, 1999. http://www.theses.fr/1999PA070027.
Full textAbstract:
Plus que l'intrigue, les themes et les personnages, ce sont les lieux ou se deroule l'action qui caracterisent le plus surement les films d'eric rohmer. Cependant, le coeur du cinema de rohmer est la parole et on peut se demander si ces lieux ne sont pas un simple receptacle ou une toile de fond, s'ils ont un role dans la mise en scene qui ne les reduit pas a + faire du cadre ;. C'est essentiellement a partir du corpus relativement homogene des trois series cinematographiques (les six contes moraux, les six comedies et proverbes et les trois premiers des contes des quatre saisons) que notre etude s'est developpee selon quatre axes. La premiere approche a consiste a voir de quelle est la place des paysages au sein des images, c'est-a-dire a quels moments ces paysages constituent l'essentiel de ce qui est filme et comment ils demeurent presents lorsque l'on suit plus particulierement les personnages. En meme temps, nous avons degage quels cadrages et mouvements d'appareil sont utilises par rohmer sans omettre d'en proposer une justification narrative. Ensuite, des marches aux chambres de jeunes filles en passant par les cafes ou les vehicules, notre attention s'est portee sur les lieux eux-memes, sur leurs aspects sociologiques tels que l'on peut les percevoir a travers le cinema de rohmer. Le troisieme aspect que nous avons aborde est la presence des deux elements, l'eau et la terre, auxquels sont associes les personnages et grace auxquels il nous a semble que pouvaient se reveler leur personnalite, leurs aspirations, voire leurs fantasmes et leurs pulsions. Enfin, c'est sous un angle topologique que nous avons voulu analyser les parcours des personnages en faisant apparaitre des notions de convergence et divergence, d'ouverture et de fermeture, de connexion et de deconnexion, etc. ; mais c'est aussi dans ce cadre qu'il nous est paru pertinent de mentionner quelques rapports entre paris et la banlieue decrits par rohmer. Notre etude se conclut sur quatre points : le hasard et une tentative de probabilisation (a differents niveaux) de l'espace ; l'intrusion tres forte du reel dans le cinema de rohmer et la facon dont ces films donnent a (re)connaitre le monde ; la temporalite, les systemes de narration et le style cinematographique de rohmer ; la notion de paysage confrontee a l'esthetique et a l'ethique de rohmer.
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Belkaïed, Guiga Lamia. "L' actuel paysage audiovisuel en Tunisie : la télévision, la radio et le cinéma." Paris 2, 2008. http://www.theses.fr/2008PA020018.
Full textAbstract:
Une photo instantanée des trois médias tunisiens : la radio, la télévision et le cinéma et leur apprentissage à atténuer les liens qu’ils ont avec les pouvoirs publics sous la pression de la compétition internationale. L’actuel paysage audiovisuel tunisien est bien marqué par des mutations réelles qui se sont imposées. Le cinéma comme la télévision et la radio, traversent une phase critique de transition. La radio privée a pris pied en Tunisie et ce, avec la complicité de l’Etat. Ce constat est aussi valable pour la télévision qui se déploie de plus en plus vers le privé. Le cinéma évolue indépendamment de l’Etat, mais reste tributaire des pouvoirs publics, ceux-ci sont contraints de se désengager de ce secteur, afin de lui permettre de créer son propre marché, et ainsi maîtriser, la fabrication des produits audiovisuels et cinématographiques. Cette action provoquera assurément des répercussions positives sur tous les médias tunisiens face à la concurrence internationale.
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Poupou, Anna. "Représenter la Reconstruction : le paysage urbain dans les films grecs de la période 1950-1974." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030150.
Full textAbstract:
Cette thèse examine la représentation du paysage urbain dans les films grecs au cours de la période de la reconstruction (1950-1974). En considérant la filmographie du cinéma populaire des ces décennies comme une base de données constituant une source importante de la mémoire de la ville, avant et après sa reconstruction, cette recherche explore les images filmiques du paysage de la capitale grecque, caractérisé par la discontinuité historique, la rupture architecturale et l’amnésie collective. La question centrale de ce travail est de savoir comment le paysage urbain a influencé les cinéastes, mais surtout comment le cinéma a influencé la ville, c'est-à-dire comment les films de cette période créent une géographie cinématographique, diffusent des modèles urbains, reflètent des imaginaires citadins et construisent les utopies d’une continuité historique. Ainsi sont étudiés dans cette thèse plusieurs axes qui touchent à la thématique de la ville : l’enregistrement du paysage urbain par la pratique dominante des tournages extérieurs en décors réels, la description des espaces habitables au seuil de la reconstruction, l’attitude du cinéma face aux mutations urbanistiques et architecturales, l’émergence des nouveaux symboles de la géographie athénienne. Aussi a-t-on examiné à la fois les représentations dominantes et les images alternatives : l’invention d’une ville utopique et nostalgique dans l’immédiat après guerre, qui rejette les mutations de la modernisation, les regards critiques sur les espaces défavorisés de la ville et de la périphérie du pays, la ville-monument ou la ville-vitrine de l’industrie touristique. Pour la constitution de cette vue panoramique sur le paysage athénien, on a examiné un corpus de plus de 110 films de la période, représentatifs de toutes les tendances de l’ensemble de la cinématographie grecque de l’après guerreThis thesis discusses the representation of urban landscape in Greek films during the urban reconstruction period (1950-1974). Considering the filmography of popular cinema as a primary source of collective memory of the cityscape before and after its reconstruction, this research explores the film images of the Greek capital landscape, which was characterized by historical discontinuity, architectural rupture and collective amnesia. The thesis seeks to examine both the city’s influence on cinema and the cinema’s impact on the city, exploring how cinema created a cinematographic geography, projected urban models, reflected city imageries and formed utopian visions of historical continuity. The thesis explores various topics relating to the theme of the city, such as the practice of shots in location and the recording of urban spaces, house description before and after the reconstruction, the plots about house demolition, replacement or construction, and the emergence of new symbols in Athens geography. The thesis explores both hegemonic and alternative representations of the city. The nostalgic utopia often found in post war films rejecting reconstruction, the emergence of a modernity discourse, critical views on working class spaces, and the city as a monument or as a showcase of the tourist industry are also examined. For the presentation of a panoramic view of Athens cityscape a corpus of 110 films, representative of various trends in Greek post war cinematography, has been examined
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Paradis-Barrère, Hugo. "La vie dénudée à l'épreuve du paysage ˸ une analyse des films érotiques et révolutionnaires de Kôji Wakamatsu et Masao Adachi." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA103/document.
Full textAbstract:
Au Japon, les années 1960 ouvrent une période de contestation politique et artistique. Dans un contexte de déclin des studios traditionnels, les films mettant l’accent sur des faits divers violents se développent en parallèle du Pinku Eiga, genre érotique. Des cinéastes comme Kôji Wakamatsu et Masao Adachi émergent, et avec eux des films où se mêlent nudité et velléités révolutionnaires, témoignant tant d’une interrogation proprement érotique des corps que d’une remise en question virulente de la société contemporaine. Le crime, la déviation deviennent autant de canaux de contestation, tandis que l’érotisme déploie un contre-récit des relations humaines. En écho à ce questionnement, les films de la fûkeiron, la « théorie du paysage », interrogent le devenir des individus confrontés aux paysages du monde moderne. Aux corps surreprésentés du pink font face des corps absents, évacués du visible comme de l’Histoire officielle. Criminels, révolutionnaires ou nymphomanes, autant de vies dénudées qui échappent aux catégories traditionnelles et dont les cinéastes donnent à voir le processus d’émancipation, jusqu’à l’autodestruction parfois. Cet assujettissement visuel et narratif du corps à une organisation qui le dépasse interroge la possibilité d’une énonciation radicalement nouvelle. Dans l’intervalle qui sépare les corps figurants des corps capables d’énonciation, les vies dénudées des vies qualifiées prise dans des logiques utilitaristes, se dessine une dialectique qui interroge la chair comme puissance fondamentale de l’image, seule à même de faire se fissurer les paysages trop lisses de la modernitéIn Japan, the 1960s open an era of political and artistic protests. The decline of traditional film studios is followed by the development of violent genre movies and pinku eiga (erotic films). New filmmakers like Kôji Wakamatsu and Masao Adachi emerge, shooting films in which nudity echoes a constant thirst for revolution, both questioning the erotic nature of bodies and criticizing the contemporary society. Crime and deviation become a new way of protesting, while eroticism allows for a counter-narrative of human relationships. Echoing this interrogation, films of the fûkeiron, the “landscape theory”, address the question of the future of individuals confronted with the landscapes of the modern world. Overexposed bodies from pink cinema are now confronted with bodies that are absent, expelled from both the visible world and the official history. Criminals, revolutionaries, nymphomaniacs, all those bare lives elude the traditional classification and show a new way toward emancipation, sometimes leading to their self-destruction. This visual and narrative subjugation of the body under an organization that exceeds him questions the possibility of a radically new narrative. In the interval that separates figuration bodies from bodies capable of their own narrative, bare lives from qualified lives that are the byproduct of a rationalized system, a dialectic emerges that question flesh as a fundamental potential of images, a potential that might be the only one capable of breaking apart the way too smooth landscapes of modernity
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Natali, Maurizia. "Le paysage dans le cinéma classique américain : définition et fonctionnement de l'image-paysage et de ses ressemblances intertextuelles : analyse d'un détail énigmatique de "Duel in the sun" de K. Vidor et des décors modernistes d'Alfred Hitchcock." Paris 3, 1993. http://www.theses.fr/1993PA030122.
Full textAbstract:
Le paysage cinematographique est toujours une image complexe aux liens profonds avec les autres arts de l'image (peinture, photographie etc. ); le concept d'image-paysage definit ici le cinema comme producteur d'intertextes visuels et pas seulement comme narrateur d'intrigues; dans les auteurs classiques americains l'analyse des plans de paysage montre l'epaisseur iconologique du film et la culture du paysage comme "nature" et "ville". Le cinema apparait comme le retour differe des questions iconologiques dans un art populaire (western, melodrame, policier)Cinematographic landscape is always as an intricated image witch has important and profound links with the other arts of the image (peinting, photography, etc. ); the concept of image-landscape is the definition of cinema like a production of visual intertexts and not only like a "narrateur" (teller) of plots. In american classics authors the analysis of landscape shots shows the iconological layers of the film text and the culture of landscape as "country" and "tows". Movies appear like the retourned difference of iconological questions into a visual art which is mostly popular (western, melodrame, thriller)
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Bayon, Estelle. "Vers une esthétique de l'humilité : visions du monde en présence de la terre dans les cinémas contemporains." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010694.
Full textAbstract:
Depuis une trentaine d'années, un certain cinéma se penche vers la terre et le végétal avec une intense attention, favorisée par un ascétisme de la mise en scène et de la narration qui tend le récit vers ses catalyses ordinaires. Cette sensibilité à l'égard du tellurique cherche davantage à restituer des "présences" du et au monde qu'à créer des "représentations", obligeant à une mutation des habitudes du voir qui sort la mise en scène de la nature du format paysager post-renaissant, encore largement influent sur les arts visuels malgré ses récentes remises en cause. L'influence du (géo)poétiqne et de la phénoménologie, favorisant l'affranchissement des catégories traditionnelles qui conditionnent la représentation, ouvre l'image filmique à une expérience d'habitation du monde. Car à cet abaissement vers l'herbe ou la boue se conjuguent des figures filmiques d'élévation au tout du monde, dans sa grâce comme son désastre. Alors, on parle d'une "esthétique de l 'humilité", laquelle, par-delà son sens commun de modestie, va chercher dans l'humus une élévation par abaissement, dessinant un cheminement patient que le film épouse vers une vision "écologique" du monde. Une vision non pas agitée par les problèmes environnementaux abandonnés au Sublime des films catastrophistes, mais inquiétée par un "oikos" fragilisé par l'(hyper)modernité qui nous a éloigné du monde. Roberto Rossellini, puis Andreï Tarkovski, ont ainsi ouvert cette voie cinématographique, qui tend à se mondialiser dans les œuvres de Béla Tarr, Bruno Dumont, Terrence Malick, et certains films de Naomi Kawase, Albert Serra, Jonas Mekas, Louise Bourque, Abbas Kiarostami, Agnès Varda ou Jean-Daniel Pollet.
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Deeb, Zeinab el. "Notre image : "La sortie du jour" : continuité des gestes, des techniques et des traditions des paysans égyptiens de la vallée du Nil de l'époque pharaonique à nos jours." Paris 1, 1987. http://www.theses.fr/1987PA010676.
Full textAbstract:
Thèse de recherche entièrement filmée sur le terrain pendant dix ans (1978-1987). D'abord, par une interrelation avec les personnes filmées, appréhension cinématographique directe du réel quotidien des paysans égyptiens dans l'ensemble de la vallée du Nil : les us, les coutumes, les traditions orales, les techniques, les gestes qui se prolongent depuis l'époque pharaonique jusqu'à nos jours. 1979-1980 : naissance de l'expérience dans le delta ou l'image devient un miroir et met en confiance les paysans dans leur culture ; le thème du pain devient le sujet principal qui unifie l'expérience et résume tout le sens de la vie. 1981-1982 : approfondissement de la dimension de la vie et de la mort à travers les peintures de l'époque pharaonique. Les murs des temples et des tombeaux sont les miroirs qui reflètent les scènes de la vie quotidienne que l'on retrouve encore dans les villages qui les entourent. Le thème du pain s'élargit pour englober la vie et la mort : on retrouve le pain du soleil et le pain des morts des pharaons dans les rites, les techniques des villages de Haute-Egypte d'aujourd'hui-même. La stratégie du tournage s'élabore instinctivement et collectivement (co-réalisations avec les personnes filmées). 1982-1983 : mise en place du premier cinéma du réel de la vallée du Nil, à Louxor. Après un stage de formation pour l'utilisation de moyens de tournage légers, naissance des premiers films réalisés par des paysans égyptiens sur leur propre image. Dressé dans la cour du village, l'écran devient un miroir devant lequel le public s'applaudit. 1983-1984 : la Nubie égyptienne. Les aspects de la vie quotidienne témoignent par l'architecture traditionnelle avec ses voutes de terre de l'authenticité et la continuité d'une culture millénaire. La maison reste un miroir qui reflète l'harmonie et l'équilibre entre l'homme et son environnement. 1985-1986 : couronnement de la recherche par l'important projet de musée audio-visuel de la civilisation égyptienne, en cours d'élaboration. Musée-miroir de la continuité d'une identité culturelle depuis l'antiquité jusqu'à nos jours : il s'agit d'établir la liaison entre le regard sur les objets anciens et leur correspondance dans la vie d'aujourd'hui à travers les images du film qui font revivre les bas-reliefs et les peintures d'autrefois. Cette recherche présente un exemple applique d'anthropologie visuelle qui utilise les moyens audio-visuels en les partageant avec les personnes filmées. Ce qui caractérise cette expérience, c'est que les documents filmes ne se transforment pas en archives mais deviennent un miroir qui a pour fonction de préserver une culture et de participer à son développement.
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Jorge, Anita. "« Blended together in one great symphony » : documentaires officiels britanniques de la Seconde Guerre mondiale et paysage sonore de la nation." Thesis, Université de Lorraine, 2020. http://docnum.univ-lorraine.fr/ulprive/DDOC_T_2020_0073_JORGE.pdf.
Full textAbstract:
Cette thèse porte sur le traitement du paysage sonore de la Grande-Bretagne de la Seconde Guerre mondiale dans la propagande britannique de la période. Plus précisément, nous nous intéressons à la façon dont le Ministère de l’Information chercha, pendant toute la durée du conflit, à contrôler l’environnement sonore de la Grande-Bretagne en guerre. Ce contrôle se traduisit, d’une part, par une tentative de neutralisation des sons de la guerre que le gouvernement, avec l’appui de la communauté scientifique, considérait comme délétères pour la santé physique et mentale des citoyens britanniques pendant le Blitz. D’autre part, les principes de propagande formulés par le gouvernement à compter du début du Blitz en particulier (septembre 1940) tels que le « People’s War » (la « guerre du peuple ») ou le « pulling together » (« tous dans le même bateau ») trouvèrent une illustration particulière dans la mise en avant de sons fédérateurs considérés comme typiques de la nation britannique.Le cœur de notre travail réside dans l’étude de la bande-son des films officiels de propagande commandés, produits ou sponsorisés par la Films Division du Ministère de l’Information. À compter du début de la guerre, l’unité documentaire britannique GPO (General Post Office) Film Unit fut intégrée au Ministère et renommée Crown Film Unit. Son rôle fut donc, tout au long de la guerre, aux côtés du Army Film Unit et des unités documentaires indépendantes – telles que le Shell Film Unit, Strand Film Company, le Realist Film Unit ou Spectator Short Films – de relayer les messages du gouvernement à travers des courts-métrages, des moyens-métrages ou des longs-métrages documentaires. Nous démontrons notamment que les principes de propagande chers au gouvernement – le « People’s War », le « pulling together », le « business as usual », etc. – ainsi que la mise en avant de la grandeur de la nation britannique et de son peuple et sa supériorité sur l’Allemagne nazie, se traduisirent dans le traitement de la bande-son de ces films et notamment dans une esthétique sonore créative. Notre étude de la bande-son des films documentaires officiels porte notamment sur le processus de « mise en musique » des sons de la nation et sur l’instauration d’un ordre musical au sein de sons disparates ainsi que sur l’établissement de constantes sonores encourageant le peuple britannique à résister face à l’adversitéThis thesis deals with the treatment of the soundscape of World War II Britain in British propaganda of the period. More specifically, it focuses on how the Ministry of Information sought to handle Britain’s wartime sonic environment through the projection of propaganda messages and the control of information and cultural productions. This resulted, on the one hand, in an attempt to neutralize the sounds of war that the government, with the support of the scientific community, considered harmful to the physical and mental health of British citizens during the Blitz. On the other hand, the propaganda principles formulated by the government such as the “People’s War” or the idea that British people were “pulling together”, were specifically illustrated by several “aural icons” that were considered typical of the British nation. At the heart of my study lies the analysis of the soundtracks of official propaganda films commissioned, produced or sponsored by the Films Division of the Ministry of Information. From the beginning of the war, the British General Post Office (GPO) Film Unit was integrated into the Ministry and renamed the Crown Film Unit. Its role throughout the war was therefore, alongside the Army Film Unit and independent documentary units – such as the Shell Film Unit, Strand Film Company, Realist Film Unit and Spectator Short Films – to convey the government’s messages through short, medium and feature-length documentaries. What I demonstrate is that the government’s propaganda principles as well as their extolling of the British nation and its people, and of their superiority over Nazi Germany, were reflected in the treatment of the soundtrack of these films. Through a creative sound aesthetics, these films endeavoured to “harmonize” the sounds of the nation and establish a musical order within discrete sounds, as well as soundmarks encouraging the British people to resist in the face of adversity
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Christin-Veyrenche, Sonia. "Percezione e visione del paesaggio nel cinema italiano da Sole a Deserto rosso (1929-1964) : le concordanze e le autonomie del rapporto con la letteratura." Thesis, Paris 10, 2017. http://www.theses.fr/2017PA100017.
Full textAbstract:
Le paysage représente un point de rencontre entre un modèle culturel et une perception. Ils existent deux types de paysages : celui que l’on peut concevoir comme objet d’observation et qui renvoie à un paysage pictural et artistique ; et le paysage vu en tant « qu’espace vécu » et qui appartient au domaine du paysage géographique. La littérature tout comme le cinéma, se sont depuis toujours intéressés à l’importance du paysage. Le regard que le cinéma porte sur le paysage fait référence à de nombreux modèles culturels, artistiques, littéraires et sociaux qui connaissent une évolution constante. Notre travail porte sur la perception et sur les visions du paysage qu’offrent les œuvres littéraires et cinématographiques italiennes entre 1929 et 1964. La thèse se fonde sur les théoriciens du paysage et des critiques cinématographiques et littéraires et tente de mettre en évidence les diverses fonctions (identitaires culturelles, symboliques et esthétiques) du paysageThe landscape represents a meeting point between a cultural model and people’s perception of the world. There are two types of landscape: one, conceived as object of observation which refers to a pictorial and artistic landscape, and other, seen as a lived space, part of the field of geographical landscape. Literature, as well as cinema, is mindful of the importance of the landscape. The regard cinema addresses to the landscape refers to several cultural, artistic, literary and social patterns, all of which are in constant evolution. Our study will focus on the perception and vision of the landscape displayed in Italian literary and cinematographic works between 1929 and 1964. Based on landscape theoreticians and critics of film and literature, we attempted to outline the various functions (cultural identity, symbolic, aesthetic) assumed by the landscape itself
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Soares, Camilo. "L'espace immatériel dans le cinéma de Jia Zhangke : une politique du regard." Thesis, Paris 1, 2016. http://www.theses.fr/2016PA01H304/document.
Full textAbstract:
La présente thèse propose d’analyser l’approche de l’espace dans le cinéma de Jia Zhangke, le réalisateur le plus représentatif, avec Wang Bing, de la génération indépendante (ou sixième génération) du cinéma chinois, comme une appréhension dialectique, consciente des discours qu’engendrent la représentation du réel. La construction de l’espace dans ses films est ainsi une forme d’engager, par le jugement esthétique, une conscience politique du spectateur à l’appréhension du monde. Jia ainsi fait du registre cinématographique à la fois le témoin privilégié du processus de changements de la Chine actuelle et un espace reconstruit subjectivement au moyen de l’imagination et de la mémoire. Son cinéma formule ainsi une critique subtile de la modernisation rapide et violente en cours, qui engendre la destruction de son paysage historique, la perte des repères culturels de son peuple et le désarroi des gens laissés pour compte. En actualisant des références à la peinture traditionnelle de paysage en Chine, Jia Zhangke tisse l’expression du monde dans son cinéma en tant qu’espace historique, puis espace dialectique et finalement espace immatériel pour observer son historicité, problématiser son présent et finalement proposer au spectateur, à partir de l’expérience esthétique, la conscience de son existence médiale porteuse de puissance d’action5ABSTRACT :This dissertation proposes an analysis of the approach to space in the cinema of Jia Zhangke— a filmmaker, who with Wang Bing, is most representative of the independent generation, or sixth generation, of Chinese cinema— as a form permitting an engagement of political consciousness through the comprehension of space. Through his aesthetics, Jia creates a cinematographic register that is both privileged witness of the processes of change in present-day China and a space subjectively reconstructed through the means of imagination and memory. This dissertation considers how his cinema expresses a subtle critique of the rapid and violent modernisation currently occurring in China, which engenders the destruction of its historical landscape, the loss of local cultural bearings, and the helplessness of those left abandoned. Through making references to traditional Chinese landscape painting, this work explores how Jia constructs the expression of this world in his cinema: as historical space, then as dialectical space, and finally as immaterial space in order to observe its historicity, to problematize its present, and finally to propose to the spectator, departing from aesthetic experience, an awareness of its medial existence carrying a force for action
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Ahn, Hyeon-Joo. "Le cadrage du ciel dans les films d'Eisenstein." Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030113.
Full textAbstract:
Dans cette thèse, je me propose de présenter deux hypothèses qui sont liées l'une à l'autre : en premier lieu, Eisenstein constitue le ciel comme figure, et non pas comme fond ; en deuxième lieu, le cinéaste travaille la figuration de l'hétérogénéité du ciel. Eisenstein tente de constituer la figurativité du ciel à travers trois méthodes, c'est-à-dire la juxtaposition du ciel et des fragments paysagers, l'aplanissement du ciel et de la terre, et la disproportion du ciel et de la terre. Dans l'utilisation de ces trois méthodes, le cinéaste met en jeu la visualisation de la profondeur qui tend souvent à réduire le ciel au fond. Quant à l'hétérogénéité du ciel, on peut observer deux aspects de l'hétérogénéité du ciel : premièrement, il s'agit de l'opposition de la figure du ciel et du graphisme des magueys ; deuxièmement, la figure du ciel trouve son origine dans le cinéma, tandis que les images graphiques des magueys proviennent de la peintureIn this thesis, I present two hypothesis that are associed each other : firstly, in certain shots de landscape, Eisenstein forms the sky as figure, but not as ground ; secondly, he attempts to inscribe the heterogeneousness of the sky in certains shots of landscape. Eisenstein proposes to form the figurativity of the sky with three methods, that is, the juxtaposition of the sky and fragments of landscape, the nivelling of the sky and the earth, and the attribution of large proportion for the sky. The question de visualisation of depth is associated with this usage of three methods. And then, one can observe two aspects of the heterogeneousness of the sky : the figure of clouds contrasts with the graphics of figure of maguey ; the figure of the sky finds its origin in cinema, while the graphic image of maguey is the product of the cinema
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Lee, Ik-Joo. "Les images du paysage insulaire cinématographique : une dialectique de la fermeture et de l'ouverture." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010599.
Full textAbstract:
L'île n'est pas seulement cet espace naturellement isolé, qui peut figurer métaphoriquement l'espace d'une fermeture. Dans l'histoire occidentale, et dés la culture grecque antique, l'image de l'île a toujours été en même temps celle de la fermeture et de l'ouverture. Cette dialectique de deux images qui s'opposent font de l'île par excellence un « espace abstrait », espace dont la complexité ne peut être rendue par une image visuelle au moyen d'une figuration simple. C'est ainsi que pour les cinéastes (modernes) le paysage insulaire est devenu de façon privilégiée l'espace d'une expérimentation cinématographique comme les films de l'île de Farö d'Ingmar Bergman, "Printemps, été, automne, hiver. . . Et printemps" de Kim Ki-duk, "LÎle nue" de Kaneto Shindo et la trilogie de "LÎle-aux-Coudres" de Pierre Perrault.
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Asté, Maylis. "Les représentations de la ruralité dans les films de fiction français du début des années 1990 au début des années 2010 : permanences et changements." Thesis, Toulouse 2, 2018. http://www.theses.fr/2018TOU20067.
Full textAbstract:
À partir de l'étude d'un corpus de films de fiction sortis en salles entre 1990 et 2012 et dont l'action est située dans les campagnes françaises contemporaines, cette thèse analyse la construction des représentations de la ruralité française sous l'angle des tensions entre permanence et changements.En nous attachant à éclairer la démarche des cinéastes qui ont fait le choix d'ancrer leur récit dans les campagnes, nous questionnons l'influence de ce choix sur les techniques de narration, la mise en scène ou encore la distribution. Vivants portraits, les films sont autant de définitions de campagnes idéelles et sensibles. Que voit-on et qui voit-on dans ces films ? Que font les personnages et que disent-ils ? Comment vivent-ils ? Peut-on parler d'une école ou d'un courant durant cette période charnière ? À la force toujours opératoire d'anciens stéréotypes urbanocentrés répond le désir de certains cinéastes de décentrer les regards, pour explorer une géographie humaineThis thesis analyzes the construction of French rurality's representations in terms of tensions between permanency and change, on the basis of a corpus of fiction films released between 1990 et 2012, which narration takes place in contemporary French countryside. By actively shedding light on the approach of the filmmakers who decided to root their films in the countryside, we question the way this decision impacts narrative techniques, directing or even casting. Films being living portraits, each one is a definition of the countryside, ideal or sensitive. What, and who do we see in those films? What do the characters do and what do they say? How do they live? Can we talk of a “school” or a “wave” defining this pivotal period? Despite the enduring power of old urban-centric stereotypes, these directors are set on off-centering the points of view to explore a human geography
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Tholas-Disset, Clémentine. "Cinéma muet et représentations des États -Unis : La mythification et l'universalisation de l'espace américain." Thesis, Paris 3, 2010. http://www.theses.fr/2010PA030115/document.
Full textAbstract:
Au début du vingtième siècle, un nouveau média à la mesure de l’Amérique voit le jour : le cinéma. Forme d’expression visuelle nouvelle, divertissement populaire égalitaire, véhicule privilégié du modèle américain dans le pays et à l’étranger, le cinéma s’affirme, dès ses premières années d’existence, comme un acteur majeur de l’américanisation du monde. Un de ses thèmes de prédilections est l’espace américain, et par extension ses paysages, qui ravit et fascine les spectateurs d’un bout à l’autre de la planète. Les mises en scène du territoire national et de sa géographie spécifique sont complexes car elles intègrent des éléments réalistes et une dimension imaginaire. Cette représentation polymorphe des États-Unis permet de promouvoir les valeurs américaines dans une société internationale moderne, transformée par l’essor de l’urbanisation et de l’industrialisation. L’Amérique filmique, élaborée par l’industrie cinématographique des premières décennies, offre des repères à un spectateur quelque peu perdu dans le nouvel ordre du monde se dessinant alorsAt the dawn of the twentieth century, a new media, in tune with American goals, was born: the motion pictures. It was a new kind of visual expression, an egalitarian form of popular entertainment and the best vehicle to convey the American way of life in the US and abroad. Therefore, cinema became, from its inception, a key participant in the Americanization of the world. One of its favorite topics was American space and its landscapes, which pleased and amazed movie-goers around the world. The way in which national territory and its specific geography were staged in films was complex because it intertwined realistic elements and a mythical dimension. That kaleidoscopic representation of the United States enabled the promotion of American values in a modern international society, transformed by the rise of urbanization and industrialization. Cinematic America, as it was created by the early motion pictures industry, offered landmarks to the spectator, somewhat lost in the emerging new world order
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Brayer, Laure. "Dispositifs filmiques et paysage urbain : la transformation ordinaire des lieux à travers le film." Thesis, Grenoble, 2014. http://www.theses.fr/2014GRENH008/document.
Full textAbstract:
Partant d'une considération sur le paysage configuré au quotidien par les pratiques individuelles et collectives qu'il accueille et qui lui donnent forme, ce travail de thèse en architecture s'intéresse à la transformation ordinaire des lieux et interroge les manières dont nous pouvons l'appréhender pour penser leur devenir. Comment prendre en compte la dynamique de l'ambiance pour penser la conception d'un lieu ? Cette recherche interroge dans ce sens la portée du film (comme médium, comme pratique et dans sa réception) dans ce qu'il permet de comprendre de la transformation ordinaire des lieux. Il s'agit ainsi de questionner les potentialités des images audiovisuelles quant à la perception, la représentation et la conception partagée d'espaces publics urbains. En quoi et comment le film peut-il permettre de saisir les états et transitions des relations entre espace et corps percevants autant que pratiquants ? Pour cela, un protocole méthodologique croisé, à l'écoute d'une hétérogénéité des usages du film dans la compréhension et la constitution du fait urbain, a donné lieu à la construction et à l'analyse de quatre corpus de travail : 1. Recueil et sélection de films existants ; 2. Observation et suivi d'une mission vidéo dans un cadre opérationnel ; 3. Réalisation d'un film de commande ; 4. Expérimentation pédagogique auprès d'étudiants en architecture. Ces quatre corpus considèrent à plusieurs égards la problématique de la fabrication de films : statut et enjeu du recours au film, engagement dans le terrain (dans l'espace, le temps et la relation à l'Autre) par la pratique filmique, postures filmiques et rapports au monde. Notre recherche soulève, dans un second temps, la question de la réception filmique. C'est ainsi à partir d'une expérience d'audio-vision collective que le film devient le support d'un dialogue entre différents interlocuteurs conviés à mettre en partage et en débat leurs expériences. La pluralité des registres mis au travail au cours de la réception des films et de leur discussion (à savoir le sensible, le perceptif, l'interprétatif, le critique et le créatif) devient le support à l'élaboration d'un commun. De ces considérations sur la portée du film émerge en toile de fond l'importance du sensible et de l'improvisation collective dans l'appréhension et la conception de l'espace public urbainStarting from a consideration of the landscape, as it is configured daily by individual and collective practices which are supported by the landscape and from which the landscape is being shaped, this PhD thesis in architecture focuses on the ordinary transformation of places and questions the ways through which we can understand it in order to think out the becoming of these places. How can we take into account the dynamic of the ambiance in order to think about the design of a place? In that perspective, this research questions the scope of film (as a medium, as a practice and in its reception): what does filming allow us to understand of the ordinary transformation of places? This work investigates the potential of audiovisual images in terms of perception, representation and shared designing of urban public spaces. How can film facilitate the understanding of the states and transitions of the relationship between space and bodies – considering that bodies perceive and act at the same time? In order to study that question, a specific methodological protocol, open to heterogeneous uses of film for the understanding and the designing of cities, was worked out. It led us to the analysis of four frameworks: 1. Collecting and selecting existing films; 2. Observing a video project within the context of an urban study; 3. Filmmaking; 4. Experimenting film practice with architecture students. These four frameworks address the question of filmmaking in different ways: status and stakes of the use of film, involvement in fieldwork through film practice (involvement in space, in time and in relation with others), film postures and relations to the world. Secondly, our research raises the question of film reception. It is, then, from a collective experience of reception that film becomes the base of a dialogue between people who are invited to share and debate about their own experiences. The plurality of registers coming from the film reception and its discussion (what is sensible, perceptive, interpretive, critical and creative) becomes the base to work out a common design. From these considerations of the scope of film, it appears in the background that the sensible register and collective improvisations are of paramount importance in the understanding and designing of urban public spaces
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Hirzel, Lara. "Châteaux intérieurs : du théâtre de la mémoire aux espaces imaginaires." Thesis, Paris Sciences et Lettres (ComUE), 2016. http://www.theses.fr/2016PSLEE057/document.
Full textAbstract:
Châteaux intérieurs, du théâtre de la mémoire aux espaces imaginaires est une thèse composée de trois films, d’une installation vidéo et de deux scénarios. Ces travaux reposent sur des interrogations liées au lieu et à sa mémoire. Des mnémotechniques rhétoriques de l’antiquité aux usages du flashback dans le montage cinématographique, cette recherche traverse les champs de la photographie, des arts plastiques, de la littérature et du cinéma afin d’inventer ses propres usages plastiques de concepts philo- sophiques. Chaque projet développe sa façon propre d’aborder le sujet de la représentation d’un espace fantasmé, imaginé; façons liées au « genre » des propositions, à la place laissée au spectateur et, au cœur même des films, à la multiplicité des subjectivités des personnages. Ainsi, le film Demeure convoque saint Augustin et l’art de la mémoire tandis que Sirènes joue des effets de montage et de réminiscences. Les Passages secrets lie lieux réels et espaces fictionnels par l’installation in situ dans le village de Binic. La déambulation est alors une autre manière de rejouer le trajet discursif de la méthode des loci. Le scénario Sans Perceval, adapté des Vagues de Virginia Woolf, singularise quant à lui une multiplicité de points de vue sur un même temps partagé dans un lieu unique. D’une autre manière, Les Atomes joue avec la figure de la baleine comme lieu symbolique sur lequel achoppent et divergent les imaginaires. Enfin, en utilisant l’idée d’espace intérieur dans la fiction même, le projet des Châteaux intérieurs propose une voie d’actualisation d’anciennes propositions philosophiques et théologiques, autour d’une variation moderne du personnage de sainte Thérèse d’Avila. Ce dernier scénario agrège ainsi plusieurs concepts fréquemment évoqués, repris, mentionnés dans la topique chrétienne, ici distordus, transformés et utilisés dans la fiction mêmeThe thesis Mind Palaces, from Memory Theatre to Imaginary Spaces is composed of three films, one video installation and two scripts. These works focus on questions of places and their memory. From ancient rhetorical mnemonics to the use of flashbacks in film editing, this study covers the fields of photography, fine arts, literature and film, in order to come up with its own artistic interpretation of philosophical concepts. Each project develops its own way of broaching the representation of a dreamt-up, imagined space; be it relating to the "genre" of proposals, to the role given to the audience, or, at the very heart of the films, to the multi- plicity of subjectivities of the characters. Thus, the film Remains evokes Saint Augustine and the art of memory, whilst Mermaids plays with various editing and reminiscence effects. Secret Passages links real places and fictional spaces through the in situ installation in the village of Binic, and the act of wandering therefore beco- mes another way of replaying the discursive journey in the method of loci. As for the Without Percival script, based on Virginia Woolf's The Waves, it differentiates between multiple points of view on a given moment shared in a single place. In a different way, Atoms plays with the whale as a symbolic place against which imaginations wash up and diverge. Finally, by using the idea of an interior space within the fic- tion itself, the Mind Palaces project provides a way of updating ancient philosophical and theological theories, based on a modern variation of Saint Teresa of Ávila. This last script combines a number of concepts that are frequently alluded to, revisited and mentioned in Christianity, and are here distorted, transformed and used in the fiction itself
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Hervé, Céline-Marie. "La machine à (dé)représenter ˸ pour une théorie systémique de la scénographie." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA087/document.
Full textAbstract:
Depuis la fin des années 1960, la scénographie suscite un intérêt croissant, surtout au théâtre mais aussi dans les autres arts, dans l'exposition, au cinéma, ou encore dans les meetings politiques, etc. En France, le nombre de thèses touchant au sujet a augmenté considérablement depuis 1985, pour atteindre le chiffre de 182 début 2017. Or, sa définition reste pour le moins floue et suscite des débats et des positionnements forts, voire radicaux, surtout quant à sa dépendance au théâtre et à sa qualité d'espace. Il s’avère alors d'un grand intérêt de proposer une approche théorique et scientifique pertinente de la scénographie contemporaine, afin de lui donner une définition claire qui pourrait servir de matériau commun aux théoriciens comme aux praticiens ou encore aux étudiants.La démarche de cette recherche relie l'élaboration d'une théorie systémique de la scénographie, dans un premier temps, avec son itinéraire historique depuis la Grèce antique enrichie de nouvelles traductions des textes de référence, dans un second temps. Elle intègre aussi, comme cas d'expérimentation de la théorie dans un troisième temps, l'analyse d'un corpus particulier qui retrace le mouvement de «déreprésentation» du Courant 0 au XXe siècle. Elle termine enfin son parcours, dans un quatrième temps, avec l'approfondissement des véritables enjeux humains de la théorie à travers le prisme de l'émotion. Un quatrième temps d'expérimentation « en laboratoire », analyse une production pratique. L'approfondissement du rapport humain ménagé par la machine dans l'investissement émotionnel de l'être humain récepteur, rend compte d'une place fondamentale laissée à autrui. Elle termine enfin son parcours, par l'observation de capacités particulières de la machine (attribution d'intégrité et médiation) à travers l'étude d'applications spécifiques (marionnette et exposition). Avec la récurrence de la notion de représentation, c'est la machine à représenter qui se découvre. Elle déborde de loin l'idée d'espace pour se définir comme création et maniement de représentations, d'images et d'imaginaires. Ce qu'on pourrait aussi appeler conception de mise en situation d'image, repose sur une gradation du rapport entre image, usage, support et expérience. Elle crée et structure une idée de rapport. Elle se pose ainsi comme média en conditionnant la relation de l'humain au monde de part son rapport et sa représentation à travers l'émotionSince the late sixties, scenography became a trend in France, the majority being for the theater but also featured in art, exhibition, movies, or political summits, etc. In France, the number of Ph. D. theses touching this subject rose exponentially since 1985, and boasting a total of 182 pieces in early 2017. Nevertheless, its definition remains blurred, leading to debates and strong statements, particularly about the inherent dependency to the theatrical domain and its spatial essence. Thus, the goal of this research is to provide an accurate theoretical and scientific approach to contemporary scenography, outlining a clear definition that can serve as common material for professionals, theorists and students.Firstly, this research elaborates upon the concept of a systemic theory of scenography, baring the historical path that scenography went threw since the time of ancient Greece. Secondly it introduces new translations of referential texts. The third point is about a special corpus analysis which traces the movement of the unmaking representation by the Stream 0 (Courant 0) during the XXe century as an experimental case for testing the theory’s validity. The fourth point opens a practical laboratory. The human paradigm is deepened through an emotional investment as the theory’s real life challenge. Lastly, this research studies three special habilities of the machine related to the emotional investment (integrity attribution and mediation) trhough three specific applications (puppetry and exhibition).The prevalence of the notion of representation is what ultimately reveals the representation making machine. It goes far beyond the idea of space to define itself as creation, as well as the manipulation of representations, images and imagination. What could be known as image situation design is based on a gradation of the relationship between image, use, support and experience. The machine orchestrates and structures the idea of a relation ratio. It positions itself then as a tangible medium by conditioning the link between humanity to the world - by its relation and its representation - through emotion
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Leclerc, Philippe. "Le traitement de l’espace dans Badlands et Days of Heaven, de Terrence Malick." Thèse, 2011. http://hdl.handle.net/1866/5338.
Full textAbstract:
Ce mémoire de maîtrise étudie le traitement de l’espace dans les films Badlands (1973) et Days of Heaven (1978), du cinéaste américain Terrence Malick. Je m’intéresse dans un premier temps à montrer comment le traitement spatial de ces œuvres se démarque des conventions cinématographiques classiques en développant autour de la multitude de procédés et stratégies mis en œuvre par Malick pour rendre sensible et réflexif l’espace - sonore et visuel – des deux films, lequel est conçu pour être littéralement «habité» par les personnages mais également par les spectateurs. J’observe ensuite les implications (esthétiques, narratives, iconologiques, philosophiques, poétiques, etc.) de ce traitement singulier de l’espace filmique en montrant comment le cinéaste parvient à créer différents types de sensations et construire son discours par et à travers l’espace de ses œuvres. Le mémoire porte une attention particulière à la notion de «paysage filmique» et se structure en trois chapitres, lesquels étudient respectivement l’espace chez Malick en termes de «sensations» (sensibilité de l’espace, «mise en vue» du paysage au sein des deux films), de «relations» (relations entre les différents espaces et relations entre les personnages et l’espace) et de «mémoire» (densité «iconologique» du paysage). Aussi, j’aborde d’autres questions importantes au cours du projet et je reviens à plusieurs endroits sur la dimension «poétique» du cinéma de Malick et sur la «réflexivité spatiale» de ses films (réflexivité et aspect «attractionnel» du paysage, réflexivité de la voix-off, réflexivité de l’organisation et de la structure spatiales du récit, réflexivité du «tissage spectral»). Enfin, il est question de montrer au fil du mémoire que Malick parvient à édifier avec le cinéma, et par là avec l’espace et le paysage, un véritable espace de pensée qui «déborde» du cadre filmique.This Master’s thesis studies the treatment of space in Terrence Malick’s films Badlands (1973) and Days of Heaven (1978). First I apply myself to show how the treatment of space in these films distinguishes itself from classical cinematographic conventions, developing on the multitude of strategies used by Malick to make space (both visual and sound) sensitive and reflexive in the two films. Space here is created to be literally «inhabited» by the characters as well as the spectators. I then observe and comment on the implications (esthetical, narrative, iconological, philosophical, poetical, etc.) of this peculiar treatment of film space by showing how the filmmaker creates different types of sensations and constructs his discourse with and through space of his films. The thesis pays special attention to the concept of «film landscape» and structures itself in three chapters, which respectively study space in Malick’s work in terms of «sensation» (space sensitivity, «mise en vue» of the landscape in both films studied), of «relationship» (relationships between the different spaces and relationships between characters and space), and of «memory» («iconological» density of the landscape). In the project I also touch other important questions, coming back several times on the «poetical» dimension of Malick’s cinema and on the «space reflexivity» of his films (reflexivity and «attractional» aspect of the landscape, reflexivity of the voice-over, reflexivity of the organization and space structure of the story, iconological reflexivity). Finally, throughout the thesis I try to show that through filmmaking, and therefore through space and landscape, Malick creates a true space of thoughts that goes «beyond» his films.
Pour respecter les droits d’auteur, la version électronique de ce mémoire a été dépouillée de ses documents visuels et audio‐visuels. La version intégrale du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.
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Hotte, François-Mathieu. "Cinéma et espace : l’avènement du plan par l’expérience du paysage." Thèse, 2016. http://constellation.uqac.ca/4047/1/Hotte_uqac_0862N_10235.pdf.
Full textAbstract:
L’oeuvre principale Les Grands écrans présenté dans ce mémoire de maîtrise à l’Université du Québec à Chicoutimi a été créée dans le cadre de l’exposition permanente du Musée de la Civilisation de Québec : C’est notre histoire : Premières Nations et Inuit au 21ème siècle. L’oeuvre est constituée de trois vastes écrans qui comme une peau sonore et visuelle enveloppent de façon poétique l’exposition. La spiritualité autochtone y forme un tout où la nature, les humains, les animaux s’assemblent et vivent le monde. Les trois écrans s’inspirent de cette cosmogonie et de leurs légendes.
Le premier chapitre énonce le concept d’espace et de sa construction filmique. Cette amorce cinématographique s’organise autour de cinéastes qui posent avant tout la question de la spécificité du langage cinématographique au-delà de la narrativité romanesque. Il parcourt rapidement des pans de cinéma allant des cinéastes comme Eisenstein et Cocteau jusqu’aux cinéastes expérimentaux dits structuralistes tels Frampton et Snow. Les relations du cinéma et de l’art s’avèrent complexes et elles vont au-delà de l’idée rabattue du cinéma comme synthèse de tous les arts. Le cheminement ici décrit en trahit plutôt les tensions. Il y est aussi question de la cinéphilie comme école de cinéma.
Le deuxième chapitre opère une avancée sur le paysage comme espace de projection. La question du paysage permet l’ancrage d’une réflexion sur le regard, de sa portée en termes de cinéma comme avènement du plan, de son cadrage, de sa profondeur, de sa durée. Plusieurs de mes réalisations appuient mes réflexions dans l’acte de filmer. Le geste cinématographique accroît l’expérience du voir et épouse l’esprit des lieux. Dans ce chapitre s’ouvre aussi un autre laboratoire sur le dialogue entre les arts via les installations vidéo.
Le chapitre final aborde l’expérience terrain dans les communautés avant la réalisation du projet des trois grands écrans. Une autre voie créatrice est ainsi engagée, celle du cinéma et de la transmission. Cette création naît du contact
avec les autochtones, avec leurs voix, leurs visages, leurs paysages. Trois artistes autochtones ont contribué au scénario de ces trois grands écrans qui se veulent en image et en son la transmission de leur culture. L’atelier du cinéaste s’élargit dans un tel contexte de création, il est à l’écoute d’un monde qui n’est pas tout à fait le sien. Ces trois grands écrans se comprennent comme oeuvre in situ dans l’ensemble de l’exposition.
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Martineau, Julien. "Crise identitaire : Arrested Development et le portrait d’une sitcom dans le paysage télévisuel contemporain." Thèse, 2010. http://hdl.handle.net/1866/4628.
Full textAbstract:
À la fin des années ’90, les modes de consommation et de production qui caractérisent l’industrie télévisuelle subissent une transformation de taille. Parce qu’elle a su s’appuyer sur les nouveaux médias et explorer de nouveaux horizons, l’industrie télévisuelle a complètement changé de visage. Les programmes télévisés – autrefois linéaires et conçus pour un public indifférencié – ont considérablement changé, bouleversant de ce fait même les habitudes des téléspectateurs. L’émergence des nouvelles technologies et la sophistication de la demande ont contraint l’industrie à développer de nouveaux concepts, en misant de plus en plus sur des produits forts singuliers, complexes sur le plan narratif. Les meilleurs sitcoms sont aujourd’hui conçus comme des objets hybrides, influencés tout à la fois par les engouements et les phénomènes populaires, la télé-réalité et le documentaire. C’est le cas de la défunte série Arrested Development, encensée par la critique pour son originalité et son impertinence. L’exubérance histrionique, l’éclatement du récit, l’humour autoréférentiel et l’intertextualité ont fait la réputation de cette série culte, devenue très influente dans le monde des séries télévisées. Ces éléments remarquables – décriés par les premiers commentateurs qui les trouvaient perturbants – montrent que l’avènement de pratiques nouvelles au sein de l’univers télévisuel a radicalement transformé l’expérience du téléspectateur.At the end of the 1990’s, the television industry experienced drastic changes to consumption and production practices. Through the exploitation of new media and exploration of new horizons, the industry has undergone a complete transformation. The nature of television programs, which were traditionally linear and designed for a general audience, has changed considerably too, deeply affecting the experience of the viewers. With the emergence of new technologies and the sophistication of public demand, the industry has to rely on brand new concepts, henceforth developing unique and complex narratives. Some of the best sitcoms are now designed as hybrid products, influenced by cultural fads, popular phenomena, reality shows and documentaries. Praised by viewers and critics for its unconventional format, the television show Arrested Development is characterized by its histrionic exuberance, non sequitur storytelling, self-referential lines and intertextuality that have become very influential in contemporary television. This television product contains unique features – considered by contemporary commentators as being somewhat disruptive and controversial – which show how the advent of new practices within the television industry has ultimately transformed the viewer’s entire experience.
Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de ce mémoire a été dépouillée de ses documents visuels. La version intégrale du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et archives de l'Université de Montréal.
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Demers, Hervé. "La mémoire et son paysage minéral : des images stratigraphiques explorées par la parole." Thèse, 2019. http://hdl.handle.net/1866/23775.
Full textAbstract:
Ce projet de recherche-création en cinéma porte sur l’histoire d’une ancienne ville minière. En 1971, un glissement de terrain provoqué par les excavations d’une exploitation minière emporte une partie de la ville d’Asbestos (et de son histoire) au fond du trou. Cet événement hautement symbolique est devenu le point d’ancrage d’une problématique sur la représentation de la mémoire collective au cinéma.
En écartant une approche « archiviste » du cinéma documentaire (images et enregistrements du passé), j’ai cherché à faire voir ce qui avait disparu dans le paysage matériel d’Asbestos, mais qui subsistait pourtant dans la mémoire des citoyens. Trois grands axes ont structuré mon projet.
1) Peut-on faire voir le passé d’Asbestos avec des images de son paysage actuel?
2) Est-il possible que la parole vernaculaire soit le meilleur moyen de faire (re)vivre et de faire (re)voir les expériences d'une communauté?
3) Est-ce dans l’interaction entre les images du présent et la parole des témoins de l’histoire que l’on peut révéler un passé disparu?This film research-creation project focuses on the history of a former mining town. In 1971, a landslide triggered by the excavations of the adjacent mine swept part of the town of Asbestos – and its history – to the bottom of the pit. This symbolic incident serves as the basis for an exploration of how best to represent collective memory in film. In eschewing the archival approach of documentary cinema (using images and audio recordings from the past), I have tried to show what has disappeared from the town’s physical landscape yet is still very present in the memory of its inhabitants. My project is underpinned by three main questions: 1) Can Asbestos’s past be evoked through images of its current landscape? 2) Could capturing the spoken words of its inhabitants be the best way to bring a community’s experiences back to life and share them with others? 3) Can a bygone past be revealed through the interplay of present images and vernacular accounts of recent or distant history?
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Khazoom, Frédérique. "Survivance 101 : Community ou l’art de traverser la mutation du paysage télévisuel contemporain." Thesis, 2019. http://hdl.handle.net/1866/24302.
Full textAbstract:
Lors des années 2000, le paysage télévisuel américain a été profondément bouleversé par l’arrivée d’Internet. Que ce soit dans sa production, sa création ou sa réception, l’évolution rapide des technologies numériques et l’apparition des nouveaux médias ont contraint l’industrie télévisuelle à changer, parfois contre son gré. C’est le cas de la chaîne généraliste américaine NBC, pour qui cette période de transition a été particulièrement difficile à traverser. Au coeur de ce moment charnière dans l’histoire de la télévision aux États-Unis, la sitcom Community (NBC, 2009-2014; Yahoo!Screen, 2015) incarne et témoigne bien de différentes transformations amenées par cette convergence entre Internet et la télévision et des conséquences de cette dernière dans l’industrie télévisuelle. L’observation du parcours tumultueux de la comédie de situation ayant débuté sur les ondes de NBC dans le cadre de sa programmation Must-See TV, entre 2009 et 2014, avant de se terminer sur le service par contournement Yahoo! Screen, en 2015, permet de constater que Community est un objet télévisuel qui a constamment cherché à s’adapter à un média en pleine mutation. Son incapacité à survivre à l’instabilité secouant l’industrie télévisuelle, par l’entremise de la télévision traditionnelle et de la télévision en ligne, souligne ainsi que le passage de la télévision vers cette ère numérique est plus complexe qu’il ne paraît.During the 2000s, the American televisual landscape was deeply shaken by the arrival of the Internet. The quick growth of digital technologies and the emergence of new types of media forced a reluctant television industry to change; be that in production, creation or reception. This transition from a pre-digital to a digital form of television was particularly difficult for the National Broadcasting Company (NBC). In the midst of this defining moment in American television history came Community (NBC, 2009-2014; Yahoo!Screen, 2015), a sitcom that embodied and reflected the various transformations brought by the convergence of the Internet and television, as well as the consequences this confluence bore to that industry. From being broadcast on NBC’s Must-See TV lineup between 2009 and 2014 to then moving to Yahoo!’s online platform in 2015, Community’s journey in television revealed its multiple attempts at adapting to a media in mutation. Therefore, the inability of the series to survive an unstable television industry through both traditional and online means underlines the complexity pertaining to television’s transition to a digital era.
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Fafard-Blais, Émilie. "La ritournelle et le galop dans la musique romantique et le cinéma moderne." Thèse, 2010. http://hdl.handle.net/1866/4398.
Full textAbstract:
À partir de l’étude des concepts de la ritournelle et du galop chez Gilles Deleuze et Félix Guattari, le présent mémoire explore les fonctions temporelles de la musique dans le cinéma moderne.
Ce concept de temporalité sera déplié en trois temps. En premier lieu, une relecture de la musique romantique permettra d’en développer les différentes articulations temporelles. Par la figure du compositeur incompris, reclus et exilé ainsi que par l’utilisation du fragment, la musique romantique se donne des personnages qui habitent la terre et fondent des territoires. Ensuite, parce qu’il s’agit de comprendre les mécanismes de la musique au cinéma, il est primordial d’examiner les conclusions des différentes théories sur le sujet. De ce parcours théorique, il faudra comprendre que les fonctions classiques attribuées à la musique de cinéma ne réussissent pas complètement à expliquer les mécanismes de la musique dans le cinéma moderne. En fait, c’est qu’une nouvelle problématique motive les images. Ces films, tout comme la musique romantique, font voir les mouvements du temps. Finalement, c’est par la ritournelle et le galop, aux croisements des concepts de la musique romantique et du cinéma moderne, qu’une musicalité filmique fait voir un nouveau temps dans l’image.Through an investigation of the concepts of the refrain and the gallop put forward by Gilles Deleuze and Félix Guattari, this dissertation explores the function of musical temporality in modern cinema. The concept of temporality will be brought to light in three parts. The first will expound on the different forms of temporal articulation through a reexamination of Romantic music. With the figure of the misunderstood, reclusive, exiled composer and the use of the fragment, it will be seen that Romantic music features characters that are Earthbound and found territories. The next part, recognizing the importance of understanding the mechanics of cinematic music, presents a vital examination of the various theories on the subject and their conclusions. From this theoretical investigation, it will be necessary to understand that the classical functions attributed to cinematic music fall short of fully explaining the mechanics of music in modern cinema. Indeed, this is because there is a new issue driving the images. These films, just like Romantic music, convey the passage of time. The final part shows that at the intersection of the concepts of Romantic music and the music of modern cinema, it is through the refrain and the gallop that the filmic musicality reveals a new temporality in the images.
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Séguin, Catherine. "Qualifications paysagères de la ville : l’espace aérien des toits de New York dans le cinéma américain (1980-2011)." Thèse, 2015. http://hdl.handle.net/1866/19276.
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Amnotte-Dupuis, Antoine. "Appréhender le territoire par l'audiovisuel : d'une démarche à un dispositif en mouvance." Thèse, 2018. http://hdl.handle.net/1866/22035.
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