Academic literature on the topic 'Peinture allemande – 20e siècle – Critique et interprétation'

Klee et Kandinsky donnent à voir l’invisible dans leur art. Leur démarche créatrice repose sur le postulat de l’analogie de la genèse du monde et de l'œuvre. Dans cette double interprétation basée sur l'unicité de la vie, la pensée, l'enseignement et la peinture chez Klee et Kandinsky, la première partie est consacrée à l'étude contrastive de leurs écrits (autobiographiques, poétiques, théoriques et didactiques). Un corpus de textes fondamentaux de ces deux précurseurs de l'art abstrait dévoile une pensée métaphysique créant un lien original entre l'Occident et l'Orient. Les deux artistes parviennent ainsi à résoudre le paradoxe suprême de l'art moderne, à savoir la relation Visible/Invisible. Dans la deuxième partie, l'unité des deux œuvres peints de Klee et de Kandinsky est analysée selon notre propre méthode sémiologique : un système parallèle dynamique de lectures et de décodage des signes et archétypes kléens et kandinskiens démontrent ce passage du visible à l'invisible en tant qu'articulation esthétique spécifique de Klee et de Kandinsky. Notre méthodologie sémiologique basée sur le métissage des approches théoriques s'inscrit dans la problématique actuelle de la théorie de l’art
The artistic method of Klee and Kandinsky is based on the hypothesis that world and creative product emerge simultaneously. Founded on the unity of their life, thought, teaching, and painting, in the first part of my twofold study regarding both thes artist I am focussing on a constrastive analysis of their (autobiographical, poetical, theoretical and didactic) writings. This body of fundamental texts of these two predecessors of abstract art reveals a metaphysical thought, creating an original connection between occident and orient. Thereby, the two artists succeed in resolving the greatest paradox of modern art, namely the relationship between the visible and the invisible. The second part of my thesis is concerned with the analysis of the paintings of these two artists, using my own semiological method. A parallel, dynamic reading and decoding of Klee’s and Kandinsky's signs and archetypes demonstrates that their specific aesthetic expression is the passage from visible to invisible. My semiological method, based on a combination of a variety of theotical approaches, thereby joins the current challenges posed by modern theories of art

L’étude de l’oeuvre du poète Gottfried Benn (1886–1956) et des peintres Max Beckmann (1884–1950) et George Grosz (1893–1959) est exemplaire pour informer les figurations du corps au début du XXe siècle, qui ouvrent sur une comparaison fertile du texte et de l’image. En effet, nombre de questionnements de ces trois artistes sur la ‹ nature › de l’homme, de son corps, de son identité et de son rapport à la réalité se rejoignent, dans un contexte générationnel marqué par l’historisme et une modernité vécue comme « crisologique » selon le terme de Gérard Raulet. L’oeuvre de Benn, s’avère particulièrement bien saisissable dans la tension entre ces deux peintres. La comparaison des oeuvres s’effectue à partir de leurs structures profondes, c’est-à-dire de signes iconographiques ou stylistiques particuliers qui informent la démarche artistique et idéelle sous-tendant l’oeuvre. Ce travail analyse le corps dans sa rupture ‹ grotesque › par rapport aux idéaux classiques et place celui-ci en rapport avec une ouverture fantastique du réel. Il interroge le positionnement de ces artistes au sein de la modernité classique et des avant-gardes et nuance les tentatives récentes de la critique de faire de Grosz et de Benn en particulier des précurseurs du postmoderne. Il permet finalement de jeter une lumière nouvelle sur la part d’ombre que constitue toujours l’allégeance temporaire prêtée par Gottfried Benn au régime nazi, sachant que Beckmann et Grosz se sont, eux, tenus loin des sirènes du nazisme
This study on the work of the poet Gottfried Benn (1886–1956) and the artists Max Beckmann (1884–1950) and George Grosz (1893–1959) exemplary describes the view of the human body at the beginning of the 20th century and opens towards the specific mutuality of text and image. Indeed, numerous questions have been shared by these three artists on the ‹ nature › of man, his body, his identity and his relation to reality. Their generation was embedded in historicism and a “crisological” view on modernity as stated by Gerard Raulet. The work of Benn is convincingly made accessible to analysis in the stress field of these two artists. Their works are compared with each other beginning with an analysis of their profound structures, i. E. Through a comparison of the iconographic or stylistic signs which reflect the artistic and philosophical approaches that underlie each work of art. This study analyzes the human body referring to the ‹ grotesque › rupture with regard to classical ideals and localizes the human body in relationship to a fantastic conception of reality. It questions the classification of these artists within the classical modernity and avant-garde and put into perspective the more recent attempts to classify Grosz and Benn as precursors if not representatives of postmodernism. Finally, this study allows shedding new light into the allegations concerning the intellectual vicinity of Gottfried Benn with the Nazi regime, knowing that Beckmann and Grosz always absented themselves from fascism

« L’image est la représentation et la peinture la technique qui permet de la faire éclater » (Richter 1991). Cette thèse analyse la dialectique entre peinture et images dans l’œuvre de Richter, non pas en termes de médiums mais en se concentrant sur son pouvoir de métaphorisation des rapports entre culture et nature, société et individu, architecture et corps, etc. Peu à peu, elle se focalise sur l’idée et la pratique de surpeinture [Übermalung]. Une première partie est consacrée, de la RDA à la RFA, au passage d’une représentation de la santé sociale à une « Augenklinik », exploration de la « santé moyenne » de l’artiste, de l’impureté des images, qu’elles soient hygiéniques, politiques ou artistiques, et de la vision (1956-1967). Une seconde partie est composée de deux études iconologiques d’œuvres rapprochant par superposition ou juxtaposition le corps et la vision de la structure des escaliers : Ema (Nu sur un escalier) (1966) et Kugelobjekt (1969-1970). Replaçant cette union dans la culture visuelle occidentale, notamment celle des années 1960, elle indique les recherches de Richter sur l’autonomisation de la peinture, de la vision et de l’individu de tout cadre social. Dans cette optique est ensuite présenté le corpus méconnu des photographies surpeintes (1986 ; 1989-2016). Il est analysé, à partir des dits et écrits de l’artiste, comme une métaphore d’un dépassement de l’art et de la culture au regard du contexte des années 1986-1990 : la « querelle des historiens », les catastrophes écologiques et la chute du mur de Berlin. Enfin, à partir d’interprétations iconographiques nouvelles et d’images sources inédites, c’est la surpeinture comme flux de l’histoire qui est étudiée autour de trois dates : le 14 février 1945, le 18 octobre 1977 et le 11 septembre 2011
"The picture is the depiction, and the painting is the technique for shattering it" (Richter 1991). This thesis analyzes the dialectic between painting and images in Richter's work, not in terms of mediums but in its power to metaphorize the links between culture and nature, society and the individual, architecture and the body, etc. Gradually, it focuses on the idea and practice of overpainting [Übermalung]. A first part is devoted, from the GDR to the FRG, to the transition from a representation of social health to an "Augenklinik", an exploration of the artist's "average health", the impurity of images, whether hygienic, political or artistic, and of vision (1956-1967). A second part consists in two iconological studies of works that bring the body and vision closer to the structure of stairs by superimposition or juxtaposition: Ema (Nude on a Staircase) (1966) and Kugelobjekt (1969-1970). Repositioning this union in Western visual culture, particularly that of the 1960s, it points to Richter's research on the empowerment of painting, vision and the individual from any social setting. In this perspective, the little-known body of work of the overpainted photographs (1986; 1989-2016) is then presented. It is analyzed, based on the artist's words and writings, as a metaphor for the overcoming of art and culture in the context of the years 1986-1990: the "historians’s dispute", the ecological catastrophes and the fall of the Berlin Wall. Finally, based on new iconographic interpretations and unpublished source images, overpainting as a flow of history is studied around three dates: February 14, 1945, October 18, 1977, and September 11, 2011

L’artiste chinois Feng Zikai (1898-1975) appartient pleinement à son époque en créant une forme de dessin rapide et simple parfaitement adapté à la presse, en plein essor dans la métropole moderne qu’est la Shanghai des années trente. Réalisé à l’encre et au pinceau, mêlant caractéristiques occidentales et chinoises, le manhua est un art que Feng considère lui-même comme situé à mi-chemin entre la peinture et la littérature, car porteur d’une signification que précise la légende. Celui-ci se combine bien souvent à l’écriture d’essais « familiers » (xiaopinwen), forme littéraire également libre et concise. L’objet de cette étude est de montrer en quoi le dynamisme de l’oeuvre d’un artiste comme Feng Zikai trouve son origine dans ce dialogue entre le texte et l’image, dont plusieurs aspects sont envisagés et qui conduit à un troisième niveau de signification
The Chinese artist Feng Zikai (1898-1975) really belongs to his time by creating a kind of fast and simple drawing, which is perfectly suited to journals, in full expansion in the modern metropolis of Shanghai in the thirties. Made with ink and brush, in a style which is both Chinese and Western, the manhua is an art midway between painting and literature, because it has a precise meaning thanks to the caption. The manhua is very often combined with the writing of “familiar” essays (xiaopinwen), literary form which is also concise and casual. The aim of this study is to show how the dynamism of the work of an artist like Feng Zikai originates from the dialogue between pictures and texts, whose several sides we analyse and which produces a third level of meaning

A. Clave est un peintre catalan contemporain. Ne en 1913, il acquiert une formation de peintre en batiment a barcelone puis se specialise dans les affiches de cinema. Engage, lors de la guerre civile, dans les services de propagande republicains, il passe la frontiere en 1939 et s'installe a paris. Ses premiers travaux sont marques par l'avant-garde des annees 30. Dans les annees 40 il se tournera vers l'intimisme de bonnard et vuillard puis evoluera de maniere personnelle. Ses derniers travaux sont empreints de lyrisme et d'abstraction. Dans les annees 60 clave est classe comme appartenant a l'ecole de paris, termes formels qui ne recouvrent aucune signification. Cependant l'article a longtemps ete au contact de ses compatriotes et a participe a de nombreuses manifestations collectives. Marque par certains themes profondement hispaniques sont art a une dimension internationale grace a la confluence france-catalogne. Les specificites de ses travaux: continuite, utilisation des materiaux, innovation en font une oeuvre personnelle et originale. Cependant l'artiste se refuse a tout discours theorique, preferant le langage de la peinture. Il elabore un langage qui lui est propre, dont la semiologie est pertinente. Reconnu tres tot en france comme en espagne, le marche de l'art lui est propice
A. Clave is a contemporary catalonian painter. Born in 1913 he starts off a house-painter in barcelone. He then specializes in cinema posters. Engaged during the civil war in the republican propagenda services he leaves the country in 1939 and establishes himself in paris. His first work is marked by the avant-guarde movement of the 30's. In the 40's his work is influence by the intimist movement. He then developed his own individual style. The last work are full of lyrism and abstaction. Continuity, use of the materials and innovation make the specificity of his work as well as its originality. However the artist refuses any kind of theory about his work, prefering the langage of the painting. He was recognized very early in france and in spain and art dealers promote his work. In the 60's clave is often classifled as a belonging to the "ecole de paris" a definition that is purely formal. The artis always kept in close touch with his fellow country-men and has participated in many collective exhibitions. Although deeply influenced by a very specific spanish culture, his art transcendes regionalism to attain an international dimension thanks to the confluence between french and spanish culture

Cette réflexion sur l'histoire. Le mythe et la condition humaine dans l'œuvre de Jünger se fixe pour objectif de reconstruire la métaphysique, de dégager les différentes strates de la maturation spirituelle et intellectuelle de cet auteur controverse. L'étude replace les interrogations de Jünger sur le sens de l’histoire. Ses explications aux phénomènes observes et enfin ses solutions dans la problématique de la modernité. La thèse analyse la période "héroïque" de Jünger il croyait agir sur l'histoire puis sa transformation progressive en médecin de la civilisation de l'âme humaine livrant alors diagnostics et thérapies. La thèse dégage enfin une hiérarchie entre l'histoire. Science de l'homme soumise au temps, et le monde métaphysique. Jünger voulant rétablir un ordre entre les hommes et les dieux, le profane et le sacré
This reflection on history, myth and the human condition in Jünger's work has as its objective to reconstruct metaphysics, to release the different strata of the spiritual and intellectual maturing of this controversial author. The study resituates Jünger's questions regarding the meaning of history, his explanations about the phenomena he served and finally his solutions regarding the problematic of m modernity. The thesis analyses Jünger's "heroic" period which he believed influenced history, the progressive transformation into a doctor of civilization and of the human soul, thus delivering diagnoses and therapy. The thesis finally brings out the hierarchy between histories. The science of man subjected to time and to the metaphysical world; Jünger wanted to re-establish order between men and gods, between things profane and sacred

Les romans utopiques de Brod, Hauptmann, Döblin, Hesse Werfel et Jünger peuvent prétendre à une place à part dans l’histoire de l’utopie : ils ne cherchent pas à véhiculer le plus efficacement possible un message politico-idéologique. Mais visent au contraire à brouiller sinon à interdire l’articulation d’un tel message par diverses stratégies narratives. Parallèlement à cet ancrage dans l’esthétique du roman moderne, tous présentent une structure cyclique qui renvoie à une conception précise de l’histoire et remet en question la notion de progrès. Cet anti-utopisme est nuancé par le dénouement qui investit le texte d’une charge mystique positive, entraînant une modification profonde de la portée de l’utopie. De telles caractéristiques situent cet ensemble dans le contexte de courants d’idées contemporains elles tendent à illustrer de façon emblématique une autodestruction de la raison dans un champ – l’utopie qui lui semblait réservé
The utopian novels written by Brod, Hauptmann, Döblin, Hesse, Werfel and Jünger share traits that give them a specific status within the history of utopia : their aim is not to voice a political or ideological message as efficiently as they can but to blur any such message or even dismiss it through various narrativ e strategies. This links them to the aesthetics of the modem novel. Furthermore. They all share a cyclical structure that relates to a specific theory of history and strongly queries the concept of progress. How such anti-utopianism is counterbalanced by the endings. Vhich invest the novels with positive, mystical bearings, thus radically modifying the compass of utopia. Such traits are characteristic of philosophical and literary trends contemporary with those novels, and tend to demonstrate a symptomatic self- destruction of reason in a field - utopia - which seemed to he its privileged sphere

Nous présentons ici nos traductions françaises des premiers écrits de Franz Jung, écrivain expressionniste : das Trottelbuch, en 1912, perçu comme le prototype de la prose expressionniste, et deux articles du même auteur : Rasputin, et die Technik des Glucks. Ces trois écrits mettent en évidence les activités littéraires et journalistiques de l'auteur. Nous traduisons également un texte du psychanalyste Otto Gross dont l'influence se retrouve dans les écrits de Jung. A travers Franz Jung, écrivain oublié, nous voulons montrer que l'expressionnisme allemand s'intègre dans le vaste mouvement de toute l'intellectualité européenne, et dans un renversement des valeurs où prend tout son sens la découverte de la psychanalyse. Ce phénomène prend en Allemagne un sens particulier. En effet, la revendication du rôle d'intellectuel restait inédite en Allemagne, sauf l'expérience fulgurante de l'Athenaeum. Ce rôle, les écrits de Jung le dévoilent comme étant politique, dans les thèmes qu'ils abordent, dans leur esthétique qui fait rupture. La littérature, avec l'expressionnisme allemand, présente des caractéristiques qui perdurent. Faute d'avoir eu jusqu'alors un rôle historique à jouer, l'écrivain n'a pas, vis-à-vis de son activité littéraire, la distance qu'implique un statut historiquement ancré et socialement reconnu : il semble ne considérer l'écrit que comme un préalable à une action toujours possible. Depuis cette prise de conscience, un des traits dominants de la littérature allemande est peut-être d'ignorer toute gratuitée. Son engagement dans la société relèverait de l'éthique
We are presenting here the first works of Franz Jung, an expressionist writer, in their French translation made by ourselves : das Trottelbuch ; which was regarded at the time of its publishing as the prototype of expressionist prose, and two articles by the same author Rasputin and die Technik des Glucks. These three writings throw a light on the author's literary and journalistic activities. We translate also one of the writings of the psychoanalyst Otto Gross, whose influence can be found in Franz Jung’s works. Through Franz Jung, a forgotten writer, we wish to show that German expressionism participates in the vast movement of whole European intellectualism and in an overthrowing of values in which the discovery of psychoanalyses finds its full meaning. This phenomenon takes a specific meaning in Germany. This claim of the German writer was still non-existent in Germany, apart from the fulgurating experience of the athenaeum. This role is recognized as a political one in Franz Jung’s works in the themes they deal with and their esthetism. The literature with expressionism presents the characteristics which will go on after. As he had played no historical role until then, the writer can't have towards his literary activity the distance implied by a status anchored in history and socially recognized. He can only regard it as a preliminary to a possible action

A partir du geste de Robert Rauschenberg, en 1953, effaçant un dessin de Willem De Kooning, s'est établi dans l'art une notion paradoxale de "supplément négatif". La pensée cesse alors d'être absolument affirmative pour agir en creux dans une réinterprétation des acquis. La défaillance ne relève pas ici du dysfonctionnement, mais de la révélation d'une technicité singulière. Peinture, vidéo, cinéma, peuvent constituer ensemble le champ de référence où s'exercent de telles méthodes, fondées sur une philosophie de la perte et de la disparition. Ce travail conduisant à défaire l'existant relève d'une déconstruction au sens défini par M. Jacques Derrida. Les appareils n'apparaissent plus ici comme des enregistreurs passifs dépendants de leur programmation industrielle, mais comme ce qui est en mesure de former une visibilité. Il se crée un état indécis des oeuvres; la thèse vise à établir que cette indécision est essentielle à la définition de l'expérience esthétique' contemporaine.

Les écrits de Walter Benjamin imposent une décision difficile au lecteur : entre une lecture qui privilège leur dimension politique et une prise au mot de la réflexion théologique qui les traverse. Cette difficulté n'est qu'approfondie par la dimension biographique, qui est encryptée -délibérément, involontairement, peu importe- dans les textes critiques de Benjamin, de telle manière que la consistance de leur sens est mise en question. Le travail présent, en analysant la fonction du style poétique, et plus précisément, l'emploi que Benjamin fait de noms et de pseudonymes, cherche à élucider le conflit entre les lectures qui s'imposent sans le résoudre. Cette analyse s'appuie sur des essais et des interventions concernant George, Proust, Dostoevski, Leskov, Kommerell, Hofmannsthal, Klages, Goethe, et Schlegel. Elle montre comment ces figures littéraires de la prose critique de Benjamin renvoient à un caractère immémorial, évoqué par Friedrich Heinle (l'ami de Benjamin), Baudelaire, et Hölderlin. Cet enchaînement de substitutions poétiques -des vies par des noms, des noms par des concepts théoriques, des concepts théoriques par des images- permet de démontrer que la cohérence de l'oeuvre de Benjamin n'a lieu que dans l'ironie
The political and ethic dimension of Benjamin's works resides in the medium of poetic language. In my dissertation, I explore this hypothesis in an analysis of the poetic, cryptic and rhetorical particularities of Benjamin's writing. Central to my analysis of style and character is the question of names and pseudonyms. The analysis uncovers underlying literary types and Benjamin's linguistic mysticism and anarchism without claiming Benjamin for any exclusive political or theological descent. .