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Dissertations / Theses on the topic 'Peinture allemande – 20e siècle – Critique et interprétation'
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Bentabed, Leïla. "Chemins et langages de la peinture allemande de 1900 à 1945 : Klee et Kandinsky." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040059.
Full textAbstract:
Klee et Kandinsky donnent à voir l’invisible dans leur art. Leur démarche créatrice repose sur le postulat de l’analogie de la genèse du monde et de l'œuvre. Dans cette double interprétation basée sur l'unicité de la vie, la pensée, l'enseignement et la peinture chez Klee et Kandinsky, la première partie est consacrée à l'étude contrastive de leurs écrits (autobiographiques, poétiques, théoriques et didactiques). Un corpus de textes fondamentaux de ces deux précurseurs de l'art abstrait dévoile une pensée métaphysique créant un lien original entre l'Occident et l'Orient. Les deux artistes parviennent ainsi à résoudre le paradoxe suprême de l'art moderne, à savoir la relation Visible/Invisible. Dans la deuxième partie, l'unité des deux œuvres peints de Klee et de Kandinsky est analysée selon notre propre méthode sémiologique : un système parallèle dynamique de lectures et de décodage des signes et archétypes kléens et kandinskiens démontrent ce passage du visible à l'invisible en tant qu'articulation esthétique spécifique de Klee et de Kandinsky. Notre méthodologie sémiologique basée sur le métissage des approches théoriques s'inscrit dans la problématique actuelle de la théorie de l’artThe artistic method of Klee and Kandinsky is based on the hypothesis that world and creative product emerge simultaneously. Founded on the unity of their life, thought, teaching, and painting, in the first part of my twofold study regarding both thes artist I am focussing on a constrastive analysis of their (autobiographical, poetical, theoretical and didactic) writings. This body of fundamental texts of these two predecessors of abstract art reveals a metaphysical thought, creating an original connection between occident and orient. Thereby, the two artists succeed in resolving the greatest paradox of modern art, namely the relationship between the visible and the invisible. The second part of my thesis is concerned with the analysis of the paintings of these two artists, using my own semiological method. A parallel, dynamic reading and decoding of Klee’s and Kandinsky's signs and archetypes demonstrates that their specific aesthetic expression is the passage from visible to invisible. My semiological method, based on a combination of a variety of theotical approaches, thereby joins the current challenges posed by modern theories of art
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Fassbender-Nierhoff, Astrid. "Enjeux et figurations du corps dans l'œuvre du poète Gottfried Benn comparée à celle des artistes Max Beckmann et George Grosz." Montpellier 3, 2009. http://www.theses.fr/2009MON30058.
Full textAbstract:
L’étude de l’oeuvre du poète Gottfried Benn (1886–1956) et des peintres Max Beckmann (1884–1950) et George Grosz (1893–1959) est exemplaire pour informer les figurations du corps au début du XXe siècle, qui ouvrent sur une comparaison fertile du texte et de l’image. En effet, nombre de questionnements de ces trois artistes sur la ‹ nature › de l’homme, de son corps, de son identité et de son rapport à la réalité se rejoignent, dans un contexte générationnel marqué par l’historisme et une modernité vécue comme « crisologique » selon le terme de Gérard Raulet. L’oeuvre de Benn, s’avère particulièrement bien saisissable dans la tension entre ces deux peintres. La comparaison des oeuvres s’effectue à partir de leurs structures profondes, c’est-à-dire de signes iconographiques ou stylistiques particuliers qui informent la démarche artistique et idéelle sous-tendant l’oeuvre. Ce travail analyse le corps dans sa rupture ‹ grotesque › par rapport aux idéaux classiques et place celui-ci en rapport avec une ouverture fantastique du réel. Il interroge le positionnement de ces artistes au sein de la modernité classique et des avant-gardes et nuance les tentatives récentes de la critique de faire de Grosz et de Benn en particulier des précurseurs du postmoderne. Il permet finalement de jeter une lumière nouvelle sur la part d’ombre que constitue toujours l’allégeance temporaire prêtée par Gottfried Benn au régime nazi, sachant que Beckmann et Grosz se sont, eux, tenus loin des sirènes du nazismeThis study on the work of the poet Gottfried Benn (1886–1956) and the artists Max Beckmann (1884–1950) and George Grosz (1893–1959) exemplary describes the view of the human body at the beginning of the 20th century and opens towards the specific mutuality of text and image. Indeed, numerous questions have been shared by these three artists on the ‹ nature › of man, his body, his identity and his relation to reality. Their generation was embedded in historicism and a “crisological” view on modernity as stated by Gerard Raulet. The work of Benn is convincingly made accessible to analysis in the stress field of these two artists. Their works are compared with each other beginning with an analysis of their profound structures, i. E. Through a comparison of the iconographic or stylistic signs which reflect the artistic and philosophical approaches that underlie each work of art. This study analyzes the human body referring to the ‹ grotesque › rupture with regard to classical ideals and localizes the human body in relationship to a fantastic conception of reality. It questions the classification of these artists within the classical modernity and avant-garde and put into perspective the more recent attempts to classify Grosz and Benn as precursors if not representatives of postmodernism. Finally, this study allows shedding new light into the allegations concerning the intellectual vicinity of Gottfried Benn with the Nazi regime, knowing that Beckmann and Grosz always absented themselves from fascism
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Touzet, Jean-Rémi. "Les deux réalités : surpeinture et sousimages dans l’œuvre de Gerhard Richter (1956-2016)." Thesis, Paris 10, 2020. http://www.theses.fr/2020PA100099.
Full textAbstract:
« L’image est la représentation et la peinture la technique qui permet de la faire éclater » (Richter 1991). Cette thèse analyse la dialectique entre peinture et images dans l’œuvre de Richter, non pas en termes de médiums mais en se concentrant sur son pouvoir de métaphorisation des rapports entre culture et nature, société et individu, architecture et corps, etc. Peu à peu, elle se focalise sur l’idée et la pratique de surpeinture [Übermalung]. Une première partie est consacrée, de la RDA à la RFA, au passage d’une représentation de la santé sociale à une « Augenklinik », exploration de la « santé moyenne » de l’artiste, de l’impureté des images, qu’elles soient hygiéniques, politiques ou artistiques, et de la vision (1956-1967). Une seconde partie est composée de deux études iconologiques d’œuvres rapprochant par superposition ou juxtaposition le corps et la vision de la structure des escaliers : Ema (Nu sur un escalier) (1966) et Kugelobjekt (1969-1970). Replaçant cette union dans la culture visuelle occidentale, notamment celle des années 1960, elle indique les recherches de Richter sur l’autonomisation de la peinture, de la vision et de l’individu de tout cadre social. Dans cette optique est ensuite présenté le corpus méconnu des photographies surpeintes (1986 ; 1989-2016). Il est analysé, à partir des dits et écrits de l’artiste, comme une métaphore d’un dépassement de l’art et de la culture au regard du contexte des années 1986-1990 : la « querelle des historiens », les catastrophes écologiques et la chute du mur de Berlin. Enfin, à partir d’interprétations iconographiques nouvelles et d’images sources inédites, c’est la surpeinture comme flux de l’histoire qui est étudiée autour de trois dates : le 14 février 1945, le 18 octobre 1977 et le 11 septembre 2011"The picture is the depiction, and the painting is the technique for shattering it" (Richter 1991). This thesis analyzes the dialectic between painting and images in Richter's work, not in terms of mediums but in its power to metaphorize the links between culture and nature, society and the individual, architecture and the body, etc. Gradually, it focuses on the idea and practice of overpainting [Übermalung]. A first part is devoted, from the GDR to the FRG, to the transition from a representation of social health to an "Augenklinik", an exploration of the artist's "average health", the impurity of images, whether hygienic, political or artistic, and of vision (1956-1967). A second part consists in two iconological studies of works that bring the body and vision closer to the structure of stairs by superimposition or juxtaposition: Ema (Nude on a Staircase) (1966) and Kugelobjekt (1969-1970). Repositioning this union in Western visual culture, particularly that of the 1960s, it points to Richter's research on the empowerment of painting, vision and the individual from any social setting. In this perspective, the little-known body of work of the overpainted photographs (1986; 1989-2016) is then presented. It is analyzed, based on the artist's words and writings, as a metaphor for the overcoming of art and culture in the context of the years 1986-1990: the "historians’s dispute", the ecological catastrophes and the fall of the Berlin Wall. Finally, based on new iconographic interpretations and unpublished source images, overpainting as a flow of history is studied around three dates: February 14, 1945, October 18, 1977, and September 11, 2011
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Laureillard-Wendland, Marie. "Feng Zikai (1898-1975), peinture et littérature, image et texte." Paris 4, 2006. http://scd-rproxy.u-strasbg.fr/login?url=https://www.harmatheque.com/ebook/9782343135861.
Full textAbstract:
L’artiste chinois Feng Zikai (1898-1975) appartient pleinement à son époque en créant une forme de dessin rapide et simple parfaitement adapté à la presse, en plein essor dans la métropole moderne qu’est la Shanghai des années trente. Réalisé à l’encre et au pinceau, mêlant caractéristiques occidentales et chinoises, le manhua est un art que Feng considère lui-même comme situé à mi-chemin entre la peinture et la littérature, car porteur d’une signification que précise la légende. Celui-ci se combine bien souvent à l’écriture d’essais « familiers » (xiaopinwen), forme littéraire également libre et concise. L’objet de cette étude est de montrer en quoi le dynamisme de l’oeuvre d’un artiste comme Feng Zikai trouve son origine dans ce dialogue entre le texte et l’image, dont plusieurs aspects sont envisagés et qui conduit à un troisième niveau de significationThe Chinese artist Feng Zikai (1898-1975) really belongs to his time by creating a kind of fast and simple drawing, which is perfectly suited to journals, in full expansion in the modern metropolis of Shanghai in the thirties. Made with ink and brush, in a style which is both Chinese and Western, the manhua is an art midway between painting and literature, because it has a precise meaning thanks to the caption. The manhua is very often combined with the writing of “familiar” essays (xiaopinwen), literary form which is also concise and casual. The aim of this study is to show how the dynamism of the work of an artist like Feng Zikai originates from the dialogue between pictures and texts, whose several sides we analyse and which produces a third level of meaning
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Xerri, Catherine. "L'oeuvre d'Antoni Clavé : peinture, idéologie et histoire." Paris 3, 1994. http://www.theses.fr/1994PA030212.
Full textAbstract:
A. Clave est un peintre catalan contemporain. Ne en 1913, il acquiert une formation de peintre en batiment a barcelone puis se specialise dans les affiches de cinema. Engage, lors de la guerre civile, dans les services de propagande republicains, il passe la frontiere en 1939 et s'installe a paris. Ses premiers travaux sont marques par l'avant-garde des annees 30. Dans les annees 40 il se tournera vers l'intimisme de bonnard et vuillard puis evoluera de maniere personnelle. Ses derniers travaux sont empreints de lyrisme et d'abstraction. Dans les annees 60 clave est classe comme appartenant a l'ecole de paris, termes formels qui ne recouvrent aucune signification. Cependant l'article a longtemps ete au contact de ses compatriotes et a participe a de nombreuses manifestations collectives. Marque par certains themes profondement hispaniques sont art a une dimension internationale grace a la confluence france-catalogne. Les specificites de ses travaux: continuite, utilisation des materiaux, innovation en font une oeuvre personnelle et originale. Cependant l'artiste se refuse a tout discours theorique, preferant le langage de la peinture. Il elabore un langage qui lui est propre, dont la semiologie est pertinente. Reconnu tres tot en france comme en espagne, le marche de l'art lui est propiceA. Clave is a contemporary catalonian painter. Born in 1913 he starts off a house-painter in barcelone. He then specializes in cinema posters. Engaged during the civil war in the republican propagenda services he leaves the country in 1939 and establishes himself in paris. His first work is marked by the avant-guarde movement of the 30's. In the 40's his work is influence by the intimist movement. He then developed his own individual style. The last work are full of lyrism and abstaction. Continuity, use of the materials and innovation make the specificity of his work as well as its originality. However the artist refuses any kind of theory about his work, prefering the langage of the painting. He was recognized very early in france and in spain and art dealers promote his work. In the 60's clave is often classifled as a belonging to the "ecole de paris" a definition that is purely formal. The artis always kept in close touch with his fellow country-men and has participated in many collective exhibitions. Although deeply influenced by a very specific spanish culture, his art transcendes regionalism to attain an international dimension thanks to the confluence between french and spanish culture
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Grazioli-Rozet, Isabelle. "Ernst Jünger : sentinelle entre mythe et histoire." Nancy 2, 1992. http://www.theses.fr/1992NAN21020.
Full textAbstract:
Cette réflexion sur l'histoire. Le mythe et la condition humaine dans l'œuvre de Jünger se fixe pour objectif de reconstruire la métaphysique, de dégager les différentes strates de la maturation spirituelle et intellectuelle de cet auteur controverse. L'étude replace les interrogations de Jünger sur le sens de l’histoire. Ses explications aux phénomènes observes et enfin ses solutions dans la problématique de la modernité. La thèse analyse la période "héroïque" de Jünger il croyait agir sur l'histoire puis sa transformation progressive en médecin de la civilisation de l'âme humaine livrant alors diagnostics et thérapies. La thèse dégage enfin une hiérarchie entre l'histoire. Science de l'homme soumise au temps, et le monde métaphysique. Jünger voulant rétablir un ordre entre les hommes et les dieux, le profane et le sacréThis reflection on history, myth and the human condition in Jünger's work has as its objective to reconstruct metaphysics, to release the different strata of the spiritual and intellectual maturing of this controversial author. The study resituates Jünger's questions regarding the meaning of history, his explanations about the phenomena he served and finally his solutions regarding the problematic of m modernity. The thesis analyses Jünger's "heroic" period which he believed influenced history, the progressive transformation into a doctor of civilization and of the human soul, thus delivering diagnoses and therapy. The thesis finally brings out the hierarchy between histories. The science of man subjected to time and to the metaphysical world; Jünger wanted to re-establish order between men and gods, between things profane and sacred
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Meyer, Daniel. "Le roman utopique de langue allemande : 1918-1949." Paris 12, 2003. https://athena.u-pec.fr/primo-explore/search?query=any,exact,990003949050204611&vid=upec.
Full textAbstract:
Les romans utopiques de Brod, Hauptmann, Döblin, Hesse Werfel et Jünger peuvent prétendre à une place à part dans l’histoire de l’utopie : ils ne cherchent pas à véhiculer le plus efficacement possible un message politico-idéologique. Mais visent au contraire à brouiller sinon à interdire l’articulation d’un tel message par diverses stratégies narratives. Parallèlement à cet ancrage dans l’esthétique du roman moderne, tous présentent une structure cyclique qui renvoie à une conception précise de l’histoire et remet en question la notion de progrès. Cet anti-utopisme est nuancé par le dénouement qui investit le texte d’une charge mystique positive, entraînant une modification profonde de la portée de l’utopie. De telles caractéristiques situent cet ensemble dans le contexte de courants d’idées contemporains elles tendent à illustrer de façon emblématique une autodestruction de la raison dans un champ – l’utopie qui lui semblait réservéThe utopian novels written by Brod, Hauptmann, Döblin, Hesse, Werfel and Jünger share traits that give them a specific status within the history of utopia : their aim is not to voice a political or ideological message as efficiently as they can but to blur any such message or even dismiss it through various narrativ e strategies. This links them to the aesthetics of the modem novel. Furthermore. They all share a cyclical structure that relates to a specific theory of history and strongly queries the concept of progress. How such anti-utopianism is counterbalanced by the endings. Vhich invest the novels with positive, mystical bearings, thus radically modifying the compass of utopia. Such traits are characteristic of philosophical and literary trends contemporary with those novels, and tend to demonstrate a symptomatic self- destruction of reason in a field - utopia - which seemed to he its privileged sphere
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Delahaye, Françoise. "Micro-lecture de l'expressionnisme : Franz Jung : contexte et textes inédits." Rennes 2, 1987. http://www.theses.fr/1987REN20003.
Full textAbstract:
Nous présentons ici nos traductions françaises des premiers écrits de Franz Jung, écrivain expressionniste : das Trottelbuch, en 1912, perçu comme le prototype de la prose expressionniste, et deux articles du même auteur : Rasputin, et die Technik des Glucks. Ces trois écrits mettent en évidence les activités littéraires et journalistiques de l'auteur. Nous traduisons également un texte du psychanalyste Otto Gross dont l'influence se retrouve dans les écrits de Jung. A travers Franz Jung, écrivain oublié, nous voulons montrer que l'expressionnisme allemand s'intègre dans le vaste mouvement de toute l'intellectualité européenne, et dans un renversement des valeurs où prend tout son sens la découverte de la psychanalyse. Ce phénomène prend en Allemagne un sens particulier. En effet, la revendication du rôle d'intellectuel restait inédite en Allemagne, sauf l'expérience fulgurante de l'Athenaeum. Ce rôle, les écrits de Jung le dévoilent comme étant politique, dans les thèmes qu'ils abordent, dans leur esthétique qui fait rupture. La littérature, avec l'expressionnisme allemand, présente des caractéristiques qui perdurent. Faute d'avoir eu jusqu'alors un rôle historique à jouer, l'écrivain n'a pas, vis-à-vis de son activité littéraire, la distance qu'implique un statut historiquement ancré et socialement reconnu : il semble ne considérer l'écrit que comme un préalable à une action toujours possible. Depuis cette prise de conscience, un des traits dominants de la littérature allemande est peut-être d'ignorer toute gratuitée. Son engagement dans la société relèverait de l'éthiqueWe are presenting here the first works of Franz Jung, an expressionist writer, in their French translation made by ourselves : das Trottelbuch ; which was regarded at the time of its publishing as the prototype of expressionist prose, and two articles by the same author Rasputin and die Technik des Glucks. These three writings throw a light on the author's literary and journalistic activities. We translate also one of the writings of the psychoanalyst Otto Gross, whose influence can be found in Franz Jung’s works. Through Franz Jung, a forgotten writer, we wish to show that German expressionism participates in the vast movement of whole European intellectualism and in an overthrowing of values in which the discovery of psychoanalyses finds its full meaning. This phenomenon takes a specific meaning in Germany. This claim of the German writer was still non-existent in Germany, apart from the fulgurating experience of the athenaeum. This role is recognized as a political one in Franz Jung’s works in the themes they deal with and their esthetism. The literature with expressionism presents the characteristics which will go on after. As he had played no historical role until then, the writer can't have towards his literary activity the distance implied by a status anchored in history and socially recognized. He can only regard it as a preliminary to a possible action
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Nardin, Patrick. "Effacer, déconstruire, défaire : pratiques de la défaillance en peinture, vidéo, cinéma." Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010575.
Full textAbstract:
A partir du geste de Robert Rauschenberg, en 1953, effaçant un dessin de Willem De Kooning, s'est établi dans l'art une notion paradoxale de "supplément négatif". La pensée cesse alors d'être absolument affirmative pour agir en creux dans une réinterprétation des acquis. La défaillance ne relève pas ici du dysfonctionnement, mais de la révélation d'une technicité singulière. Peinture, vidéo, cinéma, peuvent constituer ensemble le champ de référence où s'exercent de telles méthodes, fondées sur une philosophie de la perte et de la disparition. Ce travail conduisant à défaire l'existant relève d'une déconstruction au sens défini par M. Jacques Derrida. Les appareils n'apparaissent plus ici comme des enregistreurs passifs dépendants de leur programmation industrielle, mais comme ce qui est en mesure de former une visibilité. Il se crée un état indécis des oeuvres; la thèse vise à établir que cette indécision est essentielle à la définition de l'expérience esthétique' contemporaine.
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Picker, Marion. "Le Caractère conservateur, Walter Benjamin et la politique des poètes." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2003. http://www.theses.fr/2003STR20009.
Full textAbstract:
Les écrits de Walter Benjamin imposent une décision difficile au lecteur : entre une lecture qui privilège leur dimension politique et une prise au mot de la réflexion théologique qui les traverse. Cette difficulté n'est qu'approfondie par la dimension biographique, qui est encryptée -délibérément, involontairement, peu importe- dans les textes critiques de Benjamin, de telle manière que la consistance de leur sens est mise en question. Le travail présent, en analysant la fonction du style poétique, et plus précisément, l'emploi que Benjamin fait de noms et de pseudonymes, cherche à élucider le conflit entre les lectures qui s'imposent sans le résoudre. Cette analyse s'appuie sur des essais et des interventions concernant George, Proust, Dostoevski, Leskov, Kommerell, Hofmannsthal, Klages, Goethe, et Schlegel. Elle montre comment ces figures littéraires de la prose critique de Benjamin renvoient à un caractère immémorial, évoqué par Friedrich Heinle (l'ami de Benjamin), Baudelaire, et Hölderlin. Cet enchaînement de substitutions poétiques -des vies par des noms, des noms par des concepts théoriques, des concepts théoriques par des images- permet de démontrer que la cohérence de l'oeuvre de Benjamin n'a lieu que dans l'ironieThe political and ethic dimension of Benjamin's works resides in the medium of poetic language. In my dissertation, I explore this hypothesis in an analysis of the poetic, cryptic and rhetorical particularities of Benjamin's writing. Central to my analysis of style and character is the question of names and pseudonyms. The analysis uncovers underlying literary types and Benjamin's linguistic mysticism and anarchism without claiming Benjamin for any exclusive political or theological descent. .
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Floret, Gilles. "La nausée dans la poésie est-allemande entre 1980 et 1989 : deux figures exemplaires : Hans-Eckardt Wenzel et Steffen Mensching." Nancy 2, 1993. http://www.theses.fr/1993NAN21022.
Full textAbstract:
Il s'agit d'une thèse pluridisciplinaire qui recouvre à la fois la littérature, la civilisation, la psychologie et la pathologie d'une société en décomposition (celle de la RDA entre 1980 et 1989). Le point de départ reste cependant l'étude de textes poétiques. À partir de ce corpus, la recherche s'oriente vers une quête de l'esthétique de la douleur, s'accompagnant d'un sentiment de rejet psychique et somatique. Cette quête initiatique passe par une recherche des origines lointaines de la nausée puis par une typologie du phénomène, pour déboucher sur une crise d'identité qui se reflète également dans la société tout entière. Cette recherche du mal existentiel individuel et collectif est suivie d'une quinzaine de poèmes de Hans-Eckardt Wenzel traduits par l'auteur de la thèseThis interdisciplinary thesis covers at the same time the literature, the civilization, the psychology and the pathology of a decaying society, namely that of East-Germany between 1980 and 1989. However the starting point remains the study of poetic texts. This body of work permits research to be focused upon the quest for the aesthetics of pain, in association with a feeling of psychic and somatic rejection. This original quest involves an investigation firstly into the remote origins of nausea, and then into a typology of this phenomenon and leads finally to an identity crisis which is also mirrored in society as a whole. This study of existential agony, that is at once individual and collective, is followed by about fifteen of Hans-Eckardt Wenzel's poems translated by the author of this thesis
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Gerrer, Marie-Geneviève. "Le thème de l'autorité chez un écrivain saxon de R. D. A. : Erich Loest ou l'homme sans situation." Nancy 2, 1995. http://www.theses.fr/1995NAN21022.
Full textAbstract:
Si l'on considère l'histoire de la littérature est-allemande comme celle d'une émancipation, Erich Loest, écrivain ne en 1926 en Saxe, en est l'illustration. Les deux dictatures sous lesquelles il a vécu et dont il a souffert ont profondément marqué cet auteur dont toute l'œuvre est dominée par le thème du pouvoir. Après avoir mis ses talents littéraires au service du nouvel état communiste qu'est la RDA, il s'est peu à peu dégagé de cette tutelle pour s'opposer finalement ouvertement à un pouvoir oppressif. Il est intéressant de constater que la qualité littéraire de ses œuvres grandit au fur et à mesure qu'il prend ses distances par rapport au pouvoir. Alors qu'il avait passé de 1957 à 1964 plusieurs années dans les prisons de l'état, il dut en 1981 prendre le chemin de l'exil, perdant ainsi les deux axes essentiels à sa vie d'écrivain, la Saxe et ses lecteurs. Sa quête d'indépendance entraine un perpétuel déséquilibre : l'histoire de l'écrivain saxon Erich Loest, comme celle de bon nombre d'intellectuels d'Allemagne de l'est, apparait comme celle d'un homme sans situationIf we consider the history of east-German literature as one of emancipation, Erich Loest, a writer born in 1926 in Saxony, is a perfect illustration of it. Both dictatorships under which he lived and from which he suffered, have deeply affected this writer whose work is wholly dominated by the theme of power. After putting his literary talents to the service of the new communist state of the GDR, he gradually slipped away from that supervision to eventually oppose himself openly to an oppressive power. It is interesting to notice that the literary qualities of his works increases as he distances himself from the power. Whereas he had spent several years in the prisons of the state from 1957 to 1964, in 1981 he had to go into exile, losing thus the two essential axes of his life as a writer, Saxony and his readers. His quest for independence leads to an endless imbalance: the story of the Saxon writer Erich Loest, as well as that of a good many intellectuals from east Germany, appears as that of a man without status
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Gérard, Delphine. "Les configurations triadiques de personnages dans l'oeuvre de Thomas Mann." Lyon 3, 1997. http://www.theses.fr/1997LYO31009.
Full textAbstract:
Les configurations triadiques de personnages apparaissent comme un element constitutif de l'oeuvre narrative de thomas mann, comme une cle de lecture permettant de preciser les mecanismes de progression du recit et de cerner la pensee mannienne dans ses ressorts psychologiques les plus subtils. Denominateur commun a des thematiques aussi diverses que l'adultere, l'antagonisme art/bourgeoisie, l'homosexualite et l'inceste, les configurations triadiques de personnages revelent l'existence d'interrelations fecondes entre la realite vecue par thomas mann et sa transcription litteraire. Point de rencontre privilegie entre le vecu et la fiction mais aussi entre le conscient et l'inconscient, "sismographe" de chocs affectifs parfois traumatisants, la structure triadique reflete avec fidelite la complexite emotionnelle d'un ecrivain qui, au gre d'une ardente recherche spirituelle, s'efforca de pallier la profonde dualite de son existence. Multiples et chatoyantes, les configurations triadiques de personnages apparaissent comme le lieu par excellence d'un desir de synthese qui se solde par un echec avant d'aboutir, dans la tetralogie de joseph et ses freres, a l'esperance d'une humanite pleinement realisee, symbole de l'androgynie et de la "coincidentia oppositorum". Toutefois, la ternarite apparait, en derniere instance, comme le miroir d'une ambivalence fondamentale chez thomas mann, la resolution des contradictions etant en realite une victoire evanescente, appelee a etre sans cesse reconquise et soumise au risque d'etre sans cesse reperdueTriadic configurations of characters turn out to be a constitutive element of thomas mann's narrative work, a key enabling the reader to clarify the ways in which the narrative proceeds and to understand thomas mann's thought in its most subtle psychological motivating forces. Common denominator to various themes such as adultery, the art/middle class antagonism, homosexuality and incest, the triadic configurations of characters reveal the existence of fecund interrelationships between reality as experienced by thomas mann and its literary transcription. Privileged place where life and fiction, but also consciousness and unconsciousness, meet, "seismograph" of sometimes traumatic affective shocks, the triadic structure faithfully reflects the emotional complexity of a writer who, as he followed an ardent spiritual quest, endeavoured to compensate for the profound duality of his existence. The numerous, sparkling triadic configurations of characters prove to be the pre-eminent place where a desire for synthesis operates. It ends in a failure before resulting, in the joseph and his brothers tetralogy, in the hope for a fully realized humanity, a symbol of androgyny and of "coincidentia oppositorum". Yet, ternarity finally appears as the reflection of a fundamental ambivalence in thomas mann, the resolution of contradictions being actually a fading victory, bound to be conquered again and again and liable to be lost again and again
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Lachana, Evanghélia. "Edvard Munch : le peintre face au théâtre." Paris 3, 1997. http://www.theses.fr/1997PA030125.
Full textAbstract:
Considere comme un peintre "litteraire" par la critique de son epoque, edvard munch s'est vu souvent compare a ibsen, strindberg et maeterlinck. Cette etude se propose d'eclaircir certains aspects de la realite figurative de la fin du xixeme et du debut du xxeme siecles en ayant comme reperes l'oeuvre d'edvard munch et les rapports que celle-ci a devellopes avec les pratiques sceniques de son epoque. Pour cela nous avons retenu trois axes de recherche. Tout d'abord, afin de mettre en relief la rencontre de l'imaginaire figuratif du peintre avec l'ecriture d'ibsen, nous avons analyse les projets sceniques que munch avait realises pour les spectacles revenants et hedda gabler, crees par le kammerspielehaus de max reinhardt. Avec la meme volonte, nous avons egalement etudie des esquisses que munch a creees d'apres des drames ibseniens (notamment d'apres peer gynt, john-gabriel borkman. Quand nous nous reveillerons d'entre les morts, les pretendants a la couronne), mais qui n'etaient pas destinees a la creation de spectacles. Enfin, nous avons propose une lecture scenographique de certaines de ses peintures, dans le souci de mettre en parallele les processus adoptes par munch pour l'expression plastique du concept du theatrum mentis avec des solutions que certains hommes de theatre de la meme epoque avaient privilegiees afin de figurer l'intrasubjectivite. (notamment avec les options du theatre du reve de strindberg et certaines pratiques de la scene expressionniste allemande). Par ailleurs, nous avons annexe a cette etude une presentation de certains drames d'oskar kokoschka, ainsi que des compositions sceniques de wassily kandinsky, qui mettent en perspective la position de munch face au theatre de son epoque et temoignent du parti pris de certains plasticiens pour la substitution d'un theatre visuel au theatre du
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Peyré, Yves. "Généalogie des modernités : poésie et peinture, de la différence au même." Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010510.
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La poésie s'éprouve sur le mode de la complétude. La totalité du réel serait-elle son objet, elle ne dépasse pas' l'horizon des mots. Inquiète de ne pas être, elle se ressource à son ipséité, elle s'affermit dans l'écart. La peinture est une tout autre manière qui n'abandonne pas davantage l'espoir d'une autonomie. Le réel est également son point de départ, mais elle s'en tient à la présence des formes. Incertaine de son fondement, elle creuse par la pratique sa propre identité. Elle se maintient, indemne, sur son écart. À l'une appartient le lisible, à l'autre le visible. Toutefois, à l'encontre de ce premier constat, il leur vient le désir de se rencontrer. Avec passion elles se portent l'une vers l'autre et le dialogue naît. Tel est l'un des traits dominants des modernités, même si son attente utopique a, depuis longtemps, hanté les consciences créatrices. Ce sont les figures éponymes de Mallarmé et de Manet qui consacrent ces deux formes de l'expression dans leur intensité intrinsèque comme ils les enrichissent d'un regard tourné vers leur plus expresse différence. De fait, il convient de se posséder pleinement soi-même pour pouvoir s'offrir en partage. Dans l'égalité absolue de l'échange. Quitte même (comme Dada sait le suggérer) à parfois franchir les lois du vis-à-vis ou de l'entrelacs pour une osmose plus catégorique, abolissant les frontières admises et revendiquant la confusion. Ce défi ne cesse d'être porté par les diverses novations qui traversent le xx· siècle, d'Apollinaire et Duchamp à Du Bouchet et Broodthaers. Poésie et peinture entendues au sens métaphorique (soit l'écriture et le fait plastique) sont parfaitement antagoniques et néanmoins s'aimantent sans fin dans l'espace du livre comme en dehors, inventant les modalités les plus diverses d'un attrait qui est l'une des spécificités du fait moderne
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Sáez, Lacave Pilar. "José Maria Sert y Badia (1874-1945), peintre catalan entre tradition et modernité." Clermont-Ferrand 2, 2007. http://www.theses.fr/2007CLF20027.
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José Maria Sert, peintre catalan, issu de la bourgeoisie industrielle de la Barcelone de fin de siècle. De formation artisanale, il considère les décorations murales comme la plus haute représentation artistique picturale, bien au-delà de la peinture de chevalet. Dans la tradition des grands maîtres italiens du passé, dont il s'inspire, il est le peintre décorateur le plus important de son temps. Installé à Paris depuis 1899, il décora les salons de la haute société de son époque. Mais sa production la plus importante demeure pourtant une commande publique, non seulement laïque, mais surtout religieuse, dont l'oeuvre majeure est la décoration murale de la cathédrale de Vich. Bien qu'il ne fut pas lié avec l'Avant-Garde de première file, ses relations appartiennent toujours aux milieux les plus distingués de la culture européenne : Proust, Gide, Colette, Valéry, Diaghilev, Cocteau, Stravinsky, Dali, ou même Picasso. De la main de sa première femme, Misia Sert, il s'introduit dans les salons les plus distingués de la Belle Epoque, et sa propriété d'été, le Mas Juny, fut l'un des lieux de rendez-vous obligé des années trente. Sert établit avec la plupart d'entre eux une correspondance plus ou moins constante et entama dans certains cas des collaborations artistiques de différente importance. Bon nombre de ces projets virent le jour -il fut d'ailleurs le premier artiste non russe à collaborer avec les Ballets russes, en trois occasions -et bien d'autres ne purent se matérialiser- Claudel, Gide,Valéry et même le musicien Manuel de Falla partagèrent des projets avec l'artiste catalan. Aussi bien les uns comme les autres, tout comme sa correspondance, illustrent parfaitement les relations qui lient tous ces intellectuels et leurs échanges culturels. Ils peuvent nous permettre de situer Sert dans un contexte qui l'a tant vénéré. Etude critique de son oeuvre, de sa carrière, ainsi que de sa réception critique
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Roy, André. "LE «DRAME HUMAIN» CHEZ POLLOCK ET ROTHKO Authenticité, subjectivité et quête existentielle dans la peinture abstraite américaine du milieu du 20e siècle." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27846/27846.pdf.
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Teinturier, Frédéric. "Heinrich Mann et la nouvelle : pratiques d’un genre entre roman et théâtre." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040129.
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Les nouvelles d’heinrich mann sont un ensemble hétérogène, qui résiste à l’analyse. La catégorie générique est la clé qui en ouvre l’accès : une fois que la filiation de ces textes au sein du genre de la nouvelle allemande est déterminée, la cohérence de ce corpus est évidente ; l’opposition entre les deux formes de la novelle et de la kurzgeschichte permet de distinguer des phases successives précises dans l’ensemble des nouvelles, alors même que les analyses thématiques et stylistiques semblaient conclure au plus grand arbitraire. Heinrich mann connaît parfaitement la forme narrative brève et porte un grand intérêt aux aspects structurels de ses nouvelles. Son attitude vis-à-vis du genre narratif bref dévoile en fait toute l’originalité de sa conception de la littérature en général. L’étude de la place des récits dans l’ensemble de son œuvre met en évidence que, contrairement aux apparences, la nouvelle en est le centre. La manière dont heinrich mann utilise la nouvelle montre qu’il refuse toute sorte de cloisonnement générique. Non seulement les nouvelles sont l’expression la plus aboutie de son esthétique narrative, mais la nouvelle se situe également au croisement de toutes les formes textuelles, tant narratives, que dramatiques et non fictionnellesHeinrich mann's short stories are a body of miscellaneous works which resists interpretation. The key to analysis is the category of genre : once these works are classed according to their relation to the genre of german short stories, their overall coherence becomes clear ; by distinguishing between the two opposed forms of the novelle and the kurzgeschichte, it is possible to define distinct, successive phases in that body of works, although in thematic or stylistic analyses, a feeling of complete arbitrary predominates. Heinrich mann displays a thorough knowledge of the brief narrative, and pays close attention to the structural aspects of his short stories. His attitude towards the genre of brief narrative reveals the profound originality of his conception of literature. A study of the importance of these stories within his work highlights the fact that, appearances notwithstanding, the short story occupies a central position. Heinrich mann's work on this form clearly shows that he refuses all kinds of generic pigeonholing. Not only does it embody his narrative esthetics in the most consumate way, it is also a cross-roads for every textual form, whether narrative, dramatic, or non fictional
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Thiériot, Gérard. "Franz Xaver Kroetz et le Volksstück." Paris 10, 1986. http://www.theses.fr/1986PA100013.
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Grando, Bezerra Angela Maria. "Cicero Dias : figuration imaginative et abstraction construite [1928-1958]." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010508.
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Ce travail se propose de mener une interprétation minutieuse de l'oeuvre du peintre brésilien Cicero Dias [1907-] pour la période qui va des années 20 aux années 50. Le peintre a traversé le siècle et sa longue carrière qui débute à Rio de Janeiro s'est déroulée entre le Brésil et la France. Son départ précipité du pays en 19371 sous le régime de la dictature Vargas, pour un séjour à Paris qui dure depuis cette date, fait qu'il laisse derrière lui une quantité importante de ses oeuvres et un discours partial de la critique qui célèbre sans modération son côté régional. Nous chercherons tout d'abord à reconsidérer l'expérience formelle de son langage figuratif pour ensuite mettre en lumière le passage de la figuration à l'abstraction sous l'angle de l'analyse de l'oeuvre et des faits généraux auxquels elle renvoie. Puis, nous interpréterons les changements formels de l'abstraction construite chez Dias en esquissant les rapports qui se sont établis entre lui et la scène artistique française et entre son oeuvre et le monde de l'art brésilien. Si, au Brésil, l'aura de mystère qui entoure le déroulement de sa carrière a progressivement remplacé tout regard analytique, l'oeuvre est, en revanche, presque inconnu en France aujourd'hui. Il importait donc d'interpréter et de remettre en question l'oeuvre, tout en essayant parallèlement de replacer l'artiste dans l'histoire de l'art brésilien.
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Xing, Xiaozhou. "Balthus et l'extrême-Orient." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010598.
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Rühle, Sabine. "Les interrogations existentielles dans l'oeuvre de Gert Hofmann." Toulouse 2, 2000. http://www.theses.fr/2000TOU20080.
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Gert hofmann s'interroge sur les fondements de l'existence humaine : la perception du monde et de la realite, le langage. L'auteur montre les defaillances de ces categories en soulignant leur caractere a la fois, trop universel, et trop subjectif. Hofmann illustre les paradoxes de l'existence humaine : l'homme, mortel, tente d'echapper a la mort par l'illusion ; la bestialite de la nature humainemalgre les acquis de la civilisation. Les rapport avec autrui sont domines par un rapport de force, engendre par la demande et le refus de la reconnaissance de l'autre. Autrui devient un objet de regard deshumanise et interchangeable. L'experience personnelle de hofmann, a l'origine de ses interrogations existentielles, se traduit par des themes recurrents : la reconnaissance, le conflit pere-fils. L'ecriture est pour l'auteur une possibilite de fondement de l'existence. La mise en scene grotesque met en evidence la crise existentielle et souligne le caractere tragique et absurde de l'existence humaine. Par l'ironie, l'auteur met en question les categories litteraires et incite a une reflexion philosophique. L'originalite de l'uvre de hofmann se traduit par l'experimentation dans les domaines de la perspective narrative, et par la creation d'un nouveau type de narrateur. Hofmann concilie les themes litteraires classiques avec une demarche stylistique contemporaine. Dans le domaine du roman, hofmann s'inscrit dans la tradition de la litterature moderne, mais en se distinguant par la multitude des themes ; dans le domaine de la prose courte, il parvient a renouveler le genre de la nouvelle.
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Maisonnier-Lochard, Anne. "Alberto Magnelli : catalogue raisonné de l'oeuvre sur papier (1910-1935)." Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010546.
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Alberto Magnelli, le peintre qui "pense en dessin", s'est depuis toujours adonné à cette discipline. Près de six mille oeuvres sur papier sont conservées : études, élevèes parfois au statut de modèles, et dessins autonomes. Chaque tableau, aimait-il a dire, est précédé d'un ou de plusieurs dessins. Ainsi le cheminement de sa pensée se saisit au fil des feuilles, grâce à ces témoins essentiels dela genèse de l'oeuvre (1907-1971). Nombre de ces images n'etant pas datées, la chronologie des peintures sert de repère à leur classement. Le rapprochement de pièces appartenant à des genres différents complète la démarche qui s'attache à replacer, en une vision globale et critique, les dessins dans l'ensemble de l'oeuvre. Ce vaste corpus est décrit dans la diversité de sa nature et de ses contenus. Son observation révèle la richesse des thèmes graphiques et le renouvellement de l'inspiration, elle éclaire les ruptures chronologiques ainsi que le principe de filiation et son corollaire, la récurrence des formes. Le milieu, la formation originale du peintre, où se mêlent leçons des fresquistes du quattrocento et influences de ses contemporains, introduisent à une oeuvre audacieuse par sa langue et étonnante d'autorité. Dans le présent travail et dans un premier temps, l'étude et le catalogue de l'oeuvre dessiné, présentes suivant les séquences temporelles propres au déroulement de la carrière, mènent, de 1910 à 1935, de la première figuration aux marges de la seconde abstraction. Exercices attentifs, préparation à la peinture, tentatives ébauchées ou compositions eéaborées, les dessins manifestent dans la lucidité de leur trace la même perfection que le reste de l'oeuvre. Ils apportent ainsi un témoignage de grand prix à la fois sur le dialogue incessant entre l'artiste et son oeuvre, entre dessin et peinture, qui nourrit le jaillissement de l'invention, mais aussi sur la maîtrise souveraine et la liberté du peintre.
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Pouget, Grenier Martine. "Le muralisme de Fernand Léger." Paris 1, 1987. http://www.theses.fr/1987PA010509.
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Reconnu comme un des grands créateurs contemporains, le peintre Fernand Léger (1881-1955) s'est passionné pour l'art mural. Apres avoir définir la notion de muralisme, nous avons cherché à montrer l'originalité du "muralisme de Fernand Léger" à la fois dans son œuvre et dans son temps. Nous avons étudié d'abord son cheminement du tableau de chevalet vers le mur, en indiquant les étapes de son évolution jusqu'à la guerre de 1914 (Léger et l'impressionnisme, et Cézanne, et le cubisme) puis l'influence que cette épreuve a eu sur son art (socialité, beauté de la machine - valeur spatiale). Enfin ses expériences extra-picturales (Léger et les arts du spectacle, ballet, cinéma. . . ) Pour aboutir dans les années 25-30 au mur nu (exposition de 1925), et a sa confrontation aux avant gardes contemporaines (de Stijl, Bauhaus et purisme), ainsi qu'à la question de l'abstraction. Puis passant de la théorie à la pratique nous avons considéré ses grandes réalisations. Celles des années 30 dominées par le problème de l'art et des masses, dont les solutions trouvées par différentes nations (usa, Mexique, Italie, Allemagne, Urss. . . ) Sont illustrées par des exemples précis - face à elles, F. Léger garde son indépendance. Alors nait en France un véritable mouvement avec les expositions de 35, le salon et l'exposition de 37, auxquels Léger participe. Enfin, après la guerre, le muralisme de Léger trouve son épanouissement grâce aux commandes religieuses et laïques.
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Moscatiello, Manuela. "Le japonisme de Giuseppe de Nittis, peintre italien en France à la fin du XIXe siècle." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040284.
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Pour illustrer l’intérêt que l’art japonais suscita auprès des artistes occidentaux de la deuxième moitié du XIXe siècle, le cas de Giuseppe De Nittis (1846-1884), peintre italien venu s’installer à Paris en 1868, est exemplaire. Devenu un artiste à succès en l’espace d’une décennie, De Nittis fit son entrée dans les milieux artistiques et intellectuels. Son salon devint un des endroits les plus célèbres de la ville. Parmi ses convives, on comptait les amateurs les plus passionnés et les principaux collectionneurs d’art japonais de l’époque. L’artiste italien constitua une collection très raffinée d’art d’Extrême-Orient comprenant des oeuvres remarquables comme un kakemono de Watanabe Seitei (1851-1918), artiste japonais arrivé en France lors de l’Exposition universelle de 1878. Pendant son séjour à Paris, Seitei fit des démonstrations de peinture japonaise qui laissèrent un souvenir vivant chez tous ceux qui eurent, comme De Nittis, la chance d’y assister. Les précieux renseignements rapportés dans l’inventaire après décès du peintre, d’autres informations récupérées dans des notes inédites rédigées par lui, et également les témoignages littéraires, nous ont permis de reconstituer le cadre japonisant où De Nittis avait vécu et de remonter aux objets artistiques orientaux dont il aimait s’entourer et d’où il puisa souvent son inspirationThe artistic experience of Giuseppe De Nittis (1846-1884), an Italian painter working in Paris from 1868, represents an important art history case for studies devoted to nineteenth-century European interest in Japanese art. Around 1878, ten years after his arrival in Paris, De Nittis was already a publicly recognized artist, integrated in the avant-garde artistic and literary circles. His salon became one of the most famous places of the city. Among his guests, one could find the most passionate amateurs and collectors of Japanese art. The Italian artist assembled a very fine Japanese art collection which included high quality works of art such as a kakemono by Watanabe Seitei (1851-1918), a Japanese artist arrived in Paris in 1878 during the Exposition Universelle. While he was in Paris, Seitei made some demonstrations of Japanese painting witch left a lively memory in all who, like De Nittis, were fortunate enough to observe them. Analysis of the posthumous inventory of the painter’s possessions, of some unpublished notes written by him, and the study of various literary sources, have helped us to reconstitute the Japonisant environment in which he lived. They also allowed us to reconstruct his Oriental collection and all the objects he loved to surround himself with and from which he took frequently his inspiration
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Astier-Vezon, Sophie. "Sartre et la peinture : pour une définition de l'"analogon" pictural." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010525.
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Quelle place occupe la peinture dans la vie et la philosophie de Sartre? A-t-il jamais rencontré des peintres qui puissent corroborer ses thèses? Existe-t-il seulement une esthétique constituée chez ce philosophe qui semblait préférer les mots aux images? Il semblerait plus juste, dans un premier temps, de parler d'une Esthétique « par la négative », dans la mesure où les textes de Sartre à propos de la peinture sont rares, fragmentaires voire inédits; qui plus est, son rejet de la peinture officielle et des musées semble dominer tout autant ses œuvres littéraires que philosophiques; et quand il s'agira de définir la peinture, elle sera reléguée au rang d'« art non-signifiant» au même titre que la sculpture, la poésie ou la musique, dans cette œuvre liminaire que représente en 1947 Qu'est-ce que la Littérature ? : ces arts ne sont pas engagés« de la même manière» que la littérature. N'est-ce pas alors l'ambivalence de la notion d'analogon, mais aussi celle d'engagement, qui constitue la clé de cette esthétique picturale? S'il en est une, elle s'affirme en effet surtout à partir de 1947 comme «Esthétique de la Présence », puisque la matière analogique va progressivement devenir la première préoccupation sartrienne, comme une compression du signifié dans le signifiant. Sartre rejette alors l'immobilisme pictural pour lui préférer le matiérisme d'un Tintoret, qui peint en sculpteur et devient le réalisateur de ses toiles, dans tous les sens du terme, annonçant tous les autres peintres « existentialistes ». C'est pourquoi Sartre semble avoir trouvé dans la peinture non seulement un moyen de totaliser le réel, mais aussi, par voie de conséquence, sa propre pensée, via une redéfinition plus« matiériste » de l'analogon pictural, annonçant, à bien des égards, l'Esthétique Merleau-pontienne.
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Chae-Duporge, Okyang. "L'espace non-agi dans l'oeuvre de Lee Ufan." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040070.
Full textAbstract:
Cette thèse constitue une monographie sur Lee Ufan (artiste coréen né en 1936) dans laquelle nous mettons l'accent sur la présence de la partie non-peinte et non-faite dans son travail, que nous appelons " l'espace non-agi ". Cette expression insiste sur l'intervention minimum de l'artiste et englobe autant l'espace pictural que l'espace sculptural. Sous cet angle, nous proposons un aperçu de l'évolution de l'œuvre de Lee Ufan, consacrant une partie importante à sa période Mono-ha -mouvement japonais (1968-1973?) dont il a été à la fois le théoricien et l'artiste majeur- pendant laquelle l'idée de non-agir apparaît dans son travail. A travers l'examen de l'espace non-agi dans la peinture du XXe siècle, nous cherchons également à situer dans un contexte historique plus général la démarche de Lee Ufan qui finit par dialoguer avec l'extérieurThis thesis is a monograph on Lee Ufan (a Korean artist born in 1936) in which we focus on the presence of the unpainted, undone part in his work, which we term ‘untouched space'. This expression emphasises the artist's minimal intervention and encompasses pictorial space as well as sculptural space. From this standpoint, we propose an overview of the development of Lee Ufan's work, devoting a substantial section to his Mono-ha period – Mono-ha being a Japanese movement (1968-1973?) of which he was both the theorist and a leading artist – during which the idea of non-action first appeared in his work. In a review of untouched space in 20th century painting, we also attempt to place Lee Ufan's approach within a broader historical context, as it eventually enters into a dialogue with the outside world
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Le, Tiec Patrick. "Mathurin Méheut (1882-1958), peintre de la vie." Rennes 2, 1991. http://www.theses.fr/1991REN20016.
Full textAbstract:
Mathurin Méheut débute sa carrière en illustrant des articles pour des revues et acquiert une renommée nationale en exposant en 1913, ses cinq expositions seront toutes remarquées par le grand public. Dans ses oeuvres, il valorise la spontanéité des animaux, la beauté de la flore et surtout les métiers et les traditions de sa province natale, la Bretagne qui constitue son sujet favori. Il peindra aussi les paysans du midi, des landes et des scènes nippones et grecques. Meheut est aussi décorateur. Il a collabore a la manufacture nationale de Sèvres et à la faïencerie Henriot de Quimper; ses faïences représentent le plus souvent des animaux marins et des scènes bretonnes. Meheut a participé à la décoration de plusieurs paquebots. Enfin, son oeuvre est aujourd'hui connue grâce à ses 40 livres illustres sur la mer, la faune et les métiersMathurin Méheut begins his career to illustrate articles in magazines and acquires national famous to exhibit in 1913, his five exhibitions will all notice by the general public. In his paintings, he sets off the animal's spontaneity, the beauty of the flora and above all artisans and traditions of his native country, Brittany which is his favourite subject. He paint too countrymen of south and south-west of France, Japan and Greece. Meheut is also decorator. He's collaborated with the national factory of Sevres and Henriot factory of Quimper; his crockerys often picture sea fauna and Brittany life. He's also taken a part in decoration of several steamers lines. At least, his arts works is known by his 40 illustrated books about the sea, the fauna and the craftsmen
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Sury-Bonnici, Claude-Jeanne. "René Seyssaud, 1867-1952, peintre moderne." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2000PA040157.
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Artiste peintre, natif de Marseille, vauclusien d'origine, attaché à des racines terriennes, installé à deux pas de l’Estaque et de Martigues, c'est en Provence qu'il trouve ses sources d'inspiration. Sans fortune sans tradition familiale dans les beaux-arts, nourri d'une culture provençale spontanée, proche du félibrige, d'une sensibilité libertaire socialisante, l'artiste qui cultive sa solitude loin de Paris n'est solitaire que dans l'exercice de son art. Il porte en lui un héritage, celui de personnalités bien affirmées, celles de Daumier, de Loubon, de Guigou, de Monticelli. Artiste né en 1867, il appartient à la génération de transition, qui après avoir tourné le dos au naturalisme, a le souci de se libérer de l'obsession impressionniste et est animée par le désir de modernité. Grâce aux nabis et à Gauguin, il pose la question artistique sur des bases nouvelles en combinant lignes et couleurs. Il découvre dans l'estampe japonaise, la liberté nouvelle du dessin qui de courbes et d'arabesques fait de la ligne une force vivante. Franc-tireur du fauvisme, il s'empare avec jubilation de la couleur ramenée à sa pureté, solidaire de la lumière. Peintre indépendant, d'une personnalité bien affirmée, d'un tempérament avant tout sensible, son art est tout entier porte par la sensation et l'élan instinctif. A la suite de Monticelli et parallèlement à Van Gogh, il livre dans un geste expressionniste et dans l'alchimie des pates colorées, son angoisse comme sa jouissance, dans l'ivresse païenne d'un panthéisme solaire. Dans un souci d'équilibre, il entend la leçon de Cézanne. Dans les paysages du midi et les scènes de la vie des champs, son respect de la profondeur et de la surface, de la structure de l'objet et de la forme, de l'établissement des volumes, tempère le lyrisme de son expression et fait de son art, un art de synthèse.
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Encrevé, Lucile. "Brice Marden, opacité et transparence." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040159.
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L'œuvre de l'artiste abstrait américain Brice Marden, né en 1938, est constitué de deux parties distinctes en apparence: des peintures à panneaux monochromes et des tableaux parcourus de lignes, qu'annonçaient, plus tôt dans sa carrière, des œuvres sur papier. Il est en réalité très cohérent, soumis à l'opacité comme à la transparence. Si cette dernière est une tentation, l'opacité triomphe toujours. Deux gestes de l'artiste sont essentiels à cet égard: le recouvrement et l'effacement. Ses œuvres, dont les titres font référence au réel ou à l'histoire de l'art dans son ensemble mais dont les sujets sont d'abord la mort, la mélancolie, la mémoire et la présence, interrogent les possibilités de la peinture abstraite et affirment sa vitalitéThe work of the American abstract artist Brice Marden, born in 1938, is made up of two parts outwardly distinct: paintings with monochromatic panels and pictures with a network of lines, which earlier works on paper announced. It is actually very coherent, subjected to opacity and to transparency alike. If the latter is a temptation, the opacity is always triumphant. Two actions of the artist are essential in connection with that: recovering and erasing. His works, whose titles refer to reality or to the whole art history but whose real subjects are death, melancholy, memory and presence, question the possibilities of abstract painting and declare its vitality
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Harrer, Konrad. "Souveraineté et impuissance dans l'oeuvre de Robert Walser." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040134.
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Cette thèse s'intéresse aux techniques employées par l'écrivain suisse Robert Walser (1878-1956) et par ses protagonistes pour arriver à ce qu'on peut appeler leur "souveraineté". Il s'agit là d'un mode d'existence qui privilégie rôles et masques pour échapper aux contraintes imposées par la société moderne, contraintes estimées dangereuses, car aliénantes, par des individus qui refusent de s'enfermer dans une identité immuable et, de par cette immuabilité, mortifère. La réflexion entreprise ici se propose de dégager les différentes facettes de cette souveraineté (telles qu'on les trouve dans l'univers du travail, dans les relations intimes et dans le rapport de l'écrivain à l'écriture, envisagée comme utilisation non aliénante de la langue) et de montrer les limites d'une attitude qui, dans son individualisme intransigeant, jaloux de ses libertés, se voit confrontée au danger de la solitude (sur le plan social) et du non-sens (sur le plan linguistique). Elle s'appuie notamment sur la théorie systémiste développée par Niklas Luhmann. Celle-ci, qui conceptualise les rapports entre système psychique et système social et accorde une place privilégiée à l'examen des conditions nécessaires à une communication réussie, se révèle particulièrement apte à servir d'outil dans l'étude d'une œuvre prise entre désir et refus de communiquerThis thesis examines the techniques employed by the Swiss writer Robert Walser (1878-1956) and by his protagonists in order to obtain what can be called their "sovereignty": an attitude which privileges roles and masks allowing to elude the constraints imposed by modern society and considered as alienating by individuals who refuse to imprison themselves in an immovable and, owing to that immovability, stifling identity. The present investigation intends to elucidate the different aspects of this sovereignty (as they can be found in the sphere of work, in intimate relationship and in the writer's efforts to invent a non alienating form of writing) and to indicate the limits of an attitude which, in its inflexible individualism and its eagerness for unrestrained liberty, is confronted with the danger of solitude (social failure) and nonsense (linguistic failure). This analysis is based especially on the systems theory developed by Niklas Luhmann, which, by conceptualizing the relations between psychical system and social system and by conferring a central position to the examination of the conditions necessary to a successful communication, reveals itself particularly fitted as an instrument in the study of a work oscillating between the desire and the reluctance to communicate
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Lefrançois, Louis. "Considérations sur la contribution d'Asger Jorn à la critique de l'autoreference artistique : la peinture détournée." Master's thesis, Université Laval, 1990. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33426.
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Il y eut deux grandes suites de peintures détournées par Asger Jorn, les Modifications de 1959 et les Nouvelles Défigurations de 1962. Dans les deux cas il s'agissait de tableaux quelconques repeints par Jorn à sa manière. Chaque tableau , vivement réinterprété dans sa singularité expressive, était relancé dans la modification de sa valeur même. Ces modifications relevaient tout autant du détournement tel qu'il fut avancé par les situationnistes que d'une critique centrale du caractère limité de l'activité artistique moderne. À la suite d'une esquisse critique de l'antinomie aporétique inhérente à la pratique artistique dite autoréférentielle, l'auteur aborde dans leur particularité signifiante quelques peintures détournées par Jorn. Le détournement est alors considéré comme méthode de propagande et comme procédé expérimental dominé par la dialectique dévalorisation-revalorisation de l'élément détourné dont la perspective réelle est le dépassement de l'art et le mobile le renversement de la société de classes modernes.Montréal Trigonix inc. 2018
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Desvaux, Marie-Francine Mansour. "Le surréalisme à travers Joyce Mansour : peinture et poésie, le miroir du désir." Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010520/document.
Full textAbstract:
L'œuvre de Joyce Mansour est la trace foudroyante, voire inquiétante, du principe surréaliste des « vases communicants» : imprégnation de l'écrit par les blessures de la vie tapies dans l'inconscient; empreinte du désir, de la mort, d'un souffle vital indomptable, mais désespéré. Parallèlement, elle témoigne de l'emprise du visuel sur son écriture de chair en érigeant ce « miroir du désir» qui installe une résonance intime entre sa poésie et les œuvres de ses amis artistes. Dans leurs collaborations, ils se subliment, s'exaltent, se commentent, s'illustrent les uns les autres. À leur façon, ils partagent les mêmes angoisses, commettent les mêmes transgressions, exercent la même liberté. L'art et l'écrit se répondent. Cette thèse cherche à suivre le parcours symbiotique entre les images, les mots et la vie, qui traverse l'œuvre de Joyce Mansour. Il se révèle dans la collection d'œuvres d'art océanique qu'elle a constituée avec son mari, Samir Mansour ; dans les Objets méchants qu'elle crée à partir de matériaux récupérés, glanés ou achetés au BHV ... et qui expriment un besoin d'exalter la vie quotidienne, en extraire son essence afin d'échapper au piège de l'ennuie; dans les affinités électives entre elle et ces artistes qui nourrissent ses œuvres, comme elle nourrit les leurs. Ce « miroir du désir» est à la fois singulier - l'expression de la destinée d'une poétesse hantée par la mort et ses traumatismes - et collectif, puisqu'il semble répondre au paysage fantasmagorique d'une génération assoiffée de liberté, mais hantée, comme Joyce Mansour, par les charniers des guerres successives et révoltée par la non-vie des vivantsJoyce Manour 's work is a striking, sometimes anguishing example of Breton's concept of « communicating vessels » : the subconscious's hidden wounds seep into her writing leaving traces of desire, death and an inextinguishable yet desparate will to live. Parallel to this, the very visual, camal nature of her words provides a « mirror of desire » which enables the intimate echoing between her poetry and the works of her artist friends. Through their collaborations, they sublimate, enhance, comment on and illustrate each other. Each in their own way, they share the same anguish. commit the same transgressions, exercise the sa me freedom. Art and poetry connect deeply. This thesis aims to follow the symbiosis between images, words and experiences which characterises Joyce Mansours work. It reveals itself in the collection of Oceanic art she built up with her husbanc, Samir Mansour ; in the Objets méchants she created using material gleaned from scrapyards or bought at the BHV ... which express a need to intensify daily life, seek its essence in order to escape tedium ; in the elective affinities she shares with with the artists that enrich her works, as she does theirs. This « mirror of desire» is both personal - an expression of the poetess' s destiny, haunted by death and its traumas - and collective, as it seems to reflect the phantasmagorical landscape of a generation hungry for freedom, but haunted, like Joyce Mansour, by the mass graves of successive wars, and in rebellion against the non-life of the living
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Maekawa, Kumiko. "Recherches iconographiques sur les manuscrits de Guillaume de Machaut : les décorations des premiers recueils personnels." Paris 4, 1985. http://www.theses.fr/1985PA040015.
Full text
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Valla, Elise. "Le gothique au service d’une esthétique décadente dans le fantastique allemand au début du 20ème siècle, en particulier dans l’œuvre de Hanns Heinz Ewers." Thesis, Université de Lorraine, 2020. http://www.theses.fr/2020LORR0008.
Full textAbstract:
Au début du 20ème siècle, la littérature allemande gothique se focalise sur une thématique ténébreuse et satanique qui participe du succès de la littérature fantastique triviale de cette époque. Mais est-ce le cas pour Hanns Heinz Ewers ? Le gothique chez Ewers est-il trivial ou élitiste ? Dans quelle mesure est-il au service d’une esthétique décadente ? Peut-on définir son œuvre comme fantastique ?At the beginning of the 20th century, gothic German literature focused on dark, satanic themes, which contributed to the success of the trivial fantastic literature in this period. But does it apply to Hanns Heinz Ewers? Is gothic in his works trivial or elitist? To what extend does he put it to the use of decadent aesthetics? Is it possible to define his work as being fantastic?
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Atzenhoffer, Régine. "Écrire l'amour kitsch : approches narratologiques de l'œuvre de H. Courths-Mahler (1867-1950)." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2002PA040262.
Full textAbstract:
L'œuvre romanesque de H. Courths-Mahler (1867-1950) n'a pas fait jusqu'à présent l'objet d'une véritable étude scientifique. C'est ce que montre l'"Etat de la recherche", dans lequel est brossé un portrait de la romancière à travers les quelques études qui lui ont été consacrées. La première partie (Pour une situation de H. Courths-Mahler) retrace, sous un éclairage nouveau, les origines de Courths-Mahler et examine la condition de naissance de ses romans. La seconde partie (Espace romanesque : empreintes de modes de vie, de codes et de valeurs) appréhende l'espace romanesque, étudie le tissu social de l'œuvre, où la loi sociale prend le pas sur la destinée individuelle et les conditions matérielles d'existence demeurent des obstacles au choix du cœur. La troisième partie (Des êtres de papier) analyse le personnel romanesque, mesure les "effets du personnage" sur le lecteur, dégage les rapports de l'esthétique et de l'éthique dans l'œuvre et détermine vers quels horizons idéologiques se porte la narration. La quatrième partie (Le cœur a ses raisons et H. Courths-Mahler les connaît ou la thématique de son œuvre romanesque) spécifie la conception de l'amour et l'idée que Courths-Mahler se faisait de la destinée féminine. La dernière partie (Des techniques narratives pour des romans à succès) est consacrée à la titrologie et aux techniques narratives. La conclusion tente d'éclairer les recettes du succès de ces romans d'amour. L'œuvre a été soumise à une lecture protéiforme et la thèse relève d'une méthode plurielle d'analyse et de critique littéraire, sociologique, sociopoétique, psychanalytique et structurale, souple et sans dogmatisme, fondée sur la situation des textes dans leur contexte. L'intérêt pour Courths-Mahler est celui qu'il convient d'apporter à un phénomène qui a sa place, aux plans historique et culturel, dans un champ littéraire plus différencié que ne le fait apparaître le canon qui structure l'historiographie littéraire traditionnelleH. Courths-Mahler's fictional work (1867-1950) has not been the subject of a thorough and scientific study so far. This fact is revealed in the introduction of the dissertation entitled "Present state of the research" in which a portrait of the novelist is depicted through the few studies devoted to her. In the first part, entitled "H. Courths-Mahler's position", a new light is thrown on Courths-Mahler's background and the emergence conditions of her fiction. The second part "Fictional space : the impacts of life styles, etiquette and sets of values" addresses itself to the fictional space, examines the social tissue where social order takes precedence over individual destiny and living conditions hamper heart inclinations. The third part "Paper characters" investigates the set of different heroes and heroines, assesses the importance of characters as role models on the reader, sets out the links between aesthetics and ethics in the novels and shows the ideological visions of the narration. The fourth part "Heart over mind" and its presentation of the main themes of her fictional work clarifies Courths-Mahler's idea of love and her representation of women's conditions. The last part "Narrative techniques for best sellers" is devoted to the attention paid to titles and narrative techniques. The conclusion endeavours to throw a light on the keys for success of those love stories. Courths-Mahler's work has been submitted to a multifaceted reading scrutiny and the dissertation is the fruit of a manifold approach derived from literary analyses and criticism resting on sociology, sociopoetics, psychoanalysis and structuralism, both flexible and unbiased, based on the positioning of the text in its context. Courths-Mahler is worthy of interest because she is a literary phenomenon with its own importance and place, both historically and culturally, against a literary background, more varied than is expected, according to the standards of traditional literary history
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Crignon, Cyril. "Le "dripping" de Jackson Pollock et le "zip" de Barnett Newman : les deux pôles de construction du lieu dans la peinture "à l'américaine" : pour une approche philosophique de la question." Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010521.
Full textAbstract:
Pour mieux cerner l'optique en laquelle la grande peinture américaine fut élaborée après la Seconde Guerre mondiale , cette étude élargit la focale par l'examen conjoint des œuvres de Barnett Newman et de Jackson Pollock. Sous des aspects contraires, les deux veulent en effet créer chez le spectateur un sens du lieu et lui rendre sensible la constitution de l'espace au lieu de lui en donner des représentations. Rouvrant le débat sur le modernisme entamé par Clément Greenberg, la thèse admet que cette peinture tient sa spécificité de ses réponses à la crise du tableau de chevalet diagnostiquée par le critique, et voit comme elle prend en compte la question de la place du spectateur étudiée par Michael Fried dans la continuité de celui-ci. Elle affirme cela dit la nécessité d'une approche philosophique de la construction picturale du lieu qui soulève des questions touchant à la spatialisation, au passage d'une forme « à priori » de la sensibilité à des formes sensibles, à la position puis à la réforme du sujet dans sa relation avec l'objet. La réflexion part ainsi du kantisme pour en dépasser les cadres stricts, naviguant entre l'idéalisme transcendantal et la phénoménologie. Elle croise les références à Fichte, Husserl et Lévinas avec celles de l'esthétique et de l'histoire de l'art, en prenant soin de les ancrer dans l'analyse d'oeuvres singulières. Elle espère ainsi mieux saisir la façon dont ces œuvres produisent du sens hors des voies de l'iconographie et déterminer les significations historiques qui s'y rattachent. Une définition plus large du modernisme est ici en jeu, ainsi qu'une conception de l'abstraction qui en affirme le socle anthropologique et la fonction cognitive.
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Pavlouskova, Nela. "Réflexion dans le processus créatif : les actes abstraits dans l'œuvre de Cy Twombly." Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010505.
Full textAbstract:
Notre travail est une monographie qui pose un aperçu complet sur trois séries de peintures de Cy Twombly appartenant à sa dernière période de création entre les années 2005 et 2011. Il s'agit des séries suivantes : "Bacchus, Psilax et Mainomenos, Camino Real" et "Leaving Paphos ringed with waves". Nous analysons l'ensemble des aspects constitutifs des peintures à partir des observations des œuvres achevées et définissons ainsi leur thème, l'interprétation, les références et le contexte. Nos analyses étant riches en témoignages et en documentations inédites, nous développons le point de vue sur le processus de création afin de déterminer la vision, l'intention et l'expression de l'artiste. Notre travail positionne les séries de peintures dans leur contexte historique relatif à la création de Cy Twombly et définit ainsi l'évolution et l'aboutissement de la période de sa peinture tardive. L'intention de l'artiste et par conséquent le thème étant exprimés par le geste, nous étudions, définissons et démontrons à travers nos analyses des trois séries de peintures deux positions du geste et de sa forme chez Cy Twombly : le geste non figuratif et le geste figuratif.
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Spathoni, Anthi Danaï. "La question du paysage abstrait dans la peinture contemporaine : Cy Twombly et Gerhard Richter." Thesis, Rennes 2, 2018. http://www.theses.fr/2018REN20068.
Full textAbstract:
Si la peinture abstraite n’a pas bien sûr fait mourir la peinture figurative qui existe après elle, si elle n’a pas supprimé le paysage pictural, quel peut bien être le sens, la nature et la portée, au sein de la peinture contemporaine elle-même, du paysage abstrait ? Quelles en sont les conditions de possibilité ? A quelles conditions un paysage abstrait est-il possible, c’est à dire réalisable pour le peintre et pensable pour l’historien et le théoricien de l’art ? Telles sont les questions rectrices de cette thèse qui entend déployer et explorer le paradoxe d’un paysage séparé — ce qui est bien le sens strict d’abstrait — de l’exigence de représentation mimétique d’un espace naturel ou urbain extérieur « d’un lieu assez élevé, où tous les objets auparavant dispersés se rassemblent sous un seul coup d’oeil » selon l’expression de Fénelon. Ce déploiement et cette exploration s’effectue sur les deux exemples des oeuvres de Cy Twombly et Gerhard Richter interprétées comme deux modalités différentes d’une relève du paysage, dépassant et conservant à la fois ce dernier sur le mode de l’évocation : par un langage purement pictural, par le langage des titres et des mots dans la peinture pour Twombly, par la photographie et la photo-peinture pour Richter. A cet égard, Twombly et Richter tentent tous les deux de mettre en oeuvre aux deux sens duterme, une rupture et une continuité : entre la forme du genre paysage et l’expérience paysagère au sein de l’espace de la galerie d’exposition, entre la tradition du paysage occidental (Poussin, Turner, Friedrich) et la peinture des peintres américains contemporains (Pollock, Rothko et Rauschenberg), entre la peinture et les autres média ou les autres arts auxquels elle se confronte (la poésie pour Twombly, la photographie et la littérature pour Richter). La thèse est donc construite comme un ensemble de croisements qui rend possible le paysage abstrait renouvelant le genre du paysage, lelibérant de ses règles traditionnelles et, ainsi, l’ouvrant à des formes inédites et étonnantesIf abstraction did not kill landscape painting, how would the pictorial genre survive within the context of contemporary painting? What would be the meaning of the term abstract landscape? Under which circumstances and conditions would an abstract landscape be possible? This research tries to address these questions by investigating the paradox of a landscape which does not represent mimetically space seen from a higher point at a glance, as Fénelon would put it.The works of Cy Twombly and Gerhard Richter are used as means for this exploration since they present two different modalities of a landscape which overcomes and preserves itself at the same time. In this respect, both Twombly and Richter attempt to implement rupture and continuity: between landscape form and landscape experience within the gallery space, between western landscape tradition (Poussin, Turner, Friedrich) and contemporary American painting (Pollock,Rothko and Rauschenberg), between painting and other media or arts (poetry for Twombly, photography and literature for Richter). This way, this study is constructed by a set of contradictions which make abstract landscape possible. This abstract landscape renews landscape genre, frees it from its traditional rules and opens it to new and surprising forms
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Picro, Laura. "La représentation de Rome par les peintres italiens entre 1918 et 1965 : du retour à la belle peinture à la crise de la représentation." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010618.
Full textAbstract:
Il s'agit de voir l'évolution des vues de Rome entre deux dates clefs dans l'histoire de sa représentation : 1918, l'année de « Valori Plastici » et du retour à l'ordre avec le besoin de revoir la peinture dans ses codes traditionnels, et 1965 où la représentation entre en crise avec le prélèvement des affiches des murs de Rome de Mimmo Rotella dans lequel la Ville éternelle n'est plus représentée mais présentée. L'étude des vues d'un certain nombre de peintres italiens, connus ou moins connus, mises en parallèle avec des images photographiques et littéraires de la même époque, permettra de voir l'évolution d'une histoire de l'art italien, mais également de redécouvrir l'histoire d'une époque au travers de l'histoire d'une ville.
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Manigot, Vincent. "Universalité et surréalisme : le peintre Kitawaki Noboru (1901-1951) et les avant-gardes japonaises." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCF001/document.
Full textAbstract:
Durant la première moitié du XXᵉ siècle, divers mouvements d’avant-garde occidentaux sont introduits au Japon et s’y développent dans un court intervalle de temps, menant à des unions difficilement concevables dans une perspective européenne. Cette caractéristique est flagrante dans le cas du surréalisme japonais, objet culturel synthétique. Durant les années 1930, les pressions croissantes sur les artistes et intellectuels achèvent de lui donner une coloration singulière. Comme de nombreux peintres japonais, Kitawaki Noboru (1901-1951) s’intéresse au surréalisme, mais il va rapidement s’éloigner du modèle occidental pour entamer une exploration artistique singulière au travers de ses « peintures schématiques », qui visent à construire le modèle d’une réalité qui semble échapper à tout cadre et, partant, à toute tentative de compréhension, et ainsi rendre à l’homme la place qui doit y être la sienne. Les tentatives de Kitawaki qui se nourrissent des domaines les plus divers, sans véritable limitation temporelle, géographique, ni disciplinaire, évoquent le travail des peintres-savants de la Renaissance. Indissociable du contexte, sa production ne saurait être perçue de manière uniquement conjoncturelle. L’analyse de plusieurs de ses écrits et de ses œuvres, ainsi que des schémas aussi bien théoriques que pratiques qu’il développe (notamment la question du vide pictural) renseignent sur le but poursuivi par le peintre qui, à rebours des standards, s’intéresse tout autant au fond qu’aux motifs de ses toiles, et plus encore qu’aux éléments eux-mêmes à la manière de les combinerDuring the first half of the 20th century, several European avant-garde movements were introduced in Japan, where they grew within a short period of time, sometimes intermingling, which was quite inconceivable from an Occidental perspective. This characteristic was obvious in the case of Japanese surrealism, a synthetic cultural object. During the 1930s, the increasing pressure on artists and intellectuals gave it an even more singular dimension. Like many Japanese painters, Kitawaki Noboru (1901-1951) was interested in surrealism, but he quickly moved away from the Western model to begin a singular artistic exploration through his "Schematic Paintings", with which he aimed to construct a model of reality that appeared less and less ordered in a time of trouble and which consequently could no longer be understood. In this way he aimed to give back to man the place that should be his. Kitawaki’s attempts to draw inspiration from the most diverse fields, without any real temporal, geographical or disciplinary limitations, evoke the work of Renaissance polymath artists. His production, while inseparable from the context, cannot be perceived only in relation to historical events. The in-depth analysis of several of his writings and works, as well as the theoretical and practical schemas he developed (notably the question of the pictorial void) provide information on the painter's aim, which—in contrast to standards—was as much concerned with the background as it was with the motifs of his canvases, and which was more concerned with the manner in which elements were combined than with the elements themselves
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Maddalozzo, Sheila. "L'oeuvre peinte de Manabu Mabe entre 1970 et 1994." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010640.
Full textAbstract:
Les cultures japonaises et brésiliennes, aussi lointaines que différentes, s'harmonisent dans l'œuvre de Manabu Mabe, ce peintre brésilien né au Japon. L'héritage séculaire de son pays natal se manifeste dans la ligne raffinée qui s'insinue parmi la vivacité chromatique, reflet de la vigueur du climat et des paysages tropicaux de son pays d'accueil. Son œuvre abstraite est extrêmement moderne, d'une grande puissance chromatique et d'un équilibre formel très élégant et harmonieux. En grand coloriste, Mabe affectionne les larges étendues en a-plat, auxquelles il oppose des zones aux tons rompus d'une grande expressivité. Le développement de la couleur, déversée généreusement, engendre à son tour la libération du geste, qui se fait de plus en plus ample. L'artiste semble se servir toujours des mêmes formes, alternant les phases de grande profusion avec des périodes relativement dépouillées, générant ainsi un mouvement cyclique dans l'œuvre. Les mêmes éléments sont distribués autrement, formant un ensemble combinatoire dans l'œuvre qui dégage une grande logique dans sa totalité. La présence du cercle, le rattachement des formes aux cadres de la toile et la constante opposition de deux formes aux factures distinctes, - l'une en a-plat et l'autre aux tons rompus-, constituent les caractéristiques principales de l'œuvre mabéenneJapanese and brazilian cultures, so far and different from each other, go alaong together in Manabu Mabe's work. His refined stroke reveals the secular heritage of his mother country. Is also reflets, among the chromatic vivacity, the weather's vigour and the tropical landscape of the country he lives. His abstract work is extremely modern. It's composed by a great chromatic force and an harmonious elegant formal equilibrium. As a great colorist, he appreciates wide surfaces in plains, which are opposed by very expressive graphical zones. The developpement of colors; generously poured out, produces therefore a free gesture, wider and wider. The artist seems to use always the same shapes, either in big profusion phases or in relatively despoiled periods. It leads to a cyclical movement in his work. The same elements are layed out differentely creating a very logical combinatory whole. The main features of Mabean work are : the presence of the cercle, connected to the frame-work and the steadfast opposition of two shapes in distinct texture, one in plains, the other one in graphical strokes
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Dumontel, Christian. "Autorévélation de l'Homme : lecture jungienne de l'oeuvre de Hermann Hesse." Nancy 2, 1998. http://www.theses.fr/1998NAN21006.
Full textAbstract:
L'oeuvre de Hermann Hesse connaît en 1917 un tournant important puisque la pensée du psychiatre et psychologue zurichois C. G. Jung apparaît dans le roman Demian. Le degré de précision de la reprise des théories jungiennes ainsi que l'ampleur de celle-ci amènent à reconsidérer la création littéraire de l'écrivain à l'aune du processus d'individualisation. Le héros "hessien" peut enfin franchir les portes de l'inconscient et se départir de la cécité mentale qui le caractérisait. L'Homme moderne doit comprendre que seules une relativisation des valeurs de la Raison, donc de la conscience psychologique, et sa propre reconstitution à l'aide des enseignements apportés par les mythes, les rites et les religions des sociétés primitives, ainsi que la prise en compte des messages indispensables à l'élaboration d'un équilibre entre conscient et inconscient livrés par les archétypes, lui permettront de parvenir au stade d'Homme individué. C. G. Jung permet donc indirectement aux personnages de Hermann Hesse de quitter la sphère individuelle et d'évoluer dans la strate collective de leur inconscient. Ainsi l'Homme d'aujourd'hui se trouve-t-il confronté, en lui-même, à l'Homme ancestral comme à l'Homme universel. Ce mécanisme intrapsychique induit la possibilité de donner naissance à soi-même, d'accéder au Soi jungien. Cette éventualité se meut en finalité, elle devient l'éthique personnelle des protagonistes. Ainsi le roman de formation dans la tradition "kellerienne" acquiert-il une dimension psychanalytique. Mais dans quels buts, pour quelles raisons Hermann Hesse a-t-il fait de son expérience de l'analyse une source d'inspiration ? Dans quelle mesure ses romans, contes et nouvelles s'en trouvent-ils modifiés ? Et qu'en est-il de l'intégrité intellectuelle de l'écrivain ?The year 1917 appears to be a watershed in the literary works of Hermann Hesse since the ideas of the Zurich psychiatrist and psychologist C. G. Jung appear in the novel Demian. The novelist has adopted Jung's theories on the literary plane and this is why a study of the artistic creation, which takes into account all his novels, tales and short stories and which is based on intertextuality, is not only jusitifed but necessary. After undergoing psychoanalysis under the direction of Dr Lang, a disciple of C. G. Jung, and afterwards by Jung himself, Hermann Hesse is able to give a new perspective to the hopeless situation of his protagonists, who in such tales as Peter Camenzind or Gertrud repeatedly hang into the door of their own unconscious mind and therefore cannot have a positive development. Due to his knowledge of C. G. Jung's discoveries, in particular those of the collective unconsciousness, Hermann Hesse invites the reader to accompany his "Hessian" characters along the path to initiation which is his "process of individualization". Thus the Keller-type novel of education takes on a psychoanalytical dimension. But why has Hermann Hesse used his personal experience of psychoanalysis as a source of inspiration ? What is the aiming at ? To what extent has this modified his writing and what can be said about the intellectual integrity of the writer ?
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Gagneur, marguerite. "Écritures poétiques de Sarah Kirsch dans le contexte de la RDA." Paris 3, 2006. http://www.theses.fr/2006PA030151.
Full textAbstract:
Ce travail montre, au travers d’analyses de textes précises, comment l’écriture poétique de Sarah Kirsch se construit autour des relations entre subjectivité, nature et société. Les poèmes retenus reflètent le rapport de la poétesse à l’utopie socialiste, de l’enthousiasme initial à une distanciation croissante la conduisant à trouver refuge auprès de modèles littéraires du passé et dans l’idyllique d’une nature encore intacte. Cette étude établit enfin une comparaison entre Sarah Kirsch et trois auteurs de sa génération : Günter Kunert, Volker Braun et Wulf Kirsten, ce qui permet de montrer comment cette poétique s’inscrit dans le contexte plus large de la poésie critique socialiste, de 1965 à nos joursThrough close textual analysis of selected pieces of Sarah Kirsch's work, this study aims to show that interrelated notions of subjectivity, nature and society are central to the dynamics of her poetry. The poems selected reflect how Sarah Kirsch gradually distanced herself from her early enthusiasm for the socialist utopia, seeking shelter in the great literary models of the past and finding refuge in an idyllic nature untouched by human hand. Finally, a comparison between Sarah Kirsch and three other authors of her generation – Günter Kunert, Volker Braun and Wulf Kirsten – demonstrates how her work fits into the wider context of socialist critical poetry from 1965 till today
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Loyer, Nathalie. "René Piot, une vision de l'art décoratif, 1866-1934." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010561.
Full textAbstract:
René Piot, né en 1866 et mort en 1934, est un artiste partagé entre tradition et modernité qui sombra totalement dans l'oubli après sa mort. Il était fasciné par Delacroix et fréquenta l'atelier de Gustave Moreau. Il fut l'ami de Maurice Denis, de Georges Rouault, de Paul Dukas ou de Jacques Doucet, fréquentant les milieux d'avant-garde et tentant en même temps de renouer avec le passé par son primitivisme, suivant ainsi les enseignements de Gauguin. Il voyagea en Italie, en Espagne et en Afrique du Nord, attiré par l'orientalisme. René Piot se consacra essentiellement à la fresque, redécouvrant cette technique à travers les artistes de la Renaissance italienne. Ses fresques les plus importantes sont La Chambre Funéraire, conservée au Musée de Saint-Germain-en-Laye, Le Parfum des Nymphes, commandée par André Gide pour décorer sa villa d'Auteuil et Les Travaux de la Terre, fresque peinte pour le critique Bernard Berenson aux environs de Florence. Cependant, de nombreux échecs, projets inachevés, vont marquer sa carrière de fresquiste. Il se consacra également à la décoration théâtrale, réalisant décors, costumes et mises en scène pour Jacques Rouché, d'abord au Théâtre des Arts puis à l'Opéra de Paris. Il s'inspira. Pour son esthétique novatrice des travaux de grands metteurs en scène comme Gordon Craig ou Max Reinhardt et tenta de rivaliser avec les Ballets Russes de Serge Diaghilev. Son travail de décorateur fut unanimement reconnu par ses contemporains, artistes et critiques. Ses deux passions furent en premier lieu la fresque: " Mon art est le mur! ", puis le théâtre: " Le théâtre est mon vice. " Son art ambigu est scindé entre son amour pour le passé, copie des maîtres anciens et fascination pour leurs techniques et son désir de modernité, implication dans les débats d'avant-garde. Tombé dans l'oubli après sa mort, en 1934, cet artiste mérite d'être redécouvert, car son talent essentiellement décoratif et sa personnalité ardente et sincère permettent d'éclairer son époque.
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Lapeyre, Marie-Laurence. "La représentation romanesque de la peinture hollandaise du siècle d' or dans les romans français et anglophones depuis Marcel Proust." Paris 7, 2007. http://www.theses.fr/2007PA070022.
Full textAbstract:
Littérature et peinture n'ont cessé, à travers l'histoire de l'esthétique occidentale, d'entretenir un dialogue certes souvent teinté de polémique, mais incontestablement fécond. Au cœur de cet échange, dans le domaine du roman contemporain, la représentation de la peinture hollandaise du Siècle d'or ressort avec un relief particulier. Parmi les raisons de la prédilection des romanciers pour cette école picturale, se distinguent : son aspect puissamment novateur, l'extraordinaire richesse de sa production, les affinités électives qu'elle possède avec la sphère du roman ; mais aussi, parmi la cohorte des petits maîtres talentueux, le patronage de quelques figures légendaires, aujourd'hui regardées comme des « phares » de l'univers artistique : Rembrandt, Vermeer et Hals. Entrée en force dans le roman avec l'œuvre de Balzac, convoquée ensuite chez des auteurs tels que Gautier ou les Concourt, la peinture hollandaise occupe une place de choix dans la Recherche du temps perdu : la qualité indiscutable de génie y est accordée à Rembrandt, et Proust a grandement contribué à la reconnaissance de l'excellence de Vermeer. Ponctuellement, nous retrouvons la présence des peintres hollandais chez des auteurs « reconnus »; c'est toutefois dans l'édition « grand public » récente qu'ils sont le plus souvent représentés. L'étude porte sur le statut que les romans français et anglophones, depuis Marcel Proust, accordent au descriptif, sur les modalités de l'implication de l'objet-tableau dans la dynamique narrative, sur la manière dont la figure légendaire des peintres se voit reconduite ou infléchie, et enfin sur ce qu'il est advenu aujourd'hui du roman d'artisteAll through the history of Western art, literature and painting have had polemical but constructive relationships. In the thick of this exchange, the representation of the Dutch painting of the Golden age is brought out in strong relief in contemporary novels. Among the reasons for the particular interest of the novelists in this school of painting, can be found : its innovating strength, its profuse production, its closeness with the world of the novel ; and also, among he crowd of talented little masters, the patronage of some legendary figures now seen as the beacons of the artistic universe : Rembrandt, Vermeer and Hals. Having forced its way into the novel with Balzac, Dutch painting is then seen in Gautier's and the Goncourts'work, and holds a high rank in Remembrance of Things Past : Rembrandt is indisputably recognized as a genius, and Proust bas highly contributed to the recognition of Vermeer's excellence. Dutch painters may sometimes be met in the work of some acknowledged authors, but are mostly represented in the recent popular editions. This study deals with the status bestowed on to the description by French and English novels since Proust, with the means used to involve the painting - as an object - in the narrative dynamic, with the way the legendary figure of the painters is perpetuated or bent, and in the end, with what's become today of the artist's novel
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Jacquelin, Évelyne. "Variations fantastiques : l'exemple de Leo Perutz." Artois, 2002. http://www.theses.fr/2002ARTO0001.
Full textAbstract:
L'autrichien Leo Perutz (1882-1957) a souvent été lu dans la perspective du fantastique, ce qui a suscité des réserves. Cette étude reprend la question théorique et analyse l'œuvre à partir d'une définition rénovée du genre. Le corpus n'étant pas encore pleinement reconnu, problème par ailleurs fréquent dans le fantastique allemand, un 1er chapitre étudie la réception de l'écrivain et propose une évaluation raisonnée de son œuvre. Le chapitre 2 examine les problèmes liés à la notion de fantastique en soulignant les différences d'approche entre les traditions critiques françaises et germaniques. Le genre est défini, dans une perspective pragmatique, comme une organisation contradictoire du matériel narratif entre écriture mimétique et emprunts au merveilleux, qui fait éclater la cohésion épistémologique et esthétique de la référence au réel, selon des enjeux propres à chaque auteur. Cette proposition est ensuite confrontée au corpus perutzien, selon un parcours linéaire. Les éléments concourant à l'effet de réel – art du détail, réalisme textuel et ancrage social – sont d'abord examinés au chapitre 3. La dimension spatio-temporelle et les difficultés d'interprétation liées à la mise en œuvre ambivalente des références historiques fournissent la matière du chapitre 4, le 5e portant sur la recomposition en partie imaginaire de l'histoire qui en fait paradoxalement apparaître certains enjeux fondamentaux : la question de la révolution et celle de l'empire allemand vu comme un espace chimérique. Le chapitre 6 aborde d'autre part les emprunts stylistiques et thématiques au domaine du merveilleux, entre ésotérisme dérisoire et surnaturel judéo-chrétien, et le chapitre 7 étudie les architectures paradoxales nées de cette double allégeance esthétique. Au cœur de constructions aporétiques mariant fatalité et conscience malheureuse se reflète un fantasme d'héroïsme qui, dangereusement manié par un nouveau Führer, deviendra aussi un leurre politiqueLeo Perutz (1882-1957) is regarded as a master in fantastic literature, a fact which has sometimes aroused reservations. This study sets the theoretical problem again and analyses Perutz's work on the basis of a revised definition of the genre. As the corpus has not been fully recognized yet – a problem which is common in German fantastic literature – the 1st chapter studies how these texts have been evaluated and offers a reasoned appraisal of them. The 2nd chapter explores the problems linked to the notion of fantastic literature, highlighting how different the German critical approach to this genre is compared to the French one. The genre is then defined in a pragmatic way, as a contradictory organization of the various elements in the narrative – a blend of mimetic writing and marvellous literature – which disrupts the epistemological and aesthetic cohesion of the references to reality, in ways specific to each author. This definition is then applied to LP's work. The various elements that contribute to recreate reality (the attention to details, textual realism, a close observation of social realities) are examined in chapter 3. Chapter 4 deals with space and time and with the difficulties one can have in interpreting the ambivalent historical references. The 5th chapter is about the partly imaginary reconstruction of history which, paradoxically enough, underlines some of its fundamental issues: the question of the Revolution, the German Empire seen as a chimerical territory. Chapter 6 deals with the stylistic and thematic borrowings from the marvellous, which result in a blend of mocked esotericism and Judeo-Christian supernatural. Chapter 7 explores the paradoxical architectures that such a twofold aesthetic allegiance generates. At the very heart of aporetic constructions uniting fatality with a kind of sad awareness, one can recognize characters fantasizing themselves as heroes: such fantasies, when manipulated by a Führer will lead to political delusion
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Desgagnés-Tremblay, Alexis. "L'Izologia de Kazimir Malewicz (1928-1930) : arts plastiques et représentation à l'ère de leur dépassement." Thesis, Université Laval, 2005. http://www.theses.ulaval.ca/2005/23115/23115.pdf.
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À partir d’un examen du corpus textuel du peintre russe Kazimir Malewicz (1878-1935), en particulier les écrits formant l’ébauche de l’ouvrage didactique intitulé Izologia (1928-1930), l’auteur aborde la conception picturale malewiczéenne du nouveau réalisme pictural, à travers l’analyse du discours ontologique et historique qui en constitue le fondement théorique. Ce discours, situé dans le contexte idéologique de la réalisation du programme culturel bolchevique dans la sphère des arts plastiques, est, pour le peintre, l’occasion de développer une lecture du développement de la peinture moderne de chevalet. Comprenant ce développement historique comme étant une transformation du concept philosophique qu’est la représentation, Malewicz, tirant les conséquences imposées par son nouveau réalisme pictural, affirme la nécessité d’un dépassement du médium peint vers celui d’une architecture propre à répondre à ses aspirations révolutionnaires.Inscrit au Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures
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Luciani-Lucchesi, Denise. "Écriture et feu dans l'oeuvre de Jean-Paul Marcheschi : Un peintre actuel au langage poétique, philosophique et humain." Thesis, Aix-Marseille 1, 2011. http://www.theses.fr/2011AIX10226.
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Jean-Paul Marcheschi (né en 1951) attire l’attention du public et des institutionnels par la rencontre de l’écriture et du feu dans son œuvre. Ce peintre-sculpteur français utilise les torches de feu en guise de pinceau ; les bougies de son outil forment de la suie, de la cire et créent des brûlures sur du papier recouvert d’écritures manuscrites. Depuis bientôt trente ans, cette technique lui permet de réaliser des œuvres figuratives et abstraites. Sa renommée a acquis une dimension européenne dès les années quatre-vingt-dix. L’objectif de cette thèse est de montrer comment l’écriture et le feu sont employés dans son art. Cette étude permet d’aborder notamment la question de la dissociabilité et/ou du caractère indissociable entre ces éléments. Même si ces deux moyens d’expression se rencontrent dans ses peintures, et même si leur combinaison se lit dans certaines de nos analyses picturales, ils sont traités toutefois séparément, car l’écriture est apparue dans ses œuvres avant le feu, et les premières expériences ignées n’ont pas demandé l’intervention d’écrits. Par ailleurs, la rencontre entre ces éléments ne concerne pas en majorité ses objets et ses sculptures. Cette thèse est d’ailleurs composée de deux parties : la première est consacrée à l’écriture et la deuxième est consacrée au feu dans sa productionJean-Paul Marcheschi (born in 1951) draws the attention of the public and the institutional by the meeting of the writing and the fire in his works. This French painter-sculptor uses the torches of fire by way of brush ; the candles of his tool form some soot, some wax and create burns on some paper covered with handwritten writings. For about thirty years, this technique allows him to realize figurative and abstract works. His fame acquired a European dimension from the years ninety. The objective of this thesis is to show how his art uses writing and fire. This study allows to approach in particular the question of the separable character andor the inseparable character between these elements. Even if these two means of expression meet in his paintings, and even if their combination is read in some of our pictorial analyses, they are however treated separately, because the writing appeared in his works before the fire, and the first experiments with the fire did not ask for the intervention of writings. Besides, the meeting between these elements does not concern for the greater part his objects and his sculptures. This thesis moreover consists of two parts : the first one is dedicated to the writing and the second is dedicated to the fire in his production
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Lemay, Marika. "SÉRAPHINE LOUIS, PEINTRE. Analyse de la série des arbres (1927-1930)." Thesis, Université Laval, 2012. http://www.theses.ulaval.ca/2012/29295/29295.pdf.
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