Academic literature on the topic 'Peinture coréenne'

A la fin de la dynastie Ming et au début de la dynastie suivante en Chine,un nouveau courant d'étude nommé "les Etudes critiques" est né et commençait à remplacer le néoconfucianisme. Ce nouveau courant se caractérise par les études réalistes basées sur les faits réels. Il influença non seulement les sciences mais aussi la culture,surtout la peinture lettrée des Qing. Dans la deuxième moitié du XVIIIème siècle en Corée,certains jeunes intellectuels qui voyagèrent en Chine firent introduire dans leur pays avec ardeur "les Etudes critiques" et la peinture lettrée des Qing touchée par ces dernières. Absorbant l'influence chinoise,les peintres coréens des XVIIIème et XIXème siècles développèrent la peinture coréenne et réussissent à la monter à son apogée
At the end of Ming dynastie and at the beginning of Qing dynastie,a new current named "the Critical study" had been born and replaced the neo-confucianism. .

Cette thèse a pour objet l’analyse sémiologique du Vide dans l’espace pictural du minhwa, genre artistique populaire coréen, et plus particulièrement dans les peintures ayant pour thème le paysage ‘montagne-eau’ du 18e au 20e siècle de l’ère du Chosŏn. Nous étudions cette notion, qui s’est développée à partir des philosophies traditionnelles telles que le taoisme, le bouddisme et le confucianisme par exemple, en la considérant comme l’un des fondements de la pratique de la peinture et de la culture coréenne. De nos jours, le minhwa est devenu un genre reconnu pour sa valeur artistique propre : l’espace pictural du minhwa est un véritable lieu d’expérimentation pour ses styles innovants et populaires tout en conservant des éléments traditionnels imposés par la philosophie esthétique : le thème, ou l’utilisation de la notion de Vide, par exemple. C’est pourquoi nous avons centré notre attention sur les fonctions de l’espace non peint afin d’étudier l’emploi de la notion du Vide, spécifique au genre du minhwa. Dans cette analyse, nous faisons l’hypothèse que la notion de Vide, sous la forme de surface non peinte, est significative en ce qu’elle exerce des fonctions particulières dans l’espace constitué par la peinture. L’étude de cet espace non peint ainsi que d’autres expressions picturales nécessite l’élaboration d’une grille d’analyse constituée de septs critères : elle s’appuie sur des notions philosophiques traditionnelles, comme la ‘voie’ du tao, mais aussi sur d’autres propres à la philosophie esthétique contemporaine, comme la ‘cinquième dimension’ (Cheng), l’‘entre-deux’ (Buci-Glucksman), ou à l’analyse théorique de l’espace (‘cible/site’ de Vandeloise), afin de pouvoir cerner les fonctions et le sens du Vide dans la symbolique de notre corpus
The purpose of this thesis is to provide a semiological analysis of Void in the pictural space of Minhwa, a Korean folk art genre, most particularly in the landscape paintings with the theme of the 'mountain-water' from the 18th to the 20th century in the Chosŏn era. We study this notion, which has proceeded from traditional philosophies such as Taoism, Buddhism or Confucianism for example, examining it as one of the fundamental principles of both Korean painting and Korean culture. Nowadays Minhwa has become a genre acknowledged for its intrinsic artistic value: the pictural space of Minhwa is a true experimentation field for innovating and popular style founded on traditional elements imposed on by esthetic philosophy: the theme, the scope of the notion of Emptiness, for instance. Thus we have focused on the roles of unpainted space in order to study the ways of the notion of Void specific to Minhwa genre. The hypothesis of this analysis is that the notion of Void visible as an unpainted place is meaningful in so far as it plays some significant roles within the space created by painting. The study of this unpainted space as well as other pictorial expressions requires to produce an analytic grid based upon seven criteria: it relies on traditional philosophical notions such as the one found in Taoism, the “Way”, or the notion of contemporary esthetic philosophy, the “Fifth dimension” (Cheng), the “Entre-deux” (Buci-Glucksman) and or the notion coming from the theoretical analysis of space, “Trajector / Landmark” (Vandeloise) so as to be able to encompass their roles and their meanings within our corpus

Jusqu a 1960, les artistes americains s etaient retrouves dans le courant expressionniste abstrait pour lequel l aspect gestuel et l identification du medium representent l idealisation de l autonomie de l art. A partir de 1960, certains minimalistes, reinhardt, stella, jud et ryman, ne soutiennent que la convention de la peinture et ne presentent que certains arrangements des elements de la peinture. Des 1957, certains peintres coreens s essaient a la peinture abstraite sous l influence de l art americain. Mais, leurs oeuvres ne parviennent pas a representer leurs propres caracteristiques. Ils tombent dans une sorte de manierisme de la peinture abstraite. Vers la fin des annees 1960, la definition de l art inspiree par la "non-agitation", de lee u-fan, suscite un argument d importance dans le milieu des peintres coreens. Lee tente developper son langage pictural selon sa propre reflexion. Ainsi, pour connaitre la non-agitation dans ses grandes lignes, nous devons acquerir certaines connaissances philosophiques extreme-orientales. Nous nous bornons neanmoins a l etude d elements fondamentaux: le tao, le non-etre et la non-agitation auxquels nous ajoutons le rythme spirituel et l unique trait de pinceau
Around 1960 in america, the abstract expressionist painters were concerned with about the gesture and the resolution of painting and drowing upon the flat surface. But durings the 1960s, the minimalists, reinhardt, stella, judd and ryman, introduces the epistemological form of painting what stands as a commitment to literalness and simplicity. From 1957, a numbre of korean paintres trys to the abstract painting under the influence of american painting. However, theirs paintings does not arrive their owen sens. They falls down a mannerism in abstract painting. About 1969 in korean, the definition of art from lee u-fan that is inspired with the non-agitation gives rise to the important argumnent for the peinters. In this way, for the knowledge of the non-agitation, we must study about the oriental speculation : the tao and the non-being and what we add the creativity spirit resonance and the only trace of painting

Les peintures coréennes datant de la dynastie Joseon (1392-1910) ont été très souvent remontées à la manière chinoise ou japonaise. Il est possible d’en reconstituer la configuration grâce à de rares exemples de rouleaux suspendus ayant conservé leurs montages d’origine. Il en est ainsi du Portrait de Kang Sehwang par Yi Myeonggi, qui date de 1783, et aujourd’hui conservé au Musée national de Corée, à Séoul, ou encore des Bambous sous la pluie de Yi Chong, datant de 1622 et appartenant au Musée Guimet, dont l’originalité tient à l’inclusion d’un colophon calligraphié. Dans ce genre de peintures réservées aux lettrés, le schéma d’encadrement au moyen d’une bordure blanche ainsi que d’un encadrement supérieur et inférieur de couleur bleue apparaît comme étant semblable. On peut étendre le travail de reconstitution grâce aux archives royales, où des commandes de paravents de diverses natures sont enregistrées. Le genre mal connu des « souvenirs de réunions », à mi-chemin entre peinture et écriture, révèle des montages originaux sous forme de rouleaux suspendus. L’examen d’autres genres de peintures, qu’elles soient commémoratives, édificatrices, ou même chamaniques montre l’étendue des solutions de montages, ce qui tient à l’extrême variété des papiers coréens utilisés. La conception de formats géants pour les peintures bouddhiques, surtout après la Guerre d’Imjin (1592-1598), ne peut s’expliquer sans les propriétés de résistance du papier coréen. L’examen technique et esthétique des montages de peintures coréennes apporte ainsi un nouvel éclairage à l’histoire de la peinture coréenne, depuis la fin de la dynastie Goryeo jusqu’aux bouleversements politiques apparus en 1910
During the 20th century, most Korean paintings dating from the Joseon dynasty (1392-1910) have been remounted by using the Chinese technique or the Japanese one. Yet, it is possible to reconstruct their original appearance by studying a couple of Korean scrolls that have kept their original mounts. The Portrait of Kang Sehwang by the painter Yi Myeonggi, dated 1783, that belongs to the National Museum of Korea in Seoul, is one of them. Bamboos under the Rain, painted by Yi Chong in 1622, kept by the Guimet Museum in Paris, is a further example, its original feature being the inclusion of a colophon with a calligraphy. In these paintings intended for scholars, the design of the frame, taking the form of a white border with a blue upper and lower part, seems to have been widespread. One may extend the reconstruction of the Korean mounts by analysing the content of the royal archives: the commissioning of screens were documented in detail, revealing all kind of information about their material. Studying the lesser known genre of the “memories of meetings”, at the border between painting and writing, is particularly instructive as some of these have kept their original mounts. Examination of further categories of paintings, whether commemorative, votive or even shamanist, reveal a large extent of solution of mountings, and this is due to the varieties of Korean paper. The making of giant format for Buddhist paintings after the Imjin War (1592-1598) was largely the result of the resistant properties of the Korean paper named hanji

L’œuvre de YUN Duseo (1668-1715), peintre lettré ayant vécu lors de la dernière monarchie coréenne, reflète la forte sinisation de la société de l’époque. Cette œuvre est un fruit de la civilisation du « monde chinois », et interroge les principes esthétiques et le statut de la peinture dérivés de la doctrine néo-confucéenne, doctrine elle-même ici associée à des doctrines souvent considérées comme opposées, le taoïsme et le bouddhisme. YUN Duseo invente une peinture « pré-moderne » qui met en valeur de manière nouvelle des figures humaines, les portraits en particulier, et donne une nouvelle forme à des sujets courants de la peinture chinoise, les natures mortes ou les scènes de la vie quotidienne. La peinture de YUN Duseo, influencée aussi bien par un mouvement de retour aux sources de la culture chinoise que par le contact avec la culture européenne, est étudiée principalement à travers le prisme du rapport entre peinture et écriture
The work of YUN Duseo (1668-1715), a scholar-painter who lived during the last Korean monarchy, reflects the strong sinicization of contemporary Korean society. Indeed, such work is a product of the civilization of the ‘Chinese world’: it questions the aesthetic principles and the status of painting stemming from the Neo-Confucian doctrine, a doctrine itself associated with two often opposed doctrines, Taoism and Buddhism. YUN Duseo invented a ‘pre-modern’ painting that emphasized human figures, and particularly portraits, in a novel way and gave new form to common subjects in Chinese painting, whether still lives or scenes of everyday life.YUN Duseo’s painting, influenced by a return to the sources of Chinese culture as well as by the contact with European culture, is examined here through the prism of the relation between painting and writing

Apparu vers le milieu du XIXe siècle comme jargon dans les cercles artistiques munichois désignant une image de piètre qualité, bon marché, le mot kitsch s’utilise aujourd’hui non seulement dans le monde de l’art mais aussi dans la vie quotidienne toujours avec un sens fortement péjoratif. Considéré en général comme « mauvais goût », « art sans valeur », « camelote artistique », ou « art vulgaire », le kitsch n’est pourtant pas un concept qui demeure seulement dans une dimension esthétique ou artistique. Les divers phénomènes historiques du kitsch, émergés dans le contexte de la modernité, comme « la bib[e]lotomanie », « le roman-feuilleton », « l’art pompier » en France au XIXe siècle, ou encore « la peinture de salon de coiffure » en Corée au XXe siècle, trahissent tous que le kitsch est en effet une attitude que l’homme adopte vis-à-vis de son existence et du monde dans la réalité. L’essentiel de ce concept réside donc dans sa négation ou mieux dans sa fuite de la réalité. Voilà pourquoi la photographie se présente comme un médium qui mérite d’être étudié en rapport avec le kitsch. Médium qui a un lien spécifique par excellence avec le réel, elle ne cesse de faire ontologiquement le va-et-vient entre le présent et le passé, l’instantanéité et l’éternel, l’ici et l’ailleurs, le sujet et l’objet, la vie et la mort, etc. C’est en effet à cause de cette ontologie paradoxale que la photo peut devenir, selon « l’acte photographique », non seulement de l’art mais aussi du kitsch. Ainsi, l’attitude envers ce dernier que les artistes laissent apercevoir à travers leur œuvre photographique s’avère extrêmement variée, et ambiguë, voire même contradictoire tout comme chez Pierre et Gilles, Vik Muniz, Sebastião Salgado et Oliviero Toscani
Appeared in the mid-nineteenth century as a jargon in the artistic circles of Munich designating a cheap image of poor quality, the term “kitsch” is used today not only in the art world, but also in everyday life, always with strongly pejorative sense. Generally considered as “bad taste”, “worthless art”, “artistic junk” or “vulgar art”, kitsch, however, is not a concept that remains only in aesthetic or artistic field ?. Various historical phenomena of kitsch which had been all emerged in the context of modernity, such as “bib[e]lotomanie”, “serialized novel”, “academic art” in France in the nineteenth century, or “barbershop’s painting” in Korea in the twentieth century, show that kitsch is indeed an attitude of human being toward his own existence and the world. The essence of this concept lies therefore in his negation of reality, or better in his escape from reality. That’s why photography deserves to be studied in relation with the kitsch. Having a specific link with the reality, the medium oscillate ontologically between the present and the past, the instant and the eternity, the here and the elsewhere, the subject and the object, the life and the death, etc. It is indeed because of this paradoxical ontology that the photography can become, according to the “acte photographique” not just art but also kitsch. Thus, the attitude to the latter the artists let reveal through their photographic work turn out extremely varied and ambiguous, even contradictory such as it does in the work of Pierre et Gilles, Vik Muniz, Sebastião Salgado and Oliviero Toscani

Le projet« Ungno Lee », dédié à un des grands maîtres de la peinture coréenne du XXe siècle, requiert un double travail architectural: il s'agit d'imprimer l'esprit de l'œuvre de l'artiste dans le bâtiment et la constitution du lieu unique par rapport à son environnement. Cela nécessite une révision de l'architecture moderne occidentale en rapport avec l'architecture traditionnelle coréenne et l'art extrême-oriental, qui permet de définir les caractéristiques de l'architecture moderne coréenne. Une conception organiciste est proposée comme la solution méthodologique basée sur le thème du « Vide», qui constitue l'élément essentiel de la culture coréenne et, en même temps, caractérise l'œuvre d'Ungno Lee.