Dissertations / Theses: 'Peinture et nature'

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Lacroix, Laurier. "Le fonds de tableaux Desjardins : nature et influence." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1998. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp03/NQ36285.pdf.

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Kent, Neil. "Light and nature in late 19th century nordic art and literature /." Uppsala : Universitätet, 1990. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb35408280q.

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Zheng, Dai. "Du réel à sa transcription picturale : pour une nouvelle relation entre l'Orient et l'Occident /." Paris : Librairie You Feng, 2004. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb400836653.

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Abstract:

Texte remanié de: Thèse de doctorat--Arts et sciences de l'art--Paris 1, 2004. Titre de soutenance : Du réel à sa transcription picturale : la simplification comme moyen d'accéder au poétique.
Contient des textes en chinois. Bibliogr. p. 301-308. Glossaire. Index.

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Imbert, Anne-Laure. "Terres de Sienne, problèmes de représentation de la nature et du paysage dans la peinture siennoise (1270-1480)." Dijon, 2003. http://www.theses.fr/2003DIJOL025.

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Kao, Jung-Hsi. "La peinture lettrée traditionnelle renouvelée grâce à une utilisation nouvelle de la nature : l'exemple de Hong Ren et Shi Tao au début de la dynastie Qing." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040025.

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Abstract:

Les historiens de l'art classent les peintres du début de la dynastie Qing en deux catégories : l'école orthodoxe et l'école individualiste. Les premiers cherchaient à imiter les peintres anciens maitres, les seconds tiraient leur inspiration de la nature, il est crucial de comprendre quels sont les rôles respectifs des traditions et de la nature par les artistes. Nous avons donc choisi deux peintres individualistes (i. E. Hong Ren et Shi Tao ) comme exemple, et allons montrer leur intérêt commun sur la nature. Nous verrons aussi comment leurs différentes personnalités (Hong Ren est introverti, selon la psychologie de Jung, alors que Shi Tao est extraverti) ont influencé leur propre style. La peinture de Hong Ren est calme et un peu froide, alors que celle de Shi Tao est plus dynamique et libre. Une telle différence a été explorée plus par W. Worringer dans sa théorie ; la distinction entre l'abstrait et l'empathie, en raison des différentes attitudes psychologiques envers la nature, ce qui pourrait être complète par une interprétation approfondie des principes dynamiques taoïstes du yin et du yang.

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Roussille, Frédéric. "René Char ou la nature de l’image." Thesis, Aix-Marseille, 2015. http://www.theses.fr/2015AIXM3063.

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Abstract:

Dans son oeuvre poétique René Char cultive une façon de faire image où l'évidence et le mystère sont équivalents. Car ce qui, chez lui, se met en vue n'est pas conçu selon un usage du langage où le monde et les mots se feraient face. N'étant pas ce qui peut être réduit par le langage, le monde est alors ce geste par lequel cela, prenant le risque de s'inventer, se voit ou se dit, se trace ou s'écrit. Suivant la carrière du poète, nous observons comment un tel projet de poésie souveraine s'est précisé et nous voyons mieux pourquoi Char s'est passionné pour les peintres ; comment il s'inscrit dans un romantisme de la philosophie de la nature, et comment il rompt avec lui ; comment, enfin, son refus de l'histoire téléologique, tenue pour une entrave à la souveraineté, l'a conduit à prendre position dans son siècle
In his poetic body ok work, René Char develops a way to make image where the evident and the obscure are equivalent. For what is, for him, set in plain sight is not conceived according to a use of language where the world ans words would be face to face. As it cannot be reduced by language, the world is then this gesture thanks to which, at the risk of inventing itself, it is seen or said, drawn or written. Following the unfoldind of the poet's career, we can observe how such an endeavour towards sovereign poetry took shape, the better to see why Char was fascinating by painters ; how he belongs to a romanticized philosophy of nature while breaking away from it ; how, fanilly, his denial of teleological history considered as a hindrance to sovereignty led him to take a stand in his century

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Delvart, Naouel. "Le monde côtier et ses représentations romano-campaniennes." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040178.

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Abstract:

L’enjeu de cette thèse est de fonder une réflexion sur la représentation mentale et spirituelle du monde côtier par le biais des ornementations pariétales dans les espaces privés à Rome et en Campanie. Le sentiment de la nature côtière, qui se démarque de celui de la nature dans son ensemble autant qu’il s’y incorpore, n’est pas figé ; son évolution, perceptible dans le choix des thèmes et la manière stylistique avec laquelle ces derniers sont traités est déterminée par le contexte socio-politique de la genèse de ces expressions artistiques. Ainsi, nous traversons trois grandes époques : républicaine, post-républicaine et vespasienne correspondant aux trois styles pompéiens : deuxième, troisième et quatrième. Au fil de ces périodes, les paysages littoraux recèlent une symbolisation essentielle de l’ordre cosmique et de la structure idéologique qui permet l’interprétation de l’Univers
The aim of this Ph D is to provide a consideration of the mental and spiritual representation of the coastal world through the mural paintings of Romano-Campanian houses. The sense of beauty in coastal nature which in fact differs from the sense of nature as a whole as much as it incorporates it is not set. Its evolution which is perceptible through choice of themes and through the iconographic styles is determined by the social and political context. Our investigation is based on three historical periods: a republican, post republican and vespasian, one corresponding to the three decorative Pompeian styles: the second, the third and the fourth. Throughout these periods, coastal landscapes involve a fundamental symbolisation of cosmic nature and of the ideological structure which allow an interpretation of the universe

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Perron, Katia. "La structure spatiale des oeuvres cubistes de Picasso et Braque de 1910 et 1911." Master's thesis, Université Laval, 1992. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33496.

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Abstract:

Cette recherche vise à développer quatre aspects particuliers qui concernent le cubisme de Braque et Picasso. D’abord quels ont été les faits marquants du cubisme au moment de sa naissance à travers les critiques du français Louis Vauxcelles. Puis, pour mieux saisir le mouvement, une synthèse des nombreuses définitions avancées par les critiques et les historiens d’art durant tout le 20e siècle, constituera la base d’une tentative de redéfinition globale du cubisme en sa phase analytique. On souligne ensuite l’importance de la réflexion cubiste en s’arrêtant à la modification de la représentation picturale par la décomposition de l’objet sur une surface plane qui aboutit sous l’empire de l’hermétisme à une nouvelle structure spatiale mettant alors l’accent sur la dissolution de l’objet et de la figure humaine. Finalement, l’analyse sémiotique de deux œuvres clés de Picasso et Braque de 1910 et 1911 permet de cerner plastiquement la notion même de réalisme que l’on trouve dans cette période analytique la plus hermétique.
Montréal Trigonix inc. 2018

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Durand, Delphine. "André des Gachons, peintre symboliste, 1871-1951 : la création d'une "épiphanie fin de siécle"." Toulouse 2, 2010. http://www.theses.fr/2010TOU20070.

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Abstract:

L’œuvre d’André des Gachons (1871-1951) s’enracine dans les images oniriques et fantastiques qui constituent souvent le corpus symboliste, l’anti-naturalisme, l’aura poétique y tiennent une place importante face à un monde empli d’angoisse. L’artiste a joué un rôle à ce moment décisif de l’Histoire de l’art et s’est exprimé de manière originale dans différentes disciplines, que ce soit la peinture, les arts graphiques, les arts décoratifs. La décennie (1889-1899) qui couvre son activité artistique à Paris témoigne d’une intense fermentation littéraire et artistique. Si l’on veut témoigner du rôle de l’artiste dans le symbolisme, il suffit de se pencher sur sa collaboration aux « petites Revues » qui tentent d’unir l’esthétique et l’esprit fin-de-siècle. Mais c’est l’illustration de livres qui définit son identité d’artiste, c’est une révélation de son identité personnelle, objet réel de la quête et sa place dans un mouvement très complexe
André des Gachons’s work is rooted in dreamlike and fantastic images which are often typical of the symbolist corpus. The prevailing elements are anti-naturalism, a poetic aura in contrast with a world full of anxiety. At this turning point in art history the artist played a major role and expressed himself in an original way in various fields such as painting, graphic or decorative arts. The decade during which he was most active testifies to an intense literary and artistic fermentation. If one wants to give evidence of the artist’s importance in Symbolism one only needs to go over his contribution to the little “ Revues” which attempted to unite aesthetics and the “fin de siècle “ spirit. Yet his identity as an artist is best defined through the illustration of books which reveal the object of his quest as well as the role he played in this complex movement

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Huh, Soo-Eun. "L’instant peint dans l'art de Tal-Coat." Paris 10, 2006. http://www.theses.fr/2006PA100141.

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Abstract:

Tal-Coat nous suggère d’établir un lien avec l’univers à partir de la nature. C’est pourquoi Tal-Coat consacre autant d’heures à se promener dans la nature. A travers ces promenades il semble trouver les réponses à son questionnement sur le réel. Tal-Coat dessine en marche parce qu’il est incapable de saisir la réalité autrement que par la trajectoire mouvante. La nature, pour lui, est l’accès direct pour connaître le monde. Etre dans la nature, c’est pouvoir éprouver toutes les émotions du monde. Tal-Coat estime lui-même qu’apprendre à voir le monde vaut plus que faire de la peinture. Nous pensons que sa préoccupation du réel vient de son ardeur à chercher la véritable apparence du monde. Dans «l’instant peint» ce qui est peint, c’est l’instant, qui donne la signification à la chose peinte. Il est l’instant où l’on perçoit la réalité de l’apparence du monde. Le rythme de l’homme et celui du monde se rencontrent à cet instant et ils s’identifient dans l’art. Une image est celle d’un instant, celui que le peintre a choisi de capturer : c’est «l’instant peint»
Tal-Coat suggests that we establish a bond with the world through nature. To do this, Tal-Coat sets aside as many hours as he can to walking in the countryside. Through thses walks, in the countryside and in the mountains, he seems to find answers to questions about reality. Tal-Coat draws while he is on the move because he believes it to be impossible to seize reality without a fluid trajectory. The countryside, mountains, for him, give direct access d to understanding and knowing the world. Being with nature means we are allowed to feel the emotions of the world. Tal-Coat believes there to be more value in understanding the world than in painting. We think his preoccupation with reality comes from his fervour to find true appearance of the world. In «Instant», the meaning of what is painted comes in the instant of painting. It is at this moment that we perceive the reality of the appearance of the world. At that moment, the rhythm of man and the rhythm of the world meet and identify themselves in art. The image is an «instant» image, the image that the painter chose to capture. That is «Instant» art

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Salvi, Claudia. "Jean-Baptiste Monnoyer (Lille 1636 – Londres 1699) : peindre des fleurs et des fruits à l’âge classique." Thesis, Aix-Marseille, 2016. http://www.theses.fr/2016AIXM3068.

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Abstract:

A partir de l'élaboration du catalogue de son oeuvre (tableaux de chevalet et peintures décoratives), cette thèse étudie et ré-évalue la place de Jean-Baptiste Monnoyer dans la France du Grand Siècle. L'étude des oeuvres de ses collaborateurs et contemporains permet de préciser l'originalité de sa personnalité artistique et de définir sa place dans le développement de la peinture de nature morte en France au XVIIe siècle. Né à Lille, Monnoyer arrive tôt à Paris, où il ajoute à son expérience de la nature morte nordique l'influence des peintres français de la vie silencieuse. Il inscrit aussi son nom dans le siècle de Louis XIV comme peintre décorateur, effectuant les premiers décors des résidences de jeunesse du monarque (Saint-Germain-en-Laye, Vincennes, les Tuileries). Il y donne ses lettres de noblesse au motif de la guirlande tressant la gloire du prince.Comme collaborateur de Le Brun, il travaille dans des chantiers privés (Hôtel Lambert, château de Vaux), ou des châteaux de ministre du roi (Sceaux). Il part encore travailler en Angleterre à la fin du siècle. L’abondance des commandes royales l'oblige à s’entourer d’assistants. Les enjeux artistiques de cette production sont enfin analysés : la position du genre de la nature morte dans la doctrine officielle de l’Académie et sa reconnaissance dans les collections privées ; le statut du peintre de nature morte dans la génération des classiques, de Félibien à Perrault. Enfin, le rôle fondamental de Monnoyer dans le développement et la diffusion de ce genre est étudié
Having compiled the entire work catalogue of Jean-Baptiste Monnoyer (easel paintings and decorations), this thesis aims to study and re-value his importance in France during the Grand Siècle.Through the study of works of his collaborators and contemporaries the uniqueness of his artistic personality is specified, as well as his position in the development of still life painting in France during the 17th century.Born in Lille, Monnoyer came early to Paris, where he joins his knowledge of Nordic still life painting to the influence of French « silent life » painters.His name is famous too during the century of Louis XIV as a painter decorator. As such, he made the first decorations for the youth residences of the monarch (Saint-Germain-en-Laye, Vincennes, the Tuileries). He there develops the importance of the pattern of the garland glorifying the prince.As a collaborator of Le Brun, he works in private worksites (Hôtel Lambert, château de Vaux), or in castles of ministers (Sceaux). He also works in England at the end of the century. Due to the great amount of royal orders, he was forced to gather assistants. The artistic issues of this production are analysed: the situation of the still life genre in the official doctrine of the Academy, and his recognition in private collections ; the position of the still life painter in the classical generation, from Felibien to Perrault. And then, the fondamental part of Monnoyer in the development and the rayonnment of this genre is studied

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Zhu, Lei. "La peinture moderne chinoise est-elle née d'une idéologie politique?" Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030054.

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Abstract:

En Chine, à partir du XXe siècle, une tentative de modernisation dans la peinture chinoise ne cesse de la rapprocher de l‘Occident. Cette modernité, pour des artistes chinois, passe par l‘étude de la science et de la technique en Occident. Car l‘art en Occident est depuis longtemps lié à la science, fondé sur une technique et considéré comme une imitation du monde réel par la représentation de la perspective, de la couleur, de la lumière et de l‘ombre. En revanche, l‘art en Chine, de sa naissance à son autonomie, s‘est développé à partir d‘une interaction mutuelle, de l‘image de la nature : (la montagne, la forêt, la rivière...) et de la philosophie, la littérature, la poésie, la calligraphie… Du fait qu‘une expression due sentimentale aux artistes lettrés s‘attache à la fusion de l‘harmonie entre l‘homme et la nature. Mais, comment est-ce que ces deux notions, de l‘héritage traditionnel et de la modernité occidentale, s‘articulent-elles dans l‘art chinois lors de l‘introduction de la science et la technique de l‘art occidental ? La fréquentation de l‘occident par les artistes chinois le conduit-il à un rejet de ses propres valeurs au profit d‘une occidentalisation ? Ou bien une fusion s‘est-elle manifestée, fondant un art académique chinois ? Enfin, comment la synthèse chinoise de l‘art occidental et de la tradition traverse-t-elle les bouleversements politiques de la Chine au XXe siècle ?
In China, from the twentieth century, in an attempt to modernize Chinese painting isn't stopping to get closer to the West. This modernity, for Chinese artists, passes through the study of science and technology in the West. But how do these two concepts, the traditional legacy and Western modernity, have articulated in modern Chinese painting? A frequentation of the West by the Chinese Artistes has entrained a rejection of its own values in favour of Westernization? Or a merger has been manifested, founding a Chinese academic art? Finally, how the synthesis of Chinese and Western art tradition has crossed the political upheavals of the twentieth century in China?

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Jacky, Pierre. "François Desportes (1661-1743), monographie et catalogue raisonné." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040074.

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Abstract:

Peintre de Louis XIV, du régent puis de Louis XV, François Desportes (1661-1743) eut une production prolifique qui est replacée dans le milieu de la peinture française de la fin du XVIIe et du XVIIIe siècles. Reconnu surtout pour ses portraits des chiens du roi et ses sujets cynégétiques, l'artiste est également un exceptionnel peintre de nature morte qui établit la transition entre Pierre Dupuis et Jean-Siméon Chardin. L'originalité de ses compositions, notamment quand elles s'inscrivent dans le gout du temps pour l'exotisme, réside dans l'attention qu'il porte à la nature dont il sut exploiter toutes les ressources décoratives. Portraitiste au début de sa carrière, il est aussi peintre d'orfèvrerie, de sujets de trompe-l’œil et d'études à l'huile réalisées sur le vif. La monographie est suivie d'un catalogue raisonné dans lequel nous avons tenté d'établir une chronologie des peintures.

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Gao, FengFeng. "Quand le cinéma entre dans Montagnes-Eaux (Shan Shui) : Recherche sur la mise en oeuvre de la pensée chinoise de la nature dans le cinéma de Hou Hsiao-hsien." Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCC295.

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Abstract:

Cette recherche sur le rapport entre le récit du cinéma de Hou Hsiao-hsien et la pensée traditionnelle chinoise a pour ambition de viser à apporter un autre point de vue sur la construction du récit filmique propre à Hou Hsiao-hsien dont la culture se situe en dehors des codes occidentaux, à l'origine du cinéma. Utilisant le moyen cinématographique, Hou Hsiao-hsien a conservé une per¬ception propre à la culture chinoise qui pense le monde non pas en matière d'être, mais de souffle-énergie. Il crée, comme le ferait un peintre traditionnel chinois, en insufflant dans ses oeuvres une sensibilité qui lui est propre, en raison de son vécu, de ses origines. Pour une lecture du cinéma de Hou Hsiao-hsien, il faut inévita¬blement retourner à la source qui construit l'esprit artistique tradi¬tionnel chinois — la nature — à l'instar du Tao qui engendre toutes choses, mais ne se les adjuge pas, qui les accomplit, mais ne se fie pas à elle. La nature implique une situation sans forcer, qui ne dépend de rien, qui n'intervient pas, qui est conforme à toutes les choses en laissant venir ce qui vient de soi-même. Le cinéma de Hou Hsiao-hsien hérite de la nature représentée dans la peinture, et la transpose dans le domaine cinématographique avec la représen¬tation dans le contenu, la structure et le style, et à travers la relation entre champs et hors-champ de l'image, le mouvement de caméra, la construction de l'espace filmique, la coordination du son et de l'image, etc. La thèse cherche à analyser les éléments et les codes qui manifestent la nature, à interpréter les moyens de cette mani¬festation. La méthode appliquée dans la thèse est celle des analyses détaillées, des films de Hou Hsiao-hsien, des idées exposées dans la pensée traditionnelle chinoise sur la nature, afin de déterminer la manière dont ces conceptions de la nature sont exprimées dans le cinéma de Hou Hsiao-hsien, et expliquer les raisons pour les-quelles il en est l'héritier et comment il utilise ces idées pour créer son propre monde
This research on the report between the narrative of the cinema of Hou Hsiao-hsien and the traditional Chinese thought has for am¬bition to aim at bringing another point de view on the construction of the cinematic narrative appropriate to Hou Hsiao-hsien whose culture lies outside the western codes, the origin of cinema. Using the film means, Hou Hsiao-hsien preserved a perception appro¬priate to the Chinese culture, which thinks the world not in terms of " being ", but " breath-energy". He creates, as would a traditio¬nal Chinese painter, infusing his works sensitivity of his own, be¬cause of his real-life experience, from his origins. For the " reading " of the cinema of Hou Hsiao-hsien, it is inevitably to return to the source, which builds the Chinese traditional artistic spirit — the nature - like the " Tao " that engender all things, but does not appro¬priate them, the nature implies a situation without forcing, which depends on nothing. It is not involved, but is in accordance with all the things by letting corne what cornes from oneself. Cinema of Hou Hsiao-hsien inherits from the nature represented in painting, and transposes it in the film domain with the representation in the content, the structure and the style: the relationship between inside and outside of the plan, the movement of camera, the construction of the filmic space, the coordination of sound and the image, etc. This research tries to analyse the elements and codes, which show the nature, to interpret the ways of this demonstration. The me¬thod applied in the research is one detailed analyses of the films of Hou Hsiao-hsien, the ideas exposed in the Chinese thought on the nature, in order to determine the way the thought of the nature expressed in the cinema of Hou Hsiao-hsien, and to explain the reasons why he is the heir and how he uses these ideas to create his own world

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Sarreau, Jérôme. "Le sublime et la représentation photographique de l'ouest américain au XIXè siècle [(1840-1912)]." Pau, 2008. http://www.theses.fr/2008PAUU1013.

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Abstract:

Au cours du 19è siècle, les Etats-Unis ont considérablement agrandi leur territoire. La partie occidentale du continent américain a progressivement été peuplée et industrialisée. Alors que des villes et usines étaient construites, la place de la nature régressait inexorablement. C'est dans ce contexte que des photographes sont partis vers l'Ouest afin de représenter les paysages encoresauvages mais aussi les merveilles technologiques qui commençaient à envahir cette région. Cette entreprise démontre l'attitude ambivalente des Américains du 19è siècle, à la fois éblouis par la beauté de la nature sauvage et attirés par le progrès technique. Il est donc significatif qu'ils aient considéré comme sublimes aussi bien les paysages sauvages crées par Dieu que les oeuvres des ingénieurs. On peut véritablement parler de transfert des valeurs au cours du siècle. La Nature, qui fut l'un des piliers dans la construction d'une authentique identité nationale, fut tout de suite associée au genre sublime, mais plus tard, ses caractéristiques furent transmises à l'Homme et l'idée de sublime fut alors associée aux machines. Une nouvelle forme de sublime est donc apparue en Amérique : le sublime technologique. Cette étude analyse le rôle des photographes dans cette évolution, qui pourrait être conçue comme une popularisation du sublime, mis à portée du plus grand nombre. Le corpus est principalement constitué de photographies réalisées par William Henry Jackson et Carleton E. Watkins. Les analyses de ces images permettent de mettre en évidence les éléments typiques du sublime. Ces photographies représentent tous les aspects de l'Ouest américain dans la deuxième moitié du 19è siècle : aussi bien les paysages sauvages que les tribus indiennes et l'industrialisation
During the 19th century, the territory occupied by the United States was significantly enlarged. The Western part of the American continent was progressively populated and industrialized. While towns and factories were built, the place of nature inexorably decreased. At that time, some photographers left for the West in order to represent the landscapes which were still in their pristine condition but also the technological wonders which were invading this area. Their undertaking shows the ambivalent attitude of 19th century Americans, who were both dazed by the beauty of the wilderness and lured by technical progress. It is thus significant that they considered as sublime not only the wild landscapes created by God but also the works of the engineers. We can really speak about a transfer of values during the century. Nature, which had been a pillar in the building of a genuine national identity, was associated with the sublime straightaway, but later, its characteristics were transferred to Man and the idea of sublime was then associated with the machines. A new form of sublime appeared in America : the technological sublime. This study analyzes the part played by photographers in this evolution, which could be seen as a popularization of the sublime, thus put within the reach of every American citizen. The corpus consists mainly of photographs taken by William Henry Jackson and Carleton E. Watkins. The analysis of these pictures emphasizes the typical characteristics of the sublime. These photographs represent all the aspects of the American West in the second half of the 19th century : the wilderness as well as the Indian tribes and the industrialization of the region

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Blin, Marie-Christine. "Art et écologie dans l'Amérique du dix-neuvième siècle, 1820-1890 : artistes pionniers et exploration visuelle." Le Havre, 2013. http://www.theses.fr/2013LEHA0013.

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Abstract:

On attribue souvent aux œuvres des peintres Albert Bierstadt et Thomas Moran et des photographes Carleton Watkins et William H. Jackson un impact certain sur la création des parcs nationaux de Yosemite et Yellowstone. Plutôt que de rechercher des preuves de leur influence sur les hommes politiques – preuves qui se révèlent ténues et appartiennent plus à la légende qu’à la réalité – cette thèse se propose d’étudier comment la représentation du paysage a pu progressivement, au cours de la période 1820-1890, façonner les esprits américains au point qu’ils puissent admirer cette nature sauvage qu’ils redoutaient depuis longtemps et en venir à prôner ou à accepter qu’on la préserve. Dans une première partie, nous aborderons l’évolution de l’image de la nature et de l’art depuis l’arrivée des premiers colons et leurs destins croisés. Dans la seconde partie, nous nous intéresserons aux facteurs qui firent des artistes des pionniers de l’esthétique et de la préservation, les envoyant en mission d’exploration pour étudier les éléments naturels et recréer les scènes observées. Puis nous analyserons les écrits de certains artistes où transparaît une sensibilité écologique précoce et les actions concrètes de ceux qui luttèrent pour préserver certains sites. Enfin, dans la troisième partie, nous examinerons les innovations technologiques ou artistiques et l’adaptation des traditions picturales européennes qui favorisèrent l’appropriation visuelle de la nature : panorama et stéréographie, alliance de la vision de loin et de haut et de la précision télescopique ou pastoralisation par une présence humaine, animale ou par l’alliance du sublime et du beau
The works of painters Albert Bierstadt and Thomas Moran and photographers Carleton Watkins and William H. Jackson are often credited with having been instrumental in the creation of the Yosemite and Yellowstone National Parks. Rather than look for evidence of their influence on politicians – evidence which turns out to be flimsy and the stuff of legend more than reality –this dissertation aims to study how landscape representation between 1820 and 1890 progressively shaped American mentalities so that people came to admire the wilderness they had dreaded for a long time and to advocate or accept its preservation. In the first part we will deal with the evolution of the image of nature and art since the arrival of the first settlers and their shared destinies. In the second part, we will look at how artists were made into aesthetic and environmental pioneers, sent on a mission of exploration to study the elements of nature thoroughly and recreate the scenes they had observed. Then we will analyze the writings of some artists which show a precocious ecological sensitivity and the concrete actions of those who fought for the preservation of certain sites. Finally, in the third part, we will examine the technological or artistic innovations and the adaptation of European pictorial conventions that favored the visual appropriation of nature : the panorama and the stereography, elevated vision from a distance and telescopic precision, as well as its pastoralization by human, animal presence or by the union of the sublime and the beautiful

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Urbain, Ruano Elise. "La mode du négligé et le portrait français : de la "sprezzatura" au "naturel" le "négligé", 1670-1790." Thesis, Lille 3, 2020. http://www.theses.fr/2020LIL3H006.

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Abstract:

Le choix des vêtements représentés dans un portrait est rarement anodin, et ceci est particulièrement vrai à l’époque moderne. Les significations de nombreux attributs et costumes officiels ont été largement étudiées et commentées, mais qu’en est-il des portraits en négligé ? À partir des années 1670, le sens du terme « négligé » prend une nouvelle acception moins péjorative et qualifie des vêtements confortables, opposés à la grande parure. Il s’agit de déterminer les circonstances qui amènent à une revalorisation du point de vue sur le négligé et expliquer son succès dans le portrait. La question est posée dans le cadre des relations entre la France et l’Angleterre faites d’alternance de périodes d’assimilation et de rejet dont les effets sur les pratiques artistiques ne sont plus à démontrer.Au XVIIIe siècle, le terme « négligé » désigne aussi bien des vêtements que des styles artistiques en peinture ou littérature, ou encore une attitude totalement artificielle liée chez les femmes au rituel codifié de la toilette : il concerne les pratiques sociales d’élites caractérisées par un souci constant de la représentation. Par certains aspects, le négligé évoque la « sprezzatura » de Baldassare Castiglione, mais au cours du XVIIIe siècle il est rapproché de, ou opposé à, l’idée de « naturel ». Enfin, la diffusion des modes négligées est à lier au rejet des codes de la parure, contribuant au brouillage de la hiérarchie sociale d’Ancien Régime et permettant une affirmation individuelle au détriment de l’identité de groupe. De nouvelles clefs de lecture sont ainsi données pour des portraits dans lesquels la représentation des vêtements ne paraissait pas significative
The choice of clothing depicted in a portrait is often meaningful, and this is especially true in the Early Modern Period and the Enlightment. The meanings of many official attributes and costumes have been extensively studied and commented on, but what about portraits « en négligé » ? From the 1670s onwards, the meaning of the French « négligé » took on a new, less pejorative meaning and qualified comfortable clothing, opposed to great adornment. This study aims at determining the circumstances that lead to a revaluation of the point of view on the « négligé » and explaining its wide use in portraits, in the context of relations between France and England, which are alternating periods of assimilation and rejection, the effects of which on artistic practices are no longer to be demonstrated. In the eighteenth century, the term « négligé » refers to clothing as well as artistic styles in painting or literature, or a totally artificial attitude linked, for women, to the codified ritual of the toilet : it concerns the social practices of elites, characterized by a constant concern for representation. In some ways, the « négligé » evokes the « sprezzatura » of Baldassare Castiglione, but during the eighteenth century it is associated to, or opposed to, the idea of « natural ». Finally, the « négligé » fashion is linked to the rejection of the codes of adornment, contributing to the blurring of the Ancien Regime social hierarchy, and allowing an individual affirmation at the expense of group identity. New reading keys are thus given for portraits in which the representation of clothing did not seem significant

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Silkina, Alla. "Les changements des propriétés physiologiques de quelques espèces de diatomées sous l'influence de biocides antifouling naturels et de synthèse." Lorient, 2007. http://www.theses.fr/2007LORIS086.

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Marie, Laurence. "L'acteur peintre de la nature. Esthétique du tableau et premières théories du jeu théâtral au XVIIIème siècle (France, Angleterre, Allemagne)." Thesis, Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040147.

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Abstract:

Cette thèse entend montrer comment la naissance de la théorie du jeu théâtral au XVIIIe siècle contribue à la mise en cause du modèle mimétique classique au profit d'un nouveau modèle expressif. Considérant trois aires culturelles (la France, l'Angleterre et l'Allemagne), elle adopte une démarche chronologique, qui vise à souligner les changements dans la façon d’entendre le parallèle entre l'acteur, le peintre et l’orateur. Il apparaît ainsi que la théorie du jeu tire sa légitimité d'une réhabilitation du spectacle visuel, qui donne lieu à une esthétique du tableau scénique mettant en lumière la spécificité du jeu. En ce sens, elle ne se constitue pas en rupture avec les traités d’actio, mais par une réinterprétation visuelle de leurs principes, en faveur d'une éloquence corporelle naturelle libérée des codes de la rhétorique. Dès lors, sous l’influence du sensualisme, la place centrale accordée au corps de l'acteur créateur conduit à une série d'expérimentations théoriques et pratiques qui portent sur la production et la réception du sentiment au théâtre, et qui sont alimentées par les échanges d'un pays à l'autre. Ces réflexions hybrides participent à la redéfinition des arts de la représentation en termes de relation esthétique entre un sujet créateur et un sujet récepteur, et au passage d'une conception imitative à une approche expressive du sentiment. La diffusion, par David Garrick, d'une certaine image de Shakespeare, dont la dramaturgie contrevient aux règles de la poétique classique, joue un rôle important dans le développement de la théorie du jeu visuel et dans la définition du théâtre comme texte et représentation
This work shows how the birth of acting in the eighteenth century calls into question the classical mimetic model in favour of a new expressive model. It examines three cultural areas: France, England, and Germany. It also adopts a chronological approch in order to analyse the changes undergone by the parallel between the actor, the painter and the orator. It then appears that acting theory draws its legitimacy from a rehabilitation of visual spectacle, which provokes the settling of an aesthetic of the stage paintng putting into light acting’s specificity. In that sense, acting theory does not emerge against writings on oratory action; on the contrary, it rises thanks to a visual re-interpreting of their principles freed from rhetorical codes. Hence, through the influence of sensualism, the major place given to the creative actor's body leads to theoretical and practical experimentations that concern the way to produce and to receive feelings, and which are nourished by multiple exchanges between the three countries. These hybrid reflections help redefine the art of representation as an aesthetic relation between a creating subject and a receiving subject. It contributes to the transition from an imitative conception of feeling to an expressive one. David Garrick’s spreading of a certain image of Shakespeare, whose dramaturgy offends the classical poetics rules, plays an important role in the development of a theory of visual acting an in the redefinition of theatre as text and representation

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Wängdahl, Lars. ""En natur för män att grubbla i" : individualitet och officialitet i varbergskolonins landskapsmåleri /." Göteborg : Univ, 2000. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb38972901s.

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André, Laury Nuria. "Formes et fonctions du paysage dans l'épopée hellénistique et tardive." Thesis, Lyon, École normale supérieure, 2012. http://www.theses.fr/2012ENSL0779.

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Abstract:

Notre travail se propose d'analyser les formes et les fonctions que peut revêtir le paysage dans un corpus de textes épiques posthomériques. Les Argonautiques d'Apollonios de Rhodes et leur réécriture tardive anonyme, les Argonautiques Orphiques, les Posthomériques de Quintus de Smyrne, la Prise d'Ilion de Triphiodore et les Dionysiaques de Nonnos de Panopolis nous offrent un champ d’investigation fructueux pour analyser les représentations littéraires du paysage de manière transhistorique. Nos textes opèrent une première transformation du paysage épique archaïque qui est d'abord l'image du monde avec laquelle il se confond (adéquation posée entre bouclier, île et monde) en détachant de cette équation le paysage pour lui conférer une plus grande autonomie. Le monde devient une mosaïque de paysages autonomes qui gagnent en épaisseur du fait qu'ils se chargent d'une dimension identitaire. La polymorphie du paysage donne alors sa texture mouvante au monde des Grecs : c'est la dimension plastique et artiste que le texte de poésie épique emprunte pour mettre en mots ces images du monde qui révèle les formes du paysage épique. Une diversité de schèmes paysagers émergent et ouvre l'intertexte littéraire à l'hétérogénéité des formes artistiques. De cette fusion de processus et de formes naît une singularité bien antique de perception et de traduction du paysage : la merveille. Paysage et merveille s'entremêlent étroitement au point de se substituer l'un à l'autre : c'est là une définition possible du paysage antique à partir de la période hellénistique. Mais le paysage ainsi identifié et construit appartient aussi au monde dont il contribue à imager la forme. Il est clairement localisé d'un point de vue géographique : image vivante d'une partie du monde il lui offre son identité par ses caractéristiques topiques singulières. Il est une forme d'identification régionale et confine au vernaculaire. Le paysage devient un instrument de promotion intellectuelle et culturelle. Entre diversité formelle et singularité locale, le paysage voyage entre fiction et réel : ses modalités de construction empruntent au littéraire et à l'artistique et s'étendent ensuite grandeur nature. Le genre épique, marqué par l'intertextualité innovante, fait du paysage l'image même du processus de transposition et d'adaptation. Manifestation de l'exercice d'une subjectivité antique singulière puis collective, instrument de mesure du travail de l'imaginaire à l’œuvre dans les processus complexes de réception littéraire et culturelle, le paysage antique entre transmission et invention, s'ouvre à l'expérience quotidienne et sociale. Son existence antique est effective
The undertaking of this work is to analyze the forms and functions that the landscape can take in a corpus of posthomeric epic texts. The Argonautica of Apollonius of Rhodes and its late anonymous rewriting The Orphic Argonautica, the Posthomerica of Quintus Smyrnaeus, the Ilioupersis of Triphiodorus, and The Dionysiaca of Nonnus Panopolitanus provide us with a fruitful field of investigation for the analysis of the literary representations of the landscape as transhistorical. Firstly, our texts operate one transformation of the archaic epic landscape that is first the image of the world with which it merges (the conformity placed between shield, island, and world) by separating the landscape from this equation and giving it greater autonomy. The world is a mosaic of autonomous landscapes that gain texture as they take on a dimension of identity. The polymorphism of the landscape then gives its moving texture to the world of the ancient Greeks : the plastic and artist dimension is borrowed by the Epic text to put into words the images of the world, which reveal epic landforms. A variety of landscape patterns emerges and opens the literary intertext to the heterogeneity of artistic forms. From this fusion of process and forms, a singularity arises, a singularity particularly antique of the perception and the translation of the landscape : wonder. Landscape and wonder mingle so narrowly as to substitute one for the other : this is a possible definition of the ancient landscape from the Hellenistic period. But the landscape as thus identified and constructed also belongs to the world the image of which it contributes to form. It is clearly localized in a geographical perspective : the landscape becomes a vivid picture of the world and the former offers the latter its identity by its unique topical characteristics. It is a form of regional identification and it is sometimes confined to the vernacular. The landscape becomes an instrument for intellectual and cultural promotion. Between formal diversity and local singularity, the landscape travels between fiction and reality : its construction methods borrow from the literary and artistic and then extend to nature. The epic genre, characterised by innovative intertextuality, makes the landscape the image of the process of transposition and adaptation. As a manifestation of the exercise of a singular and then a collective ancient subjectivity, the landscape is an instrument for measuring the unfolding of the imagination at work in the complex process of literary reception and cultural transmission ; the ancient landscape between transmission and invention, opens itself up to the everyday and social experience. Its ancient existence is effective

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Caviglia-Brunel, Susanna. "Charles-Joseph Natoire (1700-1777) dessinateur : étude critique et catalogue raisonné." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010569.

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Abstract:

Le peintre nîmois Charles-Joseph Natoire (1700-1777) fut l'un des représentants majeurs de la " génération de 1700 ", à côté de Subleyras, Jeaurat, Dandré-Bardon, Frontier, Dumont le Romain, Boucher, Trémolières, Carle Van Loo ou Blanchet. Apprécié au même titre que Boucher par les contemporains, très habile dans les grandes compositions décoratives, dessinateur virtuose et initiateur d'une nouvelle conception du paysage, Natoire tomba presque dans l'oubli au cours des dernières années de sa vie à cause du changement de goût qui se vérifia autour de la deuxième moitié du siècle et de son séjour prolongé à Rome en qualité de directeur de l' Académie de France. Dans notre thèse, nous nous proposons une étude sur Natoire dessinateur à la lumière de ses contacts, directs ou indirects, avec les artistes français et italiens contemporains et de l'influence des théories alors dominantes dans les deux pays où sa carrière se déroula, la France et l'Italie. Nos recherches ont visé par ailleurs à mieux définir les origines du peintre, le situer plus précisément dans le contexte de l' époque, déterminer quelle fut le rôle de ses maîtres Louis Galloche et François Lemoyne, ses références, sa personnalité. Le catalogue raisonné de ses dessins en constitue une partie essentielle

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Velescu, Elena. "La représentation des catastrophes naturelles en littérature et peinture dans l’espace culturel franco-allemand entre la deuxième moitié du XVIIIe siècle et le début du XIXe siècle." Thesis, Paris, EPHE, 2015. http://www.theses.fr/2015EPHE4048.

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Abstract:

Ce travail vise à rendre compte des relations créées entre les événements naturels de forte intensité et dont les conséquences destructrices les ont fait nommer catastrophes naturelles, en partant du fameux tremblement de terre de Lisbonne, en 1755 jusqu’au milieu du XIXe siècle, avec l’avènement des nouvelles techniques et sciences, ce qui a engendré un nouveau rapport entre l’homme et la Nature. Ce changement de la représentation de la catastrophe en littérature, mais aussi dans la peinture s’appuie sur des mutations culturelles dans le plan religieux, scientifique et esthétique, dont les traces évidentes nous avons essayé d’expliciter dans ce travail. L’enjeu de cette thèse est d’analyser les métamorphoses du discours écrit et visuel de la période mentionnée, et d’attirer l’attention sur le passage entre l’horreur suscitée par un événement catastrophique et la dimension sensorielle et la fascination provoquée par le spectacle des phénomènes naturels. Toutefois, nous avons recherché le symbolisme des motifs attachés aux grands mythes de l’humanité, tels le Déluge, le thème de transgression-punition-rédemption inscrit dans la catastrophe, qui se transforme dans un nouveau concept, un objet d’analyse, de réflexion et de contemplation, qui nous incite à voir différemment
This research aims to report on the relationships created among natural events of high intensity which can be categorized as natural disasters due to their destructive consequences starting with the famous earthquake of Lisbon in 1755 until the mid-nineteenth century, the advent of new technology and science, which created a new relationship between man and nature. This change in catastrophe representation in literature but also in the painting is based on religious, scientific and aestethetic changes, the key elements that we explored in this work. The aim of this dissertation is to analyze the metamorphoses of writing and visual discourse of the above-mentioned period and draw attention to the transition from horror triggered by a catastrophic event to a sensory dimension and fascination caused by the spectacle of natural phenomena. We also examined the symbolism of the motifs attached to the great myths of humanity, such as the Flood, the theme of transgression-punishment-redemption part of the disaster, which generates into a new concept, an object of analysis, reflection and contemplation, which inspires us to see the catastrophic events differently

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Alves, Fabíola Cristina [UNESP]. "A lição Viscontiana." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2016. http://hdl.handle.net/11449/141988.

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Abstract:

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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Dans le texte Visconti face aux générations modemes (1950) , le critique Mário Pedrosa suggérait que les premiers artistes modernes brésiliens auraient dO étudier la communicabilité entre l'homme et la nature à partir des peintures de Eliseu Visconti et non uniquement avec les idées importées de l'Europe, puisque au Brésil il existait déjà des enseignements en relation aux reuvres de cet artiste. À partir du texte de Mário Pedrosa, cette recherche développe une réflexion sur les contextes qui touchent directement le parcours et la production de Eliseu Visconti, mais plus spécifiquement ses peintures de paysages. Nous cherchons à comprendre les expériences viscontiennes qui lui ont mené à développer les leçons que l'on peut tirer des paysages, à partir d'une lecture qui s'enrichie des contributions des éléments historiques, philosophiques et anthropologiques. Vient s'y rajouter les préoccupations esthétiques. Les contextes sont reconstitués et discutés, dans l'intention de mieux comprendre la relation de Eliseu Visconti avec l'expérience d'être ou de ne pas être un homme moderne en période de modernités multiples en tenant compte des concepts de modernité, transitoire et monde vécu, nous avons repensé le "lieu" de Eliseu Visconti dans notre mémoire. Nous relisons la façon de concevoir la nature et le paysage dans l'art, pour élaborer les notions de peintre habitant et de peintre non habitant dans cette étude. Nous réfléchissons sur la maniêre dont Eliseu Visconti cesse d'être un peintre non habitant pour devenir un peintre habitant révélant l'ensemble de ses peintures de paysages une leçon sur la communicabilité entre l'homme et la nature, qui a été introduite par les réalisations des premiers artistes modernes et reste actuelle par l'appréciation du public contemporain.
No texto Visconti diante das modernas gerações (1950), o crítico Mário Pedrosa sugere que os primeiros artistas modernos brasileiros deveriam ter aprendido a comunicabilidade entre o homem e a natureza com as pinturas de Eliseu Visconti e não apenas ter importado ideias da Europa, pois no Brasil já haviam aprendizados indispensáveis na obra desse artista. Partindo do referido texto de Mário Pedrosa, esta pesquisa desenvolve uma reflexão sobre os contextos que tocam diretamente ou não a trajetória e a produção de Eliseu Visconti, mais especificamente suas pinturas de paisagem. Procuramos compreender as experiências viscontianas que o levaram a desenvolver o ensinamento contido nas suas pinturas de paisagem a partir de uma leitura que se beneficia das contribuições de abordagens históricas, filosóficas e antropológicas, incluindo preocupações estéticas. Os contextos são reconstruídos e discutidos, no intento de melhor entender a relação de Eliseu Visconti com a experiência de ser ou não ser um homem moderno em tempos de múltiplas modernidades. Considerando os conceitos de modernidade, transitoriedade e mundo vivido, repensamos o “lugar” de Eliseu Visconti na nossa memória. Revisamos os modos de conceber a natureza e a paisagem na arte, para no estudo elaborar as noções de pintor inabitante e pintor habitante. Discorremos sobre os modos pelos quais Eliseu Visconti deixa de ser um pintor inabitante para se tornar um pintor habitante ao revelar no conjunto de suas pinturas de paisagem uma lição sobre a comunicabilidade homem e natureza, que estava aberta à fruição dos primeiros artistas modernos e continua atualizada para a apreciação do espectador contemporâneo.

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Boyer, Sarah. "D’après l’antique et les maîtres : copies dessinées des pensionnaires de l’Académie de France à Rome et de leur entourage sous la direction de Charles-Joseph Natoire (1752-1775)." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040130.

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Abstract:

L’objet de cette thèse porte sur la pratique de la copie d’après l’antique et les maîtres à l’Académie de France à Rome sous la direction de Charles-Joseph Natoire entre 1752 et 1775. Il s’attache au domaine du dessin et s’étend aux artistes qui gravitent dans l’orbite de cette institution. Sont examinés tout d’abord le cadre institutionnel, le lieu et les enseignements obligatoires afin de définir le contexte dans lequel se pratique le dessin d’après l’antique et les maîtres. La réalisation de copies peintes en dehors du palais Mancini ouvre sur la question d’une dichotomie entre modèles imposés et choix des pensionnaires lors de l’exécution d’études dessinées dans les basiliques, les églises, les palais et les musées de Rome. La deuxième partie propose une analyse comparative entre les sources antiques puis modernes sélectionnées et les interprétations graphiques des pensionnaires. Elle offre un aperçu des lieux les plus fréquentés, des types d’œuvres privilégiés et de la réception de l’antiquité comme des sculptures et des peintures du Quattrocento au Settecento. L’examen des commandes de quatre amateurs démontre leur influence sur les travaux des pensionnaires et permet de définir d’autres formes d’utilisation des copies dessinées. Enfin, nous nous intéressons à la conservation et à la circulation des dessins comme témoignages matériels des relations entres pensionnaires et proches de l’Académie. Elles reflètent des pratiques artistiques individuelles ou partagées. Elles attestent le rôle de modèle assumé par certains et les fonctions de la copie par-delà le séjour à Rome
The aim of this dissertation covers the practice of copying after the Antique and Masters at the French Academy in Rome while Charles-Joseph Natoire was its director between 1752 and 1775. It relates to the field of drawing and extends to the artists who gravitated around this institution. First the institutional context is considered, the premises and compulsory classes, in order to define the context in which drawing after the Antique and the Masters was practiced. The creation of painted copies outside the Palazzo Mancini raises the question of a dichotomy between models imposed and the choices of the pensionnaires when they were drawing studies in the basilicas, churches, palaces and museums of Rome. The second section provides a comparative analysis between the ancient and modern sources chosen and the pensionnaires’ interpretation of them. It provides an overview of the most commonly visited locations, the types of works favoured and the reception both of antiquity and sculptures and paintings from the Quattrocento to the Settecento. A study of four connoisseurs who commissionned drawings shows their influence on the pensionnaires’ work and allows other uses of drawn copies to be defined. Finally the conservation and circulation of drawings as material evidence of the relations between pensionnaires and those close to the Academy is examined. These confirm the role as a model assumed by some and the functions of the copy beyond an artist’s time as a student in Rome

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Le, Norcy Tiffany. "Étude et valorisation de composés naturels ou d’analogues de synthèse contrôlant l’adhésion de salissures marines." Thesis, Lorient, 2017. http://www.theses.fr/2017LORIS453/document.

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Abstract:

Le développement de salissures marines (ou biofouling) est à l’origine de nombreux problèmes économiques et écologiques. Ces salissures marines sont constituées de microorganismes (bactéries, microalgues…) formant le microfouling sur lequel va se développer le macrofouling constitué de macroorganismes tels que les algues, coquillages et éponges. La formation de ces salissures va induire un ralentissement des navires provoquant une surconsommation de carburant. De plus, l’utilisation de revêtements antisalissures ou peintures antifouling à base de métaux lourds et de biocides dans le passé a conduit à des problèmes environnementaux. L’objectif de la thèse est de rechercher une alternative aux composés actuellement utilisés (cuivre) en respectant le milieu marin. L’environnement est une source d’inspiration, une approche biomimétique pourrait être une stratégie de lutte efficace contre le biofouling. Dans une première partie, un criblage d’une centaine de composés est réalisé contre des souches bactériennes. Huit composés issus des deux familles : les batatasins et les hemibastadins sont étudiées en vue de comprendre leurs modes d’action. Parmi les composés sélectionnés, la famille des hemibastadins comprenant le DiBromoHemiBastadin-1 (DBHB) a montré des propriétés antifouling prometteuses. En effet, cette molécule est capable d’inhiber 50 % la formation du biofilm avec une IC50= 6,44 µg/mL pour la bactérie Pseudomonas aeruginosa PAO1 et une IC50 = 12,8 µg/mL pour la bactérie marine Paracoccus sp. 4M6. Afin de comprendre le mode d’action de cette molécule, son impact sur la communication bactérienne, le quorum sensing est étudié et le composé DBHB est capable de l’inhiber. Dans une seconde partie, un autre groupe d’organismes participant au microfouling est étudié : les microalgues. Afin d’évaluer l’impact de composés de la famille des hemibastadins et notamment du DBHB, l’adhésion et la formation de biofilm de microalgues sont étudiées. Le DBHB montre des inhibitions de l’adhésion et de la formation du biofilm uniquement envers la diatomée Cylindrotheca closterium. Une dernière partie, s’est intéressée à l’évaluation de revêtements contenant six composés de la famille des batatasins et des hemibastadins sur le microfouling naturel. Une méthode d’immersion de revêtements en conditions contrôlées (photobioréacteur) est mise au point afin de pallier aux contraintes environnementales. L’ensemble de cette étude a permis de mettre en évidence les propriétés antifouling du DBHB et de caractériser son mode d’action. Ce composé offre d’intéressantes voies d’étude dans la lutte contre le biofouling. De plus, l’approfondissement des connaissances sur les procédés d’adhésion et de formation de biofilm de microalgues permet de définir de nouvelles stratégies de lutte
Biofouling induces important economic and ecological problems. This phenomenon includes microorganisms (bacteria, microalgae…) giving the microfouling which allows the macrofouling development with algae, invertebrates and sponges. These organisms colonize every immersed surface as boat hull. The colonization induces reduced speed of ships and fuel overconsumption. In the past, the utilization of AF coatings with heavy metals or pesticides caused environmental problems. The purpose of the study is to find an alternative to AF compounds (copper) respecting the marine medium. The marine environment is an inspiration; a biomimetic approach could be an interesting strategy to inhibit biofouling. In a first part, a screening of one hundred compounds is realized against marine and terrestrial bacteria. Eight molecules from two families (batatasins and hemibastadins) are studied to understand the way of action. Among selected compounds, Dibromohemibastadin-1 (DBHB) from hemibastadin family shows promising AF activities. This molecule is able to inhibit the biofilm formation with an IC50 of 6,44 µg/mL against the bacterium Pseudomonas aeruginosa PAO1 and 12,8 µg/mL for the marine bacterium Paracoccus sp. 4M6. To identify the way of action of DBHB, the impact on the bacterial communication named quorum sensing is investigated. The molecule shows an anti-quorum sensing property. In a second part, another group participating at microfouling is studied: microalgae. In order to evaluate the impact of hemibastadin family in particular DBHB, microalgae adhesion and biofilm formation are characterized. DBHB induces inhibition only on the adhesion and the biofilm formation of the diatom Cylindrotheca closterium. The last part presents the formulation of coatings containing six compounds from the batatasin and hemibastadin families. These coatings have been immersed in a harbor to evaluate the impact on natural microfouling. Furthermore, a new method for the evaluation of AF coatings is developed in controlled conditions, in a photobioreactor. This method allows the evaluation of coatings on the formation of a mixed biofilm (bacteria and microalgae). This method has been established to avoid environmental constraints by immersion in natural condition. This study allows the characterization of the AF property of DBHB. This compound provides promising research path to limit biofouling. Moreover, the development of a test allowing adhesion and microalgae biofilm formation in dynamic condition improves the characterization of compounds activities

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Desrosiers, Jonathan Marc. "Les mythes dans le théâtre de Michel Marc Bouchard et de Michel Ouellette : de l'emprunt à l'empreinte." Thèse, Université d'Ottawa / University of Ottawa, 2012. http://hdl.handle.net/10393/23603.

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Abstract:

Le mythe et le théâtre entretiennent une relation qui demeure problématique. Si pour certains historiens le théâtre, dès ses origines, s’est inspiré des mythes en y puisant ses arguments, pour d’autres, c’est à la tragédie que les mythes doivent leur inscription dans l’Histoire. À notre époque, les héros mythiques sont toujours des références théâtrales obligées dont le traitement est très révélateur des intentions d’un auteur. C’est dans cette perspective et à la lumière de la mythocritique qu’est analysé l’hypotexte mythologique de plusieurs pièces de Michel Marc Bouchard et Michel Ouellette pour l’envisager ensuite comme un procédé de génétique textuelle. Cette approche a permis de mettre au jour les rapports qui lient les topoï de prédilection des deux dramaturges aux mythes de référence et de dégager l’évolution de leurs « mythes personnels » au travers de leur production.

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Blachot, Jean-François. "Étude des propriétés rhéologiques des solutions cellulose/monohydrate de N-oxyde de N-méthylmorpholine (NMMO) : filage de cellulose extraite de paille de blé : structure et fibrillation des fils obtenus." Université Joseph Fourier (Grenoble ; 1971-2015), 1995. http://www.theses.fr/1995GRE10189.

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Une etude originale des proprietes rheologiques de solutions de cellulose dissoute dans du monohydrate de n-oxyde de n-methylmorpholine (nmmo) nous a permis de determiner l'influence de la concentration et de la masse molaire de la cellulose sur les valeurs de la viscosite newtonienne et du temps d'ecoulement qui evoluent respectivement comme c#4#,#6m#5 et c#2#,#7m#5. D'autre part, des mesures effectuees en spectrometrie mecanique a differentes temperatures ont permis d'elaborer une courbe maitresse decrivant le comportement de ces solutions depuis l'etat visqueux jusqu'a l'etat vitreux. Nous avons aussi file par voie humide des solutions contenant 10% de pates cellulosiques, plus ou moins raffinees, qui ont ete extraites de la paille de ble grace a un traitement par explosion a la vapeur. Les fils d'un diametre de 13 micrometres presentent une structure fibrillaire tres orientee pouvant conduire a des delaminations de surface. Ce phenomene designe sous le nom de fibrillation est fonction de la nature et de la concentration en lignines. L'analyse de la structure, et plus particulierement, de la dechirure longitudinale des fils montre que la fibrillation est reliee a la cohesion laterale des fibrilles. Par ailleurs, dans une application de type materiaux composites, cette fibrillation augmente le renfort produit par les fibres dans les matrices de polymeres

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Nguyen, Minh Tuan. "Contribution à l'optimisation des processus de filature des fibres libériennes." Mulhouse, 1996. http://www.theses.fr/1996MULH0440.

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Abstract:

La régularité de masse linéique (titre) des structures textiles linéaires produites en filature constitue le critère de qualité le plus important. En se basant sur les théories stochastiques classiques de l'étirage en grappes des fibres textiles individualisées, l'auteur a proposé une modélisation originale et très générale applicable à toutes les fibres, individualisées ou agglomérées sous forme de faisceaux fibreux ; cette théorie concerne tout particulièrement les fibres libériennes telles que le jute et le lin qui se présentent toujours sous forme de «faisceaux techniques» dissociables au cours du processus de filature. Les développements théoriques ont été totalement validés par une expérimentation industrielle approfondie réalisée dans le centre d'essais N. Schlumberger, premier constructeur français de matériel de filature. Enfin, la limite de filabilité a été discutée

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Misiko, Juma Asborn. "« Vers la mise en tourisme du patrimoine ethno-culturel de l’ouest kenyan. Tourisme international et domestique dans les régions du lac Victoria et de Bungoma »." Thesis, Lyon 2, 2012. http://www.theses.fr/2012LYO20106/document.

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Abstract:

Pour devenir une importante destination touristique internationale et pas seulement subsaharienne, le Kenya a besoin de lieux et de produits touristiques renouvelés offerts de manière croissante par les sites mémoriels et les musées régionaux situés dans l’ensemble du pays, mis en tourisme récemment en direction des touristes domestiques. Cette nouvelle tendance permettra de décongestionner les sites et les régions touristiques phares (parcs de Masaï Mara, de Amboseli, lac Nakuru et la côte swahili), saturés dans leur fréquentation double, à la fois celle des touristes internationaux, mais aussi celle croissante, des touristes intérieurs. Grâce à l’approche multidisciplinaire (géographie du tourisme, celle du développement et celle de la culture), appuyée par les données obtenues à travers les entretiens semi-directifs, les questionnaires, les tables rondes, l’analyse documentaire et l’observation sur le terrain, notre recherche tente de démontrer comment le patrimoine matériel et immatériel des groupes ethno-culturel du Kenya occidental peut être mis en tourisme. Notre investigation traite de la région du lac Victoria et de Bungoma, principalement sur les sites d’Abasuba Rock Art Paintings, de Kit Mikayi et de Namakanda. Les populations locales autour de ces sites développent des stratégies différenciées en fonction de leur appartenance ethnique, que nous appréhendons du point de vue de la stratégie d’acteurs et des projets de développement touristiques
To become an important international tourism destination and not only in Subsaharan, Kenya needs renewed tourism places and products majorly consisting of memorial sites and regional museums spread throughout the country, recently developed for domestic tourists. This new initiative will decongest the major tourist sites and regions (reserve of Masai Mara, parks of Amboseli, lake Nakuru and Swahili coast), saturated due to double visitation (international and domestic tourists) Through a multidisciplinary approach (geography of tourism, cultural geography and geography of development), supported by data collected through semi-direct interviews, focus groups, questionnaires, field observation and analysis of existing literature, our research attempts show how the material and immaterial cultural heritage of the ethno-cultural groups of Western Kenya can be developed for tourism. Our investigation examines the regions of lake Victoria and Bungoma, particularly the sites of Abasuba Rock Art Paintings, Kit Mikayi and Namakanda. The host communities of these sites are developing strategies informed by their ethnic affiliation, that we study from the point of view of stakeholders’ strategy and development of tourism projects

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Laliberté, Bianca. "Deux scènes de cannibalisme dans la peinture de Francisco de Goya y Lucientes : essai pictural sur la nature humaine." Thèse, 2016. http://hdl.handle.net/1866/18745.

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Abstract:

Ce mémoire vise à élargir, à l'aune d'une approche herméneutique jaussienne, l’interprétation de deux tableaux de Goya portant des titres qui leur ont été donnés a posteriori : "Cannibales montrant des restes humains" (1800-1808?) et "Cannibales préparant leurs victimes" (1800-1808?). Notre analyse se fonde en premier lieu sur une description de la matérialité des œuvres ; nous fournissons la première lecture de la relation entre ces tableaux et en défendons par ailleurs le statut de diptyque. Nous proposons ensuite une analyse critique de la réception des deux tableaux. Puis, dans la mesure où ces œuvres sont les premiers exemples où apparaissent en peinture des « sauvages » cannibales, nous explorons l'horizon iconographique du cannibalisme afin d'y chercher des images comparables. Cette tradition figurative paraît se réduire à trois catégories, à savoir: l’image coloniale, la caricature et la peinture mythologique. Ensuite, en partant de l'hypothèse répandue et héritée du romantisme que ces œuvres constituent des représentations de la nature humaine, nous tentons de les réinscrire dans l'horizon historique et philosophique dont est issue cette notion. Nous nous penchons tout spécifiquement sur les pensées philosophiques de Thomas Hobbes et de Jean-Jacques Rousseau, qui articulent des conceptions contraires de la nature humaine : si pour l’un, celle-ci est cruelle, pour l’autre elle est fondamentalement bonne. Ainsi, pourrons-nous mieux situer ces deux tableaux par rapport à cette notion à l’aune de son contexte d’émergence spécifique, notion que Goya a certainement découvert à travers les Ilustrados qui incarnent la philosophie des Lumières en Espagne. Nous désirons démontrer de quelle manière ces œuvres pensent et comment, par l'entremise de leurs propres moyens, elles en viennent à se distancier, en les dépassant, les horizons iconographique et philosophique dont elles participent.
The present research project aims to broaden the interpretations of two paintings of Francisco de Goya, whose titles were attributed to them a posteriori: "Cannibals Gazing at their Victims" (1800-1008?) and "Cannibals Preparing their Victims" (1800-1008?). The analysis begins with a description of the materiality of the paintings. This section represents the first reading of the works’ structural connections, and suggests that the two images are in fact two parts of a diptych. We will then delve into a critical exploration of their reception. Since these images are the two first examples of cannibal figures inspired by colonial imagery to appear in the Western art historical tradition of painting, we explore the iconographical horizon of cannibalism in order to find comparable images, the likes of which are divided into three categories: colonial images, caricature, and mythological paintings. Afterwards, considering the widespread and romantic interpretation of these paintings as representations of human nature, we will attempt to reinscribe them within the historical and philosophical spheres from which this notion derives. We focus on the ideas of Thomas Hobbes and Jean-Jacques Rousseau, whose conceptions of human nature are contradictory towards each other. While Hobbes suggests that the nature of humanity is cruel, Rousseau deems it fundamentally good. This notion is one that Goya probably encountered himself while frequenting the Ilustrados – or, the more prominent figures of the Spanish Enlightenment. As a result, we will be able to situate the two paintings with respect to their specific context of emergence. Through the examination of these horizons, we aim to demonstrate the ways in which these two paintings think, and how, through their own resources, they deviate from – or even surpass – the iconographical and philosophical situations from which they hail, and to which they respond.

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Ferrero, Sebastian. "Representación de la naturaleza y el espacio en la pintura andina de los siglos XVII y XVIII." Thèse, 2016. http://hdl.handle.net/1866/18466.

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Abstract:

Pour respecter les droits d’auteur, la version électronique de cette thèse a été dépouillée des documents visuels. La version intégrale de la thèse a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.
Pendant la période coloniale, le grand sujet de la nature fut différemment instrumentalisé selon les intérêts particuliers des secteurs distincts de la société coloniale péruvienne. Fondamentale comme outil d'évangélisation, mais surtout comme espace de canalisation de la religiosité et de la spiritualité coloniale, la nature a su se manifester de manière diverse dans la production artistique de la vice-royauté du Pérou. Dans cette thèse, nous nous penchons sur le phénomène de la représentation de la nature dans la peinture andine coloniale, en nous concentrant en particulier sur la région occupée actuellement par le Pérou et la Bolivie, et sur une périodisation qui comprend principalement les XVIIe et XVIIIe siècles. Ce travail cherche à approfondir une problématique qui a été majoritairement oubliée ou sous-estimée par le discours critique de l’histoire de l’art de la période coloniale. Nous aborderons cette problématique à partir de différentes perspectives. Cependant, l'aspect religieux semble l’élément fondamental pour expliquer les principaux enjeux derrière ce geste pictural. La peinture de la nature et de l'espace fut représentative des valeurs et des fondements spirituels de la religiosité coloniale. Les andins ont pensé la nature comme un moyen de visualiser des expériences métaphysiques profondes, de repenser les identités religieuses et d’accorder aux images des pouvoirs magico-religieux qui s’avéraient essentiels pour le bien-être de différentes communautés. Bien que l’étude des rapports religieux soit indispensable pour élucider cette structure symbolique complexe, tant pour la peinture de paysage (comme unité organique), que pour la représentation des éléments individuels, la représentation de la nature a révélé, dans bien d'autres cas, des préoccupations concrètes directement liées aux circonstances, autant politique qu’ historique, de la société coloniale, en s’adaptant aux changements constants d’un espace et d’une société en transformation. Loin d'être uniquement soumis à l'exercice décoratif, ou dans le cas de la peinture religieuse, de remplir la fonction de contexte pictural, les peintres coloniaux ont valorisé cet élément en l'abordant comme un objet individuel, chargé de pouvoir symbolique et capable de transmettre des messages et de produire des discours, toujours en lien avec les préoccupations des différents secteurs de la société coloniale.
In the colonial period, the great subject matter of nature was instrumentalized by different sectors of Peruvian vice regal society. Essentially as an evangelization tool, but also as a space where colonial religiosity was manifested, the representation of nature was interpreted in different ways by artists and consumers of vice regal paintings. In this dissertation, we analyze the representation of nature in colonial Andean painting, focusing especially on the Central Andean region (currently covered by Peru and Bolivia) in the seventeenth and eighteenth centuries. This work seeks to move forward on an issue that has been largely underestimated by critical discourse of art history regarding the Latin American colonial period. We will discuss this problem from different perspectives. However, the religious aspect seems to be above all a fundamental element to explain the key issues behind this pictorial manner. The representation of nature was consistent with spiritual values that forged colonial religiosity. Andean people considered nature as a way to visualize deep metaphysical experiences by rethinking religious identities and granting to the images magical-religious powers essential for the well-being of communities. Beyond the religious aspect, we focus on the analysis of other consequences and interests that are related to the different forms of representation of territories and elements of nature, allowing different social groups to assert their ideological, political and cultural positions. The representation of nature and space in colonial painting was never a simple decorative object, nor, in the case of religious painting, did it fulfil the role of scenographic framework and background to pictorial stories. The colonial painters treated this element with particular concern, conceding it special value and narrative powers, according to different preoccupations in colonial society.

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zhu, cui. "Symbolique florale dans le tableau de Jean-Baptiste Belin de Fontenay Vase d’or, fleurs et buste de Louis XIV (1687)." Thèse, 2012. http://hdl.handle.net/1866/8412.

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Abstract:

Le tableau de Jean-Baptiste Belin de Fontenay intitulé Vase d’or, fleurs et buste de Louis XIV est le morceau de réception que le peintre a présenté à l’Académie royale de peinture et de sculpture en 1687. Malheureusement peu étudié, ce tableau n’en comporte pas moins trois problématiques très intéressantes. Tout d’abord, il rassemble trois genres de peinture dans une seule composition : la nature morte, le portrait et la peinture d’histoire, illustrés respectivement par les fleurs, le buste du roi et la pièce d’armure. L’association de ces trois genres dans un tableau de nature morte est peu commune dans la peinture française du 17e siècle. Il est donc nécessaire de vérifier s’il existe un lien entre les fleurs, l’image de Louis XIV et l’armure. Ensuite, le contraste entre la polychromie des fleurs et la monochromie de la sculpture et de l’ameublement est frappante ; il est possible de lier ce contraste au phénomène des débats entre le dessin et la couleur de l’Académie royale de peinture et de sculpture à la deuxième moitié du 17e siècle. D’ailleurs, les fleurs, qui n’étaient pas le sujet central dans le programme original de Le Brun, deviennent le sujet principal du tableau et occupent une place plus importante que le buste de Louis XIV. Cette modification n’a cependant pas choqué les juges de l’Académie puisque la toile a été acceptée sans contestation. Elle amène donc à s’interroger sur la hiérarchie des genres de peinture qui est la doctrine officielle de l’Académie royale de peinture et de sculpture de l’époque. Le noyau de la recherche consiste à vérifier si les fleurs n’occupent qu’une simple fonction décorative ou si elles peuvent être associées à des symboles. Notre recherche examine d’abord l’utilisation des symboles floraux dans la culture française du 17e siècle. Par la suite, elle étudie cette utilisation dans le domaine politique, à savoir que les fleurs pourraient être liées à la louange de Louis XIV. Enfin, elle analyse les domaines artistiques et esthétiques, c’est-à-dire la façon dont le tableau reflète, par l’utilisation des symboles floraux, l’évolution des théories de l’art, la hiérarchie des genres de peinture et les débats du dessin et de la couleur, en France, durant la deuxième moitié du 17e siècle.
The painting by Jean-Baptiste Belin de Fontenay, Vase d’or, fleurs et buste de Louis XIV, is a reception piece of the french academician painter to the Académie royale de peinture et de sculpture in 1687. Unfortunately having been little studied, this painting reveals three very interesting issues. First of all, it contain three kind of painting in one composition: still life, portrait and history painting, illustrated respectively by the flowers, the bust of Louis XIV and the piece of armor. The combination of these three types in a still life is uncommon in the 17th century French painting. It is therefore necessary to check if there is a link between the flowers, the picture of Louis XIV and the armor. Then, the contrast between the polychrome of the flowers and the monochrome of the sculpture and furniture is striking, it is possible to associate this contrast to the phenomenon of the debates between drawing and color of the Académie royale de peinture et de sculpture during the second half of the 17th century. Moreover, the flowers, which were not the central subject in the original program of Le Brun, become the main subject of the table and occupy a more important place than the bust of Louis XIV. This change has not shocked the judges of the Academy since the painting was accepted without question. It therefore leads to think about the hierarchy of genres of painting, which was the official doctrine of the Académie royale de peinture et de sculpture at the time. The core of this research is to see if the flowers occupy a mere decorative function, or whether they may be associated with symbols. Our research will verify the employ of floral symbols in French culture of the 17th century and then developed this employ not only in the political field, which means the flowers are in praise of Louis XIV, but also in the aesthetics domain, that is to say how the painting reflects by employing floral symbols the evolution of the theories of art in France during the second half of the 17th century, the hierarchy of genres of painting and the debates between drawing and color.

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Zhu, Cui. "Symbolique florale dans le tableau de Jean-Baptiste Belin de Fontenay Vase d’or, fleurs et buste de Louis XIV (1687)." Thèse, 2012. http://hdl.handle.net/1866/8412.

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Abstract:

Le tableau de Jean-Baptiste Belin de Fontenay intitulé Vase d’or, fleurs et buste de Louis XIV est le morceau de réception que le peintre a présenté à l’Académie royale de peinture et de sculpture en 1687. Malheureusement peu étudié, ce tableau n’en comporte pas moins trois problématiques très intéressantes. Tout d’abord, il rassemble trois genres de peinture dans une seule composition : la nature morte, le portrait et la peinture d’histoire, illustrés respectivement par les fleurs, le buste du roi et la pièce d’armure. L’association de ces trois genres dans un tableau de nature morte est peu commune dans la peinture française du 17e siècle. Il est donc nécessaire de vérifier s’il existe un lien entre les fleurs, l’image de Louis XIV et l’armure. Ensuite, le contraste entre la polychromie des fleurs et la monochromie de la sculpture et de l’ameublement est frappante ; il est possible de lier ce contraste au phénomène des débats entre le dessin et la couleur de l’Académie royale de peinture et de sculpture à la deuxième moitié du 17e siècle. D’ailleurs, les fleurs, qui n’étaient pas le sujet central dans le programme original de Le Brun, deviennent le sujet principal du tableau et occupent une place plus importante que le buste de Louis XIV. Cette modification n’a cependant pas choqué les juges de l’Académie puisque la toile a été acceptée sans contestation. Elle amène donc à s’interroger sur la hiérarchie des genres de peinture qui est la doctrine officielle de l’Académie royale de peinture et de sculpture de l’époque. Le noyau de la recherche consiste à vérifier si les fleurs n’occupent qu’une simple fonction décorative ou si elles peuvent être associées à des symboles. Notre recherche examine d’abord l’utilisation des symboles floraux dans la culture française du 17e siècle. Par la suite, elle étudie cette utilisation dans le domaine politique, à savoir que les fleurs pourraient être liées à la louange de Louis XIV. Enfin, elle analyse les domaines artistiques et esthétiques, c’est-à-dire la façon dont le tableau reflète, par l’utilisation des symboles floraux, l’évolution des théories de l’art, la hiérarchie des genres de peinture et les débats du dessin et de la couleur, en France, durant la deuxième moitié du 17e siècle.
The painting by Jean-Baptiste Belin de Fontenay, Vase d’or, fleurs et buste de Louis XIV, is a reception piece of the french academician painter to the Académie royale de peinture et de sculpture in 1687. Unfortunately having been little studied, this painting reveals three very interesting issues. First of all, it contain three kind of painting in one composition: still life, portrait and history painting, illustrated respectively by the flowers, the bust of Louis XIV and the piece of armor. The combination of these three types in a still life is uncommon in the 17th century French painting. It is therefore necessary to check if there is a link between the flowers, the picture of Louis XIV and the armor. Then, the contrast between the polychrome of the flowers and the monochrome of the sculpture and furniture is striking, it is possible to associate this contrast to the phenomenon of the debates between drawing and color of the Académie royale de peinture et de sculpture during the second half of the 17th century. Moreover, the flowers, which were not the central subject in the original program of Le Brun, become the main subject of the table and occupy a more important place than the bust of Louis XIV. This change has not shocked the judges of the Academy since the painting was accepted without question. It therefore leads to think about the hierarchy of genres of painting, which was the official doctrine of the Académie royale de peinture et de sculpture at the time. The core of this research is to see if the flowers occupy a mere decorative function, or whether they may be associated with symbols. Our research will verify the employ of floral symbols in French culture of the 17th century and then developed this employ not only in the political field, which means the flowers are in praise of Louis XIV, but also in the aesthetics domain, that is to say how the painting reflects by employing floral symbols the evolution of the theories of art in France during the second half of the 17th century, the hierarchy of genres of painting and the debates between drawing and color.

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Dissertations / Theses on the topic 'Peinture et nature'

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