Academic literature on the topic 'Peinture figurative – 20e siècle – Critique et interprétation'

L’étude de l’oeuvre du poète Gottfried Benn (1886–1956) et des peintres Max Beckmann (1884–1950) et George Grosz (1893–1959) est exemplaire pour informer les figurations du corps au début du XXe siècle, qui ouvrent sur une comparaison fertile du texte et de l’image. En effet, nombre de questionnements de ces trois artistes sur la ‹ nature › de l’homme, de son corps, de son identité et de son rapport à la réalité se rejoignent, dans un contexte générationnel marqué par l’historisme et une modernité vécue comme « crisologique » selon le terme de Gérard Raulet. L’oeuvre de Benn, s’avère particulièrement bien saisissable dans la tension entre ces deux peintres. La comparaison des oeuvres s’effectue à partir de leurs structures profondes, c’est-à-dire de signes iconographiques ou stylistiques particuliers qui informent la démarche artistique et idéelle sous-tendant l’oeuvre. Ce travail analyse le corps dans sa rupture ‹ grotesque › par rapport aux idéaux classiques et place celui-ci en rapport avec une ouverture fantastique du réel. Il interroge le positionnement de ces artistes au sein de la modernité classique et des avant-gardes et nuance les tentatives récentes de la critique de faire de Grosz et de Benn en particulier des précurseurs du postmoderne. Il permet finalement de jeter une lumière nouvelle sur la part d’ombre que constitue toujours l’allégeance temporaire prêtée par Gottfried Benn au régime nazi, sachant que Beckmann et Grosz se sont, eux, tenus loin des sirènes du nazisme
This study on the work of the poet Gottfried Benn (1886–1956) and the artists Max Beckmann (1884–1950) and George Grosz (1893–1959) exemplary describes the view of the human body at the beginning of the 20th century and opens towards the specific mutuality of text and image. Indeed, numerous questions have been shared by these three artists on the ‹ nature › of man, his body, his identity and his relation to reality. Their generation was embedded in historicism and a “crisological” view on modernity as stated by Gerard Raulet. The work of Benn is convincingly made accessible to analysis in the stress field of these two artists. Their works are compared with each other beginning with an analysis of their profound structures, i. E. Through a comparison of the iconographic or stylistic signs which reflect the artistic and philosophical approaches that underlie each work of art. This study analyzes the human body referring to the ‹ grotesque › rupture with regard to classical ideals and localizes the human body in relationship to a fantastic conception of reality. It questions the classification of these artists within the classical modernity and avant-garde and put into perspective the more recent attempts to classify Grosz and Benn as precursors if not representatives of postmodernism. Finally, this study allows shedding new light into the allegations concerning the intellectual vicinity of Gottfried Benn with the Nazi regime, knowing that Beckmann and Grosz always absented themselves from fascism

Ce travail se propose de mener une interprétation minutieuse de l'oeuvre du peintre brésilien Cicero Dias [1907-] pour la période qui va des années 20 aux années 50. Le peintre a traversé le siècle et sa longue carrière qui débute à Rio de Janeiro s'est déroulée entre le Brésil et la France. Son départ précipité du pays en 19371 sous le régime de la dictature Vargas, pour un séjour à Paris qui dure depuis cette date, fait qu'il laisse derrière lui une quantité importante de ses oeuvres et un discours partial de la critique qui célèbre sans modération son côté régional. Nous chercherons tout d'abord à reconsidérer l'expérience formelle de son langage figuratif pour ensuite mettre en lumière le passage de la figuration à l'abstraction sous l'angle de l'analyse de l'oeuvre et des faits généraux auxquels elle renvoie. Puis, nous interpréterons les changements formels de l'abstraction construite chez Dias en esquissant les rapports qui se sont établis entre lui et la scène artistique française et entre son oeuvre et le monde de l'art brésilien. Si, au Brésil, l'aura de mystère qui entoure le déroulement de sa carrière a progressivement remplacé tout regard analytique, l'oeuvre est, en revanche, presque inconnu en France aujourd'hui. Il importait donc d'interpréter et de remettre en question l'oeuvre, tout en essayant parallèlement de replacer l'artiste dans l'histoire de l'art brésilien.

Notre travail est une monographie qui pose un aperçu complet sur trois séries de peintures de Cy Twombly appartenant à sa dernière période de création entre les années 2005 et 2011. Il s'agit des séries suivantes : "Bacchus, Psilax et Mainomenos, Camino Real" et "Leaving Paphos ringed with waves". Nous analysons l'ensemble des aspects constitutifs des peintures à partir des observations des œuvres achevées et définissons ainsi leur thème, l'interprétation, les références et le contexte. Nos analyses étant riches en témoignages et en documentations inédites, nous développons le point de vue sur le processus de création afin de déterminer la vision, l'intention et l'expression de l'artiste. Notre travail positionne les séries de peintures dans leur contexte historique relatif à la création de Cy Twombly et définit ainsi l'évolution et l'aboutissement de la période de sa peinture tardive. L'intention de l'artiste et par conséquent le thème étant exprimés par le geste, nous étudions, définissons et démontrons à travers nos analyses des trois séries de peintures deux positions du geste et de sa forme chez Cy Twombly : le geste non figuratif et le geste figuratif.

Tels que l’historiographie de l’art les a enregistrées, l’œuvre de Paul Rebeyrolle et sa carrière (1945-2005) posent question au-delà de cette définition stricte, base factuelle d’une hypothétique notice d’encyclopédie : qu’est-ce qu’un peintre français des IVe et Ve républiques ? Paul Rebeyrolle est connu pour être méconnu, reconnu, toujours, comme un excellent peintre, loué par certains comme l’un des plus importants de la période, en France, mais demeure réduit à la portion congrue de l’histoire de l’art contemporain français, lorsque celle-ci juge bon de le mentionner. Il a pourtant bénéficié d’un succès précoce, dans les années 1950, dans le sillage d’un Bernard Lorjou ou, surtout, d’un Bernard Buffet, avant de subir un désaveu équivalent. Un marchand aussi important qu’Aimé Maeght et des préfaciers aussi renommés que J.-P. Sartre ou M. Foucault n’y auront rien changé. En cela, il est exemplaire de tout un pan de l’art français qui, avec la Ve république et sa politique culturelle, semble avoir été déclassé pour un certain nombre de raisons qu’il reste encore à évaluer : différends esthétiques, mésententes plastiques, dénis hérités de la querelle des abstraits et des figuratifs, non-dits liés à la question de l’engagement politique de l’artiste, imprécisions ou partis-pris critiques et légèreté des commentaires journalistiques friands de poncifs... Autant de malentendus qui ont contribué à brouiller la juste appréciation de son œuvre et l’ont tenu éloigné d’une véritable reconnaissance institutionnelle
The way they’ve been retained by Art historiography, Paul Rebeyrolle’s work and his carreer (1945-2005) appear to be problematic beyond this strict definition, factual basis for an hypothetical encyclopedia entry : what defines a French painter under the 4th and 5th republics ? Paul Rebeyrolle is well-knowed for being under-estimated, always acknowledged as a great painter, sometimes even praised as one of the most important painters of that period, in France, but still limited to the smallest share of the French history of contemporary art, when this one finds it appropriate to mention it.Yet he benefited of an early success, during the 50’s, in the wake of painters such as Bernard Lorjou and especially Bernard Buffet, before enduring a similar disavowal. An art dealer as important as Aimé Maeght and preface writers as renowned as Jean-Paul Sartre or Michel Foucault didn’t make any difference. Thus, he appears to be paradigmatic of an entire part of French art which, under the 5th republic and its cultural policy, seems to have been downgraded for a certain number of reasons that still needs to be evaluated : aesthetic disagreements, plastic discords, denial inherited from the abstract and figurative painters’ quarrel, unsaid things about the artist’s political commitment, art critics’ vagueness and preconceived opinions, journalistic frivolity fond of clichés... As many misunderstandings that led to interfere with a fair appraisal regarding his work and prevented him from ever getting a real institutional recognition

L’artiste chinois Feng Zikai (1898-1975) appartient pleinement à son époque en créant une forme de dessin rapide et simple parfaitement adapté à la presse, en plein essor dans la métropole moderne qu’est la Shanghai des années trente. Réalisé à l’encre et au pinceau, mêlant caractéristiques occidentales et chinoises, le manhua est un art que Feng considère lui-même comme situé à mi-chemin entre la peinture et la littérature, car porteur d’une signification que précise la légende. Celui-ci se combine bien souvent à l’écriture d’essais « familiers » (xiaopinwen), forme littéraire également libre et concise. L’objet de cette étude est de montrer en quoi le dynamisme de l’oeuvre d’un artiste comme Feng Zikai trouve son origine dans ce dialogue entre le texte et l’image, dont plusieurs aspects sont envisagés et qui conduit à un troisième niveau de signification
The Chinese artist Feng Zikai (1898-1975) really belongs to his time by creating a kind of fast and simple drawing, which is perfectly suited to journals, in full expansion in the modern metropolis of Shanghai in the thirties. Made with ink and brush, in a style which is both Chinese and Western, the manhua is an art midway between painting and literature, because it has a precise meaning thanks to the caption. The manhua is very often combined with the writing of “familiar” essays (xiaopinwen), literary form which is also concise and casual. The aim of this study is to show how the dynamism of the work of an artist like Feng Zikai originates from the dialogue between pictures and texts, whose several sides we analyse and which produces a third level of meaning

A. Clave est un peintre catalan contemporain. Ne en 1913, il acquiert une formation de peintre en batiment a barcelone puis se specialise dans les affiches de cinema. Engage, lors de la guerre civile, dans les services de propagande republicains, il passe la frontiere en 1939 et s'installe a paris. Ses premiers travaux sont marques par l'avant-garde des annees 30. Dans les annees 40 il se tournera vers l'intimisme de bonnard et vuillard puis evoluera de maniere personnelle. Ses derniers travaux sont empreints de lyrisme et d'abstraction. Dans les annees 60 clave est classe comme appartenant a l'ecole de paris, termes formels qui ne recouvrent aucune signification. Cependant l'article a longtemps ete au contact de ses compatriotes et a participe a de nombreuses manifestations collectives. Marque par certains themes profondement hispaniques sont art a une dimension internationale grace a la confluence france-catalogne. Les specificites de ses travaux: continuite, utilisation des materiaux, innovation en font une oeuvre personnelle et originale. Cependant l'artiste se refuse a tout discours theorique, preferant le langage de la peinture. Il elabore un langage qui lui est propre, dont la semiologie est pertinente. Reconnu tres tot en france comme en espagne, le marche de l'art lui est propice
A. Clave is a contemporary catalonian painter. Born in 1913 he starts off a house-painter in barcelone. He then specializes in cinema posters. Engaged during the civil war in the republican propagenda services he leaves the country in 1939 and establishes himself in paris. His first work is marked by the avant-guarde movement of the 30's. In the 40's his work is influence by the intimist movement. He then developed his own individual style. The last work are full of lyrism and abstaction. Continuity, use of the materials and innovation make the specificity of his work as well as its originality. However the artist refuses any kind of theory about his work, prefering the langage of the painting. He was recognized very early in france and in spain and art dealers promote his work. In the 60's clave is often classifled as a belonging to the "ecole de paris" a definition that is purely formal. The artis always kept in close touch with his fellow country-men and has participated in many collective exhibitions. Although deeply influenced by a very specific spanish culture, his art transcendes regionalism to attain an international dimension thanks to the confluence between french and spanish culture

A partir du geste de Robert Rauschenberg, en 1953, effaçant un dessin de Willem De Kooning, s'est établi dans l'art une notion paradoxale de "supplément négatif". La pensée cesse alors d'être absolument affirmative pour agir en creux dans une réinterprétation des acquis. La défaillance ne relève pas ici du dysfonctionnement, mais de la révélation d'une technicité singulière. Peinture, vidéo, cinéma, peuvent constituer ensemble le champ de référence où s'exercent de telles méthodes, fondées sur une philosophie de la perte et de la disparition. Ce travail conduisant à défaire l'existant relève d'une déconstruction au sens défini par M. Jacques Derrida. Les appareils n'apparaissent plus ici comme des enregistreurs passifs dépendants de leur programmation industrielle, mais comme ce qui est en mesure de former une visibilité. Il se crée un état indécis des oeuvres; la thèse vise à établir que cette indécision est essentielle à la définition de l'expérience esthétique' contemporaine.

Considere comme un peintre "litteraire" par la critique de son epoque, edvard munch s'est vu souvent compare a ibsen, strindberg et maeterlinck. Cette etude se propose d'eclaircir certains aspects de la realite figurative de la fin du xixeme et du debut du xxeme siecles en ayant comme reperes l'oeuvre d'edvard munch et les rapports que celle-ci a devellopes avec les pratiques sceniques de son epoque. Pour cela nous avons retenu trois axes de recherche. Tout d'abord, afin de mettre en relief la rencontre de l'imaginaire figuratif du peintre avec l'ecriture d'ibsen, nous avons analyse les projets sceniques que munch avait realises pour les spectacles revenants et hedda gabler, crees par le kammerspielehaus de max reinhardt. Avec la meme volonte, nous avons egalement etudie des esquisses que munch a creees d'apres des drames ibseniens (notamment d'apres peer gynt, john-gabriel borkman. Quand nous nous reveillerons d'entre les morts, les pretendants a la couronne), mais qui n'etaient pas destinees a la creation de spectacles. Enfin, nous avons propose une lecture scenographique de certaines de ses peintures, dans le souci de mettre en parallele les processus adoptes par munch pour l'expression plastique du concept du theatrum mentis avec des solutions que certains hommes de theatre de la meme epoque avaient privilegiees afin de figurer l'intrasubjectivite. (notamment avec les options du theatre du reve de strindberg et certaines pratiques de la scene expressionniste allemande). Par ailleurs, nous avons annexe a cette etude une presentation de certains drames d'oskar kokoschka, ainsi que des compositions sceniques de wassily kandinsky, qui mettent en perspective la position de munch face au theatre de son epoque et temoignent du parti pris de certains plasticiens pour la substitution d'un theatre visuel au theatre du

La poésie s'éprouve sur le mode de la complétude. La totalité du réel serait-elle son objet, elle ne dépasse pas' l'horizon des mots. Inquiète de ne pas être, elle se ressource à son ipséité, elle s'affermit dans l'écart. La peinture est une tout autre manière qui n'abandonne pas davantage l'espoir d'une autonomie. Le réel est également son point de départ, mais elle s'en tient à la présence des formes. Incertaine de son fondement, elle creuse par la pratique sa propre identité. Elle se maintient, indemne, sur son écart. À l'une appartient le lisible, à l'autre le visible. Toutefois, à l'encontre de ce premier constat, il leur vient le désir de se rencontrer. Avec passion elles se portent l'une vers l'autre et le dialogue naît. Tel est l'un des traits dominants des modernités, même si son attente utopique a, depuis longtemps, hanté les consciences créatrices. Ce sont les figures éponymes de Mallarmé et de Manet qui consacrent ces deux formes de l'expression dans leur intensité intrinsèque comme ils les enrichissent d'un regard tourné vers leur plus expresse différence. De fait, il convient de se posséder pleinement soi-même pour pouvoir s'offrir en partage. Dans l'égalité absolue de l'échange. Quitte même (comme Dada sait le suggérer) à parfois franchir les lois du vis-à-vis ou de l'entrelacs pour une osmose plus catégorique, abolissant les frontières admises et revendiquant la confusion. Ce défi ne cesse d'être porté par les diverses novations qui traversent le xx· siècle, d'Apollinaire et Duchamp à Du Bouchet et Broodthaers. Poésie et peinture entendues au sens métaphorique (soit l'écriture et le fait plastique) sont parfaitement antagoniques et néanmoins s'aimantent sans fin dans l'espace du livre comme en dehors, inventant les modalités les plus diverses d'un attrait qui est l'une des spécificités du fait moderne

José Maria Sert, peintre catalan, issu de la bourgeoisie industrielle de la Barcelone de fin de siècle. De formation artisanale, il considère les décorations murales comme la plus haute représentation artistique picturale, bien au-delà de la peinture de chevalet. Dans la tradition des grands maîtres italiens du passé, dont il s'inspire, il est le peintre décorateur le plus important de son temps. Installé à Paris depuis 1899, il décora les salons de la haute société de son époque. Mais sa production la plus importante demeure pourtant une commande publique, non seulement laïque, mais surtout religieuse, dont l'oeuvre majeure est la décoration murale de la cathédrale de Vich. Bien qu'il ne fut pas lié avec l'Avant-Garde de première file, ses relations appartiennent toujours aux milieux les plus distingués de la culture européenne : Proust, Gide, Colette, Valéry, Diaghilev, Cocteau, Stravinsky, Dali, ou même Picasso. De la main de sa première femme, Misia Sert, il s'introduit dans les salons les plus distingués de la Belle Epoque, et sa propriété d'été, le Mas Juny, fut l'un des lieux de rendez-vous obligé des années trente. Sert établit avec la plupart d'entre eux une correspondance plus ou moins constante et entama dans certains cas des collaborations artistiques de différente importance. Bon nombre de ces projets virent le jour -il fut d'ailleurs le premier artiste non russe à collaborer avec les Ballets russes, en trois occasions -et bien d'autres ne purent se matérialiser- Claudel, Gide,Valéry et même le musicien Manuel de Falla partagèrent des projets avec l'artiste catalan. Aussi bien les uns comme les autres, tout comme sa correspondance, illustrent parfaitement les relations qui lient tous ces intellectuels et leurs échanges culturels. Ils peuvent nous permettre de situer Sert dans un contexte qui l'a tant vénéré. Etude critique de son oeuvre, de sa carrière, ainsi que de sa réception critique