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Dissertations / Theses on the topic 'Peinture française – 18e siècle'
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Tureck, Caroline. "Réception de la peinture française en Pologne au XVIIIe siècle." Lille 3, 2008. http://www.theses.fr/2008LIL30040.
Full textAbstract:
Cette thèse est consacrée à la réception de la peinture française en Pologne au XVIIIe siècle. Evoquer dans un premier temps le contexte historique est essentiel à la compréhension des rapports artistiques franco-polonais. Deux facteurs favorisent l'introduction du goût français en Pologne : l'approfondissement des relations diplomatiques entre les deux pays et l'internationalisation de la culture française, dès le XVIIe siècle. L'étude des acteurs et de leur personnalité permet ensuite de dégager les caractères et spécificités de la scène culturelle polonaise du XVIIIe siècle. La question des œuvres françaises en Pologne occupe le second temps de l'étude. L'analyse de deux collections polonaises, celles du roi de Pologne, Stanislas Auguste, et d'un historien d'art polonais, Stanislas Kostka Potocki, montre le choix et la place des peintures françaises dans ces collections. L'intérêt se porte enfin sur le rôle de la peinture française dans la création artistique polonaise du XVIIIe siècle, selon une double approche théorique et pratique. L'influence de la théorie de l'art française se mesure dans le projet de création d'une Académie des Beaux-Arts à Varsovie sous le règne de Stanislas Auguste. Les ateliers créés par les artistes français actifs en Pologne et la diffusion des peintures françaises participent aussi à la formation des peintres polonais. La peinture française est enfin au service de la Pologne. Elle peut être aussi utilisée à des des fins de propagande, agrémenter les résidences polonaises, ou encore servir de témoin de la société polonaise. L'idée de réception permet ainsi de cerner les formes et les enjeux de la peinture française en Pologne au XVIIIe siècleThis thesis is devoted to the perception of French painting in the eighteenth century Poland. In order to understand the artistic links between France and Poland, it is essential to summarize the historical context of the period. Two factors promote the introduction of French taste in the eignteenth century Poland : stronger diplomatic relationship between the two countries and the internationalization of the French culture, since the seventeenth century. Studying the actors and their personality also helps us to highlight the specificities of the Polish cultural scene. The second part of this study is focused on the French painting in Poland. The analysis of two Polish collections - Stanislas August's and Stanislas Kostka Potocki's - shows the choice and position of the French paintings in these collections. The last part will determine what role the French painting plays in the eighteenth century polish Art production. French artistical theory partly influences the project of an Academy of Fine Arts in Varsaw during Stanislas August's reign. Polish painters are also used in Poland to show off the government's power, to decorate Polish residences, or to serve as a witness of the Polish society. The idea of perception determines therefore the forms and issues of the French painting in the eighteenth century Poland
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Decoudun-Gallimard, Frédérique. "La vie féminine dans la peinture française au XVIIIe siècle." Paris 10, 1992. http://www.theses.fr/1992PA100015.
Full textAbstract:
La these dont le titre s'intitule "la vie feminine dans la peinture francaise du dix-huitieme siecle" developpe trois parties essentielles : la vie publique, la vie privee, et la vie de travail, et s'appuie sur des oeuvres picturales contemporaines pour justifier ses assertions. Elle traite dans sa premiere subdivision des diverses activites mondaines des femmes, s'attarde sur le phenomene des salons, evoque a travers l'exemple de madame de pompadour la place qu'occupent successivement le theatre et les beaux-arts dans l'univers feminin, (peinture - objets en porcelaine), et aborde ensuite le theme des plaisirs, (jeu - chere - amour). Dans sa deuxieme partie, elle se consacre a l'evocation de la vie privee des contemporaines, relate les rapports que celles-ci entretiennent avec leurs enfants au cours des diverses periodes de l'existence, (nourrissage - elevage mariage), et met en lumiere la responsabilite sociale majeure qui incombe a ces dernieres. Elle evoque par ailleurs les activites purement egoistes auxquelles s'adonnent ces femmes, (toilette - moments d'abandon - menues occupations), et insiste sur l'importance de la notion de plaisir intime. Elle traite enfin dans sa troisieme et derniere partie du theme du travail, instaure ici une distinction tres nette entre les taches avilissantes auxquelles s'adonne la majorite de la population feminine, (domestiques - ouvrieres), et les occupations enrichissantes et epanouissantes qu'executent les artistes, les femmes artisans, ou les professeurs. Elle accorde en dernier lieu une place au plus vieux metier du monde : la prostitution. En conclusion, elle constate l'extreme diversite de la vie feminine de l'epoque, et insiste sur la position ambivalente de la femme dans la societeThe dissertation entitled "women's life through the french painting of eighteenth century" develops three essential parts : the pratical life, the private life and the professional life, and leans on contemporaneous pictural works in order to justify its assertions. It treats in its first part of women's diverse society activities, deals with the salon phenomenon, describes through the example of madame de pompadour the place of the theatre and the fine arts in women's universe (painting, pieces of china), and deals then with the theme of pleasures (games, love). In its second part, the private life of these women is related, the relations between the latter with their children during different periods of existence (feeling, raising, marrying) are evocated and the major social which rests of them is brought to the fore. Moreover it evocates the purely selfish activities to which these women give themselves over (wash, moments of oblivion, minor activities), and insists on the importance of the intimate pleasure. Finally, the third and last part is devoted to the theme of labor, where a very clear distinction is made between degrading tasks with which the majority of the female population is concerned (servants, workers) and rewarding and fulfilling occupations that have the artists, the craftswomen or the teachers. It deals lastly with the oldest profession in the world : the prostitution. To conclude, it notices the extreme diversity of women's life at that time, and insists on the very ambivalent position that they hold in the society
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Lacau, St Guily Agnès. "L'enfant dans la peinture française du XVIIe siècle." Paris 10, 1985. http://www.theses.fr/1985PA100121.
Full text
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Henry, Christophe. "Aux sources du style : l'imitation et le culte des grands maîtres dans la peinture française de 1708 à 1799." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010597.
Full textAbstract:
Cette thèse de doctorat s'est efforcée autant que possible de démontrer que l'imitation des grands maîtres, en tant que. Théorie de la création, constituait un débat singulier dans l'espace de la pensée française de l'art des XVIIe et XVIIIe siècle. Appuyée sur de vénérables fondements hérités de l'Antiquité et de la Renaissance, l'imitation des maîtres fait l'objet d'une critique et d'une redéfinition auxquelles prennent part les savants comme les peintres, à dessein de faire de ce principe, encore mâtiné d'incohérences vers 1650, une véritable méthodologie de la création picturale. Dans un premier temps néanmoins (1650-1700), cette méthode encore contestée semble. Avoir été particulièrement destinée à la sauvegarde de prérogatives corporatives, au sein d'une Académie Royale désireuse de redéfinir la pratique de la peinture et la perception des oeuvres. Mais très rapidement, et au prix de quelques querelles mouvementées, l'imitation savante des grands maîtres est distinguée de l'imitation servile ou monolithique d'un seul maître. De fait, c'est une grande part de la pratique obscure des peintres, et notamment les jeux idiomatiques de. "réflexion " (référence), de citation ou de " larcins " (emprunts) qui se trouve réintégrée dans le corpus des pratiques appréciées, dès lors que l'artiste n'en abuse pas, et qu'elles peuvent être justifiées du point de vue de l'esprit. À l'appui de l'affirmation sociale d'un public particulièrement soucieux de satisfactions visuelles et sensibles, une certaine substitution de la référence à la représentation est bien ce qui caractérise au premier chef la peinture du milieu du XVIIIe siècle, et cela dans des proportions qui eurent d'évidentes conséquences qualitatives. Ce basculement du statut interne des oeuvres ne fut pas perçu comme une catastrophe artistique/
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Spenlé, Virginie. "Der "Bon goût" in Sachsen : zur Frankreichrezeption bei der Gründung der dresdner Gemäldegalerie." Paris, EPHE, 2006. http://www.theses.fr/2006EPHE4084.
Full textAbstract:
Dès la fin du XVIIe siècle, le modèle de représentation louis-quatorzienne influence le développement des arts dans la principauté électorale de Saxe. Quelques historiens de l'art se sont dès lors demandés si cette influence française n'aurait pas eu un impact sur la formation des collections de Dresde et en particulier sur la création de la galerie de peintures. Que ce soit sous le règne d'Auguste II (1696-1733) ou sous celui de son fils, Auguste III (1733-1761), il semble en effet que les échanges matériels et les idéels entre la Saxe et la France s'intensifient. Cette thèse se propose d'examiner l'évolution de la galerie de peintures de Dresde durant la première moitié du XVIIIe siècle en tenant compte des transferts culturels entre les deux pays. Il s'agira de prendre en considération les achats de peintures effectués sur le marché de l'art parisien et d'envisager l'influence des collectionneurs français sur la formation d'un prototype du musée d'art moderne à DresdeToward the end of seventeenth century, the model of princely representation minted by Louis XIV began to influence the evolution of fine arts in the Saxon electoral capital. Some art historians pointed out that this french influence might have had an impact on the formation of the dresden collections and particularly on the creation of the painting gallery. Material and ideal interchanges seem indeed to have increased under the reign of August II (1696-1733) and of his son, August III (1733-1761). The purpose of the present thesis is to study the evolution of the dresden painting gallery taking into account this cultural transfer between both countries. Therefore the painting acquisitions on the parisian art market shall be discussed as well as the french collectors' influence on the formation of a modern art museum prototype in Dresden
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Farhoud-Jraissati, Lily. "L'espace et l'autre : la peinture orientaliste française et anglaise du XIXème siècle : analyse critique." Paris 1, 1987. http://www.theses.fr/1987PA010508.
Full textAbstract:
L'orientalisme, en tant que mouvement historique dans la littérature et les textes scientifiques a atteint sa formulation la plus cohérente au 19eme. Siècle en Europe. Issue de ce précédent narratif la peinture orientaliste fait de l'orient le seul objet de sa représentation. Débutant avec la campagne de Napoléon en Egypte en 1798, elle se constitue en mouvement indépendant à l'intérieur des courants artistiques. L'analyse est centrée sur la peinture à l'huile. Le choix de 199 tableaux comprend l'œuvre de 71 peintres français et anglais. L'épanouissement de cette peinture est parallèle au développement de la colonisation sur la grande Syrie, l'Egypte et l’Afrique du nord. Elle coïncide avec la suprématie politique, militaire, culturelle et artistique de la France et de la grande Bretagne. La représentation figurative de l'oriental en tant qu'autre pour le peintre et le public de l'époque est étudiée dans ce contexte et dans celui de la personnification propre à la tradition picturale occidentale. De même que l'analyse du traitement plastique de l'espace pictural des œuvres, caractérise par les lois de la perspective est mis en rapport avec le pouvoir sur le nouvel espace territorial de l'orient. Les innovations artistiques qui ont lieu au 19eme siècle sont contemporaines à la perpétuation des styles académiques. Ce contraste qui existe dans la peinture orientaliste a permis d'examiner comment les différents plastiques contribuent à créer une nouvelle forme artistiquement avant-gardiste, ou bien à élaborer une iconographie coloniale qui relie la possession de la toile à la représentation du monde oriental domine. L'ouvrage est divisé en trois parties. "L’extérieur" ou les vestiges culturels du passe sont réappropriés au domaine européen et ou la conquête du territoire mystifie les héros militaires ; tandis que la représentation du "bon sauvage" est à la fois romantique et ancrée dans le présent ethnographique de la nature. "La marge" des scènes de marches concrétise l'accessibilité de l'orient et celles des seuils des palais, cristallisent son mystère. Finalement, les scènes du monde de "l'intérieur" qui est impossible à voir, représente la sensualité des femmes du harem et le despotisme du sultan de manière détaillée et ethnographique, devenant ainsi le domaine de l'imaginaire du peintre.
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Vieillard, Bertrand. "Le tact du peintre, le toucher du philosophe : Chardin et la pensée française du XVIIIe siècle." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040297.
Full textAbstract:
En un siècle où le toucher devient une des préoccupations majeures de la philosophie, la peinture de Chardin met le spectateur en présence d’un analogon visuel du rapport tactile de l’homme au monde. Mais tandis que les philosophes privilégient une approche du toucher qui le définit essentiellement comme désir d’emprise sur les choses à partir du contact qu’il établit avec elles, Chardin fait place, dans le contenu de ce qu’il peint, comme dans sa touche, à d’autres modalités du toucher dont la visée porte sur l’en deçà et l’au-delà du contact. Cette visée singulière est le propre du tact, qui a d’abord une signification dans l’ordre de la perception mais également dans ceux de la constitution de la subjectivité, du rapport entre les consciences et, enfin, de l’affinité objective entre les êtres. Cette approche du toucher étant aussi ce à quoi la science et la philosophie du XVIIIe siècle aspirent secrètement, les tableaux de Chardin sont exemplaires de la manière dont l’œuvre d’un grand peintre révèle à elles-mêmes, tout en les dépassant, les idées les plus fécondes qui lui sont contemporainesIn a century when the sense of touch is beginning to be a major philosophical preoccupation, Chardin’s painting presents the viewer with a visual analogon of man’s tactile relationship with the world. But while philosophers favour an approach to the sense of touch which primarily defines it as the desire to have power over a thing through the physical contact established by touching it, Chardin makes room, in the content of his painting, as well as in his brushwork, for different modes of touching, beyond and before mere contact. This singular aim is a distinctive feature of tact, where what is at stake is not only mere sensual perception, but also the constitution of subjectivity itself, of the relationship between minds and, finally, of the objective affinity of beings. This approach to the sense of touch being also what science and philosophy of the XVIIIth century secretly aspire to, Chardin’s paintings are revelatory of how the works of a great painter bring to light, and at the same time transcend, the most fertile ideas of contemporaries
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Belhaouari, Luis. "Peinture d'histoire et théâtre joué au XVIIIe siècle : essai sur la mutation du regard à l'âge classique." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040041.
Full textAbstract:
Au XVIIIe siècle, le théâtre a profondément transformé le regard. Les arts de la scène ont introduit une nouvelle perception de l'image. La peinture ne pouvait échapper à cette évolution. Les auteurs dramatiques ont contribué au développement d'un regard critique. Dans leurs oeuvres, ils donnent à voir différemment le peintre et son métier. Le public devient plus exigeant. Le peintre est ridiculisé. La peinture est discutée. Au XVIIe siècle, peinture et théâtre sont deux arts bien différents. Au théâtre, l'image parait fixe. Dans les tragédies, les mouvements sont réduits. Le décor est généralement fermé. En peinture, les figures doivent être fortement animées et les espaces représentés sont généralement ouverts. Au XVIIIe siècle, le théâtre se réforme. Les comédiens s'expriment avec naturel. Les décors deviennent vraisemblables. Aussi, le théâtre présente des images animées. Par contraste, la peinture parait sans vie. Les critiques de salon témoignent de cette nouvelle perception. Les tableaux d'histoire sont décrits comme des natures mortes. Les textes théoriques sur le théâtre, de Noverre, de Engel, confirment cette évolution. Les auteurs déclarent que seul le théâtre peut donner une impression de vie. Aussi, la peinture d'histoire ne fait plus illusion. En modifiant l'attente du public, le théâtre avait contraint la peinture à se réformerIn the 18th century, theatre deeply altered perception. Theatrical arts introduced a new perception of image. Painting could not in any way miss this type of evolution. Dramatical authors brought a large contribution to this critical perception. In their works, they convey a different image for the painter and his work. Public grows increasingly demanding. Painting is ridiculed. Painting is contested. In the 17th century, painting and theatre are two truly different kinds of art. When theatre is concerned, the image appears to be steady. In tragedies, motion is reduced. The setting of the stage is generally closed. With paintings, characters must show a lot of motion and sceneries are generally open. In the 18th century, theatre goes through a change. Players act very naturally. Decors become close to reality. Thus, theatre shows lively images. On the other hand, painting appears to be lifeless. Art critics convey this new image. Historical paintings are described as still lives. Theorical texts about theater, from Noverre, Engel, are the testimony of this evolution. . Authors state that theatre only can bring an impression of life. Thus, historical painting is not source of delusion any more. As it altered public's expectation, theatre compelled painting to go through a change
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Kang, Hui-an. "La représentation de la pauvreté dans la peinture française du XIXe siècle (1830-1900)." Montpellier 3, 1998. http://www.theses.fr/1998MON30020.
Full textAbstract:
Jamais peinture ne s'est autant preoccupee de la pauvrete que durant le xixeme siecle. Non sans raison puisque celle-ci est un phenomene fondamental de cette epoque. Aux sociologues, aux philosophes et aux litterateurs qui tous se sont penches sur ce probleme, s'ajoutent des peintres tres divers. Ils n'ont pas hesite a peindre l'etre humain dans les pires situations: aveugles mendiants, familles sans-abris, enfants vendant des fleurs, ouvriers se suicidant. . . Mais aussi les actes de la charite dans leurs formes individuelles et institutionnelles. Pourtant leur regard sur la pauvrete etant bien different, cela entraine un mode d'expression tres complexe. En effet, la peinture du xixeme siecle est impregnee d'un caractere eclectique qui mele tous les genres et tous les styles. D'une facon generale, ces oeuvres s'inscrivent dans une production marquee, globalement, par la rivalite entre l'idealisme et le realisme. Ce double concept est pour ainsi dire l'axe de l'esthetique dans la representation de la pauvrete du xixeme siecleNever painting has so much been worried about poverty than during the xixth century. Not without reason since the latter is a fundamental phenomenon of the time. To the sociologists, philosophers and writers who have all thought carefully, one time or another, about the problem of poverty, we can add various painters. They have had no hesitation to paint and unveil the human beings in the most horrible situations: blind beggars, homeless families, little flower-sellers, workers in dispair commiting suicide. . . But also the acts of charity, individual and institutional. Neverthelesse, their different look leads to a complex mode of expression. Actually, the xixth century painting have an eclectic vision which mixes all genres and all styles. In the whole, all these painting come within the scope of a production marked by the opposition between idealism and realism. This double path is the esthetical axis of the representation of poverty during the xixth century
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Fourmanoir, Jerome. "Apparition et développement du paysage septentrional dans la peinture française au XIXe siècle." Thesis, Lille 3, 2016. http://www.theses.fr/2016LIL30056.
Full textAbstract:
S’inscrivant dans la continuité des études menées sur le Nord-Pas-de-Calais, cette thèse vise à mettre en avant l’apparition et le développement du paysage septentrional dans la peinture française au XIXe siècle. Si des études de ce genre ont déjà été réalisées pour la Normandie et la Bretagne, il n’en est pas de même pour le Nord-Pas-de-Calais. Ce travail inédit, mis en relation avec un contexte historique -visant pour l’essentiel à étudier et cerner les déplacements des artistes au sein de la région-, culturel et artistique dense, permettra de comprendre dans quelles circonstances et de quelles manières se développent ces réalisations. L’étude vise également à cerner et définir les motifs emblématiques de la région tels les beffrois, les moulins, les espaces dunaires, les marais … L’étude reposera un corpus d’œuvres, formant un catalogue, représentatif du paysage septentrional au XIXe siècleIn addition to the many studies of the Nord-Pas-de-Calais, this thesis aims to highlight the emergence and development of the northern landscape in French paintings of the nineteenth century. Even though there have already been some studies done regarding the Normandy and Brittany regions, it is not the case for the Nord-Pas-de-Calais. This never published before research combined with the historical context aims to study and identify the movement of artists within the region whose artistic culture is dense. This will help us understand when and how were developed these achievements. The study also aims to identify and define the emblematic patterns of the region such as belfries, mills, dune areas, marshes ... The study will use a collection of works, forming a catalogue representative of the northern landscape in the nineteenth century
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Jiméno, Frédéric. "La peinture espagnole et la diffusion des modèles français aux XVIIe et XVIIIe siècles : les enjeux de la copie." Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010638.
Full textAbstract:
L'objet de cette étude est de mesurer la culture visuelle des artistes espagnols face à la peinture française par le biais de la gravure et de la copie. Avant tout, on devait préciser le contexte et notamment le statut de la copie en Espagne ou le rôle des académies dans la diffusion de modèles français. Il ne fallait pas négliger les français qui résidèrent dans la péninsule ibérique ou bien le commerce d' œuvres d'art et notamment de peintures. La commercialisation de gravures françaises commença et se structura au XVIe siècle. Les documents témoignent d'une importation massive et variée de gravures dans toute l'Espagne. Il permit à G. Audran, Edelinck ou P. Drevet d'être considérés comme les plus grands praticiens de l'histoire de la technique. Les Français gravèrent aussi des modèles espagnols. Au XVIIIe siècle, les séjours de graveurs espagnols à Paris et la formation de collections de gravures favorisèrent cette diffusion. Les copies inventoriées (plus de 400) confirment ces données. Les plus anciennes datent des années 1630 et les artistes du Grand Siècle furent copiés de leur vivant. Si les modèles du XVIIIe siècle sont plus rares, ils représentent un quart de l'ensemble. Les copies nous permettent d'affirmer que les modèles français furent multiples et bien diffusés en Espagne. Nous avons pu ainsi préciser la chronologie des faits, l'identité des intervenants, expliciter et enrichir ce contexte négligé.
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Lacroix, Laurier. "Le fonds de tableaux Desjardins : nature et influence." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1998. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp03/NQ36285.pdf.
Full text
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Neveux, Marguerite. "Construction et proportion : apports germaniques (de la section d'or au nombre d'or) dans une théorie de la peinture française de Seurat à Le Corbusier." Paris 1, 1991. http://www.theses.fr/1991PA010590.
Full textAbstract:
En Allemagne, au milieu du XIXe siècle, certains penseurs se proposent de fonder le beau, comme dans les sciences, sur des lois générales, uniques, universelles. Ils affirment que seules les figures géométriques sont à même d'exprimer ces lois. De la multiplicité des solutions proposées, la section d'or de Zeising s'imposera, parce qu'elle aura reçu la caution des scientifiques G. T. Fechner et W. Wundt. En France, nous retrouvons cette tentative d'une esthétique scientifique, dans laquelle la section d'or occupe une place privilégiée chez Charles Henry qui est censé l'avoir successivement fait connaitre à Seurat, aux puristes, Ozenfant et Le Corbusier, et enfin à Severini. La section d'or fait également partie des "saintes mesures" proposées par l'écoles d'art sacré de Beuron dont les théories marquent Paul Sérusier et Maurice Denis. Enfin, la section d'or se retrouvera chez Matila Ghyka, auteur qui en exposera les propriétés mathématiques, en amplifiera les qualités esthétiques, lui ajoutera un caractère ésotérique pythagoricien et fonde le nombre d'or, qui désormais, se dégageMid nineteenth century in Germany some scholars using science proceedings endeavour to found the beautiful on single and universal rules. They contend that the geometric figures possess the ability of expressing these rules. Out of the multiplicity of the proposed solutions Zeising's golden section will lead because of and with the caution security added thereto by the scientists G. T. Fechner and W. Wundt. In France there is a similar attempt undertaken by Charles Henry to developp a scientific aesthetics wherein the golden section will be privileged of an outstanding position. Ch. Henry is supposed to have made it known successively to Seurat, Purists, Ozenfant and Le Corbusier, and Severini. The golden section is also a part of the holy measures outlined by the sacred art school of Beuron whose theories inscribe their mark on Paul Sérusier and Maurice Denis. At last the golden section will be favoured by Matila Ghyka who shall describe its mathematical proprieties emphasize on its aesthetic qualities add a pythagorician esoteric meaning and create the golden number which shall thereafter remain solely used
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Mora, Nelson. "L'influence francaise en peinture et en sculpture, pendant le xixe siecle, au chili." Toulouse 2, 1988. http://www.theses.fr/1988TOU20075.
Full textAbstract:
Notre these tente d'etablir l'origine et le developpement de l'influence francaise au chili pendant le xixe siecle. C'est pourquoi nous avons realise une retrospective historique afin d'en etablir les causes et les consequences economiques, politiques, philosophiques et artistiques. Dans cette retrospective, nous considerons tous les faits significatifs qui nous permettent de demontrer l'influence artistique exercee au cours d'une longue periode historique. En effet nous abordons d'abord les premiers contacts avec les francais et l'etablissement de ceux-ci au chili, la mutation de la societe coloniale de la fin du xviiie siecle, et l'independance fondee sur les idees de la revolution francaise. Nous abordons ensuite l'instauration des organismes culturels et artistiques, le sejour du peintre monvoisin au chili et le developpement de l'academie de peinture et sculpture. Nous aborderons finalement les artistes chiliens qui se sont perfectionnes dans les academies francaises et les influences que les maitres francais ont exerce dans les oeuvres, l'iconographie, et dans les divers evolutions formelles des artistes chiliens en relation avec le contexte artistique francais et ses propres evolutionsOur work is an attempt to establish the origin and development of the french influence in chile during the 19th. Century. It is the reason why we have achieved a historical retrospection in order to find out the economical, political, philosophical and artistic causes and consequences. In this retrospection, we take into account all the most significant facts which enable us to show that the artistic influence as far as painting and sculpture are concerned is a consequence of the influence which existed for a long historical period. Therefore, in the beginning, we examine the first contacts with the french and the settlement of the french people in chile, the changes in the colonial society of the end of the 18th. Century, and the independance based on the ideas of the french revolution. Then, we deal with the setting up of the cultural and artistic organisations, the stary of painter monvoisin in chili and the development of the academy of painting and sculpture. In the end, we shall speak about the chilian artists who were. .
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Daguisé, Floriane. "L’indiscrétion du rococo : épier, découvrir, surprendre dans la première moitié du XVIIIe siècle français." Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL195.
Full textAbstract:
Cette étude a pour objet la présence, récurrente et diversifiée, d’un témoin voyant sans être vu ou écoutant sans être écouté dans les fictions littéraires et visuelles de la première moitié du XVIIIe siècle. Situation conditionnée par la non-visibilité et la marginalité, l’indiscrétion modèle une relation asymétrique entre un personnage caché, dans l’ombre, et l’objet de sa perception, mis en lumière. La reprise de motifs topiques (mari cocu, belle endormie ou au bain) n’épuise pas la richesse du phénomène ; son importance numérique, dramatique et symbolique invite à en mesurer l’intérêt, la valeur, la portée. De Fontenelle à Rousseau, de Watteau à Hubert Robert, l’indiscrétion dessine un réseau de préoccupations contemporaines. Le décentrement, la transgression et le dévoilement induits par la présence indiscrète témoignent de perspectives complémentaires qui entrent en résonance avec l’esthétique « rococo », faisceau de tendances dont le détour est l’une des modalités prépondérantes. L’indiscrétion relève d’un infléchissement déterminant des traditions poétiques et esthétiques ; elle interroge des frontières en configuration, celles des sphères privée et publique, celles isolant et densifiant l’intimité ; elle manifeste enfin une conception épistémologique de la découverte, fonction d’une curiosité ambivalente. Par cette mise en scène de l’accès aux événements et aux discours, c’est en définitive une réflexion sur le point de vue spectatorial, fictif et réel, qui est proposée au récepteur ultime, moins dédoublé par l’indiscret qu’invité à un redoublement et un renouvellement d’attentionThe focus of this study is the recurring and diversified presence, within literary and visual fictions of the first half of the 18th century, of an onlooker who sees without being seen or listens without being listened to. A situation conditioned by non-visibility and marginality, indiscretion models an asymmetrical relationship between a hidden character, in the shadows, and the object of their perception, brought to light. The reuse of topical motifs –cuckold husband, sleeping or bathing beauty – does not exhaust the richness of the phenomenon; its numerical, dramatic and symbolic importance is an invitation to measure its interest, value and scope. From Fontenelle to Rousseau, from Watteau to Hubert Robert, the indiscretion outlines a network of contemporary concerns. The decentering, transgression and unveiling induced by the indiscreet presence are testament to complementary perspectives that resonate with “Rococo” aesthetics, a cluster of trends within which detours constitute one of the most important modalities. Indiscretion falls within a decisive shift in poetic and aesthetic traditions; it questions boundaries being configured, those of the private and public spheres, those isolating and densifying privacy; it finally manifests an epistemological conception of discovery, a function of an ambivalent curiosity. Through this staging of access to events and speeches, it is ultimately a reflection on the spectatorial point of view – fictional and real – which is proposed to the ultimate receiver, less duplicated by the indiscreet than invited to a repetition and a renewal of attention
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Palonka-Cohin, Anetta. "La peinture religieuse dans le Haut-Maine au XVIIe siècle." Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040176.
Full textAbstract:
Le recensement des tableaux du XVIIe siècle conservés dans les églises sarthoises a permis de constater une forte activité des peintres manceaux à cette époque, jusque là encore très mal connue. Pourtant, elle a contribué à l’élaboration d’une manière propre aux milieux artistiques manceaux d’alors qui ont su prolonger loin dans le siècle la séduction du maniérisme, sans pour autant raidir celui-ci. La prédominance, puis la persistance du maniérisme s’expliquent par l’immense diffusion de la gravure anversoise à la charnière des XVIe et XVIIe siècles. Plus tard, l’autorité des maîtres parisiens, italiens et flamands reposa sur la reproduction de leurs oeuvres par l’intermédiaire des estampes. Éloignée des grands foyers artistiques, la peinture mancelle était en général conservatrice et répétitive, cherchant tout d’abord à vivement frapper le fidèle. Les tableaux religieux de l’époque post tridentine étaient surtout des oeuvres fonctionnelles, limitées à l’interprétation stricte des scènes, et pour lesquels pouvaient suffire des talents médiocres, et où le recours à la copie était très courant. Cette thèse permet de constater que le milieu des peintres manceaux, tout en gardant ses particularités provinciales, fût dynamique, ouvert aux apports nouveaux et riche en personnalités intéressantes. Leurs oeuvres ont constitué une sorte de tournant dans la production régionale dont l’évolution a suivi les mêmes directions que les grands courants parisiens, quoique avec un écart inévitable. Sont d’abord étudiés la Commande, les Peintres, la Création, les OEuvres et l’Évolution de la peinture mancelle (I). Vient ensuite le Dictionnaire des peintres manceaux (II), et enfin le Catalogue des oeuvres (III)The inventory of 17th-century paintings in churches in the département of Sarthe reveals that painters in Le Mans, hitherto little known, were prolific at that time. This hive of activity gave rise to an artistic scene in the province of Maine, in and around the city of Le Mans, which prolonged the style of mannerism well into the century, until it was replaced by the authority of Parisian, Italian and Flemish masters. A far cry from main artistic centres, Maine painting was generally conservative and repetitive. Above all, it sought to strike religious believers. Religious works by Maine painters during the post-Tridentine era were functional works, content to merely portray a scene. They required little or no talent and copying was very widespread. This thesis shows that the painting scene in and around Le Mans, although doggedly provincial, was dynamic, open to new contributions and full of interesting characters. Their work marked a turning point in regional production and its evolution followed the same trends as the major Parisian currents, albeit with an evitable delay. We shall examine commissioning, the artists, creation, works and the evolution of painting in Le Mans (I). This will be followed by the dictionary of Maine painters (II) and the catalogue of works (III)
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Gallo, Luigi. "Pierre-Henri de Valenciennes (1750-1819) : le paysage dans la théorie artistique et la peinture françaises de la fin du XVIIIe siècle." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010567.
Full textAbstract:
L'étude aborde la figure de Pierre-Henri de Valenciennes (1750-1819) par rapport à la place du paysage dans la théorie artistique et la peinture française du XVIIIe siècle. L'analyse se fonde à la fois sur une lecture des témoignages laissés par l'artiste, ses oeuvres et son traité publié en 1800, et sur un examen détaillé du contexte, culturel qui a permis et conditionné sa formation puis sa carrière. Après en avoir retracé les étapes dans un profil biographique, qui souligne not1lmment ses relations avec Hubert Robert, Vernet, David et Quatremère de Quincy ainsi que son insertion dans les cadres institutionnels de la profession, l'enquête passe au crible la fortune critique du peintre depuis le XIXe siècle, qui a conduit à survaloriser son activité en plein air aux dépens du travail en atelier. Afin de dépasser ces limites, la seconde partie se concentre sur Valenciennes théoricien. Elle éclaire la longue tradition, aussi bien théorique que pratique, dans laquelle il s'est formé et qu'il a voulu prolonger et mettre à jour dans son traité, dont les deux sections respectives, les Éléments de perspective pratique et les Réflexions et conseils à un élève, donnent lieu à un commentaire détaillé qui met en évidence, depuis ses bases techniques jusqu'à ses enjeux esthétiques, sa conception de la peinture à la fois comme science " sentimentale " et comme poésie philosophique. C'est grâce à cette lecture qu'apparaît l'unité cohérente du parcours formatif et créatif que Valenciennes théorise à partir de sa propre expérience, et qui aide à déchiffrer la genèse de son oeuvre. . . /. . .
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Ameille, Brice. "L’impressionnisme et la peinture ancienne : Itinéraire d’une avant-garde face à la tradition." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040088.
Full textAbstract:
Encore souvent perçu comme une véritable révolution esthétique, l’impressionnisme fait depuis quelques années l’objet d’une importante recontextualisation visant à remettre en question cette vision. Sans dénier au mouvement ses apports novateurs, cette thèse étudie la relation de ses membres avec la tradition picturale. S’appuyant sur un important corpus de textes critiques, de revues spécialisées et de catalogues d’exposition de l’époque, ainsi que sur de très nombreuses comparaisons iconographiques étayées, elle dégage quatre grandes sources d’inspiration : le XVIe siècle vénitien, le XVIIe siècle espagnol, le XVIIe siècle néerlandais, et le XVIIIe siècle français. C’est à l’aune de ce rapport à la peinture ancienne, et par le biais d’une typologie des différents positionnements à son égard, que la « crise » connue par l’impressionnisme au début des années 1880 est réexaminée, et que, plus généralement, une nouvelle approche du mouvement est proposéeImpressionism is often perceived as a genuine aesthetic revolution. However, over the course of past years, it has been reconsidered and this vision called into question. Without rejecting the groundbreaking characteristics of Impressionism, this thesis studies the relationship between the Impressionists and pictorial tradition. Referring to a large corpus of reviews, specialized articles, exhibition catalogs of the period, and supported by many iconographic analogies, it lists four major inspirations: the Venetian 16th century, the Spanish 17th century, the Dutch 17th century, and the French 18th century. In the light of this connection between Impressionism and Ancient painting, and with the help of a typology summing up the different positions regarding this connection, this thesis reexamines the crisis that Impressionism underwent during the early 1880’s and suggests a new approach to the movement
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Bobet-Mezzasalma, Sophie. "La lithographie d'après les peintres en France au XIXe siècle : essai sur une histoire du goût, 1798-1913." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040210.
Full textAbstract:
La lithographie d'après les peintres en France est un phénomène artistique majeur au XIXe siècle, jusque-là négligé par les historiens d'art. Née en Allemagne en 1798, la découverte de Senefelder est rapidement diffusée en Europe. Apres un premier essai franco-anglais de traduction des chefs-d’œuvre du Louvre, la lithographie d'interprétation connait en Allemagne une vogue sans précèdent dont le modèle se propage en Europe. La tradition du burin académique en France oppose sa prééminence au nouveau procédé, notamment dans la copie des maitres anciens. Néanmoins dès son introduction en France, les artistes s'emparent de la nouvelle invention, et développent un art original, tout en lui confiant la traduction de leurs œuvres. Or les peintres furent particulièrement attachés à leurs droits de reproduction, comme le révèle leur position vis-à-vis de la loi de 1841 relative à la propriété intellectuelle. La lithographie d'interprétation connait son apogée entre 1840 et 1860, avec Mouilleron et l'équipe de Bertauts, qui ont su la faire apprécier comme un art véritable. Son déclin à partir des années 1860 est en fait celui de l'estampe d'interprétation en général.
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Ota, Miki. "Cycles ou série de tableaux à sujets profanes en France : (1730-1774)." Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010656.
Full textAbstract:
Les cycles et les séries à sujets profanes, exécutés entre 1730 et 1774, révèlent l’évolution de l’idéal de la peinture et de la réalité de sa pratique, entraînée par la popularisation desmode de réception des Beaux-Arts. Malgré des préjugés qui considèrent la peinture de cette période comme simplement décorative, les artistes, conscients de leur liberté de création, due à l’élargissement du public, élaborent soigneusement les programmes iconographique et stylistique qui témoignent de leurs talents propres. Les décors peints reflètent la conjoncture des intentions des commanditaires, des ambitions des peintres et des réactions du public. La peinture d’histoire, dont le prestige n’est jamais mis en doute, est susceptible d’une interprétation libre sous l’influence d’autres genres. La diversification du public du Salon et la critique d’art amènent une opposition entre amateurs et critiques. La direction royale des Bâtiments du roi incite les artistes à l’émulation. Sa réforme, qui vise au progrès des Arts, ne réside pas dans le simple retour à l’antique ou au XVIIe siècle, mais dans l’invention d’une peinture des Lumières par l’introduction d’une dimension sociale, marquée par l’idéal des encyclopédistes. Les difficultés que rencontrent les décors peints des châteaux royaux et des résidences des maîtresses en titre, révèlent la complexité de la réception des œuvres, particulière à l’époque du développement des institutions modernes et de la diversification des espaces dans l’architecture profane. L’intention de la direction des Bâtiments d’unifier les goûts diversifiés du public se matérialisera dans le Museum, profitant du sentiment nationalCycles and series of secular subjects, painted between 1730 and 1774, reveal an evolution of the ideal of painting and the reality of its practice, led by a popularization of the mode of reception of Fine Arts. Despite some prejudices that consider the painting of this period as simply decorative, artists, who are conscious of their liberty of creation, granted by an extension of the public, produce carefully iconographic and stylistic programs which show their peculiar talents. Painted ensembles, made for specific interiors, reflect complicated circumstances of patron’s intentions, painter’s ambition and reactions of the public. History painting, of which prestige is never doubted, is open to free interpretation under the influence of others genres. Diversification of the public of the Salon and development of art criticism bring an opposition between amateurs and critics. The Bâtiments du roi tries to encourage a competitive spirit by artists. Its reform, which aims at progress of Fine Arts, is not a simple return to the Antiquity or the seventeenth-century, but is the invention of the painting of Enlightenment by introducing social meanings, which convey the ideal of the encyclopedists. Difficulties, encountered by large ensembles of interior paintings of royal castles and of official mistresses’ residences, reveal a complexity of artistic creation, proper to this period of development of modern institutions and diversification of spaces in secular architecture. The ambition of Bâtiments to unify various tastes of public will be made into the Museum, making use of national sentiment
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Salama, Benjamin. "Gabriel François Doyen (1726-1806), peintre du roi." Thesis, Sorbonne université, 2020. http://www.theses.fr/2020SORUL007.
Full textAbstract:
Acteur pionnier au sein du mouvement de régénération de la peinture d’histoire dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, Gabriel François Doyen (1726-1806) doit sans aucun doute être considéré comme l’un des artistes les plus importants de sa génération. Elève de Carle Vanloo puis à l’École royale des élèves protégés, il s’illustre avec un premier grand chef d’œuvre présenté au Salon de 1759, La Mort de Virginie, qui le fit considérer par la critique comme l’un des espoirs du renouveau de la peinture française. Sa gloire culmine avec une grande commande religieuse, Le Miracle des ardents, exposé au Salon de 1767 et resté célèbre grâce à une longue critique que lui consacra Diderot, dans laquelle il opposera le style puissamment lyrique de l’artiste à la manière de Vien, annonçant de l’esthétique néoclassique. Chargé d’importantes commandes royales au cours des années 1770, apprécié pour ses œuvres puissamment poétiques inspirées par l’Iliade, Doyen finit néanmoins par perdre la faveur du public dans les années 1780, au moment même où s’impose la génération de David. Sous la Révolution, l’artiste sera chargé d’importantes fonctions au sein de la Commission des monuments et œuvrera pour la préservation du patrimoine français aux côtés d’Alexandre Lenoir, son ancien élève. En 1792, il choisira finalement de partir en Russie pour achever sa carrière ; il y occupera la charge de professeur à l’Académie impériale des Beaux-arts de Saint-Pétersbourg, mais aussi la place de peintre de l’impératrice Catherine II et de son fils Paul IerAs one of main pioneer in the regeneration movement of history painting in the second half of the eighteenth century, Gabriel François Doyen (1726-1806) must undoubtedly be considered one of the most important artists of his generation. Student of Carle Vanloo and then at the École royale des élèves protégés, he is illustrated with a first great masterpiece presented at the Salon of 1759, La mort de Virginie, which made him consider by critics as one of the new hopes of the renewal of French painting. His glory culminates with a great religious command, Le Miracle des Ardents exposed to the Salon of 1767 and remained famous thanks to a long criticism that Diderot dedicated to him, in which he contrasted the powerful lyric style of the artist like Vien, announcer of neoclassical aesthetics. He was in charged with important royal commands in the 1770s, appreciated for his powerful poetic works inspired by the Iliad, Doyen eventually lost the public 's favor in the 1780s, at the very same moment when the generation of David is needed . Under the French Revolution, the artist will be in charged with important functions within the Comission des monuements and will work for the preservation of French heritage alongside Alexandre Lenoir, his former student. In 1792, he finally chose to go to Russia to complete his career ; he held the position of professor at the Imperial Academy of Fine Arts in St. Petersburg, but also the rank of painter of the Empress Catherine II and his son Paul I
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Urbain, Ruano Elise. "La mode du négligé et le portrait français : de la "sprezzatura" au "naturel" le "négligé", 1670-1790." Thesis, Lille 3, 2020. http://www.theses.fr/2020LIL3H006.
Full textAbstract:
Le choix des vêtements représentés dans un portrait est rarement anodin, et ceci est particulièrement vrai à l’époque moderne. Les significations de nombreux attributs et costumes officiels ont été largement étudiées et commentées, mais qu’en est-il des portraits en négligé ? À partir des années 1670, le sens du terme « négligé » prend une nouvelle acception moins péjorative et qualifie des vêtements confortables, opposés à la grande parure. Il s’agit de déterminer les circonstances qui amènent à une revalorisation du point de vue sur le négligé et expliquer son succès dans le portrait. La question est posée dans le cadre des relations entre la France et l’Angleterre faites d’alternance de périodes d’assimilation et de rejet dont les effets sur les pratiques artistiques ne sont plus à démontrer.Au XVIIIe siècle, le terme « négligé » désigne aussi bien des vêtements que des styles artistiques en peinture ou littérature, ou encore une attitude totalement artificielle liée chez les femmes au rituel codifié de la toilette : il concerne les pratiques sociales d’élites caractérisées par un souci constant de la représentation. Par certains aspects, le négligé évoque la « sprezzatura » de Baldassare Castiglione, mais au cours du XVIIIe siècle il est rapproché de, ou opposé à, l’idée de « naturel ». Enfin, la diffusion des modes négligées est à lier au rejet des codes de la parure, contribuant au brouillage de la hiérarchie sociale d’Ancien Régime et permettant une affirmation individuelle au détriment de l’identité de groupe. De nouvelles clefs de lecture sont ainsi données pour des portraits dans lesquels la représentation des vêtements ne paraissait pas significativeThe choice of clothing depicted in a portrait is often meaningful, and this is especially true in the Early Modern Period and the Enlightment. The meanings of many official attributes and costumes have been extensively studied and commented on, but what about portraits « en négligé » ? From the 1670s onwards, the meaning of the French « négligé » took on a new, less pejorative meaning and qualified comfortable clothing, opposed to great adornment. This study aims at determining the circumstances that lead to a revaluation of the point of view on the « négligé » and explaining its wide use in portraits, in the context of relations between France and England, which are alternating periods of assimilation and rejection, the effects of which on artistic practices are no longer to be demonstrated. In the eighteenth century, the term « négligé » refers to clothing as well as artistic styles in painting or literature, or a totally artificial attitude linked, for women, to the codified ritual of the toilet : it concerns the social practices of elites, characterized by a constant concern for representation. In some ways, the « négligé » evokes the « sprezzatura » of Baldassare Castiglione, but during the eighteenth century it is associated to, or opposed to, the idea of « natural ». Finally, the « négligé » fashion is linked to the rejection of the codes of adornment, contributing to the blurring of the Ancien Regime social hierarchy, and allowing an individual affirmation at the expense of group identity. New reading keys are thus given for portraits in which the representation of clothing did not seem significant
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Humann, Guilleminot Magali. "La peinture dans l'œuvre d'Honoré de Balzac." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040294.
Full textAbstract:
"L'œuvre de Balzac est de la peinture écrite" : cette remarque des Goncourt a conduit notre recherche à travers l'œuvre balzacienne. C'est à une véritable transposition d'art que nous assistons lorsque le romancier évoque portraits, paysages et intérieurs. Notre thèse consiste à démontrer comment l'écrivain se substitue au peintre : "la littérature se sert du procédé qu'emploie la peinture" écrit Balzac. L'intensité donnée aux descriptions par l'évocation des couleurs, de la lumière et de la matière s'apparente à la technique picturale. Il nous a semblé intéressant d'étudier dans une première partie de notre thèse comment la "fraternité des arts" se développe au début du XIXème siècle, où les arts tendent à se suppléer les uns aux autres" selon l'expression de Baudelaire. Dans une deuxième partie nous présentons les peintres dont Balzac a parlés dans son œuvre. Il était intéressant enfin d'examiner l'esthétique balzacienne : comment l'écriture du romancier évoque-t-elle des tableaux ?“The work of Balzac is written painting": the Goncourt’s comment has been our leading thread through the work of Balzac. It is the real transposal of art that is achieved when the novelist describes portraits, landscapes, and homes. Our study consists in demonstrating how the writer takes the place of the painter: "literature used the same process as does the painter" writes Balzac. The intensity, giving to the descriptions by the evocation of colors, light, materials is very similar to the pictorial technique. In the first part of our essay we study how the "fraternity of arts" has developed in the beginning of the nineteenth century when "the arts tend compensate one for the other" according to Baudelaire. In the second part we study the painters that Balzac mentioned in his work. Finally it seemed interesting to examine the aesthetics of Balzac how does his writing evoqued pictures?
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Montchal, Jérôme. "Le juste, le vrai, le grand : Vie et oeuvre d'un peintre académique au XIXème siècle: Jean-Baptiste Poncet (1827-1901)." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040046.
Full textAbstract:
Poncet, disciple zélé d'Hippolyte Flandrin, a attendu longtemps une réhabilitation approfondie. Sa biographie reconstruite montre qu'il fut reconnu par les instances officielles et eut une action en tant que professeur aux Beaux-Arts de Lyon. Sûr de pratiquer le véritable art, mais ne pouvant connaître le vrai succès, il n'a jamais su saisir sa chance. Par ses écrits, voulant se constituer en exemple, il s'est extirpé du milieu des petits maîtres. L'analyse de l'œuvre et le catalogue raisonné exhaustif montrent qu'il n'a pas vraiment continué Flandrin. Peintre mythologique souvent admirable, portraitiste inégal, graveur consciencieux, artiste attachant, il est le représentant assez lent, tardif et critiqué, mais parfois inspiré, de l'académisme de Winckelmann et d'Ingres. Il se voue, dans une technique irréprochable, à la figure allégorique nue, édifiante et isolée. Au-delà des débats porteurs, étudier d'une façon aussi fouillée un élève et la peinture officielle régionale est novateurPoncet, zealous disciple of Hippolyte Flandrin, had been awaiting this detailed rehabilitation for long. If we reconstitute his biography, one realizes that he was recognized by official authorities and acted as a teacher at Lyon Art School. Convinced he practised the real Art, but unable to meet real success, he could never jump at an opportunity. Through his writings, willing to set an example, he managed to get out from the little masters milieu. The analysis of his works and the full catalogue indicate that he didn't really follow what Flandrin had done. Mythology painter often admirable, erratic portraitist, conscientious engraver, likeable artist, Poncet was the late, quite slow and criticized but from time to time inspired representative of the academicism of Winckelmann and Ingres. He devoted himself, with a perfect technique, to naked allegorical representation, edifying and isolated. Beyond constructive debates, to study a pupil and official regional painting in such a full way is new
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Joly, Morwena. "La polémique anatomique dans les arts visuels français du XVIIIe siècle ou l'imaginaire de l'intérieur du vivant." Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010653.
Full textAbstract:
Dans un siècle où prolifèrent les images anatomiques scientifiques, la France manifeste un intérêt pour l'anatomie artistique unique en Europe. Cependant l'enseignement de l'anatomie artistique au sein de l'Académie royale de peinture et de sculpture est resté marginal. Les images anatomiques produites, oscillant entre didactisme et art, génèrent un malaise lié à l'ambiguïté de leur destination. L'étude anatomique s'intègre mal au discours artistique comme le montre les polémiques développées au long du siècle. Au-delà des enjeux pédagogiques, la connaissance anatomique va être utilisée au sein de débats très divers: celui sur le dessin et la couleur, sur l'héritage de Michel-Ange, sur le modèle antique ou sur le jugement de l'amateur. Malgré les efforts théoriques des partisans du beau idéal comme ceux du beau réel, les images anatomiques demeurent autonomes et s'appuient sur la conscience, propre au XVIIIe siècle, qu'un imaginaire anatomique spécifique aux artistes s'est constitué.
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Caviglia-Brunel, Susanna. "Charles-Joseph Natoire (1700-1777) dessinateur : étude critique et catalogue raisonné." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010569.
Full textAbstract:
Le peintre nîmois Charles-Joseph Natoire (1700-1777) fut l'un des représentants majeurs de la " génération de 1700 ", à côté de Subleyras, Jeaurat, Dandré-Bardon, Frontier, Dumont le Romain, Boucher, Trémolières, Carle Van Loo ou Blanchet. Apprécié au même titre que Boucher par les contemporains, très habile dans les grandes compositions décoratives, dessinateur virtuose et initiateur d'une nouvelle conception du paysage, Natoire tomba presque dans l'oubli au cours des dernières années de sa vie à cause du changement de goût qui se vérifia autour de la deuxième moitié du siècle et de son séjour prolongé à Rome en qualité de directeur de l' Académie de France. Dans notre thèse, nous nous proposons une étude sur Natoire dessinateur à la lumière de ses contacts, directs ou indirects, avec les artistes français et italiens contemporains et de l'influence des théories alors dominantes dans les deux pays où sa carrière se déroula, la France et l'Italie. Nos recherches ont visé par ailleurs à mieux définir les origines du peintre, le situer plus précisément dans le contexte de l' époque, déterminer quelle fut le rôle de ses maîtres Louis Galloche et François Lemoyne, ses références, sa personnalité. Le catalogue raisonné de ses dessins en constitue une partie essentielle
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Hanselaar, Saskia. "Ossian ou l'Esthétique des Ombres : une génération d'artistes français à la veille du Romantisme (1793-1833)." Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100150.
Full textAbstract:
Qui est Ossian ? Qu'est-ce que l'ossianisme en peinture ? La plupart des historiens de l'art ont généralement en tête une image du personnage et du genre de peinture à laquelle ces termes font référence. Les poèmes d'Ossian, barde-guerrier du IIIe siècle après Jésus Christ, sont traduits et regroupés par James Macpherson, qui s'avère être plus l'auteur de ces chants qu'un simple traducteur. La supercherie n'empêche pas le public d'apprécier cette oeuvre ni les artistes d'adhérer aux sentiments mélancolique et macabre qui en font la beauté. Issus des différents ateliers du néoclassicisme, des peintres de sensibilité différente tels qu'Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson, François Gérard, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Auguste Couder ou encore Casimir Karpff, s'essaient à ce genre pour inventer une manière sombre et mélancolique, qui se prête aux apparitions fantomatiques et aux réunions dans l'au-delà, omniprésentes dans les poésies. Genre éphémère puisqu'il se heurte au Romantisme, l'ossianisme fait partie d'une esthétique cachée du néo-classicisme où la nuit et la mort sont l'essence même de la compréhension des oeuvres. Les artistes qui ont travaillé sur Ossian font partie d'une génération issue de la Révolution française et de ses idées. Elle cherche à aller au-delà de l'enseignement de David et à créer non plus simplement à partir des auteurs antiques mais à outrepasser les limites de ce qu'ils proposent et à tester les frontières de l'esthétique. Leurs visions fantasmagoriques, provenant de l'univers ossianique, leur permettent de créer un style vaporeux et mystérieux (voire mystique) qui va inspirer les artistes tout au long du XIXe siècleWho is Ossian ? What is Ossianism in painting ? Most Art Ilistorians have an understanding of this concept and of the type of paintings to which it refers. The poems of Ossian, bard-warrior of the 3"' year before Christ, are translated and published by James Macpherson, who proues to be the author of these poems rather than a mere translator. The literary counterfeit does not detract the audience's appreciation nor does it bottier the artists who embrace the beauty of its melancholic and morbid sentiments. Painters of varied sensitivities, who corne from the varions studios that make up neoclassicism, such as Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson, François Gérard, Jean-AugusteDominique Ingres, Auguste Couder or even Casimir Karpff try out this genre to create a dark and melancholic band, needed to express the fantomatic appearances and heavenly reunions, omnipresent in the original text. An ephemeral genre as opposed to Romanticism, ossianism is part of a hidden esthetic in neoclassicism where night and death are the essence of the work's understanding. The artists who worked on Ossian are part of the generation of the French Revolution and its ideas. They thrived to go beyond David's teachings and to take inspiration not only from Antic authors but to exceed the limitations of esthetic. Their phantasmagoric visions, derived from the ossianic world, allow them to create a vaporous and misty (or even nrystic) style that will inspire artists throughout the 19`x' century
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Valenzuela, Berta Monica. "La présence française au Chili durant le XIXe siècle : le cas de Raymond Auguste Quinsac Monvoisin (1790-1870)." Master's thesis, Université Laval, 1991. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28400.
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Rabiller, Carole. "Critique d’art et morale. Une réception critique française et anglaise de la peinture victorienne." Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL139.
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En déplaçant les problématiques traditionnelles - celles des analyses strictement nationales - cette thèse propose d'explorer, à l'aide d'une perspective comparative, l'importance donnée au critère moral par la critique, française et anglaise, lors de sa réception de la peinture victorienne. Le corpus de ce travail s'appuie sur l'étude successive des œuvres anglaises présentées tant aux expositions universelles parisiennes (1855, 1867, 1878 et 1889) qu'à la Royal Academy et des commentaires critiques publiés dans la presse spécialisée ou non. Cette démarche révèle la dynamique des échanges interculturels entre les deux pays autour de la question morale et met en évidence l'existence d'une réception nationaliste de l'art par la critique. Dès lors, le jugement porté sur une œuvre par un critique dépend de sa culture, de son goût, mais aussi plus largement du contexte social et des principes propres à sa société. À ce titre, le climat de compétition entre la France et l'Angleterre se retrouve dans les articles et ouvrages publiés de chaque coté de la Manche. De puissants débats critiques mettent en lumière les processus d'appropriation et de rejet participant à la définition des deux cultures artistiques. Ils réunissent art et morale en interrogeant l'existence d'un « grand genre » victorien, l'exposition comme un espace permettant à la critique de circonscrire un art national et de se définir elle-même, ainsi que l'influence moraliste de John Ruskin (1819-1901) sur la société et son art. L'hétérogénéité de la profession de critique d'art associée à la plasticité du mot « morale » permet donc à ce travail de proposer une définition de la peinture victorienne et de ses acteursBy shifting the traditional issues - those of strictly national analyses - this thesis proposes to explore, using a comparative perspective, the importance given to the moral criterion by critics, French and English, when receiving Victorian painting. The corpus of this work is based on the successive study of English paintings presented at the “Expositions universelles” in Paris (1855, 1867, 1878 and 1889) as well as at the Royal Academy, and of the critical comments published in the press specialized or not. This approach reveals the dynamics of intercultural exchanges between the two countries around the moral issue and highlights the existence of a nationalist reception of art by critics. Consequently, a critic's judgment of a painting depends on their culture, their taste, but also more broadly on the social context and the principles specific to their society. As such, the competitive climate between France and England is reflected in the articles and books published on both sides of the English Channel. Powerful critical debates highlight the processes of appropriation and rejection that contribute to the definition of the two artistic cultures in relation to each other. They bring art and morality together by questioning the existence of a Victorian “grand genre”, the exhibition as a place for critics to circumscribe a national art and define themselves, as well as John Ruskin's (1819-1901) moralist influence on society and the art it produces. The heterogeneity of the art criticism profession associated with the plasticity of the word “moral” therefore allows this work to propose a definition of Victorian painting and its actors
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Rolland, Sophie. "Recherche sur la peinture murale, civile publique et privée, à Lyon et dans le Rhône, de 1860 à 1960." Lyon 2, 1994. http://www.theses.fr/1994LYO20037.
Full textAbstract:
Cette thèse se compose de trois parties. Une première partie développe un rappel nécessaire de l'histoire de Lyon et de la spécificité du milieu bourgeois lyonnais. Elle expose l'évolution de la peinture murale civile, publique et privée, à Lyon et dans le Rhône, entre 1860 et 1960. Dans une seconde partie sont étudiées les différentes conditions de production de ces peintures murales. Un essai de reconstitution de commandes publiques (Etat, municipalité, Conseil général) est tente. Pour les artistes, leur formation est évoquée de même que leurs conditions de travail. Le prix de plusieurs peintures murales est note ainsi que ce qui concerne la réception, la disparition, la conservation, la remise en valeur des œuvres. La troisième partie est consacrée à l'étude de l'iconographie et des styles. Sont envisagés les sujets, imposés ou libres, leur accord avec la destination du lieu. Sont mis en lumière les thèmes fondamentaux et sont examinées les différentes tendances stylistiques contenues dans les peintures murales. La conclusion dégage, surtout pour la période 1880-1960, une spécificité lyonnaise de ces peintures faite de mesure idéologique et stylistique, d'une permanence de la tradition classique et d'un conformisme bourgeoisThis thesis is divided into three parts. The first part develops the necessary historical background of Lyon and its specific bourgeois milieu. It shows the evolution of civil, public and private mural painting in Lyon and the Rhône area from 1860 to 1960. The second part studies the different conditions of production of these mural paintings. An attempt is made to reconstruct the chronology of public mural orders (state, municipality, general council). Concerning the artists themselves, their education and working conditions are here evoked. The prices of several mural paintings are noted, as well as information concerning the reception, disappearance, conservation, and restoration of the works. The third part is devoted to the study of iconography and different styles. The subjects, whether imposed or free, are considered, as well as their concordance with the usage of their sites. Fundamental themes are brought out and the different stylistic tendencies found in the mural paintings are examined. The conclusion reveals, especially for the period 1880-1960, a lyonnaise specificity in these paintings which were made to ideologic and stylistic measure, within a permanent classical tradition and a bourgeois conformity
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Vanci-Perahim, Marina. "Victor Brauner." Paris 1, 1995. http://www.theses.fr/1995PA010516.
Full textAbstract:
L'ouvrage essaye d'abord de résumer un ensemble de recherches poursuivies autour de la création d'un des principaux artistes contemporain, puis de présenter une synthèse générale fondée sur des repères chronologiques précis et intitulée : histoire et mythe dans l'œuvre de Victor BraunerThis work summarize the research performed on one of the major contemporary artist's production and present a general synthesis based on accurate chronological data entitled : history and myth in Victor Brauner's work
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Carvalho, Anaïs. "La réception allemande de la théorie de l’art de Roger de Piles au XVIIIe siècle." Thesis, Montpellier 3, 2016. http://www.theses.fr/2016MON30027.
Full textAbstract:
L’étude vise à dresser l’histoire de la réception de la théorie de l’art de Roger de Piles (1635-1709) dans l’espace germanophone au XVIIIe siècle. Accédant rapidement au statut de canons de la littérature artistique, les écrits de De Piles sont accueillis différemment selon les foyers politiques et culturels, selon les systèmes de diffusion et selon les acteurs de leur réception. La traduction de théories de l’art venant de l’étranger s’avère être, tout au long du XVIIIe siècle, un facteur fondamental dans la construction des théories allemandes de l’art de peindre. Entre 1699 et 1776, quatre ouvrages de, ou attribués à, l’auteur français sont publiés en langue allemande d’abord à Berlin, Hambourg puis Leipzig, par le peintre Samuel Theodor Gericke (1665-1729) et les amateurs Paul Jacob Marperger (1656-1730) et Georg Heinrich Martini (1722-1794). Certains sont réédités plusieurs fois ou retraduits hors des frontières du Saint Empire romain germanique, par Johann Dauw (1679-1723) et Tobias Querfurt (actif de 1732 à 1792). La réception allemande de la théorie du coloris de De Piles s’opère majoritairement en associations avec d’autres auteurs (Sandrart, Félibien, Lairesse, Testelin). Le processus d’assimilation du vocabulaire fixé par De Piles illustre l’évolution générale de la réception allemande de sa théorie. L’imprégnation des concepts depilesiens oscille entre fidélité, détournement et acculturation, dans une époque marquée par une recherche de corrélation entre théorie, pratique et goût de la peinture. Finalement, la position coloriste teintée d’éclectisme esquissée par De Piles s’épanouit dans le syncrétisme théorique et pratique de sa réception allemandeThe study aims to draw the history of the reception of Roger de Piles’ (1635-1709) theory, in the German area during the 18th century. Rapidly considered as a benchmark of artistic literature, De Piles’ writings are received differently according to political and cultural contexts, to dissemination system and to players of their reception. The translation of art theories coming from abroad happens to be, throughout the whole 18th century, a crucial factor in the construction of German theories of painting. Between 1699 and 1776, four books of, or attributed to, the French author are published in German, first in Berlin and Hamburg, then in Leipzig, by the painter Samuel Theodor Gericke (1665-1729) and by the connoisseurs Paul Jacob Marperger (1656-1730) and Georg Heinrich Martini (1722-1794). Some are republished several times or retranslated outside the borders of the Holy Roman Empire of the German Nation by Johann Dauw (1679-1723) and Tobias Querfurt (working from 1732 to 1792). The German reception of Roger de Piles’ theory of colouring occurs mainly in association with others authors (Sandrart, Félibien, Lairesse, Testelin). The assimilation process of the vocabulary established by De Piles illustrates the general evolution of the German reception of his theory. The impregnation of de Piles’ concepts fluctuates between fidelity, embezzlement and acculturation, in a period marked by a search of correlation between theory, practice and taste for painting. Eventually, the colourist position tinged with eclecticism sketched by de Piles prospers in the theoretical and practical syncretism of his German reception
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Grosset-Clergeau, Marie-Jeanne. "Catalogue raisonné des peintures de Thomas Couture demeurées dans les collections publiques en France." Paris 4, 1987. http://www.theses.fr/1987PA040478.
Full textAbstract:
Le catalogue présente surtout des peintures conservées dans les musées français. Elles sont regroupées par genre, portraits, compositions, sujets de genre, paysages, nature-morte, montrant la variété de l'œuvre de Thomas Couture. Les grandes compositions figurent accompagnées de leurs études préparatoires. Dix tableaux sont présentés comme des attributions en fin de catalogue. Pour chaque tableau, le plan d'étude est simple: fiche signalétique, expositions, bibliographie, étude. Le principal problème rencontré est la datation. L'étude de l'évolution technique et du style de couture donne parfois une solution. La biographie et l'œuvre dans son ensemble sont sommairement abordées en introduction. Le travail scrupuleux de préparation est souligné dans les études pour Les Romains de la décadence, L'Enrôlement des volontaires, Le Baptême du prince impérial, La Noblesse. Les séries illustrant un même thème ainsi que Damoclès et le roi de l'époque montrent l'aspect moralisateur de sa peinture. Mais les portraits, les paysages, les nature-morte, dévoilent un Couture moins connu, plus attachant, plus proche de nous. L'influence de l'artiste sur Manet est évoquée, son insertion dans la société et l'art de son temps également. Couture apparait comme le peintre de la bourgeoisie au pouvoir dans ses portraits, comme le chantre de la révolution populaireThe catalogue presents principally paintings from French museums; they are classified by sort, portraits, compositions, genre paintings, landscapes, still-lives, showing the variety of couture's work. The compositions are accompanied by their preparatory studies. Ten pictures are presented as attributions at the end of the catalogue. For each painting, the study-plan is simple: description, exhibitions, bibliography, and study. The most important problem is the datation. Sometimes, the evolution of couture's technique and style gives a solution. The biography and work in its whole are shortly studied in the introduction. The rigorous preparative work of Couture is shown in the studies for Les Romains de la décadence, L'Enrôlement des volontaires, Le Baptême du prince impérial, La Noblesse. The series illustrating a same subject, as well as Damoclès and Le Roi de époque, emphasize the edifying aspect of couture's painting. But the portraits, the landscapes, the still-lives, show a less-known more attractive and closer to us couture. The artist's influence on Manet is evocated; his insertion in the society and art of his time as well. Couture appears as the painter of the …
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Minervini, Fausto. "Photographie et peinture entre Italie et France dans la seconde moitié du XIXème siècle : production, édition et dynamiques de marché." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040065.
Full textAbstract:
Dans la seconde moitié du XIXème siècle, comme dans les autres arts visuels, la France, et plus particulièrement Paris, a été une référence fondamentale quant à la réception des nouveautés provenant du domaine photographique des cercles artistiques italiens. La production photographique française et ses protagonistes ont offert aux communautés italiennes des modèles à suivre, des vecteurs pour la diffusion et l’accueil de leurs productions à l’étranger ainsi qu’un support fonctionnel aux dynamiques qui régulèrent le marché international de leurs œuvres. Cette recherche s’interroge tout d’abord sur le paradigme que la photographie française a pu représenter pour les artistes de la péninsule. Cependant, dans ces dynamiques d’échanges réciproques et profondes entre les deux pays, la photographie de provenance italienne a également joué un rôle décisif pour la maturation de certains mouvements artistiques européens. Ces réflexions mettent l’accent sur l’ampleur de la diffusion de la photographie tout au long du XIXème siècle qui lui permit de devenir une base commune pour des écoles artistiques profondément différentes entre ellesDuring the second half of Nineteenth century, as in the other visual arts, France, and particularly Paris, was a fundamental reference point for the reception of the innovations of the photographic domain in the Italian artistic circles. French photography and its protagonists offered to the Italian communities eminent models and vectors for the circulation and the reception of their production abroad, as well as functional medium in the dynamics which regulated the international market of their works. The aim of this research is to investigate the influence of French photography on Italian artists. However, in these deep and mutual exchanges between the two countries, Italian photography also played a decisive role for the development of several European artistic movements. These considerations emphasize the large photography’s circulation throughout the Nineteenth century that allowed it to become a common basis for some deeply different artistic schools
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Leribault, Christophe. "Jean-François de Troy (1679-1752)." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1998PA040312.
Full textAbstract:
Cette thèse tente de présenter l'ensemble de la carrière et de l'œuvre de Jean-François de Troy (Paris, 1679 - Rome, 1752), sous la forme d'un catalogue raisonne de ses nombreuses peintures et quelques dessins, précède d'un premier volume biographique. Cette introduction met en valeur le déroulement de sa carrière, de son long séjour de jeunesse en Italie à ses premiers succès parisiens pour une clientèle de financiers, jusqu'aux prestigieuses commandes pour Versailles et Fontainebleau. Elle permet de définir la place originale de son œuvre notamment dans le domaine de la scène de genre, mais aussi dans le développement de la peinture d'histoire nationale et dans celui de la tapisserie. Son rôle à la tête de l'Académie de France à Rome, de 1738 à sa mort, est ensuite plus particulièrement étudié ainsi que son insertion dans le milieu artistique romain, à travers ses relations avec l'académie de Saint-Luc dont il fut élu prince. Cette étude est complétée par un chapitre consacré à la fortune du peintre et par un autre dédié à ses rapports avec l'estampe, qui définit sa stratégie d'éditeur aussi bien que la postérité qu'elle a assurée à son œuvre.
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Vega, Vazquez Maria de los Angeles. "La Bretagne à l’encre : Jarry, Segalen, Suarès : une traversée culturelle et littéraire." Le Mans, 2009. http://cyberdoc.univ-lemans.fr/theses/2009/2009LEMA3003_1.pdf.
Full textAbstract:
Catalogues, manuels et dictionnaires s’obstinent à séparer écrivains et création littéraire, à structurer chaque auteur isolément. Il nous a semblé qu’il fallait sortir des sentiers battus de la méthodologie littéraire. L’étude en profondeur des oeuvres de Jarry, Segalen et Suarès, écrites dans une France chatouillée par les inquiétudes régionalistes, bouleversée par la naissance de l’anthropologie, habillée aux couleurs de la mode des peintres de Pont-Aven, a fait émerger la Bretagne comme une figure clé. Une première partie analyse la place occupée par la Bretagne dans leur biographie. Les chapitres composant la deuxième partie de notre travail, abordent la survivance de l’imaginaire celtique et de l’univers légendaire breton dans leurs oeuvres. La troisième partie s’intéresse plus particulièrement à tous les événements qui ont poussé les trois écrivains à rêver de l’extra-muros et à établir un lien entre la Chine et la BretagneCatalogs, textbooks (manual workers) and dictionaries persist in separating writers and literary creation, in structuring every author remotely. It seemed to us that it was necessary to take out beaten tracks of the literary methodology. The study in depth of the works of Jarry, Segalen and Suarès, written in France tickled by the “regionalistic” anxieties, upset by the birth of the anthropology, dressed in the colors of the fashion of the painters of Pont-Aven, brought to the foreground Brittany as a key figure. A first part (party) analyzes the place occupied by Brittany in their biography. Chapters composing the second part of our work, approach the survival of the Celtic imagination and the Breton legendary universe on their works. The third part is more particularly interested in all the events which urged three writers to dream about the extra-muros and to establish a link between China and Brittany
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Coquery, Emmanuel. "Charles Errard : ou l'ambition du décor." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040049.
Full textAbstract:
Cette thèse s'attache à reconstituer la vie et l'œuvre de Charles Errard (Nantes, v. 1603-Rome, 1689), peintre, architecte et décorateur. La première partie étudie sa première période romaine (v. 1625-1642), qui voit un jeune artiste pensionné par le roi s'affirmer comme un dessinateur prolifique et bien introduit. La deuxième partie analyse la production datant de cette période. La troisième partie étudie les conditions de son succès dans le monde artistique parisien comme entrepreneur de décoration. La quatrième analyse l'art de cette période en tentant de préciser le statut du grand décor ornemental au milieu du siècle. La cinquième s'attache à son rôle d'éditeur d'estampes et à celui d'architecte. La dernière partie détaille les multiples facettes de sa seconde période romaine, à partie de la fondation de l'académie de France à Rome, mais aussi dans son rôle à l'académie romaine de Saint-Luc. Le catalogue ici reconstitué compte 4 à 5 tableaux sûrs, environ une quinzaine de décors, 400 dessins et gravuresThis thesis deals with the work and life of Charles Errard (Nantes v. 1603-Rome 1689), painter, architect and decorator. The first part studies his first roman period (c. 1625-1642), in which Errard reveals a prolific draughtsman, and a well established young artist. The second part analyses this production. The third part deals with the conditions of this partisan career, as a decorator. The fourth part tackles the elements of his art in Paris. The fifth part regards his role as a print publisher and his conception of architecture. The last embraces his final years in Rome, as the first director of the French academy in Rome and as the Principe of the San Luca academy. The catalogue, here established, counts 5 paintings, 15 decorations, 400 drawings and 500 prints
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Salvi, Claudia. "Jean-Baptiste Monnoyer (Lille 1636 – Londres 1699) : peindre des fleurs et des fruits à l’âge classique." Thesis, Aix-Marseille, 2016. http://www.theses.fr/2016AIXM3068.
Full textAbstract:
A partir de l'élaboration du catalogue de son oeuvre (tableaux de chevalet et peintures décoratives), cette thèse étudie et ré-évalue la place de Jean-Baptiste Monnoyer dans la France du Grand Siècle. L'étude des oeuvres de ses collaborateurs et contemporains permet de préciser l'originalité de sa personnalité artistique et de définir sa place dans le développement de la peinture de nature morte en France au XVIIe siècle. Né à Lille, Monnoyer arrive tôt à Paris, où il ajoute à son expérience de la nature morte nordique l'influence des peintres français de la vie silencieuse. Il inscrit aussi son nom dans le siècle de Louis XIV comme peintre décorateur, effectuant les premiers décors des résidences de jeunesse du monarque (Saint-Germain-en-Laye, Vincennes, les Tuileries). Il y donne ses lettres de noblesse au motif de la guirlande tressant la gloire du prince.Comme collaborateur de Le Brun, il travaille dans des chantiers privés (Hôtel Lambert, château de Vaux), ou des châteaux de ministre du roi (Sceaux). Il part encore travailler en Angleterre à la fin du siècle. L’abondance des commandes royales l'oblige à s’entourer d’assistants. Les enjeux artistiques de cette production sont enfin analysés : la position du genre de la nature morte dans la doctrine officielle de l’Académie et sa reconnaissance dans les collections privées ; le statut du peintre de nature morte dans la génération des classiques, de Félibien à Perrault. Enfin, le rôle fondamental de Monnoyer dans le développement et la diffusion de ce genre est étudiéHaving compiled the entire work catalogue of Jean-Baptiste Monnoyer (easel paintings and decorations), this thesis aims to study and re-value his importance in France during the Grand Siècle.Through the study of works of his collaborators and contemporaries the uniqueness of his artistic personality is specified, as well as his position in the development of still life painting in France during the 17th century.Born in Lille, Monnoyer came early to Paris, where he joins his knowledge of Nordic still life painting to the influence of French « silent life » painters.His name is famous too during the century of Louis XIV as a painter decorator. As such, he made the first decorations for the youth residences of the monarch (Saint-Germain-en-Laye, Vincennes, the Tuileries). He there develops the importance of the pattern of the garland glorifying the prince.As a collaborator of Le Brun, he works in private worksites (Hôtel Lambert, château de Vaux), or in castles of ministers (Sceaux). He also works in England at the end of the century. Due to the great amount of royal orders, he was forced to gather assistants. The artistic issues of this production are analysed: the situation of the still life genre in the official doctrine of the Academy, and his recognition in private collections ; the position of the still life painter in the classical generation, from Felibien to Perrault. And then, the fondamental part of Monnoyer in the development and the rayonnment of this genre is studied
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Rangel, Angulo Maria de lourdes. "L'oeil qui rendroit le plus barbare apris : le concept de mélancolie dans la rencontre des arts visuels, la musique et la poésie renaissants en France." Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040230.
Full textAbstract:
La thèse l'oeil qui rendroit le plus barbare apris comprend un effort pour analyser les aspects de la rencontre de la poésie, des arts visuels et de la musique de la renaissance française. pour atteindre notre objectif, nous nous servirons de l'histoire et de la philosophie. ainsi notre approche sémiologique et en même temps humaniste apportera un tout nouveau regard sur les premières oeuvres de la modernité en france. notre étude commence par la poésie de pétrarque mais met l'accent sur l'oeuvre de jean lemaire de belges, pierre de ronsard, joachim du bellay, michel-ange (poésie et peinture), etienne jodelle et bien d'autres. quant aux peintres, nous analyserons les tableaux de l'ecole de fontainebleau, jean fouquet et jean clouet. de plus il s'avèrera profitable d'ajouter les images qui se trouvent dans les enluminures de l'époque. cette thèse s'enrichira avec les bâtiments renaissants français et la chanson de l'époque. les traités de peinture, architecture et poésie de cette époque nous aideront à mieux comprendre l'importance et la signification des formes, couleurs et thèmes, et aussi la relation qui existe entre les arts et la poésie de l'époque. a partir de la lecture des traités on peut apercevoir que l'humanisme joue un rôle déterminant dans le développement de la poésie, des arts visuels et même de la musique. /To find a definition of a complex concept such as melancholy, we decided to write a history of passions, because they are at the origin of all the excesses of this temperament. After an Antiquity that has promoted stoicism, Augustine proves that passions make us feel closer from God, imitate the existence of Christ and get to know the mercy. Thus, the melancholy is may be the temperament of wise persons, and also, according to Aristotle, the one of the heroes and the artists. For us, the parallelisms between the Vitruvian rhetoric and the elements of Durer’s Melencolia I emphasize the importance to find the order in the chaos of the imagination produced by the excess of black bile, specially among the artists. This representation of the melancholy like a lack of internal harmony belongs to the early years of the 16th century. A few years later, the French hypermanierisme let us understand that the ornament in buildings and paintings tried to fill spiritual emptiness of the period we are studying. Melancholy is the fear of nothingness
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Rosenfeld, Pierre-Louis. "Les tragi-comédies de Georges de Scudéry, un théâtre donné à voir : l’œil entre le monde, le spectacle et la peinture." Thesis, Paris 3, 2019. http://www.theses.fr/2019PA030067.
Full textAbstract:
Une des composantes du théâtre est ce que, dans la Poétique, Aristote nomme opsis : le spectacle, le donné à voir. Dans le premier XVIIe siècle, un genre et un auteur permettent d’illustrer cette composante. Sous le règne de Louis XIII et le gouvernement de Richelieu, la tragi-comédie est à la mode et se caractérise par sa dimension spectaculaire. Parmi les auteurs qui pratiquent ce genre et défendent sa spécificité, Georges de Scudéry en est un des plus prolifiques et de plus s’intéresse de près à la peinture, art de la vision par excellence. Notre étude porte sur la construction du regard spectatorial dans les tragi-comédies de Georges de Scudéry. Quatre aspects sont examinés : le rapport qui existe entre les tragi-comédies et l’actualité à travers un imaginaire commun, les ressorts du spectaculaire tels qu’énoncés par les théoriciens et les auteurs dramatiques des années 1630, la manière dont Scudéry donne à voir ses pièces, enfin trois traits de sa dramaturgie (le suspense visuel, la circulation des regards, la référence à la peinture). Le prologue examine une scène fondatrice du règne de Louis XIII, le « coup de majesté » d’avril 1617 qui amena le roi effectivement au pouvoir. Cette scène fut d’abord répétée, puis dansée devant la cour, enfin exécutée pour de bon avec la mort des époux Concini. Mais ce n’était pas fini, le théâtre s’en empara et continua de la jouer. La première partie s’intéresse aux événements emblématiques du règne de Louis XIII et du gouvernement de Richelieu, et analyse les reflets qu’il ont pu laisser dans la production dramatique de l’époque, notamment dans les tragi-comédies. La deuxième partie établit un inventaire des différentes formes de spectacle qui avaient cours à cette période et les commentaires qu’elles ont suscités. La troisième partie analyse la dimension spectaculaire des tragi-comédies de Scudéry, d’abord à partir des didascalies, puis selon quatre critères (le sujet de la pièce et sa référence au monde, le dispositif visuel mis en place, les initiatives visuelles qui émanent du spectacle, l’expérience du risque à laquelle rend sensible le spectacle), enfin à travers les frontispices des éditions. La quatrième partie examine dans le donné à voir ce qui est non plus lié à la surprise, mais à l’approfondissement de la vision sous trois aspects : la mécanique visuelle du suspense, la circulation du regard et ses fonctions (admirer, exercer le pouvoir, connaître), les références à l’univers de la peinture et l’usage de techniques picturales (portrait, paysage)One of the components of the theater is what Aristotle calls opsis in Poetics : the spectacle, the donné à voir. In the first seventeenth century, a genre and an author illustrate this component. Under the reign of Louis XIII and the government of Richelieu, tragi-comedy is fashionable and characterized by its spectacular size. Among the authors who practice this genre and defend its specificity, Georges de Scudéry is one of the most prolific and more closely interested in painting, the art of vision par excellence. Our study focuses on the construction of the spectatorial gaze in the tragi-comédies of Georges de Scudéry. Four aspects are examined : the relationship between tragi-comedies and current affairs through a common imaginary, the driving forces of the spectacular as stated by the theoreticians and dramatic authors of the 1630s, the way Scudéry gives his plays to see and finally three traits of his dramaturgy (visual suspense, circulation of looks, reference to painting). The prologue examines a founding scene of the reign of Louis XIII, the "coup de majesté" of April 1617 that brought effectively the king to power. This scene was first rehearsed, then danced before the court, finally performed for real with the death of the Concini couple. But it was not over, the theater took it and continued to play it. The first part deals with the emblematic events of the reign of Louis XIII and the government of Richelieu, and analyzes the reflections that he could have left in the dramatic production of the time, especially in tragi-comedies. The second part establishes an inventory of the various forms of entertainment that were current during this period and the comments they generated. The third part analyzes the spectacular dimension of Scudery's tragi-comedies, first from the didascalies, then according to four criteria (the subject of the play and its reference to the world, the visual apparatus put in place, the visual initiatives that emanate from the show, the experience of the risk to which the show is sensitive), finally through the frontispieces of the editions. The fourth part examines in the donné à voir what is no longer related to surprise, but to the deepening of the vision in three aspects : the visual mechanics of suspense, the circulation of the gaze and its functions (admiration, power exercising, knowing), references to the world of painting and to the use of pictorial techniques (portrait, landscape). Keywords
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Zelvenskaïa, Anastas. "Le symbolisme pictural en Russie et en France (1890-1910) : interférences et affinités." Clermont-Ferrand 2, 2003. http://www.theses.fr/2003CLF20020.
Full textAbstract:
Ce travail vise à tracer un parallèle entre le symbolisme pictural en Russie et en France dans les années 1890-1910. Il débute avec une synthèse des sources de connaissances (collections, expositions, revues), un résumé des échanges directs (voyages d'artistes, contacts, collaboration) et une étude de la fortune critique de quelques peintres français (Moreau, Puvis de Chavannes, Carrière, Redon, Gauguin, Denis et les Nabis, les représentants du symbolisme idéaliste). A la partie documentaire succède une analyse des oeuvres de divers artistes symbolistes russes qui a pour objectif de déceler l'apport français, tout en indiquant la présence d'autres sources. Le cercle d'Abramtsevo, "Le Monde de l'Art", les grands maîtres solitaires (Vroubel, Borissov-Moussatov, Ciurlionis), le groupe de "La Rose Bleue" ainsi que les préfigurateurs de l'art du XXe siècle (Petrov-Vodkine, Malévitch, Kandisky) - tels sont les phénomènes mis en rapport avec le symbolisme françaisThis work aims to trace a parallel between the pictorial Symbolism in Russia and in France during the years 1890s-1910s. It starts with a synthesis of the sources of knowledge (collections, exhibitions, periodicals), a summery of direct exchanges (artist's trips, contacts, collaboration) and a study of the critical fortune of several French painters (Moreau, Puvis de Chavannes, Carriere, Redon, Gauguin, Denis and the Nabis, the representatives of the idealist symbolism). After this documentary part follows an analysis of works of different Russian symbolist artists which have as a goal to detect the French contribution indicating at the same time the presence of other sources. The Abramtsevo circle, "The wold of art" group, the great solitary masters (Vroubel, Borrisov-Moussatov, Ciurlionis), the "The Blue Rose" group and the heralds of the XXth century art (Petrov-Vodkine, Malevitch, Kandisky)-these are the phenomena compared to the French Symbolism
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Munck, Olivier. "Le peintre dans le roman du XIXème siècle : histoire des rapports de la littérature et de la peinture, de l'homme et du réel." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1994PA040041.
Full textAbstract:
De balzac a proust, les personnages de peintre composent une histoire romanesque de l'art originale qui illustre la relation entre l'homme et le reel. Ce pastiche, considere comme les effets esthetiques, se developpe, empruntant son plan a la comedie humaine, en une tragedie qui efinit les principes et les causes sociaux, physiologiques et philosophiques, regissant le heros et son oeuvre. Guidee par l'hypothese du role essentiel de la peinture dans l'evolution de la perception et de la creation, la comparaison entre la fiction et la realite propose une somme des influences de l'expression picturale sur l'expression litteraire, de celles, reciproques, de ce personnage particulier de roman en roman et sur son propre createur, peignant le rapport du percu et du rendu, de l'ecrit et du lecteurThe painter's figures from balzac to proust compose an original romantic art history showing the relationship between man and reality. Looked on aesthetic effects, this pastiche, from a composition borrowed to la comedie humaine, spreads out a tragedy, firming social, physiological and philosophical principles and causes, rules for the hero as for his art work. The hypothesis relies on the increasing part of painting as essential element in the evolvement of perception and creation. The comparaison between fiction and reality offers a summary of the influences of the pictural expression upon the litterary one, those reciprocal of this peculiar hero, from a fiction to another one, on his own creator, defining the connection between the thing perceived and expressed, the writing and the reader
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Schneider, Marlen. "„Belle comme Vénus‟ : das portrait historié zwischen Grand Siècle und Zeitalter der Aufklärung." Thesis, Lyon 2, 2015. http://www.theses.fr/2015LYO20031.
Full textAbstract:
Très apprécié et répandu pendant la deuxième moitié du XVIIe siècle et les premières décennies du XVIIIe, le portrait historié fut un phénomène caractéristique de la société de cour, révélateur des pratiques artistiques et culturelles de ce milieu. Partout en Europe et surtout en France, l’élite sociale se faisait peindre en costume de fantaisie mythologique ou historique par des peintres célèbres tels que Nicolas de Largillierre, Pierre Gobert, François de Troy, Jean-Marc Nattier ou Jean Raoux. Figurant encore parmi les desiderata de l’histoire de l’art, l’étude scientifique exhaustive du portrait historié peut toutefois contribuer à la recherche sur le portrait français de l’Ancien Régime en général. Afin de définir la place particulière qui prenait ce type de portrait dans le monde artistique, culturel et sociale de l’époque, nous avons établi une historiographie qui tient compte 1) des innovations iconographiques et formelles du genre, 2) des rapports culturels changeants de ces portraits, 3) de leurs fonctions sociales, et 4) des réactions du public et de la critique d’art à partir du milieu du XVIIIe siècle. Face au discours des Lumières et avec la crise de la monarchie absolutiste en France, ses expressions culturelles et artistiques perdirent leur légitimation, et notamment le portrait historié, étroitement lié aux principes mêmes et aux convictions de la société de courThe portrait historié was one of the most characteristic and revealing phenomena of French court society, closely relying on this particular milieu’s artistic and cultural practices, and was thus very much appreciated during the second half of the seventeenth century and the first decades of the eighteenth century. Members of the social elites all over Europe and especially in France chose to sit in mythological or historicized costumes for renowned artists such as Nicolas de Largillierre, Pierre Gobert, François de Troy, Jean-Marc Nattier or Jean Raoux. An extensive study of this particular kind of portraiture, which is still one of the desiderata in art historical research, might generally contribute to scientific research on French portraits from the Ancien Régime. In order to define the artistic, cultural and social impact and status of portraits historiés, the thesis examines the institutional, iconographic and formal evolution of the genre, its cultural context and influences, its social functions, as well as its reception in 18th century public sphere and especially in the context of enlightened discourse. Resulting from the moral and esthetic principles of court society, these cultural and artistic expressions derived from the absolutist French monarchy lost their legitimation during a period of political and social change and revolution
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Cipiniuk, Alberto. "L'origine de l'Académie des Beaux-Arts de Rio de Janeiro." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 1990. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/213110.
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Gervais, de Lafond Delphine. "Shakespeare et les peintres français au XIXè siècle." Thesis, Aix-Marseille, 2012. http://www.theses.fr/2012AIXM3105.
Full textAbstract:
Shakespeare est partout en ce XIXe siècle. Il inspire la littérature, la musique, les arts plastiques. Il est dans l'accomplissement d'un nouveau théâtre et dans le rêve d'une génération d'artistes qui se jette à corps perdu dans un nouvel idéal. Que cherchent-ils alors dans l'infamie des sorcières, les procrastinations d'un jeune prince, le désarroi d'un vieux roi, l'interdit de l'amour ? Ils s'en vont rêver à d'autres univers, peuplés de créatures fantastiques, d'hommes au cœur vrai et de folles passions. Et dans ce début de siècle comme le dit Stendhal au détour d'une pensée dédiée au dramaturge anglais : « il faut sentir et non savoir ! ». L'objectif de la présente étude est de poser les bases d'une réflexion approfondie sur l'inspiration shakespearienne française en peinture au XIXe siècle. Nous nous sommes attachés à en déterminer les causes et en identifier les manifestations, mais aussi à l'englober dans une histoire plus générale de l'art à travers la remise en question d'un genre pictural menacé, la peinture d'histoire. C'est pourquoi notre travail s'articule autour de cinq grandes parties afin d'offrir un examen complet et synthétique du sujet. La première partie a pour but d'initier le lecteur à cette inspiration littéraire. Les trois parties suivantes sont consacrées à l'étude approfondie des différentes sources d'inspiration des peintres (textuelles, visuelles et iconographiques). Enfin, après la mise en place contextuelle, l'exploration iconographique et iconologique de notre sujet, notre dernière partie tend à analyser le rôle qu'a joué en France l'inspiration shakespearienne en peinture à travers plusieurs approches : esthétique, critique et idéologiqueThe name of Shakespeare overhangs the 19th century. The English playwright inspires literature, music and fine arts. He is closely associated with theatre renewal and becomes a model for a generation of artists. What are they looking for in the witches' infamy, the procrastination of a young prince, the distress of an old king, forbidden romances? They dream of other universes crowded with fantastic creatures and passionate human beings. In the beginning of this century, as Stendhal pointed out in a note dedicated to The Bard : “We need to feel rather than to know”. The aim of the research herein is to analyse the Shakespearean inspiration on French painting over the 19th century through a discussion which deals with iconographical and aesthetic concerns as well. To be as relevant as possible, we chose to organize our work in five parts in order to offer a global and complete view of the subject. Thus, the first part of our dissertation tends to initiate the reader to the Shakespearean iconography in general, while the following third parts explore the painter's different sources of inspiration (textual, visual and iconographical). Finally, the fifth part is devoted to the examination of the role played by this literary inspiration on French painting through intellectual, critical and ideological approaches
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Pierre, Marie-Liesse. "Un atelier jurassien au temps des Lumières, les Rosset : sculpteurs, ivoiriers et peintres comtois à Saint-Claude dans le Jura au XVIII siècle." Thesis, Strasbourg, 2013. http://www.theses.fr/2013STRAG026/document.
Full textAbstract:
Le sujet traite de l'originalité de l'atelier de sculpture des Rosset de Saint-Claude dans le Jura (France) actif du XVIe au XIXe siècle. Original par sa production familiale d'objets d'art en ivoire et en marbre qui connut une diffusion européenne grâce aux portraits de Voltaire. Sculpteurs d'intérieur et «en petit», engagés dans le débat des Lumières, les Rosset sont aussi des statuaires comtois renommés et des peintres locaux. Le sujet est centré sur le XVIIIe siècle autour de l'œuvre de Joseph Rosset (1706-1786) âme de l'atelier, créateur de modèles réputés et que ses cinq fils, tous artistes, produiront en série avec lui et, après sa mort de manière indépendante, adaptant leur œuvre à l'évolution des goûts : Jean François alias Joseph Rosset (1734-1783) orfèvre, Jean-Joseph-Nicolas Rosset (1737-1809) prêtre et peintre, Jacques-Joseph Rosset (1741-1826), François-Marie Rosset (1743-1824) peintre voyageur en Turquie d'Asie et sculpteur et Claude-Antoine Rosset (1749-1818) peintre et sculpteur. Le volume I (265 pages). Le premier chapitre retrace l'histoire de l'atelier présent à Saint-Claude depuis le XVIe siècle, analyse le contexte du travail et la position sociale bourgeoise de la famille de Joseph Rosset au XVIIIe siècle. Le chapitre deux présente de manière critique la biographie de Joseph Rosset, dégage les caractères de son œuvre à tête de Janus, le sacré et le profane, à l'image de ses convictions, de sa foi religieuse catholique et de ses idées politiques libérales, qui met son art au service des Lumières. Enfin, un troisième chapitre, analyse l'œuvre de ses fils dans la continuité politique de l'idéal de leur père ; ils participent en citoyens à la mise en œuvre des réformes libérales de la Révolution. Le volume II (587 pages) présente le catalogue raisonné de l'œuvre de Joseph Rosset (1706-1786), tome 1, les œuvres religieuses, tome 2, l'œuvre en ivoire de l'atelier Rosset et, tome 3 l'œuvre profane en marbre. Le volume III (491 pages) est le catalogue raisonné de l'œuvre sculpté et peint de ses fils : tome 1, l'œuvre graphique et sculpté de Jacques Rosset (1741-1826) ; tome 2, l'œuvre peint et sculpté de François Rosset (1743-1824) ; tome 3 l'œuvre sculptée d'Antoine Rosset (1749 - 1818)The subject treats originality of the workshop of sculpture of Rosset of Saint-Claude in the Jura (France) active from the XVIth until the XIX th century. Original by its family production works of art in ivory and marble which knews an European diffusion thanks to the portraits of Voltaire. Sculptors of interior and "into small", engaged in the debate of the Enlightenment, the Rosset are also famous sculptors of Franche-Comté and local painters. The subject is centered over the XVIIIth century around the work of Joseph Rosset (1706-1786) heart of the workshop, creator of famous models, whose five sons, ail artists, will produce in séries with him, and in an independent way after his death, adapting their work to the évolution of the tastes : Jean François, alias Joseph Rosset (1734-1783) goldsmith, Jean-Joseph-Nicolas Rosset (1737-1809) priest and painter, Jacques-Joseph Rosset (1741-1826), François-Marie Rosset (1743-1824) traveller painter of Turkey in Asia and sculptor, and Claude-Antoine Rosset (1749-1818) painter and sculptor. Book I. The first section relates the history of the workshop présent in Saint-Claude since the XVIth century, analyses the contex of work and the middle class social position of Rosset's family during the XVIIIth century. The second section shows in a critical way Joseph Rosset's biography, which brings out the characteristics of his Janus headed work, the sacral and the profane, picture of his believes, his catholic faith and his libéral political ideas and offers his art to the service of the Enlightenment. And then, in a third section analyses the works of his sons, in the political continuity of their father's ideals. They take part as citizen in the enforcement of the Révolution's libéral reforms. Book II introduces the reasoned catalogue of Joseph Rosset's work (1706-1786), section 1, the sacred work, section 2, the ivory work of the Rosset's Workshop and the third section the profane marble work. Book III is a reasoned catalogue of the sculpted work of his sons : section 1, the work of Jacques Rosset (1741-1826) ; section 2, the painted and sculpted work of François Rosset (1743-1824) ; section 3, the sculpted work of Antoine Rosset (1749-1818)
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Chamberland, Philippe. "Foi et images : enjeux spirituels et pédagogiques du tableau religieux dans les paroisses rurales au Bas-Canada. Deux études de cas à partir du fonds de tableaux Desjardins." Master's thesis, Université Laval, 2014. http://hdl.handle.net/20.500.11794/25617.
Full textAbstract:
Notre mémoire s’intéresse au fonds de tableaux Desjardins, plus spécifiquement aux œuvres acquises par les paroisses rurales du Bas-Canada entre 1817 et 1833, dans l’optique d’une utilisation à des fins surpassant la seule ornementation. D’abord, il s’attarde à la situation de l’Église catholique au sein de la colonie au tournant du XIXe siècle, moment de l’arrivée des tableaux. Ensuite, il démontre l’intérêt des ecclésiastiques du Bas-Canada à l’égard des images et leur conscience des services qu’elles peuvent rendre à la religion. Ultimement, par le biais des ensembles constitués par les paroisses de Saint-Henri de Lévis et Saint-Antoine de la Baie-du-Febvre, notre étude définit les moyens habilitant les toiles du fonds de tableaux Desjardins à supporter les pratiques dévotionnelles et à participer à l’instruction catéchistique des fidèles de la colonie.
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Walkowska-Boiteux, Joanna. "Auguste Couder, peintre d’histoire (1790-1873). Catalogue raisonné de l'oeuvre." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040093.
Full textAbstract:
Peintre d’histoire actif dès le début de la Restauration jusqu’au Second Empire, membre de l’Académie des beaux-arts et officier de la Légion d’honneur, Auguste Couder représente parfaitement toute une génération d’artistes reconnus de leur vivant, mais oubliés par la suite. Méconnue de nos jours, son œuvre, riche et variée, mérite pourtant d’être redécouverte. Elève fidèle de David, fortement marqué par l’enseignement de son maître, Couder se distingua en tant qu’un excellent dessinateur qui ne négligeait pas pour autant la couleur. Sollicité pour de nombreuses commandes officielles et privées, il réalisa un grand nombre d’œuvres inspirées tantôt de l’histoire – aussi bien antique que nationale, tantôt de la religion ou de la littérature. Peintre prolifique, exposant régulièrement aux Salons des années 1814-1848, il participa également à plusieurs travaux de décoration d’édifices civils et religieux. Pourtant, jusqu’à présent, sa création ne fit l’objet d’aucune étude. Cette thèse a pour objectif de combler cette lacune, en retraçant la carrière de Couder d’une part, et en établissant le premier catalogue raisonné de son œuvre, d’autre part. Comprenant près de 400 peintures et dessins, dont plusieurs sont inédits, ce catalogue met en évidence la richesse de la création artistique de Couder laquelle retrouve ainsi sa place dans l’histoire de la peinture du XIXe siècleAuguste Couder, a historical painter active from the outset of the French Restauration to the Second Empire, a member of the Académie des beaux-arts (Academy of Fine Arts) and an Officer of the Legion of Honour, is a true representative of a whole generation of painters who were recognised as such during their lifetime but forgotten afterwards. Little known today, his works, abundant and varied, well deserve to be rediscovered. As a loyal student of David whose teaching greatly influenced him, Couder stood out as an excellent drawer but was nevertheless much interested in colours. He was commissioned numerous orders, from official and private sources, for paintings of a historical nature – both ancient and national – and inspired by religion and literature. A prolific artist, he participated regularly in the Salon held between 1814 and 1848 ; he also took part in several decorative works for official and religious edifices. Yet, his works have never been the subject of any study. The object of the present thesis is to remedy this situation by reviewing his whole career as well as drawing up, for the first time, a full descriptive catalogue of his works. This catalogue, which comprises some 400 paintings and drawings – several of which are unpublished, highlights the rich creation of Couder, reinstating him in the history of the 19th century arts
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Medvedkova, Olga. "L'architecture française en Russie au XVIIIe siècle." Paris, EHESS, 2000. http://www.theses.fr/2000EHES0021.
Full textAbstract:
La thèse est consacrée a l’étude du phénomène de transfert en Russie du modèle architectural français, tel qu'il se constitua a la fin du XVIIe siècle et perdura jusqu’à la fin du XVIIIe siècle. Il était construit comme un modèle moderne de supériorité française par opposition a l’antiquité et a l’Italie, et imposait son propre système d'ordres, ses techniques de construction et d'artisanat, sa distribution intérieure. Le transfert de ce modèle en Russie est étudie a travers les hommes qui en furent les porteurs : architectes et décorateurs français qui travaillèrent en Russie, commanditaires, agents et conseillers, aussi bien russes que français. Ce travail se fonde sur des documents d'archives (rapports, correspondances, mémoires etc. ), les traites d'architecture publies ou manuscrits, les gravures, qui furent le moyen privilégie du transfert, les dessins, les modèles et les œuvres architecturales. Cette recherche s'organise selon une logique a la fois thématique et chronologique. Le premier chapitre est consacre au "modèle français" dans sa naissance a la fin du règne de Louis XIV et dans son évolution au cours du XVIIIe siècle. Le second chapitre est dévolu a l'oeuvre de le blond, premier architecte français invite a Saint-Petersbourg. Le chapitre suivant est consacre a l'application en Russie du modèle versaillais et notamment aux résidences impériales. Le quatrième chapitre a pour objet la façon dont la théorie architecturale française fut adoptée, traduite, interprétée par les russes, depuis le début du XVIIIe siècle jusqu’au sa fin. Mise en oeuvre par un réseau francophile, la création de l’académie des beaux-arts en 1758 a Saint-Petersbourg fait l'objet du chapitre suivant. Le premier professeur d'architecture y fut Vallin de la Mothe, dont l'oeuvre est analysée en détail. Dans le dernier chapitre, on étudie comment le "modèle français" fut confronte sous Catherine II a une nouvelle mode architecturale qui venait d'un réseau international a Rome.
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Arnoux, Mathilde. "La réception de la peinture germanique par les musées français : 1871-1981." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040215.
Full textAbstract:
La peinture allemande est souvent considérée comme faiblement représentée dans les musées français. Cet état de fait est interprété comme l'expression du manque de goût des musées pour la peinture allemande ou comme l'une des conséquences des conflits qui ont jalonné l'histoire contemporaine. Pourtant aucune étude approfondie de la place de la peinture allemande dans les collections muséales françaises ne vient étayer des interprétations. Notre recherche se propose de combler cette lacune. Le dépouillement des catalogues de musée nous a permis de recenser les peintures allemandes conservées dans les musées français, nous avons mis en valeur les caractéristiques générales des acquisitions de peintures allemandes entreprises par les musées français de 1871 à 1981. Notre étude des expositions de peintures allemandes organisées durant ces années montre l'évolution de la présentation de cette école au sein des musées français. En suivant un plan chronologique qui s'articule autour des conflits mondiaux et en tenant compte de l'historiographie récente concernant l'histoire l'histoire des musées et les transferts culturels nous avons souligné l'importance du rôle de certaines personnes dans la connaissance de la peinture allemande au sein des musées et montré les nuances à apporter à l'analyse des conséquences politiques et diplomatiques sur la réception de cette école de peinture en France. L'ensemble de ces aspects nous à permis de présenter le lent et complexe cheminement qui a conduit à la reconnaissance de la singularité de la peinture allemandeGerman painting is often considered as being poorly represented in French museums. This fact is interpreted as a sign of disregard for German painting on the part of French museums, or as one of the consequences of the conflicts with which contemporary history has been punctuated. No in-depth investigation, however, on the place afforded to German painting in French museums collections has ever been carried out to support this contention. What we are out to do in this survey, is to fill in this gap. Going through the catalogues of museums has put us in a position to draw up an inventory of German paintings in French museums. We highlighted the main characteristics of the German painting acquisitions by French museums between 1871 and 1981. Our survey of German painting exhibitions during those years point to a shift in the approach to this school of painters in the view of French museums. Following a chronological order, structured around world conflicts and taking into account recent historiography regarding museum history and cultural transfer, we bought out the important part played by certain persons in the recognition of German painting by French museums, and showed the kind of qualifications one ought to bring in when investigating the political and diplomatic impact on the receprion of this school in France. An overall enquiry made it possible for us to throw into relief the slow and complex evoltuion which led to the appreciation of the uniqueness of German painting