Academic literature on the topic 'Peinture québécoise – 20e siècle'

Cet article propose une lecture bourdieusienne de deux sources historiques particulières, soit les guides moraux et les manuels de politesse. Cela en vue d’apporter un éclairage particulier sur l’expérience historique de l’argent au Québec durant la première moitié du 20e siècle. La manière dont ces écrits mettent en scène la distinction et l’honorabilité traduirait un certain état des lieux des rapports entre classes dans la société québécoise d’alors. Les rapports sociaux de sexe jouaient aussi un rôle important dans cette dynamique. L’étude de ce matériel témoigne de la persistance de prescriptions comportementales bourgeoises rigides et issues de la transition au capitalisme et du développement de la démocratie au 19e siècle. La thèse d’un processus d’« informalisation » des bonnes manières au 20e siècle, thèse proposée par le sociologue Cas Wouters, ne semble pas applicable au Québec durant l’époque considérée.

De la démocratie au Québec 1940–1970. Anthologie des débats autour de l'idée de démocratie de la Seconde Guerre mondiale à la Crise d'octobre, Lévesque, Michel (avec la collaboration de Lucie Blanchet), Montréal : Lux Éditeur, 2005, xxxvi, 338 pages.La réflexion théorique et les débats idéologiques entourant la notion de démocratie ne sont pas près de s'épuiser. Il s'agit d'un thème important, sinon central, dans nos sociétés libérales, qui ne perd jamais de son actualité. La littérature contemporaine en philosophie politique, ainsi que les études comparées des politiques canadienne et québécoise, abordent régulièrement le thème de la démocratie, des conditions de sa réalisation et des mécanismes institutionnels qui lui donnent corps. L'ouvrage de Michel Lévesque nous rappelle que les enjeux idéologiques qui y sont associés ont aussi fait l'objet de réflexions et de débats au Québec entre 1940 et 1970. La lecture de ces textes illustre bien le fait que la démocratie se présente toujours comme un idéal à réaliser, mais surtout que les évaluations que l'on peut en faire sont en grande partie déterminées par le contexte historique. Michel Lévesque note “ une tendance manifeste chez plusieurs auteurs à présenter leur présupposés comme des vérités établies en s'appuyant sur une interprétation empirique de l'histoire en lieu et place d'analyses approfondies et étoffées ” (p. xxxv). Le passage du temps nous permet de réaliser la pertinence de cette remarque à la lumière des préoccupations qui dominaient au milieu du 20e siècle au Québec et au Canada. Toutefois, il pourrait tout aussi bien s'agir d'un rappel méthodologique à l'endroit des jugements qui sont posés aujourd'hui sur l'état de la démocratie canadienne et québécoise.

Résume Parce que l’influence du symbolisme a conduit plusieurs membres de l’École littéraire de Montréal à envisager la poésie selon un paradigme musical (la musique, affirmait déjà Louis Dantin à propos de Nelligan, « est frère de son rythme et de sa mélancolie »), la critique ne s’est jamais véritablement penchée sur la manière dont les poètes canadiens-français des dernière décennies du xixe siècle ont emprunté à la peinture certains motifs. Or s’il fallait identifier la façon la plus répandue de concevoir l’ut pictura poesis à l’aube de la modernité québécoise, ce serait non pas en fonction du paysage, comme on pourrait s’y attendre, mais plutôt en fonction du portrait. En portant une attention particulière aux poésies de Charles Gill et d’Émile Nelligan, le présent travail vise à comprendre les enjeux littéraires, poétiques et esthétiques du portrait. Loin de correspondre à l’ekphrasis, le poème-portrait définit en creux une manière d’envisager la création artistique ; il amorce une réflexion sur la continuité entre l’image et la parole, le voir et le dire. Le portrait, plus précisément, conduit au silence ; parce que sa présence se manifeste in absentia, selon une formule de Jean-Luc Nancy, il est porteur d’une conception moderne de l’image.

Le mémoire qui suit fait état des recherches et explorations réalisées lors du parcours m'ayant mené à l'exposition L'odeur du sang humain me rit, présentée à la Galerie des arts visuels de l'Université Laval, du 15 au 22 août 2017. Les œuvres proposées ont été exécutées entre 2013 et 2017, dans le cadre du programme de maîtrise en arts visuels de l'Université Laval et abordent les thèmes de la vanité, de l'abjection ainsi que la notion de pérennité. Issu d'une réflexion sur le rapport de l'artiste à la création, mon corpus de maîtrise est porteur d'une attitude autoréflexive vis-à-vis de la pratique artistique, du travail de la peinture et de l'histoire de l'art, et questionne l'importance du choix des matériaux, et de leur compréhension. Les sujets représentés s'éloignent de la dimension moralisatrice de la scène de genre telle qu'on la connait afin de donner à celle-ci une valeur principalement autobiographique. Mes recherches s'articulent autour du motif de la vanité et de l'utilisation de l'art comme catharsis.

Dans ce texte destiné à accompagner mon travail d’atelier, j’aborde mon besoin de solitude et son rôle dans ma pratique artistique. Je tenais aussi à expliquer l’importance que je porte à la dimension charnelle de l’art. D’abord, je décris la relation que j’entretiens avec mes médiums de création et mes matériaux, tout en observant les caractéristiques formelles de mon travail de dessin et de peinture. Puis, j’expose comment j’ai canalisé mes gestes instinctifs dans des contextes de création prédéterminés. Ainsi, j’explique que mes démarches picturale et graphique ont pris la forme de corpus qui ont généré des univers stylistiques et narratifs distincts. Durant mes deux années de maîtrise, j’ai réalisé des corpus qui composent trois mondes fictifs différents. En analysant ma façon de procéder, j’ai constaté que même si j’avais une approche figurative, je cherchais constamment à esquiver toute référence qui reproduisait directement le monde réel. J’ai par la suite réfléchi au rôle que l’émotion prenait dans mon travail. J’ai compris que, jusqu’à maintenant, ma démarche artistique cherchait à combler des besoins de contemplation et de rêverie. Finalement, ce texte est une occasion, pour moi, d’exposer la méthode de création qui a dirigé mon travail en atelier, durant mes deux années de maîtrise. Mots clés : solitude, dessin, peinture, corpus, monde, narration

Parmi les peintres qui ont marqué la scène artistique québécoise on retrouve Jean-Philippe Dallaire (1916-1965). La force créatrice et originale de sa production se compare avantageusement à d’autres plus connues, comme celle de Pellan. Cette réflexion qui a comme sujet Le surréalisme dans l’oeuvre de Jean-Philippe Dallaire (1938-1965) se veut une clé pour comprendre l’évolution picturale de l’artiste. Notre analyse s’articule autour d’un petit groupe de toiles réalisé en 1957 et jugé comme l’ensemble le plus important de Dallaire. Le traitement des oeuvres combine une facture mi-surréaliste à une facture mi- abstraite et témoigne autant du savoir faire de l’artiste que de sa connaissance des esthétiques modernes. Le surréalisme dans 1’oeuvre de Jean-Philippe Dallaire (1938-1965) propose une lecture contemporaine des oeuvres par une approche sémiologique du langage visuel telle que développée au Québec par Fernande Saint-Martin et Marie Carani. Cette approche appliquée aux oeuvres de ce corpus a permis d’inscrire l’artiste dans la modernité et ainsi de le dissocier d’une tradition québécoise alors essoufflée.
Montréal Trigonix inc. 2018

Dans ce mémoire, je parle à une montagne, un cercle, un lichen et à un ver que l’on appelle le Bouzou. Partant d’une exploration de mon propre rapport au monde ou plus précisément à l’environnement naturel, je transforme celui-ci progressivement et propose une attitude holistique de plus en plus radicale : celle d’une tentative de rapprochement avec un organisme naturel primitif, le Bouzou. Une quête allant jusqu’à incarner la dynamique de cet élément naturel est relatée à travers nombreux petits récits personnels entrecoupés de réflexions et de citations. Tout au long de la lecture se crée du mouvement; un rythme dû aux allers-retours entre proximité et distance. J’affirme et expose progressivement dans ce mémoire qu’à travers les rapports entre les choses et leurs possibles en tant que connecteurs se révèle l’importance de la relation de l’humain avec l’environnement naturel. Ce texte accompagne l’exposition Bouzou qui sera présentée du 7 au 14 décembre 2018 dans l’espace américain de Vu Photo, Centre de diffusion et de production de la photographie. Les corpus installés dans l’espace se présentent sans hiérarchie visible, créant une structure horizontale à travers laquelle le médium photographique agit comme liant. L’exposition tente de révéler le rythme, les réflexions, les sensations, les formes et le mouvement progressif que m’a inspirés ma rencontre avec le Bouzou

Le présent mémoire est un texte d’accompagnement qui témoigne du développement de mon travail de recherche tout au long de mon parcours de maîtrise en arts visuels. Ce texte prend la forme d’un journal de bord qui aborde mon cheminement d’artiste d’une façon chronologique. Ce texte évolue au rythme des réalisations ponctuelles et des réflexions qui y sont liées. L’aboutissement prend la forme d’une synthèse par la mise en espace des meilleures expériences retenues durant mes études.

Ce mémoire se veut principalement une réflexion sur ma pratique en arts visuels. Je tente de présenter les différents concepts qui alimentent mes recherches, ainsi que la manière dont je travaille pour concevoir mes œuvres. J'évoque les notions de fragment et de récit dans l'image peinte et vidéographique. Il est question ici d'un compte rendu subjectif de ma démarche artistique ainsi que du processus de création auquel je participe. Je pose donc un regard analytique sur mon travail ainsi que sur mes inspirations, puisées à même mon expérience personnelle et intime par rapport au quotidien et au banal.

En Irak, la peinture représente un aspect important de la culture du pays. Les peintres contemporains irakiens du vingtième siècle, conscients de la réalité sociale, culturelle, et politique, ont contribué, par leur persévérance, leur recherche artistique et leur pensée idéologique, qui se réfère aux fondements de la civilisation mésopotamienne et islamique, au changement des moeurs et à la modernité de leur pays, qui a connu la décadence durant l'époque de l'empire ottoman. La préoccupation du peintre irakien est de rapprocher davantage l'art à la société irakienne, qui est la source principale de son inspiration. Son oeuvre qui reflète l'âme et la réalité de la société irakienne, porte un message pour cette société, jugée conservatrice et sous-développée. Elle montre l'intérêt et l'approche particulière du créateur et confirme également son attachement à cette société. Imprégné dans sa culture de six fois millénaire, le peintre irakien contemporain cherche à donner l'originalité et la singularité à son oeuvre qu'il veut être un instrument de communication et un miroir reflétant la réalité de l'individu et de la société
In Iraq the painting represents an important aspect of the culture of country. By their perseverance, their artistic research and their thought ideological, which refers to the fundaments of the Mesopotamia and Islamic civilization and conscious of the social, culture and politic reality, the contemporary painters ot the twentieth century contributed of the change of custom and to the modernity of their country who knew the decline during the ottoman time of the empire. Their painting which reflects their soul the reality of the Iraqi society, carries a message for this society, considered conservative and underdeveloped. The preoccupation of the Iraqi painter is to approach more the art in the society, which is the main source of this inspiration. The work, which the interest and the particular approach of the creator, confirms the affection in the sociey. Filled in his culture of six times millennium, the contemporary Iraqi painter tries to give the originality and the peculiarity to his work, and make it an instrument of communication and a mirror reflecting the reality of the individual and the society

Pendant la première moitié du 20e siècle, la présence de l'écrit dans la peinture couvre une actualité décisive et considérable, dont l'activité et la force ne manquent pas de remuer les artistes: de Braque à Picasso, de Marinetti à Severini, de Duchamp à Picabia. . . On assiste à une formidable dépense d'énergie qui tient en plus de trois cents oeuvres réalises entre 1906 et 1954. Voici donc regroupés dans une même perspective thématique, des mouvements qui furent parfois radicalement opposés. Jusqu'alors, malgré de nombreuses discussions, il n'existait aucune synthèse en ce domaine. Ce travail privilégie les commentaires et les textes de l'époque. Il s'appuie sur un catalogue établi à partir collections publiques nationales et internationales. Il est divise en quatre parties: une présence insistance, l'oeuvre par l'écrit, plasticité de la lettre et un nouveau langage
During the first half of the twentieth century, the writing's presence in the painting covers a crucial and substantial reality whose activity and strength don't miss moving artists sensitivity: from braque to Picasso, from Marinetti to Severini, from Duchamp to Picabia. . . We're noticing a tremedous expenditure of energy which concerns more than three hundred masterpieces done between 1906 and 1954. Here have been brought together movements which were sometimes poles apart. Until now, despite many debates, there wasn't any synthesis upon this field of art history. This study sets a high value on the writings and comments of this time. It is based upon a subject catalogue and divided into four parts: a meaningful presence, the masterpiece by the writing, the letter's plasticity and a new language

En Argentine et en Uruguay, un ensemble de faits relatifs au champ artistique surgissent dans une période de profondes et rapides réévaluations des signes culturels en Europe. La notion de « contexte pertinent » retient les conditions socioculturelles et objectives qui président à l’apparition des œuvres, qui infléchissent certains de leurs caractères et qui interviennent dans la réception de celles-ci. Elle ne met pas à l’écart la part de totale liberté de l’artiste, et l’imprévu que chaque œuvre recèle en elle-même. Cette notion paraît particulièrement intéressante à retenir pour aborder la création picturale dans les espaces où le poids de l’histoire pèse de façon exceptionnelle sur le développement artistique. Les peuples du Río de la Plata, à forte composante italo hispanique, ont fait un accueil aux diffusions des nouveaux codes de la modernité. Les hybridations que les œuvres signalent, les rejets et les réélaborations , ne peuvent se comprendre sans que soient en précisée la nature des relations complexes qui lient ces pays « périphériques » aux centres d’excellence accréditée. Un corpus d’images permet de faire apparaître les relations en miroir qui se lisent dans les œuvres cubo futuristes des années vingt et trente. Une évolution sensible est perceptible après la Seconde Guerre mondiale. Une volonté de refonder la fonction de l’art, dans et à partir du Cône Sud, naît avec l’exceptionnel mouvement de l’abstraction géométrique et de l’art concret. Les structures de promotion des créations, à la fin des années cinquante, en même temps que l’horizon d’attente des publics, donnent une impulsion aux renouvellements des esthétiques du développement de l’art international, tandis que New York a supplanté Paris comme place hégémonique. La singularité des phénomènes ainsi que les solutions hétérotopiques fournies en Argentine et en Uruguay, durant la période, dans un contexte en évolution, témoignent de façon originale des contradictions et des paradoxes de la modernité de la première moitié du XXe siècle
In Argentina and in Uruguay, a set of facts relative to the artistic field appear for a period from deep and fast revaluations of the cultural signs in Europe. The notion of « relevant context » retains the socio cultural conditions which preside over the appearance of the works, which bend some of their characters and which intervene in the reception of these ones. It doesn’t put aside the part of total freedom of the artist and the unforeseen which every work conceals in itself. This notion seems particularly interesting to retain to approach the pictorial cretion on spaces where the weight of history, in an exceptional way, presses on the artistic developement. The nations from Río of Plata, mostly Hispanic Italian, welcomed the distributions about the new codes of modernity. The hybridizations which the works indicate, the refusals and the re-developements can be understandable by specifying the nature of the complex relations which connect these «peripheral » countries to the centers of the accredited excellence. A corpus of images allows to underline the relations in mirror which are bound in the cubo futurism works from the twenties and the thirties. A sensirive evolution is perceptible after the Second World War. A will to reestablich the fonction of art, in and from the South Cone, is born with the exceptional movement of geometrical art, whereas New York supplanted Paris as hegemonic place. The peculiarity of the phenomena, the heterotopus solutions, supplied in Argentine and in Uruguay, meanwhile, in an evolutive context, show in a original way contradictions as well as paradoxes of the pictorical modernity of the first half of the xxth century