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Dissertations / Theses on the topic 'Personnages dans l'art'
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Burident, Margot. "Autoportrait : objet mythique de la personne moderne." Amiens, 2012. http://www.theses.fr/2012AMIE0010.
Full textAbstract:
C'est en tant qu'artiste que nous abordons cette recherche centrée sur la notion d'autoportrait, ainsi que sur les frictions et fusions qui ont determiné et constitué son évolution. Depuis l'émergence de son autonomie jusqu'à sa dilution dans les pratiques contemporaines, l'autoportrait s'est incarné dans des mises en formes théoriques et artistiques étroitement liées à la question de la figure humaine, puis de la corporéité, pour ensuite échapper aux définitions classiques du genre. L'hypothèse formulée par le présent travail s'appuie sur le constat d'une multiplication des pratiques contemporaines, consistant pour tout ou partie en des actes délibérés de manifestation d'existence. Ces manifestations sont esthétiquement enracinées et historiquement liées à une tradition de l'autoreprésentation ouvrant sur l'altérité. Cette tradition se voit diluée et disséminée dans un mouvement transversal entre l'intérieur et l'extérieur, l'intime et l'extime, et finalement entre l'artistique et le technologique. L'acte créateur s'y voit facilité par le numérique, et la diffusion de l'image y subit une expansion banalisant son impact. Au travers d'une pratique artistique qui investit aussi bien le champ des arts graphiques, du photographique et du vidéographique, nous abordons des problématiques liées à l'auto-représentation et à la dimension intermédiaire dont les pratiques contemporaines rendent compte. Devenu "objet mythique usuel" de la personne moderne dans les pratiques quotidiennes, l'autoportrait se transforme par la récurrence artistique en un motif permettant de confronter le corps au lieu, et à la temporalité issue de la répétition de l'acte de créationIt is as an artist that we conduct this research centered on the notion of self-portrait, as well as on the frictions and fusions which determined and consitued its evolution. Since the emergence of its autonomy until its dilution into contemporary pratices, the self-portrait was embodied in theoretical and artistic layouts bound to the question of the face. It connected then to an interrogation of corporeality, and subsequently eluded the classic definitions of the self-portrait genre. The assumption formulated by the present work is based on the observation of the multiplication of contemporary pratices consisting of deliberate acts, aiming to an expression of existence. Theses expressions are aesthetically and historically bound to the tradition of self-representation, which is also tired to theories of the otherness. This tradition sees itself dilued and dissiminated in a cross-cutting movement, between the inside and the outside, the intimate and the extimate, and finally between the artistic and the technologic. The creative act is, therefore, facilated by digital technology, and the sharing of the image undergoes a process of expansion which trivializes its impact. It is through various artistic practices embracing the fields of graphic arts, photography as well as videography that we carry out the questions related to self-representation, and to the intermediatic aspects highlighted by contemporary practices. Through daily pratices, self-portaits became the modern person's "mythical and common objects". Being transformed by the artistic recurrence into the "motif", the practice of self-portrait allows the confrontation of the body with places, and with the temporaly stemming from the repatition of the act of creation
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Aubert, Émilie Jacqueline Joëlle. "Les trônes et leurs usages : étude des personnages siégeant dans l'imagerie grecque aux époques archai͏̈que et classique." Poitiers, 2006. http://www.theses.fr/2006POIT5008.
Full textAbstract:
S'asseoir est un acte à portée de tous et non connoté socialement ; en revanche le fait de siéger est un privilège qui engendre une distinction honorifique entre le siégeant et ceux qui l'accompagnent. Ce sont ces rapports hiérarchiques et la manière dont les imagiers grecs les ont représentés que nous avons analysés en étudiant, tous supports confondus, les trônes et les personnages qui les occupent, entre la fin du VIIème siècle et le troisième quart du IVème siècle. Il est apparu que les trônes figurés ou réels ne sont pas définissables formellement, tout siège ou même d'autres objets pouvant contribuer à marquer une préséance en référence à un statut particulier. Les usagers du trône ressortissent à plusieurs catégories liées à leurs rôles religieux, politiques, juridiques ou sociaux. Si des rois et des hommes ont été figurés trônant, le trône est surtout un attribut divin. Le glissement entre divin et profane s'est opéré au cours du VIème siècle, par le biais des représentations de rois mythiques. Ensuite, le trône a été investi par des acteurs ou des allégories de la cité et des individus montrés dans la sphère privée. Si le siégeant peut rarement être identifié d'après la forme de son trône, toutefois dans les scènes de groupe, sa taille, sa gestuelle, ses attributs et son emplacement, au centre de la composition ou sur l'un des côtés s'il s'agit d'une procession, le distinguent d'autres figures simplement assisesSitting is an act within the reach of everyone and has no social connotations ; however the fact of sitting is privilege which engenders an honorary distinction between the sitting figure and those accompanying him or her. These hierarchical relationships and the manner in which Greek creators of images represented them, which have been analysed by studying, for all media, thrones and the figures occupying them, between the end of the 7th century and the third quarter of the 4th century. From this research, real or illustrated thrones cannot be defined in formal terms, any seat or even other objects could contribute to marking precedence resulting from a particular status. Throne users come from several categories relating their religious, political, legal or social roles. Even though kings and men were shown enthroned, the throne is above all a divine attribute. The slide between divine and profane took place during the 6th century, through the representation of mythical kings and then thrones were occupied by actors or allegories of the city and individuals shown in the private sphere. Although the enthroned figure can rarely be identified from the shape of the throne, in group scenes, it size, the figure's gestures, attributs and placing, wether at the centre of the composition or to the side if it is a procession, set him of her apart from other figures who are simply sitting down
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Morency, Joël. "La création de personnages numériques : réalisme perceptuel, corporéité et monstruosité." Master's thesis, Université Laval, 2014. http://hdl.handle.net/20.500.11794/25382.
Full textAbstract:
Ce mémoire de recherche-création explore le lien entre les implications théoriques et pratiques de la production de personnages numériques non réalistes. Les technologies d’imagerie de synthèse permettent aux personnages virtuels de partager l’espace filmique avec des êtres de chair dans une même image isotopique. Le réalisme perceptuel fournit un cadre conceptuel qui inscrit ces effets visuels dans une esthétique de l’illusion, initiée dès les débuts du cinéma. Le corps de l’acteur virtuel est simulé de manière à reproduire le corps réel dans ses mécanismes physiques. Cependant, le regard porté sur le corps biologique est empreint des discours et des pratiques qui l’entourent, tout comme le corps numérique est porteur de ses propres discours. Le corps physique étant une norme, les figures qui s’écartent de celle-ci exploitent la monstruosité, envisagée comme un écart par rapport à la norme, en tant qu’esthétique.
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Bourrillon, Raphaëlle. "Les représentations humaines sexuées dans l’art du Paléolithique supérieur européen : diversité, réminiscences et permanences." Toulouse 2, 2009. http://www.theses.fr/2009TOU20042.
Full text
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Fraunie-Paterson, Corinne-Marie. "La "re-présentation" de la femme par Mary Cassatt." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1995PA040217.
Full textAbstract:
Mary Cassatt, ne sacrifiant rien à son art, s'inscrivit en marge des exigences de son milieu en demeurant célibataire, en s'expatriant, et en assumant le choix d'une carrière professionnelle indépendante de la peinture officielle. Amie de Degas et de Manet, elle fit les mêmes choix dictés par la "modernité" en représentant la femme de son temps descendue d'un piédestal mythologique ou religieux tout en écartant une dimension scandaleuse. Inspirée des peintures renaissantes de la madone et tenant sa forme des peintres de son époque, l'œuvre de Mary Cassatt efface la femme au profit de la mère en une "re-présentation" déclinée comme par une compulsion de répétition et proposant à une société bourgeoise un support identificatoire faisant contrepoint a la "peur de la femme"Mary Cassatt never sacrificed to her art and inscribed herself as a marginal character within her social circle. She remained single, settled abroad, and took on the choice of an independent professional career away from academic painting. She made the same choices as her friends Degas and Manet with regards to "modernity" through a representation of the woman of her time taken down from her mythological or religious pedestal, all the while excluding the scandalous dimension they expressed. Inspired by the renaissance paintings of the madonna and drawing its form from the painters of her time, Mary Cassatt’s works obliterates the woman to the advantage of the mother. It functions as such through a "re-presentation" declined as if initiated by a drive to repeat a support of identification which opposes the "fear of the woman" in a bourgeois society
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Abastado, Philippe. "Visages et corps d'hier : vieillissement et pathologies depuis le XV siècle à travers l'autoportrait." Paris 7, 2007. http://www.theses.fr/2007PA070084.
Full textAbstract:
Notre étude s'intéresse au visage de l'humain vivant depuis le 15e siècle. L'autoportrait est notre outil d'exploration. Le vieillissement comme la maladie permettent de nous assurer que le peintre reproduit une réalité humaine et non répond à un stéréotype. Cette approche par l'autoportrait permet une homogénéité des sources et un continuum du matériel. Mais la méthode suppose l'analyse des distorsions liées à la méthode, à la conservation des œuvres. Nos analyses sont quantitatives et qualitatives. Elles font apparaître avec quelques réserves, que du XVe à l'aube du XXe siècle, la vitesse du vieillissement semble homogène. Le XVIIIe siècle se marque par un jeunisme dans la tranche d'âge 40-50 ans. Accessoirement il apparaît un allongement de la durée de vie au XVIIIe siècle et des durées de vie plus longues chez les sculpteurs que chez les peintres. L'examen de notre série d'autoportraits révèle des détails qui prennent une valeur de symptômes par leur analyse critique et par leur confrontation à l'ensemble de l'œuvre de l'artiste. Cette étude clinique permet d'affirmer que le portrait est la représentation d'un visage et non l'élément désincarné illustration d'un idéal, d'une histoire ou d'une série statistique. Cette démarche trouve ses limites, ainsi la fréquence d'un diagnostic pathologique dans l'autoportrait est faible par rapport à son incidence dans le portrait. D'autres outils d'individualisation telle les références sociales et même la laideur peuvent être utilisés. Au terme de l'inspection, la toile devient explicite, elle livre l'invisible,'parle de l'humain et exprime le Moi de l'artisteOur study cares about the face of human alive being since the 15th century. Self portraits will be our tools for exploration. Both ageing and disease allow us to ensure that the painter reproduces a human reality more than following stereotypes. This approach by the self-portrait allows homogeneity of the sources and a continuum of the material. But this method supposes the analysis of distortions due to the method itself or due to the conservation of the works, basis of this study. Our analyzes are both quantitative and qualitative. It reveals, with some reserves, that since the XVth to the dawn of the XXth, the speed of ageing seems homogeneous. The XVIIIth century is marked by a cult of youth in the age bracket 40-50 years. Moreover it appears a lengthening of the lifespan at the XVIIIth century and longer lifespan for the sculptors than for the painters. Details of self-portraits take a value of symptoms with their critical analysis and by their confrontation with the complete works of the artist This clinical study makes possible to affirm that the portrait is the representation of a face and not the illustration of an ideal, of a history or a statistical series. This method finds its limits. For example, the frequency of a pathological diagnosis in the self-portrait is low compared to its incidence in the portrait itself. Other tools of individualization such as social references and even ugliness can be used. At the end of the inspection, the fabric becomes more explicit; it delivers the invisible, speaks about human and expresses the artist's inner self
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Bianchi, Alice. "Mendiants et personnages de rue dans la peinture chinoise des Ming (1368-1644) et des Qing (1644-1911)." Thesis, Paris, INALCO, 2014. http://www.theses.fr/2014INAL0017.
Full textAbstract:
Cette étude porte sur une tradition picturale méconnue, celle des Liumin tu (portraits d’errants, de mendiants, etc.), et se propose d’analyser et de définir ce genre avant qu’il ne sombre dans l’oubli général. Cette tradition se rattache à l’œuvre de Zheng Xia (1041-1119) qui, en 1074, soumit au trône un mémoire accompagné d’une peinture représentant les victimes d’une famine, pour demander des secours et dénoncer l’origine politique de la crise. La première partie de ce travail est consacrée au prototype du genre et à sa postérité directe : les mémoires illustrés, produits à partir de l’époque Ming par des fonctionnaires. Nous nous sommes interrogée sur les procédés employés pour décrire et mettre en image la catastrophe et ses victimes, mais aussi sur les fonctions de ces ouvrages et leurs modalités de transmission. Au XVIe siècle, apparaissent également des peintures qui présentent, à côté des réfugiés, des mendiants et d’autres déclassés. Au moins deux grands types émergent : les œuvres qui s’attachent à souligner les souffrances de ces gens, et celles les dépeignant dans des situations comiques ou grotesques. Dans la deuxième puis la troisième partie, nous suivons parallèlement le développement de ces deux traditions aux époques Ming et Qing. Il est apparu que si certaines œuvres décrivent les misères de ces chemineaux pour indigner et émouvoir le spectateur, comme les mémoires illustrés, d’autres présentent les maux de la société à travers ces personnages. Les peintres pouvaient combiner ces deux niveaux de commentaire dans une même œuvre et tenir plusieurs discours, suivant les situations auxquelles ils étaient confrontés et le public auquel ils s’adressaientThis dissertation focuses on a neglected tradition in Chinese painting known as Liumin tu (images of refugees, beggars, etc.), and proposes to define and analyze this genre, lifting it from general oblivion. This tradition is associated with Zheng Xia, who, in 1074, submitted a memorial to the throne along with a painting of disaster refugees in order to request assistance and denounce the misguided politics of the time. The first part of this study is devoted to the genre’s prototype and to a selected group of illustrated memorials produced by officials during the Ming and Qing period. The examples analyzed prompt an inquiry into the methods used to describe and paint disasters and their victims, the functions of these works, and their modes of transmission. In the 16th century, paintings appear that also present, alongside refugees, beggars and other street characters. At least two types emerge during this era: paintings endeavoring to highlight the plight of these people, and those depicting them in comic or grotesque situations. The second and third parts of this dissertation follow the developments of these two latter genres. It emerges that, while some works deploy the misery of these vagrants to move the viewer and fill him with indignation, as the illustrated memorials do, others instead aim to portray the ills of society through these same characters: beggars symbolizing those who beg for favors; blind people serving as a metaphor for people blinded by power and glory, and so on. Painters could combine these two levels of commentary in the same work and take different stances, depending on the situations they faced and the public they addressed
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Bosson, Charles-Antoine. "Pour une esthésique du cinéma." Paris 1, 2007. http://www.theses.fr/2007PA010631.
Full textAbstract:
Le présent travail recense divers phénomènes filmiques qui témoignent d'une invention figurative proprement cinématographique. Sur la base d'une analogie médicale (l' « esthésie », du grec aisteni servant à nommer et décrire des sensations et perceptions, comme dans anesthésie, synesthésie), nous proposons la pratique d'une analyse esthésique des films. Celle-ci consisterait à repérer, manifester et décrire les symptômes d'une économie esthétique, puis à en tirer un enseignement voire même un échiquier de notions qui puissent remodéliser chaque œuvre dans son accroche avec le réel, source de toute connaissance. Le corpus confronte les films d'auteurs de répertoire (Godard, Welles, Eisenstein. . . ) et du cinéma contemporain (De Palma, Verhoeven, Tsui Hark, Richet, etc. ). Une fois la notion activée, elle devient un outil opérant pour l'analyse d'autres cas. Ainsi comprend-on l'aspect programmatique de ces travaux : la volonté d'étendre le champ de l'analyse filmique, et d'en accroître la portée.
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Dingremont, François. "La mètis dans l'Odyssée, ou l'art d'être efficace." Paris, EHESS, 2010. http://www.theses.fr/2010EHES0035.
Full textAbstract:
Cette étude est un prolongement, dans le domaine poétique, de la réflexion sur la métis engagée par Marcel Detienne et Jean-Pierre Vernant. En tant que récit d'épreuves, l'Odyssée est le cadre idéal pour une expression poétique de la métis. Ulysse et Pénélope sont rusés, ils partagent une homophrosunè, une égalité et une complicité d'intelligence. Ils sont, également, polukerdeièsin, ils ont un penchant, un tropisme, pour les astuces. Ils ne font qu'un quand il s'agit de tirer un profit. Le terme qui nous a semblé le plus approprié pour rendre compte de l'intelligence d'Ulysse et de Pénélope est kerdosuné, l'astucieuse efficacité, la recherche du profit (kerdos). L'enjeu des épreuves épiques est le rétablissement de la reconnaissance, de la charis. Ulysse ruse pour retrouver sa place au sein de l'oikos, pour être reconnu par les siens. Le chant épique participe à cette entreprise de protection et de maintien de la charis. Il est un expédient, un pharmakon epistrophon qui « fait tourner » (traduction d'epistréphein) les cœurs vers l'euphrosuné, l'état joyeux. L'étude de la métis dans l'Odyssée révèle l'importance de la fonction poétique du jeu dans la Grèce archaïqueThis study is an extension of Marcel Detienne and Jean-Pierre Vernant's reflexion on métis in poetic's field. As a narrative of contests, Odyssey is the ideal setting for a poetic expression of métis. Odysseus and Penelope are crafty, they share a homophrosuné, an egality and a compliticity of cunning. They are also, polukerdeièsin, they have a penchant, a tropism, for the tricks. They are one when it cornes to making a profit. The term that we thought most appropriate to account for Odysseus and Penelope's intelligence is kerdosuné, the clever efficiency, the profit (kerdos) motive. The challenge of epic contests is the restoration of the recognition, the charis. Odysseus tricks to find his place in the oikos, to be acknowledged by his relatives. The epic song participates in this project of charis protection and preservation. Il is an expedient, a pharmakon epistrophon wich « turns » (translation of epistréphein) the hearts toward the euphrôn, the cheer. The study of métis in the Odyssey reveals the importance of the poetic function of the game in the Ancient Greece
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Towner, Stéphanie. "L'autre : une exploration de l'altérité." Thesis, Université Laval, 2014. http://www.theses.ulaval.ca/2014/28736/28736.pdf.
Full textAbstract:
Ce mémoire accompagne le projet de maîtrise L'autre, court-métrage d'animation en volume d'une durée de quatre minutes. Dans une absence de décor, on voit apparaître un personnage à l'aspect dépouillé. Puis, un autre personnage identique à lui-même apparaît. Craintif, le protagoniste finit par établir un contact avec cet autre et se découvre à travers lui. Le mémoire traite d'abord des aspects théoriques qui sous-tendent le projet, soit le principe dialogique développé par Mikhaïl Bakhtine, théoricien russe de la littérature, qui met l'emphase sur l'importance de l'autre dans la construction de l'identité de l'individu. Une réflexion est ensuite élaborée sur le point de vue narratif en cinéma d'animation à partir des théories littéraires du courant de conscience et du roman polyphonique. Une analyse de l'œuvre est ensuite développée, suivie de considérations sur le cinéma d'animation.
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Torcinaro, Emanuela. "Le personnage "lecteur" dans le roman et les arts picturaux du XIXè siècle européen." Limoges, 2011. http://www.theses.fr/2011LIMO2012.
Full textAbstract:
Le but de cette recherche est de montrer comment le roman du XIXè siècle, romantique d'abord, ensuite réaliste et enfin décadent, est capable de représenter les changements sociaux et culturels d'une époque à travers ses personnages et en comparant les images décrites dans les romans et celles peintes des peintres européens contemporains aux écrivains. On veut montrer la continuité thématique et la réciproque influence, parmi les deux arts apparemment si différents. Cette étude inter artes est le résultat d'une recherche de type thématique, le constant duquel est le personnage "lecteur". On a examiné le roman du XIXè siècle européen, le siècle du roman et des grandes Expositions, conçues comme un témoignage au monde non seulement par des progrès technologiques mais aussi artistiques des différentes nations. On a décliné, donc, la figure du lecteur, avec ses différents nuances selon la période historique d'appartenance, le niveau social, le lieu dans lequel il vit, le sexe et l'âge. Le but de cette recherche est l'étude du personnage qui lit par intérêt, par passion, qui se "plonge" dans le texte, qui s'abandonne en risquant de s'y perdre comme Emma Bovary, qui lit des romans d'amour en s'identifiant aux protagonistes au point à ne plus réussir à distinguer la réalité de la fantaisie, en arrivant au suicide. A travers une comparaison continuée entre roman et oeuvre picturale et une analyse approfondie socio-historique de la période, on a pu montrer que l'image décrite ou peinte du lecteur est prépondérante dans l'Europe du XIXè siècleThe aim of this research is to show the way how the European nineteenth century novel could be able to represent the social and cultural changes of a time both through its characters and the comparison between the images depicted in the novels and those ones portrayed by the painters. Therefore, the thematic continuity and the mutual influence between the two arts will be demonstrated. This inter artes research is the result of a thematic type study whose constant is the "character as a reader", who makes his appearance in literature when reading becomes relevant as a social practice as well. The interest here is focused on the character who uses to read as a passion, who plunges himself into the text, and completely abandoning himself to it almost to be likely to get lost. The "character as a reader" is there in many literary masterpieces, and only with a careful and accurate study among the classics of Italian, French, Russian and English literature it has been possible to make a selection and have a homogeneous corpus. Even though in the 800s is the usually less considered figure of the woman reader as the love novelette consumer who stands out, and girls are seen having their heads full of silliness by those kind of novels -instead of reading the Bible and the Sacred Texts - it will eventually emerge the real meaning of their readings : not only women read because of their love for culture, but also to learn, to know, in spite of the role the 800s society has relegated them to. It is considerable the predominant presence of women in the act of reading in paintings, as well. All in all, through a continuous comparison between the novel and the pictorial work and a deep socio-historical analysis of the period, the written and painted image of the reader has been demonstrated as prevailing in the European eighteenth century
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Pourcel-Padilla, Nathalie. "L' esthétique du sublime dans les peintures d'Henry Füssli (1741-1825) d'après les pièces de William Shakespeare." Montpellier 3, 2004. http://www.theses.fr/2004MON30050.
Full textAbstract:
Artiste anglo-suisse, Johann Heinrich Füssli (1741-1825) reste l'une des figures majeures de la peinture shakespearienne qui vit le jour en 1728 avec William Hogarth. Füssli met en œuvre une esthétique du sublime dans le traitement de l'espace et dans celui du corps humain. Bien qu'il ait recours à des théories du sublime comme celle d'Edmund Burke (qui fut appliquée à la peinture par de nombreux peintres shakespeariens ou non), de John Dennis, ou de Jonathan Richardson, l'artiste exprime une forme picturale de sublime qui paraît originale en comparaison de celles choisies par ses contemporains. Au sublime de privation s'oppose un sublime de révélation, fondé sur l'expression des effets physiologiques des émotions de terreur ou d'admiration. La science a également un rôle à jouer dans cet expressionnisme émotionnel, puisque la dissection ou l'entomologie permettent à Füssli de représenter le corps humain plus puissant qu'il ne l'est. Les personnages shakespeariens sont alors grandisHenry Fuseli (1741-1825), an Anglo-Swiss artist, is one of the main figures of the Shakespearean painting, born in 1728 with William Hogarth. Fuseli uses an aesthetic of the sublime in his treatment of space and in that of the human body. Even if he resorted to theories of the sublime such as Edmund Burke's (it was applied to painting by different painters), John Dennis', or Jonathan Richardson's, the artist expresses an uncommon pictorial form of the sublime compared to that chosen by his contemporaries. The sublime of privation is opposed to the sublime of revelation, founded on the expression of the physiological effects of the emotions of terror or admiration. Science equally plays a role in this emotional expressionism, as Fuseli represents a potentially ideal human body through the pictorial reference to dissection or to entomology. The Shakespearean characters are thus elevated
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Paschou, Io. "Vers une archéologie des images : la représentation de l'homme dans la photographie en Grèce du XIXème au XXème siècle." Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010639.
Full textAbstract:
Les voyageurs qui se pressent en Grèce dès le XIXème siècle et encore de nos jours recherchent d'abord les traces de la Grèce ancienne. La photographie semble être «l'outil» le plus adapté pour sauvegarder la mémoire des lieux historiques et des monuments. L'analyse de cette recherche, Vers une archéologie des images: la représentation de l'homme dans la photographie en Grèce du XIXème au XXeme siècle s'intéresse ici à la fois historique et anthropologique de la photographie. A travers la photographie, l'homme présente la conception qu'il se fait du monde et qu'il en veut donner à ses contemporains. L'idée essentielle de cette recherche est donc d'essayer de s'interroger sur la représentation humaine dans les ruines historiques de Grèce, de mettre en valeur les éléments les plus significatifs, de comprendre les intentions du photographe (et du modèle), de s'interroger sur les conditions de la prise de vue. Mais c'est aussi de chercher les liens entre l'histoire de la photographie et les monuments antiques: la photographie est un instant arrêté dans l'éternité alors que les ruines sont, en quelque sorte, une version de l'éternité fixée à jamais. Ce temps figé de la ruine nous semble justement l'un des principaux paradigmes de la photographie. Une photographie ancienne porte la marque du temps et les ruines, et porte aussi en elle le passé du monument. Avec l'aide des archives des institutions, grecques ou françaises, mais aussi avec l'aide des collections privées et de photographies inédites, l'envie naît de constituer (ou pourquoi pas de re-constituer) un portrait du monde grec, un portrait historique, archéologique en s'interrogeant sur la place de ruines dans la vie des hommes (voyageurs ou habitants)
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Miura, Atsushi. "La représentation de l'artiste autour de Manet et Fantin-Latour." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040142.
Full textAbstract:
Cette étude se propose d'éclairer les significations des représentations de l'artiste autour de Manet et fantin-latour. En s'appuyant sur les éléments fondamentaux que sont les comptes rendus de salon concernant les portraits d'artistes de Fantin et de Manet (annexe I), et la liste des tableaux représentant un ou des artistes, exposées aux salons de 1850-1880 (annexe II), et sur les documents littéraires et iconographiques de l'époque, tant prives qu'officiels, elle analyse huit tableaux d'importance : quatre toiles de Fantin et quatre autres de Manet, Renoir, Bazille et Carolus-Duran. Le travail s'organise selon quatre thématiques : hommage-manifeste, la vie d'artiste, le portrait, l'atelier. Ont été réexaminées et reinterprétées, dans leurs différents contextes, des oeuvres qui témoignent des manifestes sous forme d'hommage des peintres post-réalistes des années 1860, de la représentation de la vie de bohème a la campagne, de l'image de l'artiste bohème parisien, des rapports étroits avec la peinture des anciens maîtres, de l'intransigeance de l'artiste-dandy, des réunions d'artistes a l'atelier en 1870. On peut considérer ces représentations d'artistes comme des manifestations d'une conscience de solidarite et d'une recherche commune d'innovation artistique chez les peintres indépendants des années 1860 : post-réalistes et futurs impressionnistes.
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Fuentes, Rodriguez Oscar Gonzalo. "La forme humaine dans l'art magdalénien et ses enjeux : approche des structures élémentaires de notre image et son incidence dans l'univers symbolique et social des groupes paléolithiques." Paris 1, 2013. https://halshs.archives-ouvertes.fr/tel-01337663.
Full textAbstract:
La figuration humaine au Paléolithique, moins présente que celle des animaux, nous renvoie à la manière dont les sociétés se pensaient. S 'intéresser à ce corpus permet d'aborder des dialectiques de l'image variées, nous renvoyant autant aux mentalités sociales paléolithiques, mais aussi à la façon dont nous regardons ces images. Reposant sur une étude à la fois sur des critères graphiques et anatomiques (choix formels) avec des données extrinsèques (associations, technique) nous nous sommes efforcés d'analyser les représentations attribuées au Magdalénien du grand sud-ouest (Vienne-Aquitaine-Pyrénées). Après avoir discuté sur la manière d'identifier un être humain représenté, nous proposons un modèle de lecture de ces images afin de cerner des modes de représentation. L'objectif de cette analyse, est de tenter de voir si les « manières de se représenter » sont révélatrices des « manières de se penser » et par là même, exprimer des identités. La sihouette humaine dans l'art pourrait se révéler comme un marqueur identitaire pour ces sociétés. Replacées dans des problématiques de dynamiques territoriales, l'enjeu de ces images nous situe dans une discussion autour des constructions identitaires, ainsi que du rapport aux « autres » pendant le paléolithique.
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Brisson-Darveau, Guillaume. "Un état hors du temps." Master's thesis, Université Laval, 2011. http://hdl.handle.net/20.500.11794/22477.
Full textAbstract:
Dans le cadre de ce travail de recherche, j'expérimente la construction d'un personnage fictif et d'un espace sur le Web où il existe, www.TempsMort.Org. Je fais appel à la mise en scène de soi pour développer ce personnage et j'utilise des stratégies empruntées aux identités de marque pour l'intégrer dans l'espace social. Je prends le pari du jeu, de la gratuité et du déguisement pour donner forme à mon projet. Sur le site, je présente différentes expérimentations qui participent à définir mon personnage, sa manière d'être et de réagir au monde qui l'entoure. Je m'inspire de la figure du loser car il représente pour moi une forme de résistance passive et invisible aux différentes formes d'injustices sociales. Cette référence au loser participe à la création d'une satire sociale, de l'homme par rapport à la société capitaliste. De plus, l'étude de concepts théoriques exposés dans le texte suivant contribue, par les enjeux qu'ils soulèvent, à la mise en forme du drame symbolique du personnage derrière le site. Cette démarche me permet d'exprimer mon sentiment d'impuissance relativement à un système social que je trouve parfois, voire souvent, injuste et d'extérioriser cette lassitude et ce rapport au temps que m'impose l'expérience personnelle de la maladie.
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Fintzel, Julie. "Le personnage apocryphe dans l'oeuvre de Max Aub." Thesis, Aix-Marseille, 2015. http://www.theses.fr/2015AIXM3072.
Full textAbstract:
Notre travail s'inscrit dans une perspective d'histoire de la littérature et cherche à conduire une réflexion globale sur la nature, la signification et la portée de l’utilisation de l’apocryphe chez l'écrivain espagnol Max Aub (Paris, 1903, Mexico, 1972). Le procédé sous-tend l'ambitieux projet de "El Laberinto Mágico" _Le Labyrinthe Magique ̶, qui regroupe les œuvres consacrées à la guerre civile espagnole. Max Aub rompt avec une première pratique expérimentale de la littérature pour se focaliser désormais sur le jeu d’un personnage résolument plongé dans l’Histoire, et la création du personnage apocryphe prend chez l'auteur une valeur de témoignage existentiel, qui dépasse la dimension ludique du mélange entre fiction et réalité. Dans un siècle caractérisé par les guerres et la violence, chez un auteur profondément marqué par la guerre civile espagnole et la douloureuse expérience du déracinement, le personnage apocryphe renvoie aussi à la question identitaire, autant qu’à l’expérience de l’altérité et à l’exploration d’autres possibles itinéraires existentiels. Cette exploration des limites du genre narratif contribue à la résolution de la « crise du roman » des années vingt, s'inscrit dans une double perspective européenne et nationale, et s'ancre dans l'Histoire au point de donner de celle-ci une vision nouvelleThis doctoral thesis has benn aproached in a perspective of history of literature, and aims to consider a global thought about the nature, the meaning and the impact of the use of the apocryphal for the Spanish writer Max Aub (Paris, 1903, Mexico City, 1972). The process underpins the ambitious project of "El Laberinto Mágico" ̶The Magic Labyrinth ̶, which groups together the works dedicated to the Spanish Civil War. Max Aub breaks with a first experimental practice of literature to focus from this point onward on the game of a character firmly immersed in History. The creation of the apocryphal character takes for the author a value of existential testimony, which goes beyond the playful dimension of the fiction and reality mix. In a century characterized by wars and violence, in an author deeply marked by the Spanish Civil War and the painful uprooting experience, the apocryphal character also goes back to the question of identity, as well as the otherness experience , and the exploration of the other possible existential paths. This exploration of the limits of the narrative genre contributes to the resolution of the "crisis of the novel" in the twenties, it is also part of a double perspective, national and European, and is anchored in History, to the point where it gives of it a new vision
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Croteau, Stéphanie. "Le personnage vu de dos au cinéma et dans les autres arts ˸ esthétique, migrations et imaginaires d’une histoire à revers." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCA033.
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Ce doctorat porte sur un motif visuel qui circule entre les arts : le personnage vu de dos. Par l’entremise de notions que j’ai approfondies ou développées – l’apparaître, l’inévidence, la dorsalité –, j’interroge comment cette posture fait naître une manière d’habiter l’image et le monde, et j’analyse ses implications dans les pratiques artistiques comme dans le champ philosophique et social. Pour mener cette enquête, je me suis inspirée d’un geste d’Aby Warburg, celui de la fabrication d’atlas d’images. La fabrication d’atlas m’a permis de faire apparaître trois modalités expressives du dos qui traversent l’histoire de l’art et du cinéma, et qui se retrouvent au sein de mes planches. J’aborde ces questions dans le premier chapitre de la thèse. Le deuxième chapitre, intitulé « Repli(s) », porte sur ma première planche d’images, consacrée aux personnages de dos qui se dérobent et s’esquivent, exprimant un retrait de la signifiance expressive. Le troisième chapitre aborde ma deuxième planche d’images, dans laquelle je cherche à faire voir une forme d’absorbement mené par le personnage de dos depuis l’âge romantique. Le quatrième et dernier chapitre, intitulé « Exclusion(s) », traite d’une violence faite au sujet. En me penchant sur la représentation des Afro-Américains dans les films de plantation états-uniens, j’explore comment une forme d’exclusion esthétique, sociale et politique s’est fabriquée par la posture de dos. Que nous disent les personnages repliés, absorbés ou exclus en regard de la frontalité qui prévaut encore aujourd’hui ? Les personnages vus de dos présentés dans ma thèse introduisent une dorsalité des représentations et de l’existenceThe research topic addressed in this paper is a visual motif circulating widely among the arts: the figure seen from behind. Through notions that I have been led to further or develop – appearance, inevidence, dorsality, I examine how this posture depicts a way of inhabiting the image and its world, and analyze its implications in artistic practices as well as in the philosophical and social field. In order to carry out this survey, I was inspired by a gesture of Aby Warburg, the creation of atlases of images. Atlas making allowed me to reveal three expressive modalities of the back running through the history of art and cinema, and which are also found within my boards. I address these questions in the first chapter of the thesis. The second chapter, titled "Repli (s)", focuses on my first picture board, devoted to figures from behind who avoid and sneak away, conveying a withdrawal of expressive meaning. The third chapter addresses my second picture board, in which I sought to depict a form of absorption led by the figure from behind since the Romantic Age.The fourth and last chapter, entitled "Exclusion (s)", examine a violence committed upon the subject. By focusing on the portrayal of African-Americans in American plantation films, I try to show how a form of aesthetic, social, and political exclusion has been created by the representation from behind. What are withdrawn, absorbed or excluded characters telling us in view of the frontality that still prevail today? The figures seen from behind, as presented in my thesis, introduce a dorsality of representations and of existence
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Croft, Edith. "Les hommes-cathédrales." Master's thesis, Université Laval, 1995. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28396.
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Résumé de la vidéo en accompagnement : "Document vidéo accompagnateur du mémoire de maîtrise ès Arts intitulé LES HOMMES-CATHÉDRALES, se voulant une réflexion théorique au sujet d'une production sculpturale de l'auteure, amorcée en 1993-1995. À partir d'une sélection de quatre oeuvres, interprétation de la symbolique humaine et architecturale contenue à l'intérieur d'une pratique sculpturale. La vidéo présente une des oeuvres, LA CATHÉDRALE SAUVAGE, ensemble tolémique de neuf personnages sculptés dans le bois de cèdre et qui furent partiellement brulés à l'aide d'essence, le premier mai 1994 à Saint-Jean-Port-Joli, au bord du fleuve Saint-Laurent."Québec Université Laval, Bibliothèque 2014
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Mavrakis, Annie. "Judith et Salomé : une gémellité paradoxale." Paris 1, 1991. http://www.theses.fr/1991PA010586.
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Abdelaziz, Nathalie. "Le personnage de l'artiste dans l'oeuvre romanesque de George Sand avant 1848." Clermont-Ferrand 2, 1996. http://www.theses.fr/1996CLF20095.
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L'introduction cerne les limites et ouvertures du sujet, présente la méthode d'approche retenue pour l'étude d'un personnage, et justifie la composition d'ensemble. Il s'agit d'apprécier la contribution sandienne à l'entreprise de réhabilitation de l'artiste au 19e, laquelle s'inscrit entre convention et originalité, dans le mouvement romantique, révolutionnaire et religieux d'avant 1848. 3 axes d'étude permettent d'appréhender l'artiste dans les romans de G. Sand : physionomie : variété ; physiologie : complexité ; philosophie : unité. Ces 3 intitulés rencontrent l'énoncé Lavatérien de l'homme aux vies animale, morale, intellectuelle, et croisent la pensée trinitaire en faveur à l'époque romantique. Ils transposent de surcroît l'idéal spécifiquement sandien de complétude humaine, l'artiste comme métaphore du beau : physionomie, l'artiste comme métaphore du don : psychologie, l'artiste comme métaphore du christ : philosophie. La réhabilitation de l'artiste passe par l'image que la romancière en donne : elle la construit à l'aide d'un triple effet : l'effet d'exception, de réel, et ce qu'on peut appeler l'effet de modèle. La 1ère partie de l'étude répertorie ce qui distingue les artistes et les magnifiés ; la 2de explore la mise en place d'une spécificité crédible du personnage ; la 3e voit quelle charge d'exemple missionnaire l'auteur lui fait porterThe introduction defines the limits and openings of the subject, introduces the method of approach selected for the study of a "character" and justifies the overall content. The ain of the thesis is to assess sand's contribution to the work of rehabilitation of the 19th century artist, which stands half-way between conventionalism and originality in the pre- 1848 romantic, revolutionary and religious movement. Three main study lines allow the understanding of the artist in sand's novels: physiognomy : variety physiology : complexity philosophy : unity these three headings agree with lavater's theory, for whom man has an animal, moral and intellectual life, and they also coincide with the trinitarian thought favoured during the romantic era. They moreover illustrate sand's ideal of human fulfilment: the artist as a metaphor of beauty : physiognomy the artist as a metaphor of gift : physiology the artist as a metaphor of christ : philosophy the artist's rehabilitation stems from the image given by the novelist who creates it with a triple effect : one of exception, one of reality, and one of exemplarity. The first part of the study lists what sets artists apart and what also magnifies them
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Legrand, François. "Le paradis perdu et l'esprit romantique et Caïn et Abel dans l'art du XIXème siècle, [1770-1925] : catalogue raisonné." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1995PA040257.
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ROBIN, PASCALE. "Felix culpa adam et eve dans le premier art chretien et la pensee d'occident (iiie-vie siecles)." Paris 12, 1999. http://www.theses.fr/1999PA120071.
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Le recit biblique d'adam et eve - creation de l'homme puis de la femme, tentation et faute, puis condamnation et chute - a inspire de tres nombreux artistes, s'exprimant sur des supports fort divers : en premier lieu dans la peinture catacombale du iiie siecle, auxquelles succedent, au ive siecle, les basreliefs des sarcophages sculptes, la coutume de l'inhumation remplacant progressivement cellede l'incineration dans l'elite sociale chretienne. Les arts dits << mineurs >> ne sont pas en reste : on retrouve ces memes themes, auxquels s'adjoignent au cours des siecles d'autres episodes - tel, par exemple, celui d'adam nommant les animaux - dans la decoration d'une multitude d'objets divers, en ivoire, verre grave ou moule, terre cuite, metal, etc. Les commentaires que les peres de l'eglise ont consacres au role et a l'histoire d'adam et eve sont fort nombreux : nous nous sommes attaches, par le biais d'une presentation chronologique de la litterature patristique, des auteurs et des commentateurs chretiens des origines jusqu'a augustin qui ont ecrit sur la genese et sur la condition humaine, a determiner, expliciter et, souvent, comparer, les principaux jalons de la pensee theologique concernant adam et eve. La presente etude s'ouvre donc sur un essai de recensement et de classement des temoignages artistiques consacres a l'histoire des premiers parents, suivi d'une tentative d'interpretation, a travers l'etude du traitement stylistique des scenes adamiques dans l'art chretien ainsi que du contexte qui leur est parfois attribue, qui permet de degager la valeur et la symbolique religieuse du theme d'adam et eve, theme dont la portee s'avere tout a la fois fois mortuaire, catechetique et eschatologique. Enfin, a la lumiere de ces considerations, et en gardant en memoire les representations artistiques etudiees, nous tenterons de retracer quatre siecles de pensee chretienne consacree a l'histoire du premier couple humain.
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Benamron-Rosner, Juliette. "« Manette et Moïse » : poétique du Juif de fiction dans la littérature, au tournant du siècle 1867-1929." Thesis, Strasbourg, 2013. http://www.theses.fr/2013STRAC036.
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À l'aube du XIXe siècle, l'accélération de l'histoire, et la sécularisation qui s'installe, favorisent l'intégration sociale du Juif. Après 1789, il s'émancipe et devient un citoyen. Cette assimilation accompagne une intégration littéraire : le Juif devient un personnage de fiction, multipliant ses apparitions dans les œuvres françaises du XIXe siècle. Nous analyserons la manière dont les écrivains mettent à distance les stéréotypes dans l'élaboration d'un personnage judaïque, pour imaginer une profondeur littéraire et psychologique trouble et signifiante. Nous verrons en quoi ces représentations sont aussi marquées par un contexte historique particulier, comme l' Affaire Dreyfus, par exemple. Quelle influence le personnage juif a-t-il sur l'action ? A-t-il un destin ? Connaît-il l'amour ? A-t-il une identité permanente, ou est-il sensible au changement ? Le personnage juif crée une identité narrative particulière et problématique, tributaire de sa confession. Nous analyserons l'être, le faire et le dire du personnage juif, et montrerons comment la construction littéraire du personnage juif se nourrit aussi du dialogue entre texte et imageAt the dawn of the XIXth century, the acceleration of the history and the secularization which settles down, favor the social integration of the Jew. After 1789, he is emancipated and becomes a citizen. This assimilation accompanies a literary integration : the Jew becomes a fictional character, multiplying his appearances in the french works of the XIXth century. We shall analyze the way the writers put at a distance stereotypes in the elaboration of a Jewish character, to imagine a shady and significant literary and psychological depth. We shall see in what these representations are also marked by a particular historic context, as the Dreyfus affair, for example. What influences the Jewish character has on the action ? Has he a fate ? Does he know love? Has he a permanent identity, or is he sensitive to the change ? The Jewish character creates a particular and problematic narrative identity, dependent on his confession. We shall analyze the being, the making and the telling of the Jewish character, and shall show how the literary construction of the Jewish character also feeds on the dialogue between text and image
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Favier, Anne. "Reconvocations, effacements, résistances de la figure." Phd thesis, Université Jean Monnet - Saint-Etienne, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-01011402.
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Cette thèse propose une réflexion sur la représentation de la figure humaine au-delà de la " ressemblance cadavérique " présumée par Maurice Blanchot. Nous interrogeons les appels à figurer la figure humaine dans diverses formulations et configurations iconoplastiques, par les moyens associés de la peinture et de la photographie, à partir d'un corpus de postures plastiques contemporaines. Comment la figure humaine se donne-t-elle à figurer pour déborder la seule figuration ? Il est aussi question de reconvocation puisque les œuvres étudiées procèdent de reprises, transferts, reconductions, revenances.Les êtres blanchis peints par Jean Marc Cerino, les portraits flous et dérobés de Gerhard Richter, un ensemble d'autoportraits photographiques assourdis de Jacques Damez, les Faces grimaçantes et les Masques Mortuaires rehaussés d'Arnulf Rainer, les défunts dévoilés et photographiés en gros plan par Andres Serrano et les faces surfacées peintes par Anthony Vérot ouvrent des analyses poïétiques et esthétiques qui nous amènent à distinguer deux voies de l'effacement : l'affaiblissement et tout autant la surenchère. Visibilités défectives ou exacerbées ? Deux pôles se succèdent et articulent la tension dialectique de la donation et du retrait : " figures affaiblies " / " figures excessives ". Figurer c'est opérer par distanciation, retrait, passage, dissimulation, déplacement. Ce travail de recherche relève des rapports de force qui travaillent les figures résistantes à leurs oblitérations mais aussi à toutes tentatives de dévoilement. Ces détours étudiés signalent les infigurables qui se désistent : le visage, l'être, l'autre, soi-même, la mort.
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Breton-Guay, Noémie. "Merlin l'enchanteur dans les images de la Renaissance arthurienne : une fenêtre sur l'imaginaire victorien." Thesis, Université Laval, 2006. http://www.theses.ulaval.ca/2006/23964/23964.pdf.
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Dottin-Orsini, Mireille. "Les représentations de la femme à la fin du XIXe siècle - la figure de Salomé et le dialogue entre la littérature et les arts (1870-1914)." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040091.
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A la fin du XIXe siècle, la mutation de la figure féminine, de la muse romantique au poncif de la "femme fatale", instaure un dialogue entre littérature et peinture qui manifeste avec une étonnante brutalité l'obsession d'une féminité exacerbée et de sa dangerosité ontologique. Un discours ambivalent donne la femme comme source de mort, mais la désigne aussi comme devant être tuée. L'autorité de la parole scientifique, en particulier médicale, vient nourrir et conforter les affirmations misogynes : un vampirisme féminin est ainsi relié à la physiologie pour devenir fait de nature. Le mythe littéraire et pictural d'une Salomé fin-de-siècle, développé dans toutes les formes d'expression artistique, en présente l'illustration éclatante. Il confère à l'obsession une dimension éternelle ; il lui apporte la caution de l'art par l'évocation de tableaux célèbres, ceux de Regnault ou de Gustave Moreau, mais s'annexe aussi bien les peintures de la Renaissance ; il la dote d'éléments décoratifs ; il propose enfin un résumé spectaculaire et définitif de la guerre des sexes. Le scenario biblique originel est subverti jusqu'à faire de la danseuse une figure quasi divine, sur laquelle sont projetées toutes les hantises de l'altérité féminine et de l'éros fin-de-siècle. Mythe daté, dont un recensement montre l'importance, mais également le caractère répétitif, et qu'une dimension parodique omniprésente vient tenir à distance et banaliser dans le même mouvementIn the late XIXth century, the changing woman figure, from the romantic muse to the femme fatale cliché, triggers off a dialogue between literature and painting which pushes into the limelight the obsession of the ontologically threatening exacerbated feminity. Woman is ambiguously presented as both giving death and sentenced to death. Scientists, more particularly physicians, confirm and foster the current misogynous statements, helping to turn female vampirism into a natural fact. This obsession is brilliantly illustrated by the manifold representations of the literary and pictorial myth of a fin de siecle Salome which gives it an eternal value, as well as the artistic guarantee of contemporary painters like Regnault and Gustave Moreau or even of renaissance painters. It also endows it with decorative elements and, lastly, sums up the war of the sexes in a most striking and final way. The biblical account is tampered with to the point of turning the dancer into a near goddess laden with the haunting fears born from female otherness and fin de siecle Eros. A period myth, both important and repetitive, but kept at a distance and made trite by omnipresent parody
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Mastoraki, Dimitra. "L' iconographie de Judas l'Iscariote dans l'art byzantin et post-byzantin : rapprochements et différences avec ses représentations en Occident et dans l'Orient chrétien." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010635.
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La présente étude essaie d'analyser les représentations de Judas dans le monde byzantin et post-byzantin, en s'attachant particulièrement à l'étude de son apparence et de ses attributs, dans le contexte particulier de chaque image, et ce par rapport aux sources chrétiennes dont nous disposons. Une telle étude serait incomplète sans un aperçu global de l'iconographie du traître, qui révélera que la fréquence de l'apparition de son image et l'importance accordée à celle-ci ne reste pas invariable dans le temps et dans les différentes régions géographiques. Une étude comparative avec les représentations du traître dans l'art de l'Orient chrétien et dans le monde occidental de la même période, permet de repérer les points communs, ainsi que les différences. L'intérêt de cette recherche repose surtout sur la volonté de comprendre comment le pouvoir religieux intègre dans son répertoire iconographique l'archétype de la trahison, comme celle-ci a été perpétrée par Judas, de façon qu'il finisse paradoxalement par participer à l'oeuvre moralisatrice de celui-ci.
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Deves, Cyril. "Une figure emblématique dans les arts du XIXème siècle en France : Don Quichotte." Thesis, Lyon 2, 2011. http://www.theses.fr/2011LYO20118.
Full textAbstract:
Le Don Quichotte de Cervantès a inspiré tous les domaines artistiques du XIXème siècle (1789-1914). Le choix de regrouper dans un même corpus les arts graphiques et plastiques, les arts populaires, les arts du spectacle et cinématographiques, permet de voir comment les arts s’influencent, se répondent ou s’opposent. Le Don Quichotte est, comme tout sujet littéraire traité dans les domaines artistiques, confronté à son image littéraire, celle créée par son auteur. Notre volonté est de distinguer comment se profilent puis se figent les caractéristiques physiques des personnages principaux au cours du XIXème siècle et ce, principalement en France.Les artistes sont amenés à interpréter le texte. Ils se détachent de l’image littéraire pour s’intéresser aux possibilités plastiques et iconographiques qu’offre le roman de Cervantès. Au-delà de la traduction plastique d’un texte littéraire, l’enjeu est de comprendre comment les artistes parviennent à s’insérer dans la pensée de leur société, c'est-à-dire comment ils arrivent à influer sur la lecture d’une œuvre littéraire. En comparant l’iconographie de don Quichotte à celle d’autres héros, il s’agit de voir en quoi le personnage créé par Cervantès permet aux artistes de se réapproprier cette silhouette et à quelle fin. Son image est largement exploitée dans les domaines de la publicité et de la caricature. L’étude vise à saisir par quels moyens les deux héros vont se retrouver transposés dans une société pour en faire, tantôt la critique, tantôt l’apologie, au gré des contingences politiques, économiques et sociales, voire oniriques ou fantaisistes, c'est-à-dire sans substrat critique et par pure référence ludiqueThe Don Quixote of Cervantes has inspired all fields of arts of the nineteenth century (1789-1914). The choice to group in one corpus the visual arts, popular arts, performing arts and film, let us see how the arts influence, answer or oppose each other. The Don Quixote is, like any literary subject within the arts, confronted with his literary image. Our desire is to distinguish the emerging profiles of the main characters of nineteenth century France and then analyse their physical characteristics.Artists are asked to interpret the text. They detached themself from the literary image and have greater interest in the visual and iconographic opportunities offered within the novel of Cervantes. Beyond the visual translation of a literary text the challenge is to understand how artists manage to fit into the thinking of their society, or in other words, how they can influence the reading of a classic work of literature. By comparing the iconography of Don Quixote through other heroes we can understand how the character allows artists to adapt this figure and for what purpose. His image is widely used in the fields of advertising and caricature. The study aims to understand the means by which the two heroes will find themselves transposed into a society to make, sometimes critical, sometimes complientary comments, according to the political contingencies, or economic, social, even whimsical and fantastical i.e. without a basis of critical reference and amusing
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Park, Sung-Eun. "Le paysage dans la peinture flamande du XVème siècle, à travers les aspects de la vierge à l'enfant." Aix-Marseille 1, 1989. http://www.theses.fr/1989AIX10036.
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La peinture flamande, a son age d'or, constitue une periode cle ou l'on voit apparaitre l'esprit du paysage moderne. Au sein d'une longue tradition de peinture religieuse, l 'evolution du paysage etait jusque la, peu sensible car trop liee a une localisation conventionnelle illustrant des themes bibliques. Le theme de la vierge a l'enfant ou l'on voit, a cette epoque, apparaitre un paysage realiste, se revele etre le cadre de transformations fondamentales. Ce cadre particulier, choisi a dessein pour offrir des conditions d'investigation proches de celles du laboratoire permet d'analyser les travaux de trois generations d'artistes et de mettre en evidence les influences historiques, sociologiques et picturales qui, conjuguees, ont determine une nouvelle conception du paysage : le paysage realiste flamandFlemish painting, in its golden age, constitutes a key period where we see the spirit of modern landscape appear. In the heart of a long tradition of religious painting, the evolution of the landscape was until then insensitive because it was too tied to a conventional localisation illustrating biblical themes. The theme of the virgin and child where we can see appear a realistic landscape at this epoch, reveals itself to be the framework of fundamentals changes. This particular framework, chosen intentionally to provide the conditions of investigation close to those of the laboratory, allows the analysis of the works of three generations of artists and to bring to the fore the historical, sociological and pictural influences, which, combined, determined a new conception of the landscape : the realistic flemish landscape
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Rouvière, Nicolas. "Astérix ou L'étoile de la raison : une anthropologie comique de l'identité." Université Stendhal (Grenoble), 2004. http://www.theses.fr/2004GRE39033.
Full textAbstract:
Les albums d'Astérix co-réalisés par Goscinny et Uderzo questionnent sans cesse la nécessité d'intégrer la part de l'autre pour se construire. La série constitue ainsi une véritable anthropologie comique de l'identité, envisagée dans sa dimension à la fois individuelle et collective. Par delà la parodie de l'imagerie gauloise, le brouillage de ses implications idéologiques et la moquerie à l'égard des stéréotypes culturels de l'identité, Astérix n'opère pas une pure déconstruction des représentations identitaires. La série constitue bien plutôt une utopie constructive du lien à l'autre, dont la visée est universaliste. Ainsi les institutions sont investies dans la fiction d'une fonction quasi parentale à l'égard des personnages, et ont des effets subjectifs sur la construction des sujets. Différents systèmes politiques et sociaux se côtoient et sont modélisés. Le village gaulois forme une utopie démocratique au fonctionnement atypique, qui cache derrière son anarchie apparente une forte structure symbolique. Face à elle, les auteurs questionnent l'absolutisme du pouvoir à travers la théocratie de Cléopâtre et l'autocratie de César. Enfin les sociétés barbares des Goths, des Normands et des Vikings font système. Cette réflexion sur les fondements du pouvoir et leur impact symbolique, confronte trois âges politiques du religieux et trace une ligne de frontière entre civilisation et barbarie. Cette modélisation correspond à la nécessité de porter un regard critique sur l'époque contemporaine. Astérix témoigne d'un tournant de la mémoire collective qui survient à la fin des années 60 et fait un retour critique sur les années de guerre. D'autre part la série est concomitante du tournant de l'histoire de l'individualité qui marque les années 1965-1975. Les auteurs en effet prennent position par rapport aux changements culturels qui agitent la société. Cette double posture critique ne relève pas de la pure satire sociale, mais s'inscrit dans une problématique plus générale sur la fragilité du lien humain comme de la raison individuelle. La bande dessinée interroge ainsi le procès de l'individuation et le voisinage de l'esprit avec la folie.
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Benoit, Jean-Louis. "L'art littéraire dans les Miracles de Nostre Dame, de Gautier de Coinci." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040327.
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Dans une première partie, intitulée "l'art au service de la foi", le projet de l'auteur est mis en lumière. Au-delà de la traduction et de la versification des miracles latins il s'agit de faire passer un message religieux axe sur l'incarnation et la miséricorde de Marie. La narration est au service de la prédication. Elle transmet et illustre un catéchisme populaire sur les points essentiels de la foi. On rapproche l'esthétique des miracles de Gautier de l'art des cathédrales (G. Duby). La satire est liée à ce projet didactique et réformateur. Elle s'inscrit dans la tradition morale de critique des « estats du siècle ». Le clergé est le premier visé. La recherche de la vérité s'accompagne d'un engagement lyrique où l'histoire est ressuscitée. L'écrivain polémique violemment avec la littérature profane de son temps. Il lui emprunte pourtant ses procédés et sa thématique pour les convertir au service de Marie. Dans une deuxième partie "une littérature au service du plaisir", on étudie la variété des types d'intrigues, les personnages, le comique et l'ironie, les formes du pathétique et du merveilleux, qui ont fait le succès d'une littérature, où se déploie une virtuosité inégalée. Les techniques poétiques révèlent un écrivain plein d'humour et un artiste mystique. C'est dans "ces délices du verbe" (ch. IX) que se réunissent la foi et le plaisirIn a first part entitled "art in the service of faith", the author's project is brought to light. Beyond the translation and versification of the Latin miracles the purpose is to pass a religious message centered round incarnation and Mary’s mercy. Narration is in the service of preaching. It transmits and illustrates a popular catechism on the essential points of faith. The aesthetics of the miracles by Gautier is related to "the art of the cathedrals" (G. Duby). The satire is linked to this didactic and reforming project. It is in keeping with the moral tradition of criticism of "estats du siècle". The clergy is the first to be aimed at. The search for truth is accompanied by a lyrical commitment in which the past time is brought back to life. The writer is involved in a violent controversy with the profane literature of his time. He nevertheless borrows from it its processes and its set of themes to convert them to the service of Mary. In a second part "a literature to the service of pleasure", we study the different types of plots, the characters, comedy and irony, the forms of pathos and of the supernatural, which have made the success of a both sacred and popular literature. The poetic techniques, in which an unrivalled virtuosity is played, reveal a humorous writer and a mystical artist. In "the delights of the verb" (ch. IX), faith and pleasure are joined together
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Wajeman, Lise. "La parole d'Adam, le corps d'Eve : les "premiers parents" et le péché originel dans les textes et les images au XVIe siècle, en France, Allemagne et Italie." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040165.
Full textAbstract:
La représentation d'Adam et Eve connaît au XVIe siècle une actualité particulière : le renouveau des traductions bibliques, l'importance des débats théologiques où s'affrontent Réforme et Eglise romaine imposent de reprendre entièrement la lecture du texte sacré ; plus particulièrement, l'histoire des premiers parents suscite l'intérêt d'un siècle fasciné par la question de l'origine et offre à la peinture la précieuse possibilité de représenter des figures humaines nues dans un cadre religieux. Le récit du péché originel, en Genèse, 3, cristallise une série d'oppositions fondamentales. La faute entraîne la chute vers notre humanité, c'est-à-dire qu'elle marque le passage de l'éternité à un temps arrêté par la mort, mais elle constitue aussi le moment de la naissance des corps, souffrants et jouissants, marqués par la différence sexuelle, et opère le basculement d'un monde régi par la transparence des signes, du langage, vers un monde marqué par l'opacité, le brouillage entre la vérité et le mensonge. Dès lors, la représentation du péché originel semble offrir à toute œuvre un miroir où réfléchir aux moyens dont elle dispose pour dire la vérité (chrétienne) et pour la transmettre au lecteur/ spectateur. Tandis que les textes opèrent d'avantage par la contrainte, imposent une lecture, les images ont tendance à rejouer le trouble de la faute initiale, déployant les charmes d'une séduction ambigue͏̈The representation of Adam and Eve arouses particular interest during the sixteenth century. The renewal of Bible translations, the importance of the theological debate between the Reformation and the Roman Church lead to a plethora of entirely new readings of the Holy Book ; the story of the first genuine couple raises questions in a century fascinated by the problem of origins and makes it possible to represent naked figures in a religious context. Original sin, as recounted in Genesis 3, crystallises a series of fundamental oppositions. It induces the fall, i. E. The change from eternal life to a lifetime measured by death, but it also brings life to the body, as a source of pain and pleasure, marked by the differences of gender, and turns a world in which clear signs and language reign into a world of darkness, where the line between truth and falsehood blurs. The representation of original sin seems then to become a mirror in which a work of art can contemplate itself and reflect upon how to bring (christian) truth to the reader/ viewer. While the written word tends to restrict the reader's freedom and force a certain interpretation upon him, pictures tend to reenact the confusion brought about by original sin and make full use of their ambiguous seduction
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Roche, Aurélie. "De la figure anthropomorphe prédynastique à l'émergence de l'image de Pharaon : pour une approche transversale de l'imagerie pré- et protodynastique égyptienne (Nagada I-Nagada III, 3900-2700 av. J.-C.)." Thesis, Strasbourg, 2015. http://www.theses.fr/2015STRAG012/document.
Full textAbstract:
Dans l’Égypte pré- et protodynastique (3900-2700 av. J.-C.), l’imagerie anthropomorphe occupe une place de prime importance. Relevant de trois modes de communication – iconographique, ambigu et écrit – ces figurations humaines sont reproduites sur un large éventail de types de supports. Tandis que les études se focalisent habituellement sur une catégorie de source, ce travail se concentre sur un motif précis, la figure anthropomorphe, et propose ainsi une approche transversale de l’imagerie anthropomorphe pré- et protodynastique. Ainsi, cette étude vise à déterminer l’évolution des représentations anthropomorphes au cours de ces périodes, à travers elles, à dévoiler la manière dont se concevaient les premiers Égyptiens. La recherche se fonde sur l’élaboration de typologies des figures humaines et des motifs associés, couplée à une étude statistique des données ainsi réunies. Les résultats de ce travail ont permis de révéler une évolution chronologique des figurations humaines, avec une nette rupture se dessinant entre Prédynastique et Protodynastique. Cette transition est à mettre en lien avec l’introduction d’une monarchie royale, provoquant une dichotomie entre documentations royale et privée en raison d’une mainmise de l’État sur l’expression artistique. Les figurations anthropomorphes témoignent par ailleurs de l’émergence, outre l’identité collective préexistante, d’une identité personnelle, gage d’une individualisation grandissanteDuring the Predynastic and Early Dynastic Periods (3900-2700 B.C.), anthropomorphic imagery is a theme of prime importance in Egyptian art. Human figures coming from the iconographic, ambiguous and written modes of communication are depicted on a large range of sources. While most of the studies focus on a single type of document, this work concentrates on a particular pattern, the human figure, by proposing a transversal approach of the anthropomorphic imagery. Therefore, this study aims to constrain the evolution of the human depictions during these periods. Through the inspection of the human figures, the study also aims to unravel the way the first Egyptians conceptualised themselves. This work is based on the creation of typologies for the human figures and associated patterns, analysed using statistical tools.The results reveal a chronological evolution of the human figures, with a distinct rupture between the Predynastic Period and the Early Dynastic Period. This transition relates to the introduction of a royal monarchy. This introduction causes a dichotomy between royal and private documentations owing to the appropriation of the art by the state. Besides, the anthropomorphic figures show the appearance of a personal identity in addition to the pre-existent collective identity. This feature is evidence of an increasing individuation
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Durozoy, Anne-Sophie. "Le petit prophète Jonas au Moyen Âge : étude iconographique." Paris, EPHE, 2011. http://www.theses.fr/2011EPHE4016.
Full textAbstract:
Jonas est fréquemment représenté du XIIe au XVe siècle en France, dans les pays germaniques et en Angleterre. Il l’est moins en Espagne ou en Italie, ainsi que dans les pays scandinaves. La présente étude analyse textes et images pour évaluer la place du petit prophète au Moyen Âge, tant dans la pastorale, l’exégèse et les sommes théologiques que dans l’imaginaire. Jonas est un thème très important dans l’art paléochrétien. Les régions et les époques marquées par l’Antiquité ont accordé une place particulière à ce petit prophète, tout en modifiant le sens et l’iconographie des représentations. La baleine remplace la plante comme attribut principal. Les préoccupations quant au Salut de l’homme s’effacent derrière l’importance accordée à la Résurrection. Jonas est en effet une préfigure du Christ à double titre : avalé par la baleine, il annonce sa mort ; en sortant, il anticipe sa Résurrection. Il est également l’un des douze petits prophètes et est à ce titre régulièrement représenté, en général sans attribut, au milieu d’autres prophètes, pour insister sur la continuité du projet divin. Envoyé malgré lui à Ninive qui se repent de ses erreurs de manière spectaculaire, il devient paradoxalement une figure de la conversion, très appropriée quand, à la suite de Latran IV, la pastorale met l’accent sur la nécessité du sacrement de la pénitence. Jonas est le plus souvent accompagné du monstre marin, qui devient peu à peu baleine : la présence du petit prophète dans la gueule de l’animal permet de l’identifier. La fascination pour le merveilleux et l’espérance en la Résurrection de la Chair expliquent probablement l’importance accordée à l’épisode de la baleineJonah was often represented from the 12th to the 15th century in France, in the German countries as well as in England. He was less so in Spain, Italy, or in the Scandinavian countries. This study sets out to analyse texts and images so as to assess the part played by this character in pastoral, exegesis, theological compendiums, as well as in the the imaginary world. Jonah is a prominent figure in paleo-christian art. This little prophet was given a very unique treatment in the regions and periods that were influenced by Antiquity. Yet, they also reworked the meaning and the iconography of Jonah’s representations. The plant gave way to the whale as his main attribute. The emphasis before on the issue of Man’s Salvation shifted towards Resurrection. Indeed, Jonah prefigures the Christ in a double way. Being swallowed and cast out of the whale, he announces both Christ’s death and Christ’s resurrection. He is also one of the twelve minor prophets and in this respect he appears quite often - not always with an attribute - among other prophets, to show the continuity in God’s plan. He is ordered by God against his will to the city of Nineveh, which repents of his sins in a powerful way. Thus he appears quite paradoxically as a figure of repentance and that was used for pastoral purposes when the necessity of the sacrament of repentance arose after the Fourth Council of the Lateran. Jonah is often seen with a sea creature that would then be depicted in the form of a whale: his being in the belly of a great fish allows to identify him. The fascination for the marvellous as well as the hope of the Resurrection of the Flesh may account for the prominence of the whale episode
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Lassus, Saint-Geniès Gabrielle de. "La figure mariale dans les arts en Angleterre au XIXe siècle." Paris, EPHE, 2013. http://www.theses.fr/2013EPHE5001.
Full textAbstract:
Plus d'un siècle après la fin de l'époque victorienne, il est possible de poser un regard neuf sur l'iconographie féminine des arts britanniques de cette période en observant les représentations mariales qui y font éclosion. Le retour de la figure de la Vierge Marie en Angleterre est le fruit d'une problématique artistique, morale, sociale et historico-religieuse, que cette thèse s'efforce d’analyser. Elle s'attache à comprendre et à démontrer pourquoi et comment ce pays est passé de la quasi-inexistence, sinon d'une résistance à cette représentation en raison du contexte politico-religieux propre à la Grande-Bretagne, à une acceptation de celle-ci au cours du XIXe, siècle de l’éclectisme et de l’internationalisation. Cette thèse a pour ambition de défendre l'idée d'une Madone anglaise, méconnue mais réelle, en visant à établir le fait du revival marial au sein de la géographie culturelle britannique. Elle examine à ce dessein l'influence de la Royal Academy, de l'Oxford Movement, du Catholic Revival, du Grand Tour, du Romantisme, du Gothic Revival, du mouvement Nazaréen, du mouvement Préraphaélite, de l’Orientalisme, de l’Aestheticism, du Symbolisme. Sont pris en considération les arts les plus divers : peinture, sculpture, architecture, musique, vitrail, gravure, art du livre, poésie, orfèvrerie, littérature, textile ou photographie. Ces représentations hétérodoxes s’entremêlent avec celles de la reine Victoria et celles de la femme anglaise, en offrant un phénomène unique de sacralisation iconographique, à savoir le culte des « Madones laïques » par le biais d’images d'inspiration explicitement mariale ou implicitement sacréeWell over a century after the end of the Victorian era, one can still attract a new perspective on the iconography of female British art of this period by observing the representations of Marian resurgence. The return of the Virgin Mary figure in England appears to be problematic in many aspects - artistic, moral, social, historic and religious - which this thesis attempts to analyze. This thesis also seeks to understand and demonstrate how and why this country, in light of the fierce resistance of such representation once distinctive of the political and religious view in Britain, has shifted from an almost non-existent stance of such movement into its acceptance in a nineteen century of eclecticism and internationalism. Moreover, this thesis aims on one hand to defend the idea of an unfamiliar but genuine "English Madonna" and on the other hand to further establish the very fact of Marian resurgence in British cultural and geographical milieu. Likewise, this thesis will examine the influence of the Royal Academy of Arts, the Oxford Movement, the Catholic Revival, the Grand Tour, Romanticism, the Gothic Revival, Nazarene and Pre-Raphaelite movement, Orientalism, Aestheticism and Symbolism. Herewith, the following diverse arts are taken into consideration: painting, sculpture, architecture, music, stained glass, engraving, book art, poetry, jewelry, literature, textiles and photography. These unorthodox representations intermingle with those of Queen Victoria and those of the English woman, offering a unique phenomenon of a sacred iconography, namely the worship of "Madonnas secular" through an explicitly Marian or implicitly sacred inspirational image
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Le, Guennec Gilles. "Fragmentation." Rennes 2, 1987. http://www.theses.fr/1987REN20018.
Full textAbstract:
"Fragmentation" désigne une mise en rapport de la peinture, gravure et sérigraphie modulant une fascination pour Pinocchio. "A l'oeil", "à d'autres", "à l'oeuvre", et "au plaisir", ces quatre tomes précisent chacun un regard. A l'oeil. Peine perdue d'avance : comment taire le commentaire que les pièces provoquent ? A d'autres. Le centralisme de la personne n'est pas étranger aux rapports exacerbés aux maîtres, meurtriers et endettés, que des monstres indiquent. Puisque l'invention s'avère constituée d'emprunts, il faut substituer à "l'auteur" l'éloge de l'échange, beaux-arts et arts et métiers confondus. A l'oeuvre. "L’ergologie" (de l'unité d'enseignement et de recherche du langage à Rennes 2) interpelle le plasticien puisqu'elle vise à transposer analogiquement à l'art l'analyse propre au langage. A la réduction de l'activité aux moyens et aux fins auxquels correspondraient peinture, gravure, sérigraphie, dans le rapport à Pinocchio, il faut substituer la dualité des qualités et des quantités, et de deux manières : - par le fragmentant, non seulement il n'y a pas de "matière première", mais celle-ci est à prendre comme produit d'une élaboration- fragmentation en qualités utiles et en ustensiles; - par le fragmenté, en dissociant le fait de l'effet et le fabriqué de l'intention, pour reconnaître les potentialités créatrices des dispositifs impliqués, toujours déjà choisis et ordonnés en opération et appareillages. Au total, le rendement de la fragmentation réside dans l'interférence de pratiques "socio artistiquement" séparées puisqu'il n'y a pas de qualité ni de quantité qui n'y soit indifféremment productive. Au plaisir. Investissements de l'affectivité dans la conduite active plus que dans la conscience parlée, les dispositifs de fragmentation sont alors coupures et sutures. Face au vide de l'excision, le questionnement est module, entre la réticence d'un graveur et l'appétit effréné d'un peintre. Non plus "le sens" mais la perte à renouveler de l'image métamorphique de Pinocchio légitime diversement des iconoclasmes, dont la plastique, scandaleusement indifférente. Relier ainsi une plastique de la fragmentation à des visées différentes, c'est indiquer une mobilisation de l'art par des rapports conflictuels"Fragmentation" designates the setting up of a relationship between painting, engraving and serigraphy, modulating a fascination for Pinocchio. "To the eye", "To others", "To the work", "To pleasure", each of these four volumes emphasizes a specific look. To the eye. To no avail : how to silence the comments that the works provoke? To others. The centering of the person is not alien to the exercerbated relationships, murdering and endebted to masters, that monsters indicate. Since invention proves to be made of borrowing, one must substitute for "the author" the praise of exchange, beaux-arts and arts and crafts taken together. To the work. Ergology (in the language and cultural sciences department of the University of Rennes 2) questions the graphic artist since it aims at transposing analogically the language analysis to art. To the reduction of activity to means and ends, to which would correspond painting, engraving and serigraphy-in relationship to Pinocchio - , one must substitute the duality of qualities and quantities in two ways : - through the "fragmenter" : not only is there no "raw material", but the latter is to be considered as a product of an elaboration-fragmenta- tion into useful qualities and utensils; - through the "fragmented" : in parting the fact from the effect, the fabricated from the intention, to recognize the creative potential of implied devices, always selected beforehand and arranged as to operations and tools. To sum up, the productivity of fragmentation lies in the interference of practices politically separated since quality and quantity are undifferentiately productive. To pleasure. Investments of affectivity in active conduct, more than in spoken conscious- ness, the fragmentation devices are therefore composed of ruptures and sutures. In the face of the emptiness of the excision, the questioning is modulated between the reticence of the engraver and the gluttony of the painter. No longer the "meaning", but the loss to be renewed of the metaphoric image of Pinocchio, diversely legitimates the iconoclasms, among which are graphic arts, scandalously indifferent. To link thus an esthetics of fragmentation to dif- ferent aims, is to stress a mobilisation of art through conflicting relationships
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Ogier, Monique. "La Theotokos dans l'art byzantin : recherche sur l'iconographie des origines jusques après l'iconoclasme : aspects artistiques, religieux et politiques : rupture avec le paganisme et originalité chrétienne." Lyon 3, 2003. http://www.theses.fr/2003LYO31011.
Full text
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Carbonne, Sabine. "L'iconographie mariale dans l'orfèvrerie rhéno-mosane du XIe au XIIIe siècle." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/1999PA040094.
Full textAbstract:
L'observation des figures mariales dans l'iconographie des pièces d'orfèvrerie de la région rhino-mosan, berceau de l'empire permet de remarquer la place prépondérante de l'image de la Vierge à l'Enfant Reine et son association fréquente à celle de l'empereur. Liturgie impériale et liturgie mariale ont été rapprochées pour exalter le pouvoir de l'empereur, nouveau Christ , fils de Marie et pour donner à l'impératrice mère et épouse protectrice des sujets de l'empereur Marie reine. Elle accorde une place semblable à Marie médiatrice et à l'impératrice. L'image de Marie reine reflète la conception des pouvoirs et les rapports sociaux d'une société ordonnée. Elle exprime aussi les prétentions politiques de l'empereur face à celles du pape. Son association avec l'image impériale se place dans un contexte où se définissent les pouvoirs temporels et spirituels. Le thème de la Mère de Dieu Reine cependant, nous semble prépondérant parce qu'il correspond à la tradition de l'enseignement de l'Eglise. C'est dans cette tradition théologique et liturgiques que les causes profondes du choix du thème de Marie Reine Vierge à l'Enfant peuvent être découvertes. Elle explique le caractère " classique " de notre iconographie dont les spécificités cependant ont pu être dégagées en la comparant à ses modèles byzantins et romains et à une iconographie mariale et royaleThe observation of Marian figures in the iconography of goldsmiths 's work of the Rheno-Mosane region, the cradle of the Empire, allows to note the paramount place of the image of Mary as Virgin Mother and Queen and its frequent association with that of the Emperor. Imperial liturgy and Marian liturgy have been drawn together to exalt the power of the Emperor -the new Christ, the son of Mary- and to give Mary as a model for the Empress -mother and protecting wife of the Emperor's subjects. Thus, the iconography associates the glory of the Emperor with that of Mary, Queen of Heaven. It bestows a similar status to Mary mediator and to the Empress. The image of Mary as Queen reflects the conception of powers and social relations of an ordered society. It also expresses the political pretentions of the Emperor faced with the Pope. The association of the Marian with the Imperial image puts it into a context where spiritual and worldly powers are defined. However, the theme of Mary as the Mother of God and Queen seems to us to be paramount because it is in line with the traditional teaching of the Church. It is in this theological and liturgical tradition, that the underlying reasons for the choice of the theme of Mary as the Virgin Mother and Queen can be discovered. It explains the "classical" nature of our iconography, the specific characteristics of which have nevertheless become apparent by comparing it to its Byzantine and Roman models and to a Marian and royal iconography
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Falcón, Díaz-Aguado Laia. "La representación de la mujer con poder en las artes y la ficción : Cleopatra : un ejemplo para al análisis intertextual." Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030143.
Full textAbstract:
Certains personnages, habituellement éloignés des questions importantes de notre vie quotidienne, acquièrent cependant une présence très puissante dans les narrations et les images artistiques que nous choisissons pour accompagner notre vie. En apparence, certains d’entre eux ne sembleraient pas représenter une partie importante de notre hérédité philosophique, culturelle ou politique, cependant ils s'installent fortement dans l’imaginaire collectif en faisant que, d’une génération à l’autre, nous les choisissons comme les porteurs des énoncés qui nous définissent comme des individus et des groupes sociaux. Cette investigation s’est interrogée sur ces processus et a été réalisée par la coordination de deux champs disciplinaires : les études de la Communication et la Sociologie de l'Art. Ainsi nous partons d'un double intérêt autour de ce type de personnages évoqués par l'art : approfondir l'analyse de sa construction textuelle et analyser la relation entre ces traits que l'auteur définit pour le personnage et ceux du groupe social spécifique pour lequel il l'a créé. Orientés par cette double recherche, nous choisissons un type de personnage dont l'analyse nous semblait spécialement intéressante et nécessaire : nous considérons que les personnages qui représentent la femme avec un fort pouvoir social et politique constituent un corpus très important qui réclame l'investigation coordonnée des différentes Sciences Sociales. Afin de poursuivre cet objectif, nous décidons de choisir un motif constant représentatif de ce type de personnage et d’analyser et comparer les traits et les discours écrits à son propos par les différents groupes sociaux qui l’ont représenté artistiquement. L'exemple qui nous a semblé le plus adéquat a été Cléopâtre VII : la dernière représentante de l'Égypte pharaonique et l'un des personnages féminins les plus cités, tant dans l’historique des femmes gouvernantes que dans l’imaginaire artistique et populaireThere are certain characters that, even if they are not strongly linked to our day by day’s issues, obtain an extraordinary presence in our shared narrations and artistic images. They may not seem to represent important elements of our philosophical, cultural or political heritage, but they still play a key role in our collective references: we choose them, from generation to generation, as vehicles of our individual and social identities. During these last years as doctoral researcher at the universities Sorbonne Nouvelle and Complutense, I have studied these cultural processes through a singular case: “The cultural representation of the woman in power in Art and Fiction’s characters. Cleopatra: an example for the intertextual analysis. ” This research has been carried out through the coordination of two disciplinary fields -Communication Sciences and Sociology of Art- and has focalised on the analysis of a very specific sort of character: the cultural portraits of female social leaders made by art and fiction. With this purpose, we have chosen a single example to analyse it in its different historical, aesthetic and artistic representations: Cleopatra VII, the last leader of the Ancient Egypt and certainly one of the most popular historic feminine motives among artists and audiences
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Lafran, Anne. "Entre ciel et terre : exègèse, symbolique et représentations de la pendaison de Judas Iscariote au Moyen-Age (XIIe-XIVe siècles)." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040228.
Full textAbstract:
Épisode anecdotique du Nouveau Testament, la pendaison de Judas s’est imposée dans la tradition patristique comme un thème récurent. Au Moyen Âge, le suicide est condamné comme péché par l’Église et comme crime par les pouvoirs civils ; il est un tabou, qui n’a pas encore de nom. Le suicide de Judas, au contraire, parce qu’il est symbolique et exemplaire, est commenté, interprété et représenté. Il témoigne de l’hostilité généralisée des mentalités médiévales face à la mort volontaire, la « male mort », mais aussi de la stigmatisation de ceux qui se sont désolidarisés du corps social et des valeurs chrétiennes et qui sont voués à la même mort que Judas, perçue non plus comme suicide mais comme châtiment. Cette étude se propose d’explorer les représentations, les interprétations du suicide de Judas et leur déclinaison et de montrer comment ce thème sert, au-delà de la condamnation du suicide, l’effort de normalisation de la société, la construction des pouvoirs civils, la montée de l’antisémitisme, tout en témoignant aussi d’une meilleure connaissance de l’intériorité, caractéristique de l’Humanisme médiévalJudas’ hanging, anecdotal episode from the New Testament, asserted itself as a recurrent topic in patristic tradition. During the Middle Age, suicide is reproved as a sin by the Church and as a crime by civil authorities ; it is a yet nameless taboo. On the contrary, Judas’ suicide, because it is symbolic and exemplary, is annotated, interpreted and pictured. It shows general hostility from medieval mentalities towards self-willed death, the “male mort”, as well as stigmatization of those who have dissociated from social entity and Christian moral values and who are doomed to the same death as Judas, not anymore considered a suicide but a punishment. The present study has in view to explore Judas’ suicide pictures, interpretations and their declensions and to point out how this topic serves, beyond suicide’s condemnation, the society normalisation effort, the civil authorities’ construction, the anti-Semitism rising, while showing a better knowledge of interiority, characteristic of medieval Humanism
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Limardo, Elisabetta. "Esther : motifs iconographiques chrétiens et juifs XVIe-XVIIe siècles." Paris, EPHE, 2002. http://www.theses.fr/2002EPHE5009.
Full textAbstract:
La thèse se compose de trois parties. La première contient un état de la question critique des recherches, juives et chrétiennes, sur Esther. La deuxième partie comprend l'analyse des sources bibliques - Bible dite des Septante, Vulgate, Targumim - des sources post-bibliques - Flavius Josèphe, Midrashim et Josippon - et un approfondissement sur le livre d'Esther dans l'exégèse chrétienne et hébrai͏̈que. La troisième partie développe les thèmes historique et iconographique. La problématique historique est axée sur le marranisme, phénomène qui peut être envisagé à la fois comme la cause et l'effet des entrelacs culturels juifs et chrétiens dans l'iconographie. L'étude iconographique rapproche un certain nombre de cycles, affronte les problèmes d'interprétation de l'histoire et en analyse les valeurs symboliques. Elle se complète par une analyse spécifique d'un cycle français, dessiné par Antoine Caron et gravé par Denis de Mathonière (1572-1582). Une ample bibliographie, les planches des images, deux annexes composées d'une table comparative des cycles choisis et d'une série de tables iconographiques complètent l'ouvrageThe thesis is composed by three parts. The first contains a state of the art of the Jewish and Christians researches about Esther. The second part consist of the analysis of the biblical sources - Bible of the LXX, Vulgate, Targumim -, of the post-biblical sources - Flavius Josephus, Midrashim and Josippon -, and a chapter about the book of Esther in the Christian and Jewish exegesis. The third part develops the historical and iconographical themes. The historical background is focused on the phenomenon of the Marranos, that may be considered as the cause and the effect of the presence of Jewish and Christian elements in the same image. The iconographical study is focused on a certain number of cycles ; it faces the problems of interpretation of the story of Esther and analyses its symbolical values. It is completed by a specific analysis of a French cycle, drawn by Antoine Caron and engraved by Denis de Mathonière (1572-1582). The work is completed by an ample bibliography, a series of representative images and two annexes containing a comparative file of the chosen cycles and a series of iconographical datas
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Leroux, Xavier. "Edition critique et commentaire du Mistere de la conception : (Chantilly, ms. Condé 616)." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040047.
Full textAbstract:
L'édition critique et commentaire du Mistere de la Conception (Chantilly, ms. Condé 616) contient la transcription intégrale d'un mystère anonyme de la fin du XVe siècle conservé dans un seul manuscrit. Il est organisé en trois parties et compte 12000 vers. Ce texte dramatique, complètement original, raconte l'histoire de la Vierge Marie, depuis sa naissance jusqu'à la conception virginale du Christ. La langue est marquée par plusieurs traits régionaux propres à l'occitan ou au francoprovençal. La versification du texte est irrégulière. L'étude de la mise en scène du mystère fait apparaître un dispositif scénique complexeThe edition and commentary of the Mistere de la Conception (Chantilly, ms. Condé 616) contains the integral transcription of an anonymous mystery of the late fifteenth century, kept in an unique manuscript. It is organized in three parts and contains 12000 verses. This dramatic text, completely original, tells the story of the Virgin Mary, from her birth to the virginal conception of Christ. The language is influenced by several aspects from occitan and francoprovençal. The versification of the text is irregular. The analysis of the staging of the mystery reveals a complex organization
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Raducanou, Catherine. "La capacité de la mère à se séparer de son enfant : approche clinique, littéraire et iconographique." Paris 7, 2011. http://www.theses.fr/2011PA070122.
Full textAbstract:
Mère manquante ou mère absente ? Qui est la mère ? Où est-elle ? Qui la nomme et qu'est-ce qui la désigne? Qui est-elle qui prépare ainsi l'enfant à la vie dans ce don inouï qu'est l'acceptation de l'inévitable séparation? Mère qui doit se préparer à n'être plus convoquée qu'au passé, au doux temps de l'enfance; mère qu'appelle le soldat au moment de mourir sur la terre de ce combat livré pour une patrie qui pour être mieux défendue se qualifie elle-même de « mère ». La mère sans aucun doute est une femme qui pleure; Est-elle encore humaine ou à mi-chemin entre la femme et la divinité ? c'est la mère de l'Annonciation. L'Annonciation annonce la naissance du Christ en même temps qu'elle préfigure le drame de Passion et de sa mort. Pascal Quignard tout au long de son oeuvre, nous a habitués à lier l'objet d'amour maternel, son manque cruel et les abysses dans la dépression, de l'anorexie et du silence. La mère absente ne permet pas la séparation salutaire; il ne peut y avoir de séparation là où il n'y a pas eu rencontre. Chez tout adulte en souffrance de mère, on n'entend plus que le ressassement incessant des reproches, des révoltes et douleurs dans un long procès dont on ne sait plus bien qui, de la victime ou du coupable attend de l'autre le pardonMissing mother or absent mother? Who is the mother? Who names her and what designes her? Who is she who prepares the child for life with the amazing gift of accepting the inevitable separation? She is the mother who must brace herself to be ever after conjured up in relation to the past and the sweet times of childhood only. She is the mother whom the dying soldier calls on | the ground of the battle waged in the name of the land that, in order to be most defended, calls itself »motherland ». The mother is indubitably a woman in tears. She is the mother of the Annunciation. The Annunciation announces the birth of the Christ, at the same time, foreshadows the tragedy of the Passion and of his death. The reader of Pascal Quignard 'works is accustomed to Connecting the object of maternal love and the cruel lack of it with the depths of depression, anorexia and silence. The adult overwhelmed by the absence of the mother voices over and over the reproaches, the rebellions and the pain during a trial where no one knows exactly who- the victim or the guilty party-expects forgiveness from the other
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Gîrleanu-Guichard, Ana-Maria. "Négation et transcendance dans l'œuvre de Christian Gabrielle Guez Ricord." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040162.
Full textAbstract:
L'œuvre - littéraire, graphique, picturale - de Christian Gabrielle Guez Ricord est abordée dans ce travail à partir de ses propres sources littéraires et philosophiques (romantisme, courants mystiques et ésotériques des trois monothéismes) mais aussi artistiques (Annonciations italiennes, gravures alchimiques, icônes byzantines). Constitutive de l'œuvre, l'expérience de l'Ange ne peut se dire que par le négatif. Ce travail analyse successivement les modalités expressives qui permettent à l'indicible et à l'invisible d'accéder à la représentation. L'ouverture opérée vers ce qui échappe à toute nomination par la deixis discursive et l'emploi spécifique du préfixe "trans-", l'exploration de la valeur cryptique du signe, l'éclosion de la vision symbolique grâce à l'imagination créatrice déplacent sans cesse les frontières du figurable et du lisible. Centre irradiant de l'œuvre, l'Annonciation fonde le "non-lieu", la scène énonciative nécessaire à une parole rituelle, créatrice et efficace. Un dossier iconographique et une monographie critique complètent les analysesThis work deals with Christian Gabrielle Guez Ricord's literary, graphic and pictorial oeuvre starting not only from its own literary and philosophical sources (Romanticism, mystical and esoteric traditions of the three monotheisms), but also artistic ones (Italian Annunciations, alchemical engravings, Byzantine icons). Part and parcel of Guez Ricord's oeuvre, the Angel experience can only be rendered by the negative mode. Our work analyses successively the expressive modalities through which the unsayable and the invisible gain access to means of representation. Several techniques used by Guez Ricord relentlessly push the boundaries of the figurable and the legible: the use of discursive deixis and of the prefix "trans-" which point to what cannot be named, the exploration of the cryptic value of the sign, the emergence of the symbolic vision owing to creative imagination. At the heart of the oeuvre lies the scene of the Annunciation which is turned into a "non-place", an enunciative scene indispensable to ritual, creative and efficient speech
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Beaudet, Pascale. "L'effet Judith : stéréotypes de la féminité et regard de la spectatrice sur les tableaux d'Artemisia Gentileschi." Rennes 2, 2001. http://www.theses.fr/2001REN20038.
Full textAbstract:
Artemisia Gentileschi est l'une de ces femmes artistes qui a failli disparaître de l'histoire de l'art. Un changement dans le goût ou une quelconque destruction complète des archives ne sont pas en cause ; c'est le système sexué (sex-gender system) qui sous-tend la discipline de l'histoire de l'art qui a contribué à son effacement. Le canon de l'histoire de l'art, parce qu'il est partie du système sexué, met les femmes artistes systématiquement à l'écart. Le cas de Gentileschi est exemplaire et subsume tous les autres cas dans la mise à l'écart des XIXe et XXe siècles. Il faudra attendre la deuxième moitié du XXe siècle pour que les historiens et surtout les historiennes de l'art féministes redécouvrent le femmes artistes du passé. Deux tableaux représentant Judith et Holopherne, qui ont été déterminants pour la connaissance de ce peintre, sont des oeuvres paradigmatiques notamment parce qu'elles ont provoqué des réactions extrêmes, de l'admiration au rejet. Gentileschi a traité ce thème baroque, la décapitation d'un homme par une femme, de façon paroxystique. Sur ces tableaux repose à la fois une réflexion sur la fortune critique de ce peintre et sur la place de la spectatrice. Et si l'ombre, qui occupe une grand place dans les tableaux de Gentileschi était la métaphore de la féminité? L'analyse de discours, de même que la psychanalyse et la sémiotique de l'image, sont les outils rhétoriques à la base de ce travail, qui appelle des modifications en profondeur du canonArtemisia Gentileschi is one of those women artists who nearly disappeared from art history. It is the sex-gender system subTending the field that is responsible for this near disappearance, not a change in taste or a destruction of the archives. The canon, being part and parcel of the phallocentric system, systematically puts aside women artists. Gentileschi's case is typical and is representative of the fate that befell all other women artists in the 19th and 20th centuries. The world will have to wait until the second half of the 20th for art historians -especially feminist ones- to rediscover women artists. Two works representing Judith and Holofernes, which played a pivotal role in understanding this artist, are paradigmatic because they evoked extreme reactions, ranging from admiration to rejection. Gentileschi handled this baroque theme -the decapitation of a wan by a woman- in a paroxysmal manner. These works are the locii where a reflection on the critical corpus and the place of the female spectator meet. And what if shadow, which plays such a great role in Gentileschi's works, were a metaphor for women? Analyse de discours, psychoanalysis and image semiotics form the theoretical basis of this thesis which calls for a profound modification of the canon
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Legendre, Agathe. "Le mobilier funéraire d'Hector de Troie dans les enluminures médiévales : entre traditions et merveilles." Master's thesis, Université Laval, 2021. http://hdl.handle.net/20.500.11794/69525.
Full textAbstract:
Le personnage d'Hector, guerrier troyen, est aussi l'un des Neuf Preux ayant marqué l'imaginaire de l'aristocratie laïque du Moyen Âge. Le héros, malgré sa mort prématurée dans le récit, joue un rôle de premier plan dans le Roman de Troie. Écrit vers 1160 par le clerc français Benoît de Sainte-Maure, ce texte appartient à la catégorie des romans antiques qui se développe au XIIe siècle en reprenant des textes épiques de l'Antiquité. Les romans antiques se caractérisent notamment par la présence d'ekphraseis qui relèvent du topos littéraire de la merveille médiévale, particulièrement apprécié au sein de l'élite laïque. Le Roman de Troie constitue en quelque sorte le fondement sur lequel se basent plusieurs autres auteurs de la fin du Moyen Âge pour remanier la matière troyenne, qui relève évidemment du monde païen. De cette tradition littéraire, nous avons choisi de traiter du motif ekphrastique de l'exposition du cadavre d'Hector dans son tombeau merveilleux. Ce motif a été enluminé à plusieurs reprises et ce, dans divers manuscrits datant de la période allant de la fin du XIIIe siècle au début du XVIe siècle. Le but de notre recherche est d'interroger, dans la logique de la relation image-texte (approche), la nature de la relation entre la représentation iconographique et sa description en réfléchissant aux relations entre les traditions funéraires de l'Occident chrétien et le topos littéraire de la merveille. En d'autres termes, nous tentons de cerner les « solutions » choisies pour négocier les tensions entre la tradition chrétienne et l'imaginaire profane (problématique). Le premier chapitre est dévolu à la présentation de notre corpus varié, à l'élaboration du bilan historiographique et à la présentation de la méthodologie, soit une analyse sérielle d'un corpus d'images tendant vers l'exhaustivité. Dans le deuxième chapitre, nous interrogeons la première sous-catégorie de notre corpus : plusieurs enluminures évacuent le tombeau au profit d'un cercueil conventionnel. Nous démontrons que ces représentations, dans l'optique d'une économie du processus de création, s'inscrivent dans l'iconographie et la réalité des rituels chrétiens traditionnels. Le troisième chapitre concerne la deuxième sous-catégorie de notre corpus, soit les enluminures qui figurent directement le tombeau ekphrastique. Elles sont le fruit de processus de création diversifiés et inventifs, dont la majorité produit des représentations à caractère hybride. Ces dernières font coïncider la typologie réelle des monuments funéraires et les données merveilleuses de l'ekphrasis en soulignant la symbolique princière, sainte et païenne du héros. Quelques tombeaux enluminés prennent aussi une apparence inédite. Nous observons que, dans l'ensemble, l'origine géographique des oeuvres a une influence importante sur le rendu iconographique du tombeau et des personnages. Enfin, l'ultime chapitre se concentre plus spécifiquement sur le cadavre exposé d'Hector et/ou son effigie ressemblante. Nous avons l'intuition que les représentations enluminées ne sont pas étrangères à certaines conceptions symboliques du corps (ou de sa représentation) au Moyen Âge. Tout en démontrant que notre corpus reflète les mondes religieux, politique, culturel et imaginaire de ses producteurs, nous contribuons à la recherche encore naissante sur l'iconographie du topos littéraire de la merveille médiévale.
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Achard, Madeleine. "« Cette femme était très belle… ». La postérité de Bethsabée dans la littérature et les arts." Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL094.
Full textAbstract:
Nous avons aspiré à mettre à lumière à travers ces travaux la façon dont la figure de Bethsabée fut appréhendée, interprétée et représentée dans la littérature et les arts, de la Bible à nos jours, à travers un choix d’œuvres varié. À la fois diachronique et comparatiste, la perspective que nous avons suivie repose sur la mise en regard du texte et de l’image ; elle est également fondée sur le rapprochement d’œuvres littéraires d’époques et de langues diverses, de façon à dévoiler les chaînes interprétatives qui se sont élaborées et répondues au fil des siècles autour de celle qui fut successivement la femme d’Urie, l’amante de David, la mère de Salomon et l’ancêtre du MessieThis thesis of French and comparative Literature aims at highlighting the way the biblical figure of Bathsheba was perceived, interpreted and depicted in Literature and Arts, from the biblical backgrounds to our days, throughout a selection of various works. Both diachronic and comparatist, our analysis is mainly based on the parallel view of texts and images. It also lies on the simultaneous analysis of literary works belonging to different times and languages, in order to enhance the traditions which progressively emerged and responded to one another throughout the centuries about a woman who, in a single lifetime, was the wife of Uriah, the lover and spouse of king David, the mother of his son Solomon and one of the most subversive ancestors of Jesus Christ
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Ferraro, Séverine. "Les images de la vie terrestre de la Vierge dans l'art mural (peintures et mosaïques) en France et en Italie : des origines de l’iconographie chrétienne jusqu’au Concile de Trente." Thesis, Dijon, 2012. http://www.theses.fr/2012DIJOL033/document.
Full textAbstract:
Ce travail de thèse est consacré aux images murales de la vie terrestre de la Vierge, une séquence iconographique composée de l’histoire de la jeunesse de Marie et des épisodes de la vie du Christ auxquels la Vierge est associée, jusqu’à la Pentecôte. La recherche s’inscrit dans un cadre chronologique étendu, depuis le premier art chrétien jusqu’au concile de Trente. Elle repose sur une abondante documentation iconographique qui comporte plus de 2300 images, peintures et mosaïques murales, conservées en France et en Italie. La première partie du mémoire est consacrée à l’analyse quantitative de la documentation iconographique, selon un triple point de vue. Une analyse thématique permet de déterminer trois séquences chronologiques dans le déroulement de la vie terrestre de la Vierge, tout en précisant l’importance quantitative de chacun des thèmes iconographiques étudiés. Une analyse de la répartition géographique des différents sites de conservation répertoriés révèle des caractéristiques spatiales propres à chacun des territoires étudiés, en lien avec l’histoire locale. Enfin, une analyse chronologique permet d’intégrer les images murales recensées aux grandes phases de l’histoire de l’art, tout en mettant en lumière les décors les plus emblématiques. La seconde partie du mémoire est dédiée à l’enquête iconographique à proprement parler. En forme de préambule, les différentes sources textuelles utilisées dans le cadre de cette recherche sont présentées. Elles ont été regroupées en trois catégories : les sources canoniques, les évangiles apocryphes et les textes médiévaux. L’analyse iconographique des différents thèmes qui composent la vie terrestre de la Vierge s’organise autour des trois séquences qui ont été déterminées : les épisodes qui précèdent la naissance du Christ (jeunesse de Marie et Incarnation), ceux de l’Enfance de Jésus (de la Nativité à Jésus parmi les Docteurs) et ceux de l’âge adulte du Christ dans lesquels Marie joue un rôle (des Noces de Cana à la Pentecôte). Cette analyse a pour objectif de déterminer les éléments constitutifs des différents thèmes iconographiques étudiés, de mettre en place une typologie propre à chacun, en soulignant les constantes et les points de rupture. La mise en exergue des liens qui existent entre les images et les sources textuelles constitue également un enjeu prioritaire de cette recherche. Des questions transversales, relatives au développement d’une iconographie proprement mariale, aux processus de diffusion des images, à la perception de la figure mariale comme un modèle édifiant et à l’étude du rapport entre les images et les textes ou leur emplacement dans l’espace ecclésial sont présentées sous la forme de réflexions conclusives. En parallèle, une sélection d’images murales de la vie terrestre de la Vierge, choisies pour leur exemplarité par rapport à l’argumentation de l’analyse, est présentée sous la forme de trois catalogues correspondant aux séquences narratives déjà évoquées. Ils s’accompagnent d’une bibliographie sélective concernant les différents sites de conservation présentés dans chacun des catalogues. D’autres outils bibliographiques sont mis à disposition dans un volume d’annexes. Un répertoire thématique, récapitulant toutes les images murales qui appartiennent à la documentation iconographique de l’étude, est également fournit en annexeThis thesis is devoted to wall images of the Virgin’s earthly life, an iconographic sequence composed of the young Mary’s history and episodes from Christ’s life which are related to the Virgin, until Pentecost. This research comes within the extended framework from the early Christian art to the Council of Trent. It is based on an abundant iconographic documentation which includes more than 2300 pictures, wall paintings and mosaics, preserved in France and Italy. The first part of the thesis is dedicated to the quantitative analysis of the iconographic documentation, according to a triple point of view. A thematic analysis identifies three phases in the chronological sequence of the Virgin’s earthly life, while specifying the quantitative importance of each of the studied iconographic themes. An analysis of the geographical distribution of different listed conservation sites reveals spatial characteristics which are specific to each territory studied, in connection with local history. Finally, a chronological analysis allows to integrate wall images from great phases of the art history, as well as to highlight the most emblematic decorations. The second part of the thesis is devoted to the iconographic investigation itself. As preamble, the various textual sources used in this research are presented. They are grouped into three categories : canonical sources, apocryphal gospels and medieval texts. The iconographic analysis of different themes about the Virgin’s earthly life are organized around three sequences : episodes preceding Christ’s birth (youth of Mary and Incarnation), those of Jesus’ Childhood (from the Nativity to Jesus among the Doctors) and those of adult Christ in which Mary plays a role (from Wedding at Cana to Pentecost). This analysis’ objective is to determine the different components of studied iconographic themes and to establish their specific typology, while stressing constants and breakpoints. The highlighting of the links between images and textual sources is also a priority of this research. Cross-cutting issues related to the development of Marian iconography itself, the process of images diffusion, the perception of the Marian figure as an edifying model and the study of the link between images and texts or their location in the ecclesial space are presented in the form of concluding reflections. In parallel, a selection of wall images of the Virgin’s earthly life, chosen according to the analysis arguments for their exemplary nature, is represented as three catalogues matching narrative sequences mentioned above. The selective bibliography on the various conservation sites is presented in each catalogue. Other bibliographic tools are provided in appendices volume. A thematic directory, listing all the wall images that belong to the iconographic documentation of the study, is also provided in appendix
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Montemurro, María Laura. "Scuptures de la Vierge à l'Enfant dans les collections publiques de Buenos Aires, XII-XVIème siècles." Thesis, Dijon, 2016. http://www.theses.fr/2016DIJOL023/document.
Full textAbstract:
Dernièrement, les études sur le patrimoine artistique en Argentine ont fait des progrès importants. Notamment, la recherche des collections d’art publiques et privés a bien avancé. Cependant, l’étude des œuvres médiévales a été presque toujours négligée. L’art médiéval en Argentine est rare, si on le compare avec des styles plus modernes. Mais, il s’y trouve de pièces de haute qualité qui sont très peu connues. Puisque l’étude de ces œuvres est nécessaire pour une meilleure appréciation de notre patrimoine artistique, de sa valorisation et préservation, le principal objectif de cette thèse est de contribuer à la connaissance de ce patrimoine. La grande diversité d’œuvres nous demande de définir un corpus qui deviendra notre sujet d’étude. L’iconographie de la Vierge à l’Enfant est plus représentée que d’autres thématiques, c’est pourquoi nous l’avons privilégié. Etant donné que la quantité de sculptures est supérieure à la quantité de peintures, on a opté pour cette seule technique. Finalement, dans un souci de clarté et d’homogénéité on a délimité notre champ d’étude á la sculpture en bois. La grande diversité d’œuvres nous demande de définir un corpus qui deviendra notre sujet d’étude. L’iconographie de la Vierge à l’Enfant a été le premier critère qu’on a suivi pour faire cette sélection d’œuvres. Etant donné que la quantité de sculptures est supérieure à la quantité de peintures, on a opté pour cette seule technique. Finalement, dans un souci de clarté et d’homogénéité on a délimité notre champ d’étude à la sculpture en boisDuring the last years, the building process and history of art collections became a prolific field of study in Argentina. However, research on medieval art in private and public collections in our country received little or no attention. But even if medieval art is considerably less represented than modern styles, there is an interesting amount of high quality medieval pieces exhibited at several museums in Argentina. The main purpose of this thesis is therefore to expand our knowledge of the medieval works of art in public Argentine collections, as related to their origin, dating, interpretation, technique and provenance. These pieces show great diversity of styles, provenance and technique. Such heterogeneity demanded a selection, in order to define a homogeneous corpus of study. Among the many works of medieval art in Argentine museums, the Virgin and Child iconography is the most represented subject - accordingly, that subject has been our first focus of attention. Finally, owing to the abundance of sculpture, we have decided to limit our study to this technique; and in order to give further thematic consistency to our research; we decided to circumscribe our research to woodwork sculpture