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Dissertations / Theses on the topic 'Philosophie de l'art et esthétique'
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1
Collet, Evelyne. "La création comme émergence du possible dans l'art et au dehors." Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010559.
Full textAbstract:
La creation peut-elle etre entendue comme une emergence qui s'exprime par une actualisation qui ne s'epuise pas dans l'effectuation qu'elle produit ? l'emergence est-elle des lors celle de la creation ou bien celle-ci est-elle toujours interiorisee dans son produit qui en represente la possibilite? il semble que la relation creer - cree se marque de ce moment transitoi- re. La relation de l'artiste a son oeuvre instaure un espace tiers qui mediatise le mode de realite dans lequel il est implique ; en cela, il le produit. Le conflit subsistant entre monde connu et monde vecu releve-t-il d'une hierarchisation posee qui maintient la separation de realites des lors antagonistes et qui distribue ce qui est de l'ordre des valeurs de l'instance (la loi) selon une ligne verticale, tandis que ce qui est de l'ordre de la re-production est associe a une ligne horizontale, repre- sentant ce qui se joue a la surface, le represente? mais cette repre- sentation, si elle est sous-tendue par la pensee d'une origine une et statique, n'implique-t-elle pas que ce "represente" se situe lui-meme dans une position d'anteriorite par rapport a celle-ci? l'emergence du possible a-t-elle une valeur teleologique dont la resonance poursuit la determination de l'analogie etablCan creation be seen as a force ("what is possible") which expresses itself through an actualization which can't run out into the "effectuation" it produces ? therefore is emergence from creation or is it always internalized in its production which represents its possibility ? the relationship between the act of creation and creation itself may be marked by this transitory moment. The relation of the artist to his work establishes a "third space" which mediatizes the mode of reality in which it is implied ; he thus produces it. Does the conflict remaining between the known world and the "lived" world reveal a set hierarchical organization which maintains a separation of realities then antagonistic? is creation associated with what remains on the surface? if this representation is subtented by the thought of a one and static origin, does it not imply that the "represented" should be located in a position of anteriority in relation to it? furthermore has the emergence of "what is possible" got a teleological value, whose resonance seeks the determination of the analogy established between creation and the emergence of "what is possible"?
2
Baqer, Ahmed. "Recherches historiques et esthétiques sur l'art à Bahrein." Paris 1, 1992. http://www.theses.fr/1992PA010552.
Full textAbstract:
Dans sa pratique de plasticien, l'auteur a ressenti la nécessité d'acquérir une connaissance approfondie de l'art mondial, en même temps enrichir sa connaissance sur l'art dans cette partie du monde que l'on appelle le golf et plus spécialement au Bahrein. Une nécessité de se pencher sur l'héritage culturel local et contemporain, non seulement dans un contexte local défini, mais aussi dans un contexte plus global, qui global, qui doit tenir compte de liens séculaires existant entre les civilisations de la région ou le Bahrayn apparaitra jouer un rôle capital. La première partie consacrée à la période antique, aborde le temps primordial où émergea dans la région cette notion esthétique d'un monde concret, que l'auteur interroge à partir de la confrontation des données mythologiques avec certaines vestiges archéologiques révélateurs. La deuxieme partie est consacrée à l'étude de l'art de la région depuis l'arrivée de l'Islam jusqu'à l'établissement de l'enseignement au début de ce siècle à Bahreïn. Partant d'une nouvelle définition géographique et historique, il s'attache à mettre en évidence l'importance de la contribution du Bahrayn à la naissance de l'art arabo-musulman. Dans sa mise en perspective de l'art arabo-musulman par rapport à l'art de Bahrein, l'auteur propose de nouvelles interprétations de l'origine de l'esthétique de cet art. Dans la troisième partie consacrée à la période contemporaine, il souligne la rupture déterminante avec le principe de permanence de l'art, la région a basculé dans le modernisme, la quatrième partie, se présente comme un cheminement autobiographiqueIn order to enrich his oven personal creative experience, the candidate presents a comprehensive view on art in this part of the world commonly known as the gulf and moreover, in the candidate's own homeland; bahrain. The special character of this study stems from his intention to present a detailed investigation of the most important developments in the history of art in this region. This detailed investigation aims to give an introductory base to aesthetic concepts and philosophies which have governed the development of local art before the introduction of the contemporary notion of art through the establishment of education in bahrain. The range of questions which arise in relation to the candidate's attempts to reveal the nature of art in this particular area is quite wide. It stretches from those examined in the first and second parts of this thesis which primarily involve questions on the art of one of the earliest civilizations; dilmun, the mythical place of the first "act of creation", identified as bahrain. And laster on, the contribution of bahrain (strategic region) in the birth of the arab-islamic form of art to those examined in the last two parts which involve issues concerning the obstacles to real development in the contemporary local art movement. No previous attempts have been made to analyze these major events in local art nor to assemble them all in one single volume
3
Seyral, Frédérique. "Nouvelles fluidités dans l'art vidéo et la danse : contribution à une esthétique modale." Bordeaux 3, 2008. http://www.theses.fr/2008BOR30066.
Full textAbstract:
A l'image de la forme mouvante du Kata oriental où la manière et l'acte prédominent sur la forme close, certaines oeuvres privilégient le processus et la multiplicité des niveaux de réalité. Ces oeuvres vont à l'encontre du sentiment unitaire, uniforme et consensuel des images produites en grande masse par nos sociétés contemporaines. Dans cet univers du tout visible où l'accession aux biens de consommation rêvés est un nouvel objectif de vie, l'artiste interroge de plu en plus les fux eux-mêmes, questionnant tout autant leur surprenante rapidité, que les fluxions, épachements, stases et autre troubles de la circulation dont ils sont l'objet afin de modifier leur façon de capter et de restituer le monde et de revisiter les principes mêmes de la création. Ces approches fluidiques relayent une certaine pensée philosophique et scientifique, une pensée de la fluence qui voit, dans le mobilisme universel, dans les désirs, les agencements, la mobilité des affects, dans l'analyse des connexions et des conditions énergétiques, une critique de la substance et de la forme et nous amène à penser une esthétique qui serait à envisager en termes de modalité, d'intensité et de potentiel. A travers certains artistes, vidéastes ou chorégraphes, qui travaillent le fluctuant, l'aléatoire, le contingent, la mobilité ds points de vue, la forme en devenir, nous essaierons d'élaborer une topologie des flux en partant des essences vagues et fluentes, puis d'une cartographie nomade et intensive des flux, et enfin, en nous interrogeant sur la dimension temporelle des fluxIn the image of the changing form of Oriental Kata, where the way and the act prevail over the closed form, certain works privilege process and a multiplicity of levels of reality. These works go against the unitary, uniform and consensual sentiment of images that are mass-produced by our contemporary societies. In this all-visible universe, where access to dreamed-of consumer goods is a new life objective, the artist increasingly interrogates the flow themselves, questioning as much their amazing speed as the fluctuations, effusions, stasis and other circulation troubles that affect them, in order to modify their ways of capturing and restoring the world, and to revisit the principles of creation themselves. These fluid approaches relay a particular conception of philosophy and Science, a conception of fluidity that sees, in universal mobility, in desires, orderings, mobility of affects, in the analysis of connections and energy conditions, a critique of the substance and the form and lead us to conceptualise an aesthetic that would be envisioned in terms of modality, intensity and potential. Though the example of some artists, videographers and choreographers working with fluidity, randomness, the incidental, a mobility of viewpoints, and the form in process, we will try to elaborate a topology of flows starting with vague and fluid essences, then with a nomadic and intensive cartography of flows, and finally, by examining the temporal dimensions of flows
4
Tarnowski, Jean-François. "Essai d'esthétique et de philosophie du cinéma pour une théorie générale de l'art cinématographique." Paris 1, 1987. http://www.theses.fr/1987PA010652.
Full text
5
Forestier, Richard. "La théorie platonicienne de l'art comme fondement d'une théorie de l'art opératoire." Tours, 1998. http://www.theses.fr/1998TOUR2019.
Full textAbstract:
Après avoir analysé dans une première partie les fondements de la théorie artistique platonicienne, l'auteur essaie dans une seconde partie de dégager l'originalité du philosophe en étudiant le rôle et l'importance de la tradition et du contexte artistique dans l'œuvre platonicienne. Dans la troisième et dernière partie l'auteur étudie l'opération artistique platonicienne en s'intéressant à l'ensemble des éléments qui contribuent à la détermination et production d'une œuvre d'art. La conclusion montre que la beauté platonicienne est une idée complexe et que les problèmes posés par l'esthétique platonicienne sont fondamentaux dans les théories esthétiques modernesAfter analyzing in the first par the foundations of the Platonician theory of art, the author tries in the second part to show the philosopher's originality by studying the important part played by tradition and artistic background in Plato's works. In the third and last par the author studies how Platonician aesthetics work, by focusing on all the elements that combine/contribute to create a work of art. The conclusion shows that the Platonician concept of beauty is a complex one and that the problems posed by Platonician aesthetics are the foudations of modem aesthetic theories
6
Auzac, de Lamartinie Véronique d'. "Universalité et esthétique : le problème du logos comme métalangage de l'art." Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010605.
Full textAbstract:
Ce travail est une réflexion sur la possibilité de dire l'art de façon rationnelle et critique sans poser le concept (l'universalité du logos) avant les oeuvres. Pour ce faire, il s'est élaboré à partir d'un échantillon de 40 créations des années 90. Les thèses proposées confirment la possibilité d'un discours critique qui se fonde selon Je mode ontologique des oeuvres (le lien qu'elles instaurent entre l'homme et le monde). A ce jour, l'art se distingue par une variété de l'étant: le plasticiel, l'idéel, l'existential et l'imaginai (poétique, ambivalent, psychologique, incohérent). L'existential et l'imaginaire se sont révélés être de l'étant, tandis que le plasticiel relève de l'apparition, de la présence, et l'idéel relève du logos. Un renversement épistémologique a été constaté. Ce sont les créations elles-mêmes qui définissent le domaine rationnel auquel les discours critiques doivent se soumettre. Le passage de l'étant des oeuvres aux langages des oeuvres a été effectué. Nous avons ainsi identifié la prose du plasticiel comme silence sémantique, les thèses de l'idéel, le récit de l'existential et la poésie de l'imaginai, pour aboutir à ce constat: le discours critique doit être un métalangage de l'imaginai comme traduction, un métalangage de l'existential comme commentaire, la prose du plasticiel, et le métadiscours de l'idéel. L'art multiple interdit un concept unique. Le discours, s'il veut être rationnel et dépasser son rôle actuel de travail consensuel doit s'adapter aux modes d'être et aux modes de signifier des créations contemporaines. L'art contemporain montre une richesse créative véritablement unique car il déploie une nouvelle variété dans la liaison qu'il opère entre " ce que nous sommes " et " ce qui est devant nous ". Ce sont justement ces variations que la réflexion esthétique doit prendre en compte. C'est ce qui a été tenté par ces thèses en évitant de poser l'hégémonie d'un concept unique et homogène avant les oeuvres.
7
Oneto, Paulo. "La vie retrouvée : éléments pour une esthétique de l'immanence : thèse." Nice, 2002. http://www.theses.fr/2002NICE2011.
Full textAbstract:
Le moment actuel nous apparaît comme une invitation à repenser la place des arts dans notre vie. Mais peut-être nous faut-il d'abord une ontologie affirmative de l'être et du devenir comme dimensions inséparables (une plilosophie de l'immanence) pour pouvoir entamer cette réflexion sans retomber dans les préjugés d'une certaine tradition "séparatiste" (métapysique). Dès lors, on est en conditions de découvrir l'importance de l'art pour la vie et pour la pensée. Une telle découverte n'est cependant pas possible sans que nous indiquions ce qui fait la singularité de cete activité de création. Ce que nous essayons donc -par-delà les débats sur la soi-disant crise de l'art -, c'est de comprendre le sens propre aux arts pour montrer comment il constitue une affimation directe de l'immanence.
8
Medeiros, Maria Beatriz de. "L'artiste plasticien, sujet et objet de l'art, ses interventions : manie-festa-actions." Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010604.
Full textAbstract:
Cette thèse traite d'une série d'actions artistiques éphémères (performances?) effectuées entre 1982 et 1987 par nous-mêmes, en groupe ou individuellement (avec la participation de musiciens). La question du langage a utiliser pour cette thèse a été souvent posée. Lors de nos actions, nommées manie-festa-actions, nous utilisons un langage de l'ordre du désordre, langage du corps. Non-langage? Nos "manies" sont irréductibles à des mots. Nous cherchons à provoquer l'interrogation par l'entassement de contradictions. L'ambiguïté est notre partenaire. La structure de cette thèse a été conçue comme la structure d'une action: fragments de mémoire, moments-écriture d'ordre très divers, citations introduites au hasard. . . J'ai cherché à créer une dynamique inédite. "C'est le corps qui est conscience" Dufrenne. Quel corps? Quelle est la part de l'érotisme? Acte, plaisir, désir, interdit. Qu'est-ce que la jouissance? La "conclusion" de notre recherche nous mène au silence. Le rire et la fête (festa), l'irrespect et l'ironie nous ont fait réfléchir sur l'utopie. Le silence, le lieu de l "ou" (non) - "topos" (lieu).
9
Gourde, Étienne. "La fin de l'art." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27061/27061.pdf.
Full text
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Verhaeghe, Julien. "Esthétique du flux dans l’art contemporain." Paris 8, 2010. http://octaviana.fr/document/156197480#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
Full textAbstract:
A une époque où la profusion du réel, les échanges accélérés et l’investiture du numérique tiennent lieu de paradigmes, se pose la question de la représentabilité de ce qui semble continuellement se mouvoir, face à des pratiques ou des approches théoriques qui, traditionnellement, investissent le champ de l’immobile. Comment en cela montrer ce qui sans cesse se meut ? Qu’impliquent la nécessité de vivre et de penser le monde selon une relative adéquation ? Partant d’une notion de flux, nous nous acheminerons vers une certaine contemporanéité du monde actuel, interrogeant à partir d’artistes le lien que tissent l’esthétique et le contemporain. Dans un premier temps, l’actualisation de la notion de devenir nous permet de souligner le jeu des contradictions, propices à l’émergence du nouveau et de l’événement. En cela, ce que nous enseignent des artistes tels que Tacita Dean, Darren Almond ou Sam Taylor-Wood, est que le flux s’envisage telle une articulation mouvante, animant différents ordres de grandeur. Dans un second temps, est mise en place une approche cartographique, rendant compte de la reconfiguration des rapports de forces qui, en vertu de l’esprit des « multitudes », nous rappelle que le contemporain est praxis et production. Des artistes tels que Andreas Gursky, Thomas Hirschhorn ou Francis Alÿs nous aideront dans cette voie, insistant sur la dimension articulée, participative, interactive, et en définitive, fluide, de la construction du monde actuel. C’est ce qui nous conduit vers une troisième partie où, de l’esthétique du contemporain, nous aboutissons à un contemporain de l’esthétique, dans sa tension vers une « construction esthétique de la réalité »In a period when the profusion of the reality, the accelerated exchanges and the nomination of the digital technology hold place of paradigms, arises the question of the “representability” of what constantly seems to move, in front of practices or theoretical approaches which, traditionally, invest the field of the immovable. How to show what ceaselessly moves? What involves the necessity of living and of thinking of the world according to a relative adequacy? Starting with a notion of flow, we shall move towards a certain contemporaneousness of the current world, questioning from artists the link that weave the aesthetics and the contemporary. At first, the updating of the notion of becoming allows us to underline the set of the contradictions, convenient to the emergence of the new and the event. In that, what teach us artists such as Tacita Dean, Darren Almond or Sam Taylor-Wood, is that the flow envisages such an unstable articulation, livening up various orders of height. Secondly, is organized a cartographic approach, reporting the reconfiguration of the balance of power which, by virtue of the spirit of the "multitudes", reminds us that the contemporary is praxis and production. Artists such as Andreas Gursky, Thomas Hirschhorn or Francis Alÿs will help us in this way, insisting on the articulated, participative, interactive and after all, fluid dimension, the construction of the current world. It is what what leads us towards the third part where, of the aesthetics of the contemporary, we end in a contemporary of the aesthetics, in its tension towards a " aesthetic construction of the reality "
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Longo, Anna. "Répétitions et simulacres : l'art contemporain entre métaphysique et immanence." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010510.
Full textAbstract:
La thèse recherche se propose de démontrer comment la répétition théorisée par Deleuze correspond avec une certaine ligne de la pratique artistique contemporaine. Cette ligne, qui n'a pas encore été reconnue comme relative à une ontologie immanente, se détacherait d'une autre qui, en revanche, se trouve encore liée à la « répétition du même» et à la métaphysique. Nous croyons être en mesure de révéler qu'à partir des années 1960, une alternative ontologique à la métaphysique commence également à produire ses simulacres capables de renverser, enfin, le platonisme. Nous avons focalisé notre analyse des schémas de répétition sur les œuvres, sur la manière dont les artistes conçoivent la création et sur les constructions théoriques regardant le rôle et la valeur de l'art dans le contexte culturel, social et économique contemporains.
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Raţiu, Dan-Eugen. "Peinture et théorie de l'art au XVIIe siècle : Nicolas Poussin et la doctrine classique." Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010578.
Full textAbstract:
Ce travail propose une analyse de la pensée artistique de Poussin en relation avec la doctrine classique - l'"Ut poesis pictura", l'"Ut rhetorica pictura", le discours académique -, et sa pratique picturale. Les objectifs sont d'éclairer ses caractéristiques et ses enjeux, sa place dans le cadre de la pensée de l'art à l'âge classique et son rôle dans l'émergence d'une nouvelle idée de la peinture. Nous défendons la thèse qu'il s'agit de la réflexion d'un peintre qui, loin d'être soumise aux données historiques et culturelles, mobilise des ressources propres pour adapter d'une manière nouvelles les concepts de la tradition classique et aboutit à redéfinir la nature, les fins et les moyens de son art, les principes de la production créatrice et la bonne manière de considéere les tableaux. Cette interprétation différente de celle avancée par la critique intellectualiste académique ou moderne, permet de reconsidérer le sens des notions de "peinture philosophique" et de "peintre philosophe" quant à Poussin.
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Tirzi, Alain. "La notion de génie dans la philosophie critique de Kant et son rapport à la modernité dans l'art." Nice, 2002. http://www.theses.fr/2002NICE2028.
Full textAbstract:
Plus encore que celle de jugement en général, c'est la notion d'accord indéterminé des facultés (définies comme sources de représentations), c'est-à-dire de jugement réfléchissant, qui est au centre du criticisme, et ce en vue de la forme supérieure d'une faculté définie comme rapport avec un sujet et un objet, tout ceci dans le but de satisfaire un intérêt de la raison. Nous avons essayé de montrer que le génie, dans la philosophie critique de Kant, constituait la condition de possibilité ultime du jugement réfléchissant lui-même et donc de la réalisation du but final dans l'histoire. Ce noyau le plus vivant de l'esprit prend tout son relief mis en rapport avec la modernité dans l'art par quoi nous entendons les oeuvres de toute époque (musicales, littéraires, picturales ou cinématographiques) difficilement récupérables par la culture en tant qu'ensemble d'institutions. Bref, le génie au coeur d'un véritable activisme révolutionnaire.
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Choi, Massart Young-Ju. "Perception et expression de la couleur dans l'art pictural moderne." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010718.
Full textAbstract:
Ce travail porte sur la perception et l'expression de la couleur: y seront envisagées l'expression de la couleur par le peintre et sa perception par le spectateur, mais aussi la couleur telle qu'elle est perçue, envisagée et théorisée par le peintre, et les réactions qu'elle suscite chez le spectateur. Nous avons, pour dégager des constantes, points communs et/ou oppositions, étudié le regard porté sur la couleur par le philosophe, le physicien, l'opticien, le chimiste, le psychologue, pour ensuite envisager le point de vue croisé de l'artiste et du spectateur. La perception de la couleur d'une œuvre picturale s'effectue à partir des connaissances de l'artiste et du spectateur, de leurs émotions, leur histoire propre et de l'Histoire elle-même, au gré des progrès techniques, des modes et modèles dominants. La perception de la couleur apparaît comme un phénomène autant culturel que psychologique et physiologique. Notre perception du réel n'est pas neutre: la couleur n'est pas qu'une donnée s'imposant à nous de façon abstraite et purement physique, elle est aussi, pour le spectateur comme pour l'artiste, une construction intellectuelle et, pour ce dernier, l'expression d'un choix, le résultat d'une recherche, voire l'élaboration d'un système. La couleur nous stimule en permanence, génère de nouvelles interrogations et sensations et peut revêtir de multiples significations. D'où une approche pluridisciplinaire de la couleur, intégrant la science de la couleur, son histoire (vision objective) et sa perception (vision subjective), afin de comprendre et déterminer comment la couleur peut rendre un tableau signifiant et stimulant aux yeux du spectateur.
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Hladik, Murielle. "Traces et fragments dans l'esthétique japonaise : de la ruine ou de l'absence dans l'architecture et l'art des jardins." Paris 8, 2005. http://www.theses.fr/2005PA082536.
Full text
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Beauquel, Julia. "Esthétique de la danse : définitions, expression et compréhension chorégraphiques." Thesis, Université de Lorraine, 2013. http://www.theses.fr/2013LORR0010/document.
Full textAbstract:
Ce travail d'esthétique philosophique est une analyse de l'art chorégraphique.Souvent considérée comme une forme d'expression immédiate et naturelle, la danse est aussi un art dont l'histoire relativement récente, les styles et les contenus thématiques sont riches et variés. Cette paradoxale combinaison de simplicité et de complexité mène à mettre en question nos systèmes théoriques les plus sophistiqués et nos distinctions conceptuelles les plus ancrées.Les avantages et inconvénients de diverses définitions philosophiques de l'art sont examinés, avant d'aborder la question du fonctionnement symbolique et de la réalité des propriétés chorégraphiques. En tant qu'art multiple, la danse représente un défi ontologique. Un chapitre est consacré aux processus créatifs, au statut de la notation et au rapport entre les oeuvres, leurs représentations et leurs interprétations. Après avoir proposé une définition de la danse, le travail étudie le concept d'expression. Outre les états mentaux et les mouvements physiques, l'intention et l'action, la liberté et le déterminisme, les notions d'expressivité naturelle, de technique, de style et de signification font l'objet d'une étude approfondie. Les dichotomies philosophiques traditionnelles se révèlent inadaptées à la danse, laquelle réconcilie la sensibilité et la rationalité, l'émotion et la compréhension, la spontanéité et la délibération, l'activité et la passivité, l'intériorité et l'extériorité, la contrainte et la libertéThis study is a philosophical aesthetic analysis of choreographic art. Often considered as an immediate and natural form of expression, dance is also an art with a relatively recent, rapidly evolving history and varied styles and thematic contents. This paradoxical combination of simplicity and complexity leads to question our most sophisticated theoretical systems and our most apparently obvious conceptual distinctions, in a reconsideration of fundamental philosophical problems.The advantages and drawbacks of diverse definitions of art are examined, before addressing the symbolic functioning and the reality of choreographic properties. As a multiple art, dance is an ontological challenge. A chapter is devoted to the creation processes, the status of notation and the relation between the works and their performances and interpretations. After proposing a definition of dance, the study focuses on the concept of expression. In addition to mental states and physical movements, intention and action, freewill and determinism, the notions of natural expressiveness, technique, style and meaning are studied in detail. The traditional philosophical dichotomies appear to be inadequate to dance, insofar as this art reconciles sensibility and rationality, emotion and understanding, spontaneity and deliberation, activity and passivity, interiority and exteriority, constraint and freewill
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Duperrex, Matthieu. "Arcadies altérées, territoires de l'enquête et vocation de l'art en Anthropocène." Thesis, Toulouse 2, 2018. http://dante.univ-tlse2.fr/id/eprint/11360.
Full textAbstract:
À l’heure présente, la communauté scientifique des sciences de la Terre, dont les travaux permettent de définir cet âge de l’Anthropocène dans lequel nous prendrions désormais pied, se voit rejointe dans sa démarche par des intellectuels, des artistes, des architectes et/ou des activistes. Beaucoup se distinguent par leur intérêt pour l’expérience, par leur goût pour l’instrumentation, les unités de mesure, les observables, les données, les capteurs… En d’autres termes, ils font leur la nécessité de se doter d’un appareil sensible, quel qu’il soit, afin de requalifier la notion de nature. Un « art comme expérience » se présente alors en tant que connaissance par expérimentation d’une situation où l’ontologie de la relation à la nature est perturbée, altérée sinon bouleversée par l’intrusion de nouveaux êtres et par la modification conséquente de l’échelle de perception et d’action des humains. Du fait des distorsions d’échelles et de temporalités impliquées dans la notion d’Anthropocène, cette connaissance ne peut qu’être enquête. Enquête dessinant de nouveaux cosmogrammes… Si le paradigme d’un art d’investigation au sein d’écologies anthropisées prend consistance, alors il nous faudra tout réévaluer de notre approche esthétique et sensible des tremblements du monde…Considering the paradigm of the inquiry (as John Dewey's theory defines it) as a specific framework in arts and design, this research analyses the sense-making capacity of art forms in revealing the Anthropocene. Because humanity enters in the age of the Anthropocene —an age defined by all-consuming modes of production and by deep alteration of the Earth equilibriums—, this research describes the ontological modes and apparatus by which arts reconnect with Nature and felt natural environment. How do practices of art and our ways of interpreting art reflect, reverberate, contest, the ecological realities that we now face, in the age of the Anthropocene?
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Abdelhedi, Hayfa. "La Métamorphose : recherches sur les interfaces entre la création naturelle et la création artistique." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010605.
Full textAbstract:
L'idée qu'on se fait de la métamorphose dans la nature est le fil conducteur de cette thèse. L'espace de création réunit l'art et le vivant, révélant le mystère de la création, celle qui naît du geste de l'artiste et de la nature, jouant ainsi sur l'ambiguïté où la nature se fait art et des œuvres ne font plus penser à de l'art pour ressembler à la nature. Dans cette expérience esthétique, art et nature s'entremêlent constamment. Le lecteur se laissera guider à travers la lecture. Il apprendra à voir la mue du serpent, la ramification de la feuille, la prolifération du végétal, la décomposition des fruits et légumes ou la métamorphose du ver à soie, comme de magnifiques spectacles tout à la fois naturels et artistiques. Ses yeux s'ouvriront aux enchantements d'un monde aussi imaginaire qu'un conte de fée et pourtant aussi réel que la vie même.
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Giroud-Fliegner, Olivier. "La peinture moderne et contemporaine : propositions pour une esthétique de l'erreur." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040198.
Full textAbstract:
On se propose dans un premier temps de faire état du contexte philosophique de notre projet. En effet, la peinture de ce siècle fait l'objet de critiques qui ont comme point commun la question de la mort de l'art. C'est là ce qui fait d'une esthétique de l'erreur un questionnement philosophique. Le choix du terme d'erreur est motivé par la nécessité d'envisager la modernité picturale selon des concepts adéquats. On trouve chez Gombrich et chez Nietzsche une dimension perceptive et opératoire de l’erreur qui va dans notre sens. On construit alors le concept sur la base des analyses de Kant sur le temps et la perception. A cette esthétique transcendantale de l'erreur fait suite une dialectique de la liberté en peinture, issue du statut de l'erreur comme fonction d'une perception erronée. La dernière étape de notre démarche met en perspective le fonctionnement de l'erreur. On voit dans l'art "contemporain" et l'esthétique d’Adorno la perte du sens de la modernité en art, à savoir une attitude spécifique vis-à-vis de la perception; cette perte est accentuée par l'orientation postmoderne de l'art, perspective qui ouvre l'esthétique de l'erreur sur la question du sens de la modernité en artThe first part of our problematics explains the philosophical context of an esthetics of error; indeed, most of the pictorial movements of this century has been criticized as a danger of non-sense in painting. The common point of the critics is also the question of death of art, as a danger to overcome by finding a concept able to establish a logic of modernity in art. We find in Gombrich's and Nietzsche’s texts already a statute of error which confirms our purpose, and makes us enable to build a concept of error, in the second part of our purpose. Thus, error is determined by Kant’s analyses of temporality and perception. And we can define error as a function of an almost "false" perception. As a function, error creates a dialectics of liberty in painting. In the last part of our purpose, we analyze Adorno's esthetics as the loss of the sense of error and modernity, as well as the postmodernist orientation of art, which opens our problem on the question of the sense of modernity in art
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Kuperman, Ruth. "Le tournant du contemporain : les années 1950 et l'art." Paris, EHESS, 2007. http://www.theses.fr/2007EHES0114.
Full textAbstract:
Nous focalisons dans la présente étude un ensemble de transformations que le tableau de peinture a subi au cours des années 1950. Déclenchées par l'insertion de matériaux hétéroclites dans l'espace traditionnellement réservé à la peinture, ces transformations de large impact doivent à notre sens être situées à l'origine de l'éclosion de nouvelles manifestations artistiques dans les années 1960. L'analyse de ces mutations du tableau - dont les mobiles se cristallisent dans l'œuvre de l'artiste américain Robert Rauschenberg - nous aura permis de réévaluer les catégories esthétiques d'un point de vue contemporain, et de forger de nouveaux instruments pour la compréhension de l'œuvre d'art. Le bilan historique exigé remonte à la consolidation du tableau comme espace autonome d'expression artistique et comme appareil du système de l'image, perfectionné au long des siècles depuis la Renaissance, que le tableau mixte contemporain vient précisément évincer par un déplacement radical de son rapport au réel et à la subjectivitéThis study focuses on a group of transformations which affected the picture plane during the 1950s. Set out by the introduction of all kind of materials in the space traditionally reserved for painting, these transformations of wide impact claim to be situated as origin for the burst of new artistic manifestations in the 1960s. The analysis of these mutations - whose essential factors could be found in the work of the American artist Robert Rauschenberg - led us to a réévaluation of aesthetic categories from a contemporary point of view, which provided new instruments for the understanding of the work of art. The necessary historical account brought us back to the consolidation of the picture plane as an autonomous space for artistic expression and as a device for the image system, improved since Renaissance, which would be dismissed by the contemporary combine-painting through a radical shift in its relation to reality and to subjectivity
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Gonthier, Joëlle. "Éléments, l'ambition de l'art et le souci de la formation après Cézanne, Duchamp, Feuys, et leurs célibataires mêmes." Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010545.
Full textAbstract:
Éléments, l'ambition de l'art et le souci de la formation après Cézanne Duchamp, Beuys et leurs célibataires mêmes, explore ce qui s'enseigne et se pratique afin d'esquisser une définition de l'art dont nous sommes les contemporains. Les voies empruntées sont celles des artistes, celles mises en évidence par des analyses issues d'entretiens réalises auprès d'eux et de scientifiques et, enfin, celles issues d'une approche processuelle de la pratique artistique, tant dans son versant de création que dans celui de réception. La première partie définit un corpus en le soumettant à la double épreuve de l'art et de l'éducation. À son terme, il est tangible que l'art -comme la formation- s'empare de tout ce qui le sert, quel que soit le champ initial dans lequel il puise ses moyens conceptuels et matériels. La seconde partie analyse des processus sollicitant, entre autres, la perception, la représentation et la création. Les régimes de la pensée sont interrogés : la formation du concept, l'usage du langage comme le recours à une pensée élaborée grâce aux arts plastiques et à l'écriture. L'étude des fonctions de l'arrangement, de la composition, de l'ordre, du lieu ou de l'espace permet de dégager les gains cognitifs pour la personne et la conquête de territoire bénéficiant à l'art lui-même. La troisième partie reproduit les entretiens. Ils donnent à entendre divergences, nuances ou communauté de vue. A leur suite, le risque pris à la définition de l'art résonne autrement : loin de l'abstraction supposée détachée d'une pratique, la formulation repose sur l'expérience et l'analyse qui en est faite. L'idée de l'art comme une ile perdue et d'un monde à part tombe. La formation devient préparation à l'évènement qu'est l'œuvre.
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Lelièvre, Samuel. "Image et sens dans l'herméneutique et la philosophie de l'art de Paul Ricoeur." Thesis, Paris, EHESS, 2020. http://www.theses.fr/2020EHES0078.
Full textAbstract:
Le projet philosophique de Ricoeur peut être défini comme celui d’une anthropologie philosophique. Dans ce cadre, un rôle central est accordé à l’imagination à partir des ressources de la phénoménologie, de l’herméneutique, et de la philosophie réflexive. La question de l’image demeure pourtant assez mal connue et a été peu explorée ; elle serait même dévalorisée dès lors qu’elle est ramenée au cadre d’une imagination reproductrice, par opposition à l’imagination vive de l’anthropologie ricoeurienne, et en raison de l’insistance sur le rapport langagier au sens. Or, plutôt qu’une opposition entre le plan de l’image et celui du sens, c’est bien une articulation de ces deux plans qui doit être considérée. La question du symbolisme ouverte par Ricoeur depuis sa Philosophie de la volonté sert de point de départ à notre investigation. De cette première herméneutique jusqu’à La mémoire, l’histoire, l’oubli, en passant par De l’interprétation. Essai sur Freud, La Métaphore vive, et Temps et récit, on peut également dire que l’image donne à penser. La question du symbolisme ne peut toutefois être séparée de celle de l’imagination. Il est ainsi nécessaire de relier deux cheminements de la philosophie ricoeurienne à partir de la question du symbolisme, l’un qui s’oriente dans la voie d’une herméneutique – le parcours jusqu’au positionnement fixé par Du texte à l’action –, l’autre qui relie le projet d’une anthropologie philosophique aux champs de l’art et de l’esthétique. Dès lors, notre recherche s’organise autour de quatre parties. Une première partie se concentre sur l’articulation entre la philosophie ricoeurienne de l’imagination et l’esthétique philosophique en abordant la perspective herméneutique comme la condition d’effectivité de cette articulation. Prolongeant cette orientation herméneutique, une deuxième partie cherche à établir un lien entre la conception ricoeurienne d’une herméneutique critique et la question de l’image. Parallèlement au cadre d’une herméneutique critique, une troisième partie s’attache à définir l’imagination comme le lieu d’une médiation entre le plan de l’art et celui de l’expérience en revenant sur la lecture ricoeurienne de la philosophie analytique et plus spécifiquement de la philosophie analytique de l’art. Prenant appui sur les précédentes parties, une quatrième partie considère finalement le champ du cinéma, en articulant des plans ontologique, narratif, et social à une herméneutique philosophiqueRicoeur’s philosophical project can be broadly termed as a philosophical anthropology. Within this context, a main role is given to the issue of imagination through the resources of phenomenology, hermeneutics, and reflexive philosophy. The issue of picture, however, remains quite unknown and has not been much questioned; it might even be undermined by being reduced to the context of reproductive imagination as opposed to that of productive imagination within Ricoeur’s anthropology, and due to the emphasis on the linguistic relationship to sense or meaning. Yet, instead of opposing the plane of picture to the plane of sense or meaning, an articulated connection between those two planes should be sought. The issue of symbolism opened by Ricoeur in his Philosophie de la volonté provides the starting point for our investigation. From that early hermeneutics on to La mémoire, l’histoire, l’oubli, via De l’interprétation. Essai sur Freud, La Métaphore vive, and Temps et récit, one could also consider that picture makes us think. But the issue of symbolism cannot be distinguished from that of imagination. One also has to link two paths of Ricoeur’s philosophy through the issue of symbolism, one that is orientated in the path of hermeneutics – the progression to the standpoint set by Du texte à l’action –, another that links the project of a philosophical anthropology to the fields of art and aesthetics. The research is thus structured around four parts. A first part is focused on the articulated connection between Ricoeur’s philosophy of imagination and philosophical aesthetics by addressing the hermeneutical prospect as the condition for the effectiveness of this connection. Extending this hermeneutical stance, a second part seeks to establish a bond between Ricoeur’s notion of a critical hermeneutics and the issue of picture. A third part, concurrent with the context of a critical hermeneutics, aims to consider imagination as mediating the plane of art and the plane of experience by referring to Ricoeur’s reading of analytic philosophy and, more specifically, analytic philosophy of art. Relying on the previous parts, a fourth part finally addresses the field of film, articulating ontological, narrative, and social layers to a philosophical hermeneutics
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Kim, Sung-Ho. "Communication et esthétique en arts visuels : autour de la communication visuelle démocratique." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010550.
Full textAbstract:
Cette thèse vise à étudier « la communication et l'esthétique en arts visuels» du point de vue d'une « communication visuelle démocratique », Dans la première partie, nous avons analysé la communication non-verbale, cette communication utilisée en arts visuels, à travers la sémiotique visuelle. Enfin, dans la deuxième partie, tout en reconnaissant que l'esthétique de la réception, son objectivisme devenant subjectivisme, a joué un rôle essentiel dans le cadre de la communication visuelle démocratique, nous avons recherché ce qui fait défaut à cette esthétique de la réception. Notamment, nous avons étudié une méthodologie concrète et adéquate à la théorie de « la communication visuelle démocratique» qui peut être appliquée à une communication réelle en arts visuels contemporains et cela, en proposant comme modèle intégral: « la critique d'art mineure». Ainsi, notre recherche contribue à l'élaboration d'une esthétique communicationnelle, sociologique et politique.
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Bonnet, Éric. "De l'arc comme variation du champ pictural." Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010677.
Full textAbstract:
Interroger les rapports et les interactions de l'arc et du champ pictural: génération, désignation, variation, sont les objectifs de cette thèse. Dans la mise en place de dualités, opposant la tension d'une ligne cursive et séparatrice, à l'intensivité d'un fond monochrome et sorud, ce dernier est identifié à l'écran d'oubli, et suscite l'anamnèse. L'écriture d’Edmond Jabes vient, en écho de cette deuxième dualité, ouvrir un dialogue entre texte et peinture. La mise en évidence du champ pictural conduit l'auteur à interroger cette notion dans son extension et sa profondeur, comme porteuse de tensions potentielles et de contradictions susceptibles de générer un nouveau type d'espace : la profondeur plate, caractéristique de l'espace Pollock ou de certaines œuvres de Mondrian. Monet, Bonnard, Malevitch, Strzeminski, Tal Coat et Ryman sont étudiés dans cette perspective. Les notions d'espace lisse et d'espace strie, chez Deleuze et Guattari, apportent un éclairage sur les conflits internes du champ, comme opposition entre la désignation concrète des termes du tableau, et la perte des repères, le trouble de la surface. La courbure de l'arc est la figure et l'opérateur de ces perturbations, ouvrant a de nouveaux champsInterrogate the connexions and the interactions between arc and painting field : generation, designation, variation, are the objectives of this thesis. The setting up of dualities, opposing the cursive and separative line tension, to the non-tensivity of a monochromatic and hollow ground, the latter is identified to the forgetfulness screen, and arouses remembrance. Edmond Jabes's writing comes, as an echo of this second duality, to open a dialogue between text and painting. The focusing on painting field leads the author to interrogate this knowledge in its extent and its depth, as a carrier of potential tensions and contradictions generating a new model of space : the flat depth, characteristic of Pollock's space, or of several Mondrian's works. Monet, Monnard, Malevitch, Strzeminski, Tal Coat and Ryman are studied in this prospect. The knowledges of soft space and striated space, with Deleuze and Guattari, carry a lighting over internal conflicts of the field, as opposition between concrete designation of the painting's terms, and the loos o f marks, the surface desorder. The arc curve is the figure and the operator of these disturbances, opening to new fields
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Guetemme, Geneviève. "Les barrières du désir : le corps et ses limites." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010546.
Full textAbstract:
Comment l'être se présente-t-il face à l'autre? La question est ici envisagée à travers l'analyse d'un ensemble de compositions qui figurent des corps humains, entiers ou partiels, dont l'épaisseur et le rapport au cadre sont toujours mis en valeur. Ces compositions proposent une approche particulière du corps humain, du tableau, de la notion d'espace et de l'acte pictural. Le corps et le tableau sont appréhendés comme des ensembles spatialisés, solidement contenus, mais toujours tendus vers une extrême limite au-delà de laquelle tout devient autre et par là-même dangereux et fascinant. Il s'agit de rester sur le bord. Blocage "à la limite" que des dispositifs plastiques tels que le gras, l'enchevêtrement textile, le nœud, la condensation ou la série rendent nettement en donnant une cons orce et leurs moyens de pression. En fait, elles sont liées à l'humanité, a l'origine et à la fin de tout être. Elles parlent de l'homme comme d'un système de bords face à d'autres bords et présentent la peinture, elle-même fondée sur un ensemble de séparations, comme le mode d'expression le plus approprie à une transposition de l'être humain et de sa position dans le monde face à ce qui lui est autre. L'être et la peinture sont présentés comme des ensembles suspendus, animés d'un mouvement de va-et-vient entre le désir et la peur : ils ne sont jamais surs de leur propre définitionHow doe the being face the other? This question is dealt with through the analysis of a set of paintings which represent partial or entire human bodies whose thickness and relation to the frame is always emphasied. These paintings suggest a particular approach to the human body, the picture, the notion of space and the pictorial act. The body and the picture are seen as spatialized elements, firmly contained, but always aiming at an extreme limit beyond which everything become "the other" and thus dangerous and fascinating. The aim is to remain on the frontier and plastic means - such as fat, the entanglement of textiles, knots, condensation, or series - clearly convey this by materializing what is on the frontier. The limits are finally studied in themselves, in their flesh, thickness, movements and desires, in a word, in their own existence, strength and means of pressure. In fact, they present man as a system of frontiers opposed to other frontiers and painting (itself based on a set of separations) as the most appropriate way of transposing the opposition between the being (and his position in the world) and the other. The being and the painting are shown as elements suspended in their movement, coming and going from desire to fear. In fact, they never manage to settle their own definition
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Crémézi, Sylvie. "L'élaboration du sens dans la danse contemporaine." Paris 4, 1990. http://www.theses.fr/1990PA040082.
Full textAbstract:
Depuis ces dernières décennies réapparait au premier plan du panorama artistique l'art scénique le plus archaïque qui recouvre sa fonction d'art majeur. La danse contemporaine, géologie de la psychè humaine et des états du corps exprime cette nécessite de renouer avec la sacralité cosmique le mouvement danse est non seulement générateur de sens mais aussi régénérateur - elle rappelle la vertu mythique de la scène, les pouvoirs de communication viscérale et métakinésique du corps dansant, pour que l'homme habite enfin son corpsFor these past ten years, the most archaic scenic art has been again in the fore ground of the artistic panorama and has regained its function of major art today's dance, the geology of the human psyche and of the states of the body expresses this necessity of being bound again with the sacred. The dance movement is not only generator of meaning but also regenerative. Dance reminds one of the mythical virtue of the stage, so that man finally inhabits his body
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Belzil, Normand Carol-Ann. "La praxis éthique et esthétique de la frivolité dans une production sérieuse." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28081.
Full textAbstract:
Par une pratique ouverte et éclectique, j'ai décidé d'orienter mon travail de recherche de maîtrise vers une étude libre du cinéma d'animation. Mon approche de la création est frivole bien qu'elle s'inscrive dans un cadre méthodique et rigoureux. La réalisation de trois films d'animation m'a permis d'analyser le concept de ligne, de construction et de corps afin de tisser des liens avec les autres arts comme la céramique et l'impression numérique. La synthèse de mon travail est présentée dans le cadre d'une exposition à La Bande Vidéo du 13 janvier au 5 février 2017 sous le titre À peu près prêt(e).
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Boucher, Micheline. "L'art et la recherche du sens." Thesis, Université Laval, 2006. http://www.theses.ulaval.ca/2006/23735/23735.pdf.
Full text
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Noury, François. "Duchamp, le regardeur et la scène de l'art : un théâtre dada." Paris 8, 2006. http://www.theses.fr/2006PA083675.
Full textAbstract:
Dada naît sur scène, en cet instant où le poème simultané, dans l’entrelacement imprévisible des voix des acteurs et des spectateurs, dissout la mise à distance signifiante de la représentation au profit d’un autre type de rencontre. Par ailleurs, Marcel Duchamp, fidèle sa vie durant à l’esprit dada, propose dans sa dernière œuvre, « Étant donnés : 1° la chute d’eau, 2° le gaz d’éclairage », un dispositif dont la théâtralité énigmatique invite le regardeur à faire l’expérience de cet autre rapport à l’art. La recherche présente consiste en une approche simultanée du théâtre dada et de la dernière œuvre de Duchamp, visant une éthologie de la rencontre dada. Cette approche théorique est elle-même simultanée à une expérimentation théâtrale effectuée avec des étudiants du département théâtre de l’Université Paris 8 et dont témoigne un film ainsi qu’un recueil de manifestes théâtraux inspirés par dada.
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Troche, Sarah. "Le hasard comme méthode : pratiques et théorisations de l'aléatoire dans l'art et la musique du XXe siècle." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010675.
Full textAbstract:
Ce travail de recherche dégage les enjeux théoriques, pratiques et perceptifs de l'inscription méthodique du hasard dans l'art et la musique au XXe siècle. Distinct du paradigme de l'accident ou de l'esthétique de l'informel. Le hasard est ici envisagé comme un moyen, une discipline à part entière. Nous partons de l'analyse des œuvres, des méthodes et des textes d'une dizaine d'artistes et de musiciens, dont les figures principales sont André Breton, Max Ernst, Marcel Duchamp, Pierre Boulez, John Cage, François Morellet, pour penser le hasard dans sa dimension opératoire : élargir l'invention, explorer consciemment les données inconscientes, produire comme le rêve travaille, déconditionner la perception. Nous étudions les textes que les artistes ont consacrés à la pensée du hasard, en les resituant dans une perspective théorique élargie et en questionnant la façon dont les artistes se réfèrent à la philosophie. Comprendre ce qui est en jeu lorsque Cage assimile le hasard au silence, lorsque Duchamp met le hasard « en conserve» ou que Breton cherche à 1'« objectiver» suppose, dans chaque cas, de restituer un champ théorique qui permet à cette question de se déployer en dehors des oppositions entre ordre et désordre, maîtrise et non maîtrise, souvent associées au hasard. Les artistes étudiés font l'objet d'études de cas, qui sont regroupées au sein de trois paradigmes: altération des liens logiques et exploration de la mémoire : démultiplication des mises-en rapports, prolifération des données au sein de système clos : suspension des systèmes de référence et indétermination.
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Métaux, Sandra. "La désinvolture : Esthétique et éthique de l'art (de vivre) postmoderne. L'art contemporain italien au regard de la "Sprezzata desinvoltura" de Baldassar Castiglione." Thesis, Pau, 2012. http://www.theses.fr/2012PAUU1001/document.
Full textAbstract:
L’Italie, berceau de la sprezzata desinvoltura de Castiglione, est assurément le pays où l’ambiguïté des relations entre art, politique et images médiatiques est la plus forte. Le pavillon Italien des biennales de Venise de 2009 et 2011 illustre ce jeu complexe des apparences, qui « fait des mondes » ou « illumine des nations ». En relisant l’histoire de l’art à travers le prisme du concept de Castiglione, la thèse nous donne à voir que le monde (de l’art) est lui-même l’effet de l’ambivalence de cette désinvolture. Loin d’avoir assujetti l’art à leurs concepts, les grands hommes, qu’ils soient rois, philosophes ou hommes d’affaires seraient des effets de cette désinvolture de l’art. Comme Monsieur Jourdain, ils feraient de l’art sans le savoir. Exit Machiavel ! Il est aujourd’hui urgent de penser cette « ruse de l’art » qui mène le monde. Tel est l’enjeu fondamental de cette thèse qui, s’appuyant sur le schème nietzschéen de l’éternel retour, distingue plusieurs figures de la désinvolture, historiques, philosophiques et esthétiquesItaly, the cradle of Castiglione’s sprezzata desinvoltura, is undoubtedly the country where the ambiguous relationship between art, politics and media is the strongest. The Italian pavilion of the Venice Biennale in 2009 and 2011 illustrates the complex game of appearances, which are “making worlds" or "lighting up nations." Reading again the history of art through the prism of Castiglione’s concept, the thesis shows us that the world (of art) is itself the effect of this “disinvoltura” ambivalence. Far from having subjugate art to their concepts, the great men, whether kings, philosophers or businessmen are the effects of this casualness (“desinvoltura”) of art. Like Monsieur Jourdain, they would make art without knowing it. Exit Machiavelli! It is now urgent to think this "ruse of art" that leads the world. These are the fundamental stakes of this thesis, that basing itself on the Nietzschean eternal return schema, distinguishes several casualness figures, historical, philosophical and aesthetic
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Gagnon, Dominique. "Le paysage et ses rapports avec l'art, la nature et l'environnement." Doctoral thesis, Université Laval, 2020. http://hdl.handle.net/20.500.11794/38740.
Full textAbstract:
Cette thèse/œuvre démontre, dans la partie thèse, comment l’art pictural a joué un rôle clé dans la formation et l’évolution du concept de paysage en Occident de la Renaissance au XXe siècle et comment ce genre pictural a contribué à ancrer notre intérêt pour les paysages pittoresques matériels et leur représentation. L e déroulement de l’histoire du mot « paysage » qui est apparu simultanément dans différentes langues à la Renaissance est d’abord passé en revue. Les différentes théories sur le concept de paysage sont ensuite présentées. Puis les concepts de nature et d’environnement sont développés dans leur rapport avec le paysage. La dernière partie traite du corpus présenté en accompagnement de la thèse, dans le contexte où les arts visuels peuvent à nouveau jouer un rôle à l’époque actuelle pour réévaluer et éventuellement nous aider collectivement à réinventer notre rapport à la nature, au paysage et à l’environnement.This thesis in research/creation will develop in the research portion, how painting has played a major role in the evolution and formation of the concept of landscape in Western civilization, from the Renaissance to the 20th century. It will explain how landscape painting has contributed to our present fascination in the ‘picturesque’ landscape, and its representation. The evolution and transformation of the word ‘landscape’, which emerged simultaneously in several European languages during the Renaissance will be summarized. The various theories on the concept of landscape will be presented, and the concepts of ‘nature’ and ‘environment’ will be developed in relation to the landscape. The last part is dedicated to the body of work linked to this thesis. It expresses how the visual arts may now, as during the Renaissance and several centuries after, play a role in the reevaluation and re-creation of our relationship to nature, landscape and the environment.
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Gampe, Johanna. "De l'esthétique numérique : changements nés de la révolution numérique, vus à travers les études des médias, l'art sonore et la philosophie." Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010549.
Full textAbstract:
Cette thèse explore les nombreux changements nés de la Révolution Numérique à travers l'esthétique. Elle aborde les questions essentielles en trois étapes: le discours, la création et la réception. La première partie rassemble les courants et les mots-clefs qui reflètent le discours principal dans son actualité et son historique. Une étude comparative analyse les approches esthétiques typiques. Que l'on étudie les nouveaux médias, l'art visuel, l'art numérique, le « computer art », l'art de l'information ou l'art du code: on cherche tous à définir les nouvelles qualités spécifiques du médium numérique. La deuxième partie se concentre sur les arts sonores et les drames audio en particulier, mais aborde également la musique assistée par ordinateur. L'attention portée au genre du Hörspiel permet de démontrer comment espace et temps évoluent dans le détail. La mise en place d'une hypothèse de travail portant sur les Sonarios - installations sonores spatiales à interactivité scénique - permet de comparer directement 1'« ancien» genre du Hörspiel au « nouveau» genre des Sonarios, en se fondant sur trois études de cas et un état des lieux de l'art. En outre, elle propose un modèle d'interactivité quantitatif et qualitatif. La troisième partie présente les courants prédominants en philosophie. Elle construit un modèle herméneutique à l'aide de l'ontologie, en commençant par la virtualisation et l'actualisation. Abordant philosophiquement des catégories esthétiques, elle affine ce modèle en y incorporant les découvertes de la deuxième partie. Un modèle graphique de signes algorithmiques, développé en sémiotique et en phénoménologie, est alors intégré au domaine de l'esthétiqueThis dissertation explores the numerous changes arising from the Digital Revolution through aesthetics. It takes on the essential issues in three steps, tackling discourse, creation and reception. The first part assembles trends and keywords that reflect the main discourse, covering both the present and the past. A comparative study analyzes typical aesthetic approaches: whether considering new media art, virtual art, digital art, computer art, information art or code art, it becomes apparent that almost ail approaches seek the specific new qualities of the digital medium. The second part concentrates on sound arts and on audio dramas in particular, but also tackles computer music. The focus on the genre Hörspiel allows demonstration of how space and time change in detail. The setting up of a working hypothesis of Sonarios, defining interactive scenic spatial sound installations, allows the direct comparison of the 'old' genre Hörspiel and the 'new' genre Sonario on the basis of three case studies and a consideration of the state of the art. It, moreover, suggests a qualitative and quantitative model of interactivity. The third part introduces the prominent research sectors of philosophy. Step by step, it constructs a hermeneutic model with the aid of ontology, starting with the processes of virtualization and actualization. Selected philosophical approaches on important aesthetic categories are presented in order to refine and discuss the model, together with an analysis of findings from the second part. A graphical model of algorithmic signs, developed in the context of semiotics and phenomenology, allows the analysis to be embedded in the context of aesthetics
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Eggers, Françoise. "Forme et histoire Sur la théorie de l'art de Max Raphael (1889-1952)." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040188.
Full textAbstract:
Le théoricien et philosophe de l'art Max Raphael (1889-1952) a légué une œuvre d'une très grande richesse. Pourtant seule une infime partie de ses écrits a été publiée de ses écrits aussi bien en Allemagne qu'en France et aux Etats -Unis où il résida successivement. L' objectif de cette recherche est de montrer la cohérence de son œuvre à première vue éclectique, explorant des domaines aussi différents que la peinture classique mais aussi le cubisme, l'architecture grecque, l'architecture médiévale ou constructiviste, puis les peintures rupestres et l'art archaïque dans les dernières années de sa vies. Surmontant le clivage entre idéalisme et matérialisme, ayant conçu une méthode empirique d'analyse des œuvres d'art, Raphael élabore cet idiome qui lui est propre où se cristallisent les concepts fondamentaux permettant selon lui de rendre compte de l'émergence de la forme dans la matière et au sein du processus de la création artistique. Son œuvre, pourtant profondément enracinée dans la tradition de la pensée idéaliste allemande s'inscrit dans une démarche résolument novatrice, entre herméneutique et iconologie, et préfigure à maints égards les voies de l'esthétique moderneThe theorist and philosopher of art Max Raphael (1889-1952) bequeathed a work of a very great richness. However only a negligible part of his writings was published as well in Germany as in France and in the United States where he resided successively. The objective of this research is to show the coherence of his work at first sight eclectic, exploring fields as different as traditional painting but also the cubism, the Greek architecture, medieval architecture or constructivist, then the cave paintings and archaic art in the last years of his life. Overcoming cleavage between idealism and materialism, having conceived an empirical method of analysis of the works of art, Raphael works out this idiom which is peculiar to him where crystallize the fundamental concepts allowing, according to him, to realize of the emergence of the form in the matter and within the process of artistic creation. However deeply rooted in the German idealistic tradition, his work comes within the context of a resolutely innovative step, between hermeneutics and iconology, and prefigures in many ways the modern esthetics
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Bartalesi, Lorenzo. "Histoire naturelle de l'esthétique : remarques philosophiques pour une esthétique naturaliste." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0043.
Full textAbstract:
La thèse a pour objectif de questionner la possibilité d'établir un programme naturaliste dans le champ de l’esthétique et de présenter une hypothèse phylogénétique de la relation esthétique. Dans la première partie on parvient à repérer un modèle épistémologique de l'esthétique philosophique traditionnelle qui rend problématique toute avancée d'un programme naturaliste. A partir de l'analyse de ce modèle, on propose une définition éthologique de la relation esthétique comme relation cognitive homme-monde qui se régule au moyen d'une réaction affective intrinsèque. Le deuxième chapitre vérifie l'efficacité de cette description en présentant la relation esthétique comme un fait anthropologique ordinaire qui fait partie intégrante des pratiques culturelles et sociales. Un modèle du fonctionnement cognitif de la relation esthétique est donc proposé dans le troisième chapitre où, par l'adoption d'une notion minimale d'intentionnalité, on situe le programme naturaliste des faits esthétiques dans le débats sur les stratégies de naturalisation du mental. Dans le dernier chapitre, on parvient finalement à mettre en oeuvre une perspective généalogique évolutionniste sur les faits esthétiques et à supposer les ancêtres évolutifs ainsi que les causalités et les pressions sélectives qui ont conduit l'apparition de l'activité esthétique. Dans cette direction, la notion darwinienne de «sense of beauty » offre les coordonnées pour étudier les formes originaires de la relation cognitive à fonction esthétique et la façon dont elles ont évolué depuis leur apparition sur terreThe thesis has for objective to question the possibility of establishing a naturalist program in the field of the aesthetics and to present a phylogenetic hypotheses of the aesthetic relation. Ln the first part we succeed in locating an epistemological model of the traditional philosophic aesthetics which makes problematic any headway of a naturalist program. From the analysis of this model we propose an ethological definition of the aesthetic relation as a cognitive relation between man and world which regulates by means of an intrinsic emotional reaction. The second chapter verifies the efficiency of this description by presenting the aesthetic relation as a common anthropological fact, which is an integral part of cultural and social practices. A model of the cognitive functioning of the aesthetic relation is thus proposed in the third chapter where, by the adoption of a minimal notion of intentionality, we place the naturalist program of aesthetic facts in the debate on the strategies of naturalization of the mental. Ln the last chapter we finally succeed in implementing a genealogical-evolutionist perspective on the aesthetic facts, and in supposing the evolutionary ancestors, as well as the causalities and the selective pressures, which led to the appearance of the aesthetic activity. In this direction the Darwinian notion of “sense of beauty” offers coordinates in order to study the native forms of the cognitive relation with aesthetic function and the way they evolved since their appearance on earth
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Armengaud, Jean-Pierre. "Pour une esthétique de la réception musicale : ou l'art de saisir la fuite et de capturer la différence." Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010612.
Full textAbstract:
Cette thèse étudie tout d’abord la possibilité d’appliquer à la musique la théorie de la réception définie par Hans-Robert Jauss pour la littérature. Elle définit la notion d’horizon d’attente en musique, puis tente de dégager à partir d’exemples précis les perspectives de recherche qu’une telle méthode d’analyse permet d’envisager en ce qui concerne notamment l’esthétique du langage de Mozart, Debussy, Satie, Denisov. Dans une troisième partie est analysée la fonction de l’interprète dont le rôle est indispensable dans le processus de la réception et de la réémission du message musicalThis thesis defends the possibility of applying to music the theory of reception as defined by Hans-Robert Jauss to litterature. It is an attempt for a definition of the idea of "waiting horizon" and with accurate exemples it shows how this could throw a light on Mozart's, Debussy's, Satie's, Boulez's and Denisov's language. The third part of this work is devoted to the interpreter whose part in the affaire is obligatory in the process of reception and reemission of musical message
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Girval, Edith. "L'art de la fiction chez Aphra Behn (1640-1689) : une esthétique de la curiosité." Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030047.
Full textAbstract:
La critique récente sur Aphra Behn (1640-1689) a montré d’une part que ses courts romans entretiennent des liens privilégiés avec le champ de la philosophie naturelle montante et d’autre part, que le monstrueux ou l’exotique sont des motifs privilégiés de ses œuvres. Ce travail vise à mettre en lien ces deux différentes approches, en établissant la centralité de la notion de curiosité dans la fiction d’Aphra Behn. La curiosité est une notion ambivalente au XVIIe siècle qui, bien qu’elle continue à porter des connotations négatives d’origine chrétienne et médiévale, s’est vue revalorisée par la philosophie naturelle. A la même époque, la notion de curiosité suscite également un regain d’intérêt de la part des théoriciens du roman ; Behn se positionne dans le débat esthétique et épistémologique de son temps en revendiquant une mimesis originale du vrai absolu, qui refuse d’intéresser son lecteur par une curiosité pour les choses familières, et choisit de représenter l’extra-ordinaire. Behn tente de discriminer entre une « bonne » et une « mauvaise » curiosité, pour se poser en curieuse et en collectionneuse avisée, mais continue d’entretenir des liens avec une culture plus populaire de la curiosité, celle des spectacles de foires. Le « cabinet de curiosité littéraire » que construit Aphra Behn privilégie des figures de monstres atypiques, qui permettent d’inventer une forme romanesque curieuse et transgressiveRecent research on Aphra Behn has shown the link between the scientific prose of the period and Behn’s narrative fiction, while other scholars have underscored the importance of bodily and moral deformity in her works. Drawing on these apparently heterogeneous studies, this project aims at providing a global aesthetic framework for Behn’s fiction. The epistemological context of the late seventeenth century offers a stimulating insight in Behn’s fiction, especially through the notion of “curiosity”. This notion is at the centre of both the scientific and literary concerns of the period; the growing interest in natural philosophy progressively rehabilitates curiosity – which had been an object of scorn in the Augustinian tradition – first by valuing curiosity as the ideal attitude of the “scientist”, and by having curiosities as its major object of study – the rare, new, and unusual objects of the Wunderkammern replacing the “universal” objects of study of the Medieval and Renaissance science. At exactly the same time, in the literary field, the notion of curiosity undergoes a redefinition, in a somewhat similar fashion to that which occurs in the scientific field, shifting from the “generalities” of idealized romance to a new conception of curiosity in the emerging genre of the novel. Behn advocates for a radical mimesis of truth and extraordinary curiosities. At the time when Aphra Behn writes her fictional texts, curiosity is therefore a polysemic notion, whose unity can nonetheless be found in a set of specificities: curiosity is concerned, both in science and in literature, with the emotions/reactions of the “curious” scientist or reader; it is what leads us to experiment, and it comes from a desire for knowledge. But curiosity is also a transgressive desire: the distinction between two types of curiosity, a “good” and a “bad” curiosity, is central in Behn’s discourse. The parallel between Behn’s fascination with curiosities and the scientific episteme of her time is obvious in the numerous descriptions of exotica in Oroonoko, as the narrator explicitly compares the objects she shows to those which form part of the Royal Society repository, but the rest of Behn’s fiction is also concerned with this preoccupation with curiosity: in several of her other works, moral irregularities are conjoined with ‘natural’/physical irregularities which belong to the realm of curiosities. The various transgressions depicted in Behn’s fiction can therefore be seen as “curiosities”; Behn’s work can be read as a sort of Wunderkammern, as she herself seems to suggest when she wishes her novels were “esteem’d as Medals in the Cabinets of Men of Wit” – novelists collect and experiment on human nature just as natural philosophers do with nature (and art) in the cabinets of curiosities. But in her fiction Behn actually goes beyond the conventional notion of the cabinet of curiosities, by insisting on moral and physical monstrosity. In underlining the importance of the realm of curiosity in Behn’s fiction, this study aims at showing the specificity of her aesthetics and the originality of her conception of the novel; as she states in the preface to Oroonoko, writers, like painters, are supposed to “erase” defects: by deliberately choosing not to idealize nature, men, or society, and by choosing to systematically depict deformity and exceptions instead (rather than exemplary individuals), Aphra Behn invents her own conception of the novel, a sensationalist aesthetic of the “strange and novel”
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Moderno, João Ricardo Carneiro. "Art et contradiction : histoire critique de la philosophie de l'art : les conceptions de l'oeuvre dans ses rapports à la réalité, à la connaissance, aux valeurs, etc." Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010528.
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Le présent travail a eu comme objectif principal de constituer le corps historico-critique de la contradiction esthétique, telle qu'elle était écrite depuis Platon jusqu'à Theodor W. Adorno. L'objectif, donc, fut de détacher à l'intérieur de l'histoire de la philosophie de l'art ou de l'esthétique, des moments significatifs capables de totaliser un ensemble cohérent et pleinement identifiable. L'intérêt d'une telle entreprise critique se centre surtout dans l'action théorique d'isoler la contradiction esthétique, de connaitre son itinérance à travers les siècles, ses particularités et ses implications politiques. Dans plusieurs cas, on ne peut comprendre les contradictions esthétiques qu'en fonction des catégories du goût, de l'imagination créatrice, du génie, de la raison etc. Le concept de contradiction esthétique n'étant pas seulement œuvre de contradiction absolue, nous intégrons les différences, non-contradictions, les conciliations, etc. La recherche présentée ici est partie de l'hypothèse qu'il y aurait une histoire singulière intérieure à l'histoire de l'esthétique, tendant à se structurer dans une unité conceptuelle: Platon, Diderot, Goethe, Schiller, Schelling, Hegel, Schopenhauer, Nietzche, Adorno, entre autresThe main object of this work was to build, from Plato to Theodor W. Adorno, the whole historical group of the aesthetic contradiction. We selected significative moments in the philosophical history of art or aesthetic, to constitute a coherent group. The interest of this critical work is centered at the theoretical action, to isolate the aesthetical contradiction, and to know its way through the centuries, its particularities, and its political implications. In many cases, one can only understand the aesthetical contradiction depending on the categories of taste, creative imagination, genius, reason, etc. Since the aesthetical contradiction concept was not only absolute contradiction work, we include differences, non-contradictions, conciliations, etc. This research starts from the assumption that there is an interior history, aiming at conceptual unity: Plato, Diderot, Goethe, Schiller, Schelling, Hegel, Schopenhauer, Nietzsche, Adorno, among others
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Bossatti, Patrick. "Vers l'émergence et la cohérence d'un cosme." Paris 1, 1993. http://www.theses.fr/1993PA010589.
Full textAbstract:
Opter pour un récit ou l'autobiographie se mèle à la réflexion et l'analyse. Raconter une histoire, l'histoire d'une conception de la réalité. Liée à une sensation d'enfant, un doute puissant et terrible sur le réel. Ausculter et disséquer, sans la tuer si possible, une impression de falsification du monde et tenter de montrer comment elle s'est métamorphosée en perception. Relater les premières scènes, les premières situations corroborant l'intuition d'une vie factice qui sont à l'origine de la pratique du dessin. Se situer le plus souvent possible dans une tension entre le symptôme et la réflexion. éemoigner, de façon intime de la genèse des images présentées. Pointer dans un second temps de quelle manière les interrogations sur la réalité de l'enfant et de l'adolescent trouvent un echo dans sa pratique du dessin. Description et analyse d'un reseau de correspondances où s'inscrivent les oeuvres présentées lors du mémoire de thèse qui ont pour sujet le mécanisme de la perception. Description de la réalisation d'un plan du périple mental inventé par le dessinateur pour structurer ses interrogations et ses recherches sur les mythes personnels qui ont fondés sa perception du réelTo choose a account where autobiography, reflection and analysis mix together. To tell a story, the story of a conception of reality. Bound to a child's sensation, a powerful and terrible doubt about the real. To examine and dissect, without killing it, if possible, an impression of falsification of the world and try to demonstrate how it was metamorphosed in a perception. To relate the first scenes, the first situations corroborating the intuition of a factitious life, situations which originated the drawing practice. To be placed as often as possible in a tension between the symptom and the reflection. Testify, from an intimate point of view, of the genesis of the shown images. Secondly, to point the way the child's and then teen-ager's interrogations about reality find an echo in his drawing practice. To describe and analyse a correspondences system where are inscribed the works, presented with the memoir, that treat the perception mechanism
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Fabbri, Véronique. "La valeur esthétique de l'oeuvre d'art : du desenchantement de l'art à une critique de l'esthétique et une théorie de la valeur des oeuvres d'art." Poitiers, 1995. http://www.theses.fr/1995POIT5004.
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L'enjeu de cette these est de degager les fondements du jugement de gout et la nature de la valeur esthetique, afin de depasser le relativisme en matiere d'esthetique, sans occulter la dimension subjective de l'oeuvre d'art et de l'experience esthetique. La premiere partie met en evidence l'importance de l'idee de modernite pour penser la valeur en general, et l'historicite specifique de l'oeuvre d'art, qui s'enracine dans son temps, tout en atteignant une forme d'universalite. Cette dialectique de l'universel et du singulier est developpee dans la deuxieme partie a partir des analyses de kant dans la critique de la faculte de juger, dont je montre a la fois la pertinence et les limites en les confrontant aux exigences de l'art moderne telles qu'elles peuvent etre degagees a partir de l'oeuvre de klee. Cette reflexion conduit dans une troisieme partie, a souligner l'importance et la fecondite du concept de rythme, pour preciser en quoi consiste l'autonomie et le caractere originaire de l'oeuvre, sa rationalite et sa temporalite. La quatrieme partie analyse cette temporalite, et la maniere dont elle s'inscrit dans l'experience et l'histoire d'un sujet. C'est dans cette experience que se definit l'idee du beau que l'oeuvre accomplit.
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Kim, Mee-Young. "Pour une pratique personnelle de la "subtilité" dans les arts plastiques : les "écritures" de la discrétion, de la division, et le plaisir de la discrimination fine." Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010637.
Full textAbstract:
Cette thèse, à partir d'une pratique plastique (mes travaux faits entre 1988 et 1993 sous le titre une pratique de la "subtilité") tente d'élucider l'énigme de la motivation et le processus de la création ; il s'agit de la poïétique d'un art subtil. Ce qui est figure dans mes travaux plastiques (expression formelle de la politesse, jeu sur le sentiment timide, réticent etc. En tant que comportement discret) est le sujet dont parle ma peinture. Dans une telle incarnation du sujet, il ne s'agit nullement de vouloir enseigner quelque chose de particulier, culturel ou moral, mais il s'agit de vivre l'esthétique de la discrétion, la subtilité et son plaisir. La subtilité a ici affaire avec le corps, non l'esprit. Comme un besoin ou un certain appel du corps, comme le désir non violent, mais discret, délicat, une pratique de la subtilité serait une demande de mon corps. La subtilité consisterait chez moi à pouvoir analyser et saisir des nuances infimes. Le procédé de la fabrication (le principe de la fragmentation, de la pluralisation et de la pulvérisation) donne part lui-même un travail délicat tout en permettant le gout de la division et la saisie des nuances minuscules par les gestes de la main, par ses mouvements subtils. Par une telle pratique, la subtilité peut se définir comme la puissance de la division et le pouvoir de plaisir : le plaisir de la discrimination fine. Ma pratique de la subtilité n'est pas sans parente avec l'art de vivre. Pratiquer la subtilité est vivre ainsi en faisant déboucher l'art sur un art de vivre. Un art fait de gestes subtils d'une cuisinière par exemple, est en fait comme une vie quotidienne transformée. Cette thèse donne son terme : que vivre, jouer, créer soient interchangeablesThis thesis (based on plastic works i made between 1988 and 1993) tries to elucidate the enigma of motivation and the process of creation : it deals with the poietique of "subtlety" in plastic arts. My painting relates what appears in my works : formal expression of "politeness", representation of reticent feelings such as discreet behaviour. In such an incarnation of the theme, the question does'nt intend to teach anything in particular, be it cultural or moral, but to live the aesthetics of discretion, subtlety and one's own pleasure. Like a need or any urge of the body, like a non violent but discreet and delicate desire, the practice of subtlety is a profound need of my body. For me, subtlety is the ability to analyze and grasp tiny nuances. The making process (the principle of gragmentation, pluralisation and pulverization) brings a delicate work by the taste of division and grasp of tiny nuances with subtle hand gestures. With such a practice, the subtlety can be defined as the power of division and the intensity of pleasure : the pleasure of subtle discrimination. My personal view of "subtlety" concerns the art of living. An art made of subtle gestures resembling those of a chef, is in fact like a daily life transformed
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Fuk, Giacomo. "Les premières formulations des problèmes théoriques de Louis Marin 1968-1975 : philosophie, sémiotique, histoire de l'art." Paris, EHESS, 2016. http://www.theses.fr/2016EHES0057.
Full textAbstract:
La thèse porte sur la première partie de l'œuvre de Louis Marin (1931-1992) et notamment sur les thèmes de la signification et de l'interprétation. Le premier chapitre situe la pensée de Marin dans le contexte de la réflexion théorique dans l'historiographie artistique allemande au début du XXe. Le deuxième chapitre porte sur la « sémiologie picturale » que Marin propose à la fin des années soixante et sur son rapport avec la sémiotique de cette époque-là. Le troisième chapitre analyse certaines critiques adressées à la sémiologie picturale de Marin par des philosophes, des historiens de l'art, des spécialistes de littérature et des sémiologues, en se concentrant notamment sur les critiques de J. -L. Schefer, qui identifient chez Marin un paradoxe dans son ambition scientifique et une ambiguïté entre sémiotique et phénoménologie. Le quatrième chapitre vérifie et développe les hypothèses sur un texte de Marin de 1971 sur le « Paysage homme tué par un serpent » de Poussin, analysé en détail, où l'on montre la formation d'une réflexion plus librement philosophique et orientée vers des formulations moins strictement sémiotiques mais plus cohérentes. Le dernier chapitre déplace l'attention sur les écrits de Marin sur la Bible et sur Port-Royal pour montrer comment le problème de l'interprétation excède le domaine de l'art et implique une perspective historique encore plus vaste que celle du structuralisme et celle de la théorie de l'historiographie artistique, et surtout montre les développements fondamentaux du rapport de Marin avec la sémiotique dans sa monographie sur les EvangilesMy thesis is about the first part of Louis Marin's (1931-1992) work, especially about the themes of meaning and interpretation. The first chapter places Marin's thought in the context of theoretical reflection in German art historiography at the beginning of the 20th century. The second chapter deals with the « semiology of painting » which Marin proposes at the end of the sixties and with its relation to the semiotics of that time. The third chapter studies some of the critics that Marin's project of a semiology of painting met by philosophers, art historians, literary theorists and semiologists, with particular regard to the critics of J. -L. Schefer, who recognises in Marin's semiology a paradox concerning its scientific purpose and an ambiguity between semiotics and phenomenology. The fourth chapter tests and develops the hypothesis by a detailed analysis of an article of Marin on Poussin's "Landscape with a Man Killed by a Snake", and shows the shaping of a freer philosophical thought headed towards a less strictly semiotic, but more consistent, expression. The last chapter shifts the attention on Marin's writings on Bible and Port-Royal to show that the problem of interpretation exceeds the field of art and demands a larger historical perspective than that of structuralism and that of the theory of art historiography, and in particular shows the fundamental developments of Marin's relation to semiotics in his monograph on Gospels
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Zervou, Alexandra K. "Art et nature dans l'esthétique phénoménologique française : M. Merleau-Ponty et M. Dufrenne : la rencontre du logos philosophique avec le logos de l'art." Paris 1, 1987. http://www.theses.fr/1989PA010502.
Full textAbstract:
Cette these essaie de montrer que la pensee phenomenologique de m. Merleau-ponty et de m. Dufrenne suit cette direction de la derniere pensee de husserl qui descend vers la nature, vers cette element resistant a la phenomenologie, auquel la phenomenologie tendra a assurer sa place. En essayant de penser l'impense husserlien m. Merleau-ponty et m. Dufrenne arriveront a l'idee de la nature en tant qu'originaire, matrice de possibles, champ general de l'etre qui est en perpetuel devenir et qui, donc, ne peut pas etre survole, ne peut pas etre concu comme un objet dresse devant la conscience. La nature que cette pensee decouvre est le non-identique, le non-maitrisable, ce qui resiste a la raison identitaire et propose un autre mode de rapport avec l'etre que celui de la domination en demontrant en meme temps l'impossibilite d'une conscience constituante. L'art, d'autre part, en tant qu'expression, en tant que logos expressif et createur, fait - en realisant, meme a titre d' utopie, l'image d'un monde ou la separation sujet - objet est depasse, ou les rap- ports de l'homme au monde n'obeissent pas au principe de la domination - preuve de cette nature originaire et principe de resitance. - logos de l'art et logos philosophique se rencontrent, donc, dans la mesure ou tous les deux sont une inter- rogation continue du reel, dans la mesure ou ils ne refletent aucune verite donnee, mais, en tant que langages expressifs et createurs, s'efforcent de la realiser. En plus, l'art et l'experience esthetique constituent une voie privilegiee pour une philosophie qui se veut radicale, qui veut se liberer de liens qui l'attachent a la pensee de fondation, a la pensee
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Jo, Hyunah. "L' accumulation : de la surface à l'espace stratifié." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010648.
Full textAbstract:
La plupart des expressions et des sens en lien avec notre vie renaissent grâce à la production de symboles, qui figure parmi les activités mentales hautement raffinées. Au travers des processus de condensation, de transfert et d'association, notre esprit offre à toutes les choses qui affectent les sens (aux objets), les signes de beaux et dynamiques souffles (le signe de la beauté et du ressort, la vitalité). Autrement dit au travers du processus d'accumulation. Via ces choses devenues ainsi symboles, les nouvelles marques existentielles s'accumulent en nous : enfin elles s'assimilent, s'imprègnent de la vie. C'est bien là (dans cette caractéristique du symbole) que résident sa force et sa valeur; c'est bien grâce à cela que sa force et sa valeur peuvent se loger dans notre âme à travers les siècles. Le symbole et les multiples objets et phénomènes permettant l'approche symbolique, peuvent ainsi perdurer à travers le temps immémorial, tout comme la condensation, le transfert et l'association de notre esprit: ce travail peut en conséquence se diversifier à l'infini. En ce sens, le symbole est un des archétypes que l'on peut expliquer par la notion d'accumulation. Nous pourrions nous en rendre compte ou ressentir l'existence de symboles parmi de multiples objets et phénomènes de ce monde, transformables respectivement en symboles; les spécialistes qui étudient la symbolique nous apprennent que l'on peut donner du sens à toutes les choses concrètes ou abstraites et à tout l'univers qui les comprend: l'univers est un rassemblement des symboles qui sont susceptibles à se manifester à tout moment. Au cours de notre travail, nous nous sommes penchés sur trois éléments parmi ce rassemblement et les avons traités comme proposition principale pour notre sujet portant sur l'accumulation. Mémoire, ville et nous constituent cet ensemble thématique. Nous avons de la sorte évoqué ces thèmes en les considérant sous l'aspect du système symbolique, expression d'accumulation qui pourrait refléter les environnements mentaux de notre société moderne actuelle.
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Cho, Nan-Young. "Rupture, restitution, prolifération dans les arts visuels entre orient et occident : trois moments créateurs de l'espace contemporain." Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010603.
Full textAbstract:
Mon travail s’origine dans la maison natale disparue, qui est recrée par le geste artistique, lequel se développe en trois moments : rupture, restitution, prolifération. La rupture, manifestée par le déchirage d'un matériau, le papier coréen, à partir duquel commence ma création, dit la perte de la maison. La restitution, opérée par le collage des morceaux déchires, signifie l'enracinement dans un nouvel espace, elle dit le recommencement sous une forme mutante, non habitable, de la maison natale. Enfin I' expansion des morceaux associes les uns aux autres dans un espace donne, celui où je vis, crée la surface artistique. Cette expansion induit la notion de prolifération au sens de "inachevé, toujours ouvert" et ainsi elle manifeste la continuité de la vie à partir de l'origine, la maison natale. Rupture, restitution, prolifération, les trois moments de la composition visuelle sont lies dans une approche faisant appel a des concepts de l' art et de la vie, aussi bien du monde occidental ou je vis que de la sphère orientale où j’ai grandi.
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Bouratsis, Sofia Eliza. "Esthétiques et poïétiques du corps. Le Bioart en questions(s)." Thesis, Paris 1, 2015. http://www.theses.fr/2015PA010581.
Full textAbstract:
Ma recherche sur les esthétiques et les poïétiques du corps dans le Bioart se situe à l'interface de trois univers-limites : les images du corps, l'art et la science. Le Bioart, en explorant les limites du corps humain et du vivant animal et végétal, réactualise toute une série de questions philosophiques, esthétiques et scientifiques en ouvrant un horizon de possibilités insoupçonnées - du fantasme à la monstruosité en passant par le cyborg, le devenir-animal de l'homme ou le plantimal. Parce que la temporalité éphémère de ses œuvres s'inscrit dans la dialectique de la vie et de la mort, le Bioart questionne également nos rapports aux diverses altérités et altérations - humaines, non humaines, supra humaines. Nous sommes ici dans l'univers de l'art, ce qui implique d'abord une approche esthétique - qui pose la question du goût et du dégoût et interpelle la sensibilité. Il s'agit dès lors de dégager les idéologies et les figures du corps qui, dans toutes leurs nuances, provoquent la répulsion, l'angoisse, la fascination, la jouissance, la pulsion de savoir ou le désir d'expérimentation. Le Bioart, en utilisant de manière insolite les avancées biotechnologiques et les biomatériaux, permet d'interroger les images du corps véhiculées par les esthétiques et les poïétiques du corps contemporain - et donc de comprendre de manière critique le contexte socio-anthropologique, idéologique, philosophique et artistique qui les suscite. La méthode transdisciplinaire et complémentariste de ma recherche tient compte de la singularité même de la corporéité, qui fait constamment rhizome en échappant à toute assignation disciplinaire et à toute clôture conceptuelleMy research into the aesthetics and poïetics of corporeality within Bioart is situated at the interface of three bordered universes: images of the body, art and science. Bioart recapitulates a series of philosophical, esthetical and scientific questions about the limits of the human body and of animal and plant life, opening horizons to unsuspected possibilities, from phantasms to monstrosities, from Cyborgs to men becoming-animal or plantimal. As the ephemeral temporality of these artworks is inscribed in the dialectic of life and death, Bioart also questions our relationship to alterity and alterations - of the human, non-human or supra-human. We are here in a universe of art, which firstly implies an aesthetic approach, posing questions of delight and disgust and calling for sensitivity. We then have to extricate the ideologies and the figures of the body, which in all of their nuances provoke repulsion, fear, fascination or pleasure and stimulate an urge to experiment and to seek knowledge. By its unusual use of advances made in biotechnologies and biomaterials, Bioart facilitates the questioning of body images, as conveyed by the aesthetics and poïetics of the contemporary body, thus helping us understand critically the socioanthropological, ideological, philosophical and artistic contexts from which they emerge. The transdisciplinary and complementary method of my research takes into account the peculiarity of body awareness in itself, which is constantly expanding - as a rhizome -and so escaping ail disciplinary allocation and conceptual closure
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JEANNEY, NOUHAILI MARIE HELENE. "Le modele et ses doubles : pour une mise en doute des apparences." Paris 1, 1998. http://www.theses.fr/1998PA010565.
Full textAbstract:
Face a l'inconsistance des apparences et a la mouvance du monde, la peinture affirme sa presence figee, tout en integrant des ambiguites au sein de la representation. Faire une recherche autour du corps humain en peinture revele la volonte d'enregistrer ses traces dans le visible pour fixer quelque chose de cette incessante fuite de l'etre. Par des variations en series autour du modele et en multipliant les points de vue, se developpe alors le regne des simulacres, dans une pluralite des ecritures plastiques. Au coeur de mon travail pictural se profile la thematique de l'ombre et du reflet, entre la representation analogique et ce qui la detruit, entre l'image du corps et l'idee de l'ame. Le premier chapitre s'attache a retracer une sorte de filiation philosophique allant de protagoras a nietzsche, en passant par lucrece, montaigne, hume et quelques autres penseurs concernes par une mise en doute des grandes verites posees comme definitives. Il apparait clairement que la conception de l'oeuvre picturale n'est pas a separer d'une vision plus generale du monde. Dans le deuxieme chapitre, la figure de l'ombre est percue comme metaphore de la peinture et de la photographie, mais aussi en tant que double de l'etre, image du moi, parallelement au reflet, autre simulacre qui intervient comme un double narcissique et illusoire. Les figures de la duplication plastique revelent des similitudes avec la litterature, en particulier a travers la mise en abime et l'aspect melancolique des histoires de reflets et d'ombres perdues. La derniere partie est consacree a la signification du corps humain dans mes peintures. Tout a la fois forme matricielle donnant naissance a une serie d'oeuvres et espace porteur d'un langage, il participe a une esthetique mais surtout, il est le lieu par lequel tout passe, de soi a autrui, metaphorisant une vision du monde qui privilegie la pluralite des apparences pour rejeter une reduction de sa comprehension en une seule figure globalisanteAs opposed to the flimsiness of appearances and the evolution of the world, paiting asserts its motionless presence while integrating ambiguities into representation. To study the human body implies a will to record its perceptible signs to fix something indelible from this swift and ceaseless passage of the being. Owing to strings of variations around the model and by multiplying viewpoints, the rule of pretences is brought out as there has no longer been any identity thinking since the end of immutable ideologies. The theme of shadow and reflection is looming on this work betweenanalogical representation and what destroys it, between the image of the body and the idea of the soul. The first chapter enhances a sort of philosophical descent, from protagoras to nietzsche, without omitting lucrece montaigne, hume and some other thinkers dealing with questioning some major truths asserted as permanent. In the second chapter, shadow is sensed as a metaphor of painting and photography as well as a double of the being, an image of the self, parallel to reflection, which appears as deceitful and narcissistic double. Plastic doubling finds echos in literature, especially with the mise en abime and the melancholic aspects of reflection and lost shadows. The last part is dedicated to the meaning of the human body in these paintings. It is a moulding shape giving birth to a series of works as well as a space which bears language. It is involved in aesthetics and above all, it stands for a bridge between one and the others
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Pognan, Anne. "Dessiner, peindre le temps perdu." Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010613.
Full textAbstract:
Le temps perdu désigne a la fois Ie passe, Ie temps qui par son irréversibilité même nous est constamment enlevé et Ie temps immobile, long et pesant de l'inactivité, de la paralysie propre a la mélancolie, a la fatigue, au désespoir impuissant ou a la paresse. II s'inscrit donc dans une étude du temps vécu et des temporalités intimes, qui cherche a saisir comment ces vides, ces absences au cœur de l'existence sont déterminantes pour Ie processus créateur. Le temps se présente comme une puissance horizontale, oppressante et destructrice avant tout, et ces aspects recoupent de grands thèmes de la production artistique de la Renaissance et du XVeme siècle notamment par les notions de vide, néant, abîme et vision panoramique. Lis constituent aussi la base d'un vocabulaire plastique a l’œuvre dans la pratique personnelle du dessin et de la peinture. Cette dernière se développe en mettant en tension surface et profondeur, rythme et horizontalité, vertiges et répétitions, transparence et obscurcissement. . .
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Davila, Thierry. "De l'inframince : brève histoire de l'imperceptible dans l'art moderne et actuel." Paris, EHESS, 2008. http://www.theses.fr/2008EHES0082.
Full textAbstract:
L'histoire de l'art est généralement conçue comme une histoire des formes parfaitement présentes, clairement et distinctement, devant tout spectateur potentiel. Il existe cependant des œuvres qui questionnent cette logique de la forme présente en s'annonçant elles-mêmes comme disparaissantes, imperceptibles. Une autre vision de l'art, du travail de l'art et de l'expérience sensible, découle. C'est cette histoire que tentent d'analyser ces pages consacrées à la période moderne et contemporaine (du début du XX siècle jusqu'à aujourd'hui)Art history is generally supposed to be the history of shapes clearly and distinctly present in front of every potential viewer. Nevertheless, there're works which call into question the logic of the presence of the form because they're imperceptible. Another vision of art, of the work of art and of the sensible experience follows from these artistic creations. This Ph D tries to analyse this history in modern and contemporary art (from the beginning of the XX century to nowadays)
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Padovani, Simona. "« Un sentiment inconnu » : L'art italien dans l'Arrière-pays et dans les écrits d'art d'Yves Bonnefoy." Caen, 2014. http://www.theses.fr/2014CAEN1030.
Full textAbstract:
Dans ses Entretiens sur la poésie, Yves Bonnefoy parle de l'Italie comme du lieu où réside « l’arrière-pays » et où son démon de la création se réveille. L’objet de mon étude est de mettre au jour l’espace qui se dessine à partir de l’art italien dans les écrits critiques et fictionnels du poète. À cette fin nous avons adopté une méthode inspirée de la critique phénoménologique et de la sémiotique de l’art. Tout le système de figuration des arts plastiques est soumis, dans l’écriture critique d’Yves Bonnefoy, à un acte second, à une mise en perspective poétique, par un mouvement de réflexion médiateur. Dans une visée ontologique, pour éclairer la création artistique, Yves Bonnefoy travaille sur le questionnement de l’être et le désir d’être. Notre projet s’attache à un paradigme cognitif que le poète appelle « le rêve du désir d’être », le « désir ontologique de sens » qui serait incontestablement le signe métaphysique du grand art italienIn his Dialogues on Poetry, Yves Bonnefoy refers to Italy as the country where the mirage of the « arrière-pays » (« the back country ») takes place and his aesthetic haunting is elicited. This study aims to elucidate the relevance of Italian art in the poet’s critical and fictional writings. Dealing with the topic, we chose a theoretical and phenomenological approach and focused our research on the semiotics of art. Yves Bonnefoy’s critical and poetical writings engage visual semiotics in the fine arts through a complex relationship: a dialectic second act in the thought process. Yves Bonnefoy provides a background for looking at art criticism by questioning the ontological distinction between being and desire theories. Our research project investigates a cognitive paradigm inasmuch as, in the poet’s terms, « the dream of the desire for being », « the ontological desire for meaning » is unquestionably assumed to be the metaphysical concern of great Italian art