To see the other types of publications on this topic, follow the link: Philosophie et art – Renaissance.
Dissertations / Theses on the topic 'Philosophie et art – Renaissance'
Create a spot-on reference in APA, MLA, Chicago, Harvard, and other styles
Consult the top 50 dissertations / theses for your research on the topic 'Philosophie et art – Renaissance.'
Next to every source in the list of references, there is an 'Add to bibliography' button. Press on it, and we will generate automatically the bibliographic reference to the chosen work in the citation style you need: APA, MLA, Harvard, Chicago, Vancouver, etc.
You can also download the full text of the academic publication as pdf and read online its abstract whenever available in the metadata.
Browse dissertations / theses on a wide variety of disciplines and organise your bibliography correctly.
1
Schramm, Helmar. "Karneval des Denkens : Theatralität im Spiegel philosophischer Texte des 16. und 17. Jahrhunderts /." Berlin : Akademie Verlag, 1996. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37539660h.
Full text
2
Vuilleumier, Laurens Florence. "La raison des figures symboliques à la Renaissance et à l'âge classique : études sur les fondements philosophiques, théologiques et rhétoriques de l'image." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040216.
Full textAbstract:
Ambitionnant de mettre au jour les fondements philologiques, philosophiques, théologiques et rhétoriques de l'image au XVIIe siècle. L'auteur s'est efforcée d'écrire l'histoire, manquante à ce jour, de la réception des "symboles" de Pythagore depuis la traduction des vies des philosophes de Diogène Laërce par Ambrogio Traversari, analysant ainsi les contributions des générations successives d'humanistes (Alberti, Ficin, Politien, Pic, suivis par Nesi, Reuchlin et Steuco) qui en dégagent progressivement les multiples implications. L'époque suivante voit l'intégration, autour des "symboles" proprement dits, des autres formes symboliques, tant anciennes (proverbe, énigme, hiéroglyphe) que nouvelles (emblème). Erasme, GiraldI, Caussin, chacun à sa façon, travaillent à souligner l'unité du nouveau monde symbolique, mais nul plus que Claude Mignault, à travers l'histoire compliquée, étudiée ici pour la première fois, des accroissements successifs du Syntagma de Symbolis. Au seuil du XVIIe siècle l'influence de Pythagore, déjà rapproché de la tradition chrétienne et hébraïque, est largement relayée par celle de Denys l'aréopagite, inspirateur direct de la théologie symbolique et la théologie mystique de Maximilian van der Sandt. Un chapitre sur la signification liturgique du voile du temple couronnant cette troisième partie, restait à montrer comment les grandes rhétoriques de la deuxième moitié du siècle codifient le nouveau langage des images : Masen pour l'image visuelle et graphique, Tesauro pour la métaphore, âme du discours, et enfin Menestrier pour les décorations des fêtes et des cérémonies funèbres. L'ambition déclarée par ce dernier, d'écrire une "philosophie des formes symboliques", même si elle ne fut jamais réaliséeIn order to point out the philological, philosophical, theological and rhetorical basis of XVIIth cent. Imagery, the author had first to write the still now missing history of the reception of Pythagoras' symbols from the beginning of the renaissance. Stressing the contribution of successive generations of humanists: Traversari, Alberti, Ficino, Poliziano, Pico, Nesi, Reuchlin, Steuco. . . The following period was marqued by the integration, around the symbola themselves, of other symbolic figures, as well ancient, such as the proverb, the enigma and the hieroglyphic, as modern, such as the emblem and the device. Erasmus, Giraldi and Caussin have thus contributed, each in his own way, to reinforce the unity of the new symbolic world. But nobody more than Claude Mignault, through the very intricate story of his Alciati's editions and evolution of his famous Syntagma de Symbolis. At the beginning of the XVIIth c. , the Pythagorean model is reinforced if not replaced by Dionysius areopagita, whose work inspires altogether the symbolic theology and the mystic theology of the Jesuit father Maximilian van der Sandt, whose pious approach legitimates a special chapter devoted to the uelum templi considered as the allegory of allegory, the last part of the book would show how the great rhetoricques of the second half of XVIIth century succeeded in analyzing and codifying the new language: Jacob Masen for the visual and graphic image, Emanuele Tesauro for the metaphora and Menestrier for the festive and funeral decorations of ephemeral baroque
3
Nauert, Charles Garfield Liard Véronique. "Agrippa et la crise de la pensée à la Renaissance /." Paris : Éd. Dervy, 2001. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb38809483n.
Full text
4
Berns, Thomas. "Violence de la loi à la Renaissance : l'originaire du politique chez Machiavel et Montaigne /." Paris : Éd. Kimé, 2000. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb372051365.
Full text
5
Gambino, Longo Susanna. "Savoir de la nature et poésie des choses : Lucrèce et Épicure à la Renaissance italienne /." Paris : H. Champion, 2004. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39198289q.
Full text
6
Clément, Michèle Diogène le Cynique. "Le cynisme à la Renaissance : d'Erasme à Montaigne. suivi de Les epistres ([trad. de] 1546) de Diogenes." Genève : Droz, 2005. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39929178z.
Full textAbstract:
Texte remanié de: Th. de doct.--Littérature française--Lyon 2, 2000.Contient Les epistres de Diogenes, philosophe cynicque ([trad.] 1546), trad. de grec en francoys par Loys du Puys. Bibliogr. p. [267]-273. Notes bibliogr. Index.
7
Lacas, Martine. "Construire la ressemblance : architectures du portrait à la Renaissance." Paris, EHESS, 2006. http://www.theses.fr/2006EHES0016.
Full textAbstract:
Cette thèse procède à une redéfinition des notions d'imitation et de ressemblance à la Renaissance, à partir du portrait en tant qu'il est paradigmatique de la représentation mimétique et de l'articulation récurrente depuis l'antiquité des récits d'origine du portrait et de la peinture. Grâce à l'étude approfondie du De pictura et de ses sources aristotélicienne et rhétoriques, l'hypothèse est faite d'une constructibilité de la ressemblance. L'étude de la mimésis aristotélicienne et de la théorie albertienne de l'historia a permis d'opérer un rapprochement entre procès métaphorique et procès mimétique à partir duquel ont été posées les questions de la référence, de la vérité, de la constructibilité de la ressemblance, et inventés les concepts opératoires de leur analyse. En reconsidérant le rapport entre portrait et historia, à l'aune des principes distinctifs que sont l'action et le mouvement, ont été établies les principales modalités d'une historia-cisation de la représentation.
8
Halleux, Élisa de. "Les figures androgynes à la Renaissance : l'ambiguïté sexuelle dans l'art et la théorie artistique au XVIe siècle." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010663.
Full textAbstract:
Cette thèse a pour objet un phénomène artistique resté très largement inexploré à ce jour : la représentation de figures androgynes dans l'art de la Renaissance. Centrée sur l'art italien du Cinquecento, elle s'attache aussi à la production artistique pragoise, ainsi qu'à celle d'autres artistes nordiques et de l'école de Fontainebleau. On y voit en quoi l'homme féminin et la femme masculine sont deux incarnations, ou plutôt deux élaborations, d'une même idée : l'harmonie des contraires. Le concept clef de cette recherche est en effet celui de la concordia discors, principe fondamental s'il en est pour la pensée de l'époque. En enquêtant sur la genèse et la signification de l'androgynie, il s'agit d'engager une réflexion sur la spécificité des images. La première partie envisage des couples de figures androgynes à la lumière du motif philosophico-religieux de l'« androgynie originelle» et des conceptions néoplatoniciennes de l'amour. Elle est consacrée à des eprésentations mythologiques et à plusieurs figurations d'Adam et Ève. La seconde partie examine le fonctionnement plastique et symbolique de l'androgynie à travers des figures tant profanes que sacrées, en particulier : Cupidon, Hercule, le Christ, la Fortune. La troisième partie concerne les pratiques et les théories artistiques. Il s'agira de montrer comment l'androgynie résulte de pratiques d'imitation et de détournement des modèles antiques et contemporains; comment elle est une spécificité de l'art maniériste; et enfin comment se façonne à travers elle une certaine esthétique, qui connaît différentes déclinaisons, et est alors très présente - quoique de manière implicite - dans les traités artistiques.
9
Beaume, Diana. "Alfred Jarry et la pensée des contraires." Le Mans, 2010. http://cyberdoc.univ-lemans.fr/theses/2010/2010LEMA3002.pdf.
Full textAbstract:
Alfred Jarry est le créateur d’une oeuvre fascinante et déconcertante. Sa poétique confirme par de nombreux aspects les principes esthétiques du symbolisme, mais d’autres aspects restent énigmatiques si la grille interprétative du symbolisme n’est pas complétée par des perspectives distinctes. Le danger d’une approche chaotique n’est pas insurmontable, car les idées de cet auteur singulier sont subordonnées à une notion directrice qui les ordonne et les rend cohérentes : il s’agit de l’identité des contraires. Notre travail est consacré à l’étude de son fonctionnement dans la poétique de Jarry. L’idée directrice de notre exploration est l’avatar symboliste d’une notion philosophique qui a connu une grande popularité dans les milieux érudits à la Renaissance, quand elle circulait surtout dans sa variante latine, la coincidentia oppositorum. Jarry, qui pénètre en profondeur la complexité du contexte renaissant de cette idée, se l’approprie, l’assimile et… la détourne, pour l’exploiter comme moteur esthétique de sa littérature. Après un premier temps où elle examine le contexte d’origine de la notion, notre étude fixe les repères de la manière dont la coincidentia oppositorum, informe la poétique de Jarry. Certaines des “contradictions“ les plus poignantes de l’univers imaginaire issu de sa plume se donnent à lire de la sorte comme résultat du mélange inhabituel, mais cohérent, de deux visions du monde séparées par quelques siècles de variations culturellesAlfred Jarry is the creator of a fascinating and disconcerting work. By many aspects, his poetics confirms the aesthetic principles of symbolism, but some other aspects remain enigmatic if the interpretive grid of symbolism is not complemented by distinct perspectives. The danger of a chaotic approach is not insurmountable, because all the ideas of this singular author are leaded by a directing notion that ordons and gives them coherence : that is the identity of opposites. Our essay is devoted to the study of its operation in the poetics of Jarry. The thrust of our exploration is the symbolist avatar of a philosophical notion that has been very popular in the erudite circles during the Renaissance, when it was mainly traveling in his Latin variant, the coincidentia oppositorum. Jarry, who penetrates deep into the complexity of the idea’s Renaissance context, appropriates, assimilates and. . . Diverts it, so that he can use it as a aesthetic engine for its literature. In the beginning, our study examines the context of the original concept, and then marks out how the coincidentia oppositorum informs the poetics of Jarry. This way, some of the most poignant "inconsistencies" of the fantasy world issued from his pen can be read as a result of the unusual, but coherent, mix of two worldviews separated by several centuries of cultural variations
10
Leflot, Thomas. "La correspondance des arts chez Vincent d’Indy : étude de ses pratiques musicales, picturales et de ses écrits au regard de son environnement socio-culturel, philosophique et artistique." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040120.
Full textAbstract:
Célèbre compositeur et enseignant, Vincent d’Indy est moins connu pour l’intérêt qu’il porta tout au long de sa vie aux beaux-arts. Il pratiqua le dessin et la peinture pendant plusieurs décennies et parcourut l’Europe à la recherche des plus beaux sites historiques et des plus fameux musées. Sa fréquentation des artistes et des mécènes dans les Salons et les expositions lui permit d’avoir de fructueux échanges avec de nombreux plasticiens. Son obsédante référence à la nature dans ses aquarelles apparaît également dans ses poèmes symphoniques ou ses opéras. Cette thématique bucolique s’inscrit dans une sphère d’influence romantique qui jalonne ses compositions. Enfin, son approche de l’histoire de la musique est réhaussée de multiples références esthétiques. Elles nous éclairent sur ses influences, d’Émile Mâle à John Ruskin en passant par Félicité de LamennaisThe celebrated composer and professor Vincent d'Indy is less well-known for his lifelong interest in the arts. He drew and painted for many decades, and he travelled throughout Europe looking for the most beautiful historical sites as well as the most famous museums. Associating with artists and patrons of art in salons and exhibitions enabled him to benefit from contact with numerous painters or sculptors. His constant reference to nature in his watercolours was also apparent in his symphonic poems or operas. This rustic theme places him in a field of romantic influence in which compositions blaze a trail. Also, his approach to the history of music is heightened by the many aesthetic references which throw light on his influences, such as Émile Mâle, John Ruskin or Félicité de Lamennais
11
Bert, Mathilde. "Lectures, réécritures et peintures à partir de Pline l'Ancien : la réception de l'"Histoire naturelle" en Italie, de Pétrarque à Vasari." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010624.
Full textAbstract:
L'étude examine la façon dont les informations que Pline l'Ancien livre sur la peinture antique dans son Histoire naturelle ont été perçues et exploitées dans l'Italie de la Renaissance, depuis Pétrarque (v. 1350) jusqu'à la seconde édition des "Vies" de Vasari (1568). Elle montre que les échos de Pline observables dans les textes et les œuvres constituent des clés pour comprendre les enjeux artistiques, théoriques et sociaux inhérents aux pratiques picturales de l'époque. Pour mener à bien cette enquête, plusieurs types de sources et d'éclairages ont été mis à contribution. Sont d'abord examinées les données propres à la transmission éditoriale de "l'Histoire naturelle". Le recours à Pline est ensuite abordé dans la littérature artistique et dans la pratique picturale. Enfin, l'émulation d'Apelle est considérée dans la pratique artistique à travers l'étude de la signature formulée à l'imparfait. Il s'agit en effet d'une façon de signer que Pline attribue au peintre grec et que les artistes de la Renaissance vont adopter à partir de la fin du XVe siècle. Outre de larges développements consacrés à Pétrarque, Alberti, Ghiberti, Castiglione, Pino, Dolce et Vasari, l'étude aborde également les échos pliniens présents chez de nombreux artistes et humanistes. Ainsi, l'enquête souligne la diversification des formes et des fonctions de l'emprunt à Pline, tout comme ses principaux accents, à savoir la valorisation culturelle et sociale de la peinture et la réflexion sur les genres et les styles picturaux (portrait, paysage, nu féminin, querelle du "disegno" et du "colorito" , "paragone" des arts).
12
Poujade, Baltazard Sylvaine. "Francisci Robortelli Vtinensis in librum Aristotelis De arte poetica explicationes : introduction, édition, traduction." Thesis, Rennes 2, 2018. http://www.theses.fr/2018REN20069.
Full textAbstract:
Ce travail présente une édition et une traduction de l'ouvrage d’une des figures marquantes de l’humanisme italien de la Renaissance, Francesco Robortello, intitulé Francisci Robortelli Vtinensis in librum Aristotelis De arte poetice explicationes. Il s'agit du premier commentaire à être publié de la Poétique d'Aristote. L'ouvrage paraît à Florence en 1548, et fait l’objet d’une deuxième édition, révisée par ses soins, à Bâle en 1555 : le commentaire est précédé du texte grec de l’édition aldine des Rhetores Graeci de 1508, accompagné d'une traduction latine d’Alessandro Pazzi qui date de 1536. Robortello est à l'origine de la redécouverte, voire de la découverte en Italie des analyses aristotéliciennes sur l'art poétique, texte difficile qu'il cherche à rendre accessible aux lettrés de son époque. Cette étude a consisté à établir le texte par la confrontation des deux imprimés de Florence et de Bâle, et permet, en découvrant l’ensemble des analyses de l’auteur, de montrer que cecommentaire, loin d’être une interprétation erronée du texte d’Aristote, est une première lecture sur la voie de notre compréhension moderne des lois de la création poétiqueThis work is an edition and a translation in French of Robortello’s text untitled Francisci Robortelli Vtinensis in librum Aristotelis De arte poetice explicationes. It is the first published commentary on the Poetics, edited in 1548 in Florence, and revised for a second edition in Basel in 1555. The book contains an edition of the Greek text of the Poetics, based onthat of Aldine edition of 1508, but with several emendations, followed by Pazzi’s Latin translation dated from 1536, and his own commentary. This study, by discovering the whole of the author's analyzes, shows that this comment, far from being anerroneous interpretation of Aristotle's text, is a first reading on the path of our modern understanding of the laws of poetic creation
13
Rossi, Ercolani Vincenzo. "Rabelais et la pharmacie dionysiaque : dépassement de l'ego à la Renaissance." Tours, 2007. http://www.theses.fr/2007TOUR2005.
Full textAbstract:
J’ai élaboré deux concepts : philologie pragmatique et médecine dionysiaque. Avec ces outils j’ai analysé les textes de Rabelais en faisant émerger la présence du pharmakon. J’ai cherché à comprendre quelle vision de l’homme s’accompagne d’une pharmaceutique dionysiaque. Cette démarche a impliqué une relecture d’un grand nombre d’auteurs (d’Homère à Ficin). J’ai ainsi élaboré une théorie de l’individualité prémoderne. Une fois que j’ai eu une alternative à l’interprétation courante (à la Renaissance l’homme moderne existe déjà), la pensée de Rabelais est devenue plus lisible. Le pharmakon trouve donc toute sa place dans une philosophie syncrétique cohérente qui sait valoriser la fonction ontologique de l’excès. Ainsi j’ai pu revenir au texte de Rabelais en lui redonnant une systématicité qui lui avait été déniée. Les éléments qui composent les œuvres de Rabelais participent tous d’une pensée cohérente (avec elle-même et avec son époque) que j’ai appelée : philosophie du dépassementFollowing two basic concepts of mine, pragmatic philology and Dionysian medicine, I have analysed Rabelais’ work pointing out the presence of the pharmakon. I have tried to understand what theory of man might go together with Dionysian pharmacology. To carry out this research a large number of authors (from Homer to Ficino) had to be analysed and in this way I have been able to draw up a theory of pre-modern individuality. By finding an alternative to the current opinion according to which the Renaissance would already present modern man, Rabelais’ thought appeared clearer to me. The pharmakon is part of a coherent syncretist philosophy that places a higher value on the ontological function of excess. Rabelais’ text can therefore regain its systematic structure. The elements that make up his work are all parts of a coherent thought (in keeping with itself and in relation to the Renaissance) which I called: philosophy of going beyond the Ego
14
Vélez, Posada Andrés. "Ingenia : puissances d'engendrement : philosophie naturelle et pensée géographique à la Renaissance." Paris, EHESS, 2014. http://www.theses.fr/2014EHES0030.
Full textAbstract:
La Renaissance a certainement été l'âge de l'ingenium. Entendue comme puissance d'engendrement, cette notion articule une pensée sur la productivité de la nature et investit les réflexions sur la singularité et la différence. Sa présence dans les pratiques et les réflexions artistiques est bien connue. Cependant, le rôle qu'elle a joué dans la philosophie naturelle, la médecine et la géographie a été moins étudié. Cette thèse prétend montrer que l'ingenium a été mobilisé à l'époque pour rendre compte de la variété des êtres humains, des opérations relevant de l'inventivité et des qualités des lieux de la Terre. Il s'agit donc de faire une géographie spirituelle de la culture de l'ingenium de la RenaissanceThe Renaissance was certainly the age of the ingenium. Interpreted as a generative power, this notion involves a thought on the productivity of Nature and expresses a reflection on singularity and difference. Its presence in the artistic practices and discourses is well known. However, its rôle in natural philosophy, medicine and geography has been less studied. This dissertation aims to show that ingenium was used in oder to understand the variety of human beings, the operations related to creativity and the différent qualifies of places on Earth. Hence, the purpose is to present a spiritual geography of the culture of ingenium of the Renaissance
15
Kieffer, Gilbert. "L'esthétique, entre philosophie et non-philosophie." Paris 10, 1995. http://www.theses.fr/1995PA100059.
Full textAbstract:
L'hypothèse de l'esthétique comme zone d'investigation ente la philosophie et la non-philosophie permettra de déceler les formes marginales du penser philosophique indirectement consacré, on généralise à l’art (non-esthetique 1); ou encore les dimensions réflectives des marges de l'art lui-même (non-esthétique?). Et peu à peu on fera l'abandon de ce point de vue restreint pour entrer dans un type de généralisations plus avancées (non-esthétique 3). Ces généralisations s'appuieront sur la démarche de pragmatique non-philosophique inventée par François Laruelle, que l'on conduira à trois niveaux d'exécution. Au niveau de pragmatique simple on adjoindra un niveau 2 de pragmatique combinatoire, par lequel on mettra en évidence, sur le rapport du "Parménide" de Platon, des positions esthétiques chaotiques. Une théorie sur une base non-philosophique peut non seulement inventer d'innombrables esthétiques, mais influer directement dans le domaine artistique. On envisagera au niveau pragmatique 3 (extratextuel une nouvelle approche et codification des perspectives (i. N. E. Perspectives), catalysée par une lecture non-philosophique de la "relativité". D'autres esthétiques, plus relativistes encore, peuvent alors surgir. On essayera d'en donner quelques exemples précis, en rapport surtout avec l'univers pictural.
16
Faye, Emmanuel. "Philosophie et question de l'homme en France à l'époque de la Renaissance." Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010698.
Full textAbstract:
Je m'efforce de montrer comment la philosophie de Descartes, avec son projet en 1636 d'une "science universelle pour élever notre nature à son plus haut degré de perfection", s'inscrit dans la continuité de la philosophie renaissante en France telle qu'elle s'est recentrée sur la question de l'homme et de l'accomplissement de ses virtualités, depuis la "scientia de homine" de Raymond Sibiuda (1436) et surtout l'"humana scientia" de Charles de Bovelles (1511), jusqu'à la formulation par Montaigne de l'existence d'une "science morale" (1580), et la définition par Pierre Charron de la "vraye science de l'homme" (1604). Ce travail constitue ainsi la première thèse française centrée sur l'œuvre de Bovelles, dont l'importance philosophique est restée trop longtemps méconnue. Bovelles est en effet l'auteur de la première philosophie moderne de l'homme, dégagée des christologies du XVème siècle (à la manière, par exemple, de celle qui conclut la docte ignorance de Nicolas de Cues). Plus généralement, on voit alors comment, sur la question de l'homme, philosophie et théologie se distinguent, en France, de manière progressive, mais radicale, grâce au travail de la pensée accompli de Bovelles à DescartesItry to show the philosophy of Descartes with his propect, in 1636, of "a universal science tendin to raise our nature to its highest degree of perfection", is in line with a general philosophical trend ahead atested in France by Raymond Sibiuda's "scientia de homine" in 1436, Charles de Bovelles's "humana scientia" in 1511, the formulation by Montaigne of the existence of a "moral science" in 1580, and the definition by Pierre Charron of "la vraye science de l'homme" (the true science of man) in 1604. I show how, as to the problem of man, philosophy and theology pregressively but radically differ. I also try to put into light the philosophical value of Charles de Bovelles's thought which is still too often underrated
17
Tozzi, Béatrice Tancelin Philippe. "Art et pouvoir." Saint-Denis : Université de Paris 8, 2009. http://www.bu.univ-paris8.fr/consult.php?url_these=theses/TozziThese.pdf.
Full text
18
BOCK, HEA SUCK. "Metaphysique et art mandalas : art zen et bouddhisme, et leurs rapports avec les artistes du xxe siecle (essentiellement americains)." Paris 1, 1998. http://www.theses.fr/1998PA010569.
Full textAbstract:
Le bouddhisme postule le vide et la conscience pure comme cause efficiente et finale de la nature. Dans la premiere partie, nous montrons que cette theorie influence la conception des mandalas sino-japonais et tibetains et sur l'art zen, et nous developpons deux explications: 10) explication de l'origine du mandala, de son developpement dans le contexte du bouddhisme esoterique indien, des mandalas sino-japonais et tibetains, et interpretations elargies du mandala bouddhique. C. G. Jung et m. Eliade font entrer le terme de mandala dans le domaine interculturel, en etablissant une relation entre certaines formes circulaires, symetriques et directionnelles, de l'epoque paleoplitique a notre epoque. 20) explications des notions essentielles de la philosophie bouddhique, de son developpement et de l'art zen. Dans la deuxieme partie, nous etudions comment sont reprises les conceptions bouddhiques dans le systeme formel des oeuvres d'art, dans la creation des mandalas, dans la psychologie creative et artistique, et dans l'appreciation de l'oeuvre d'art. Nous examinons en quoi ces differents courants influencent l'analyse artistique, en citant les ecrits des artistes et des cineastes americains, et en etudiant quelques artistes importants de l'histoire de l'art contemporain (ad reinhardt, m. Graves, i. Lassaw, p. Jenkins, sam francis, m. Tobey, william t. Wiley, j. Cage, r. Lippold, eric orr, j. Mccracken, c. Von wiegand, g. Onslow-ford, a. Atwell, j. Miles, g. Beker, j. Johns, o. Fischinger, j. Whitney, j. Belson, p. Sharits, malevitch, kandinsky, mondrian, pollock etc. )Buddhism postulates the void and pure consciousness as both the efficient and final cause of nature. In the first part, we show that this theory influences the design of sino- japanese and tibetan mandalas as well as the art of zen, through two explanations : 10) explanation of the origin of mandala, of its development in the context of indian esoteric buddhism, of sino-japanese and tibetan mandalas and extended interpretations of the buddhist mandala. C. G. Jung and mircea eliade introduce the mandala concept into the interculturel field, by establishing a relationship between certain circular, symmetrical and directional shapes, from the paleolithic era up until our time. 20) explanation of the basic tenets of buddhist philosophy, of its development and of the art of zen. In the second part, we study how the buddhist concepts translate into the formal system of the works of art, the creation of mandalas, artistic and creative psychology and the work of arts assessment. We examine how such concepts influence artistic analysis through the writings of american artists and directors, as well as through the study of important contemporary artists such as ad reinhardt, m. Graves, i. Lassaw, p. Jenkins, sam francis, m. Tobey, william t. Wiley, j. Cage, r. Lippold, eric orr, j. Mccracken, c. Von wiegand, g. Onslow-ford, a. Atwell, j. Miles, g. Beker, j. Johns, 0. Fischinger, j. Whitney, j. Belson, p. Sharits, malevitch, kandinsky, mondrian, pollock etc
19
Krieger, Sharon. "L'art et le judaisme." Paris 1, 1986. http://www.theses.fr/1986PA010508.
Full text
20
Boucherat, Véronique. "L'art en Champagne à la fin du Moyen âge : productions locales et modèles étrangers (v. 1485-v. 1535) /." Rennes : Presses universitaires de Rennes, 2005. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb400965098.
Full textAbstract:
Texte remanié de: Thèse de doctorat--Histoire de l'art et archéologie--Paris 4, 2001. Titre de soutenance : Recherches sur le rôle des modèles dans la production artistique en Champagne méridionale à la fin du Moyen âge : v. 1485 - v. 1535. N°: 2001PA040148.Bibliogr. p. 387-403. Index.
21
Richir, Luc. "L'invention du corps." Paris 12, 2000. http://www.theses.fr/2000PA120062.
Full textAbstract:
Contrairement a la peinture, la sculpture est consideree comme le parent pauvre des beaux-arts. L'esthetique, fondee sur la metaphysique platonicienne du visible, voit en elle un objet lacunaire qui ne peut se voir d'un point de vue unique et dominant. Cette "lacune" tient au fait que la sculpture est corps et non idee. Seul le sujet transcendantal (dieu) pourrait en effet voir une sculpture conformement aux criteres de l'idee : sous tous ses aspects simultanement. Pour rendre sa dignite a la sculpture, nous devons donc en passer par une critique des fondements metaphysiques et theologiques de la conscience transcendantale, afin de restituer a notre perception humaine (englobant voir et toucher) une apprehension juste de l'objet sculpte. Cette critique implique la remise en cause des notions de volume et d'espace, autrement dit une deconstruction radicale des presupposes de l'esthetique transcendantale.
22
Galaverna, Christine. "Philosophie de l'art et arts africains : une approche pragmatique." Grenoble 2, 1999. http://www.theses.fr/1999GRE29026.
Full textAbstract:
L'enjeu de cette these est l'elaboration d'une approche pragmatique de la philosophie de l'art, c'est-a-dire une approche prenant en compte l'ensemble du processus artistique depuis le projet de l'artiste jusqu'a l'activation de l'oeuvre par un public. Cette approche s'est construite a partir des ouvertures pragmatiques presentes dans langages de l'art de nelson goodman ainsi qu'a partir de l'exemple des arts africains compris comme exemple limite dans la mesure ou ils permettent de mettre en evidence les ambiguites de la problematique de l'art, notamment en ce qui concerne la definition de l'art. Ces ambiguites ont ete mises en evidence par l'examen des museographies presentant les objets africains en occident. L'approche pragmatique de la philosophie de l'art, soutenant que l'objet n'est pas donne mais construit, fait alors une large place a la notion de contexte. Celui-ci sera defini comme l'ensemble des situations et actions permettant de mettre en evidence les differentes phases du processus artistique : la production, la diffusion et la reception. Les analyses proposees dans cette these fournissent un mode d'explication de l'art en tant qu'activite humaine faisant intervenirde multiples agents : artistes et personnel de renfort (howard becker), marchands, collectionneurs, conservateurs, critiques, theoriciens de l'art, publics, dont les actions ne vont prendre sens qu'au sein du cadre general dans lequel elles s'inserent, cadre general qui sera defini comme monde de l'art. L'examen du masque danse (en afrique dite traditionnelle), ainsi que sa confrontation avec sa presentation museale (en occident) permet a terme de mettre a l'epreuve le modele pragmatique propose. Cette confrontation conduit notamment de definir le cadre general dans lequel s'insere le masque danse, non pas comme monde de l'art, mais comme monde rituel.
23
Cardinali, Philippe. "Esthétique(s) de l'image et de la ville dans l'Italie de la pré-Renaissance et de la Renaissance : 1297-1580." Paris 8, 2008. http://www.theses.fr/2008PA082951.
Full textAbstract:
Ce travail porte sur les deux révolutions, l'une iconico-iconologique, l'autre architecturalo-urbanistique, accomplies dans une Italie de la pré-Renaissance et de la Renaissance où le sensible, jusque-là tenu à la suite de saint Paul pour un vaste cryptogramme, se trouve investi d'une nouvelle dignité. La première voit l'image-signe céder la place à l'image-représentation, avec l'invention par Brunelleschi de la perspective géométrique. La seconde voit la Ville Herméneutique du Moyen Âge, labyrinthe sémiotique enchâssé dans un monde non moins énigmatique qu'elle, céder la place à la Ville Optique, qui déploie son intelligibilité sensible sous les yeux d'un homme devenu "operatore e speculatore delle cose", suivant la formule d'Alberti, premier théoricien de la perspective. Notre hypothèse est que ces deux révolutions ne constituent que les deux phases dialectiquement liées d'un unique processus, où un rôle central est joué par la perspective, qu'à l'instar de Panofsky et d'Argan, nous nous refusons à tenir pour un simple code figuratif. Prenant pour fil conducteur les images de la chose urbaine, la première partie de ce travail traite du passage de l'image-signe à l'image-représentation. L'exemple siennois permet de montrer que la géométrisation de l'espace physique opérée par la perspective géométrique s'inscrit dans la continuité d'une gestion républicaine des territoires urbains. La seconde partie étudie le passage de la Ville Herméneutique à la Ville Optique, celle-ci envisagée à travers les principales réalisations urbanistiques des Quattro et Cinquecento. Un épilogue envisage les prolongements les plus significatifs de cette double révolution jusqu'à nos joursThis work focuses on two revolutions, one iconic, the other architectural and urban, which took place in Italy during the Pre-Renaissance and Renaissance periods. After Saint-Paul, sensitivity was considered as a complex cryptogram. These two revolutions gave it a new dignity. In the first revolution, the image of sign gives way to the image of representation, with the invention of geometric perspective by Brunelleschi. The second one sees the Middle-Age Hermeneutic City (a semiotic labyrinth in a world as enigmatic as the city) give way to the Optic City. The latter is characterized by its sensitive intelligence of which the inhabitants, who have become "operatore e speculatore delle cose" (the expression of the first perspective theorist Alberti), are witnesses. Our hypothesis is that these two revolutions are simply two dialectically connected phases of a single process, in which perspective plays a central role. We refuse to consider perspective as a simple figurative code, as illustrated in Panofsky and Argan's theories. In the first part of this thesis, I deal with the transition from image of sign to image of representation, using the images of the urban representation. In the art of Sienna, we understand how the geometrisation of the physical space through geometric perspective is the continuation of a republican management of urban terrritories. The second part focuses on the passage from the Hermeneutic City to the Optic City, viewed in the main urban creations from the Quattro and Cinquecento eras. The most significant repercussions of this double revolution up to the present time, will be discussed in the epilogue
24
Frison, Danièle. "Le juif dans la tradition anglaise : Moyen âge et Renaissance /." La Garenne-Colombes : Éd. de l'Espace européen, 1992. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb35680769n.
Full text
25
Badet, Muriel. "L'enlèvement : les mouvements du désir : ses représentations dans l'art occidental, de la Renaissance au XXe siècle." Paris, EHESS, 2002. http://www.theses.fr/2002EHES0075.
Full textAbstract:
L'analyse se fixe sur un vaste choix d'œuvres et de textes littéraires ; ils constituent le corpus de départ. Leur confrontation permet d'étudier les enjeux de la représentation de l'enlèvement. Sans objectif chronologique, mais orientant le choix sur les enlèvements amoureux, la première interrogation se porte sur l'étymologie du terme " enlèvement " et ses diverses acceptions – du rapt (proche du viol) au ravissement (voisin de l'extase mystique). Se dégage une série d'actions comme emporter, soulever, déplacer. Les bouleversements et les élans antinomiques du désir sont figurés par la dynamique de l'enlèvement. Lorsqu'il est passion, l'enlèvement propose des images de traques amoureuses, de fièvres bestiales ; lorsqu'il est stratégies, la représentation arrête le mouvement et se concentre sur la présence de complices ou sur des signes permettant de déceler le piège dans lequel va tomber la victime. Par ailleurs, il apparaît, avec les exemples d'hommes enlevés par des femmes, que le désir est subit plutôt que décidé. La position de domination s'inverse pour celle de dominée. L'enleveur ne semble pas avoir d'autre alternative que de s'emparer du corps convoité. De même, bien plus que la mobilité, l'immobilité devient l'indice de l'émotion. Cette essentielle combinaison de la volonté et de l'apathie touche l'enlevée lorsqu'elle choisit de se laisser enlever. L'inertie figure le consentement et va jusqu'à l'image du ravissement où le corps est terrassé, où l'âme se pâme et s'envole dans une expression d'infinie jouissance. Déplaçant l'analyse vers la pratique sociale, nous constatons que si les enlèvements sont réprimés, les représentations articulent malgré tout l'imaginaire et la symbolique érotique du thème aux lois des alliances matrimoniales, à des discours panégyriques ou hégémoniquesThis study is based on a wide range of works and texts which provide the starting point. Their comparison allows to study the stakes of abduction representation. There is no chronological objective, but choosing the love abductions, the first question refers to the etymology of the term “abduction” and its various meanings, from rape to rapture. A whole series of actions follow such as to take away, to lift up, to move. The disruptions and contradictory impulses of desire are represented by the dynamic of abduction. When there is passion, the image used are those of amorous pursuit, brutal fevers; when it is strategic, the representation changes, and concentrates on the presence of accomplices or signs indicating the trap into which the victim will fall. The movement is stopped. In the examples of men abducted by women it would appear that desire is suffered rather than voluntary. The position of domination is reversed for the dominated. The only choice left to the abductor is to grabe the object of desire. At the same time, inertia rather than activity is the emotion's signal. The main combined of power and apathy affect the woman when she has decided to be abducted. The apathy represents and agreement and leads to the abduction, where the body is overwhelmed and where the soul swoons and flys away with a feeling of unlimited pleasure. Moving the study to the social experience, we notice that if abductions are punished, their representations mix the erotic symbol of the subject with the wedding rules, and with panegyric or hegemonic speeches
26
Schiano-Bennis, Sandrine. "La renaissance de l'idéalisme à la fin du dix-neuvième siècle." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040064.
Full textAbstract:
La renaissance de l'idéalisme à la fin du XIXe siècle (1870-1900). Mouvances et mouvements de l'esprit : l'érudition, la science, la philosophie et la morale. Climat d'idées, fonds intellectuel et moral. Les écrivains, dans le sillage de leur temps : une quête d'idées et d'idéaux. Substituts et succédanés des illusions perdues : le mal du siècle. L'homme, le réel et la vérité. Pessimisme, scepticisme, idéalisme : parente et filiations d'idées. L'homme et les théories de la connaissance. La passion de l'intellectualisme. Crise et métamorphoses de la pensée. Le retour à la métaphysique et à l'ontologie. Implications esthétiques et littéraires. Les exemples de Mallarmé, Villiers de L’Isle-Adam, Huysmans, Jules Laforgue, Paul Bourget, Maurice Barrès, Anatole France, Remy de Gourmont, André Gide, Léon Bloy, Joséphin Péladan,. . . Tendances psychologiques. Dilettantisme, égotisme. Le tourment de l'unité. Les avatars du mystère. Les succédanés de la morale et de la religionThe rebirth of idealism at the end of the nineteenth century (1870-1900). Actions and reactions; an intellectual movement. The writers in the wake of their age. New ideas and ideals: against positivist theories. Human, reality and truth: theories of knowledge, story of a desillusion. Pessimism, scepticism, idealism: new state of mind and intellectualist formula. The return of metaphysics: French, German and English works. The reception of systems: a psychology of conviction which complied well with the polemical requests of the time. Some exemples of idealist figures in literature (Mallarmé, Villiers de L’Isle-Adam, Huysmans, Jules Laforgue, Paul Bourget, Maurice Barrès, Anatole France, Remy de Gourmont, André Gide, Leon Bloy, Josephin Péladan,. . . ) Dilettantes and intellectuals. The starting-point of an aesthetic; fictions and expressions of the self. Idealism, mysticism: substitutes for ethics and religion
27
Riviale, Laurence. "Le vitrail en Normandie entre Renaissance et Réforme, 1517-1596 /." Rennes : Presses universitaires de Rennes, 2007. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb411726022.
Full textAbstract:
Texte remanié de: Thèse de doctorat--Histoire de l'art--Tours, 2004. Titre de soutenance : Le vitrail dans les anciens diocèses de Rouen et d'Evreux : formes et réformes (1517-1596).Bibliogr. p. 404-419. Index.
28
Rabbi-Bernard, Chiara. "De la fabrique du corps à l'art du vivant : de la connaissance et de la représentation du corps humain à travers l'évolution du savoir anatomique et son rapport avec l'art à la Renaissance." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1997PA040316.
Full textAbstract:
C'est à la Renaissance et grâce au lien entre l'art et l'anatomie que la connaissance de la structure et du fonctionnement du corps humain se développera sur des bases méthodologiques et épistémologiques permettant d'en saisir la réalité objective. La démarche commune entreprise par les médecins et les artistes anatomistes, basée à la fois sur l'observation directe du corps humain et sur la reproduction de la réalité observée dans des iconographies anatomiques, a joué sans aucun doute un rôle prépondérant dans cette évolution. En d'autres termes, c'est à la fois à travers le voir et le donner à voir qu'a pu progresser la connaissance et la représentation du corps. En effet, le fait de tout simplement voir et observer directement la réalité corporelle n'aurait pas été suffisant pour remettre en cause tout ce que le savoir anatomique, prisonnier du dogme galénique, avait affirmé jusque-là. Il fallait que ce savoir réservé au petit nombre de ceux qui participaient aux leçons d'anatomie puisse être divulgué à un plus grand nombre. Il s'agissait donc de voir mais aussi de montrer et ceci afin de démontrer. D'où la nécessité des iconographies anatomiques et donc de l'image qui, si on la considère comme un langage, est plus facilement et plus sûrement compréhensible que le verbe surtout à une époque où n'existait pas encore dans ce domaine une codification terminologique précise. S'il est donc permis de penser que le lien avec l'art s'est posé pour l'anatomie en termes d'évidence et de nécessité, l'inverse est également vrai. En effet, l'art, grâce à la connaissance anatomique, pourra donner du corps une représentation plus fidèle et plus proche de la réalité, d'une beauté jusque-là jamais atteinte. C'est aussi grâce à l'anatomie que l'art a pu commencer à envisager le corps humain autrement qu'à travers une conception abstraite des proportions qui voyait les mesures de l'homme basées sur des correspondances mathématiques et harmoniques fixées a priori. L'anatomie apporta également aux artistes une connaissance empirique du corps et par la même une meilleure appréhension de la singularité qui caractérise chacun d'entre eux. Ce qui les conduisit, sur le plan de la représentation, à une meilleure définition de l'identité et de l'individualité des personnages. Grâce et à travers le lien entre l'art et l'anatomie à la Renaissance, la vision et la perception du corps…
29
Pellé, Anne-Sophie. "Aemulatio Italorum, la réception des estampes de Mantegna par Dürer et ses contemporains germaniques : la gravure comme agent d'émulation culturelle à la Renaissance." Thesis, Tours, 2016. http://www.theses.fr/2016TOUR2006.
Full textAbstract:
Au début du XVIè siècle, le territoire germanique apparaît comme le foyer de réception non seulement le plus important mais aussi le plus fécond des estampes du peintre italien Andrea Mantegna (1431-1506). De Dürer à Peter Vischer à Nuremberg, de l’atelier d’Ulrich Apt à celui de Jörg Breu l’Ancien à Augsbourg, d’Hans Baldung Grien à Matthias Grünewald dans les régions rhénanes, d’Urs Graf à Jörg Schweiger en Suisse, de l’atelier d’Altdorfer implanté à Ratisbonne à celui de Wolf Huber situé à Passau : tous les centres artistiques et humanistes du monde germanophone sont concernés. Inscrite dans la problématique des transferts culturels, cette thèse vise à montrer, par une approche résolument pluridisciplinaire, que la réception des modèles gravés italiens en Allemagne ne se borne pas aux emprunts formels et stylistiques, mais s’intègre dans une réflexion sur l’émulation, qui tient compte des spécificités à la fois historiques et culturelles du Saint Empire Romain germaniqueDuring the early 16th century the German territory was not only the most important but also the most fruitful center for the circulation of Italian painter Andrea Mantegna's (1431 - 1506) prints. From Dürer to Peter Vischer in Nuremberg, from Ulrich Apt's workshop to Jörg Breu the Elder in Augsbourg, from Hans Baldung Grien to Matthias Grünewald in Alsace, from Urs Graf to Jörg Schweiger in Switzerland, Altdorfer's workshop, located in Regensburg to Wolf Huber's in Passau. Basically all artistic and humanist centers in the German-speaking world were concerned. This thesis takes as its primary object the problematic of cultural transfers and aims at showing, through a multidisciplinary approach, that the German reception of Italian engravings is not only limited to formal and stylistics aspects but it is integrated in a reflection regarding the emulation, which will take into account both historical and cultural particularities of the German Sacred Roman Empire
30
Godin, Christian. "La totalité : les arts et la littérature." Paris 1, 1993. http://www.theses.fr/1993PA010736.
Full textAbstract:
Fragment d'un travail encyclopédique consacre au sens et à la fonction de la notion de totalité dans tous les domaines de la pensée et du réel, cette thèse analyse les différentes modalités qui rattachent cette notion au projet artistique et littéraire, dans l'universalité de ses formes d'expression. Après une introduction constatant la contingence historique de ce que nous appelons art, un premier chapitre analyse les catégories, liées à celle de totalité, qui ont une fonction spécifique dans les domaines de l'art et de la littérature : totalité extensive, totalité intensive et non-totalité (celle-ci vue sous les trois aspects de la détotalisation, du fragment et de l'inachevé). Le deuxième chapitre repère le jeu de ces catégories dans le domaine des arts plastiques - architecture, sculpture, peinture -, le troisième chapitre s'occupe du domaine musical, et le quatrième chapitre de littérature. L'œuvre d'art totale et les arts du spectacle comme synthèse des arts sont l'objet du cinquième et dernier chapitre. Ainsi, jusqu'au sein des crises de notre temps éclaté, la totalité apparait-elle non seulement en tant que fait mais comme valeur à la fois impossible et nécessaire, présenté à travers son absence même, et triomphante bien que paraissant vaincue et dépasséeThis is an excerpt from a dissertation encyclopaedic in scope, and that deals with the drift and purpose of the concept of totality in every field of thought and reality. The work as a whole investigates how the above concept operates within artistic and literary patterns, that is, all through the medium of expression at large. The introduction broaches the subject of what is known to us as art, insofar as it is contingent on history. Chapter one goes on to detail such patterns as are incidental to totality inasmuch as they have a purpose in the arts and literature. We understand totality as referring to 1e) extensive encompassment 2e) intensive encompassment and 3e) non-encompassment (this latter encompassing the three aspects of a) dissolving intension b) fragmentation and c) non completion). Chapter two takes a look at the interplay of these patterns in the fine arts (i. E. Architecture, sculpture and painting). Chapters three and four deal with music and literature, respectively. The universal art-work and the art forms as a synthesis of all arts form the substance of the fifth and last chapter. Consequently, totality, at the heart of the rent fabric of our times, is not only a fact, but also stands out as a value at once impossible and necessary. Totality, present even when it is wanting, wins out however overwhelmed and outdated it may appear
31
Harari, Yuval Noah. "Renaissance military memoirs : war, history, and identity, 1450-1600 /." Woodbridge : Boydell Press, 2004. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb392083492.
Full textAbstract:
Texte remanié de: Th. Ph. D.--Oxford--Jesus College, 2002. Titre de soutenance : History and I : war and the relations between history and personal identity in Renaissance military memoirs, c. 1450-1600.Bibliogr. p. 205-218. Index.
32
Maia, Tomás. "Le Deuil de personne : la possibilité de l'art et le tragique moderne." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2004. http://www.theses.fr/2004STR20054.
Full textAbstract:
La thèse affronte la plus ancienne question que l'on peut poser à propos de l'art, celle de son origine ou de sa possibilité. Nous partons d'une hypothèse générale sur l'Occident artistique : par l'art, les humains cherchent à renaître, mais une telle répétition de la naissance ne devient possible qu'à travers son strict revers - la répétition ou, plus exactement, l'anticipation de la mort. L'art serait à ce titre l'expérience de ce que certains sociologues et historiens des religions appellent la " mort-naissance " ou la " mort initiatique ". Dès lors, le souci le plus profond de la thèse revient à distinguer - autant que faire se peut - l'expérience artistique de l'expérience religieuse, si l'on admet que l'advenue des temps modernes coi͏̈ncide avec l'effondrement de la " religion positive " (des dogmes et du pouvoir ecclésiastique). Cette hypothèse générale est pourtant abordée sous un angle déterminé - celui du tragique. Outre le besoin de définir la teneur concrète de la thèse, cette restriction s'est imposée pour essentiellement deux raisons : c'est dans le tragique que l'on perçoit de façon explicite la conjonction de la mort et de la naissance du sujet de l'art (du héros, en l'occurrence), et c'est autour du tragique que l'on peut discerner ce que nous appellerons la croisée moderne des pensées sur l'art (face à la religion), - nommément celles de Hegel (l'art est une religion du passé), de Schelling (l'art est la religion de l'avenir) et enfin de Hölderlin (l'art se dessaisit sinon de la religion du moins du religieux en tant qu'exigence sacrificielle). Alors, il se fait jour que la possibilité de l'art - se séparant du sacrifice, ainsi que nous le donne à penser Hölderlin - provient de l'expérience du deuil impersonnel. Soit, du deuil représenté qui ne concerne personne en particulier mais qui s'adresse à tout le monde : à l'humanité mortelleThe thesis addresses the primordial question raised by art : that of its origin or of its very possibility. Our starting point is a general hypothesis on art in the Western world : human beings strive for a rebirth through art, yet it is only through the precise opposite that this renaissance becomes possible -that is, through the repetition, or more specifically, the anticipation of death. Thus, art is the experience which some sociologists and historians of religion would call "deathbirth" or death as initiation. The aim of this thesis is, above all, to distinguish as far as possible between the artistic and the religious experience given that the heralding of modern times has coincided with the collapse of "positive religion" i. E. Of dogmas and ecclesiastic power. .
33
Pasanen, Kimmo. "Le tableau vide, le sens de l'oeuvre et les jeux de l'art." Paris 1, 1995. http://www.theses.fr/1995PA010656.
Full textAbstract:
Cette these etudie les artistes representatifs de l'art non figuratif qui ont, par leurs oeuvres et par leurs propos, souleve les questions du contenu et du sens de l'oeuvre abstraite, a laquelle ils ont donne la forme extreme du tableau vide. Le tableau vide souleve la question du rapport de la ressemblance et de l'identite de la representation et du represente. La these aborde cette question dans une double perspective: dans la premiere partie elle traite de la signification de l'oeuvre vide, telle que les peintres l'ont concu et dans la deuxieme partie de la signification en general, dans un cadre philosophique. Dans le but de fusiionner ces deux analyses sur un plan theorique, la tjhese construit le concept de jeu de l'art, qui se fonde, en premier lieu, sur la philosophie de jeu de langage de wittgenstein, et son developpement ulterieur en termes de la semantique de jeu de langage et des mondes possible, notamment elabore par jakko hintikka, et en deuxieme lieu, sur la notion de l'art en tant qu'activite et sur la theorie de l'actionIn this thesis, the question of the contents and meaning of an abstract painting is being studied by analysing the works and writings of an rumber of artists in different cultures and epochs who have realized their ideas in the form of an empty painting. The empty painting brings forth in particular the question about ressemblance and identity between the representation and the reality represented, the basic issue of images. The theses elucidates this question from two angles: in the first part, it analyses the meaning of the empty painting as conceived by the artists in question, and in the second part, it analyses the question of signification in philosophical terms. The concept of games of art is formulated in order to join these two analyses within a general theoretical framework. This concept is based in the first place on the work of wittgenstein on langage games and their further developments in terms of philosophical semantics of language games and possible worlds, in particular by jaakko hintikka. Secondly, the formulation of the games of art is based on the notion of art as an activity and on the philosophical theory of action
34
Boitel, Frédérique. "Le corps dans les champs contemporains de la picturalité et de la sculpturalité." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010579.
Full textAbstract:
Cette recherche se propose d'embrasser les champs des arts plastiques, sans distinction morphotypique. Ces espaces de sens ne se réduisent ni aux médiums et à leurs techniques, ni aux limites matérielles de l'objet. Il s'agit de voir en quoi le champ est le lieu et le moment d'une rencontre avec l'oeuvre. L 'oeuvre n'est pas l'occasion, mais l'objet et le sujet qui se réfléchit. Par elle se découvrent les questions soulevées par l'art contemporain, qui remet en cause la nécessité de la distinction des champs. Le corps dont il s'agit ici n'est pas le corps représenté mais le corps spectatoriel, moins parce qu'ils se disjoignent que parce qu'ils se retrouvent. Corps à l' oeuvre et corps de l' oeuvre, il est faculté perceptive et latence de sens. Cette expressivité de l' oeuvre rencontre le corps spectatoriel et peut conduire un temps à distinguer des champs de sens sans conduire nécessairement à distinguer les oeuvres par leur champ. Celui-ci fait figure sous les formes plurielles de déplacements perceptifs, renouvelés à leur tour par les lieux de sens qu'il préfigure. Il ne donne à voir que par passages, sous la figurabilité du geste qui s'affronte au monde. L 'oeuvre est perpétuel déplacement, monument offert à la théâtralité d'un apparaître qu'il s'agit de discerner. En ce sens, il n'est de champ que parapport à un hors-champ comme il n'est de visibilité que tramée d'invisibilité. Il n'est pas un signe mais il fait signe à l'oeuvre. Il témoigne du procédural en ce qu'il participe des projections et des interjections qu'il appelle. Entre l'oeuvre et le faire oeuvre s'ouvrent toutes les latences de l'action et de la déception. Entre l'oeuvre et son champ se joue l'enjeu d'une présence parfois virtuelle, un sens à donner. L'art est plus qu'une fenêtre sur le monde, il est dans le monde et comme possédé-dépossédé par lui. L'artiste produit le geste qui pointe le monde, le spectateur est acteur d'une scène dont il ne peut se dégager qu'en se retirant du jeu de l'art.
35
Guillermic, Sandrine Pouivet Roger. "Musique, propriétés expressives et émotions." S. l. : Université Nancy 2, 2007. http://cyberdoc.univ-nancy2.fr/htdocs/docs_ouvert/doc296/2007NAN21008.pdf.
Full text
36
Duong, Sophie. "Les "hermaphrodites", des phénomènes au carrefour des savoirs et des conceptions scientifiques et philosophiques : une étude sur l'"objectivation" scientifique et médicale des hermaphrodites de la Renaissance au début du XVIIe siècle." Paris 7, 2010. http://www.theses.fr/2010PA070025.
Full textAbstract:
Ce travail a pour objectif de proposer une histoire conceptuelle de l’hermaphrodisme pendant le 16e et le début du 17e siècles à travers l'étude des concepts scientifiques et philosophiques liés à l'existence des hermaphrodites humains en relation avec l'évolution conceptuelle de l'idée/la notion de « monstres », de la génération, de la différenciation des sexes et de l'organisation des organes sexuels. D'une part, cette étude propose de montrer que, au cours de la Renaissance en Europe (Allemagne, Italie, Espagne, France), l'héritage antique et médiéval des savoirs et des conceptions liés aux hermaphrodites et aux monstres a été l'objet des interrogations et des recherches des savants et a été renouvelé et à travers la redécouverte de l'anatomie notamment pour les hermaphrodites. D'autre part, son objectif est de démontrer qu'une impulsion, elle-même renouvelée, a cherché à rétablir les hermaphrodites et les monstres dans le seul domaine de sciences naturelles, les excluant du domaine de la divination, à partir de la deuxième moitié du 16e siècle, voire à ne regarder les hermaphrodites que comme des êtres humains présentant une anomalie certes, mais une anomalie mineure qui pose néanmoins la question de l'appartenance à l'un ou l'autre genre. Loin de proposer une histoire conceptuelle linéaire et considérant les possibles influences de ces concepts sur les conditions et le statut social des hermaphrodites, cette étude met en exergue deux « traditions » dans l'interprétation et la présentation des hermaphrodites, coexistant durant le 16e siècle et soulevant des questions encore débattues aux siècles suivants, comme l'existence de l'hermaphrodite « parfait »This work aims to propose a conceptual history of hermaphrodism during the 16th and the early 17th centuries, through the study of the scientific and philosophical concepts linked to the existence of human hermaphrodites, in the conceptual evolution of the idea/the notion of « monsters », of generation, of differentiation of sexes and of the organization of genitalia. On the one hand, this study intends to show that during the Renaissance in Europe (Germany, Italy, Spain, France), the ancient and medieval heritage of scholarships and conceptions linked to hermaphrodites and monsters was the subject of scholars' questions and research and was renewed and enriched through the re-discovery of anatomy, in particular for hermaphrodites. On the other hand, its purpose is to demonstrate that an impulse, itself renewed, tried to restore hermaphrodites and monsters only In the domain of natural sciences, excluding them from the domain of divination from the second-naïf of the 16th century onwards, or even attempted to consider hermaphrodites only as human beings certainly presenting an anomaly, but a minor anomaly which nevertheless calls into question one's belonging to one or the other gender. Far from proposing a linear conceptual history, but considering the possible influences of these concepts on the conditions and social status of hermaphrodites, this study highlights two « traditions >; in the interpretation and presentation of hermaphrodites, which coexisted during the 16th century and raised questions still debated during the next centuries, such as the existence of the « perfect » hermaphrodite
37
Saint-Eve, Justine. "Machiavel relisant Tite-Live : entre politique et histoire, entre Renaissance et Antiquité." Thesis, Université Laval, 2013. http://www.theses.ulaval.ca/2013/30188/30188.pdf.
Full textAbstract:
Ce mémoire traite des Discours sur la Première Décade de Tite-Live de Nicolas Machiavel. Notre problématique est de savoir pourquoi Machiavel s'est intéressé à l'Histoire Romaine de Tite-Live, dans quelle optique il la lit, la commente et comment il en tire des leçons pour la vie politique de Florence. Dans un premier chapitre, nous présentons notre méthode qui s'inspire de l'école contextualiste de Cambridge. Nous replaçons ensuite Machiavel dans son époque à travers une brève biographie puis nous présentons l'Histoire Romaine de Tite-Live, ainsi que son auteur. Dans un second chapitre nous présentons les Discours sur la Première Décade de Tite-Live et le contexte de leur rédaction. Nous démontrons pourquoi cette œuvre de Machiavel est à la fois en continuité et en rupture avec leur époque (la Renaissance). Nous étudions les liens possibles entre l'antique Rome et Florence au XVIe siècle. Nous commentons ensuite certains chapitres des Discours à titre d'exemple. Dans un troisième chapitre, nous traitons des enjeux philosophiques des Discours: la vision de l'Histoire qui en ressort, le rôle des concepts de virtù et de fortuna et enfin, la possibilité d'actualiser l'approche de Machiavel, c'est-à-dire prendre en compte - ou non - les exemples de l'Histoire pour décider aujourd'hui des modes de l'agir politique.This master thesis is about Niccolò Machiavelli's Discourses on Livy. Our main issue is to know why did Machiavelli interest in Livy's History of Rome, from which point of view did he read and comment on it, and the political lessons he taught Florence from it. In chapter one, we present our method inspired from the Cambridge contextualist school. Next, we put Machiavelli back in his time through a short biography; then we present Livy's History of Rome, and the author himself. In chapter two, we present the Discourses on Livy and the background in which Machiavellli wrote it. We demonstrate how this work follows on from the Renaissance litterature and at the same time breaks with it. Then we study the possible connections between the ancient Rome and the 16th century Florence. Afterwards, we comment some chapters of the Discourses, as an exemple. The last chapter deals with the philosophical issues in the Discourses: which view on History reveals through it, which part do play the concepts of virtù and fortuna and finally, the possibility of updating Machiavelli's approach, that is to say taking - or not - into account the historical exemples as a guide for today's political action.
38
Buydens, Mireille. "Formalisme et aformalisme: essai sur le statut de la forme et du regard au travers d'une analyse du maniérisme." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 1994. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/212664.
Full text
39
Le, Nen Dominique. "Renaissance de la main aux XVème - XVIème siècles : une communion entre art et science." Nantes, 2005. http://www.theses.fr/2005NANT2113.
Full text
40
Mitalaité, Kristina. "Philosophie et théologie de l'image dans les "Libri Carolini" /." Paris : Institut d'études augustiniennes, 2007. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb41151636q.
Full textAbstract:
Texte remanié de: Thèse de doctorat--Sciences religieuses--Paris--École pratique des sciences religieuses, 2004. Titre de soutenance : La philosophie et la théologie de l'image artificielle dans les "Libri Carolini.Bibliogr. p. 499-521. Index.
41
Desmet, Nathalie. "Les expositions "vides" : économies et représentations (1957-2010)." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010622.
Full textAbstract:
De nombreuses expositions « vides» ont été réalisées depuis celles d'Yves Klein jusqu'à la rétrospective de neuf expositions « vides » au Centre Georges Pompidou et à la Kunsthalle de Berne en 2009. Ces expositions relèvent d'un dispositif construit autour d'une rhétorique du vide articulée par les critiques, puis les commissaires, qui ne correspond que très rarement aux propos des artistes. Leurs modes d'existence propre, leurs spécificités - la disparition apparente de la proposition artistique, l'autorétlexivité de l'exposition, la surexposition des lieux, le décept du visiteur - nous ont conduit à analyser l'évolution de leur marque fonctionnelle. Les expositions « vides» s'accordent avec les valeurs d'une économie tertiaire. Elles participent aux notions de notoriété, de réputation, typiques de ce que l'on nomme l'image de marque et plus largement d'une économie de l'attention, une source rare, qu'il faut savoir capter. L'exposition « vide » apparaît comme un méta-dispositif de représentations et de communication pour l'institution qui se fonde sur un jeu de transparences et d'opacités mettant en avant de nouvelles politiques représentationnelles. Sa muséalisation s'affirme d'ailleurs au moment où est identifié un nouvel institutionnalisme. En associant modalités de perception des œuvres et valeurs institutionnelles, l'institution participe plus que jamais des pratiques curatoriales. Elle donne aussi tacitement aux commissaires un nouveau programme: celui de valoriser l'institution. Derrière un art qui semble constitutif d'une dématérialisation des constituants de l'expérience esthétique se fait jour une esthétisation de l'institution et de son organisation.
42
Hayat, Michaël. "Représentation et anti-représentation, des beaux-arts à l'art contemporain /." Paris ; Budapest ; Torino : l'Harmattan, 2002. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb38940399k.
Full text
43
Madeline, Bertrand. "Les images vivantes à la Renaissance : légendes, discours et représentations." Thesis, Paris, EHESS, 2021. http://www.theses.fr/2021EHES0007.
Full textAbstract:
Que peuvent bien avoir en commun une dague milanaise, portant l’inscription latine DANIELO ME FECIT / IN CASTELO MEILANO 1475, et un Lièvre dessiné par Albrecht Dürer en 1502 ? Comment penser ensemble un automate, comme le moine-mécanique de la Smithsonian Institution de Washington, datant de 1560-1570 et attribué à Juanelo Turriano, et une tête mutilée d’une statue d’évêque sculptée par Albrecht de Nuremberg, entre 1510 et 1520, et provenant du charnier de Berne ? Qu’est-ce qui peut rassembler : la Complainte des pauvres idoles, illustrée par Erhard Schoen vers 1530, et l’Atlas inachevé de Michel-Ange, sculpté entre 1519 et 1536 ; une image infamante et une peinture de Titien ; le sfumato chez Léonard de Vinci et une planche anatomique de la Renaissance, dans laquelle un écorché animé dévoile lui-même les mystères de sa corporis fabrica ; un encomium emphatique du discours sur l’art qui exalte l’illusion de vie d’une peinture ou d’une sculpture, et un contrepoids votif de la fin du Moyen Âge ; la personnification doublée de prosopopée que constitue l’Éloge de la Folie d’Érasme et l’effigie funéraire en cire de François Ier que Jérôme Cardan qualifiait d’imago viva ?Tous ces objets matérialisent une présence et entretiennent un lien étroit avec la question, chère à la Renaissance, de l’image vivante. À la Renaissance, l’image vivante est un objet pluriel ; elle est un problème dont il faut saisir l’épaisseur anthropologique ; elle est enfin un objet théorique, c'est-à-dire une construction susceptible de créer, comme l’écrit Giovanni Careri, « une tension féconde entre la singularité d’un objet et la généralité d’une théorie »What could a Milanese dagger bearing the Latin inscription DANIELO ME FECIT / IN CASTELO MEILANO 1475 and the Hare drawn by Albrecht Dürer in 1502 have in common? What brings together an automaton, such as the mechanical monk of the Smithsonian Institution in Washington, dated to 1560-1570 and attributed to Juanelo Turriano, and the mutilated head of a bishop’s statue sculpted by Albrecht of Nuremberg between 1510 and 1520 and discovered in a mass grave in Bern? What do the following objects share: the Complaint of the Poor Persecuted Idols, illustrated by Erhard Schoen around 1530, and the unfinished Michelangelo’s Atlas, sculpted between 1519 and 1536; a pittura infamante and a painting by Titian; Leonardo da Vinci’s sfumato and a Renaissance anatomical illustration in which an animated flayed body reveals the mysteries of its corporis fabrica; an emphatic encomium of art discourse that exalts the illusion of life in a painting or a sculpture, and a votive counterweight from the late Middle Ages; the personification and prosopopeia that are fundamental to Erasmus’s Praise of Folly and the wax funerary effigy of Francis I that Jerome Cardan described as an imago viva?All these objects materialize a presence and have a close link with the topos, dear to the Renaissance, of the living image. During the Renaissance, the living image was a multiple phenomenon, with an anthropological dimension that this dissertation seeks to elucidate. For art historians today, it is also a theoretical object, that is to say a construct that can activate, as Giovanni Careri wrote, « a fruitful tension between the singularity of an object and the generality of a theory »
44
Tăutu-Ruhen, Eugène Dumitru. "Art et esprit dans la philosophie de Hegel : essai de synthèse." Poitiers, 2005. http://www.theses.fr/2005POIT5008.
Full textAbstract:
Nous sommes avertis, par Heidegger, dans son « Acheminement vers la parole » , 1976, p. 276, « Toute pensée qui déploie le sens est poésie ». C'est le point de départ pour son interprétation phénoménologique sur la « Critique de la raison pure ». L'essai de synthèse esthétique est construit sur celui-ci. L'art du verbe aufheben assume l'assomption, l'histoire de l'humanité où l'Esprit devient par l'homme une œuvre d'art, le prix du sacrifice, le seul attribué à priori à l'âme. Réponse ou mise en demeure de l'Être, Délivrance ou Résurrection, elle est la seule qui peut créer Temps de Vie et Vie en elle-même, par éclaircissement tragique. Passage, dépassement de l'Esprit sur la mort ou synthèse tragique, la réponse est la question murée. Comprendre l'immortalité de l'âme, avoir la clairvoyance de l'agnelle « Miorita », dire, faire, accomplir « Oui ! », dans tous les printemps de l'homme, à la Vie, à l'Amour Universel, avec toute la faim et la soif de la Vérité. Le sens est donné à la fin, par le poème « De l'Être de la sagesse », la septième réponse imaginaire du roman épistolaire « le pèlerin de Bordeaux ». Le point 3 de la trilogie, la foi de la pure intellection et sa réponse imaginaire est composé en cinq chapitres (I) pareil avec le titre du point 3 de la trilogie ; (II) esprit tragique et /ou consubstantialité ; (III) entre le nombre d'or et la philosophie de l'esprit ; (IV) phénoménologie et/ou tautologie et (V) le poème « De l'Être de la Sagesse » qui est le seul présenté, pour mettre au monde et prendre sur soi la réponse imaginaire de la foi, dans le cœur de recueillement innig keimen (Hölderlineen), par la Réponse à la révélation d’Hypérion et à la Phénoménologie de l'Esprit, par la réponse à son Être en soi, De l’Esprit (Exil et Retour) à La Sagesse de la TerreAccording to Heidegger, in his book : « On the Way to language », 1976, p. 276, “Any thought which deploys sense is poetry”. This is the starting point in his phenomenological interpretation und testimony of “The criticism of pure reason”. His attempt of an aesthetic synthesis stems from this starting point. The art of the verb aufheben recognises the Assumption of humanity, its History where “the spirit through mankind becomes art”, the price of sacrifice, a priori the only price given the soul. Whether a response from the Being or a demand, whether a Deliverance or a Resurrection, the soul is the only thing that can either create a lifespan or life itself thanks to its tragic enlightening. Is death a transition (by transcendentalism?), the overtaking of the spirit, or tragic summary? The answer lies trapped within the question. One needs to understand the immortality of the soul, one needs to be as clear sighted as the ewe “Miorita”, with a positive ness in word, in action an in accomplishment, saying “Yes” in all our ages, yes to life , yes to universal love, with a craving hunger and thirst for the Truth. We are given the meaning at the end with the poem “About the Being of Wisdom” which is the seventh imaginary answer to the epistolary novel “Bordeaux's Pilgrim”. Third point of trilogy : “THE FAITH OF THE INTELLECTUAL PURITY UND THE IMAGINARY ANSWER” continence five titres : (I) (le titre for the third point of trilogy); (II) THE TRAGIC SPIRIT UND/OR THE CONSUBSTANTIALITY; (III) INTO THE NUMBER OF QUANTITY IN GOLD UND THE PHILOSOPHY OF SPIRIT; (IV)THE PHENOMENOLOGY UND/ OR THE TAUTOLOGY; (V) the poem “ABOUT THE BEING OF WISDOM”, the only text of trilogy present, for to bring into the world und to take on oneself the answer imaginary of faith, by heart to germinate hölderliniens imaginary answer, by The answer at The Hyperion Revelation und at The Phenomenology of Spirit, by the answer in the to by of faith, of Spirit (the exile und the return) at Earth's Wisdom
45
Delerins, Richard. "Le goût des saveurs : art culinaire et philosophie à l'âge classique." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010667.
Full textAbstract:
A l'âge classique (XVIe - XVIIIe siècles) cuisine et philosophie ont entretenu des liens étroits; les cuisiniers ont emprunté aux philosophes leurs idées sur la nature et sur la « nature humaine»; les philosophes se sont interrogés sur l'alimentation et sur l'art culinaire. Que signifie lire et interpréter les recettes de cuisine anciennes : du Mesnagier de Paris (1393) à L'Art de la cuisine française au XIX siècle d'Antonin Carême (1832) ; la classification et le statut des aliments; les relations entre médecine, pharmacopée et alimentation; la diététique; les relations entre l'âme et le corps; la physiologie de la nutrition; les relations entre alchimie et cuisine; qu'est-ce qu'un aliment ?; la structure et la dynamique de l'« espace alimentaire» ; les principes de cuisson des aliments; La Varenne et l'invention de la cuisine française au milieu du XVIIe siècle; la réforme de la matière et des savoirs alimentaires; les représentations et les modèles du goût et des saveurs; les savoirs des grands chefs du siècle des Lumières : L. S. R, Massialot, Marin, Menon ; l'architecture du système culinaire français; la cuisine et son statut parmi les arts: peut-on parler d'une esthétique culinaire? Le goût et les saveurs ont-ils une histoire?
46
Boubli, Lizzie. "Ostinato rigore - destinato rigore, variante et variation dans le dessin italien : modes et pratiques au XVIe siècle." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010501.
Full textAbstract:
Étudiées dans le domaine musical, littéraire ou esthétique, les formes de la variante et de la variation sont appliquées ici à une discipline très différente, plus concrète, le dessin italien de la renaissance. Ce travail présente à la fois la genèse et les formes diverses prises par la variante dessinée à partir de la seconde moitié du XVe siècle pour en comprendre les développements et le plein épanouissement au XVe siècle. Les variantes jouent un rôle de premier plan dans la constitution de répertoires de formes réutilisées par l'atelier ou par ses propres membres, et dans la diffusion des modèles employés par un atelier à diverses fins utilitaires. La typologie des variantes est fondée sur une définition stable où la variante se rapporte à une forme de référence ou invariant dont chaque alternative peut engendrer des développements autonomes, concrétisés ou non par la suite. La variation dans le dessin est ici définie comme une suite de dessins qui modifient les formes ou les contenus thématiques, mais tous développés selon un même principe initial : cette expression de la variation est particulièrement évidente dans les changements iconographiques ou les mutations du thème peuvent en transférer le sens et se déployer au moyen de variantes pour former ensemble une variation. Selon le contexte, les variantes peuvent édifier ou modifier la disposition d'une figure, d'un groupe, structurer la composition générale, contribuer a créer l'illusion du mouvement et des effets rythmiques inhérents à la mimesis, ou enfin être un moyen efficace, par un effet répété mais toujours varié, de traduire la varieta dans laquelle se condensent plusieurs éléments propres a la variante comme à la variation.
47
Beurey, Françoise. "Opacité et infini : l'oeuvre et le temps." Paris 1, 2007. http://www.theses.fr/2007PA010579.
Full textAbstract:
Reposant sur des travaux d'artistes, sur les réflexions de philosophes, de critiques d'art, de créateurs, et sur la pratique artistique de l'auteur, dans un parti pris plus dynamique que statique, cette thèse étudie le rapport du temps à l'œuvre d'art, dans le mouvement de sa création. Sont approfondis: d'une part l'opacité et le cheminement, qui priment sur l'objectif, dans un« faire» qui transforme le« faire» et qui prend en compte le présent du geste créateur, en s'opposant à l'antériorité du « modèle », à la transparence et à la passivité de la mimesis; d'autre part la multiplicité et l'infini de la fragmentation des images, qui construisent du temps à partir de discontinuités, comme dans les courbes fractales et les combinaisons informatiques utilisées par l'auteur dans ses travaux. Sont étudiés: le rapport du temps à la photographie, le lien entre l'art et l'organique et la rencontre du présent du« regardeur », avec le passé de l'artiste, dans une constellation de temps.
48
Diop, Babacar Mbaye. "Analyse et critique des différents discours sur les arts plastiques de l'Afrique noire : approches historiques, ethno-anthropologiques et philosophiques." Rouen, 2008. http://www.theses.fr/2008ROUEL627.
Full textAbstract:
L'objectif de cette étude est de comprendre et d'analyser les différents discours sur les arts plastiques de l'Afrique noire, en centrant la réflexion sur les questions suivantes : peut-on réellement opposer l'art ancien à l'art traditionnel et à l'art contemporain de l'Afrique noire en s'appuyant sur le temps pour différencier les créations artistiques d'hier de celles d'aujourd'hui ? L'ancien et le traditionnel ne sont-ils pas la mémoire du contemporain ? Peut-on parler de continuité entre l'art de l'Afrique noire et celui de l'Egypte antique ? Peut-on attribuer l'origine de la création artistique africaine à une origine étrangère ? Comment est-on passé du mépris à la reconnaisance des arts africains ? Comment lire et comprendre les arts négro-africains ? Existe-t-il une esthétique et une critique d'art en Afrique noire ? Quelle est la place des arts et de l'artiste africains dans la mondialisation ? Dans l'étude de ces différentes questions, ont été examinés successivement : l'histoire des arts africains, de l'art africain ancien jusqu'à l'art moderne et contemporain en passant par l'art traditionnel ou ce qu'on a appelé "l'art nègre", les différents discours et lectures sur les arts africains. Ces idées directrices qui constituent les deux parties de notre travail nous ont amené à déceler les faux discours qui ont alimenté l'étude des arts de l'Afrique noire. Il s'agit ici d'un travail philosophique et historique qui livre, dans leur succession et dans leur sens, les différentes théories sur la notion d'art africainThe aim of this study is to understand and to analyse the various theories on the plastic arts of sub-Saharan Africa, by focusing on the following questions : can we really differentiate the ancient art, the traditional art and the contemporary art of sub-Saharan Africa using time as the measure to compare artistic creations of today and yesterday ? The ancient and the traditional are they not also the memory of the contemporary ? can we establish a link between the art of sub-Saharan Africa and that of Old Egypt ? Should we search for the origins of the African artistic creation in a foreign culture ? How has opinion evolued from contempt for the African arts to their recognition ? How must one read and understand the Negro-African arts ? Are there any aesthetics and art critics in sub-Saharan Africa ? What is the place of the African arts and their artists in the march to globalization ? In the study of these questions we will examine the following : the history of African art - from the ancient African arts to the modern and contemporary arts - through the analysis of the traditional arts - or what was formerly called "the Negro Art" - and several views and interpretations concerning the African arts. These central ideas from the backbone of the two parts of this essay which will allow us to reveal the false theories which have often nourished the study of the arts of sub-Saharan Africa. The approach is philosophical as well as historical allowing the understanding of different theories on African art and their significance
49
Fourdrinier, Axel. "Rupture et création." Phd thesis, Université Toulouse le Mirail - Toulouse II, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00878834.
Full textAbstract:
En quoi la notion de rupture permet-elle de comprendre ce qu'est un acte de création artistique ? Ce travail s'attache à montrer le lien entre trois figures de la rupture dans le domaine de l'art : au fondement de sa posture de créateur, il y aurait une rupture qui habite l'artiste ; comme principe de génération de l'œuvre, il y aurait acte de rupture ; dans la manière dont elle s'inscrit dans la civilisation, l'œuvre d'art ferait rupture. Faut-il ainsi penser que toute œuvre d'art reposerait sur l'exigence de rupture ? Et dans ce cas, pourquoi l'art serait-il déterminé par cette exigence ?
50
Caye, Pierre. "Le savoir de Palladio : architecture, métaphysique et politique dans la Venise du Cinquecento." Paris 4, 1991. http://www.theses.fr/1991PA040301.
Full text