Dissertations / Theses on the topic 'Pierre Art corporel Art de performance'

Réduit à une étiquette et converti en objet théorique, l’art corporel a perdu son histoire. Cette étude se propose de restituer les faits qui ont conduit Gina Pane et Michel Journiac à utiliser leur corps comme un médium artistique, et d’examiner les processus de socialisation grâce auxquels leurs travaux ont accédé à la confrontation critique. Menée à l’appui des sources et abordée sous l’angle de la médiation, cette chronique éclaire les modalités de la reconnaissance de l’art corporel en France, des premiers rejets à l’entrée au musée. L’analyse des discours à l’aune des débats esthétiques et idéologiques de l’époque permet d’associer aux défenseurs de cet art d’autres noms que celui de François Pluchart, et offre une nouvelle intelligibilité aux travaux et à l’histoire de l’art corporel
Restricted to a label (coined as the American phrase “Body art”) and converted into a theoretical object, “l’art corporel” has lost its history. This study aims at retrieving the facts that lead Gina Pane and Michel Journiac to use their body as art. It also examines the processes of socialization that enabled their work to face the critical assessment. On the basis of various sources and with a definite focus on the different forms of art facilitation, this chronicle highlights the modes of acknowledgment of “l’art corporel” in France, from its initial dismissal to its institutional admission in the Museum. The analysis of the discourses, confronted to the various aesthetic and ideological debates of the time, enables us to pin point the role of other personalities implied next to François Pluchart as defenders of this art. Thus it offers a new and widened understanding of the works embracing “l’art corporel”

Cette thèse porte sur des gestes artistiques réalisés en direct, face au public ou avec la participation active de celui-ci, sur des "oeuvres" éphémères ou le vécu entre comme élément indispensable, comme outil artistique en somme. Jamais jusqu'à présent ces gestes n'ont été regroupés, jamais il n'y a eu volonté de les traiter comme un tout, jamais il n'y a eu d'étude globale de "l'art de l'action". Nous tentons cette étude dans certaines limites toutefois. La période choisie est privilégiée : d'un côté, le début des années soixante voit une véritable explosion de l'action ; de l'autre, autour de dix neuf cent soixante quinze commence pour nous une histoire assez différente, celle de la "performance" ou d'un art de l'action moins perturbateur, plus officialisé si ce n'est académique. Il a paru nécessaire d'autre part de se limiter à un territoire, de se concentrer sur la France. Prouver l'existence d'un solide art de l'action, contribuer étant donne le nombre important d'artistes et de mouvements concernés à une meilleure compréhension de l'art en France dans les années soixante, se sont avérées être parmi nos préoccupations principales. La méthode d'ensemble est simple, le travail est divisé en deux parties, l'une portant sur une réflexion théorique et synthétique globale, l'autre se présentant sous forme de "catalogue" général comprenant les récits des actions par artiste ou par groupe, accompagnés d'articles critiques personnalisés. Cerner le domaine de l'action, définir mieux l'art français de l'action entre dix neuf cent soixante et dix neuf cent soixante quinze, proposer enfin une ou des méthodes de lecture de cette forme d'art, telles sont les priorités du travail de synthèse. Décrire le plus grand nombre d'actions (actions spectacles, action non art, action didactique, optique, corporelle, sociologique. . . ), proposer un portrait commenté accompagné de références documentaires multiples, telles sont les visées du catalogue
This thesis is about artistic acts realized in front of the public or with the active participation of the audience, about ephemeral works where the living moment is an integral part and an instrument. To date, no one has sought to treat the diverse manifestations as a whole. Some limits though have been imposed on the study. The chosen period is particularly rich: on one side, the beginning of the sixties sees a real explosion of art of action; on the other side, around nineteen seventy five starts what seems to be a new story, the story of "performance or of a less disturbing, more official zed or even academic art of action. It also seemed to be necessary to limit oneself to a territory, to focus on France. Proving the existence of a strong art of action, contributing to a better comprehension of the arts of the sixties in France turned out to be among the essential concerns of the present study. The method is simple, the thesis is divided in two parts: the first part is a theoretical reflection on the general subject, the other one presents a "catalogue" including accounts of the actions classified by artists or by groups, accompanied by critical articles. The priorities of the synthetically work are to define criteria for art of action, to define French art of action during the chosen period and to propose one or several methods of reading this form of art. The aims in the catalogue are to describe as many actions as possible and to propose a portrait with commentaries and references

"Thèse en cotutelle Doctorat interuniversitaire en histoire de l’art Université Laval Québec, Canada, Philosophiae doctor (Ph.D.) et Université Sorbonne Nouvelle Paris 3, Paris, France, Docteure"
Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2015-2016
Entre les décennies 1960 et 1980 émergent les courants de l’« art de la performance », du « happening », du « body art », de l’« art corporel » ou encore de l’« art de l’action », qui désignent les démarches des nombreux plasticiens qui font directement intervenir le corps, souvent leur propre corps, dans leurs travaux. À travers les productions des acteurs qui soutiennent ces courants le corps est fabriqué comme un sujet légitime d’attention et de valeur. La thèse décrit l’émergence de ces courants artistiques pendant la décennie 1970 en soutenant qu’ils peuvent et doivent être interrogés comme des phénomènes sociaux. En effet, jamais auparavant autant d’acteurs des mondes de l’art visuel n’avaient décidé simultanément de se tourner vers le corps lui-même, et de le mettre à l’œuvre, à l’ouvrage, à l’épreuve. Interroger leurs productions du point de vue du corps peut permettre de dérouler de comprendre en profondeur la présence incisive et percutante du phénomène. Ces courants viennent poser des questions cruciales à l’anatomie du travail créateur : rapports sociaux de sexe, interactions avec les spectateurs, engagements politiques, marchandisation. L’étude, sociohistorique, focalise autour de trois scènes (France, côtes est et ouest des États-Unis) à partir d’un corpus d’archives documentaires (entretiens, critiques, essais, manifestes, notations, photographies). La thèse comprend un volet d’enquête qui mesure la reconnaissance de ces pratiques, un second volet d’histoire institutionnelle et intellectuelle qui décrit les savoir-faire et les modalités d’énonciation liés aux actions et aux événements et enfin, une topographie qui résume les modèles du corps produits par les gestes les raisonnements des artistes et de leurs commentateurs. Mots-clés : Histoire des corps, art de la performance, critique d’art, féminismes, documentation, sociologie historique.
« Performance art », « body art » and « happenings » appeared on the art scene between the 1960s and the 1980s. The human body was at the heart of these artistic movements, to the extent that many artists embodied their own works. Within such creative processes and productions, the body undeniably became a legitimate subject of attention and value. This dissertation describes the initial stages of the art movements aforementioned, and argues that they must be analyzed as sociological phenomena. Never before had such a larger of artists within the same time period decided to focus on the entity of the body itself, to use and misuse it so intensely. Observing their approaches through the lens of the body allows us to voice critical questions about the anatomy of a creative work - gender relations, interactions with the viewers, political commitments, and marketing. This sociohistorical research studies three landmark art scenes of the time (France, the east coast, and the west coast of the USA), by delving into a documentary material of archives (interviews, reviews, essays, manifestos, notations and photographs). The thesis begins with a sociological inquiry which measures the visibility of these artistic movements; it is followed by a history of the institutional and critical apparatus which described the atistic skills and statements at work within body actions and happenings; lastly, the dissertation presents a topography of the workings of the body, drawn from the artists’ performances and theoretical stances, as well as art critics’ viewpoints and analyses. Key Words : body art, avant-gardes, history of the body, feminisms, documentation, historical sociology.

Au cours des années 1990, la notion de genre attachée au contexte culturel des corps s’est difficilement fait une place au sein de la sphère intellectuelle. Cette notion s’est-elle déployée plus facilement dans le champ de la performance ? Dès les années 1970, le corps tient une place contestataire importante dans la création notamment en matière de déconstruction des sexes : c’est le développement de l’art corporel. Plusieurs artistes recherchent dans cette perspective les fondamentaux du corps qui puissent résoudre les problèmes culturels liés à la différence sexuelle. Plus tard, dans les années 1980 la performance perd de son potentiel subversif. Le contexte politique global change et le corps se diffuse largement par les écrans. Deux positions se dessinent pour les artistes français : un intérêt plus prononcé pour l’immatériel que représente le verbe ou une exploitation et une recherche du corps à travers sa diffusion médiatique et technologique. Dans un cas comme dans l’autre le rapport entre les artistes et les corps « déviants » dont ils s’emparent est loin d’être évident. Les « corps minoritaires » se retrouvent plutôt dans la sphère militante et activiste. Dans les années 1990 l’arrivée de différents tels que la question des signes religieux visibles ou l’augmentation alarmante de l’épidémie de sida, vont finalement jouer pour les performeurs comme un catalyseur à une re-politisation des questions liées à la différence sexuelle et aux phénomènes identitaires. Cette dernière décennie marque donc une émergence de la notion de genre au sein de la sphère artistique même si le lien entre création et militantisme reste toujours problématique et peu actif
During the 90s, the concept of gender related to the cultural context of the body hardly had a place in the intellectual sphere. Did this concept spread itself more easily in the field of performance? From the 70s onward and right after the impulse given by 68 movements, the body took an important protest role in the creative process, in particular regarding gender deconstruction: that is the development of body art. Several artists tried through this medium to find a Body fundament which could bring an answer to cultural issues related to sexual differences. Later in the 80s, performance art became less subversive. The global political environment was changing and the body was more visible especially on screens. Two mains positions emerged among French artists: one focused more on words and an immaterial approach and the other using technology and media to explore the body. In both cases, the relationship between the artist and the deviant bodies that they used is far from clear. The “minority bodies” were more to be found in the militant and activist sphere. In the 90s, arguments about topics to do with secularism and the alarming raise of HIV would finally push the performers to reconsider the political dimension of gender and identity questions. Therefore, in this last decade, the concept of gender found its legitimacy in the artistic field even though the relationship between creative process and political activism still seems problematic and not that active

Cette recherche propose une réflexion sur la pertinence d’un « art –action » actuel, à partir d’une analyse d’actes pour l’art, caractérisés comme « hors limites », à travers une utilisation de la présence physique comme essence et support de l’art plastique, entreprise dès les années 1920 par Marcel Duchamp, et déclinée durant tout le vingtième siècle avec des mouvements artistiques tels Dada, le Happening, l’Actionnisme Viennois, ou l’Art Corporel.Nous étudions ici, aidés d’artistes performers choisis autour de quelques pratiques singulières de Albrecht Becker, Ron Athey et Lukas Zpira, les possibles limites d’actes artistiques, mettant en scène de façon extrême, à travers des performances jugées choquantes, agressives, incluant piercings, tatouages, osant parfois un art du malaise, se jouant des conventions, des tabous et des codes sociaux et culturels en place. Ainsi nous voyons s’il y a lieu, aujourd’hui, de parler encore d’actes artistiques politiques, militants, après l’âge d’or des années soixante-dix, parmi des nouvelles esthétiques du corps humain, celui-ci successivement « héros, sujet, matériau, objet, victime, écran » de cet art-action transgressif. Notre volonté est de saisir l’ambiguïté contenue dans la représentation, et toute la symbolique donnée à voir, par rapport à une première intention qui est une certaine déstructuration à la fois thématique et formelle dans les arts plastiques. La discussion est donc engagée sur l’authenticité et la pérennité de ces pratiques artistiques extrémistes, transgressives, manipulant le concept d’identité ou même la génétique, discussion aussi sur leur statut avant-gardiste dans l’histoire de « l’art pour l’art », concept porté par la modernité.Ce « hacking » du corps nous amène-t-il-alors vers un devenir post-humain virtuel, une seule existence dans les univers numériques ? Le corps est-il en perdition ou, paradoxalement l’ultime recours, sauvé par ces modifications douloureuses et radicales ?
This research proposes a reflection on the relevance of a "art -action" current, based on an analysis of the acts for the art, characterized as "off limits", through a use of the physical presence, such as origin and support of the visual art, begun in the 1920s by Marcel Duchamp, and declined throughout the twentieth century with artistic groups as Dada, the Happening, the Viennese Actionnism, or the Body Art.We study here, through artists performers selected around the singular practices of Albrecht Becker, Ron Athey and Lukas Zpira, the possible limits of artistic acts, staging in extreme way, through performances considered shocking, aggressive, including piercings, tattoos, daring an art of faintness sometimes, being played of conventions, the taboos and the social-cultural codes in place. Thus we see whether it is necessary, today, to still speak about artistic acts political, militant, after the golden age of the Seventies, through a choice among many new esthetics of the human body, successively “hero, subject, material, object, victim, screen” of this transgressive acting-art. Our will is to understand the ambiguity contained in the representation, and all the shown symbolic system, compared to a first intention which is disintegration both thematic and formal in the plastic arts. The discussion is thus about the authenticity and the survival of these artistic extremists and transgressive practices, treating the concept of identity or even the genetics, the discussion being also about their avant-gardist position in the history of “the art for art” brought by the modernity, position to be reconsidered in a society called post-modern.Do this “body- hacking” bring us then towards a future virtual human being, a single existence in the digital universes? Is the body lost or, paradoxically the ultimate recourse, saved by these painful and radical modifications?

Cette recherche propose une réflexion sur la pertinence d'un " art -action " actuel, à partir d'une analyse d'actes pour l'art, caractérisés comme " hors limites ", à travers une utilisation de la présence physique comme essence et support de l'art plastique, entreprise dès les années 1920 par Marcel Duchamp, et déclinée durant tout le vingtième siècle avec des mouvements artistiques tels Dada, le Happening, l'Actionnisme Viennois, ou l'Art Corporel.Nous étudions ici, aidés d'artistes performers choisis autour de quelques pratiques singulières de Albrecht Becker, Ron Athey et Lukas Zpira, les possibles limites d'actes artistiques, mettant en scène de façon extrême, à travers des performances jugées choquantes, agressives, incluant piercings, tatouages, osant parfois un art du malaise, se jouant des conventions, des tabous et des codes sociaux et culturels en place. Ainsi nous voyons s'il y a lieu, aujourd'hui, de parler encore d'actes artistiques politiques, militants, après l'âge d'or des années soixante-dix, parmi des nouvelles esthétiques du corps humain, celui-ci successivement " héros, sujet, matériau, objet, victime, écran " de cet art-action transgressif. Notre volonté est de saisir l'ambiguïté contenue dans la représentation, et toute la symbolique donnée à voir, par rapport à une première intention qui est une certaine déstructuration à la fois thématique et formelle dans les arts plastiques. La discussion est donc engagée sur l'authenticité et la pérennité de ces pratiques artistiques extrémistes, transgressives, manipulant le concept d'identité ou même la génétique, discussion aussi sur leur statut avant-gardiste dans l'histoire de " l'art pour l'art ", concept porté par la modernité.Ce " hacking " du corps nous amène-t-il-alors vers un devenir post-humain virtuel, une seule existence dans les univers numériques ? Le corps est-il en perdition ou, paradoxalement l'ultime recours, sauvé par ces modifications douloureuses et radicales ?

A travers l‟intervention des technologies numériques (films/vidéos, performances, installations multimédias, art en ligne), les artistes contemporains proposent de nouveaux imaginaires corporels et des perceptions inédites des genres. Cette recherche propose une analyse comparée des travaux pluridisciplinaires de Maria Klonaris, Katerina Thomadaki, Steven Cohen et Shu Lea Cheang. Leurs oeuvres permettent d‟élaborer le concept de « jouer le genre » (Judith Butler, 1990), et d‟approcher l‟image de « l‟utopie cyborg sans genre » (Donna Haraway, 1985). Ces possibilités du corps et des sexes font écho à des évolutions technologiques et culturelles, croisant la théorie queer. Ce sont des expérimentations en cours sur des identités en devenir
Following the actual uses of digital technology (films, videos, performances, multimedia installations and Internet art), contemporary artists offer new visions of the human body and new perceptions of gender. This research offers a comparative analysis of the multidisciplinary works of Maria Klonaris, Katerina Thomadaki, Steven Cohen and Shu Lea Cheang. Their works provides a useful framework for understanding Judith Butler's theory of "gender performativity"(1990) and Donna Haraway‟s vision of "utopian dream of the hope for a monstrous world without gender"(1985). The possibilities of the body and gender respond to technological and cultural evolutions that are linked with queer theory. These works are on-going experiments for identities that are in-the-making

La recherche porte sur les relations entre les acteurs politiques et l’art subversif et leur positionnement face à des thèmes récurrents tels l’antisémitisme, l’oubli du passé, la condition de la femme, l’écologie. Partant des théories existantes sur les rapports entre l’art engagé et le politique, il s’agit d’étudier les œuvres de quatre artistes représentatifs à la fois de l’évolution des positions politiques et des techniques nouvelles à travers l’histoire de 1945 à nos jours, dans la IIe République d’Autriche : le sculpteur Alfred Hrdlicka, le peintre et architecte Friedensreich Hundertwasser, l’actionniste viennois Günter Brus, la féministe Valie Export. Ces artistes bousculent l’ordre établi à travers leur art agressif et leurs écrits. Le but est de définir la nature et le degré de leur protestation et de déterminer dans quelle mesure ils ont participé au débat démocratique et à la modernisation de la société autrichienne ainsi qu’à la construction identitaire de l’Autriche après 1945
The research relates to the relation between the political actors and subversive art and their respective position on dominant themes such as anti-Semitism, the denial of the Nazi past, the status of women, ecology. From existing theories on relations between engaged art and politics, it is a question of studying the works of art of four artists representative on both policy statements and newer technologies through history from 1945 up to now, in the Second Republic of Austria : the sculptor Alfred Hrdlicka, the painter and architect Friedensreich Hundertwasser, the Viennese actionist Günter Brus, the feminist Valie Export. Each one, in his own way, shakes up the established order through his aggressive art and writings. The aim is to specify the type and level of protest of these artists and to assess to what extent they have participated in the democratic debate and modernisation within Austrian society as well as in the identity building of Austria after 1945

A travers l'étude des Actions de Gina Pane (1939-1990), une des figures marquantes de l'art corporel en France dans les années 70, cette thèse entend esquisser les contours d'une poétique de la fusion, thème principal et unificateur de son œuvre. A partir d'un matériel souvent inédit documents écrits, photographies, vidéos - ainsi que de témoignages, nous avons pu élaborer une analyse détaillée des performances de l'artiste française d'origine italienne et en repérer les problématiques afin de dégager ses méthodes, ses concepts et ses objectifs. Notre exploration, qui porte sur la période 1968-1981, montre que dès ses premiers travaux, Action après Action, Gina Pane s'est attachée à mettre en évidence un lien universel à la nature, puis entre les êtres humains. L'originalité de sa production artistique où se manifestent des influences tant picturales que littéraires et psychanalytiques tient notamment aux blessures corporelles à la lame de rasoir que la plasticienne s'infligeait dans la plupart de ses performances et que l'on peut considérer comme son signe distinctif. N apparaît au fil de nos recherches que la performeuse recherchait une communion avec autrui grâce à ces ouvertures symboliques. Nous avons voulu souligner la profonde empathie qui transparaît toujours dans son expression plastique comme une thématique prédominante et singulière.

Cette thèse a pour objet d’étude théorique/pratique la performance et le performer. Il s’agit, plus précisément, de l’étude de l’utilisation de la mythologie personnelle du performer dans des processus de recherche, de créations de mises en scène et/ou des performances pour lesquelles le matériau de construction est l’univers personnel du performer. La problématique de ce projet est donc la mise en scène de la mythologie personnelle du performer qui donne son origine à une performance située entre l’autobiographie et l’autofiction. Il est question d’étudier la performance, plus précisément celle dite « autobiographique », en élargissant le champ de recherche à des créateurs qui associent le théâtre et la danse, mais également au champ des arts plastiques.A travers ce croisement des disciplines et le surgissement des nouvelles formes artistiques qui en découlent, l’objectif de ce travail est d’étudier le performer et la performance en tant que « signature » personnelle. Il est question ici de témoigner et de repérer un parcours singulier qui est à l’origine d’un processus artistique pratique/théorique lequel assume des formes esthétiques inévitablement individuelles, tout en dépassant l’affaire privée pour arriver à une notion plus large et collective. La tentative est celle d’assumer les influences et les métissages à travers lesquels nous nous sommes constitués. Elles ont ouvert la possibilité de regarder à l’intérieur de moi-même les chocs qui ont créé des itinéraires pour ensuite les accepter en tant que matériau pour ma propre création artistique
This thesis aims to study the theoretical and practical performance of the performer. More specifically the study of “personal mythology” of the performer, from portrayals of creation and performance for which the building material is the personal universe of the performer. The challenge of this project is the staging of the personal mythology of the performer that gives origin to a performance somewhere between autobiography and self-fiction. I propose a study of the performance, specifically the so-called "autobiographical", expanding the search field to other artists who combine theatre and dance as well as in the visual arts field. Through these cross disciplines and the emergence of new artistic forms derived from it, the objective of this work is to study the performer and the performance as a "signature", analysing the creative process using autobiographical material, personal mythology, and the influence of that on my own creative process as a practitioner. Points such as the self, body, identity, signature, name, meeting and collaboration are approached to talk about personal mythology as a set of autobiographical events related to memory, the experiences and the dreams. The autobiographical material will serve as starting point for the construction of a work. The myth can then be the symbolic representation of a past time and a form created according to individual experiences

Cette thèse cherche à comprendre et à analyser les fondements historiques, sociaux, culturels et genrés d’une méconnaissance et d’une sous-valorisation actuelles des costumiers et des costumières, en accordant un primat à leur parole propre. Traitant des origines théoriques de l’art costumier à partir de l’apparition de l’appellation professionnelle consacrée, la première partie retrace le parcours et les luttes multiples de Pierre-Nicolas Sarrazin, en cherchant à identifier les motifs de l’échec de la valorisation professionnelle entreprise par ce dernier au XVIIIe siècle. La deuxième partie présente, à partir de l’analyse d’un recueil d’entretiens de costumiers d’aujourd’hui, les notions de métiers de service et de rapport de commande, de genre et de « souci de l’autre » comme étant les caractéristiques de cette activité professionnelle, et autant de leviers potentiels d’oppression. Enfin, la troisième partie étudie la carrière de Dominique Fabrègue – spécialiste de la coupe en un morceau – en tant que « fabrique » d’une œuvre dont la portée est esthétique et critique, de manière à défendre l’idée que l’art costumier constitue un art à part entière, qui pour être second dans l’élaboration d’un spectacle, n’est pas pour autant secondaire
This work aims at analyzing the historical, social, cultural and gender factors responsible for the current undermining of the costume designers and makers profession. The first part consists in a historical research onthe theoretical origins of the Art of Costume starting with the appearance of the professional vocable - Costumier - invented by Pierre-Nicolas Sarrazin, as well as a study of the means this latter used to promote his field of work during the 18th century and how he came to fail. The second part is an interview-collection (2013 to 2016) - based reflection on the order nature of the work, the gender characterization of the workers and « care » as a creative motivation. It demonstrates how these specifics are potential ways to oppress the costume designers and makers and to deny them the appreciation and salary they deserve. The third part is an a esthetic critique of Costume Designer Dominique Fabrègue’s career, and the « Cut in one piece » Artwork she specialized in. This section argues that the discipline of designing costumes is an Art in full, and as it may come second in the process of putting on a play, is not for all that secondary and shouldn’t be considered assuch

Au-delà des difficultés sémantiques du vocable performance, en se fondant sur le cadre historique de son émergence, cette thèse valorise le concept d'attitude performative qui, dans le champ chorégraphique français, au travers de la décennie 1993-2003, a bénéficié d'un nouvel espace favorable à son épanouissement. Cette attitude performative, contre-pouvoir critique d'un système qui ne répond plus aux désirs des créateurs, propose des alternatives invitant à des évolutions possibles sans révolution inéluctable. Dégénérescence pour certains, libération créatrice pour d'autres, elle s'établit à la fois sporadiquement et aussi en mode réseau pour une génération inconditionnelle. Ni genre, ni mode de création, cette attitude génère un " état d'être " face à la création chorégraphique et à la notion de représentation dans des projets au service des discours. Les projets de cette génération sont nécessairement polymorphes, protéiformes, invitant à partager leur nature transdisciplinaire. L'attitude performative est à la confluence de quatre enjeux théoriques et conceptuels, un lien paradoxal entre concept et expérimentation, une mise en danger dans l'effectuation, une nouvelle prise en considération du spectateur comme participant à l' "être au monde " et la volonté d'enrayer le mode de production. Enfin, dans son essence même, cette attitude, au-delà des situations formelles et médiumniques, se situe toujours dans un positionnement critique face au " grand casino mondial " pour contrecarrer " l'être performant ". Chaque étude de cas est révélatrice de ces enjeux récurrents, véritables véhicules de cet " état d'être ", fondements d'un " art relationnel "
Beyond the semantic difficulties of the term performance, taking basis on the historical framework of its emergence, this thesis emphasizes the concept of performative attitude which in the French choreographic field, throughout the 1993-2003 decade, benefitted form a new context favorable to its development. This performative attitude embodies a critical opposition force to a system that no longer corresponds to the creator's desires, offers alternatives encouraging possible evolutions without involving an ineluctable revolution. Degeneracy for some, creative liberation for others, it etablished itself both sporadically and as a network for a generation completly devoted to the idea. Neither a genre nor a system of creation, this attitude generates “a state of being”in the face of choreographic creation and the notion of performance in projects serving discourses. The projects of this generation are necessarily polymorphous, protean, inviting to share their interdisciplinary nature. The performative attitude is at the bridge of four theorical and conceptual stakes : a paradoxical link between concept and experimentation ; the taking of risks in effectuation ; the audience being taken into account in a new way as participating in the “being of the world” : and the will to curb the mode of production. Finally, the essence of this attitude, beyond formal and medium situations always established itself in a critical positioning towards the “big world casino” to thwart the “performing being”. Each case study reveals these recurrent stakes which are true vehicles for this “state of being”, basis of a “relational art”

Notre recherche porte sur un corpus d' œuvres réputées violentes produites par des artistes femmes au cours des années 1960 et dans la première moitié des années 1970. Ces pièces marquent une entrée fracassante des artistes femmes dans l'art, alors qu'elles y sont largement marginalisées. La première pa11ie démontre qu'après des années 1950 qui voient s'épanouir des pratiques abstraites quelque peu ouvertes aux femmes, les années 1960 marquent une aggravation de leur condition et un moment de moindre visibilité, dans le contexte de succession rapide des mouvements et d'expansion du marché.La seconde partie pose la question de l'affect et de leur usage de la psychanalyse dans un esprit de dépassement du surréalisme. La troisième pa11ie montre l'importance de la figure d' Artaud et du fou à l'œuvre dans un lecture politique et anarchiste de l'art corporel. Enfin, la demi ère partie énonce un paradoxe : l'art féministe n'est pas violent et rejette la violence; les pratiques les plus agressives sont le fait, toujours, d'artistes isolées ou transféré du côté du para-artistique .. Mettant en valeur la persistance de courants« chauds» en parallèle de mouvements réputés froids, ce travail invite à un infléchissement dans la définition des grands courants des années 1960 et 1970. Artistes: Louise Bourgeois, Niki de Saint-Phalle, Nancy Spero, Eva Hesse, Yayoi Kusama, Alina Szapocznikow, Annette Messager, VALIE EXPORT, Marina Abramovic, Gina Pane, ORLAN, Ana Mendieta, …
Our research deals with a group of works produced by women artists between 1960 and the first half of the 1970s. These pieces constitute the impressive apparition of women in art, though they are still largely marginalized. The first part of our study shows that, whereas the 1950s were a time for abstract practices still relatively open to women, in the 1960s their position as artists become more difficult and they Jack more visibility in the context of the succession of new "avant-garde" movements and the expansion of the market. The second part deals with the issue of "affect" et of the use they make of it, and of psychoanalysis, in a challenging spirit with surrealism. The third part focused on anarchy, anti-psychiatry, the figure do the "fool" and Antonin Artaud in the context of happenings and body art. The last part enounces a paradox: feminist art is non-violent; the most aggressive practices are by isolated women or transfered I para-artistic actions. Showing the persistence of "warm" trends within "cool" "avant-garde" movements, this study advocates for a move in the characterization of the great art movements of the 1960s and the 1970s. Artistes: Louise Bourgeois, Niki de Saint-Phalle, Nancy Spero, Eva Hesse, Yayoi Kusama, Alina Szapocznikow, Annette Messager, VALIE EXPORT, Marina Abramovic, Gina Pane, ORLAN, Ana Mendieta, …

Dans cette thèse, nous explorons les différents rapports du corps, du pouvoir, de l’identité(sexuelle, raciale, etc) et du politique à travers le corps blessé de l’artiste sur scène. Il s’agit d'un parcours qui retrace les différentes manifestations du corps blessé depuis les années 60, au cours desquelles l’artiste commence à user de son propre corps et de son propre sang comme matériau artistique, jusqu’à aujourd’hui. Se fondant sur deux axes, historique et théorique,l’analyse que nous faisons de performances emblématiques issues du mouvement artistique du Body art permet d’examiner les particularités et les singularités des enjeux du corps blessé de l’artiste comme catégorie de l’art. En conceptualisant le « corps blessé » de l’artiste, en étudiant les différents usages du sang et de la blessure dans des performances choisies pour leur originalité et leur force, la recherche montre les enjeux politiques et les questionnements philosophiques liés à ces pratiques. À partir de 200 performances que nous explorons, nous établissons des catégories (corps blessé et corps ensanglanté) afin de saisir les différences esthétiques à l’oeuvre et le sens de la violence et de la douleur exprimés dans ce contexte. De manière emblématique, le corps blessé de l’artiste met en lumière la querelle du normal et de l’anormal, des sujets assujettis et des sujets résistants, de la soumission et de la rébellion. Ce corps, à travers l’esthétique de la violence et de la douleur pose les questions fondamentales liées à l’aliénation et à la forme spéciale des rapports entre le corps et le pouvoir dans les sociétés sous le règne du « biopouvoir ». Il montre le malaise de notre société
In this thesis, we explore the different relationships of the body, the power, the identity(sexual, racial, etc.) and politics through the injured body of the artist on stage. It’s a journeythat traces the various manifestations of the body since the 60s, during which the artist beginsto use his own body and his own blood as artistic material, until today. Based on two axes,historical and theoretical, our analysis of emblematic performances from the body artmovement allows to examine the peculiarities and singularities of the issues of the injured bodyof the artist as a category of art. By conceptualizing the artist's "injured body", by studying thedifferent uses of blood and injury in performances chosen for their originality and strength, theresearch shows the political issues and philosophical questions related to these practices. Fromthe 230 performances that we explore, we establish categories (injured body and bloody body)in order to grasp the aesthetic differences at work and the meaning of violence and painexpressed in this context. In an emblematic way, the injured body of the artist highlights thequarrel of the normal and the abnormal, subjugated subjects and resistant subjects, submissionand rebellion. This body, through the aesthetics of violence and pain poses the fundamentalquestions related to the alienation and the special form of the relationship between the body andthe power in the societies under the reign of "biopower". It shows the malaise of our society

Tese de doutoramento, Belas Artes (Especialidade de Instalação), Universidade de Lisboa, Faculdade de Belas Artes, 2017
A Tese é acompanhada por uma PEN com 5 filmes: 1.ANA RITO_Pleura_2015 ; 2.ANA RITO_Le Buste_2015 ; 3.ANA RITO_Le Mot et le Fantome_2015 ; 4.ANA RITO_Amatoria_ 2015 ; 5.ANA RITO_Poème - acte_2014, apenas consultável na Biblioteca da FBAUL : com a cota CDA 190
Projetar uma imagem implica reequacionar os seus limites, o seu interior e o seu exterior. A imagem é expelida, lançada fora. De forma a que esta imagem (agora liberta do dispositivo e em trânsito) “apareça” e seja visível ao seu espectador, é necessária uma estrutura ou melhor, uma superfície: um ecrã, uma tela, uma parede, um corpo, uma peça de vestuário ou um tecido. Esta superfície (optemos aqui por chamar-lhe ecrã) é o telos da imagem – lugar de onde emerge, onde se “realiza”, onde se “dá a ver e a tocar”. O que esconde esta imagem? Será que a imagem esconde algo que não quer revelar? A sua “frente” funciona como escudo, proteção, máscara? Ou embuste? Será que a imagem, qual canto da sereia, seduz o espectador com a sua pele, não querendo revelar as suas vísceras, os seus desejos – sim as imagens também podem desejar – o seu interior, o seu avesso? Pode uma imagem-corpo movente potenciar este toque, este encontro entre os amantes? A partir da prática artística e curatorial, a presente tese desenha a sua estratégia investigativa: considerar diferentes noções de palco e de ecrã, elasticizando e definindo uma “zona de contacto” hibridizada que se concretiza quer no espaço expositivo (museográfico ou galerístico) quer, mais especificamente, na experiência da vídeo-instalação. A aproximação de duas linguagens, a cinematográfica e a performativa (entre a “aparição” da imagem e a construção do objeto), instaura um novo paradigma do olhar que coloca em cena o corpo do espectador (agora) móvel e ativo na orientação do seu próprio processo percetivo. Em suma, a imagem que respira, o corpo do filme, o toque prometido à visão, o poema-ato, as sensações, os afetos e as quasi-carícias entre imagem e espectador traduzem o desejo pigmaliónico e assinalam a passagem (passo), da morte à vida, a última das metamorfoses.
To project an image implies a pitch, a burst forward, which forces to rethink its limits, its interior and its exterior. The image is expelled, thrown out. So that this image (now freed from the device and in transit) can “appear” and be visible to its spectator we need a structure, or rather, a surface: a screen, a canvas, a wall, a body, a piece of clothing or fabric. This surface (we opt here to call it the screen) is the telos of the image – from where it emerges, where it is “realized”, where it gives itself to be “seen and touched.” What does this image hide? Does the image hide something that it does not want to reveal? Does its “front” work as a shield, a protection, a mask? Or is it a scam? Does the image, like the siren song, seduces the viewer with its skin, not wanting to reveal its insides, its wishes – yes, images can also desire - its interior, its back? Can a moving body-image enhance this touch, this encounter between lovers? Working from the artistic and curatorial practices, this thesis draws its research strategy: to consider different notions of stage and screen, elasticizing and defining a hybridized “contact zone”, which is realized either in the exhibition space (museum or gallery) or, more specifically, in the experience of video installation. The approach of the two languages - the cinematographic and the performative (between the “apparition” of the image and the construction of the object) – is established in a new paradigm in the act of looking, that puts on the scene the body of the viewer, (now) mobile and ative in its own guidance of the perception process. In short, the image that breathes, the body of the film, the act of touch promised to vision, the act-poem, the sensations, feelings and the quasi-caressing between image and viewer, translate the Pygmalion desire and mark the passage (the step) from death to life, the last of metamorphoses.
Fundação para a Ciência e a Tecnologia (FCT)