Academic literature on the topic 'Pintubi music'

Na obra O mundo como vontade e representação, Arthur Schopenhauer apresenta as manifestações artísticas como forma de objetivação da vontade, que para ele, está associada ao Bem platônico e a Coisa-Em-Si propugnada por Kant. Este trabalho tem o objetivo de apresentar a estética construída pelo Cavaleiro Solitário, onde a contemplação da arte, destacando a pintura e, especialmente a música, apresenta-se como bálsamo para o ser humano superar o pessimismo causado pelo mundo passageiro dos fenômenos e assim alcançar, ainda que provisoriamente, a tão sonhada ataraxia.Abstract: In the book The World as Will and Representation, Arthur Schopenhauer shows the artistic manifestation as objectivation of the will, which is associated to Platos’s idea of the Good and the Thing In Itself proposed by Kant. The aim of this article is to present the aesthetic built by the Solitary Knight, where the contemplation of arts, especially painting and music as well, reveals as a balm to human been overcome the pessimism caused by the transitory world of phenomenon achieving, provisionally though, the dream of the ataraxia. Keywords: Aesthetic, Music, Painting, Will, Representation.

<em>Penelitian ini dilaksanakan di Kebun Percobaan Leuwikopo IPB, Darmaga Bogor dari bulan Agustus hingga Desember 2013. Tujuan penelitian ini untuk mengevaluasi pengaruh aplikasi biomulsa Arachis pintoi dalam peningkatkan pertumbuhan dan produksi tanaman oyong (Luffa acutangula) dan pakcoy (Brassica chinensis) serta dampaknya terhadap kualitas tanah. Penelitian ini terdiri dari dua percobaan yang dilakukan secara berurutan menggunakan bedeng yang sama. Musim tanam petama bedeng ditanam tanaman oyong, sedangkan musim tanam kedua dengan tanaman pakcoy tanpa pengolahan tanah namun dilakukan penggantian mulsa plastik hitam perak (MPHP) sesuai jarak tanam pakcoy. Perlakuan terdiri atas tanpa mulsa, mulsa plastik hitam perak, biomulsa Arachis pintoi. Hasil penelitian menunjukkan bahwa penggunaan biomulsa Arachis pintoi setelah dua musim tanam menunjukan penurunan nilai C-organik paling kecil dibandingkan perlakuan lain. Perlakuan MPHP pada tanaman oyong meningkatkan pertumbuhan vegetatif yaitu pada parameter panjang tanaman, jumlah cabang dan bobot brangkasan dengan respon yang sama dengan perlakuan tanpa mulsa, sedangkan pada parameter bobot akar perlakuan MPHP memiliki nilai paling tinggi dari perlakuan lainnya. Perlakuan MPHP terhadap komponen produksi buah/tanaman dan jumlah buah/tanaman memiliki respon yang paling baik dibandingkan perlakuan lainnya. Secara umum perlakuan MPHP memiliki nilai terbaik dibandingkan dengan perlakuan tanpa mulsa dan biomulsa A. pintoi terhadap tinggi tanaman, jumlah daun, bobot akar, dan bobot panen.</em>

Penelitian ini dilaksanakan di Kebun Percobaan Leuwikopo IPB, Darmaga Bogor dari bulan Agustus hingga Desember 2013. Tujuan penelitian ini untuk mengevaluasi pengaruh aplikasi biomulsa Arachis pintoi dalam peningkatkan pertumbuhan dan produksi tanaman oyong (Luffa acutangula) dan pakcoy (Brassica chinensis) serta dampaknya terhadap kualitas tanah. Penelitian ini terdiri dari dua percobaan yang dilakukan secara berurutan menggunakan bedeng yang sama. Musim tanam petama bedeng ditanam tanaman oyong, sedangkan musim tanam kedua dengan tanaman pakcoy tanpa pengolahan tanah namun dilakukan penggantian mulsa plastik hitam perak (MPHP) sesuai jarak tanam pakcoy. Perlakuan terdiri atas tanpa mulsa, mulsa plastik hitam perak, biomulsa Arachis pintoi. Hasil penelitian menunjukkan bahwa penggunaan biomulsa Arachis pintoi setelah dua musim tanam menunjukan penurunan nilai C-organik paling kecil dibandingkan perlakuan lain. Perlakuan MPHP pada tanaman oyong meningkatkan pertumbuhan vegetatif yaitu pada parameter panjang tanaman, jumlah cabang dan bobot brangkasan dengan respon yang sama dengan perlakuan tanpa mulsa, sedangkan pada parameter bobot akar perlakuan MPHP memiliki nilai paling tinggi dari perlakuan lainnya. Perlakuan MPHP terhadap komponen produksi buah/tanaman dan jumlah buah/tanaman memiliki respon yang paling baik dibandingkan perlakuan lainnya. Secara umum perlakuan MPHP memiliki nilai terbaik dibandingkan dengan perlakuan tanpa mulsa dan biomulsa A. pintoi terhadap tinggi tanaman, jumlah daun, bobot akar, dan bobot panen.

A arte religiosa barroca construiu verdadeiras máquinas capazes de maravilhar quem se aproximasse. O objetivo era a conversão do fiel e a maravilha, a isca que o podia atrair, fazendoo considerar os ensinamentos da Igreja. Nesse sentido, procurase identificar na pintura, talha e música religiosas de Minas colonial alguns artifícios usados para maravilhar e ensinar os fiéis.

El presente artículo trata de la importancia que tuvo la música en la vida y en la obra de Ramón Gaya: cómo influyó en la creación de su obra y cómo se refleja en ella, en su pintura, en su literatura, en su poesía. Veremos la admiración y el entusiasmo que Gaya sentía hacia la música y hacia algunas de sus principales figuras, la influencia que tuvo en su obra y la gran cantidad de escritos y pinturas con temática musical que Gaya nos legó. Gaya fue un creador y un artista completo. Pintor, escritor, ensayista, poeta…Y la música siempre estuvo presente en su vida y en su obra. This article deals with the importance that music had in the life and work of Ramón Gaya: how it influenced the creation of his work and how it is reflected in it, in his painting, in his literature, in his poetry. We will study the admiration and enthusiasm that Gaya felt towards music and towards some of its main figures, the influence of the music on his work and the large amount of music-themed writings and paintings that Gaya left us. Gaya was a complete creator and artist. Painter, writer, essayist, poet ... And music was always present in his life and in his work.

Conexión pintura y música construyendo una serie de cuadros sonoros, implicando literatura, performance, danza y robótica en clave transdisciplinar e inmersa en un contexto pseudo-metropolitano. Partiendo del poema Bā yīn “Ocho sonidos” contenido en la joya literaria Sanzijing, “El Libro de los Tres Caracteres” (Dinastía Song del Sur), que encarna el ideal neo-Confucionismo aunando educación, moral y filosofía. Cualquier aspecto en la cultura china no es un fenómeno aislado, sino parte contextual referida a aspectos vitales: emergen peculiares sistemas cosmogónicos. Experiencias visuales y sonoras en un resultado mixto usando conceptos chinos presentados con soluciones Occidentales en mutua simbiosis. Se crea un sistema bā yīn careando música y pintura mientras surgen, desarrollan, desenvuelven y muestran al unísono. Vinculantes pero siguiendo una maniobra de recíproca anulación que alude a la energía del eterno ciclo vital. Tecnología y cultura presentadas bajo 4 formatos audiovisuales y 8 formatos meramente visuales.Palabras-clave: PINTURA/MÚSICA; PINTURAS SONORAS; TRANSDISCIPLINIDAD; BALLET ROBOTS; ARDUINO; CHINA VS OCCIDENTE Connecting sound energy and visualityAbstractConnecting painting and music building a series of sonorous-paintings. Involving literature, performance, dance and robotics, also, in a transdisciplinary way and within a pseudo-metropolitan environment. Based on the poem Bā yīn “Eight sounds”, part of the literary gem The Sanzijing, The Three-Character Classic (Southern Song Dynasty), which embodies the neo-Confucian ideal of uniting education, moral and philosophy. Any aspect in Chinese culture isn´t an isolated phenomenon but rather a contextual part related to diverse aspects of life: emerging special kind of cosmogonist systems. Visual and sound experiences as a mixed result by using different Chinese concepts, but presented alongside Western solutions in symbiosis. The project makes a system just taking those approaches to face music and painting, each other, while both of them emerge, develop, demonstrate and perform in unison, in a parallel and mutually binding manner. Linked but following a mutual destruction which summon the energy of an eternal vital circle. Technology and culture are showed under 4 audiovisual formats and 8 strictly visual formats, as well.Keywords: PAINTING/MUSIC; SONOROUS PAINTINGS; SOUND ART; ROBOTICS BALLET; ARDUINO; CHINA VS OCCIDENTE

ResumoEste artigo busca refletir sobre as relações entre Artes Visuais e Músico no âmbito de momentos específicos da História da Arte, elaborando uma análise comparativa entre a arte renascentista e a arte barroca, examinando as relações entre artes visuais e Música. Os elementos essenciais do estilo Barroco e do estilo Renascentista são considerados em oposição de modo a identificar possíveis similitudes existentes entre os aspectos pictóricos e os aspectos musicais de cada um destes estilos. O artigo parte do pressuposto de que, uma vez que estejam envolvidas pelo mesmo contexto histórico-social, a produção artística visual e a produção artística musical de um mesmo período e sociedade devem trazer elementos fundamentais em comum, e que, de maneira análoga, podem ser percebidas mudanças e rupturas entre as artes visuais e sonoras de dois períodos históricos distintos. Metodologicamente, dialoga-se na parte inicial do artigo com o sistema conceitual proposto por Wölfflin para análise de estilos artísticos. Na parte final do artigo dialoga-se teoricamente com a filosofia nietzscheniana, ao utilizar-se os conceitos de apolíneo e dionisíaco em sua aplicabilidade às artes visuais e à música.AbstractThis article attempts to develop a reflection about the relations between visual arts and music in the ambit of specifically historical periods, elaborating a comparative analysis from the renaissance and baroque arts, examining the relations between visual arts and Music. The essential elements of the Baroque Style and of the Renaissance Style are considered in opposition in order to identify possible similarities existent between the pictorial and musical aspects of which one of these styles. In the methodological aspects, the initial part of the article dialogues with the conceptual system considered by Wöfflin for analysis of artistic styles. In the last part of the article, it is establish a dialogue with the Nietzsche’s Philosophy in the use of the concepts of apolinian and dionysiac.

Jakarta merupakan ibukota dan juga salah satu kota metropolis yang ada di Indonesia, yang memiliki berbagai macam budaya seni. Budaya seni di Jakarta seperti budaya seni Betawi terbentuk dikarenakan adanya pengaruh kebudayaan Tionghoa yang masuk ke Indonesia. Salah satu budaya yang memberikan pengaruh pada budaya Betawi adalah seni musik tradisional Tionghoa yang melahirkan seni musik Betawi, Gambang Kromong. Dari sejarah ini dapat dikatakan bahwa keberagaman dan toleransi menjadi salah satu poin penting yang mendukung kekayaan kebudayaan Indonesia. Dengan adanya pengetahuan mengenai sejarah budaya Tionghoa terhadap budaya Betawi di Jakarta bertujuan untuk memberikan sebuah ruang pendekatan masyarakat agar dapat menciptakan toleransi antar masyarakat di Jakarta dan juga memberikan pengetahuan mengenai budaya seni musik tradisional Tionghoa kepada masyarakat lokal hingga mancanegara. Perancangan dari Wisata Galeri Seni Musik Tradisional Tionghoa ini dilakukan dengan melakukan pencarian data dengan melakukan survei di kawasan Pintu Besar Selatan, Kota Tua serta mengkaji literatur. Berdasarkan hasil survei dan wawancara, lokasi pintu besar selatan sering digelar pagelaran seni musik tradisional yang berlokasi di jalan yang mengakibatkan penutupan jalan. Sehingga program wisata yang direncanakan tidak hanya menyajikan wisata galeri seni musik tradisional Tionghoa. Tetapi juga turut ikut serta dalam menyajikan ruang publik yang dapat digunakan oleh masyarakat sekitar dalam melakukan pagelaran seni musik tradisional dengan menggunakan alat musik tradisional baik Tionghoa maupun alat musik lainnya. Dengan adanya bangunan ini, diharapkan tidak hanya memberikan edukasi tetapi juga dapat menciptakan rasa toleransi antar masyarakat Tionghoa dengan masyarakat lokal.

Perkembangan Information Communication Technology (ICT/Teknologi Informasi Komunikasi) memungkinkan musisi atau musisi pemula di bidang musik dari generasi net atau generasi yang tumbuh di tengah pesatnya ICT, untuk mengekplorasi dan mengembangkan bakat dan kreatifitas musiknya menggunakan berbagai aplikasi teknologi. Kreatifitas musik yang diciptakan generasi net bisa dibagikan secara cepat melalui media internet sehingga berpotensi dikenal khalayak luas. Tulisan ini mendiskusikan peran ICT bagi musisi muda generasi net di Indonesia sebagai enabler yang memfasilitasi mereka menembus industri musik global, khususnya di jalur musik popular. Lebih lanjut, essay ini menyorot bagaimana konektivitas dan kolaborasi yang dimungkinkan pemanfaatan ICT oleh generasi net membuka pintu kesempatan menuju industri musik global. Tak seperti musisi/penyanyi terdahulu yang harus pindah dan menetap di negara tujuan untuk memulai karir musik internasional, musisi generasi net Indonesia bisa memulai karir global dengan berkreatifitas musik cukup dari kamar tidur. Tulisan ini berkesimpulan bahwa konektivitas dan kolaborasi yang dimungkinkan ICT merupakan faktor penting yang mendukung keberhasilan musisi generasi net Indonesia meniti karir di industri musik global di era teknologi digital.

Orientador: Denise Hortencia Lopes Garcia
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-12T15:11:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rampin_DantasNeves_M.pdf: 9209358 bytes, checksum: 374af3500d1f2a9923260762214a4c2a (MD5) Previous issue date: 2008
Resumo: Esta pesquisa reflete a relação entre a música do compositor norte americano Morton Feldman e o grupo de pintores do Expressionismo Abstrato The New York School of Visual Arts - partindo da ótica do próprio compositor. Abordamos a maneira como Feldman trabalhou concepções advindas da pintura na composição técnica e estética em sua música. Para discorrer sobre este tema, a dissertação apresenta uma breve contextualização histórica da década de 50, do século passado, momento do encontro de Feldman com os pintores. Em seguida, apresentamos as concepções desenvolvidas por Feldman em sua música derivadas da pintura. Para tanto, apresentaremos análises que nos permitam compreender como estas concepções se concretizam musicalmente através da história notacional do compositor. Do ponto de vista metodológico a pesquisa se vale das declarações do próprio compositor, de pesquisas que abordam o trabalho composicional de Morton Feldman e da análise de obras. Priorizamos a análise da peça Crippled Symmetry, já que ela apresenta uma das notações mais originais produzidas por Feldman, o que nos inspirou a composição de Sombras Sobre o Encoberto 11, peça que apresentamos neste trabalho como resultado composicional desta pesquisa. Nas considerações finais, além do resultado de Sombras Sobre o Encoberto 11, discutimos como as concepções utilizadas por Feldman a partir da pintura pode ser amplamente explorada como base composicional singular.
Abstract: This research is about the relation between the music of the American composer Morton Feldman and the group of painters of Abstract Expressionism The New York School of Visual Arts - from the point of view of himself. It will focus the way Feldman developed concepts drawn from painting in the technique and aesthetics of his music. Thus the dissertation presents a historical account of the 1950s, when Feldman and the painters met. Then we present concepts Feldman drew from painting and developed in his music. We provide analyses which allow us to understand how such concepts work musically throughout Feldman's notational history. The method of this research is based on Feldman's statements, researches about his compositional work and the analysis of pieces. Crippled symmetry, whose notation is among the most original devised by Feldman, undergoes extensive analysis. It has also been the inspiration for the composition of our work Sombras sobre o Encoberto II, We present this piece as the compositional outcome of this research. In addition to this piece, the conclusion shows how the concepts Feldman drew from painting can be vastly explored as a unique basis for the composition of music.
Mestrado
Mestre em Música

Foram investigadas neste trabalho algumas das conexões entre a produção artística e intelectual brasileira e o mundo dos sentidos, especialmente entre as décadas de 1920 e 1940. Tomado como motivo político e estético, o sensorium foi matéria-prima no delineamento de propostas para a identidade artística e cultural do país, conectando-se de forma visceral à própria idéia de cultura popular, que passa por variações significativas no período compreendido entre os primórdios do Modernismo e a Era Vargas. Foram privilegiadas as relações entre os universos visual e sonoro, sobretudo em suas manifestações pictórica e escrita, analisadas a partir dos diálogos com a música. Esta última emerge como representante de um nacionalismo de base sensorial que se afirma ao longo da década de 1920, mas que pode ser mapeado já desde meados do século anterior, caracterizando a percepção acerca da cultura popular nas formas eruditas de expressão. O mundo dos sentidos, representado em grande medida pela dimensão sonora, funcionou ora como tema estruturador dos debates ideológicos, ora como veículo de divulgação e inserção internacional do país pela via da cultura, ou ainda, como instrumento político de intervenção social. A inclusão desta problemática na interpretação do Modernismo brasileiro fortalece os laços entre arte, cultura e política ao problematizar o impacto de suas formulações estéticas nas ações empreendidas na sequência pelo Estado Novo. Nesse cenário, a pintura, a literatura, a crítica e a produção intelectual serviram como plataforma de observação, através da qual se pode visualizar o alcance do problema, dando a ver a articulação entre a invenção artístico-intelectual e as querelas político-culturais de então.
This research deals with the connections between the Brazilian artistic and intellectual production and the world of the senses during the decades of 1920-1940. Taken as a political and aesthetic motive, the sensorium was the raw material of the proposals for the artistic and cultural identity, connected to the ideal of popular culture, which undergoes significant changes from the beginnings of modernism to the Vargas Era. The relations between visual and audio worlds were privileged, especially in its written and pictorial demonstrations and its dialogues with music. This last emerges as representative of a nationalism based on sensorial materials that asserts itself throughout the 1920s. And it can also be mapped as early as a mid-century earlier, characterizing the perception of popular culture in the forms of scholarly expression. The world of the senses, represented largely by sound dimension, worked as part of ideological debates and as a political tool for social intervention. The inclusion of this issue in the interpretation of Brazilian modernism strengthens the ties between art, culture and politics by questioning the impact of their aesthetic formulations on the actions taken following the Estado Novo. In this scenario, painting, literature, criticism and intellectual production served as a viewing platform through which we can see the scope of the problem, highlighting the link between artistic and intellectual invention and the quarrels of cultural and political field of the time.

La tesi que exposem es basa en una aproximació a la música a través de les arts plàstiques, concretament amb una mirada a la pintura. Es treballa en diferents nivells educatius amb el propòsit d’integrar pedagògicament ambdues àrees mitjançant la pràctica activa amb els recursos pedagògics adients; és, per tant, una recerca interdisciplinària entre la Història de la Música i la Història de l’Art. Partint de l’estat de la qüestió i la hipòtesi inicial, s’ofereix una primera part de la investigació, a tall de mostra, sobre la relació entre la música i la pintura a partir d’instruments musicals, temàtiques universals i compositors i pintors destacats que van tenir un ressò en l’art del classicisme, romanticisme i avantguardes artístiques del segle XX. La segona part de la tesi exposa el treball pedagògic dut a terme, com ara l’activitat “L’Art en la recerca: treballem amb l’Art, eduquem per la Pau”, que inclou la preparació i la realització d’un concert en el Museu d’Art Modern de la Diputació de Tarragona (MAMT) a càrrec de l’alumnat d’un Institut, interpretant obres de creació pròpia relacionades amb obres d’art del museu. També es mostra el treball realitzat en diferents contextos educatius sobre la comprensió de la música en relació amb la pintura, partint del classicisme i romanticisme musical fins a les avantguardes artístiques del segle XX, amb l’aplicació pedagògica dels continguts tractats en els capítols II, III i IV. La investigació aporta la valoració per part de l’alumnat i professorat de la metodologia d’ensenyament-aprenentatge proposada, reflectida en les conclusions. Es considera important que l’alumnat arribi a assolir al llarg dels respectius cursos acadèmics el coneixement i la valoració d’obres d’art relacionades amb els diferents estils musicals de la història de la música d’Occident.
La tesis que exponemos está basada en una aproximación a la música a través de las artes plásticas, concretamente en una mirada a la pintura. Se trabaja en diferentes niveles educativos con el propósito de integrar pedagógicamente ambas áreas mediante la práctica activa con los recursos pedagógicos adecuados; es, por tanto, una investigación interdisciplinar entre la Historia de la Música y la Historia del Arte. Partiendo del estado de la cuestión y la hipótesis inicial, se ofrece una primera parte de la investigación, a modo de muestra, sobre la relación entre la música y la pintura a partir de instrumentos musicales, temáticas universales y compositores y pintores destacados que han tenido un eco en el arte del clasicismo, romanticismo y vanguardias artísticas del siglo XX. La segunda parte de la tesis expone el trabajo pedagógico realizado, como la actividad "El Arte en la investigación: trabajemos con el Arte, eduquemos para la Paz", que incluye la preparación y la realización de un concierto en el Museo de Arte Moderno de la Diputación de Tarragona (MAMT) a cargo de los alumnos de un Instituto, interpretando obras de creación propia relacionadas con obras de arte del museo. También se muestra el trabajo realizado en diferentes contextos educativos sobre la comprensión de la música en relación con la pintura, partiendo del clasicismo y romanticismo musical hasta las primeras vanguardias artísticas del siglo XX, y la aplicación pedagógica de los contenidos tratados en los capítulos II, III y IV. La investigación aporta la valoración por parte del alumnado y profesorado de la metodología de enseñanza-aprendizaje propuesta, reflejada en las conclusiones. Se considera importante que el alumnado llegue a alcanzar a lo largo de los respectivos cursos académicos el conocimiento y valoración de obras de arte relacionadas con los diferentes estilos musicales de la historia de la música de Occidente.
This thesis is based on an approach to music through visual arts, more specifically through painting. It works at different educational stages in order to integrate pedagogically both areas, music and painting, through active practice with appropriate educational resources; therefore, it is an interdisciplinary research between Music History and Art History. Starting from the state of affairs and the initial hypothesis, the first part of the investigation provides examples of the relationship between music and painting based on musical instruments, on universal themes and also on composers and painters that are prominent in classicism, romanticism and avant-garde twentieth century. The second part of the thesis introduces the pedagogical work that has been elaborated, for instance the activity "The art in the research: let us work with Art and educate for Peace". This work includes the preparation and implementation of a concert in the Modern Art Museum of Tarragona (MAMT) lead by students of an institute, in which the students performed musical works created by them, works that were related to the artworks of the museum. In this part it is also introduced the work that has been done in different educational contexts concerning the understanding of music in relation to painting from the classical and romantic music to the twentieth century avant-garde, and also the pedagogical application of the content covered in chapters II, III and IV. In its conclusions, this research provides the assessment done by students and teachers of the teaching-learning proposal. It is considered important that during the respective academic courses the students achieve the knowledge and the appreciation of works of art related to the different musical styles of the history of Western music.

Tres ideas fundamentales: el correlato neuronal musicopictórica, la posible existencia de universales en la música y la pintura, y el fenómeno de la evocación pictórica
Threefundamental ideas: The neural music painting correlate, the possibility of universals in music and painting and the phenomenon of music painting evocation<
Fazit: Drei Wesentliche ideen: Das neuronales musicopictorisches korrelat, Mögliche universalien in musik und malerei und das phänomen der evocation zwischen musik und malerei

L’objectiu primordial de la tesi és l’anàlisi de la representació de la música en la obra de l’artista Joan Carandell. S’estudia Carandell i la seva obra com a paradigma contemporani a per establir correspondències entre el món interdisciplinari de les arts i la iconografia de la representació musical. S’investiga i s’estudia la col•lecció “Història de la Música” de Carandell per la seva dimensió musical. La tesi consta de dos volums. Així mateix, el primer volum està dividit en dos capítols, apèndix I i apèndix II. I el segon volum és un annex amb la selecció de la documentació recopilada de catàlegs de les exposicions individuals, conferències, il•lustracions de llibres i revistes, i de la recopilació de premsa escrita sobre Carandell. En l’apèndix I es recopilen i es seleccionen representacions de diversos artistes, per obtenir la informació complementària i per deixar constància de les línies principals de la iconografia musical des del Romanticisme fins a la pintura contemporània. S’observen les constants iconogràfiques i les variades línies estètiques de la representació dels aspectes musicals. A l’apèndix II s’inclou un complement bibliogràfic sobre l’artista. Es parteix de l’estudi de la iconografia i de la representació de la música per establir unes línies formals de representació i es proposa la hipòtesi: Carandell s’aparta, sens dubte, de les línies establertes en la història de la representació musical i la seva “Història de la Música” s’escapa als paràmetres convencionals per la seva extensió i perquè conté un factor didàctic i filosòfic. Primera conclusió, la proposta de Carandell és innovadora perquè té sentit d’unitat pictòrica vers la vibració musical, hi ha una representació coherent de l’evolució de la música des dels grecs fins als compositors contemporanis i és un resum de la història de la música de manera pictòrica. Segona, les obres de l’artista parteixen de la vibració musical que es transforma en les seves personals i innovadores manifestacions pictòriques de línia i color. Tercera, es refereix a la intencionalitat didàctica del seu projecte “Història de la Música” que és progressista i innovador. Quarta, és sobre el suggeriment de Carandell de real però inventat que determina un surrealisme i també una metafísica que convida a imaginar una dimensió pictòrica oberta a l’espectador, a la seva pròpia experiència i sensibilitat i li descobreix expectatives de reflexió filosòfica. La cinquena conclusió refereix l’assoliment de les qüestions proposades a la hipòtesi i amb el resultat d’un treball d’investigació innovador i necessari per a la historiografia de l’art.
The main objective of the thesis is to analyse the representation of music in Joan Carandell’s work which is studied as the contemporary paradigm to establish links between the interdisciplinary world of arts and the iconography of musical representation. Carandell’s History of Music collection is researched and studied for its musical dimension. The thesis includes two volumes, the first is divided into two chapters, appendixes I and II, and the second is an annex. Appendix I gathers and selects representations of various artists to obtain complementary information and to record the main features of musical iconography, from Romanticism to contemporary painting. The iconographic constants and varied aesthetic features of representation of the musical aspects are observed. Appendix II includes a biographical complement about the artist. The starting point is the study of the iconography and musical representation to establish formal representation lines and the proposal of the following hypothesis: Carandell no doubt moves away from the established lines in the history of musical representation, his History of Music slipping away from conventional parameters due to its extension and educational and philosophical factors. First conclusion: Carandell’s proposal is innovative because of its sense of pictural unit towards musical vibration, with a consistent representation of musical evolution from the Greeks to contemporary composers, and being a summary of the history of music in a pictural fashion. Second: the artist’s works are based on the musical vibration which is transformed into his personal and innovative pictural manifestations of line and colour. Third: it refers to the educational intention of his project History of Music which is both progressive and innovative. Fourth: it deals about Carandells’s suggestion of real but invented which determines a surrealism and metaphysics leading to imagine a pictural dimension open to the eye of the beholder, to his own experience and sensitivity, uncovering to him expectations of philosophical reflection. The fifth conclusion refers to the achievement of the issues proposed in the hypothesis, with the result of a research work that is both innovative and necessary for the historiography of art.

El avance en las formas musicales propugnadas por el maestro alemán, sino que sus teorías estéticas a irrupción del wagnerismo en la Europa de su tiempo, fue uno de los fenómenos artísticos y culturales más significativos de la segunda mitad del siglo XIX. Éste no se limitó únicamente a un y escenográficas trascendieron las fronteras teatrales para alcanzar a otros campos como el literario o el de las artes plásticas, tal y como se abordará en el desarrollo de la tesis. Muchos de estos artistas e intelectuales (franceses, ingleses, belgas, rusos, norteamericanos, italianos, españoles, etc.) seducidos por la estética wagneriana, contribuyeron a integrar la iconografía y el mundo mítico de las óperas de Wagner en patrimonio común de la civilización occidental. Este fenómeno fue posible gracias a la nueva ordenación en la jerarquía de las artes producida en el siglo XIX y que llevó a la música y a la pintura –hasta entonces considerada en un plano inferior respecto a la poesía y a la arquitectura- a encabezar este nuevo orden, hecho que afectó favorablemente a la difusión de las teorías artísticas de Wagner tal y como veremos. El Romanticismo alemán con las figuras de Schiller, Caspar David Friedrich o Philip Otto Runge participaron en este nuevo postulado que pronto fue divulgado por toda Europa, agregándose igualmente la figura principal del pintor francés Eugène Delacroix que la convirtió en pilar básico de su teoría artística. Pero, sin lugar a dudas, fue la presencia del músico alemán Richard Wagner (1813-1883), quien mejor desarrolló e influencia tuvo en la estética de su tiempo por esta preeminencia de la música y la pintura sobre las demás artes, y particularmente de la música sobre el resto. Wagner convirtió a la idea de la Gesamtkunstwerk (obra de arte total) –partiendo de la sinestesia como origen-, en el sujeto fundamental de toda su obra musical y estética. Esta se podría definir como la síntesis y unión de todas las artes integradas bajo la dirección de la música, que conduce a la realización de una obra original, de un modelo ideal y superior. El nuevo ideario artístico obtuvo, de este modo, un reconocimiento favorable en las diversas manifestaciones estéticas desde los años sesenta hasta las primeras décadas del siglo XX y, esencialmente bajo las formas del simbolismo. Es por tanto que al dar título a la tesis como El reflejo de Wagner en las artes plásticas españolas, no se va a circunscribir únicamente el campo de estudio exclusivo de la interpretación iconográfica e iconológica de los personajes de las óperas de Wagner, si no que se va a extender a un objetivo más amplio que sirva para analizar, social y culturalmente, el fenómeno wagneriano desde sus condicionantes ideológicos a los artísticos, haciendo una valoración objetiva de la influencia marcada o no del wagnerismo en España y muy especialmente en las artes plásticas. Después de la consulta e información variada y múltiple recogida durante estos años, la organización de la tesis ha sido un tanto complicada, máxime cuando contando con todo el material recogido, era imposible determinar la síntesis fijada y que no dificultara el objetivo final de la misma, fijada desde un inicio y que se centraba en el estudio de la iconografía wagneriana desde la composición y difusión de la ópera de Wagner en Europa y su posterior llegada a España, principalmente presentada bajo su forma plástica. Comprender el porqué de la importancia otorgada por Richard Wagner a la puesta en escena –fundamental a la hora de concebirse más tarde el prototipo iconográfico-, así como establecer a manera de diccionario temático-iconográfico y simbólico, el estudio analítico de cada ópera desde Rienzi a Parsifal, así como la propia hagiografía derivada por el propio músico. En el estudio de cada ópera y cada personaje, se establecen unas pautas principales: parentesco y origen, atributos, mitos relacionados, principales obras/ejemplos plásticos. Con esta base, sería fácil establecer el reflejo de Wagner en las artes plásticas españolas, definiendo a través del catálogo de imágenes desde el estreno de Rienzi (1876) en el Teatro Real al de Parsifal (1913/14). Un último apartado incide en varios artistas que se convierten en los protagonistas más relevantes de la iconografía wagneriana española, como son Rogelio de Egusquiza, Mariano Fortuny y Madrazo y Adrià Gual, además de en su vertiente coleccionista y promotor la delmusicólogo Joaquim Pena. En un principio, el campo de exploración estaba acotado entre dos fechas bien delimitadas, por una parte el estreno de la primera ópera de Wagner en España (1876, Rienzi en el Teatro Real de Madrid) y el último estreno con Parsifal (Teatro del Liceo, 1913, Madrid, 1914). En el estudio sobre el wagnerismo en España era fácil trabajar con la acotación por épocas, delimitadas por acontecimientos histórico- sociales determinantes que básicamente se fijaban en dos grandes etapas el período de la Restauración (1875-1902) momento en el que comienzan a estrenarse las primeras óperas del período romántico de Wagner (Der fiegende Holländer, Tannhäuser, Lohengrin) a Tristan und Isolde o Die Walküre (estrenadas en 1899 en el Liceo) y que supuso el gran estallido del wagnerismo en Cataluña. A partir de 1901, marcado por el cambio histórico-político del comienzo del reinado de Alfonso XIII, se sucedió la definitiva difusión y aifanzamiento del wagnerismo en España, con las constituciones de las Asociaciones Wagnerianas (1901 –Barcelona; 1911 Madrid) a la representación de su gran obra Der Ring des Nibelungen y los homenajes en 1913 al centenario de su nacimiento (Festivales Wagner, Teatro del Liceo). En el análisis del wagnerismo catalán, los acontecimientos políticos propios de la Cataluña de la época con la Reinaxença, y más tarde los movimientos anarquistas y el nacionalismo catalán influirán significativamente en la presentación de los prototipos wagnerianos. No obstante, he de remarcar que en los capítulos 2, Wagner, hombre de teatro y 3, La iconografía wagneriana. Wagner como generador de imágenes literarias y musicales, los acontecimientos históricos han pasado a un segundo término, porque era necesario sintetizar el origen y significado de la iconografía sin prolongar más el estudio, y era conveniente la explicación a través de acontecimientos importantes como la creación del Festspielhaus de Bayreuth (estrenos de Der Ring des Nibelugen, 1876 y Parsifal, 1882), y la herencia del espectáculo wagneriano con Cósima Wagner y Bayreuth como exportador del wagnerismo. Bajo el título Reflejo de Wagner en las artes plásticas españolas. De la Restauración a la Primera Guerra Mundial, he intentando englobar por una parte, la iconografía wagneriana desde su origen –con la difusión y proyección de los modelos wagnerianos desde Bayreuth- hasta su aceptación por los pintores españoles, creando una iconografía propia. Igualmente, estudiar la evolución de la iconografía wagneriana en España, desde los primeros estrenos y sus testimonios plásticos, hasta el año 1914 que supone el fn de una era, la del primer wagnerismo en España –que acaba con el estreno de Parsifal y el comienzo de la Primera Guerra Mundial-.

La réflexion autour des correspondances entre les arts a traversé bien des milieux dans le Paris de la fin du XIXe. Il s’est tissé ainsi un réseau discursif lié à la synesthésie, dans lequel de multiples courants de pensée se sont retrouvés, certains aux origines lointaines, comme les présupposés occultistes, ainsi que tant d’autres qui se sont progressivement ajoutés au cours du XIXe siècle. C’est par exemple le cas des discours héritiers de la Naturphilosophie, des théories symbolistes dérivées de l’idéalisme, des postulats wagnériens ou encore des découvertes scientifiques et physiologiques liées au phénomène de la synesthésie. À travers l’étude de différents théoriciens attachés à la synesthésie – Wyzewa, Favre, Mauclair – et créateurs – Verlaine et Mallarmé en ce qui concerne la poésie, Chausson et Debussy pour la musique, Redon et Denis pour les arts plastiques – et par le biais d’une approche interdisciplinaire, nous étudions les mécanismes qui ont rendu possible la formulation de ce discours synesthésique, dans lequel on peut décerner des aspects de type esthétique, théorique, idéologique, sociologique et scientifique
The reflection on the correspondences among the arts made a remarkable impact on the cultural scene of late nineteenth-century Paris. This gave rise to a whole discursive framework linked to synaesthesia around which several lines of thought converged. Some had remote origins, such as the occultist approach; others were gradually incorporated during the nineteenth century, as in the case of the principles derived from the Naturphilosophie, the theoretical symbolist assumptions linked to the idealistic tradition, the inheritance of Wagnerian’s postulates or the scientific and physiological discoveries regarding the phenomenon of synaesthesia. Based on the work of both theoreticians –such as Wyzewa, Favre, Mauclair- and artists -the poets Verlaine and Mallarmé, the musicians Chausson and Debussy and the painters Redon and Denis– linked to synaesthesia, and following an interdisciplinary approach, this Ph.D. research analyses the mechanisms that gave rise to the synaesthesic discourse, taking into account its aesthetical, ideological, sociological and scientific aspects
La reflexión en torno a las correspondencias entre las artes tiñó los diversos ámbitos del panorama cultural del París de finales del siglo XIX. Ello generó un entramado discursivo ligado a la sinestesia en el que se dieron cita diversas corrientes de pensamiento, algunas con orígenes remotos, como las propuestas ocultistas, y otras que se habían ido incorporando progresivamente a lo largo del siglo XIX, como los discursos herederos de la Naturphilosophie, los supuestos teóricos simbolistas ligados al legado idealista, la herencia de los postulados wagnerianos o los descubrimientos científicos y fisiológicos en relación con el fenómeno de la sinestesia. A través del estudio de diferentes teóricos –Wyzewa, Favre, Mauclair– y creadores –Verlaine y Mallarmé desde la poesía; Chausson y Debussy desde la música; Redon y Denis desde la plástica– ligados a la sinestesia y mediante un enfoque interdisciplinar, se han estudiado los mecanismos que posibilitaron este discurso sinestésico, en los que entran en juego aspectos de tipo estético, teórico, ideológico, sociológico y científico

Cette thèse a pour objectif de suggérer des lignes directrices pour observer les rencontres entre des arts, des matières et des techniques artistiques distincts et caractériser les passages possibles entre le sonore et le visuel. Dans un premier temps, nous étudierons les différences entre les arts et les manières de les organiser dans des systèmes classificatoires. Ensuite, nous nous tournerons vers l’étude de la notion de ressemblance entre les arts et de l’esthétique comparée et nous présenterons quelques liens et interactions entre les phénomènes musicaux et visuels. Les ressemblances seront exposées plus loin à travers leurs traits spécifiques, que nous appellerons « similitudes ». À partir de ces dernières, présentées sous les noms de sympathie, d’émulation, d’analogie et de convenientia, nous proposerons des façons d’observer des rencontres entre le sonore et le visuel. De la sympathie provient la notion de résonance, qui se fonde dans la liberté du récepteur d’établir des correspondances entre des paires d’œuvres d’art distinctes. Les reflets trouvent leur fondement dans les similitudes émulation et analogie, et s’adressent à des œuvres dont les créateurs ont tenté d’appliquer dans leur propre art des éléments provenant d’un autre art. Dans le troisième, consacré aux confluences, nous inclurons des œuvres qui contiennent dans leur structure propre des matières sonores et visuelles. À l’origine des confluences se trouve la convenientia, similitude qui traite de la coexistence des éléments hétérogènes. Picasso, Stravinsky, Ligeti, Rothko, Dutilleux et Klee sont parmi les artistes qui illustrent les résonances, reflets et confluences de cette recherche
The main objective of this thesis is to suggest guidelines in observing meetings between arts, materials and separate art techniques and to characterize some of the possible passages and interactions between the sonorous and visual. First we talk about the differences between the arts and the ways to organize them into classification systems. Then we turn to the study of the concept of resemblance between the art forms, introduced in Comparative Aesthetics and present some links and intersections between the musical and visual phenomena. Their similarities will be exposed, later, through specific traits, which we call “similitudes”. From these latter, presented by the names: sympathy, emulation, analogy and convenientia, we propose ways of observing encounters between the sonorous and visual. From sympathy comes the notion of resonance, which is based on the liberty of the receiver to establish correspondences between pairs of distinct art works. The reflections address the art works whose artists sought to apply in their own art, elements coming from another art and find their bases in the similitudes of emulation and analogy. Finally, the confluences. In this third group are included the art works that contain, in their own structure, sonorous and visual materials. At the origin of the confluences is the convenientia, similitude that deals with the coexistence between heterogeneous elements. Picasso, Stravinsky, Ligeti, Rothko, Dutilleux and Klee are the artists whose works illustrate the resonances, reflections e confluences of our research
Esta tese tem como principal objetivo sugerir diretrizes para se observar encontrosentre artes, matérias e técnicas artísticas distintas e caracterizar algumas das passagenspossíveis e interações entre o sonoro e o visual. Primeiramente, discorremos sobre asdiferenças entre as artes e as maneiras de organiza-las em sistemas classificatórios. Emseguida, nos voltamos ao estudo da noção de semelhança das mesmas, à Estética Comparadae apresentamos algumas elos e interseções entre os fenômenos musicais e visuais. Assemelhanças são expostas, mais à frente, através de traços específicos, aos quais chamamos de“similitudes”, de acordo com o entendimento de Michel Foucault. A partir dessas últimas,apresentadas pelos nomes de simpatia, emulação, analogia e convenientia, propomosmaneiras de se observar encontros entre o sonoro e o visual. Da simpatia provém a noçãoressonância, que se baseia na liberdade do receptor de estabelecer correspondências entrepares de obras de arte distintas e fertilizar mutuamente seus entendimentos. Os reflexos seendereçam às obras cujos artistas procuraram aplicar em sua própria arte elementos provindosde uma outra arte e encontram suas bases nas similitudes de emulação e analogia. Finalmente,as confluências. Neste terceiro grupo incluem-se obras que contém em sua própria estruturamatérias sonoras e visuais. Na origem das confluências está a convenientia, similitude quetrata da coexistência entre elementos heterogêneos. Pablo Picasso, Igor Stravinsky, GyörgyLigeti, Mark Rothko, Henri Dutilleux, Paul Klee, Alban Berg e Serguei Eisenstein são osartistas cujas obras ilustraram as ressonâncias, reflexos e confluências de nossa pesquisa

碩士
高雄師範大學
音樂學系
97
The purpose of this study was to investigate the current status of incorporating popular music into the junior high school music curriculum through the perspectives of teachers. A survey was distributed to 202 junior high school teachers in the Kaohsiung-Pingtung region of Taiwan, with a return of 91 % (N=169). The questionnaire included three parts: 1. teachers’ attitude towards popular music, 2. current status of incorporating popular music into the music curriculum, and 3. teachers’ perspectives on student learning effectiveness of incorporating popular music into the music curriculum. Interviews were conducted with four participants. Statistical analysis including One-Way ANOVA, Chi-Square test and Pearson’s product-moment correlation were employed for data analysis. The results of the study were as followed: 1. Junior high school music teachers in the Kaohsiung-Pingtung region of Taiwan have positive attitude towards popular music. (1)Music teachers have positive attitude towards popular music. (2)Music teachers have positive attitude towards incorporating popular music into the music curriculum. 2. Current status of engaging popular music into the junior high school music curriculum in the Kaohsiung-Pingtung region of Taiwan. (1)The percentage of popular music in the music curriculum increases as students’ age increases. (2)Consideration for choosing popular music as teaching material included:“resemblance to students’ life experience” and “suits students’ interest and needs”. (3)Disturbance of choosing popular music as teaching material was “appropriateness of lyrics”. (4)“Mass media” and “students” were the main source for the teachers to gain information on choosing popular music as teaching material. (5)“POP” was the most frequently chosen music style as teaching material. (6) Teachers incorporated popular music in “recorder” and“appreciation”activities most frequently, and the least in “composition”. 3. Teachers expressed positive perspectives on student learning effectiveness of incorporating popular music in the music curriculum. 4. There was positive correlation between teachers’ attitude towards popular music,teachers’ attitude towards incorporating popular music in the music curriculum,and teachers’ perspectives on student learning effectiveness.

碩士
國立屏東教育大學
音樂學系碩士班
102
The purpose of the study was to investigate the situation of job stress and coping strategies of the teachers in supplementary music school in Kaohsiung and Pintung areas. The researcher also examined the differentiation in job stress and coping strategies of the teachers with background variables in supplementary music school in these two areas. To achieve the goals of the study, the researcher adopted a self-designed questionnaire to collect the data from the teachers in supplementary music school in Kaohsiung and Pintung areas. A total of 420 copies of questionnaire have been issued with 350 valid returned (83%). The researcher used SPSS 17 to analyze the descriptive statistics (frequency distribution, percentage, means and standard deviation) and the inferential statistics (t-test, a single-factor ANOVA). Based on the findings of this study, the conclusions were the following: 1. The teachers boost self-efficacy of teaching to reduce job stress. 2. The teachers can adopt positive coping strategies, but seldom seek advice and assistance from the supplementary music school directors. 3. The teachers enhance diverse abilities to relieve job stress. Finally, the recommendations for the supplementary music school teachers and follow-up study are suggested.