Dissertations / Theses on the topic 'Pintubi'

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2014.
Submitted by Larissa Stefane Vieira Rodrigues (larissarodrigues@bce.unb.br) on 2014-11-27T16:29:29Z No. of bitstreams: 1 2014_DarliPereiraNuza.pdf: 2653225 bytes, checksum: 7df81ecc187ad1c45f29ac19859c4f3c (MD5)
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Este trabalho traz reflexões e práticas a respeito das hibridizações entre arte e novas tecnologias. Por meio de experimentações, é pesquisado, especificamente, o encontro das vertentes pintura e projeção mapeada. São apresentadas três obras autorais desenvolvidas com o intuito de analisar a mistura de técnicas e conceitos dessas linguagens, suas aberturas, probabilidades e limitações; tem também como objetivo ponderar sobre criações híbridas, ressaltando assim, os desdobramentos na arte ao mesclar e compor com os novos recursos contemporâneos. Os conceitos que envolvem o termo hibridismo e suas derivações são apontados em suas diversas perspectivas através de alguns autores como Canclini (2008), Cattani (2007), Gruzinski (2001), Narloch (2007), Santaella (2008) e Vargas (2004). A pintura e a projeção mapeada são apresentadas em suas particularidades abordando seus contextos e conceitos. Além de apresentar brevemente aspectos históricos e conceituais que envolvem a pintura, é traçada uma discussão a respeito desta linguagem e suas extensões, principalmente no que se diz respeito às suas mesclagens no encontro com projeção mapeada e vice-versa. Dentre outros, Tavares (1998), O’Dohery (2002) e Cartaxo (2006) embasam o processo criativo nas obras Pause pro café, Qrcode de dedo e Efêmeros. Esses experimentos são parte do processo teórico prático desta pesquisa e são apresentadas poeticamente através da Pintura Híbrida. Tendo em vista a circularidade deste processo, apresento, concomitantemente, os registros sobre a execução, as seleções, os desdobramentos e as limitações encontradas durante o processo artístico. ____________________________________________________________________________________ ABSTRACT
This paper presents reflections and practices regarding hybridizations between art and new technologies. Through experiments, it is researched specifically, the meeting of the strands painting and projection mapping. Three copyrighted works were developed in order to analyze the mixture of techniques and concepts of these languages, their openings, odds and limitations are presented. It also aims to ponder hybrid creations, thus highlighting the developments in the art to make and merge with new contemporary features. The concepts surrounding the term hybridity and its derivations are pointed in their diverse perspectives through some authors such as Canclini (2008), Cattani (2007), Gruzinski (2001), Narloch (2007), Santaella (2008) and Vargas (2004). Painting and projection mapping are presented in its particularities addressing their contexts and concepts. Besides briefly presenting historical and conceptual aspects involving painting, is mapped a discussion about this language and its extensions, especially when concerns their blends in encounter with mapped projection and vice-versa. Among others, Tavares (1998), O'Dohery (2002) and Benavente (2006) establish the creative process in the works Pause for breakfast, Qrcode finger and Ephemera. These experiments are part of the practical and theoretical processes of this research are presented poetically through Hybrid Painting. Given the circularity of this process, I present it simultaneously: the records on the implementation, the selections, the ramifications and limitations encountered during the artistic process.

Pausar, em \"Pausa para Pintura\", se refere tanto aos momentos de suspensão que minhas pinturas sugerem, quanto à ação de pausar uma cena de vídeo para posteriormente servir de \"modelo\" para a pintura. Ao longo dos últimos quatro anos, pequenos ensaios que tratam do meu processo de trabalho e uma série de pinturas com o tema da cidade e seus habitantes foram realizados. Os conceitos de absorção, fluidez, deformação, transformação, transitoriedade, aproximação, distanciamento, movimento e imobilidade, permeiam o texto e a pintura. A concretização desses pensamentos se dá através de uma exposição dos trabalhos desenvolvidos no período.
The word pause in \"Pause for Painting\" refers to the moments of suspension that my paintings suggest as well as to the action of pausing a video scene that later on will serve as \"model\" for the painting. Over the last four years, I realized short essays dealing with my working process and a series of paintings on the theme of the city and its dwellers. Concepts, such as absorption, fluidity, deformation, transformation, transit, approaching, distancing, motion and stillness pass through the text and the painting. The embodiment of these thoughts occurs by means of an exhibition of the works done in the period.

Mais do que investigar algumas das relações possíveis entre a pintura e a fotografia, esta pesquisa tem como objetivo criar uma reflexão sobre a minha produção pictórica que estende-se desde o período da minha graduação e segue adiante, explorando os aspectos que permeiam o trabalho - as questões relativas à história da arte; os parques de diversões sob diferentes aspectos; a imagem automatizada e suas características, especialmente no contexto da tecnologia digital disponível no início do Século XXI.
Besides investigating the possible relations between painting and photography, this research work intends on creating a reflection about my pictorical production which began on my graduation years and keeps going on, exploring aspects related to the work - questions related to Art History; amusement parks through their different aspects; automated image and its characteristics, specialy on the context of digital technology available at the beginning of the 21st Century

A pesquisa envolve questões da linguagem pictórica, como cor, forma, planos de representação, transparência e opacidade, espaço e superfície material, relacionando-as com o indivíduo e a cidade, através da reminiscência dos deslocamentos vivenciados cotidianamente na cidade de São Paulo. Tais questões surgiram a partir da pesquisa teórica e do fazer artístico, utilizando procedimentos de pintura, litografia e instalação com o uso de materiais como a tinta a óleo, placas de pisos do tipo paviflex e decorflex, chapas de MDF1, telas, fita adesiva e papéis, entre outros. Resulta na produção e apresentação de um conjunto de obras e do desenvolvimento do presente texto de maneira a explicitar os processos teóricos e práticos utilizados durante a pesquisa, sendo acompanhado de reproduções fotográficas de parte das obras referidas nesta dissertação.
This research deals with issues of pictorial language, such as color, form, planes of representation, transparency and opacity, space and material surface, and relates those with the individual and the city through reminiscence of everyday displacements in the city of Sao Paulo. Such issues arose from a theoretical research and by artistic practice, with the use of painting, lithography, and installation procedures where materials such as oil paints, paviflex and decorflex flexible pavement tiles, MDF2 plates, screens, adhesive tape and paper, among others, were employed. The result is the production and presentation of a set of works, and the development of this text that explains the theoretical and practical processes applied during the research. It is accompanied by photographs of part of the works referred to in this dissertation.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:29Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-06-17Bitstream added on 2014-06-13T19:48:49Z : No. of bitstreams: 1 broggiato_fc_me_ia.pdf: 1793369 bytes, checksum: d1db97efd02420fa1d1f2697e1e72126 (MD5)
Esta dissertação trata de como a pintura, no decorrer do século XX, deixou de ser vista como um espaço virtual, ilusionista, para ser concebida em sua literalidade, como uma superfície plana. Esta pesquisa tem dois resultados distintos: a produção, entre 2009 e 2011, de uma série de pinturas e o desenvolvimento de um texto. O texto, por sua vez, é dividido em duas partes: na primeira, apresento e procuro analisar minha obra pictórica recente, e na segunda, desenvolvo, em três capítulos, reflexões sobre a relação entre o espaço da pintura, o espaço do teatro e o espaço dos objetos comuns, destacando a influência que os readymades de Marcel Duchamp e o minimalismo norte-americano exercem sobre a pintura contemporânea. Nesse contexto, analiso visões dos críticos Michael Fried, Clement Greenberg, Ferreira Gullar, Leo Steinberg e Alberto Tassinari
This dissertation discusses how the art of painting, during the twentieth century, ceases to be seen as a virtual illusionist space, to be conceived in a literal way, as a flat surface. This research has two distinct outcomes: the production of a series of paintings (between 2009 and 2011) and also the development of a text. The text, in turn, is divided in two parts: in the first part I present and try to analyze my recent pictorial work; in the second part, which is divided in three chapters, I reflect upon the relationship between the space of painting, the theater space and the space of common objects, highlighting the influence of Marcel Duchamp’s readymades and North-American minimal art on contemporary painting. In this context, I analyze the views of the critics Michael Fried, Clement Greenberg, Gullar, Leo Steinberg and Alberto Tassinari

Orientador: Sergio Mauro Romagnolo
Banca: José Leonardo do Nascimento
Banca: Paulo Pasta
Resumo: Esta dissertação trata de como a pintura, no decorrer do século XX, deixou de ser vista como um espaço virtual, ilusionista, para ser concebida em sua literalidade, como uma superfície plana. Esta pesquisa tem dois resultados distintos: a produção, entre 2009 e 2011, de uma série de pinturas e o desenvolvimento de um texto. O texto, por sua vez, é dividido em duas partes: na primeira, apresento e procuro analisar minha obra pictórica recente, e na segunda, desenvolvo, em três capítulos, reflexões sobre a relação entre o espaço da pintura, o espaço do teatro e o espaço dos objetos comuns, destacando a influência que os readymades de Marcel Duchamp e o minimalismo norte-americano exercem sobre a pintura contemporânea. Nesse contexto, analiso visões dos críticos Michael Fried, Clement Greenberg, Ferreira Gullar, Leo Steinberg e Alberto Tassinari
Abstract: This dissertation discusses how the art of painting, during the twentieth century, ceases to be seen as a virtual illusionist space, to be conceived in a literal way, as a flat surface. This research has two distinct outcomes: the production of a series of paintings (between 2009 and 2011) and also the development of a text. The text, in turn, is divided in two parts: in the first part I present and try to analyze my recent pictorial work; in the second part, which is divided in three chapters, I reflect upon the relationship between the space of painting, the theater space and the space of common objects, highlighting the influence of Marcel Duchamp's readymades and North-American minimal art on contemporary painting. In this context, I analyze the views of the critics Michael Fried, Clement Greenberg, Gullar, Leo Steinberg and Alberto Tassinari
Mestre

Dissertação apresentada na Faculdade de Ciências e Tecnologia da Universidade Nova de Lisboa para obtenção do grau de Mestre em Conservação e Restauro
Os bens etnográficos enquanto objectos representativos da actividade humana (de um individuo ou grupo cultural) permitem o estudo de aspectos de uma cultura, oferecendo designadamente informações sobre a vida social, economia e politica, mas também acerca da língua,folclore, arte, religião, rituais e crenças. No presente trabalho foi efectuado um estudo de quatro objectos etnográficos, quatro pinturas sobre tela provenientes da Indonésia (ilha de Bali), e que fazem parte do espólio de dois museus etnográficos portugueses: o Museu Nacional de Etnologia e o Museu do Oriente. As informações de que se dispunha à partida eram muito escassas e a investigação levada a cabo começou por uma breve aproximação ao contexto histórico-artístico e social dos objectos, em simultâneo com a realização de um conjunto de análises laboratoriais com o intuito de caracterizar os materiais pictóricos. A selecção das pinturas foi realizada de forma a permitir estudar a evolução da paleta de cores da pintura balinesa ao longo de aproximadamente um século. A principal técnica de exame e análise escolhida para a identificação dos pigmentos foi a microscopia Raman (μR) por ser uma técnica que tem vindo a demonstrar inúmeras vantagens no estudo do património cultural. Os resultados obtidos permitiram chegar à conclusão que, se por um lado observa-se consistência na iconografia retratada em todas as pinturas, por outro, constatou-se uma evolução dos materiais utilizados na execução destas pinturas. Foi possível identificar que os pigmentos presentes nas pinturas mais antigas coincidiam com os empregues na pintura balinesa tradicional, ou seja,verificou-se a presença de pigmentos inorgânicos como: hematite, goetite, vermelhão e pigmento negro à base de carbono. Nas pinturas mais recentes, a gama de cores observada é mais ampla devido à presença de pigmentos orgânicos sintéticos pertencentes às seguintes subclasses: naftol AS, diarilido e ftalocianina. A introdução destes pigmentos sintéticos pode dever-se às influências de artistas ocidentais que se mudaram para Bali após a I Guerra Mundial. Em todas as pinturas foi possível identificar uma camada de preparação à base de amido, característica da pintura tradicional Balinesa. Surgiu também a oportunidade de efectuar um estudo comparativo com amostras de pigmentos enviadas de Bali, por um pintor balinês, o que permitiu complementar a análise dos pigmentos. Verificou-se que na sua maioria pertenciam aos pigmentos usados na pintura balinesa tradicional. O trabalho desenvolvido permitiu conhecer melhor os processos tecnológicos e matérias primas empregues na execução deste tipo de pintura oriental. Deste trabalho resultou a realização de uma comunicação oral com o título: Indonesian painting:pigment characterisation of modern Balinese painting by Raman microscopy, apresentada na conferência internacional TECHNART 2009: Non-destructive and Microanalytical Techniques in Art and Cultural Heritage,decorrida em Atenas de 27 a 30 de Abril de 2009.

Os textos aqui reunidos foram escritos ao longo dos últimos cinco anos. Na sua maioria, são pequenos ensaios sobre pintura e pintores, geralmente publicados em jornais, revistas e catálogos. Muitos deles foram escritos a pedido de editores, redigidos para comunicações em seminários ou para acompanhar exposição de minha curadoria. Essas circunstâncias, acredito, ajudaram a criar o estímulo necessário à sua elaboração, que foi, a cada vez, um desafio a ser vencido. Estou certo também de que, a despeito dessa demanda externa, os temas e questões de que esses textos tratam, não se distanciam daquilo que constitui minha área de interesse, dentro do vasto universo da arte e da pintura. Esses escritos constituem a parte principal dessa dissertação. Exceto por dois textos, o primeiro, \"Dentro e fora da pintura\", no qual busco contar uma espécie de história informal do meu trabalho por meio dos seus temas, e o segundo, \"Porque desenho\", onde procuro estabelecer a relação entre meu trabalho em pintura e em desenho, evitei falar de mim de maneira mais extensa e demorada, tendo em vista as dificuldades habituais que o artista plástico enfrenta ao tentar acercar-se de sua própria produção. Como se sabe, a pesquisa artística segue caminhos diferentes da pesquisa acadêmica. Traçando rumos mais imprevisíveis, buscando seu sentido em algo ainda não de todo constituído, num incessante vir a ser, ela é diferente das pesquisas cujo campo de ação pode ser determinado de antemão e cuja margem de desvio é muito mais controlada, fatores que as tornam também mais facilmente comunicáveis. Uma das maneiras que encontrei para completar esse conjunto de textos, - também como uma forma de abordar melhor meu trabalho -, foi a de incluir, como anexo, quatro entrevistas que pude dar ao longo de vários anos, o que acabou por perfazer, acredito, um arco temporal que permite ao leitor identificar as mudanças e deslocamentos tanto do meu processo pictórico quanto do meu modo de compreendê-lo. Essas entrevistas também já foram publicadas, seja em jornal, revistas ou livro, seja acompanhando uma exposição dos meus trabalhos. Acredito que a forma da entrevista tenha tornado mais fácil, para mim, a aproximação do meu próprio trabalho. Sinto-me menos constrangido com ela, tal como ocorre quando escrevo sobre a produção de outro artista. Acredito, também, que a parte mais significativa do que apresento, seja o meu próprio trabalho prático. É ele, na verdade, que move o conjunto do que faço e penso, assim como é ele que talvez lhe possa conferir um sentido.

O objetivo deste trabalho é o de organizar, a partir de pinturas realizadas e comentários que as acompanham, uma reflexão que procure compreender alguns aspectos da materialidade associada à cor. O memorial é dividido nas seguintes partes: Alumínio, onde procuro comentar trabalhos mais recentes que foram desenvolvidos com novos materiais e Suportes, Óleo, Têmperas e Encáustica, que se referem a questões buscadas nas pinturas. No texto busco relatar algumas das questões envolvidas com o processo de criação da minha pintura: é uma escrita de artista que enfatiza questões decorrentes da prática. Este projeto se insere na área de concentração Poéticas Visuais, que permite ao artista dentro da universidade tomar sua própria atividade prática como objeto da sua reflexão.
The objective of this work is to organize, from paintings and comments that accompany them, a reflection that seeks to understand some aspects of materiality associated with the color. This memorial is divided into the following parts: Aluminum, where I try to comment more recent works that have been developed with new materials? Suports, Oil, Tempera and Encaustic, which refer to matters sought in the paintings. In the text part, I try to report some of the questions involved in the creation process of my painting. It´s an artist´s writing that emphasize the questions resulting from the practice. This project is inserted in the \"Visual Poetics\" program, that allows the artist take his own practical activity as a reflection object inside the university.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:26:19Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-09-30Bitstream added on 2014-06-13T19:06:12Z : No. of bitstreams: 1 mendonca_db_me_mar.pdf: 1024837 bytes, checksum: 49c9d72277934593a30a9483a27fe910 (MD5)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP)
Trata-se de uma investigação dos aspectos filosóficos que envolviam o fazer artístico de Botticelli; tomando como cenário a cidade de Florença durante o Quattrocento. Este trabalho se realizou a partir de uma dupla abordagem, envolvendo um debate filosófico e historiográfico, cuja finalidade foi a de apresentar as discussões teóricas que permeavam a atividade dos artistas da época. Nosso trabalho contou com um aparato histórico, para que fosse possível configurar o Renascimento a partir do contexto em que as atividades culturais estiveram inseridas. Dentre as teorias distintas que visavam refletir sobre uma questão comum, o belo artístico, ressaltamos a proposta neoplatônica de Marsilio Ficino e a teoria pautada no cientificismo humanista de Leon Batista Alberti. A finalidade do embasamento teórico era de indicar aos artistas como deveria ser a composição de suas obras, como deveriam ser as apropriações a partir da Antiguidade, e, desta maneira, mostra como localizar a beleza dada pela natureza. Procuramos em nosso trabalho identificar o pintor Sandro Botticelli como exemplo legítimo da busca pela beleza artística, pela graça que resultava da reflexão sobre a arte como imitação eletiva da natureza
This thesis is an investigation on the philosophical aspects involved in Botticelli’s painting, adopting Florence during the Quattrocento as the main scenario. This work has been done from a double approach, involving a historical debate and a philosophical one, which aims at showing theoretical discussions, that underlies the activity of artists of this period. The historical apparatus of our work allowed us to configure the Renaissance from the context in such cultural activities were inserted. Among the distinct theories that aim to think about the artistic beauty, we highlighted Marcelo Ficino’s Neo-platonic proposal and the theory based on Leon Batista Alberti’s Humanist Scientific. The goal of this theoretic foundation was to indicate how should be the composition of works made by artists and how should be the appropriation of Ancient by them, what, thus, implies at showing how we can locate beauty given by nature. We seek in our work to identify Sandro Botticelli as a genuine example of the questing for artistic beauty, for grace which results of reflection about art as elective imitation of nature

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:19:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 joao.pdf: 335517 bytes, checksum: 3088cceab0bbf187a7690e581047302d (MD5) Previous issue date: 2011-10-05
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
The study starts on the encounter, in contemporary art, between analog and digital media made possible by the use of technological means. It deals, more specifically, with the materiality and immateriality of painting and video languages, been based on artists of the contemporary scene s productions, Romanita Disconzi and my own poetic work. The poetic investigation is about the frames transposition, moments, minimum divisible part of scenes of human bodies in motion, from the movie Cidade de Deus, for the painting. The images, transposed into the contemporary painting by the technique of painting on canvas and acrylic alternative surfaces, materialize frames of movie scenes and reveal the look changed through the electronic means. The study also discusses the material record of the tiny fraction of the video, digital imaging and painting - frame, pixel and brush stroke - as the smallest piece that still allows the identification of the differentiated processes of observation. In this sense, the final result of the pictorial body, pervaded by the hybridization notion, as used by Couchot, leads us to the blind spot of the video - where the video sees nothing - and to the subjective field of the temporality of movie scenes
A pesquisa parte do encontro, na arte contemporânea, entre meios artísticos (mídias analógicas e digitais), possibilitado pela utilização de meios tecnológicos. Trata, mais especificamente, da materialidade e imaterialidade das linguagens da pintura e do vídeo, se pautando na produção de artistas da cena contemporânea, Romanita Disconzi, e minha própria produção poética. A investigação poética trata da transposição de frames, instantes, parte mínima divisível de cenas de corpos humanos em movimento, do filme Cidade de Deus, para a pintura. As imagens, transpostas para a pintura contemporânea por meio da técnica da pintura acrílica sobre tela e superfícies alternativas, materializam frames de cenas de filmes e revelam o olhar modificado pelos meios eletrônicos. Discorre sobre o registro material da fração mínima do vídeo, da imagem digital e da pintura frame, pixel e pincelada como o fragmento menor que ainda permite a identificação dos processos diferenciados de observação. Neste sentido, o resultado final do corpo pictórico permeado pela noção de hibridação, como utilizada por Couchot, nos remete ao ponto cego do vídeo onde o vídeo nada vê e ao campo subjetivo da temporalidade das cenas de filmes

Orientador: Arlenice Almeida da Silva
Banca: Andrey Ivanov
Banca: Magnólia Costa Santos
Resumo: Trata-se de uma investigação dos aspectos filosóficos que envolviam o fazer artístico de Botticelli; tomando como cenário a cidade de Florença durante o Quattrocento. Este trabalho se realizou a partir de uma dupla abordagem, envolvendo um debate filosófico e historiográfico, cuja finalidade foi a de apresentar as discussões teóricas que permeavam a atividade dos artistas da época. Nosso trabalho contou com um aparato histórico, para que fosse possível configurar o Renascimento a partir do contexto em que as atividades culturais estiveram inseridas. Dentre as teorias distintas que visavam refletir sobre uma questão comum, o belo artístico, ressaltamos a proposta neoplatônica de Marsilio Ficino e a teoria pautada no cientificismo humanista de Leon Batista Alberti. A finalidade do embasamento teórico era de indicar aos artistas como deveria ser a composição de suas obras, como deveriam ser as apropriações a partir da Antiguidade, e, desta maneira, mostra como localizar a beleza dada pela natureza. Procuramos em nosso trabalho identificar o pintor Sandro Botticelli como exemplo legítimo da busca pela beleza artística, pela graça que resultava da reflexão sobre a arte como imitação eletiva da natureza
Abstract: This thesis is an investigation on the philosophical aspects involved in Botticelli's painting, adopting Florence during the Quattrocento as the main scenario. This work has been done from a double approach, involving a historical debate and a philosophical one, which aims at showing theoretical discussions, that underlies the activity of artists of this period. The historical apparatus of our work allowed us to configure the Renaissance from the context in such cultural activities were inserted. Among the distinct theories that aim to think about the artistic beauty, we highlighted Marcelo Ficino's Neo-platonic proposal and the theory based on Leon Batista Alberti's Humanist Scientific. The goal of this theoretic foundation was to indicate how should be the composition of works made by artists and how should be the appropriation of Ancient by them, what, thus, implies at showing how we can locate beauty given by nature. We seek in our work to identify Sandro Botticelli as a genuine example of the questing for artistic beauty, for grace which results of reflection about art as elective imitation of nature
Mestre

Magíster en artes visuales
Esta tesis se enfocará en primera instancia en una indagación de mis motivaciones tempranas que derivan en la decisión de especializarme en pintura y en el perpetuar esta práctica como principal medio en el desarrollo del corpus de obra expuesto en este documento. Se desarrollará el concepto pintura por medio del despliegue de una obra basada en los distintos elementos constitutivos de la misma, para luego abordar la relación histórica de la pintura con el arte y el concepto de fetiche mercantil inherente en el cuadro; visto como el gran nicho de la pintura en su permanencia en la escena artística contemporánea. Finalmente se desarrollará el concepto de arte como una necesidad personal y social en búsqueda de identidad, y la idealización como resultado de este proceso.

El presente trabajo contiene el análisis y la evaluación técnica y económica de la fabricación de pintura ignífuga a nivel industrial. Al margen de los acontecimientos de crisis en el mundo de los últimos años, en Argentina, la industria de las pinturas no ha sufrido afectaciones importantes. Se ha podido adaptar correctamente a las decisiones gubernamentales sobre políticas de importación, y no se ha visto forzada a cambiar modelos de producción. El estudio realizado alcanza el nivel de prefactibilidad. La calidad del producto está determinada por estándares establecidos en las normas: ASTM D1640; ASTM D523; ASTM D3359; ASTM D562; ASTM D3363; ASTM D2248 y para la certificación de seguridad contra incendios las siguientes normas: IRAM 11910-3;ASTM E-162; ISO 5660; ASTM E 1354-92.
Fil: Macías, María Fernanda. Universidad Nacional de Cuyo. Facultad de Ciencias Aplicadas a la Industria.
Fil: Rojas, Sabrina. Universidad Nacional de Cuyo. Facultad de Ciencias Aplicadas a la Industria.

Aceptada para Ramón Gaya la condición de artista casi desconocido, a pesar de su extensa obra pintada y escrita, queremos presentar aquí un extenso aunque reducido ejemplo de su incomparable quehacer, provechando como punto de partida la nunca respondida pregunta de si Ramón Gaya es mejor pintor que escritor o, igualmente, pero al contrario, mejor escritor que pintor. Para acercarnos a una posible objetiva respuesta, hemos mirado y buscado en los escritos del propio artista y en los de aquellos que, de una u otra forma, convivieron con su persona o con su pensamiento, refiriéndolos siempre a sus cuadros o a sus ensayos, artículos y poesías. Para hacer más digerible el trabajo, lo hemos dividido en varios capítulos que, siguiendo siempre el orden cronológico, incluyen un apunte biográfico de Ramón Gaya (Capítulo I), un repaso y estudio de su obra pictórica (Capítulo II), un detenido estudio, con extractos elegidos, de su obra ensayística (Capítulo III), y una lectura apasionada de su obra poética (Artículo IV), todo ello enmarcado entre una Introducción y unas Conclusiones. El trabajo aquí presentado está, pues, referido a un artista murciano que ha sabido legar a su tiempo y a su “tan finamente polvorienta y desvaída” ciudad una obra ingente que constituye un manantial inagotable para acercarse a entender el misterio de la creación artística. Gaya fue un hombre excepcional que, a pesar de lo “entrecortado” de su azarosa vida, siempre llevó en su equipaje “la esencialidad del mundo”. José Luis Valcárcel Pérez, Murcia, 2014.
Acknowledging Ramón Gaya’s status as that of a practically unknown artist, despite his extensive legacy of paintings and writings, I wish to present a clear, albeit brief example of his unrivalled work and take as a starting point the eternally unanswered question regarding whether Ramón Gaya is a better painter than writer or, contrariwise, a better writer than painter. In search of an objective answer I have scoured the writings not only by the artist himself but by those who, in one way or another, lived with his person or his thought, but with constant reference to his paintings or to his essays, articles and poetry. To make the task more palatable I have divided it into various chapters, which include, in chronological order, a biographical sketch of Ramón Gaya (Chapter I), a review and study of his pictorial work (Chapter II), an in-depth study, with selected extracts, of his essay work (Chapter III) and a passionate look at his poetic work (Chapter IV), all this preceded by an Introduction and signed off with some Conclusions. The present work is thus the portrait of a Murcian artist who has bequeathed to his time and to his “faintly dusty and lacklustre” city a colossal legacy, a wellspring of oeuvre to help us better understand the mystery of artistic creation. Gaya was an exceptional man who, despite the glitches in his eventful life, always carried upon his person “the essentiality of the world”. José Luis Valcárcel Pérez, Murcia 2014

A dissertação Pintura, silêncio e outros ruídos tem como principal mirada reflexiva a produção de dois artistas norte-americanos: John Cage e Cy Twombly. Partindo das proposições de entendimento do conceito de silêncio feitas por John Cage, Pintura, silêncio e outros Ruídos tensiona algumas aproximações entre determinados trabalhos de Cage - produzidos a partir de 4\'33, 1952 - e da produção em pintura e desenho de Twombly, sugerindo algumas relações entre som, desenho, pintura e ruído. As reflexões geradas a partir da aproximação entre os dois artistas são levadas, em seguida, à minha própria produção em pintura, observando a maneira como incidem em minha investigação prática.
The dissertation Painting, silence and other noises has as its main focus of reflection the work of two north-american artist: John Cage and Cy Twombly. Following along the understanding propositions of the concept of silence done by John Cage, Painting, silence and other stresses some similarities between some (specific) work done by Cage - fr 4\'33? and beyond - and both pantings and drawings by Twombly, suggesting some relationship between sound, drawing, painting and noise. The reflections generated from the proximity between the two artists are considered, as follows, in my own production of paintings, noting how they influence my own research.

"El presente artículo reune los fundamentos teóricos/prácticos de las pinturas al agua (PaA) que ya son una alternativa a las pinturas tradicionales. Sus propiedades son expuestas y discutidas para entender el trasfondo de este descubrimiento comparando sus características con las pinturas que emiten millones de toneladas de disolventes a la atmósfera. La aplicabilidad de las PaA mereció una especial atención."

La presente memoria corresponde a la restauración de 3 obras pictóricas sobre lienzo, presentando cada una de ellas un problema conservativo particular y específico. La primera obra, El Abrazo, del artista chileno José Venturelli, posee un problema biótico de deterioro, basado en un ataque activo de hongos y bacterias. La segunda obra, Néon á New York, de la artista italiana Titina Maselli, presenta un problema mecánico de conservación, correspondiente a una rotura por golpe, provocando la separación estructural del soporte textil. La tercera y última obra, De Dentro, del artista español Modest Cuixart, posee un deterioro por desconsolidación matérica, provocando fisuras y desprendimientos en diversos sectores del estrato pictórico

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Filosofia e Ciências Humanas. Programa de Pós-graduação em Filosofia
Made available in DSpace on 2012-10-24T05:11:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 249829.pdf: 5508341 bytes, checksum: 8c28c2d535bfd32644736769b966661e (MD5)
Este estudo não visa investigar cronologicamente o percurso de Merleau-Ponty acerca da pintura. Queremos investigar três temas que esboçam a filosofia de Merleau-Ponty e a pintura: o artista, a história da arte e a "experiência" com a arte. Ainda assim, esses temas foram "garimpados" dos principais textos "estéticos" merleaupontyanos: A dúvida de Cézanne, O olho e o espírito e A linguagem indireta e as vozes do silêncio. Por meio desses temas, nosso objetivo é mostrar que, num primeiro momento, a arte serviu a Merleau-Ponty para confirmar a tese fenomenológica da natureza primordial, ou seja, ele viu Cézanne realizar na pintura aquilo que ele queria fazer na filosofia. Mas, aos poucos, por reconhecer na pintura uma verdadeira linguagem, a saber, tácita, silenciosa, a natureza primordial passou a ser compreendida como uma linguagem e a pintura, por conseqüência, como uma verdadeira filosofia. Em linhas gerais, esta é a tese dos três textos dos quais nos ocupamos para elaborar esta dissertação e que versam sobre pintura. Mas a reapresentamos por meio das três questões nesses mesmos textos.

Este trabajo de investigación pretende, a través de las metodologías que apuntaremos, adentrarse en un proceso concreto de creación artística en el ámbito de la pintura mural al fresco, para deslindar con la mayor proximidad y precisión posibles, todos aquellos aspectos que lo configuran y permitir así dar paso a la obtención de los objetivos que nos hemos trazado. Por lo tanto, nuestra intención pretende analizar y clarificar la gestación del proceso, conocedores no obstante, de la dificultad que supone acometer una experiencia así, de difícil predicción en sus resultados. Para el estudio propuesto hemos elegido al pintor muralista Josep Minguell i Cardenyes, quien posee acreditada una amplia e intensa actividad en el ámbito de la pintura mural al fresco. Creemos que la mejor contribución al quehacer universitario, vendrá dada por el carácter innovador o diferenciador de sus producciones y en este sentido nuestro propósito esta bien encaminado o cuanto menos somos conscientes de la responsabilidad asumida. En la búsqueda de una complementariedad entre arte y erudición, que no oposición, recordemos no obstante las ¿Cartas Estéticas para la educación del hombre¿ que Schiller nos legara y donde ya se lamentaba de la ruptura entre el conocimiento especulativo y el conocimiento intuitivo - tan propio, este ultimo de la actividad artística - ; ruptura que consolida en definitiva, la división entre el arte y la erudición y que vendría a plantearnos en este sentido un reto añadido. Desde los preliminares del proyecto, incluyendo las imágenes mentales o proto-imágenes, hasta los últimos toques que el artista imprime a su obra, nos hemos propuesto dejar constancia de todo ello, tanto desde las sucesivas imágenes que hemos obtenido del proceso, como de las preguntas que el conjunto genera, concluyendo en una serie de consecuencias y conclusiones de todo orden: proyectuales, procesuales, técnicas y conceptuales, con la esperanza de que configuren un conjunto de conocimientos transmisibles. El pensamiento compartido de nuestro pintor estudiado, Josep Minguell , con el del artista Sol Lewitt, en el sentido de que una obra de arte coaliga el contenido conceptual con la materia y su proceso de ejecución, nos permite con mayor seguridad adentrarnos en su mundo interior. En esa concepción en la que la presencia de la obra (su forma) deviene su propia esencia (el contenido), nuestro proyecto resulta de mayor relieve y utilidad didáctica. Además coincide plenamente con nuestra posición al respecto: nuestro acercamiento a la idea, concepción, proyecto y proceso de ejecución del artista queda plenamente justificado.
Quílez Cepero, N. (2013). "Pintura Mural: Mirando un proceso" [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/31650
TESIS

Orientador: Luiz Benedicto Lacerda Orlandi
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-06T00:31:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Cavalcanti_AdrianedaSilva_M.pdf: 44462053 bytes, checksum: 23fee67d00906b506a2cb3e7afd6f8d1 (MD5) Previous issue date: 2006
Resumo: Este trabalho se pretende como uma investigação filosófica enfeixando questões conceituais a respeito de estética, arte e a potencialidade dos conceitos filosóficos ao abordarem este domínio, segundo a óptica do pensador francês Gilles Deleuze (1925-1995). O estudo centra-se no discurso desse autor acerca da arte pictórica, tomada como eixo para a compreensão de como se ergue o encontro entre a filosofia e a arte. Dois aspectos são delimitados para desenvolver a investigação: o primeiro indaga pelas relações entre a filosofia e a arte, explicitando as articulações entre conceitos filosóficos e elementos artísticos segundo um ponto de vista teórico. O segundo aspecto refere-se ao momento prático dessa articulação, presente na pintura. Esse segundo aspecto se desenvolve segundo a análise da operatoriedade de um conjunto de conceitos deleuzianos mobilizados ao apreciar a singular configuração estética da pintura de Francis Bacon em relação à aparição destes mesmos conceitos em outras obras do filósofo, visando com isso verificar as variações e apropriações às quais eles são submetidos e, conseqüentemente, dar a dimensão de como se constitui o discurso deleuziano acerca de uma arte
Abstract: This work intends to be a philosophical investigation assembling conceptual questions related to aesthetics, art, and the potentiality of philosophic concepts to concern this domain, according to Gilles Deleuze¿s point of view. Our study is based on that philosopher¿s discourse about pictorial art, as the axis to understand how proceeds the meet interface between philosophy and art. Two points are circumscribed to develop our investigation: the first asks for the relations hip between philosophy and art, making clear the articulations between philosophicae concepts and artistic elements according to a theoretical point of view. The second point is related to the practical moment of this articulation, as it occurs on painting. This second point evolves according to the analysis of the functionality of an ensemble of deleuzian concepts, mobilized during the appreciation of the singular aesthetic configuration of Francis Bacon¿s paintings, and how these concepts appear in other writings of that same philosopher, intending, to investigate the variations and appropriations to which they are conditioned, and, consequently, to explicit the dimension of the deleuzian discourse constitution about a fine art (painting)
Mestrado
Mestre em Filosofia

Exibem-se aqui três coleções de excertos pictóricos e escultóricos extraídos de textos de dois rétores romanos antigos. Embora não tenham escrito sobre pintar e esculpir, assim Cícero como Quintiliano fazem referência à pintura e à escultura, quando falam sobre artes, leis, deveres, fins morais, a República. Esforcei-me por perseguir, o quanto pude, as passagens em que por muitos motivos essas artes aparecem, enquanto os autores ensinam algo outro. Em vez de fundir o material coletado e configurar um novo aspecto para seus monumentos, preferi trazer e traduzir os textos tal como nos foram transmitidos.
We are about to exhibit three collections of pictural and sculptural excerpts extracted from texts of two roman rhetors. Although they had not written on painting or sculping, both Cicero and Quintilian make reference to paint and sculpture when they speak upon arts, laws, duties, moral ends, the Republic. Here I shall endeavour to trace as distinctly as I can the passages in which by many reasons these arts appear while the authors are teaching something else. Instead of melting down the collected material and configurate a new aspect to their monuments, I have preferred to bring and translate the texts as they were trasmitted.

Made available in DSpace on 2015-04-14T13:37:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 398248.pdf: 8928253 bytes, checksum: 651c3640191f4aaadb658309fc066437 (MD5) Previous issue date: 2006-03-17
Esta disserta??o tem por objetivo analisar a rela??o entre o espa?o po?tico e o pict?rico como produtores de sentidos nos poemas intertextuais de Armindo Trevisan. Tamb?m estuda a estrutura po?tica da obra do autor, bem como os quadros dos pintores. Trevisan ? um poeta ainda pouco estudado no universo acad?mico. Tem recebido da cr?tica e da m?dia crescente reconhecimento, tanto como poeta quanto como ensa?sta de arte. Embora o trabalho tenha como recorte somente os poemas pict?ricos, analisou-se quase toda a sua obra po?tica, constitu?da de quinze livros, a contar da estr?ia, com A surpresa de ser (1967), at? Os sonhos nas m?os (2004). Procurou-se comprovar que os poemas pict?ricos de Trevisan n?o s?o meras descri??es de quadros, mas deslocam o olhar do observador para um espa?o determinado, possibilitando releitura diferenciada que, por sua vez, leva a outras, criando instantes de surpresa que fazem com que o observador retorne aos poemas num movimento circular. Em n?vel metodol?gico, utilizaram-se conceitos de Bachelard, ensaios do livro Intertextualidade (1979) e Espa?o e textualidade: quatro estudos quase-semi?ticos de Pino (1998). Fazem parte do m?todo de an?lise as considera??es sobre a poesia e suas possibilidades de leitura, conforme o poeta ingl?s W. H. Auden em A m?o do artista (1993), a Obra po?tica (1995) de Fernando Pessoa, e os livros Reflex?es sobre poesia (1993) e A poesia: uma inicia??o ? leitura po?tica (2000) de Trevisan.

Submitted by admin tede (tede@pucgoias.edu.br) on 2018-05-03T17:38:00Z No. of bitstreams: 1 LUZIA MARINA KELLER MORLÓC.pdf: 1016921 bytes, checksum: 2504f0c853714e214114d37c647a31a6 (MD5)
Made available in DSpace on 2018-05-03T17:38:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 LUZIA MARINA KELLER MORLÓC.pdf: 1016921 bytes, checksum: 2504f0c853714e214114d37c647a31a6 (MD5) Previous issue date: 2018-02-22
This research aims at reanalyzing an interpretative analysis between Edival Lourenço 's work Centopeia de Neon and some paintings of avant - garde dadaist and surrealist currents based on the aesthetic currents of humor, laughter and irony. The choice to make a comparative study between the novel Centopeia de Neon by Edival Lourenço and some paintings selected from the cutting edge of Dadaism and Surrealism was due to the fact that these arts present similarities and establish intertextual relations between the fields of work. As well as the emphasis attributed to works as a means of breaking with traditional art forms. The current Dadaist vanguard brings features such as: the critique of capitalism and consumption; the emphasis on the absurd and the themes and contents that deny the formal logic, with a strong pessimistic and ironic character, mainly in relation to political events. In this way, we propose a cultural and social dialogue between the two specific types of artistic manifestations Painting and Literature.
Esta pesquisa tem como escopo realizar uma analise interpretativa entre a obra A Centopeia de Neon, de Edival Lourenço e algumas pinturas das correntes vanguardistas dadaísta e surrealista tendo como base teórica as correntes estéticas do humor, do riso e da ironia. A escolha por fazer um estudo comparativo entre o romance A Centopeia de Neon, de Edival Lourenço e algumas pinturas selecionadas/retiradas das correntes de vanguarda Dadaísmo e Surrealismo se deu por essas artes apresentarem semelhanças e estabelecerem relações intertextuais entre os campos de trabalho. Assim como o destaque atribuído às obras como meio de ruptura com as formas de arte tradicionais. A corrente de vanguarda Dadaísta traz características tais como: a crítica ao capitalismo e ao consumo; a ênfase no absurdo e nos temas e conteúdos que negam a lógica formal, com um forte caráter pessimista e irônico, principalmente com relação aos acontecimentos políticos. Deste modo, propomos um diálogo cultural e social entre os dois tipos específicos de manifestações artísticas Pintura e Literatura.

Made available in DSpace on 2015-09-17T15:26:46Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-06-25. Added 1 bitstream(s) on 2015-09-17T15:45:15Z : No. of bitstreams: 1 000847641.pdf: 11062823 bytes, checksum: 2c14766790544180356dca576203b59f (MD5)
Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP)
Resumo Esta pesquisa constitui-se de duas partes complementares: a primeira apresenta um relato do processo de criação das pinturas que desenvolvi entre os anos de 2013 e 2015, as quais são exibidas aqui. Desse relato se originam as ideias-chaves que compõem a trama teórica apresentada nos capítulos seguintes, cujo objetivo consiste em expor as reflexões oriundas da prática, relacionando-as com o pensamento de autores e artistas afins. O eixo central desta dissertação gira em torno da questão do olhar, posto que as pinturas por mim elaboradas utilizam referências visuais para sua criação. Nesse sentido, a observação das coisas que existem ao redor levou à constatação de que não sou visível para mim mesma e, partindo dessa premissa, são analisadas questões como a necessidade da percepção visual de si, por meio da investigação da pintura de autorretrato e da autocontemplação mediante o uso de instrumentos como espelho e fotografia, e a percepção visual do outro, tomando como foco o olhar que se direciona aos objetos que existem no interior da casa. É apresentada, ainda, análise acerca de dois artistas específicos: Jean-Baptiste Siméon Chardin e Giorgio Morandi. As conclusões desta pesquisa,...
This research is constituted by two complimentary parts: the first one reports the creative process of the paintings produced by myself between 2013 and 2015, which are exhibited here. The key-concepts analyzed on the following chapters are originated from the report and aim to expose reflections derived from practice by establishing links with other authors and artists. The dissertation focuses on the act of seeing, since the paintings I produce require direct observation of visual references. In that sense, the act of looking at things around me led to the finding that I'm not visible to myself, and starting from this premise, the research investigates the necessity of visual perception of oneself, by analyzing self-portrait paintings and the usage of instruments that make us visible, such as the mirror and photograph, and the visual perception of others, by examining our relation with the objects that belong to the interior of a home. It is also presented an investigation of two artists: Jean-Baptiste Siméon Chardin and Giorgio Morandi. The research conclusions, in accordance with Silvio Zamboni conceptions, are contained in the produced paintings.

Made available in DSpace on 2015-12-10T14:22:47Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-06-30. Added 1 bitstream(s) on 2015-12-10T14:28:58Z : No. of bitstreams: 1 000852999.pdf: 42160957 bytes, checksum: 1761b105afacbaf617d9c6ea8d8a7665 (MD5)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Nesta dissertação descrevo as experiências da série O Bagaço da Pintura, que procuram responder ao problema da morte da arte e investigam a linguagem pictórica em campo expandido. No ambiente acadêmico, esta pesquisa abriu uma nova vertente poética, também aqui descrita e analisada: as Pictocartografias
In this dissertation I describe the experiences of series The Bagasse of the Painting, which seek to respond to the problem of the death of art and investigate the pictorial language in expanded field. In academic environment, this research has opened a new poetic dimension, also described and analyzed here: the Pictocartografias

Submitted by Karin Yngrid Schmitt null (karinyschmitt@gmail.com) on 2017-08-12T19:11:14Z No. of bitstreams: 1 Dissertação - Karin Yngrid Schmitt (repositório).pdf: 53305389 bytes, checksum: cfb903a0529944ec60eadfa8fb4b7202 (MD5)
Approved for entry into archive by LUIZA DE MENEZES ROMANETTO (luizamenezes@reitoria.unesp.br) on 2017-08-16T14:08:20Z (GMT) No. of bitstreams: 1 schmitt_ky_me_ia.pdf: 53305389 bytes, checksum: cfb903a0529944ec60eadfa8fb4b7202 (MD5)
Made available in DSpace on 2017-08-16T14:08:20Z (GMT). No. of bitstreams: 1 schmitt_ky_me_ia.pdf: 53305389 bytes, checksum: cfb903a0529944ec60eadfa8fb4b7202 (MD5) Previous issue date: 2017-07-12
Esta pesquisa surge da reflexão sobre meu processo artístico em pintura digital. As características desta prática geraram questionamentos sobre o uso de dispositivos tecnológicos na criação artística, sobre arte híbrida e seus paradigmas estéticos e sobre as problemáticas de definição de meio na arte. A partir dessas investigações, senti a necessidade de realizar uma introspecção. Voltei-me, portanto, à prática do autorretrato e criei uma série de pinturas exclusivamente no software Photoshop, procurando compreender de que forma o meu processo criativo pode ser comparado às idéias já existentes sobre esse tipo de produção. Este processo prático gerou novas reflexões em torno da minha poética, da possibilidade de experimentações em mídias digitais, da abertura do processo criativo e de como a percepção que temos sobre nossa identidade é alterada pelo uso das mídias digitais.
This research comes from the reflection on my artistic process in digital painting. The characteristics of this practice have raised questions about the use of technological devices in artistic creation, on hybrid art and its aesthetic paradigms, and on the problem of the definition of medium in art. From these investigations, I felt the need to perform an introspection. I turned, therefore, to the practice of self-portrait and created a series of paintings exclusively in Photoshop, trying to understand how my creative process can be compared to the existing ideas about this kind of production. This practical process generated new reflections on my poetics, on the possibility of experimentation in digital media, on the opening of the creative process and on how our perception of our identity is altered by the use of digital media.

Made available in DSpace on 2013-08-07T19:00:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000398248-Texto+Completo-0.pdf: 8928253 bytes, checksum: 651c3640191f4aaadb658309fc066437 (MD5) Previous issue date: 2005
This essay aims to analyze space-poetical and pictorial relation as producers of meaning in Armindo’s Trevisan inter-textual poems. It also deals with the poetical structure of the author’s work, as well as the pictures of the painters. Although Trevisan has been widely recognized by media and critics both as poet and art essayist, he is not object of study of scholars yet. Albeit this work uses only pictorial poems as examples, we have analyzed almost all of his poems, which are found in fifteen different books, from his first appearance in A surpresa de ser (1967) to Os sonhos nas mãos (2004). It was intended to demonstrate that Trevisan’s pictorial poems are not mere descriptions of pictures, but indeed they focus the readers attention on a specific space, allowing a differentiated reading, which in its turn allows others, creating instants of surprise that make the reader to turn back to the poems in a circular motion. For methodological aspects Bachelar’s concepts were used, as well as essays of the following books: Intertextualidades (1979) and Espaço e textualidade: quatro estudos quase-semióticos de Pino (1998). It also makes part of the analyzing method considerations on poetry and its possibilities of reading, according to the English poet W. H. Auden in A mão do artista (1993) and Obra poética (1995) from Fernando Pessoa and Reflexões sobre poesia (1993) and A poesia: uma iniciação à leitura poética (2000) from Trevisan.
Esta dissertação tem por objetivo analisar a relação entre o espaço poético e o pictórico como produtores de sentidos nos poemas intertextuais de Armindo Trevisan. Também estuda a estrutura poética da obra do autor, bem como os quadros dos pintores. Trevisan é um poeta ainda pouco estudado no universo acadêmico. Tem recebido da crítica e da mídia crescente reconhecimento, tanto como poeta quanto como ensaísta de arte. Embora o trabalho tenha como recorte somente os poemas pictóricos, analisou-se quase toda a sua obra poética, constituída de quinze livros, a contar da estréia, com A surpresa de ser (1967), até Os sonhos nas mãos (2004). Procurou-se comprovar que os poemas pictóricos de Trevisan não são meras descrições de quadros, mas deslocam o olhar do observador para um espaço determinado, possibilitando releitura diferenciada que, por sua vez, leva a outras, criando instantes de surpresa que fazem com que o observador retorne aos poemas num movimento circular. Em nível metodológico, utilizaram-se conceitos de Bachelard, ensaios do livro Intertextualidade (1979) e Espaço e textualidade: quatro estudos quase-semióticos de Pino (1998). Fazem parte do método de análise as considerações sobre a poesia e suas possibilidades de leitura, conforme o poeta inglês W. H. Auden em A mão do artista (1993), a Obra poética (1995) de Fernando Pessoa, e os livros Reflexões sobre poesia (1993) e A poesia: uma iniciação à leitura poética (2000) de Trevisan.

Orientador: Rosangela da Silva Leote
Banca: Lucimar Bello Pereira Frange
Banca: José Paiani Spaniol
Resumo: Nesta dissertação descrevo as experiências da série O Bagaço da Pintura, que procuram responder ao problema da morte da arte e investigam a linguagem pictórica em campo expandido. No ambiente acadêmico, esta pesquisa abriu uma nova vertente poética, também aqui descrita e analisada: as Pictocartografias
Abstract: In this dissertation I describe the experiences of series The Bagasse of the Painting, which seek to respond to the problem of the death of art and investigate the pictorial language in expanded field. In academic environment, this research has opened a new poetic dimension, also described and analyzed here: the Pictocartografias
Mestre

Orientador: Sergio Mauro Romagnolo
Banca: Marco Garaude Giannotti
Banca: Fernando José Amed
Resumo: Resumo Esta pesquisa constitui-se de duas partes complementares: a primeira apresenta um relato do processo de criação das pinturas que desenvolvi entre os anos de 2013 e 2015, as quais são exibidas aqui. Desse relato se originam as ideias-chaves que compõem a trama teórica apresentada nos capítulos seguintes, cujo objetivo consiste em expor as reflexões oriundas da prática, relacionando-as com o pensamento de autores e artistas afins. O eixo central desta dissertação gira em torno da questão do olhar, posto que as pinturas por mim elaboradas utilizam referências visuais para sua criação. Nesse sentido, a observação das coisas que existem ao redor levou à constatação de que não sou visível para mim mesma e, partindo dessa premissa, são analisadas questões como a necessidade da percepção visual de si, por meio da investigação da pintura de autorretrato e da autocontemplação mediante o uso de instrumentos como espelho e fotografia, e a percepção visual do outro, tomando como foco o olhar que se direciona aos objetos que existem no interior da casa. É apresentada, ainda, análise acerca de dois artistas específicos: Jean-Baptiste Siméon Chardin e Giorgio Morandi. As conclusões desta pesquisa,...
Abstract: This research is constituted by two complimentary parts: the first one reports the creative process of the paintings produced by myself between 2013 and 2015, which are exhibited here. The key-concepts analyzed on the following chapters are originated from the report and aim to expose reflections derived from practice by establishing links with other authors and artists. The dissertation focuses on the act of seeing, since the paintings I produce require direct observation of visual references. In that sense, the act of looking at things around me led to the finding that I'm not visible to myself, and starting from this premise, the research investigates the necessity of visual perception of oneself, by analyzing self-portrait paintings and the usage of instruments that make us visible, such as the mirror and photograph, and the visual perception of others, by examining our relation with the objects that belong to the interior of a home. It is also presented an investigation of two artists: Jean-Baptiste Siméon Chardin and Giorgio Morandi. The research conclusions, in accordance with Silvio Zamboni conceptions, are contained in the produced paintings.
Mestre

Orientador: Rosangela da Silva Leote
Banca: Luisa Paraguai Donati
Banca: Fernando Luiz Fogliano
Resumo: Esta pesquisa surge da reflexão sobre meu processo artístico em pintura digital. As características desta prática geraram questionamentos sobre o uso de dispositivos tecnológicos na criação artística, sobre arte híbrida e seus paradigmas estéticos e sobre as problemáticas de definição de meio na arte. A partir dessas investigações, senti a necessidade de realizar uma introspecção. Voltei-me, portanto, à prática do autorretrato e criei uma série de pinturas exclusivamente no software Photoshop, procurando compreender de que forma o meu processo criativo pode ser comparado às idéias já existentes sobre esse tipo de produção. Este processo prático gerou novas reflexões em torno da minha poética, da possibilidade de experimentações em mídias digitais, da abertura do processo criativo e de como a percepção que temos sobre nossa identidade é alterada pelo uso das mídias digitais.
This research comes from the reflection on my artistic process in digital painting. The characteristics of this practice have raised questions about the use of technological devices in artistic creation, on hybrid art and its aesthetic paradigms, and on the problem of the definition of medium in art. From these investigations, I felt the need to perform an introspection. I turned, therefore, to the practice of self-portrait and created a series of paintings exclusively in Photoshop, trying to understand how my creative process can be compared to the existing ideas about this kind of production. This practical process generated new reflections on my poetics, on the possibility of experimentation in digital media, on the opening of the creative process and on how our perception of our identity is altered by the use of digital media.
Mestre

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro Tecnológico, Programa de Pós-Graduação em Arquitetura e Urbanismo, Florianópolis, 2014.
Made available in DSpace on 2015-05-12T04:04:31Z (GMT). No. of bitstreams: 1 333356.pdf: 12204006 bytes, checksum: fd7db98d505bf0ee8e91088765dff8b8 (MD5) Previous issue date: 2014
Este trabalho é o resultado de uma pesquisa franco-brasileira que pretende estimular ações de preservação e valorização das pinturas murais como patrimônio cultural, tendo como foco a identificação das técnicas murais e seus materiais, com a finalidade de determinar procedimentos de restauro que contribuam na preservação dessas pinturas. Maior enfoque é dado à pintura mural da Sala do Telégrafo do Palácio Cruz e Sousa (edificada no séc. XVIII na Ilha de Santa Catarina- Florianópolis), como estudo de caso, por conter dois exemplares de pinturas sobrepostas com técnicas diferenciadas. Metodologicamente, iniciou-se com a pesquisa bibliográfica e documental referente ao tema, estruturando a fundamentação teórica que forneceu informações circunstanciais para a compreensão das técnicas murais. Em seguida, na Etapa Preliminar foi diagnosticado seu estado de conservação; mapeadas as áreas deterioradas e coletadas as amostras da camada pictórica (intonaco, pigmentos e ligantes). Logo, as amostras foram analisadas em laboratório através de ensaios fisico-químicos com a finalidade de identificar e caracterizar materiais, através de métodos analíticos de cortes estratigráficos, espectroscopia de absorção infravermelho, microscopia de luz polarizada, microquímica, microscopia eletrônica de varredura e espectroscopia por dispersão de energia - raio X. Estas análises possibilitaram a identificação da carga, predominando o carbonato de cálcio, bem como aglutinantes de base proteica dissolvida em água, que determinaram as técnicas pictóricas: uma têmpera (1898) sobreposta pela pintura a óleo 1986); quanto à caracterização química de pigmentos utilizados, destacam-se o azul ultramar, vermelho-ocre e branco litopônio. Após a Etapa Experimental- ensaios e experimentos laboratoriais (LabRestauro/UFSC), visou-se à recuperação das pinturas com produtos e materiais descritos em manuais técnicos antigos. Testaram-se materiais orgânicos naturais e sintéticos. Durante os ensaios laboratoriais, experimentos com argamassas de cal calcítica e magnesiana foram desenvolvidos para recompor as áreas faltantes (lacunas e fissuras) presentes no reboco (intonaco e arriccio). Testaram-se ainda fixadores para recuperação das áreas com craquelês em estado de desprendimento, os fixadores sintéticos (mowiol, primal e acetato de polivinila- cola PVA) e naturais: vegetal (goma arábica e carboximetilcelulose), animal( cola de coelho, cola de peixe, caseína e albumina) e mineral ( água de hidróxido de cálcio e magnésio). Receitas tradicionais de tintas foram testadas, aquelas designadas como "ecotintas" foram aplicadas com base em manuais técnicos antigos, a exemplo de Cennino Cennini (séc. XV) e outros. O resultado obtido a partir dos experimentos foi a composição da argamassa de cal similar e compatível para recompor argamassas históricas, com boa adesão e carbonatação. Esta argamassa é resultante da mistura de hidróxido de cálcio, hidróxido de magnésio e areia peneirada (granulometrias 0,30 mm e 0,15 mm) para recomposição de fissuras e lacunas, semelhante ao arriccio. A mesma composição de hidróxidos, no entanto, sem a mistura de areia, foi utilizada para fazer a massa de nivelamento (intonaco) para recuperar as áreas de perda superficial, que receberam, em seguida, a aplicação das eco-tintas (água de hidróxido de cálcio e magnésio + pigmento). Na elaboração e aplicação das ecotintas com água de hidróxido de cálcio e magnésio + pigmento, obteve-se resultado satisfatório, todavia, observou-se que a aplicação com a massa de nivelamento úmida, os pigmentos adentram mais na camada de substrato (o intonaco úmido), havendo melhor fixação que quando seco. O intonaco seco faz com que haja desprendimento de parte do pigmento. Objetivando que não houvesse este desprendimento de pigmento, foi adicionado um fixador a mistura das eco-tintas, optando por um dos produtos já testado na fixação dos craquelês; a cola de coelho. Quanto aos fixadores foram testados os mesmos utilizados em laboratório (naturais e sintéticos) para refixar os craquelês. Os fixadores que obtiveram resultado satisfatório quanto à adesão e ao tempo de fixação, foram: a cola de coelho, cola de peixe, metilcelulose, cola PVA, primal e mowiol; havendo divergência quanto ao resultado da goma arábica, em laboratório não houve aderência, e na área in loco umedecida com vapor de água morna fixou. Por fim, com base nos resultados obtidos, elaborou-se um conjunto de procedimentos de restauro, que poderão ser aplicados em outros exemplares de pinturas murais. A reversibilidade e a compatibilidade dos materiais foram os critérios que nortearam a escolha dos produtos a serem recomendados para a recomposição mural.

Abstract : For the purpose of ensuring heritage preservation and stimulating accurate practices of mural paintings restoration as cultural heritage; that doctoral thesis based on a Franco-brazilian research focuses on identifying material's samples, techniques of mural paintings restoration and application process by determining technical restoration process.The case study that has been chosen- the Telegraph room- situated in Cruz and Souza Palace- historic building from XVIII thcentury - as a result of two examples of murals, which were found and also were superimposed by different techniques. The methodological process started with bibliographic and documentary sources research about mural paintings. Then, theoretical foundations' structure permitted an overall comprehension about murals.In addition to prefatory phase, theconservation condition was studied, damaged areas were identified and samples of murals were collected ( intonaco, pigment and binder). Afterthat, those samples were analysed in the laboratory by physico-chemical and analytical studies and also the state of conservation of mural paintings the characterization of the original organic and inorganic materials used in painting preparation and plaster coat enables to determine ancient painting techniques. Besides, the nature and the extent of the deterioration causes and materials used in subsequent restorations have been identified and the poor state of conservation of the mural painting, due to quite severe deterioration processes, noticeable detachments calls for an immediate intervention by following technical restoration process and methodology. This doctoral study offered the possibility to compare results obtained by different techniques on the samples, in order to evaluate performance, advantages and limits of them. Physico-chemical and analytical studies of pictorial fragments collected from different areas of the wall painting were addressed toward the determination of the stratigraphy and the characterization of the original composition and the restoration materials, in order to define the state of conservation and the pictorial technique by using Crosssection of sample, EDS-X MEV, Raman Spectroscopy, Fourier Transform Infrared spectrometer FI IR 4100. The Components analysis of the examined samples indicated the presence of Calcium Carbonate, and water-soluble protein binder that ascertain techniques of mural paintings, to quote as an example tempera paintings dating back to the XIXth century, precisely in 1898 that was superimposed by a coat of oil paint in 1986. According to the doctoral studies- ultramarine, vermilion cinnabar, lithopone- were the main pigments analysed. After the experimental phase at the LabRestauro UFSC, aiming murals' recovery by material application and products described in ancient technical handbooks. In addition, during the doctoral studies, organic and inorganic materials were tested. Lime plaster experimental analysis indicated calcite and dolomite was used to repair damaged areas (intonaco and arriccio). Several fixative substances were testedmowiol, primal, PVA, casein, albumen, fish glue, rabbit glue; aiming cracked recovery on areas that were untying. Traditionals recipes were tested and those that appointed as eco-friendly paints were applied according to ancient technical handbooks; for instance Cennino Cennini's handbook (XV th century).The final experimental result was a lime plaster chemically compatible, presenting a good adherence and fast process of carbonation to salvage historical lime plaster. The ensuing lime plaster of a blending of Calcium Hydroxide, Magnesium Hydroxide and coarse fine sand (granulometric analysis- grain shapes analysed 0.15 mm and 0.30 mm) similar to arriccio. The same chemical composition used to make intonaco to repair superficial losses areas, owing to eco-friendly paints applied, summed water-soluble Calcium Hydroxide and Magnesium Hydroxide + pigment up.Therefore, a notable observation that has been done, when the pigment is applied on a fresh lime plaster it better fastened and integrated the dry plaster; even though, when the pigment is applied on dryied intonaco, the pigment comes off. The objective of not having cracking and detachment, problem that was solved by adding a fixative substance in a mixing of eco-friendly paints; rabbit glue. Lastly, fixative substances that bring in good results as for adherence and fastening time - rabbit glue, methylcellulose, fish glue, PVA, primal and mowiol; with the exception of arabic gum in loco that only with steam it fastened. In conclusion, based on doctoral studies, experimental analysis the outcome is proposing mural painting's technical restoration process and methodology by heading north as for intervention processes' revertibility and compatibility on mural paintings restoration.

A Representação da Pele na Pintura is a thorough examination of the phenomenon of representation in painting skin and its pictorial possibilities. From the painting of La Baigneuse de Valpinçon by Jean Auguste Dominique Ingres five operative concepts are instituted by using five instruments in order to achieve an approach that accounts for the complexity of skin as a concept in painting. Each instrument will perform an intervention on the skin of the figure in Ingress painting and reveal specific issues involving representation in the bidimensional, pointing to a shape and a meaning for the skin. The study comes from questions born of my practical research and along with skin analysis in the works of selected artists: Jean-Auguste Dominique Ingres, Louise Bourgeois, Francis Bacon, Lucian Freud, Jenny Saville, Lucio Fontana, Adriana Varejao, an examination of the significance of skin in my own work.
A Representação da Pele na Pintura constitui uma análise aprofundada do fenômeno da representação da pele na pintura e suas possibilidades pictóricas. A partir do quadro La Baigneuse de Valpinçon, de Jean Auguste Dominique Ingres, serão instaurados cinco conceitos operatórios que atuarão por meio de cinco instrumentos a fim de realizar uma abordagem que responda pela complexidade da pele como instância na pintura. Cada instrumento realizará uma intervenção na pele da figura do quadro de Ingres e revelará questões específicas que envolvem a representação na bidimensão, indicando uma forma e um significado de pele. O estudo provém de questionamentos nascidos de minhas pesquisas práticas e consiste, além da análise da pele nas obras dos artistas selecionados: Jean-Auguste Dominique Ingres, Louise Bourgeois, Francis Bacon, Lucian Freud, Jenny Saville, Lúcio Fontana, Adriana Varejão, um exame do sentido da pele em minha própria obra.

El tema de esta tesis es: El rostro humano en la pintura. El mismo que se ve reflejado en el retrato, el autorretrato y el retrato colectivo, siendo el rostro humano, considerado como el espejo de la existencialidad del hombre y expuesto aquí en calidad de representación simbólica de la misma. Al respecto, se tomaron dos ejemplos de la pintura, que versan sobre este tema y que, a su vez, son considerados hitos fundamentales en el arte y su historia: "La Gioconda" de Leonardo da Vinci, y, "Autorretrato con la oreja vendada" de Vincent Van Gogh. El primero, por ser por sí solo el gran ejemplo de la pintura, la misma que en una reproducción fuera utilizada por Marcel Duchamp, en el inicio del arte de concepto; y, el segundo, por ser la imagen de uno de lo grandes del color, considerado iniciador del Expresionismo y del Fauvismo y que aún nos entrega lecciones y fuerza expresiva. Si uno es el análisis y el concepto; el otro es la pasión creadora en torno al desarrollo de la expresión propiamente pictórica. Estos ejemplos, son el pie de partida para realizar un análisis más extenso, desde mi forma de ver el arte y la pintura figurativa.

O presente relatório é resultado da pesquisa e do trabalho efetuado durante o estágio curricular do Mestrado em Conservação e Restauro do Instituto Politécnico de Tomar na área de Pintura, realizado no Departamento de Conservação e Restauro do Instituto dos Museus e da Conservação. Este estágio, para além do desenvolvimento de componentes mais práticas, teve também como objetivo a realização de um estudo teórico, apresentado no primeiro capítulo, sobre as brigadas móveis de restauradores, praticadas desde os anos 60 nesta instituição. O estudo teve como fim a compreensão dos parâmetros básicos pelos quais estas brigadas se regem e qual a sua ligação direta à entrada de peças nos diferentes Departamentos de Conservação e Restauro do Instituto dos Museus e da Conservação. Dando continuidade ao estudo, o capítulo seguinte terá como tema principal uma pintura que foi incorporada no Departamento de Conservação e Restauro no decorrer de uma brigada de inspeção. A peça em questão é uma pintura a óleo sobre tela intitulada A Vaca, da autoria de Alves Cardoso e datada de 1902, pertencente à Academia Nacional de Belas Artes de Lisboa. Já no terceiro capítulo, o estudo incide sobre outra obra do século XX, mais concretamente de 1919, autoria de Teodósio Ferreira denominada Interior da Sé de Lisboa, pertencente ao Museu da Guarda. Para ambos os casos, além da investigação histórica e artística, foi realizado um estudo técnico e material suportado pelos diferentes exames a análises propostos, que foi uma ferramenta de trabalho decisiva no diagnóstico e na realização da proposta de tratamento destas obras. De seguida será realizada a descrição e explicação da intervenção de conservação realizada em cada um dos casos.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-graduação em Arte, 2015.
Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-01-21T19:36:21Z No. of bitstreams: 1 2015_GabrielaGuimarãesStarlingdeSouza.pdf: 2940956 bytes, checksum: 71e943bac17000987e03035c2ed1db29 (MD5)
Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-04-13T21:29:23Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2015_GabrielaGuimarãesStarlingdeSouza.pdf: 2940956 bytes, checksum: 71e943bac17000987e03035c2ed1db29 (MD5)
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A presente dissertação é o resultado de um aprofundamento nos aspectos processuais e conceituais de minha pesquisa artística, a qual aborda a pintura sob o enfoque espacial, matérico e cromático. A investigação de procedimentos como a colagem e a assemblage tornam-se pertinente pela ênfase dada aos procedimentos de montagem e combinação de materiais provenientes de diversos contextos. O conceito de bricolagem formulado pelo antropólogo Claude Lévi-Strauss (1962) e trazido para o contexto das artes plásticas pelo semioticista Jean-Marie Floch complementa o aspecto conceitual da colagem e da assemblage como estratégias de reconstrução de significados. A semiótica visual, que tem como referência o autor A. J. Greimas (1984), é um dos pilares teóricos desse trabalho, o qual aborda a obra de arte como um texto e privilegia o fazer interpretativo e o ponto de vista do sujeito na construção do objeto de pesquisa. _______________________________________________________________________________________________ ABSTRACT
This dissertation is the result of an in-depth analysis of the procedural aspects and conceptual aspects of my artistic research, which addresses the paint under the focus space, material and color. The research procedures such as collage and assemblage become relevant by the emphasis given to assembly procedures and combination of materials from different contexts. The concept of bricolage formulated by anthropologist Claude Levi-Strauss (1962) and brought to the context of the arts by semiotician Jean-Marie Floch complements the conceptual aspect of bonding and the assemblage as strategies for reconstruction of meanings. The Visual Semiotics, which has as a reference the author A. J. Greimas (1984), is one of the pillars of this theoretical work, which deals with the work of art as a text and favors make interpretative and the point of view of the subject in the construction of the research object.

Orientador : Jorge Coli
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-07-18T20:35:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Moreira_RobertoFranco_M.pdf: 3841855 bytes, checksum: 159411561c1f71ac00786d6bf21c5e92 (MD5) Previous issue date: 1993
Resumo: Não informado.
Abstract: Not informed.
Mestrado
Mestre em História

Orientador: Luise Weiss
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-14T05:29:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Hurpia_PedroAugustoMachado_M.pdf: 59064568 bytes, checksum: 81843fa7a6c05ef0acda0d3c61c2d86a (MD5) Previous issue date: 2009
Resumo: Esta pesquisa é uma reflexão sobre o processo criativo das pinturas realizadas entre 2006 e 2009. A utilização de imagens fotográficas como modelo para as pinturas é uma constante e evidencia uma postura diferente com o objeto representado. Com ênfase em questões ligadas a representação e a pintura, organizo os elementos que permeiam as obras e que servem como uma estrutura na construção de uma poética.
Abstract: This research is a reflection about the creative process in the paintings made between 2006 and 2009. The use of photographic images as a model for the paintings is often used and shows a different attitude to the object depicted. With emphasis on issues related to representation and painting, I organize those elements that permeate the works and serving as a structure in the construction of a poetical.
Mestrado
Mestre em Artes

Submitted by RICARDO BEZERRA DE ALBUQUERQUE null (rbezerra63@gmail.com) on 2017-07-15T12:23:45Z No. of bitstreams: 1 TESE AUKÉ COMPLETA para publicação.pdf: 22521410 bytes, checksum: 733945ba1c0a6ec472afb78457fde3d8 (MD5)
Approved for entry into archive by Luiz Galeffi (luizgaleffi@gmail.com) on 2017-07-18T20:45:18Z (GMT) No. of bitstreams: 1 albuquerque_rb_dr_ia.pdf: 22521410 bytes, checksum: 733945ba1c0a6ec472afb78457fde3d8 (MD5)
Made available in DSpace on 2017-07-18T20:45:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 albuquerque_rb_dr_ia.pdf: 22521410 bytes, checksum: 733945ba1c0a6ec472afb78457fde3d8 (MD5) Previous issue date: 2017-06-20
O trabalho apresenta o processo de criação do texto dramatúrgico Auké - A Ilha Invisível e a produção pictórica criada especificamente para ele. O texto dramatúrgico discute os desdobramentos que a comunicação cria a partir do encontro entre personagens oriundos de mundos diferentes e os desentendimentos relacionais consequentes. O trabalho busca integrar a pintura com a dramaturgia teatral para compor uma nova sintaxe estética tanto visual quanto teatral a partir das afinidades e diferenças entre as duas linguagens. A tese aborda também a transformação da pintura ao estar nesse novo lugar que não é o espaço expositivo tradicional público e/ou privado. A pesquisa revela o processo de escrita do texto dramatúrgico e o resultado obtido dessa inter-relação com a pintura. Assim, a dramaturgia e a pintura ao se fundirem num propósito comum criam um campo conceitual e experimental que se desdobra em uma nova práxis artística.
The work presents the process of creation of the dramaturgic text Auké – A Ilha Invisível ( Auké – The Invisible Island) and the pictorial production specially created for it. The dramaturgic text discusses the unfolding ways that communication creates from the meeting of the characters coming from different worlds and the consequent quarrels in their relationship; The work aims at integrating the painting with theatrical dramaturgy to compose a new aesthetics syntax both visual as well as theatrical starting with the similarities and differences between the two languages. The thesis also approaches the transformation of picture by being in that new place which is not the private and or public traditional space for exhibition. The research reveals the process of writing the dramaturgic text and the result obtained out of that interrelation with the painting. Therefore, the dramaturgy and the painting when merging in a common purpose create a conceptual and experimental field that unfolds into a new artistic practice.

Made available in DSpace on 2016-08-26T15:19:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_6475_PDF Flavio-Shiró, sua Pintura e sua Plurisensorialidade. Claudia Stringari Piassi 20130829-161050.pdf: 9817407 bytes, checksum: 44b6325b43f8834915bf527f20f1387d (MD5) Previous issue date: 2013-05-17
A influência familiar de Flavio-Shiró pela arte oriental é um dos requisitos, entre tantos outros, para entender a gênese de suas formas, linhas, cores e gestos diante da pintura. A dissertação Flavio-Shiró, sua Pintura e sua Plurisensorialidade, tem como objetivo estudar algumas obras criadas pelo artista nas décadas de 1950, 1960 e 1970 e que se destacaram pelo uso diversificado de materiais. A materialidade e a maneira de pintar fazem referências aos gestos caligráficos orientais gestos estes que norteiam todo o seu percurso artístico. A materialidade foi aqui analisada como uma maneira de destacar as relações do material com a técnica utilizada pelo artista tanto na fabricação quanto na manipulação de sua obra de arte. A fotografia de Flavio-Shiró foi outra técnica estudada, na presente pesquisa, porém dentro de uma análise comparativa com algumas de suas pinturas. É uma técnica utilizada pelo artista que requer maior detalhe na pesquisa. Por isso, há uma intenção de continuar com os estudos fotográficos, pois as fotografias de Flavio-Shiró levantam discussões sobre uma época da fotografia abstrata e seus experimentos. Quanto à performance nas obras de Flavio-Shiró aparecem novas discussões sobre a pintura do artista. Buscam-se pontos de convergências com artistas que trabalharam de maneira performática como: Jackson Pollock e Antoni Tàpies, estabelecendo paralelos com a performance na pintura oriental. As linhas são formadas a partir de gestos em uma posição não tão habitual para um artista, ou seja, agachando-se sobre a obra, revelando destreza na formação de linhas firmes e ágeis, mesmo que não haja a formação dos ideogramas, reminiscências de um passado que se faz presente em sua vida. Devido a isso, na produção pictórica, o artista (de maneira performática na horizontal ou na vertical, dependendo da intencionalidade e da matéria que utiliza) transforma a pincelada, em um gesto vigoroso e expressivo. Percebe-se que há uma energia física e corporal que formam, a cada pincelada, desenhos e ideogramas que expressam a essência da escrita. Por isso, esta pesquisa, procura estabelecer um possível diálogo entre a arte milenar da caligrafia japonesa e a expressividade de caráter performático na pintura de Flavio-Shiró. A ânsia por liberdade na pintura de Shiró vem desde a sua infância, quando ele ainda recebia incentivo do pai, e até hoje o torna um pintor com características tão ímpares de produção artística. E a sua preocupação com relação à vida e ao cotidiano, pelo fato de ser um artista que nunca se preocupou em se especializar em um movimento ou técnica de pintura é o que o alimenta durante seu percurso performático.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:03:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 113146.pdf: 11298829 bytes, checksum: 5ae3f75a3d805415757ee25f63d63480 (MD5) Previous issue date: 2013-05-27
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Esta pesquisa parte do texto de autoria do escritor irlandês Samuel Beckett acerca da obra dos irmãos Abraham e Gerardus van Velde em meados do século XX. A análise de Beckett sobre esses artistas contém uma gama de conceitos e considerações críticas que fundamentam esta pesquisa teórica sobre pintura e de onde parte a reflexão em torno da representação e dos termos utilizados pelo autor de referência, sendo estes: fracasso, impedimento e desmoronamento. Estes permeiam toda a pesquisa e são pensados na pintura contemporânea com base em dois pintores, Jean Rustin e Margherita Manzelli, nos quais o corpo entendido aqui como corpo transgressor e inominável encontra correspondência nos personagens beckettianos. Esta abordagem é desdobrada pela interlocução com outros autores a fim de chegar-se ao termo Disability e os conceitos de contaminação e monstruoso como condição dentro da arte contemporânea, mais precisamente no teatro e na pintura, que desborda os termos informe, fracasso e impedimento suscitando um olhar ¿mais-além¿ sobre os conceitos elaborados pelo autor de referência.

Orientador: Sergio Mauro Romagnolo
Banca: Lúcia Regina Vieira Romano
Banca: Joasé Paiani Spaniol
Banca: Rosa Gabriella de Castro Gonçalves
Banca: Alvaro Seixas
Resumo: O trabalho apresenta o processo de criação do texto dramatúrgico Auké - A Ilha Invisível e a produção pictórica criada especificamente para ele. O texto dramatúrgico discute os desdobramentos que a comunicação cria a partir do encontro entre personagens oriundos de mundos diferentes e os desentendimentos relacionais consequentes. O trabalho busca integrar a pintura com a dramaturgia teatral para compor uma nova sintaxe estética tanto visual quanto teatral a partir das afinidades e diferenças entre as duas linguagens. A tese aborda também a transformação da pintura ao estar nesse novo lugar que não é o espaço expositivo tradicional público e/ou privado. A pesquisa revela o processo de escrita do texto dramatúrgico e o resultado obtido dessa inter-relação com a pintura. Assim, a dramaturgia e a pintura ao se fundirem num propósito comum criam um campo conceitual e experimental que se desdobra em uma nova práxis artística.
The work presents the process of creation of the dramaturgic text Auké - A Ilha Invisível ( Auké - The Invisible Island) and the pictorial production specially created for it. The dramaturgic text discusses the unfolding ways that communication creates from the meeting of the characters coming from different worlds and the consequent quarrels in their relationship; The work aims at integrating the painting with theatrical dramaturgy to compose a new aesthetics syntax both visual as well as theatrical starting with the similarities and differences between the two languages. The thesis also approaches the transformation of picture by being in that new place which is not the private and or public traditional space for exhibition. The research reveals the process of writing the dramaturgic text and the result obtained out of that interrelation with the painting. Therefore, the dramaturgy and the painting when merging in a common purpose create a conceptual and experimental field that unfolds into a new artistic practice.
Doutor