Academic literature on the topic 'Pintura contemporánea'
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Journal articles on the topic "Pintura contemporánea"
1
Garcerá, Javier. "Del saber al ser: una aproximación a la pintura contemporánea." Calle 14 revista de investigación en el campo del arte 13, no. 23 (February 6, 2018): 134–47. http://dx.doi.org/10.14483/21450706.12994.
Full textAbstract:
En el contexto del arte contemporáneo, cada vez es más frecuente encontrar artistas de las generaciones más jóvenes que elaboran sus obras desde un lenguaje construido a través de un esmerado dominio de la técnica y el oficio y que reivindican el hacer como modo de recuperar una significación a través de la atracción de la sensualidad de la materia. Partiendo de tres pintores contemporáneos de procedencia oriental y reflexionando en torno a las influencias que desde los años cuarenta del siglo pasado las filosofías orientales han ejercido en el arte realizado en Occidente, se plantea una reflexión sobre las condiciones que dichas obras imponen en el ver y, por lo tanto, en la recepción de las intenciones poéticas del autor por parte del espectador. Se trata así de plantear un posible acercamiento a la pintura contemporánea desde unas claves de lectura íntimamente relacionadas con el saber del proceso, con la materia, con el tiempo y con la demora.
2
Toussaint, Manuel. "La pintura contemporánea de México en Lima, Perú." Anales del Instituto de Investigaciones Estéticas 1, no. 2 (July 30, 2012): 59. http://dx.doi.org/10.22201/iie.18703062e.1938.2.45.
Full text
3
O'Gorman, Edmundo. "Prometeo. Ensayo sobre pintura contemporánea, de Justino Fernández." Anales del Instituto de Investigaciones Estéticas 4, no. 14 (July 30, 2012): 86. http://dx.doi.org/10.22201/iie.18703062e.1946.14.413.
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4
Fernández, Justino. "Pintura mexicana contemporánea, de Luis Cardoza y Aragón." Anales del Instituto de Investigaciones Estéticas 6, no. 21 (July 30, 2012): 121. http://dx.doi.org/10.22201/iie.18703062e.1953.21.550.
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5
Castillo, Daniel. "Arte y cultura en la pintura amazónica contemporánea: “El Búho” de Guímer García." Index, revista de arte contemporáneo, no. 00 (December 30, 2015): 32–40. http://dx.doi.org/10.26807/cav.v0i00.5.
Full textAbstract:
El artículo presenta una relación de dependencia entre la obra artística y la cultura del autor, señalando que es imposible comprender a profundidad una obra de arte sin tomar en cuenta la variable cultural. Por ello, solo un acercamiento al autor basado en entrevistas y en una aproximación etnográfica, nos ha permitido analizar y entender la producción del artista que no es reconocido como tal sí como parte de un grupo de artesanos étnico-amazónico. Al mismo tiempo, ideas importantes como las de Homi Bhabha tendrían que considerar la cultura y ser repensadas antes de ser aplicadas o adaptadas en asuntos particulares y ajenos, caso de la pintura indìgena. El resultado es una interpretación diferente y posmoderna de la obra “El Búho” del pintor amazónico-peruano Guímer García, la cual muestra la obra artística en términos culturales complejos y originales que podrían permitir una revaloración importante y una reconsideración al artista.
Palabras claves: Cultura, Pintura, Shipibo, Interpretación, Arte amazónico.
6
Soriano Colchero, José Antonio. "Los orígenes de la negación del espacio tridimensional en la representación pictórica figurativa contemporánea." Fedro, revista de estética y teoría de las artes, no. 21 (2021): 125–38. http://dx.doi.org/10.12795/fedro/2021.i21.09.
Full textAbstract:
El objetivo principal de este artículo es el análisis de las teorías fundamentales que establecieron un cambio de paradigma en la representación pictórica contemporánea entre los siglos XIX y XX. El naturalismo y la hegemonía de la perspectiva matemática desde sus orígenes durante el Renacimiento, fueron desplazados por otros valores pictóricos que quedan fundamentados en numerosas teorías. El valor del análisis empírico de la luz y el color quedaría plasmado en la pintura y la literatura científica y filosófica desde el siglo XVIII; e igualmente ocurriría con las nuevas teorías acerca de la existencia de más de tres dimensiones. Ello posibilitaría la apertura a nuevas formas pictóricas de interpretación del espacio en un sentido: la a-referencialidad en la pintura. Acabamos el estudio analizando un caso específico de figuración –la obra de Magritte- en el que se emplean los principios de la perspectiva para hacer obvia su artificiosidad y convencionalismo.
7
Zambrano Alvarado, Jessica Thalia. "Roberto Noboa." Index, revista de arte contemporáneo, no. 09 (July 1, 2020): 218–23. http://dx.doi.org/10.26807/cav.v0i09.354.
Full textAbstract:
La pintura de Roberto Noboa ha sido descrita como “figuración especulativa”, y la densidad semántica de sus composiciones como propiciadoras de “la conjetura y el híper subjetivismo interpretativo”, o como “una narración incómoda y cómplice”. Su trabajo, gestado desde los años 90 en Guayaquil, no se puede asociar a las prácticas dominantes en el arte ecuatoriano del período y, a pesar de su fecundidad, continúa desarrollándose de manera distante a la escena contemporánea, más allá de su creciente influencia en el medio. El libro de la editorial EACHEVE recoge más de 200 cuadros del artista, analizando su proceso creativo y proponiendo perspectivas de análisis sobre su obra a partir de entrevistas, ensayos y registros visuales, que incluyen no solo sus pinturas sino también sus libretas de trabajo.
8
Cárdenas, Santiago, and Guillermo Cárdenas. "¿Cuál es el objeto? Sobre el objeto en la pintura." La Tadeo Dearte 1, no. 1 (October 8, 2015): 80–99. http://dx.doi.org/10.21789/24223158.1046.
Full textAbstract:
“En junio de 2013 me senté a conversar sobre “el objeto” con mi padre, el artísta Santiago Cárdenas. Mi interés sobre el tema radicaba en que en las reuniones de La revista La Tadeo De Arte habíamos hablado sobre el objeto como tema central de esta publicación. Sin embargo, siendo el objeto un tema tan amplio, yo me empecé a cuestionar cual sería su lugar en la pintura contemporánea.
9
Fernández, Justino. ""La Nube y el Reloj". Pintura contemporánea, de Luis Cardoza y Aragón." Anales del Instituto de Investigaciones Estéticas 2, no. 6 (July 30, 2012): 100. http://dx.doi.org/10.22201/iie.18703062e.1940.6.211.
Full text
10
Rodríguez Cañestro, Sheila, and Javier Garcerá Ruiz. "Aproximaciones a la "inquietante extrañeza" en la pintura contemporánea: una perspectiva de género." Anales de Historia del Arte 28 (September 25, 2018): 113–32. http://dx.doi.org/10.5209/anha.61607.
Full textAbstract:
En el contexto del arte contemporáneo, cada vez es más frecuente encontrar mujeres artistas nacidas en la segunda mitad del siglo XX que elaboran sus obras desde un lenguaje pictórico construido a través de un esmerado dominio de la técnica y el oficio y que se interesan en representar escenas de una alta tensión narrativa, inquietante y turbadora. En este artículo vamos a partir de tres exposiciones que en torno a estos temas se han organizado a nivel internacional (Nightfall: New tendencies in figurative painting, This side of Paradise y New Black Romanticism) que son un ejemplo más de la escasa representación femenina en este tipo de eventos y que constatan la marginación y el silencio que la historia del arte ha otorgado a la mujer. Como consecuencia de ello, planteamos este artículo desde un posicionamiento crítico feminista que pretende no sólo dar visibilidad a un grupo numeroso de pintoras figurativas sino también reivindicar las diferencias de sus propuestas respecto a las narrativas de los artistas varones incluidos en dichas exposiciones y a los cánones predominantes.
Dissertations / Theses on the topic "Pintura contemporánea"
1
Mendiola, Valdez Luis Miguel. "Museo de pintura y escultura contemporánea en Lima." Bachelor's thesis, Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC), 2016. http://hdl.handle.net/10757/621201.
Full textAbstract:
Actualmente en Lima no hay un museo de pintura y escultura contemporánea. El MAC de Lima tiene obras de arte de los años 50, 60 y 70 (Museo de arte contemporaneo-Lima, 2007), y le falta obras más recientes, entonces no se podría considerar una museo de arte contemporáneo. Por otro lado, en Lima el 12% (Info Perú, 2011) de los museos es de arte mientras que en Madrid, la cual es una ciudad con una población parecida, es el 28% (Ministerio de Cultura de España, 2008). Claramente podríamos tener aun más museos de arte para culturizar a las personas. Un museo de arte y escultura va a estar diseñado para usuarios de todas las edades. Habrá una guardería, donde los padres pueden dejar a los niños con seguridad mientras recorren el museo o tienen asuntos que atender. También habrá talleres de aprendizaje. Además, se puede recorrer las exhibiciones o ir a la mediateca o ir a una tienda especializada en diseño y arte, un auditorio, sala de usos múltiples, espacios públicos, cafetería, etc. Las exposiciones temporales son las que mantienen vivo un museo, ya que estas cambian cada cierto tiempo y el usuario regresa para ver las nuevas obras mostradas. Dicho esto, los alumnos de arte de las universidades PUCP, Científica del sur, UNI, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, Universidad Peruana de Arte Orval y la Universidad San Ignacio de Loyola también podrán exhibir sus trabajos. De esta manera, los alumnos se empeñarán en su trabajo para que sea exhibido. Esto es interesante, ya que cada fin de ciclo se renueva la exposición temporal de alumnos dándoles a los visitantes una nueva exhibición cada 6 meses. Finalmente, el distrito propuesto para este museo es el Cercado de Lima, ya que cuenta con la mayor cantidad de población, con un circuito de museos y es una de las zonas turísticas de Lima.Tesis
2
Moreira, Teixeira Joana Cristina. "La creación contemporánea además de la materialidad. Los artistas y los límites en la conservación y restauración de arte contemporáneo." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de València, 2009. http://hdl.handle.net/10251/6301.
Full textAbstract:
La conservación/restauración, una disciplina de criterios y preceptos establecidos coherentemente a través de experimentos, investigaciones y prácticas desarrolladas a lo largo de los siglos, ante las obras de arte contemporáneo tendrá que repensar su actividad. Es inevitable que creaciones tan heterogéneas entre sí, basadas en elmentos como lo efímero, la temporalidad y la transitoriedad no influyan a la hora de llevar a cabo una intervención de restauración. Ésta deberá establecer una metodología específica para transmitir al futuro la obra en su consistencia física y conceptual.Moreira Teixeira, JC. (2009). La creación contemporánea además de la materialidad. Los artistas y los límites en la conservación y restauración de arte contemporáneo [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/6301
Palancia
3
Hernández, Parraguez Marta. "Lo fotográfico — un modelo para la representación pictórica contemporánea." Tesis, Universidad de Chile, 2010. http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/101243.
Full text
4
Cucala, Félix Antonio. "El objeto como elemento material en la pintura contemporánea: la obra de Carmen Calvo." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de València, 2015. http://hdl.handle.net/10251/57001.
Full textAbstract:
En esta tesis tratamos la incorporación de objetos en los cuadros. Para analizar las características de este procedimiento pictórico hemos enfocado nuestro análisis hacia la obra pictórica de Carmen Calvo, pintora valenciana con reconocimiento internacional.
El estudio lo hemos dividido en cuatro apartados:
El primero es una presentación de antecedentes históricos, así como de algunos autores en concreto, que por el modo de utilizarlos, hemos considerado interesante compararlos con la forma de hacer de Carmen Calvo, extrayendo así cuál es su aportación a la pintura mediante la utilización de este recurso.
En el segundo apartado, realizamos un análisis de la obra de esta pintora, que está vertebrado en tres periodos: Representación y Abstracción; Presentación del objeto Representación.
El tercer apartado está dedicado al análisis retórico de la utilización del objeto en la obra de Carmen Calvo.
Finalmente analizamos su obre desde la empatía, la memoria y la microhistoria para poder extraer significados de sus cuadros.
La tesis incluye una entrevista con Carmen Calvo como aporte documental, y una catalogación de 375 de sus cuadros, presentados en soporte informático como documento adjuntoCucala Félix, A. (2005). El objeto como elemento material en la pintura contemporánea: la obra de Carmen Calvo [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/57001
5
Ramos, Paes de Carvalho Fernando. "Marcas y Restos: Presencia y Ausencia en la Pintura Contemporánea. Una aproximación desde la práctica personal." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de València, 2016. http://hdl.handle.net/10251/68488.
Full textAbstract:
[EN] This research project has its origins in a reflection of the nature of painting, from its phenomenological base. It is carried out through the observation of the work of other contemporary artists and through the lived experiences and experiments in the Painting Workshop of the University of Puerto Rico. It is not centered around a determined period, artist or on a style or particular movement, but rather in permanent communication with the concepts of presence and absence, non-visibility and traces. An artistic practice is developed accompanied by a theoretical reflection that constructs an imaginary from the perhaps insignificant, the transfiguration of the rest, the invisible gesture, leftovers, and designed marks. Likewise, artists that have preferred invisibility to presence, prone to eliminating instead of adding, those that are suggesting instead of saying, will be examined. The research intends to look at painting processes in which the physical intervention of the painter is minimal or non-existent, in which the suggestions of presence or a pictorial event receive an archaeological treatment, in which painting escapes conventional language to receive new meanings, based on the intertwining of fragments, of instants, of the precariousness of representation and finally, a reflection on the place occupied by painting in contemporary times.
KEY WORDS: PAINTING, PRESENCE, ABSENCE, TRACE, MARK.[ES] Esta investigación tiene su origen en una reflexión sobre qué es la pintura desde su base fenomenológica, a través de la observación de trabajos de otros artistas contemporáneos y a través de las vivencias y experimentos en el Taller de Pintura de la Universidad de Puerto Rico. Ésta no se centra en un determinado período, artista o en un estilo o movimiento en particular, sino en una comunicación permanente con los conceptos de presencia y ausencia, no visibilidad y huella. Se desarrolla una práctica artística y una reflexión teórica que pretende construir un imaginario desde el acaso insignificante, de la trasfiguración del resto, del gesto invisible, de las sobras y marcas al designio. Asimismo, se examinarán artistas que han preferido la invisibilidad a la presencia, eliminar a añadir, sugerir en vez de decir. Lo que pretendemos investigar son los procesos pictóricos en los que la intervención física del pintor es mínima o nula, en los que los indicios de una presencia o acontecimiento pictórico reciben un tratamiento arqueológico, en los que la pintura se escapa de su lenguaje convencional para recibir nuevos significados a partir de la costura de fragmentos, de instantes, de la precariedad en la representación y, finalmente, una reflexión sobre el lugar que ocupa la pintura en la contemporaneidad.
[CAT] Aquesta recerca té l'origen en una reflexió sobre què és la pintura des de la seua base fenomenològica, a través de l'observació de treballs d'altres artistes contemporanis i a través de les vivències i els experiments en el Taller de Pintura de la Universitat de Puerto Rico. Aquesta no se centra en un determinat període, artista o en un estil o moviment en particular, sinó en una comunicació permanent amb els conceptes de presència i absència, no visibilitat i empremta. Es desenvolupa una pràctica artística i una reflexió teòrica que pretén construir un imaginari des del per ventura insignificant, de la transfiguració de la resta, del gest invisible, de les sobres i marques al designi. Així mateix, s'examinaran artistes que han preferit la invisibilitat a la presència, eliminar a afegir, suggerir en comptes de dir. El que pretenem investigar són els processos pictòrics en els quals la intervenció física del pintor és mínima o nul·la, en els quals els indicis d'una presència o esdeveniment pictòric reben un tractament arqueològic, en els quals la pintura s'escapa del seu llenguatge convencional per a rebre nous significats a partir de la costura de fragments, d'instants, de la precarietat en la representació i, finalment, una reflexió sobre el lloc que ocupa la pintura en la contemporaneïtat. PARAULES CLAUS: PINTURA, PRESÈNCIA, ABSÈNCIA, EMPREMTA, MARCA.
Ramos Paes De Carvalho, F. (2016). Marcas y Restos: Presencia y Ausencia en la Pintura Contemporánea. Una aproximación desde la práctica personal [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/68488
TESIS
6
Alegría, Théodore. "El lugar y el alcance de la pintura y del dibujo en el marco de la deconstrucción." Pontificia Universidad Católica del Perú, 2012. http://repositorio.pucp.edu.pe/index/handle/123456789/119592.
Full textAbstract:
Las conjugadas nociones del Lugar y del Alcance pretenden promover aquí una forma inédita y potente de cuestionar la misma naturaleza de la (no) experiencia que nos proporcionan la pintura y el dibujo, apuntando para un (no) espacio y un (no) tiempo específicos de los (no) objetos pintados y/o dibujados, que no son en absoluto el espacio, el tiempo, y los objetos de nuestra experiencia perceptiva consciente de serdiciente tal como fue diseñada de un modo globalmente fenomenológico, por Kant o por Husserl por ejemplo.
7
Layden, Timothy Baird. "Aportaciones teóricas y prácticas sobre la sinestesia y las percepciones sonoras en la pintura contemporánea." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2005. http://hdl.handle.net/10803/1261.
Full textAbstract:
Esta tesis analiza varios aspectos de la sinestesia en la pintura y la relación entre el oído y la visión en las artes. Tras describir la historia de la relación entre el sonido y la forma desde la filosofía órfica y las teorías pitagóricas, profundiza en los pensamientos de ciertos pensadores importantes (por ejemplo, Newton y Runge) sobre las correspondencias entre las notas musicales y los colores del arco iris o la rueda y la esfera de colores. Más adelante, la tesis estudia los mitos y conceptos de la espiritualidad relativos al sonido y el color que ejercieron gran influencia en muchos artistas del siglo XX, a través de escuelas de pensamiento como la teosofía y la psicología, estudiadas por pintores, músicos y filósofos importantes en la evolución de las artes a principios del siglo XX (por ejemplo, Goethe, Rudolf Steiner, Wassily Kandinsky, Arnold Schönberg y Henri Bergson). Seguidamente, se investiga la relación entre la música y la pintura basándonos en la correspondencia entre pintores y músicos (cual es el caso de Kandinsky, Schönberg, Cage y Johns), centrándose a continuación en distintos artistas interdisciplinarios (por ejemplo, Èiurlionis, Cage, Vladamir-Rossine y Russolo). A continuación se presenta la influencia de las percepciones sonoras y la sinestesia sobre la pintura en Europa y América, destacando las relaciones e influencias compartidas entre Europa y América en los pensamientos y el desarrollo de la pintura sinestésica sonora visual, y la relación entre el arte de la música y la pintura.
La tesis hace un recorrido por la historia contemporánea de la pintura sinestésica occidental que expresa percepciones sonoras, y muestra que la relación entre la música y la pintura y el interés por estudiar, entender y expresar el mundo sinestésico en la pintura es una constante en la historia del arte contemporáneo. Explica y analiza estudios recientes de científicos que trabajan con el fenómeno de la sinestesia y vea la obra de importantes pintores recientes que son sinestetas, como David Hockney, Mark Safan y Carol Steen. El trabajo de investigación realizado permite sugerir que la sinestesia y la expresión artística es parte de la naturaleza humana y tiene mucho que ver con su evolución como especie. La conclusión es que la pintura tiene la facilidad de sacar las experiencias sinestésicas desde las profundidades del ser, sin importarle el nivel consciente o subconsciente de aquéllas; llevando tales experiencias a la conciencia del artista y a la materia del mundo a través de abstracciones y analogías simbólicas creadas en el acto de pintar.
Theoretical and Practical Contributions of Synesthesia and Sound to Contemporary Painting.
Doctoral thesis by Timothy B. Layden
Directed by Doctor Domenec Corbella Llobet
This thesis analyses how synesthesia and music have influenced the development of contemporary painting. It compares the historical and mythological roots of the visualization of Sound with contemporary arts, science and philosophy. It gives examples of works of some of the most important contemporary painters explaining their influences and interrelations with the poetry and painting of the last two centuries. It describes the most important links, authentic and contrived, between painting and audio-visual synesthesia, giving examples of poetic associative audio-visual synesthesia in the arts as well as examples of the artistic expressions inspired in the projected synesthesia of true synesthetes. Moreover it highlights the connection between synesthesia, artistic expression and subjectivity. It describes how music inspired the birth of abstract painting and how this influenced the development of numerous movements in modern art which have developed into post modern art and the movements of today, which flourish in subjectivity encouraging originality and individuality.
Based on the above research and the synesthetic and artistic experience of the author the following conclusions are made:
Synesthesia is fundamental to human experience. Synesthetic sensations are subjective, connected to emotion and memory, and often felt as intangible and ineffable, beyond the individual experiencing it; art is the most accurate way of communicating such experiences. Today freedom of expression thrives, giving us the ability to choose like never before. ethnic, cultural and religious interaction is a defining factor of each individual ethnicity, culture and religion making the ability to understand different points of view crucial for the development of society. Artists have an important role in communicating the deeper and subtler levels of life that give value to experience. Emotions, intuition and synesthetic perceptions, which inspire wonderful works of art and revelations in science, and motivate invention are more powerful than reason and logic. Art is part of human nature, it is where we can communicate more than the obvious, deeper than the surface and more explicitly than words. Its value is in how it opens eyes to new points of view, inspires creativity and influences change. Through artistic creativity and by being more aware of synesthetic aspects of experience we can participate more consciously and actively to involve ourselves in life's evolution, as individuals integrated with nature.
8
Cárdenas, Rodriguez Adolfo. "El panoptikón 2.0 : redes sociales en la representación del espacio interior de la pintura contemporánea." Bachelor's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2014. http://tesis.pucp.edu.pe/repositorio/handle/123456789/5754.
Full textAbstract:
Esta tesis es una investigación visual que busca reconocer el impacto de las redes sociales en
la representación del espacio interior del sujeto en la pintura contemporánea, para elaborar una
reflexión acerca de las diferencias que se manifiestan sobre el plano figurativo en la actualidad.
En este contexto la representación del espacio interior como género pictórico se origina en el
s. XVII, cuya historia narra a la fecha la mirada entrañada de un observador incansable sobre
la intimidad del individuo. Situación que se identifica hoy en día con el hábito de un observador
interesado en consumir intimidad ajena, a través del uso de las redes sociales que han
facilitado y naturalizado su exhibición cada vez hoy más en el mundo (Facebook).
Si esta realidad viene afectando la naturaleza de las relaciones humanas expresado en sus
diferentes manifestaciones artísticas, ¿qué cambios viene creando en la representación
espacial pictórica de hoy? ¿O será que dicha exhibición -motivada por las redes sociales- esté
generando plásticamente ya alguna nueva representación del espacio interior? Este fenómeno
actual nos lleva a suponer un cambio o desplazamiento de las formas de representación
espacial contemporáneas frente a las tradicionales, descubriéndose mediante un análisis visual
critico/comparativo de dos modelos de representación espacial, el tradicional s. XVII-XIX frente
a la hipótesis de un modelo contemporáneo -en movimiento- s. XX-XXI visto desde un contexto
histórico-temático.
Este cuestionamiento tiene como propósito reflexionar sobre el problema o la situación de la
representación del "espacio" en medio de esta coyuntura mediática que avasalla nuestra vida
cotidiana, acaso importante debido a su ausencia en la reflexión contemporánea. Nos
aproximamos así desde un interés generacional, más que encontrar soluciones nos
preguntarnos para armar una perspectiva de hacer ver sus dinámicas en el contexto actual.Tesis
9
Suter, Latour Gerardo. "ANÁLISIS TEÓRICO-PRÁCTICO DEL VACÍO Y DEL SILENCIO EN LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICA CONTEMPORÁNEA." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de València, 2012. http://hdl.handle.net/10251/14977.
Full textAbstract:
La presente tesis doctoral busca explicar el funcionamiento de un fenómeno particular, colocando el objeto de estudio en un sistema específico, y a la vez trata de ubicar la noción de investigación al interior de la producción artística contemporánea. Planteado de esta manera, el trabajo tiene una doble función. Por un lado, investigar de manera teórico-práctica la expansión de la imagen, explicando por qué el objeto de estudio (imagen expandida), al ponerse en funcionamiento, crea un fenómeno particular (parpadeo) que es aprehensible en términos de constelación. Por otro, ensayar una aproximación al tema de estudio, que a través de la investigación pueda ser una propuesta artística en sí misma. Es decir, queremos mostrar no sólo las reflexiones en torno al tema de estudio escogido, sino también resaltar la necesidad de afinar el concepto de investigación vinculado a la producción artística. El tratamiento teórico-práctico del tema de estudio, resulta en una puesta en evidencia de las particularidades que la investigación puede asumir al interior de la práctica artística como tal, y muestra cómo artistas y teóricos pueden llegar a conclusiones similares, por caminos diversos, pero siempre a partir de su propia producción.Suter Latour, G. (2010). ANÁLISIS TEÓRICO-PRÁCTICO DEL VACÍO Y DEL SILENCIO EN LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICA CONTEMPORÁNEA [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/14977
Palancia
10
Pastor, Valls María Teresa. "Estudio de sistemas y tratamientos de estabilización de capas pictóricas no protegidas en pintura contemporánea. Criterios y metodologías de actuación." Doctoral thesis, Editorial Universitat Politècnica de València, 2014. http://hdl.handle.net/10251/34784.
Full textAbstract:
El propósito de esta investigación se centra en profundizar en las metodologías y criterios de intervención aplicados a la adhesión y consolidación de capas pictóricas contemporáneas sin proteger, así como en el estudio del comportamiento frente al envejecimiento de diversos polímeros y su posible viabilidad en el tratamiento de pintura vinílica, un tipo de aglutinante muy empleado en pintura actual.
Los problemas de estabilidad presentados (levantamientos y pulverulencia) comprometen la integridad de las obras y plantean tratamientos de limitada reversibilidad y elevada complejidad técnica. Además de los cambios de tipo óptico y de la afectación del concepto de la obra, pueden producirse cambios físicos, químicos y mecánicos, pues los polímeros introducidos deben proporcionar uniones adhesivas y cohesivas correctas, compatibles y duraderas. De ahí que debamos seleccionar los sistemas más seguros y los materiales más estables.
La parte teórica se inicia con el análisis del estado de la cuestión, el establecimiento de objetivos y la descripción de la metodología. Tras una introducción sobre los materiales, técnicas y acabados en pintura contemporánea, se analizan las principales tipologías y causas de alteración. Los capítulos siguientes están dedicados tanto a los polímeros empleados, como a los principios físicos y químicos implicados, así como a las técnicas y sistemas actuales de intervención. Estos se ilustran con múltiples ejemplos procedentes de las fuentes, del estudio e intervención de obras o de la encuesta realizada a especialistas en la materia.
En la parte experimental se lleva a cabo un estudio comparativo de la estabilidad óptica, química (pH) y mecánica frente al envejecimiento acelerado de 16 polímeros naturales y sintéticos. Finalmente, se incluye una sección con la evaluación de los cambios ópticos y del grado de adhesión y cohesión obtenidos antes y después de envejecer, tras la aplicación de tres consolidantes y tres adhesivos sobre probetas que simulan pulverulencia (estrato con alto PVC: medio vinílico, blanco de titanio y azul ultramar) y falta de adhesión (estrato con bajo PVC: pintura vinílica comercial blanco titanio).
Esta investigación ha sido desarrollada gracias a la Fundación ICO a través de una beca de postgrado en el Área B Arte Contemporáneo (2003-2004 y 2004-2005), al Instituto Valenciano de Conservación y Restauración de Bienes Culturales (IVC+R) y la colaboración del Museu d'Art Contemporani Aguilera Cerni de Vilafamés, Fons Artístic de la Universitat Jaume I, Colección Patronato Martínez-Guerricabeitia-UV, Departamento de Química Inorgánica y Orgánica de la Universitat Jaume I (UJI) e Instituto de Tecnología Cerámica (ITC).Pastor Valls, MT. (2013). Estudio de sistemas y tratamientos de estabilización de capas pictóricas no protegidas en pintura contemporánea. Criterios y metodologías de actuación [Tesis doctoral]. Editorial Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/34784
Alfresco
Premiado
Books on the topic "Pintura contemporánea"
2
Unión Nacional de Artistas Plásticos (Nicaragua). Pintura contemporánea de Nicaragua. Managua, Nicaragua Libre: Editorial Nueva Nicaragua, 1985.
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3
Mostajo, Carlos Salazar. La pintura contemporánea de Bolivia. La Paz-Bolivia: Librería Editorial "Juventud", 1989.
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4
coaut, Avellanosa Teresa, ed. Pintura contemporánea en los museos españoles. Alpedrete (Madrid): Ediciones AlyMar, 2006.
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5
Nevado, Jesús Velasco. Historia de la pintura contemporánea en Huelva: 1892-1992. 2nd ed. [Huelva]: Diputación de Huelva, Servicio de Publicaciones, 2003.
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6
Martín, María Laura San. La pintura en la Argentina: Crónica histórica y contemporánea. Buenos Aires: Claridad, 2007.
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7
Salvi, Francesco. Los impresionistas: En los orígenes de la pintura contemporánea. Barcelona: Serres, 1996.
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8
Dagron, Alfonso Gumucio. Introducción al arte naïf guatemalteco: Descubramos la pintura maya contemporánea de Guatemala. Guatemala: Bancafe, 2000.
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9
Mapfre, Fundación, ed. España contemporánea: Fotografía, pintura y moda : 3 de octubre de 2013-5 de enero de 2014. Alcobendas (Madrid): TF Editores, 2013.
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10
Museo de Arte Contemporáneo de Maracay Mario Abreu. Colección de pintura: Catálogo razonado. [Aragua] Venezuela: Gobierno de Aragua, 1993.
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1
Tovar, Paco. "Eugenio F. Granell: pintura y acordes musicales al compás de su escritura." In Estudios de literatura, cultura e historia contemporánea. En homenaje a Francisco Caudet. UAM Ediciones, 2015. http://dx.doi.org/10.15366/homen.caudet2015.012.
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2
Marchesi, Mariana. "Imágenes de historia contemporánea. Pintura e historia argentina a finales de los años sesenta: la muerte del Che Guevara y la serie La lección de anatomía de Carlos Alonso." In XXXVI Coloquio Internacional de Historia del Arte. Los estatutos de la imagen, creación-manifestación-percepción. Instituto de Investigaciones Estéticas, 2014. http://dx.doi.org/10.22201/iie.9786070259722e.2014.cap22.
Full textConference papers on the topic "Pintura contemporánea"
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Valerde Buforn, Javier. "Narraciones en la pintura contemporánea: El hipertexto." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.5765.
Full textAbstract:
Hoy en día parece que las relaciones interdisciplinares están cada vez más asumidas por los artistas y por lo tanto permite una mayor y profunda investigación sobre la obra que realizan. Una de las grandes llaves para está comunicación entre las distintas disciplinas es lo que se conoce como “hipertexto”. Como ya es sabido, la hipertextualidad se refiere a la relación entre dos textos literarios distintos – o más bien entre la obra que vemos (hipertexto), y la obra a la que se refiere (hipotexto) – . Sin embargo, esta relación no tiene porque ser con obras pertenecientes a un mismo campo, sino que se pueden establecer relaciones entre literatura, pintura, escultura, cine, vídeo, etc. Generando así conexiones más rizomáticas, capaces de crear caminos entre los distintos medios. La pintura juega un papel fundamental en este cruce disciplinar, ya que ha sabido adquirir códigos de otros medios, como puede ser el cine, o generar recursos propios para conectar con otras obras y potenciar así su carácter narrativo. Es muy frecuente ver como los pintores contemporáneos entiendes los cuadros como fotográmas, secuencias, fragmentos, etc. O como usan recursos como las citas para establecer un diálogo con otra obra a la que se refiere y actualizar o proponer nuevos conceptos. Ejemplo de ello son artistas como Wilhelm Sasnal, Simon Zabell, Victor Man, Ugo Rondinone o Ilya y Emilya Kabakov, cuyas obras se enriquecen del hipertexto.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5765
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Rodríguez Cañestro, Sheila, and Javier Garcerá Ruiz. "Los límites del ver: una aproximación a la pintura contemporánea." In IV Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales. ANIAV 2019. Imagen [N] Visible. Valencia: Universitat Politècnica de València, 2019. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2019.9271.
Full textAbstract:
La ponencia que presentamos plantea una reflexión sobre las posibilidades expresivas del lenguaje pictórico y sus consecuencias en el proceso del ver. Para abordar esta cuestión, analizaremos el trabajo de un grupo de artistas contemporáneos que, frente a la proliferación de la información visual de naturaleza exhibicionista que nos afecta día a día, utilizan una serie de estrategias formales basadas en una cierta negación de la imagen y obstaculización de la mirada. Hecho que suscita una reflexión necesaria en el contexto imagen [n] visible que la presente edición del congreso ANIAV propone. Para ello, nos serviremos de algunas reflexiones que el filósofo y teórico cultural coreano Byung-Chul Han está elaborando sobre el fenómeno de transparencia y exceso de visibilidad al que está expuesto el sujeto contemporáneo. Así también, aludiremos a otras reflexiones que autores como Walter Benjamin, Roland Barthes, Gilles Deleuze o Jean Baudrillard han planteado sobre dicho problema. Pretendemos así elaborar una aproximación al tema de la imagen [n] visible desde una perspectiva que reflexiona entorno a los límites entre visibilidad e invisibilidad. Como metodología, partiremos del proyecto expositivo titulado Ni decir de Javier Garcerá (coautor de este artículo) y de las propuestas de otros artistas contemporáneos como Qiu Shihua, Fu Xiaotong y Ohba Daisuke. A todos ellos los une su intención de estimular una apertura de la percepción que permita ver más allá de la representación pictórica, e incluso de cualquier imagen.
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SERRANO LEÓN, DAVID. "LA REALIDAD GLOBALIZADA EN LA PINTURA FIGURATIVA CONTEMPORÁNEA. EL ARCHIVO VIRTUAL COMO ESTRATEGIA." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.5662.
Full textAbstract:
La sociedad contemporánea globalizada influye en la pintura actual, sea cual sea su localización, que se nutre del flujo constante de información, de la tecnología cambiante y de las imágenes que consumimos a través de diferentes medios. La realidad del artista, como inevitablemente la de todos los individuos, está compuesta por las experiencias físicas y las vividas en la RED internet. Las primeras nos hablan del entorno próximo y cotidiano del artista, son las imágenes de la realidad natural que incorpora en la obra. Las segundas pertenecen a una realidad lejana y desconocida. Es una ventana al mundo, una apropiación del colectivo social del cual formamos parte. Ambas realidades conforman una nueva figuración pictórica, como también una nueva identidad entre lo real y lo virtual y lo local y lo global. Numerosos artistas trabajan con un banco de imágenes catalogadas y revisadas constantemente que proceden de internet. Detectamos diferentes estrategias del trabajo de archivo: desde la búsqueda precisa de Andrea Canepa, rastrea a partir de un guión previo; pasando por las asociaciones que realiza Javier Martín, a partir de una palabra surgen una serie de imágenes; hasta los tanteos intuitivos de José Carlos Naranjo y Rubén Guerrero, quienes se dejan llevar por las impresiones y sensaciones. Con esta propuesta pretendemos conocer algunas estrategias contemporáneas que originan un diálogo entre la realidad individual y la colectiva. Una globalización basada en la hibridación, la transitoriedad, el simulacro y la inmediatez. En definitiva, un nuevo espacio que condensa las diversas realidades del artista.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5662
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SALDAÑA CORDOVA, FERNANDO. "La Estructura Oculta en el arte “El orden oculto en la pintura clásica, abstracta y contemporánea”." In Ilustrafic. 2º Congreso Internacional de Ilustración, Arte y Cultura Visual. Editorial Universitat Politècnica de València, 2015. http://dx.doi.org/10.4995/ilustrafic/ilustrafic2015/352.
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Legido, Toya. "La enseñanza de la fotografía de objetos en la facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid." In I Congreso Internacional sobre Fotografia: Nuevas propuestas en Investigacion y Docencia de la Fotografia. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/cifo17.2017.6778.
Full textAbstract:
La práctica está englobada en las asignaturas en segundo curso tanto en el grado de diseño como en el grado de bellas artes, ambas asignaturas se caracterizan por tener un fuerte componente de educación tecnológica, en ellas se enseñan técnicas; además se trabaja mucho el lenguaje fotográfico, analizando el significado de las imágenes. Las asignaturas abordan tres grandes bloques temáticos sobre los que se desarrollan los contenidos conceptuales, históricos, técnicos y prácticos. Que podemos resumir en representaciones de objetos, de sujetos y del espacio. Aquí presentaré la práctica de fotografías de objetos. La idea general de este tema es explicar a lo largo de la historia como y porqué la representación de objetos ha evolucionado. En él se describen las diferentes tipologías que han existido como referencia de las que actualmente todavía perviven, y se explican sus diferentes denominaciones a lo largo de los tiempos. También se hace referencia a lo que, de uno u otro modo, hoy todavía perdura tanto en el arte contemporáneo como en la fotografía comercial. Los alumnos realizan prácticas de fotografía de objetos referentes a la teoría, técnica e historia crítica enseñada, que serán proyectados para ilustrar cada uno d los conceptos enseñados. El objeto en la pintura clásica. Esta primera parte del tema abarca desde el nacimiento de la pintura de “objetos en reposo” aproximadamente desde el S. XVI hasta el nacimiento de la fotografía (1839). “Las primeras denominaciones oficiales de naturaleza muerta, aquellas que en cierto sentido han sancionado su asunción como estereotipo y establecido su constitución de “género”, no hablan en absoluto ni de naturaleza ni de muerta”. (Calabresse 2000) Nacimiento de la fotografía de producto: construcción de una nueva objetividad. Este tema explica como gracias al lenguaje generado por el medio fotográfico y a su gran capacidad documental se empieza a construir una nueva manera de representar y de ver el mundo. En esta época es cuando bajo la herramienta fotográfica y los principios de la modernidad, nacen las vanguardias y con ellas lo que hoy llamamos fotografía de producto. La representación contemporánea de objetos. Actualmente en el mercado del arte contemporáneo conviven muchos estilos, tendencias y términos heredados de la pintura clásica y de la fotografía “modernista”, pero la mayoría de las propuestas o revisan la esencia de las representaciones clásicas presentando variaciones formales o conceptuales novedosas, o exploran los usos convencionales de la fotografía reformulando o descontextualizando su significado o sus contenidos. Pero las naturalezas muertas de hoy también nos muestran objetos cotidianos, manipulados y plastificados, que al ser representados sin intención estética alguna, nos hacen cuestionarnos la dura realidad del día sin la idealización posible. Nos hablan de esa carrera acelerada que imponen las sociedades de la superabundancia.
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Garcia Olivares, Gerardo Jesus. "LA PINTURA Y OTRAS FUENTES DE DOCUMENTALES PARA LA CONSTRUCCIÓN DE UN RELATO VISUAL DE LA ALIMENTACIÓN." In 3er Congreso Internacional sobre Patrimonio Alimentario y Museos. Valencia: Editorial Universitat Politècnica de València, 2021. http://dx.doi.org/10.4995/egem2021.2021.13339.
Full textAbstract:
Mirar la pintura como otras fuentes visuales de documentación para construir un relato visual sobre la alimentación es de gran importancia ya que con ellos construimos un ideario de lo que es la alimentación actual y como ha ido transformándose a lo largo de los tiempo. En el arte rupestre, pintura, publicidad, diseño gráfico, arte contemporáneo, creación digital encontramos clara evidencia de que comíamos, como lo comíamos y con comíamos. Este artículo pretende mostrar que la historia del arte ha ido acompañando a la historia de la alimentación y que en la actualidad esta última encuentra en ellas una de las bases fundamentales para la construcción de un relato que de consistencia a analizar la alimentación en su vertiente histórica y que ayudan a construir y sostener un relato sobre la alimentación muy usado en los museo dedicados a este tema.
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De la Torre Oliver, Francisco. "Aprendizaje experiencial mediante estudio de casos, basados en profesionales contemporáneos, en los primeros cursos de Grado." In IN-RED 2019: V Congreso de Innovación Educativa y Docencia en Red. València: Editorial Universitat Politècnica de València, 2019. http://dx.doi.org/10.4995/inred2019.2019.10528.
Full textAbstract:
Este proyecto persigue integrar a profesionales de referencia en el programa de la asignatura, en nuestro caso artistas contemporáneos en activo, mediante la metodología de estudio de casos desde un enfoque innovador y experimental con el fin de motivar a los alumnos de primer curso del Grado de Bellas Artes. A través de esta metodología activa incorporamos la experiencia de los artistas a través del el contacto directo con los alumnos en las aulas y en los espacios de creación o/y exhibición (estudios, galerías y museos). Presentamos, como ejemplo de nuestra investigación, el análisis del caso Sati Tena realizado durante el curso 2018-19 en la asignatura Fundamentos del color y de la pintura.
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Cabrera balbuena, Iria. "Proto stop-motion: Análisis de las primeras apariciones del stop motion en el cine de acción real." In IV Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales. ANIAV 2019. Imagen [N] Visible. Valencia: Universitat Politècnica de València, 2019. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2019.8931.
Full textAbstract:
A lo largo de la historia, plasmar el movimiento ha sido una inquietud para el ser humano. Conocemos muestras previas a las primeras películas, como pinturas en cuevas o juguetes ópticos que se engloban dentro de los términos pre-cine o proto-cine. Basándose en estas definiciones, el término “proto-stop motion” se propone para englobar los antecedentes de esta técnica dentro del cine de imagen real. La animación stop motion es una técnica en la que realizamos sustituciones de objetos y personajes para generar la ilusión de movimiento, en medio de la acción de parar y reiniciar nuestra cámara repetidamente. Las primeras apariciones de este tipo de animación en el cine de acción real son conocidas como trucos de sustitución, sin embargo, en este trabajo se revisan, analizan y clasifican considerando el contexto histórico. De esta manera se sustenta la definición de proto-stop motion como los antecedentes de la animación stop motion contemporánea.
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Cuevas del Barrio, Javier. "El retablo de San Pelayo del Maestro de Becerril y la construcción de la norma sexual a través de la imagen." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.5665.
Full textAbstract:
A través de esta comunicación queremos presentar una lectura renovada de una de las obras más importantes de la pintura española del siglo XVI: el retablo de San Pelayo del Maestro de Becerril, situado en la Catedral de Málaga. Esta lectura renovada se centra no tanto en lo que la tradición histórico artística ha dicho de él (incorporación de elementos procedentes de la tradición renacentista italiana en forma de elementos arquitectónicos y leyendas mitológicas) sino en cómo la leyenda del martirio de San Pelayo ha servido para construir la norma sexual en diversos momentos de la historia del Estado español. Para ello, debemos recordar en qué consiste dicha leyenda: según las fuentes contemporáneas al martirio (siglo X), Pelayo fue martirizado hasta la muerte por no sucumbir a los deseos libidinosos del califa Abderramán III. Así, el joven mártir se convirtió en símbolo de la virtud de la castidad cristiana frente al pecado nefando representado por la máxima figura política y religiosa de los musulmanes, el califa Abderramán III. Los límites de esta comunicación nos obligan a centrarnos en un momento histórico concreto: la llegada del retablo de San Pelayo a la Catedral de Málaga procedente de Becerril de Campos (Palencia) en el contexto de década de 1940. Para ofrecer la lectura renovada que anunciábamos más arriba tendremos en cuenta los numerosos estudios (la mayoría de ellos anglosajones) que, partiendo de la teoría queer, están ayudando a renovar la disciplina de la historia del arte. Analizar la llegada del retablo de San Pelayo a Málaga desde la perspectiva queer nos lleva a entender el significado de la obra dentro del contexto de las políticas de la moral sexual de la época, a partir de las cuales las imágenes del retablo cobran un nuevo significado.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5665
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Vidal Alamar, Maria Dolores, and Roberto Vicente Giménez Morell. "INTUICIÓN Y PERSPECTIVA GEOMÉTRICA EN LA DESCRIPCIÓN NARRATIVA." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.5159.
Full textAbstract:
En la presente comunicación nos planteamos analizar la conexión entre dos conceptos perspectivos, intuición y proyección, que a veces van de la mano pero que en distintas épocas de la historia del arte se han desvinculado uno del otro, al menos aparentemente. Las preguntas que nos haríamos serían ¿en qué medida y de qué manera la intuición es el motor que mueve los resortes gráficos para describir una situación concreta en la que entran personajes y entorno?, ¿En qué medida los recursos gráficos y pictóricos con respecto a uno u otro concepto, contribuyen a dicha descripción y al contenido narrativo? Aunque es cierto que la experiencia visual determina una imagen mental de la realidad, no es menos cierto que la intuición, que hace germinar el proceso creativo, está presente en el proceso de representación de la escena y en el discurso narrativo. En la dualidad existente entre la realidad visual y la imagen creada, vemos también la relación global – local como dos términos que tienen que ver con la diferencia existente entre un conjunto de códigos “objetivos” empleados en la perspectiva geométrica, y otro conjunto de códigos que calificaríamos de “subjetivos” que transmiten un mundo más personal e individualizado. Así la visión entendida como una proyección de imágenes del mundo exterior expresada por medio de una serie de formas geométricas que participan de ciertas leyes visuales, se opondría a una visión interior en la que las experiencias más íntimas y personales conformarían otros elementos que contribuirían al resultado de la obra artística. Presentaremos una serie de obras que nos van a dar las respuestas a las preguntas planteadas, entre ellas analizaremos una miniatura persa, un fragmento de El Bosco, un artista típicamente renacentista como Crivelli y entre la pintura moderna Salvador Dalí, Marc Chagall, y los contemporáneos Moebius y El Hortelano.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5159