Academic literature on the topic 'Poésie autobiographique – 20e siècle'

Contrairement à la croyance populaire, les belles-families étaient aussi fréquentes au passè qu'aujourd'hui. Un échantillon partiel d'un nombre d'interviews á caractère autobiographique de personnes ayant grandi dans de telles familles en Angleterre au début du 20e siècle représente une source unique pour l'étude de l'expérience de leur jeunesse. Plus de la moitié de ces belles-families fonctionnait bien. Parmì le restant, le sourvenir de la belle-mère est plus négatif que celuì du beau-père, tandis que les beaux-fils et belles-filles se sentaient davantage en conflit que les enfants nés du remariage. L'étude historique détaillée pourrait contribuer à mieux comprendre les belles-families contemporaines malgré le fait que de nos jours la désunion est due au divorce plutôt qu'au décès du partenaire.

Résumé: Cette étude interroge l’illisibilité dont est fréquemment accusée une certaine poésie française contemporaine (depuis 1968), notamment liée aux influences avant-gardistes héritées de la première moitié du 20e siècle européen (Futurisme, Dada, Surréalisme, Lettrisme) ou à celles du Modernisme dit « américain » (de Cummings à Burroughs). Elle prend pour cas exemplaire l’écriture du polygraphe Christian Prigent, prolongeant les réflexions menées lors du colloque de San Diego de 2008 dont les actes sont parus en 2014 sous le titre : L’Illisibilité en questions (autour de Michel Deguy, Jean-Marie Gleize, Christian Prigent, Nathalie Quintane). Prigent passe pour un poète illisible, ce que l’écrivain conteste, invitant à infléchir ce jugement de la réception lectoriale, peut-être vers un parti-pris de dis-lisibilité. Ce concept, créé à San Diego, permet en effet d’articuler la double et contradictoire réception (auctoriale et lectoriale) des œuvres au cœur de la polémique. Les actes de San Diego et l’essai Une erreur de la nature publié par Prigent en 1996 servent de guide à cette enquête.Mots-clés : dis-lisibilité ; illisibilité ; modernité négative ; Prigent (Christian) ; poésie contemporaine ; réception.Abstract : In this paper, I question the illegibility / unreadability of which a part of the contemporary French poetry (since 1968) is often accused, in particular the one that inherits the influences of the European avant-gardes of the early 20th century (Futurism, Dada, Surrealism, Lettrism) or of the so-called “American Modernism” (from Cummings to Burroughs). I will take, as example, the polygraph Christian Prigent, extending the discussions held at the San Diego’s Conference in 2008, whose proceedings were published in 2014 under the title : L’Illisibilité en questions (autour de Deguy Michel, Jean-Marie Gleize, Christian Prigent, Nathalie Quintane). Prigent is often considered as an illegible / unreadable poet, what the writer denies, inviting his readers to understand rather his dis-legibility / dis-readability. Such concept, created in San Diego, makes it possible to articulate the double and contradictory reception (authorship and readership) of many poetry books in the heart of the controversy. L’Illisibilité en questions and the essay Une erreur de la nature, published by Prigent in 1996, are taken as references in this article.Keywords: dis-legibility; illegibility; negative modernity; Prigent (Christian); contemporary poetry; reception.

Qualifiée de « confessionnelle », la poésie de Robert Lowell et d’Anne Sexton peut être redéfinie comme testimoniale, en tant que discours sur soi « hanté » par la fiction. C’est ce que permet d’établir, d’une part, l’étude de la relation entre confession littéraire, fiction et poéticité puis, d’autre part, l’analyse du rapport à la vérité fondé sur une motivation autobiographique et sur l’opération poétique comme vérité « s’avérant dans une structure de fiction ». Fictions de soi aspirant à un discours de vérité sur soi, les œuvres poétiques de Lowell et Sexton sont des témoignages tentés par la confession, ainsi que l’illustre la recherche surréaliste de Sexton. Par ailleurs, l’expression de la folie opère un lien avec la confession religieuse, issue d’Augustin, et avec la définition initiale de la poésie confessionnelle par M.L. Rosenthal qui souligne l’importance de la culpabilité dans l’écriture de Lowell. Mais la représentation du déterminisme de la souffrance psychique, à la fois en termes psychanalytiques et en termes religieux, réduit l’accomplissement de la confession à une fiction de soi. Contrairement à une confession aboutie, le témoignage hybride sur soi peut alors s’avérer déstabilisant : échec de la confession, le témoignage prend acte de l’affaiblissement du « je » dont la vulnérabilité semble incarnée par le sort tragique de Sexton. Une analyse des ressorts de cette fragilité du « je » permet de comprendre les conséquences de la confrontation des auteurs avec leurs poèmes testimoniaux et avec les lecteurs. Elle révèle également l’impasse où mène le poème testimonial
Although the poetical works of Robert Lowell and of Anne Sexton have been called “confessional”, they may rather be defined as testimonial insofar as they are discourse “haunted” by fiction. This will be shown through the analysis of the relation between literary confession, fiction and poeticity. It will also appear in the study of the poems’ relation to truth, both poets’ conceptions of truth relying on autobiographical motivations and on artistic considerations about poetical achievement viewed as truth emerging from “the structure of fiction”. Eventually, the poems of Lowell and Sexton are fictions of the self aiming at speaking the truth and, as such, they might be redefined as testimonies tempted by confession, which is exemplified in Sexton’s surrealistic search. Besides, the poetic representation of madness provides a link with, on the one hand, Augustine’s religious confession and, on the other hand, M.L. Rosenthal’s initial definition emphasizing the importance of guilt in Lowell’s “confessional” writing. But expressing determined psychological suffering in both psychoanalytical and religious terms reduces the accomplishment of confession to mere fiction of the self. Contrary to fully achieved confession, hybrid self-testifying may then prove destabilizing: it bears witness to the failure of confession and therefore to the weakening of the “I”, whose vulnerability Sexton’s tragic fate may embody. Analyzing the poetical workings of the speaker’s fragility allows to understand the consequences of the poets’ confrontation with their testimonial poems and with the reader. It also reveals to what extent testimonial poetical writing is bound to lead to an impasse

«Ce qui m’intéresse, c’est ce qui m’échappe. Et ce qui m’échappe me donne la mesure de ce que je suis» écrit Perros, en écho à la proposition hölderlinienne d’une mesure de l’homme par l’habitation poétique du monde. L’oeuvre poétique de Georges Perros, principalement Poèmes bleus (1962/3) et Une vie ordinaire (1967), mêle la dimension éthique du sujet et la dimension dynamique du vers : la poétique de la mesure se révèle à la fois modération de l’entre-deux, évaluation ontologique et cadence musicale. Les Poèmes bleus témoignent d’un lyrisme initiatique qui, à travers diverses voies formelles et thématiques, fait entendre une voix exaltée et secrète, se mêlant au sacré élémentaire dont la Bretagne garantit, comme l’écriture, sources et secours. La poésie lyrique de Perros évolue vers un lyrisme réflexif. Dans Une vie ordinaire le tâtonnement génétique apparaît intimement lié à un entre-deux générique. Si la poésie lyrique se combine à la poésie dramatique, c’est plus encore au modèle épique que renvoie le poème perrossien, entre désir et débris d’épopée. L’écriture du quotidien oscille, chez Perros, entre l’élégie et l’éloge, donnant à entendre un chant de « toute impuissance », fort d’assumer sa faiblesse. Entre introspection et rétrospection, une poétique originale de l’énonciation s’y dévoile, qui accueille les voix autant qu’elle les sollicite. Ainsi s’élaborent dans la poésie de Georges Perros une topique et une rhétorique de la méditation, mêlant récit de conversion et parcours de sagesse
Georges Perros’s poetry – Poèmes Bleus (1963) and Une vie ordinaire (1967) above all – is based on a poetic art of measure referring to both ethical dimension of being and dynamical dimension of verse. Poèmes bleus display an initiatory lyricism – through different kinds of verse forms – leading to a sacred vision of universe. Britany is the heart of Perros’s inspiration. The formal variety gives rise to a specific poetical relationship to the world. In Une vie ordinaire, Perros’s poetry gets more reflective. The study of the manuscript allows us to analyse the different stages of writing in progress. Georges Perros’s poetry is at once a generic category, a discursive pratice, and a personal way of self narrative. Besides, it’s a mix of some classical literary genres : drama, lyrical poetry and epic. Everyday life is a powerful source of inspiration. Perros’s poetry wavers between elegy and praise. An original poetic art of enunciation appears through introspection and retrospection. Georges Perros’s rhetoric melts the narrative of conversion and the way to wisdom: thus, we can read Une vie ordinaire as meditative poetry

Cette étude a pour but de montrer l’importance sous-jacente du double mythe, principalement dans sa version ovidienne, dans les poèmes de Wordsworth. A un niveau littéral, les deux figures sont évoquées par les nombreuses scènes d’auto-contemplation ou d’échos. A un niveau plus figuré, Wordsworth revendique une poésie qui répète la Nature, comme un écho. Connu pour la crise poétique à laquelle il eut à faire face à la fin de sa Great Decade, le poète s’admire dans ses vers à travers des doubles, caractérisés, comme lui, par une perte fondamentale. Enfin, Wordsworth tente de transformer son lecteur en double de lui-même et en écho de sa voix, de lui apprendre à lire ses vers, à lafaçon d’un catéchiste
The point of this thesis is to show the importance of this double myth – mainly in its Ovidian version – in the poems of William Wordsworth. The two figures are implicitly present in the many scenes of self-contemplation and of echoes. Wordsworth also wishes his verse to repeat Nature’s voice, like an echo. He is equally famous for the poetic crisis that affected him after his Great Decade, and he admires himself in his verse through a series of doubles, many of which are characterized by a loss which reads as an allegory of his own. Eventually, Wordsworth aims at turning the reader into a reflection of himself and an echo of his voice

Depuis Amen en 1968, le poète français Jacques Réda, -né en 1929 à Lunéville, propose une poésie du je qui se déploie en vers, en proses, en poèmes, récits, essais, à quoi s'ajoutent trois livres à dimension autobiographique et deux romans. Cette première personne dont on pose l'unité incite à se pencher sur le sujet de l'oeuvre et sa façon d'affronter le temps, l'espace, les autres. Partant de la trilogie, on examine comment il se construit chronologiquement autour de ces trois axes, en trois étapes : l'enfance, l'adolescence, l'entrée dans l'âge adulte. L'espace comme le temps ne se livrent pas immédiatement, mais par élargissements successifs ; les autres offrent des pistes, entre lesquelles le sujet devra choisir. Passé à l'âge adulte, il doit continuer de se construire : pour résister aux attaques de la durée, il choisit la circulation, à partir des Ruines de Paris (1977). À pied, à solex, en train : trois appréhensions différentes dans lesquelles se fondre plus ou moins et reconquérir le centre. L'espace permet de contourner le temps. Certaines ruses avec celui-ci permettent encore de le piéger, dans des enclaves d'éternité par exemple ou la répétition de scènes heureuses. Circulant sur les routes ou dans les rues, le sujet ressent parfois le besoin de « se refrotter un peu à ses semblables » dont la fréquentation n'est pas toujours facile. Cependant il les fréquente nombreux déjà dans les livres : Follain, Cingria sont ceux à qui le sujet écrivant emprunte le plus clairement, au premier sa soif d'éternité, au second sa circulation à l'intérieur même de ses textes. Car ce n'est pas de la personne Réda qu'il est question ici, bien que le matériau soit pris dans sa vie, jusqu'à certaines limites de l'autobiographie, mais de la construction d'un sujet poétique. Virtuosité de la langue et des rythmes, usage des temps, lectures et relectures sont les moyens mis en oeuvre à la construction d'un sujet qui se fond dans le texte et existe par lui
Since he published Amen in 1968, the French poet, Jacques Réda, born in 1929 in Lunéville, has put forward a type of poetry based on /-; it unfolds in verse, prose, poems, narratives and essays, but also in three books with an autobiographical extent and two novels. This first perron whose unity we posit leads us to look at the subject of the work and the way he faces time, space and others. From this trilogy, we examine how he is being chronologically shaped around these three lines in three steps: childhood, adolescence and early adulthood. Time and space are not immediately given away, but are gradually widened ; other persons offer several tracks among which the subject will have to choose. Once an adult, he has to keep on forming himself: to cope with the erosion of time, he chooses to move on from the Ruines de Paris (1977). Here he can lose himself into three different ways and recover the centre: on foot, by moped or by train. Space allows one to get around time. Time can be trapped with some tricks such as eternity enclaves or the repetition of happy scenes. Moving along streets and roads, the subject sometimes feels like "rubbing up a little against his fellow men", who are not always easy to get along with. However, he already mixes with many in books : the writing subject clearly borrows his thirst for eternity from Follain, and from Cingria he borrows the practice of moving inside his own texts. Although the material is drawn from the author's life within certain autobiographical limits, it is not ultimately Réda the individual who is in question, but rather the construction of a poetic subject. Virtuosity of language and rhythm, along with the artful use of tenses, readings and rereadings, are the means deployed in the development of a subject who merges into the text and exists through it

Cette étude tente de mettre en évidence l'inscription, dans l'œuvre, d'un son de voix qui sans cesse fuit sa trace écrite. Elle tente de définir une écriture dont le mouvement permanent d'affleurement et de retrait se révèle dans un présent jaillissant. L'œuvre est à considérer comme un " corps inanimé et anonyme ", auquel le lecteur vient donner un souffle de vie. Porté par l'errance et l'espérance, l'écrivain explore un verbe proche du Verbe divin, un verbe de l'avant, l'originel. Unissant mythe, psychanalyse et religieux, il parvient à la " maison du temps ". D'un sacré dans la langue à une langue du sacré, l'originel bauchalien trouve un écho chez Quignard, Gaspar ou Stétié. Le poète s'inscrit ainsi dans la modernité. Ouvrant l'espace littéraire à l'indicible, il ouvre avec son lecteur un entretien infini
This study is an attempt to place in a prominent position the inscription, in the opus, of a voice ceaselessly fleeing its written place. It tries to place in a prominent position a writing whose permanent levelling and shrinking movement reveals itself in a gushing present. The opus is to be considered as a “lifeless and anonymous body” which has been given a breath by the reader. Supported by wandering and hope, the writer explores a verb close to divine Word, verb of before, the original. Combining myth, psychoanalysis and the religious, he reaches the “time house”. From a sacred language to a language of the sacred, the bauchalien original echoes Quignard, Gaspar and Stétié's opus. Thus, the poet is connected to modernity. Opening the literary space to the inexpressible, he opens a boundless conversation with his reader

L’étude proposée dans cette thèse concerne l’œuvre du poète italien Sandro Penna (1906-1977) et a pour but d’élaborer une lecture critique et chronologique. Penna, dont on peut dire qu’il est une figure isolée des courants poétiques de son époque, présente en effet dans ses poésies et ses récits en prose, pour la majorité extrêmement courts, une vision atemporelle de l’existence et essentiellement centrée sur l’amour des jeunes garçons – thème récurrent et obsessionnel dès ses premières compositions. Il est ainsi difficile de certifier que son œuvre est un « roman autobiographique écrit en vers ». Aussi les recueils Poesie, Confuso sogno, Peccato di gola. (Poesie al fermo posta) et Un po’ di febbre seront-ils analysés afin de retracer l’itinéraire singulier de Penna et de confirmer que l’amour pour les jeunes garçons est l’expression d’un amour plus universel pour la vie ; cette vie « sans dates » dans laquelle nous entendons en écho la voix de certains de ses contemporains, comme Saba, Montale, Ungaretti et Pasolini ou bien encore celle de certains de ses prédécesseurs, tels que Leopardi et Pascoli. Il apparaît que la quête poétique et existentielle de Penna vise finalement à retrouver un dialogue harmonieux avec l’Origine – ce mythe de l’enfance primordiale dont les souvenirs sont immédiatement absorbés par le mal de vivre propre à la Modernité – et à envisager l’existence humaine comme un cycle infini. Dans cette perspective, les œuvres de Platon et de Nietzsche, bien connues de Penna, nous permettent d’approfondir ce questionnement, grâce auquel le poète parvient finalement à sublimer le vécu
This thesis deals with the work of the Italian poet Sandro Penna and intends to be a critical and chronological reading and analysis. Penna stands apart from the poetical movements of his time; therefore most of his poems and prose narration works are very short and present a timeless view of Life mainly focused on love for young men (from 13 to 16 y.o). From his very first writings this topic is recurrent and obsessional. This is the reason why it is difficult to establish his work as “an autobiographical novel in verse”. Consequently the collections Poesie, Confuso sogno, Peccato di gola. (Poesie al fermo posta) and Un po’ di febbre are analysed in order to relate the uncommon Penna’s personal path and to confirm that love for young men expresses a more universal love for Life. In this “out of time” life an echo of voices of his coevals, such as Saba, Montale, Ungaretti and Pasolini and of his predecessors like Leopardi and Pascoli can be heard. Two aims appear in the poetical and existential quest by Penna: - restoring a harmonious dialog with the Beginning (which is considered as the myth of the original childhood from which memories are immediately absorbed by the spleen of Modernity); - seeing human life as an infinite cycle. From this viewpoint, Platon and Nietzsche’s works, which were well known by Penna, allow us to go further into this questioning through which the poet succeeds in sublimating Real Life

La correspondance d’Antonin Artaud (1896-1948) occupe une place essentielle dans ses écrits. Elle montre sans doute mieux que ses autres textes la singularité de son expression. Cette thèse examine le rôle joué par sa correspondance, rôle dont on admet l’importance mais encore insuffisamment exploré. À partir de la publication de la Correspondance avec Jacques Rivière (1924), commencée à la suite du refus de Rivière de publier les poèmes d’Artaud, celui-ci publie lettres ou textes épistoliers comme si cela pouvait remplacer ses œuvres dans lesquelles il n’arrive pas à exprimer sa réalité à cause de la maladie dont il souffre : il refuse les œuvres « détachée[s] de la vie » et croit pouvoir mieux s’exprimer dans les lettres. L’expression épistolière est pour lui un moyen de faire entendre le « cri même de la vie » et de lutter contre « un sentiment de gratuité ». Toutefois, il n’est pas évident que, bien qu’elle soit ancrée dans des situations réelles, la correspondance puisse fonctionner comme Artaud le souhaite; il s’avère plutôt qu’elle a pour lui un statut ambigu dans les années 1920 et 1930. Le chapitre 1 aborde ce problème sous deux aspects : l’authenticité et la temporalité. Dans ses lettres, on constate qu’Artaud se plaint très souvent de l’incompréhension de ses destinataires vis-à-vis de sa douleur; ses lettres n’en garantissent pas, pour eux, l’authenticité et l’équivoque y revient sans cesse. Pour lui, l’authenticité doit être prouvée par l’adéquation de l’écriture épistolière avec le présent. Mais sa maladie, ainsi que le fait que les lettres ne sont que des écrits, empêchent la réalisation de cette adéquation. Ses lettres ne parviennent à transcrire que sa hâte et le décalage temporel. Ainsi, loin de témoigner de sa réalité brute, sa correspondance devient tentative de couvrir ce décalage, de trouver la réalité qu’il n’arrive pas à saisir, son vrai moi, originel et intact. Pour cela, Artaud recourt à des éléments imaginaires en exigeant toujours le contact immédiat, d’où le rôle paradoxal de ses lettres. Le chapitre 2 examine le problème de la destination. La présence des autres est nécessaire à Artaud pour penser, pour compléter son manque. Ses destinataires sont ainsi des dépositaires de son moi. Mais ses lettres s’adressent, au-delà des destinataires réels dont la présence n’est qu’imaginaire, à l’instance transcendante, à l’Autre comme le remarque Vincent Kaufmann dans L’Équivoque épistolaire, instance qui lui donne accès à l’expression et lui restitue son identité. Ses destinataires (critiques, autorités religieuses, hommes politique, médecins, etc.), autoritaires et paternels, sont des figures de cet Autre. Par ailleurs, ses destinataires féminines et amoureuses sont pour lui des moitiés qu’il faut s’incorporer pour retrouver l’unité originelle. Ses lettres d’amour sont ainsi marquées par son désir violent de fusion. Pourtant, l’union amoureuse expose en même temps l’unité de son moi à la perte dans le flot de choses. Les lettres sont aussi écrites pour introduire une distance.L’enjeu de ses lettres de voyage, étudiées au chapitre 3, est de réaliser les deux mouvements inverses (rapprochement et éloignement). Les pays lointains constituent pour Artaud l’ailleurs métaphysique où retrouver son unité originelle. Pendant ses voyages au Mexique (1936) et en Irlande (1937), ses lettres sont comme une scène pour l’avènement de sa nouvelle identité, scène où se rencontrent l’au-delà et l’ici-maintenant. C’est ici que son usage paradoxal des lettres atteint son sommet car la réalisation du « vrai drame » signifie, comme il le prophétise, la disparition du monde matériel et donc aussi celle de l’écriture épistolière. Ses lettres mettent en scène leur propre disparition qui coïncide curieusement avec son arrestation à Dublin et le commencement de sa vie asilaire (1937-1946)
The correspondence of Antonin Artaud (1896-1948) occupies an essential place in his writings. It shows probably better than his other texts the singularity of his expression. This dissertation examines the role played by his correspondence, the importance of which is admitted, but still insufficiently explored. From the publication of the Correspondence with Jacques Rivière (1924), that started following the refusal of Rivière to publish the poems of Artaud, he publishes letters or texts in epistolary style as if they could replace his works in which he is unable to express his own reality because of his illness : he refuses works "separated from life" and believes he can better express himself in letters. The epistolary expression is for him a way to make the "cry of life" heard and to fight against the "feeling of lack of cause". However, it is not clear that, although anchored in real situations, the correspondence can function as Artaud wants. Rather, in the 1920s and 1930s, its position for him is ambiguous.Chapter 1 approaches this problem in two aspects : the authenticity and the temporality. In his letters, we can see Artaud complain very often of his addressees’ misunderstanding about his pain. His letters do not prove its authenticity, and the ambiguity always goes into them. For him, the authenticity must be proven by the accord of his writings with the present time. But his illness, as well as the fact that the letters consist of words, prevent the realization of this accord. His letters can transcribe only his hustle and time gaps. Thus, far from showing his raw reality, the correspondence becomes an attempt to cover these gaps, to find the reality that he cannot seize, his true self, original and intact. To do this, Artaud uses imaginary elements, still asking for the immediate contact, which makes the role of his letters paradoxical. Chapter 2 examines the problem of destination. The presence of others is necessary for Artaud to think, to complete his lack. His addressees are depositories of his self. But his letters are addressed, beyond actual addressees whose presence is after all imaginary, to the transcendent instance, to the Other as notes Vincent Kaufmann in L’Équivoque épistolaire, instance that allow him access to the expression and restores his identity. His addressees who are authorities and paternal (critics, religious leaders, statesmen, doctors, etc.) are figures of the Other. In addition, the female addressees who are his lovers are his halves that must be incorporated to find again the original unity. His love letters are so marked by his strong desire of fusion. Yet at the same time, the union by love exposes his unity to loss in the flow of things. Letters are also written in order to introduce a distance. The issue of his travel letters, discussed in Chapter 3, is to make simultaneously the two opposite movements (close and away). Distant countries represent for Artaud metaphysical places where he should find his original unity. During his travels in Mexico (1936) and Ireland (1937), his letters are like a stage for the advent of a new identity, stage where meet the beyond and the here-now. It is here that the paradoxical use of letters reaches the peak, because the realization of the "real drama" means, as prophesied he, the disappearance of the material world and therefore that of the letters. His letters direct their own disappearance, which curiously coincides with his arrest in Dublin and the beginning of his life in asylums (1937-1946)

Penser la trace dans l’œuvre du poète irlandais contemporain John Montague oblige le commentateur à énoncer un paradoxe dont il ne peut se défaire. Certes les apparitions thématiques de la trace dans son écriture sont omniprésentes, et toutes ses occurrences méritent d’être étudiées : empreinte, cicatrice, marque, tâche, entaille, pli, vestiges, relique, inscription, gravure, souvenir, halo, aura, absence ou encore spectre. Toutes entrent par ailleurs en résonance dans sa poésie avec un travail minutieux sur la forme, c’est-à-dire la typographie et la disposition des textes, l’utilisation des marges et les Illustrations des recueils, qui instituent le poème en trace. Cependant la trace est également ce qui ne dure pas, ce qui n’apparaît que pour s’effacer : elle est le témoin d’un passage elle-même en forme de passage et semble dès lors entrer en contradiction avec le télos de l’œuvre poétique, qui est de durer et de proposer une signature du poète. Pour une poésie comme celle de Montague, qui se donne un projet explicitement autobiographique, quel meilleur portrait le poète pourrait-il pourtant donner de lui-même que par la trace, dont la polysémie, les éclipses et la part nécessaire d’absence coïncident avec la saisie du sujet telle qu’elle est effectuée par la pensée moderne, qui la définit précisément comme indéfinissable, lacunaire, mouvant, clivé ? Si la trace peut ainsi poser les modalités de l’inscription du sujet, c’est parce que tous deux ont cette ontologie paradoxale en partage : les enjeux de la construction du sujet réel sont en effet recoupés par les effets de défamiliarisation de la langue poétique qui instaure la trace
Considering the notion of tracks in John Montague’s poetry implies the assertion of a paradox : it is true that tracks proliferate in his work in the polysemous form of footprints, scars, cuts, shards, remnants, inscriptions, memories, engravings, aura, absence and even spectres. Moreover each of these occurrences is reflected in by Montague’smeticulous attention to form through the typography and layout of his texts and the use of margins and illustrations, designating the very poem as an instance of track. Yet tracks are bound to fade and disappear because it is necessary condition of their appearence, and they consequently seem a rather inappropriate designation for a poetic work whose ai mis to perpetuate the poet’s style and signature. This contradiction is the nexus of Montague’s autobiographical project : because tracks denote a subjectifwho can only be apprehended by modern thought as elliptic, incomplete, cleaved and changing, they ultimately offer a relevant metaphor for the process of inscription of the subject as a simultaneous writing of and writing off the self

La poésie turque, kurde et persane du XXe siècle a un rôle psychologique et social qui dépasse sa dimension proprement littéraire. Couramment utilisée par les mères et les familles lors de soins prodigués à l'enfant, elle est captée comme objet transitionnel, ici véritablement culturel, et sera reprise par les poètes au cours de leur existence comme moyen psychologique de défense dans les situations critiques. Elle permet ainsi de remédier au chaos psychique et d'échapper à la folie menaçante lors de situation de grande violence (prison, tortures, oppressions). L'écriture poétique, grâce au travail de symbolisation, permet une réorganisation psychique de divers traumatismes vécus dans l'enfance, et une élaboration progressive de la révolte intime pour aller vers une libération de l'emprise sociale. .
Turkish, Kurdish and Persian poetry of the XXth century has a psychological and social role that is more than a literary exercise. Commonly used by mothers and families while tending to the child, it is handed like a transitional object and reused later by poets during their life as a psychological way of defense in difficult situtions. It helps them to escape psychic chaos and threatening madness in cases of great violence (prison, tortures, oppressions). Poetic writing, by its symbolizing work, enables a psychic reorganisation of various traumas previously lived during chilhood, and a progressive labouring of intimate revolt, to advance toward self-freeing of social constraints. .

La multiplication de textes à teneur autobiographique dans l'Indonésie de Suharto, qu'il s'agisse, par exemple, de Souvenirs d'enfance de personnes privées ou de mémoires d'hommes politiques, constitue un fait surprenant dans une culture indonésienne qui interdit à l'individu de se mettre en avant. Le cérémonial traditionnel consistant à présenter son autobiographie comme une réponse à une sollicitation d'autrui, et à la transformer en chronique, manifeste bien la gêne du locuteur indonésien face à l'écriture de soi. L'insouciance des écrivains dans l'utilisation des distinctions terminologiques entre les différentes variétés d'écritures personnelles, ainsi que les fréquents déplacements opérés entre les genres (le roman faisant souvent office d'autobiographie, tandis que des textes intitulés "autobiographies" basculent dans les genres voisins des mémoires, de l'autoportrait et de la biographie), semblent également indiquer que la pénétration de l'autobiographie dans le contexte culturel indonésien ne s'est pas faite sans une profonde modification d'un genre initialement importé d'Europe et susceptible, par là-même, de véhiculer des concepts occidentaux comme l'individualisme et la valorisation du changement. L'Ordre Nouveau ne représente pas seulement une augmentation quantitative du nombre d'autobiographies parues en Indonésie, mais encore une transformation qualitative du genre. En réussissant à "développer" un type d'autobiographies qui subvertissent involontairement les règles du genre, l'Ordre Nouveau réaffirme les valeurs de la tradition, et manifeste la captation q'un genre venu d'Occident par la culture indonésienne. Les Otobiografi de l'époque de Suharto ne répondent pas généralement à une finalité introspective (se connaître soi-même) ou confessionnelle (avouer ses fautes en exhibant son intimité), mais visent à produire une image de soi permettant d'agir sur autrui
The increasing number of autobiographical texts in Suharto's Indonesia, whether they be personal childhood memories or politician's memoirs is somewhat surprising in Indonesian culture, which refrains people from pushing themselves forward. The traditional ceremonial which consists in presenting one's autobiography as an answer to somebody else's solicitation, and in transforming it into a chronicle, shows how uneasy the Indonesians are when they write about themselves. The careless use of different words to distinguish between various forms of personal writings, as well as the frequent shift between genres (the vowel being often used for autobiographical purposes, whereas the texts that are explicitly described as 'autobiographical' are in fact very often close to memoirs, self-portraits or biographies) also seem to indicate that the penetration of the autobiography into the Indonesian cultural context has opened the door to a deep modification of a literary genre that had originally been imported from Europe, such a genre being always likely, in itself, to promote such Western values as change or individualism. Not only does the New Order represent a quantitative increase in the number of autobiographies published in Indonesia, but it is also a qualitative transformation of the genre itself. Because the New Order has been able to 'develop' a type of autobiography that unwillingly subverts the conventions of the genre, this movement reasserts traditional values, and is a good testimony to the fact that this genre has been gradually integrated into Indonesian culture. Generally speaking, the Otobiografi that have been published during the Suharto era neither have an introspective (knowing one self) nor a confessional (confessing one's faults while exhibiting one's private life) purpose, but they aim at producing a personal image that is supposed to enable the individual to act on others