Dissertations / Theses: 'Poésie autobiographique – 20e siècle'

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Bécel, Laurence. "Confession ou fiction de soi : la poésie testimoniale de Robert Lowell et Anne Sexton." Thesis, Le Mans, 2012. http://www.theses.fr/2012LEMA3015/document.

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Abstract:

Qualifiée de « confessionnelle », la poésie de Robert Lowell et d’Anne Sexton peut être redéfinie comme testimoniale, en tant que discours sur soi « hanté » par la fiction. C’est ce que permet d’établir, d’une part, l’étude de la relation entre confession littéraire, fiction et poéticité puis, d’autre part, l’analyse du rapport à la vérité fondé sur une motivation autobiographique et sur l’opération poétique comme vérité « s’avérant dans une structure de fiction ». Fictions de soi aspirant à un discours de vérité sur soi, les œuvres poétiques de Lowell et Sexton sont des témoignages tentés par la confession, ainsi que l’illustre la recherche surréaliste de Sexton. Par ailleurs, l’expression de la folie opère un lien avec la confession religieuse, issue d’Augustin, et avec la définition initiale de la poésie confessionnelle par M.L. Rosenthal qui souligne l’importance de la culpabilité dans l’écriture de Lowell. Mais la représentation du déterminisme de la souffrance psychique, à la fois en termes psychanalytiques et en termes religieux, réduit l’accomplissement de la confession à une fiction de soi. Contrairement à une confession aboutie, le témoignage hybride sur soi peut alors s’avérer déstabilisant : échec de la confession, le témoignage prend acte de l’affaiblissement du « je » dont la vulnérabilité semble incarnée par le sort tragique de Sexton. Une analyse des ressorts de cette fragilité du « je » permet de comprendre les conséquences de la confrontation des auteurs avec leurs poèmes testimoniaux et avec les lecteurs. Elle révèle également l’impasse où mène le poème testimonial
Although the poetical works of Robert Lowell and of Anne Sexton have been called “confessional”, they may rather be defined as testimonial insofar as they are discourse “haunted” by fiction. This will be shown through the analysis of the relation between literary confession, fiction and poeticity. It will also appear in the study of the poems’ relation to truth, both poets’ conceptions of truth relying on autobiographical motivations and on artistic considerations about poetical achievement viewed as truth emerging from “the structure of fiction”. Eventually, the poems of Lowell and Sexton are fictions of the self aiming at speaking the truth and, as such, they might be redefined as testimonies tempted by confession, which is exemplified in Sexton’s surrealistic search. Besides, the poetic representation of madness provides a link with, on the one hand, Augustine’s religious confession and, on the other hand, M.L. Rosenthal’s initial definition emphasizing the importance of guilt in Lowell’s “confessional” writing. But expressing determined psychological suffering in both psychoanalytical and religious terms reduces the accomplishment of confession to mere fiction of the self. Contrary to fully achieved confession, hybrid self-testifying may then prove destabilizing: it bears witness to the failure of confession and therefore to the weakening of the “I”, whose vulnerability Sexton’s tragic fate may embody. Analyzing the poetical workings of the speaker’s fragility allows to understand the consequences of the poets’ confrontation with their testimonial poems and with the reader. It also reveals to what extent testimonial poetical writing is bound to lead to an impasse

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Piolet-Ferrux, Estelle. ""Mesure de ce que je suis" : la poésie de Georges Perros." Paris 4, 2007. http://ezproxy.normandie-univ.fr/login?url=https://www.classiques-garnier.com/numerique-bases/garnier?filename=EpxMS01.

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Abstract:

«Ce qui m’intéresse, c’est ce qui m’échappe. Et ce qui m’échappe me donne la mesure de ce que je suis» écrit Perros, en écho à la proposition hölderlinienne d’une mesure de l’homme par l’habitation poétique du monde. L’oeuvre poétique de Georges Perros, principalement Poèmes bleus (1962/3) et Une vie ordinaire (1967), mêle la dimension éthique du sujet et la dimension dynamique du vers : la poétique de la mesure se révèle à la fois modération de l’entre-deux, évaluation ontologique et cadence musicale. Les Poèmes bleus témoignent d’un lyrisme initiatique qui, à travers diverses voies formelles et thématiques, fait entendre une voix exaltée et secrète, se mêlant au sacré élémentaire dont la Bretagne garantit, comme l’écriture, sources et secours. La poésie lyrique de Perros évolue vers un lyrisme réflexif. Dans Une vie ordinaire le tâtonnement génétique apparaît intimement lié à un entre-deux générique. Si la poésie lyrique se combine à la poésie dramatique, c’est plus encore au modèle épique que renvoie le poème perrossien, entre désir et débris d’épopée. L’écriture du quotidien oscille, chez Perros, entre l’élégie et l’éloge, donnant à entendre un chant de « toute impuissance », fort d’assumer sa faiblesse. Entre introspection et rétrospection, une poétique originale de l’énonciation s’y dévoile, qui accueille les voix autant qu’elle les sollicite. Ainsi s’élaborent dans la poésie de Georges Perros une topique et une rhétorique de la méditation, mêlant récit de conversion et parcours de sagesse
Georges Perros’s poetry – Poèmes Bleus (1963) and Une vie ordinaire (1967) above all – is based on a poetic art of measure referring to both ethical dimension of being and dynamical dimension of verse. Poèmes bleus display an initiatory lyricism – through different kinds of verse forms – leading to a sacred vision of universe. Britany is the heart of Perros’s inspiration. The formal variety gives rise to a specific poetical relationship to the world. In Une vie ordinaire, Perros’s poetry gets more reflective. The study of the manuscript allows us to analyse the different stages of writing in progress. Georges Perros’s poetry is at once a generic category, a discursive pratice, and a personal way of self narrative. Besides, it’s a mix of some classical literary genres : drama, lyrical poetry and epic. Everyday life is a powerful source of inspiration. Perros’s poetry wavers between elegy and praise. An original poetic art of enunciation appears through introspection and retrospection. Georges Perros’s rhetoric melts the narrative of conversion and the way to wisdom: thus, we can read Une vie ordinaire as meditative poetry

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Thiria-Meulemans, Aurélie. "Reflets et résonances : poétique et métapoétique des mythes d’Écho et de Narcisse dans la poésie de William Wordsworth." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040191.

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Abstract:

Cette étude a pour but de montrer l’importance sous-jacente du double mythe, principalement dans sa version ovidienne, dans les poèmes de Wordsworth. A un niveau littéral, les deux figures sont évoquées par les nombreuses scènes d’auto-contemplation ou d’échos. A un niveau plus figuré, Wordsworth revendique une poésie qui répète la Nature, comme un écho. Connu pour la crise poétique à laquelle il eut à faire face à la fin de sa Great Decade, le poète s’admire dans ses vers à travers des doubles, caractérisés, comme lui, par une perte fondamentale. Enfin, Wordsworth tente de transformer son lecteur en double de lui-même et en écho de sa voix, de lui apprendre à lire ses vers, à lafaçon d’un catéchiste
The point of this thesis is to show the importance of this double myth – mainly in its Ovidian version – in the poems of William Wordsworth. The two figures are implicitly present in the many scenes of self-contemplation and of echoes. Wordsworth also wishes his verse to repeat Nature’s voice, like an echo. He is equally famous for the poetic crisis that affected him after his Great Decade, and he admires himself in his verse through a series of doubles, many of which are characterized by a loss which reads as an allegory of his own. Eventually, Wordsworth aims at turning the reader into a reflection of himself and an echo of his voice

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Dupré, Jocelyn. "La construction du sujet dans l'œuvre de Jacques Réda." Paris 7, 2014. http://www.theses.fr/2014PA070123.

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Abstract:

Depuis Amen en 1968, le poète français Jacques Réda, -né en 1929 à Lunéville, propose une poésie du je qui se déploie en vers, en proses, en poèmes, récits, essais, à quoi s'ajoutent trois livres à dimension autobiographique et deux romans. Cette première personne dont on pose l'unité incite à se pencher sur le sujet de l'oeuvre et sa façon d'affronter le temps, l'espace, les autres. Partant de la trilogie, on examine comment il se construit chronologiquement autour de ces trois axes, en trois étapes : l'enfance, l'adolescence, l'entrée dans l'âge adulte. L'espace comme le temps ne se livrent pas immédiatement, mais par élargissements successifs ; les autres offrent des pistes, entre lesquelles le sujet devra choisir. Passé à l'âge adulte, il doit continuer de se construire : pour résister aux attaques de la durée, il choisit la circulation, à partir des Ruines de Paris (1977). À pied, à solex, en train : trois appréhensions différentes dans lesquelles se fondre plus ou moins et reconquérir le centre. L'espace permet de contourner le temps. Certaines ruses avec celui-ci permettent encore de le piéger, dans des enclaves d'éternité par exemple ou la répétition de scènes heureuses. Circulant sur les routes ou dans les rues, le sujet ressent parfois le besoin de « se refrotter un peu à ses semblables » dont la fréquentation n'est pas toujours facile. Cependant il les fréquente nombreux déjà dans les livres : Follain, Cingria sont ceux à qui le sujet écrivant emprunte le plus clairement, au premier sa soif d'éternité, au second sa circulation à l'intérieur même de ses textes. Car ce n'est pas de la personne Réda qu'il est question ici, bien que le matériau soit pris dans sa vie, jusqu'à certaines limites de l'autobiographie, mais de la construction d'un sujet poétique. Virtuosité de la langue et des rythmes, usage des temps, lectures et relectures sont les moyens mis en oeuvre à la construction d'un sujet qui se fond dans le texte et existe par lui
Since he published Amen in 1968, the French poet, Jacques Réda, born in 1929 in Lunéville, has put forward a type of poetry based on /-; it unfolds in verse, prose, poems, narratives and essays, but also in three books with an autobiographical extent and two novels. This first perron whose unity we posit leads us to look at the subject of the work and the way he faces time, space and others. From this trilogy, we examine how he is being chronologically shaped around these three lines in three steps: childhood, adolescence and early adulthood. Time and space are not immediately given away, but are gradually widened ; other persons offer several tracks among which the subject will have to choose. Once an adult, he has to keep on forming himself: to cope with the erosion of time, he chooses to move on from the Ruines de Paris (1977). Here he can lose himself into three different ways and recover the centre: on foot, by moped or by train. Space allows one to get around time. Time can be trapped with some tricks such as eternity enclaves or the repetition of happy scenes. Moving along streets and roads, the subject sometimes feels like "rubbing up a little against his fellow men", who are not always easy to get along with. However, he already mixes with many in books : the writing subject clearly borrows his thirst for eternity from Follain, and from Cingria he borrows the practice of moving inside his own texts. Although the material is drawn from the author's life within certain autobiographical limits, it is not ultimately Réda the individual who is in question, but rather the construction of a poetic subject. Virtuosity of language and rhythm, along with the artful use of tenses, readings and rereadings, are the means deployed in the development of a subject who merges into the text and exists through it

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Lefort, Régis. "L' originel dans l'œuvre d'Henry Bauchau." Montpellier 3, 2003. http://www.theses.fr/2003MON30081.

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Abstract:

Cette étude tente de mettre en évidence l'inscription, dans l'œuvre, d'un son de voix qui sans cesse fuit sa trace écrite. Elle tente de définir une écriture dont le mouvement permanent d'affleurement et de retrait se révèle dans un présent jaillissant. L'œuvre est à considérer comme un " corps inanimé et anonyme ", auquel le lecteur vient donner un souffle de vie. Porté par l'errance et l'espérance, l'écrivain explore un verbe proche du Verbe divin, un verbe de l'avant, l'originel. Unissant mythe, psychanalyse et religieux, il parvient à la " maison du temps ". D'un sacré dans la langue à une langue du sacré, l'originel bauchalien trouve un écho chez Quignard, Gaspar ou Stétié. Le poète s'inscrit ainsi dans la modernité. Ouvrant l'espace littéraire à l'indicible, il ouvre avec son lecteur un entretien infini
This study is an attempt to place in a prominent position the inscription, in the opus, of a voice ceaselessly fleeing its written place. It tries to place in a prominent position a writing whose permanent levelling and shrinking movement reveals itself in a gushing present. The opus is to be considered as a “lifeless and anonymous body” which has been given a breath by the reader. Supported by wandering and hope, the writer explores a verb close to divine Word, verb of before, the original. Combining myth, psychoanalysis and the religious, he reaches the “time house”. From a sacred language to a language of the sacred, the bauchalien original echoes Quignard, Gaspar and Stétié's opus. Thus, the poet is connected to modernity. Opening the literary space to the inexpressible, he opens a boundless conversation with his reader

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Balderas-Laignelet, Christelle. "La poésie comme sublimation du vécu. Pour une étude de l'œuvre de Sandro Penna." Thesis, Montpellier 3, 2010. http://www.theses.fr/2010MON30051.

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Abstract:

L’étude proposée dans cette thèse concerne l’œuvre du poète italien Sandro Penna (1906-1977) et a pour but d’élaborer une lecture critique et chronologique. Penna, dont on peut dire qu’il est une figure isolée des courants poétiques de son époque, présente en effet dans ses poésies et ses récits en prose, pour la majorité extrêmement courts, une vision atemporelle de l’existence et essentiellement centrée sur l’amour des jeunes garçons – thème récurrent et obsessionnel dès ses premières compositions. Il est ainsi difficile de certifier que son œuvre est un « roman autobiographique écrit en vers ». Aussi les recueils Poesie, Confuso sogno, Peccato di gola. (Poesie al fermo posta) et Un po’ di febbre seront-ils analysés afin de retracer l’itinéraire singulier de Penna et de confirmer que l’amour pour les jeunes garçons est l’expression d’un amour plus universel pour la vie ; cette vie « sans dates » dans laquelle nous entendons en écho la voix de certains de ses contemporains, comme Saba, Montale, Ungaretti et Pasolini ou bien encore celle de certains de ses prédécesseurs, tels que Leopardi et Pascoli. Il apparaît que la quête poétique et existentielle de Penna vise finalement à retrouver un dialogue harmonieux avec l’Origine – ce mythe de l’enfance primordiale dont les souvenirs sont immédiatement absorbés par le mal de vivre propre à la Modernité – et à envisager l’existence humaine comme un cycle infini. Dans cette perspective, les œuvres de Platon et de Nietzsche, bien connues de Penna, nous permettent d’approfondir ce questionnement, grâce auquel le poète parvient finalement à sublimer le vécu
This thesis deals with the work of the Italian poet Sandro Penna and intends to be a critical and chronological reading and analysis. Penna stands apart from the poetical movements of his time; therefore most of his poems and prose narration works are very short and present a timeless view of Life mainly focused on love for young men (from 13 to 16 y.o). From his very first writings this topic is recurrent and obsessional. This is the reason why it is difficult to establish his work as “an autobiographical novel in verse”. Consequently the collections Poesie, Confuso sogno, Peccato di gola. (Poesie al fermo posta) and Un po’ di febbre are analysed in order to relate the uncommon Penna’s personal path and to confirm that love for young men expresses a more universal love for Life. In this “out of time” life an echo of voices of his coevals, such as Saba, Montale, Ungaretti and Pasolini and of his predecessors like Leopardi and Pascoli can be heard. Two aims appear in the poetical and existential quest by Penna: - restoring a harmonious dialog with the Beginning (which is considered as the myth of the original childhood from which memories are immediately absorbed by the spleen of Modernity); - seeing human life as an infinite cycle. From this viewpoint, Platon and Nietzsche’s works, which were well known by Penna, allow us to go further into this questioning through which the poet succeeds in sublimating Real Life

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Kariya, Toshinobu. "Antonin Artaud épistolier : une pratique paradoxale de l’expression du moi." Thesis, Lyon 2, 2013. http://www.theses.fr/2013LYO20033/document.

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Abstract:

La correspondance d’Antonin Artaud (1896-1948) occupe une place essentielle dans ses écrits. Elle montre sans doute mieux que ses autres textes la singularité de son expression. Cette thèse examine le rôle joué par sa correspondance, rôle dont on admet l’importance mais encore insuffisamment exploré. À partir de la publication de la Correspondance avec Jacques Rivière (1924), commencée à la suite du refus de Rivière de publier les poèmes d’Artaud, celui-ci publie lettres ou textes épistoliers comme si cela pouvait remplacer ses œuvres dans lesquelles il n’arrive pas à exprimer sa réalité à cause de la maladie dont il souffre : il refuse les œuvres « détachée[s] de la vie » et croit pouvoir mieux s’exprimer dans les lettres. L’expression épistolière est pour lui un moyen de faire entendre le « cri même de la vie » et de lutter contre « un sentiment de gratuité ». Toutefois, il n’est pas évident que, bien qu’elle soit ancrée dans des situations réelles, la correspondance puisse fonctionner comme Artaud le souhaite; il s’avère plutôt qu’elle a pour lui un statut ambigu dans les années 1920 et 1930. Le chapitre 1 aborde ce problème sous deux aspects : l’authenticité et la temporalité. Dans ses lettres, on constate qu’Artaud se plaint très souvent de l’incompréhension de ses destinataires vis-à-vis de sa douleur; ses lettres n’en garantissent pas, pour eux, l’authenticité et l’équivoque y revient sans cesse. Pour lui, l’authenticité doit être prouvée par l’adéquation de l’écriture épistolière avec le présent. Mais sa maladie, ainsi que le fait que les lettres ne sont que des écrits, empêchent la réalisation de cette adéquation. Ses lettres ne parviennent à transcrire que sa hâte et le décalage temporel. Ainsi, loin de témoigner de sa réalité brute, sa correspondance devient tentative de couvrir ce décalage, de trouver la réalité qu’il n’arrive pas à saisir, son vrai moi, originel et intact. Pour cela, Artaud recourt à des éléments imaginaires en exigeant toujours le contact immédiat, d’où le rôle paradoxal de ses lettres. Le chapitre 2 examine le problème de la destination. La présence des autres est nécessaire à Artaud pour penser, pour compléter son manque. Ses destinataires sont ainsi des dépositaires de son moi. Mais ses lettres s’adressent, au-delà des destinataires réels dont la présence n’est qu’imaginaire, à l’instance transcendante, à l’Autre comme le remarque Vincent Kaufmann dans L’Équivoque épistolaire, instance qui lui donne accès à l’expression et lui restitue son identité. Ses destinataires (critiques, autorités religieuses, hommes politique, médecins, etc.), autoritaires et paternels, sont des figures de cet Autre. Par ailleurs, ses destinataires féminines et amoureuses sont pour lui des moitiés qu’il faut s’incorporer pour retrouver l’unité originelle. Ses lettres d’amour sont ainsi marquées par son désir violent de fusion. Pourtant, l’union amoureuse expose en même temps l’unité de son moi à la perte dans le flot de choses. Les lettres sont aussi écrites pour introduire une distance.L’enjeu de ses lettres de voyage, étudiées au chapitre 3, est de réaliser les deux mouvements inverses (rapprochement et éloignement). Les pays lointains constituent pour Artaud l’ailleurs métaphysique où retrouver son unité originelle. Pendant ses voyages au Mexique (1936) et en Irlande (1937), ses lettres sont comme une scène pour l’avènement de sa nouvelle identité, scène où se rencontrent l’au-delà et l’ici-maintenant. C’est ici que son usage paradoxal des lettres atteint son sommet car la réalisation du « vrai drame » signifie, comme il le prophétise, la disparition du monde matériel et donc aussi celle de l’écriture épistolière. Ses lettres mettent en scène leur propre disparition qui coïncide curieusement avec son arrestation à Dublin et le commencement de sa vie asilaire (1937-1946)
The correspondence of Antonin Artaud (1896-1948) occupies an essential place in his writings. It shows probably better than his other texts the singularity of his expression. This dissertation examines the role played by his correspondence, the importance of which is admitted, but still insufficiently explored. From the publication of the Correspondence with Jacques Rivière (1924), that started following the refusal of Rivière to publish the poems of Artaud, he publishes letters or texts in epistolary style as if they could replace his works in which he is unable to express his own reality because of his illness : he refuses works "separated from life" and believes he can better express himself in letters. The epistolary expression is for him a way to make the "cry of life" heard and to fight against the "feeling of lack of cause". However, it is not clear that, although anchored in real situations, the correspondence can function as Artaud wants. Rather, in the 1920s and 1930s, its position for him is ambiguous.Chapter 1 approaches this problem in two aspects : the authenticity and the temporality. In his letters, we can see Artaud complain very often of his addressees’ misunderstanding about his pain. His letters do not prove its authenticity, and the ambiguity always goes into them. For him, the authenticity must be proven by the accord of his writings with the present time. But his illness, as well as the fact that the letters consist of words, prevent the realization of this accord. His letters can transcribe only his hustle and time gaps. Thus, far from showing his raw reality, the correspondence becomes an attempt to cover these gaps, to find the reality that he cannot seize, his true self, original and intact. To do this, Artaud uses imaginary elements, still asking for the immediate contact, which makes the role of his letters paradoxical. Chapter 2 examines the problem of destination. The presence of others is necessary for Artaud to think, to complete his lack. His addressees are depositories of his self. But his letters are addressed, beyond actual addressees whose presence is after all imaginary, to the transcendent instance, to the Other as notes Vincent Kaufmann in L’Équivoque épistolaire, instance that allow him access to the expression and restores his identity. His addressees who are authorities and paternal (critics, religious leaders, statesmen, doctors, etc.) are figures of the Other. In addition, the female addressees who are his lovers are his halves that must be incorporated to find again the original unity. His love letters are so marked by his strong desire of fusion. Yet at the same time, the union by love exposes his unity to loss in the flow of things. Letters are also written in order to introduce a distance. The issue of his travel letters, discussed in Chapter 3, is to make simultaneously the two opposite movements (close and away). Distant countries represent for Artaud metaphysical places where he should find his original unity. During his travels in Mexico (1936) and Ireland (1937), his letters are like a stage for the advent of a new identity, stage where meet the beyond and the here-now. It is here that the paradoxical use of letters reaches the peak, because the realization of the "real drama" means, as prophesied he, the disappearance of the material world and therefore that of the letters. His letters direct their own disappearance, which curiously coincides with his arrest in Dublin and the beginning of his life in asylums (1937-1946)

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Townend, Alice. "La trace dans l’oeuvre poétique de John Montague : modes d’inscription du sujet." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040171.

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Abstract:

Penser la trace dans l’œuvre du poète irlandais contemporain John Montague oblige le commentateur à énoncer un paradoxe dont il ne peut se défaire. Certes les apparitions thématiques de la trace dans son écriture sont omniprésentes, et toutes ses occurrences méritent d’être étudiées : empreinte, cicatrice, marque, tâche, entaille, pli, vestiges, relique, inscription, gravure, souvenir, halo, aura, absence ou encore spectre. Toutes entrent par ailleurs en résonance dans sa poésie avec un travail minutieux sur la forme, c’est-à-dire la typographie et la disposition des textes, l’utilisation des marges et les Illustrations des recueils, qui instituent le poème en trace. Cependant la trace est également ce qui ne dure pas, ce qui n’apparaît que pour s’effacer : elle est le témoin d’un passage elle-même en forme de passage et semble dès lors entrer en contradiction avec le télos de l’œuvre poétique, qui est de durer et de proposer une signature du poète. Pour une poésie comme celle de Montague, qui se donne un projet explicitement autobiographique, quel meilleur portrait le poète pourrait-il pourtant donner de lui-même que par la trace, dont la polysémie, les éclipses et la part nécessaire d’absence coïncident avec la saisie du sujet telle qu’elle est effectuée par la pensée moderne, qui la définit précisément comme indéfinissable, lacunaire, mouvant, clivé ? Si la trace peut ainsi poser les modalités de l’inscription du sujet, c’est parce que tous deux ont cette ontologie paradoxale en partage : les enjeux de la construction du sujet réel sont en effet recoupés par les effets de défamiliarisation de la langue poétique qui instaure la trace
Considering the notion of tracks in John Montague’s poetry implies the assertion of a paradox : it is true that tracks proliferate in his work in the polysemous form of footprints, scars, cuts, shards, remnants, inscriptions, memories, engravings, aura, absence and even spectres. Moreover each of these occurrences is reflected in by Montague’smeticulous attention to form through the typography and layout of his texts and the use of margins and illustrations, designating the very poem as an instance of track. Yet tracks are bound to fade and disappear because it is necessary condition of their appearence, and they consequently seem a rather inappropriate designation for a poetic work whose ai mis to perpetuate the poet’s style and signature. This contradiction is the nexus of Montague’s autobiographical project : because tracks denote a subjectifwho can only be apprehended by modern thought as elliptic, incomplete, cleaved and changing, they ultimately offer a relevant metaphor for the process of inscription of the subject as a simultaneous writing of and writing off the self

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Clavier, Christine. "Rôle psychologique et social des poésies turque, kurde, et persane du XXe siècle." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030155.

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Abstract:

La poésie turque, kurde et persane du XXe siècle a un rôle psychologique et social qui dépasse sa dimension proprement littéraire. Couramment utilisée par les mères et les familles lors de soins prodigués à l'enfant, elle est captée comme objet transitionnel, ici véritablement culturel, et sera reprise par les poètes au cours de leur existence comme moyen psychologique de défense dans les situations critiques. Elle permet ainsi de remédier au chaos psychique et d'échapper à la folie menaçante lors de situation de grande violence (prison, tortures, oppressions). L'écriture poétique, grâce au travail de symbolisation, permet une réorganisation psychique de divers traumatismes vécus dans l'enfance, et une élaboration progressive de la révolte intime pour aller vers une libération de l'emprise sociale. .
Turkish, Kurdish and Persian poetry of the XXth century has a psychological and social role that is more than a literary exercise. Commonly used by mothers and families while tending to the child, it is handed like a transitional object and reused later by poets during their life as a psychological way of defense in difficult situtions. It helps them to escape psychic chaos and threatening madness in cases of great violence (prison, tortures, oppressions). Poetic writing, by its symbolizing work, enables a psychic reorganisation of various traumas previously lived during chilhood, and a progressive labouring of intimate revolt, to advance toward self-freeing of social constraints. .

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Naveau, Etienne. "Le genre autobiographique dans l'Indonésie contemporaine (1945-1998)." Paris, INALCO, 2002. http://www.theses.fr/2002INAL0018.

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Abstract:

La multiplication de textes à teneur autobiographique dans l'Indonésie de Suharto, qu'il s'agisse, par exemple, de Souvenirs d'enfance de personnes privées ou de mémoires d'hommes politiques, constitue un fait surprenant dans une culture indonésienne qui interdit à l'individu de se mettre en avant. Le cérémonial traditionnel consistant à présenter son autobiographie comme une réponse à une sollicitation d'autrui, et à la transformer en chronique, manifeste bien la gêne du locuteur indonésien face à l'écriture de soi. L'insouciance des écrivains dans l'utilisation des distinctions terminologiques entre les différentes variétés d'écritures personnelles, ainsi que les fréquents déplacements opérés entre les genres (le roman faisant souvent office d'autobiographie, tandis que des textes intitulés "autobiographies" basculent dans les genres voisins des mémoires, de l'autoportrait et de la biographie), semblent également indiquer que la pénétration de l'autobiographie dans le contexte culturel indonésien ne s'est pas faite sans une profonde modification d'un genre initialement importé d'Europe et susceptible, par là-même, de véhiculer des concepts occidentaux comme l'individualisme et la valorisation du changement. L'Ordre Nouveau ne représente pas seulement une augmentation quantitative du nombre d'autobiographies parues en Indonésie, mais encore une transformation qualitative du genre. En réussissant à "développer" un type d'autobiographies qui subvertissent involontairement les règles du genre, l'Ordre Nouveau réaffirme les valeurs de la tradition, et manifeste la captation q'un genre venu d'Occident par la culture indonésienne. Les Otobiografi de l'époque de Suharto ne répondent pas généralement à une finalité introspective (se connaître soi-même) ou confessionnelle (avouer ses fautes en exhibant son intimité), mais visent à produire une image de soi permettant d'agir sur autrui
The increasing number of autobiographical texts in Suharto's Indonesia, whether they be personal childhood memories or politician's memoirs is somewhat surprising in Indonesian culture, which refrains people from pushing themselves forward. The traditional ceremonial which consists in presenting one's autobiography as an answer to somebody else's solicitation, and in transforming it into a chronicle, shows how uneasy the Indonesians are when they write about themselves. The careless use of different words to distinguish between various forms of personal writings, as well as the frequent shift between genres (the vowel being often used for autobiographical purposes, whereas the texts that are explicitly described as 'autobiographical' are in fact very often close to memoirs, self-portraits or biographies) also seem to indicate that the penetration of the autobiography into the Indonesian cultural context has opened the door to a deep modification of a literary genre that had originally been imported from Europe, such a genre being always likely, in itself, to promote such Western values as change or individualism. Not only does the New Order represent a quantitative increase in the number of autobiographies published in Indonesia, but it is also a qualitative transformation of the genre itself. Because the New Order has been able to 'develop' a type of autobiography that unwillingly subverts the conventions of the genre, this movement reasserts traditional values, and is a good testimony to the fact that this genre has been gradually integrated into Indonesian culture. Generally speaking, the Otobiografi that have been published during the Suharto era neither have an introspective (knowing one self) nor a confessional (confessing one's faults while exhibiting one's private life) purpose, but they aim at producing a personal image that is supposed to enable the individual to act on others

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Sayar, Homa. "La poésie d'avant-garde dans la littérature persane." Paris, INALCO, 1999. http://www.theses.fr/1999INAL0026.

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Legrand, Line. "Ecriture autobiographique de personnes handicapées physiques et sensorielles françaises au XXe siècle." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040064.

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Abstract:

La thèse établit une classification anthologique des textes autobiographiques écrits et publiés au XXe siècle par des personnes handicapées physiques ou sensorielles françaises. 86 témoignages retrouvés sont analysés au moyen d'une grille thématique et positionnés sur une ligne imaginaire reliant un pôle strictement sociologique à un pôle littéraire. Les témoignages trouvent là une place, fonction de leur présentation éditoriale, de leur contenu, de leur style, de leur sémantique. Les motivations, les limites, les contraintes à écrire sont évaluées et replacées au sein de celles, habituelles des auteurs contemporains. Qu'apporte cette pratique aux auteurs handicapés ? Le handicap lui imprime-t-elle des caractéristiques particulières ? Une fois les écrits analysés, on s'interroge pour savoir dans quelle mesure ils apparaissent utiles au monde. Peuvent-ils dépasser un simple intérêt cathartique voire thérapeutique personnel pour toucher un alter ego handicapé ou un tiers valide ? La réception de ces textes semble-t-elle foncièrement différente de celle des auteurs anonymes ordinaires ? Comment les lecteurs incorporent-il le vécu des auteurs handicapés dans leur propre existence ?
The thesis establishes a classified anthology of autobiographical texts written and published in the 20th century by French people with physical or sensory handicaps. The 86 testimonies in question are analyzed by means of a thematic table and are placed on an imaginary line linking a literary pole with one which is strictly sociological. There the testimonies find their place, the function of their editorial presentation, their contents, their style, and their semantics. The motivations, the limits, the constraints of writing are assessed and put back in place along with those habitual of contemporary authors. What does this exercise bring handicapped authors? Does the handicap itself have particular characteristic imprints? Once analyzed, we can wonder in what way such literature seems useful to the world. Can they go beyond simple cathartic or even therapeutic personal interest in order to reach an alter ego that is handicapped or a non-handicapped outsider? Does acceptance of these texts seem profoundly different to that of ordinary anonymous authors? How do the readers include the experience of handicapped writers in their own experience?

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Daniel, Marion. "La poésie critique : écrits de poètes sur les peintres et les sculpteurs (1945-1990)." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040212.

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Abstract:

Entre 1945 et 1990, les écrits de poètes sur l'art mais aussi les livres illustrés se multiplient, inaugurant une forme de rapprochement inédite entre poètes et artistes. Dans les années 1950, l'abstraction lyrique dominante, ainsi que les derniers éléments également influents du surréalisme, constituent les principaux courants de peinture sur lesquels les poètes écrivent. À travers le double questionnement de la réalité et de la place de l'homme qu'elles posent, ces deux catégories de peinture infléchissent très largement leurs discours. À partir de l'exemple de René Char, Francis Ponge, Jean Tardieu, Henri Michaux, Michel Leiris, regroupés autour des revues de la galerie Maeght et des Cahiers d’art, mais aussi Louis Aragon, Jean Genet, Samuel Beckett, ainsi que Yves Bonnefoy, André du Bouchet, Philippe Jaccottet et Jacques Dupin, qui écrivent principalement dans la revue L'Éphémère, une poétique de la poésie critique se définit. Face à une critique d'inspiration baudelairienne fondée sur le principe des correspondances, selon laquelle un poème est susceptible de produire une équivalence du tableau, la poésie critique d'inspiration mallarméenne mène, grâce à la suggestion, à la création d'un nouvel espace littéraire. Si la tâche de la poésie est de répondre à un "désir d’images", écrire sur la peinture c'est parvenir à décrire avec précision les sensations et visions produites par les œuvres. Ces deux éléments sont ce qui fait l'intérêt majeur des textes critiques des poètes
Between 1945 and 1990, the writings of poets on art as well as illustrated books increase, inaugurating a form of unprecedented affinity between poets and artists. In the 1950s, lyrical abstraction dominated, as well as the last equally influential elements of Surrealism. These constitute the principal currents of painting on which poets write commentaries. Through the two-fold questioning of reality and of man's place in it which they posit, these two categories of painting diverge greatly in their discourse. Starting with the works of René Char, Francis Ponge, Jean Tardieu, Henri Michaux, Michel Leiris, grouped around the criticism of the galerie Maeght and the Cahiers d’art (Notebooks of art), but also of Louis Aragon, Jean Genet, Samuel Beckett, as well as Yves Bonnefoy, André du Bouchet, Philippe Jaccottet, and Jacques Dupin, who write principally in the magazine L'Éphémère, an aesthetics of critical poetry becomes more and more defined. In face of criticism inspired by Baudelaire, founded on the principle of correspondances, according to which a poem is susceptible to produce the equivalent of a painting, critical poetry inspired by Mallarmé and his aesthetics of suggestion tries to aim at the creation of a new literary space. If the task of poetry is to respond to a "desire of images", to write about painting is to succeed in describing sensations and visions produced by works of art. These two elements are what constitute the major interest in these critical texts of poets

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Mesnaoui, Nafiss. "L' évolution de la poésie libanaise après 1982." Limoges, 2012. http://www.theses.fr/2012LIMO2010.

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Abstract:

La poésie n'a pas cessé d'évoluer comme un genre décisif dans un Liban fort par sa culture. Le tournant de l'année 1982 s'explique par ses nouvelles thématiques , qui ont soudainement émergé et qui deviennent quasiment propres à la poésie libanaise la distinguant des autres poésies du monde arabe ainsi que du monde francophone, telles la ville, l'exil, la lumière, le souffle, l'Orient et l'Occident; l'Autre, le nihilisme, le corps, la pensée et la politique. La poésie libanaise devient une poésie particulière, différente, éminente et singulière. Elle est engagée et exploratrice. L'intérêt commun des poètes est le renouveau de la poésie à travers un questionnement incessant sur la modernité. Quêter de nouvelles formes possibles d'écriture, donner à voir l'inconnu des choses tout en travaillant sur l'embellissement du sens et de la phrase. Leur forme d'expression devient presque pour eux tous le poème en prose qui s'impose comme souveraine révolte dans le domaine poétique
Poetry did not cease evolving as a decisive type in strong Lebanon by its culture. The turn of year 1982 explains by its new themes, which suddenly appeared and that become practically clean in the Lebanese poetry differentiating it of other poetrys of the Arab world as well as of the French-speaking world, such the city, banishment, light, breath, the East and Occident, Other one, nihilism, body, thought and policy. Lebanese poem becomes a different, distinguished and peculiar, particular poem. It is hired and explorer. The common interest of the poets is the resurgence of poem across an uninterrupted question setting on the modernity. To seek new possible forms of writing, to show the unknown of things work everything on the decorating of sense and sentence. Their form of expression becomes almost for them all the poem in prose which establishes itself as sovereign appalls in poetic domain

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Espinose, Raymond. "Espaces, figures, discours dans la fiction autobiographique en France des années 1960 aux années 1980." Bordeaux 3, 1988. http://www.theses.fr/1988BOR30029.

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Colin-Picon, Martine. "Georges Limbour : le songe autobiographique." Paris 7, 1992. http://www.theses.fr/1992PA070114.

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Abstract:

Le songe autobiographique, consacre a georges limbour (19001970), est ne de deux temps articules : d'une part la mise en relation d'un releve biographique etabli a partir d'extraits de la correspondance, et d'un recensement bibliographique exhaustif qui temoigne en particulier de l'importance activite de critique de g. Limbour; d'autre part, une etude precise de la chasse au merou, son dernier roman ecrit au debut des annees 60. Ce roman; qui oriente sa vie, est l'histoire symbolique d'une transformation, l'accomplissement d'un parcours a la fois reel et reve. Limbour, loin de se retourner sur sa vie, en reinvente le songe. C'est ici que l'influence de la peinture et de la critique picturale dans l7ecriture de limbour est determinante. En effet la chasse au merou, dont la structure s7apparente a celle du reve, cristallise dans on ecriture meme l'experience que limbour a menee toute sa vie aupres des peintres, et en particulier aupres de jean dubuffet. A l'evidence georges limbour a compose la chasse au merou a la maniere des assemblages de ce peintre dont il a longuement observe le travail et discute les techniques. La meme reverie poetique active est a l'oeuvre chez les deux createurs. Ainsi la chasse au merou, ou la poesie et la peinture echangent leurs pouvoirs, devoile la poetique de georges limbour
This twofold study of georges limbour (1900-1970) entitled the autobiographical dream traces the apparent relationship between biographical material drawn from his correspondance and the complete bibliography of his works (established here for the first time), in which we recognize the important scope of his critical work. An analysis of his last novel, the classe au merou, written in the early sixties, constitutes a complementary dimension of this dissertation. This novel, a veritable directing element in his life, is the symbolic story of a transformation, of the realization of a real and imaginary journey. Limbour does not turn to his past; he reinvents the dream, composing a poetic truth. It is here that the influence of painting and his own criticism of this art become a deciding factor. Indeed, the writing ofla chasse au merou, whose structure is closely related to that of a dream sequence, crystallizes limbour's very relationship to painters all his life, and in particular, to jean dubuffer. I strongly argue that the composition of the novel is quite similiar to the technique dubuffet used in his assemblages and which limbour had studied. .

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Loubradou, Véronique. "L'écriture de la modernité dans la poésie française post-apollinarienne." Paris 4, 1991. http://www.theses.fr/1991PA040216.

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Abstract:

A partir d'un corpus constitué de vingt-neuf œuvres, essentiellement en vers libres, pour quatorze poètes, nous avons d'abord effectué un relevé des faits langagiers les plus marquants. D'où les quatre parties de notre thèse : étude des titres, organisation phrastique, fonctionnement discursif, lexique et sémantique. A l'intérieur de chacune des catégories, nous avons analysé les faits langagiers repérés en proposant des méthodes spécifiques : ainsi, l'analyse syntaxique des poèmes s'appuie sur le repérage phrastique qui prend lui-même en compte la présentation typographique ; l'analyse du discours s'effectue à partir de la mise en évidence de sept modalités énonciatives, etc. Tout au long de notre étude, la séparation des plans de signification, nécessitée par l'étape de la classification, est corrigée par l'insistance sur l'aspect réunificateur du parcours interprétatif. Ce parcours s'organise à partir de l'ensemble complexe forme par les éléments significatifs du texte qui agissent en interaction. De sorte que toute caractéristique ne prend sens qu'au cours de l'interprétation dans le contexte particulier du poème. C'est pourquoi toute analyse d'un fait est systématiquement centrée sur l'étude d'un poème choisi pour son exemplarité. Avec le poème moderne n'a jamais été aussi présente dans l'histoire de la littérature la nécessité d'une lecture comme démarche interprétative à la fois très active et très mobile
With a body of literature consisting of twenty-nine works by fourteen poets, the most striking facts of language have been identified following analyzing of free verses. From this, the four parts of this thesis have been developed: a study of the titles, the organization of the phrase, discursive characteristics, lexical and semantic considerations. Within each of these categories, using specified approaches, the identified facts of language have been analyzed ; thus, syntaxical analysis of poetry relies on phrasal location, which itself takes into account the text's typographical arrangement ; analysis of discourse is performed using seven types of enunciative sequence etc. Throughout this study, the separation of the different plans of signification, a result of the necessity of the classification scheme, is corrected by concentering on the reunifying aspect of the interpretative process, even in those works with which it is difficult to get to grips. This process of interpretation takes shape from the complex set of significant elements of the text which act interactively. Each linguistic characteric only takes a meaning by interpretation in the particular context of the poem. This is demonstrated by systematically focusing each analysis of a fact

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Tuffreau, Clément. "Prose de parole : Enregistrement , écriture et amplification de la poésie orale occidentale de 1876 à 2006, de Guillaume Apollinaire à Alan Moore." Nantes, 2006. http://www.theses.fr/2006NANT3018.

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Abstract:

Prose de parole consiste en une étude de la poésie orale amplifiée et enregistrée, née avec l'invention du phonographe par Thomas Edison en 1876. Prose de parole avance et défend deux idées : la poésie orale enregistrée et amplifiée dérive de la culture écrite, et développe en cela une forme d'écriture orale - le disque devient dès lors le livre de la poésie orale. Enfin, la poésie orale regroupe différentes formes artistiques souvent rejetées par les études littéraires : la performance, la voix-off cinématographique, la pop music et le théâtre expérimental. Prose de parole ne se veut pas une histoire chronologique de la poésie orale : elle en étudie simplement l'origine (le phonographe), les discours manifestes qui encombrent son espace critique en une forme d'écosystème théorique, la technologie qui lui sert de support (le médium de l'enregistrement), et l'espace dans lequel elle se construit (le lieu de la performance, son acoustique, sa psychogéographie)
Recorded Oral Poetry is a study of the recording and amplification of oral poetry, born with the invention of the Phonograph by Thomas Edison in 1876. Recorded Oral Poetry stands for two things : on one hand, proving that oral poetry as recorded and amplified is a text, that the record is the book of oral poetry and that the spoken word is bound to the word by definition. On the other hand, proving that oral poetry takes often place beyond the world of literature itself, in the art of performance, in the voice over of certain movies, in pop music or in experimental theater. Recorded Oral Poetry is not a history of amplified and recorded oral poetry : it is a study of its movements and manifests, of its tendancies and revolutions, of its origin (the phonograh), its theories (manifests and texts), the medium in its technical constitution and the space inside which oral poetry constructs itself (its acoustic, its psychogeography)

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Ben, Ataya Abderrazzak. "La poésie du trône au Maroc, 1934-1961." Aix-Marseille 1, 1991. http://www.theses.fr/1989AIX10070.

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Abstract:

Notre travail s'articule autour de trois grandes parties : la premiere est historique et socio-poetique : panegyrique du sultan au marroc avant l'institution de la fete du trone , ambiance de la celebration de la fete , litterature du trone , conditions de la production et de la consommation de la poesie du trone et clas sification des poetes. La deuxieme est consacree a la thematique et nous avons distingue quatre themes essentiels + le premier a predominance religieuse et caracterise le plus cette poesie , et concerne le renouvellement de l'allegeance a mohamed v commandeur des croyants. Le deuxieme theme est reserve aux attributs de la monarchie. Le troisieme traite du trone marocain et il est reserve a l'histoire du maroc, de ses gloires et de ses sultans. Le dernier theme traite plus specialement des evenements de la periode que nous etudions ( 1934-1961 ) et l'oeuvre accomplie par mohamed v dans les domaines de l'education , la religion et la lutte pour l'independance. La troisieme partie est technique et s'occupe de la qasida du trone (forme , metre , rime , langage. . . ).

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Labelle, Ronald. ""J'avais le pouvoir d'en haut" : la représentation de l'identité dans le témoignage autobiographique d'Allain Kelly." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 2001. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk3/ftp05/NQ66321.pdf.

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Che, Lin. "La rhétorique de la poésie symboliste française et ses rencontres avec la poésie chinoise." Paris 3, 2006. http://www.theses.fr/2006PA030042.

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Abstract:

Cette thèse est une étude de poétique comparée qui porte sur le Symbolisme français et la poésie chinoise. Les audaces et les ruptures " modernes " des poètes français de la seconde moitié du 19e siècle ont révolutionné le monde poétique, grâce à l'invention d'un nouveau langage poétique, caractérisé par son art de suggestion, par un rapport plus étroit entre le matériel et le spirituel, entre le visible et l'invisible. Les influences du Symbolisme français se sont propagées en Chine à partir de 1915 et elles ont contribué à faire évoluer la poésie chinoise vers la modernité. A ces influences s'ajoutent des proximités, des rapprochements souvent profonds, aux racines qui ne prolongent pas aux mêmes sources historiques, mais qui donnent lieu à des analogies entre la tradition poétique chinoise et la rhétorique symboliste française, voire à des continuités significatives, entre le symbolisme traditionnel et le symbolisme moderne. Cette étude comparative se place donc sous le signe de la rencontre entre deux poésies qui se sont développées dans une altérité totale jusqu'à une époque récente
This dissertation offers a comparative study about the poetics of the French Symbolism and the Chinese poetry. The audacity and rebelliousness of a group of French poets in the second half of the 19th century revolutionized the poetic world with the creation of a new poetic language. This new poetic language was characterized by the symbolic suggestion and evocation, by a closer communication between the material and the spiritual, between the visible and the invisible. The French Symbolism started influencing China from 1915 and contributed to the development of modern Chinese poetry. In the meantime, it is interesting to discover some analogies between the Chinese poetical tradition and the French symbolist rhetoric, between the traditional form of symbolism and the modern form of symbolism. This comparative study focuses upon the encounter of French symbolist poetry and Chinese poetry, which developed independently until the early 20th century

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Vivès, Daniel. "Poésie et antipoésie conversationnelles en Amérique hispanique au XXe siècle." Paris 3, 1998. http://www.theses.fr/1998PA030106.

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Abstract:

Portant sur la poésie et sur l'antipoésie conversationnelles en Amérique hispanique au XXe s. , ce travail s'ouvre par une introduction qui discute certaines notions dans un contexte non spécifiquement hispano-américain, à la fois poétique et esthétique, synchronique et diachronique, théorique et historique : écart, norme, conversation, dialogue, langage ordinaire, autonomie, hétéronomie. . . On questionne le concept d'antipoésie - portée, validité, historicité -, les réticences suscitées. La partie II aborde le discours de la critique hispano-américaine face aux idées d'antipoésie, de poésie conversationnelle, colloquiale, extérioriste. . . Suivent 3 études sur les poètes nicaraguayens Ruben Dario et Ernesto Cardenal et le chilien Nicanor Parra. On tente de dépasser la réception parnassienne d'un Dario figé dans l'esthétisme et la ciselure moderniste de la forme. On souligne, dès les Juvenilia, les multiples voix d'une écriture qui annonce la fin des langages réservés et la reconquête du social et du langage ordinaire dans des poésies plus récentes. On montre l'oralité spécifique, dialectique qui s'établit chez lui entre métrique et mouvement du "parler" dans l'écriture. L’étude sur la poésie extérioriste de Cardenal insiste sur ses dimensions contextuelles, intertextuelles et "idéogrammatiques". Les chapitres sur El estrecho dudoso et Homenaje a los indios americanos analysent une traduction-interprétation, une relecture anachronique-actualisée, empathique-distanciée des représentations primitives et du destin historique des peuples indigènes. C'est dans cette perspective qu'on replace l'épopée cosmico-scientifique du canto cosmico (1989). La partie 5 s'attache à l'antipoésie controversée de N. Parra, à la mise en "représentation" critique du sujet poétique - traditionnel, avant-gardiste,. . . - et plus largement de l'aventure anthropologique dans un langage qui fait la tenue d'une déclarativité immédiate et d'une constante réversibilité
This work about the hispano-americans conversationals poetry and antipoetry in the 20th century opens with an introduction to discuss notions within a not specifically hispano-american context, at the same time poetic and aesthetic, synchronic and diachronic, theoretical and historical: norm, stylistic deviation, conversation, common speech, autonomy, heteronomy. The idea of antipoetry, the reservations aroused, are debated - impact, validity, historicity. The part 2 examines the discourse of the hispano-american criticism about the issues of antipoetry and conversational, "exteriorist". . . , poetry. The following sections are made up of studies about the nicaraguans poets Ruben Dario and Ernesto Cardenal and the chilean antipoet Nicanor Parra. The first study is an attempt to object to the parnassian reception of Dario's work, petrified in the modernist chiselling of the aesthetic form. The essay emphasizes the many-sided voices of a writing that prefigures, from the Juvenilia, the end of reserved languages, the recovery of social realm and everyday conversation. The study stresses the specific dario's orality, the dialectic between metrics and movement of speech through the writing. The part about the exteriorist cardenal's work underlines his contextuals, intertextuals and "ideographicals" dimensions. The chapters regarding El estrecho dudoso et Homenaje a los indios americanos analyze a traduction-interpretation, an anachronic-updated reading, an empathic-detached transcription of the primitives representations and the historical destiny of indigenous peoples of the american continent. Canto cosmico - cosmic-scientific epic - is also regarded from this standpoint. The part 5 focus attention on the debated parra's antipoetry, on the critical representation of the poetic subject - traditional, avant- garde,. . . - and, by and large, on the anthropological venture with a language that joins a declarative immediacy and an unceasing reversibility

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Allioux, Yves Marie. "La poésie française au Japon : 1920-1940." Paris 7, 2002. http://www.theses.fr/2002PA070056.

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Abstract:

La présente thèse essaie de comprendre le succès de la réception de la poésie française au Japon entre les deux guerres, du symbolisme au sens large jusqu'aux divers mouvements d'avant-garde tels que le dadai͏̈sme ou le surréalisme. Pour prouver qu'il ne s'agit pas d'une occidentalisation superficielle dominée par un complexe d'infériorité culturel ou par le snobisme, il a paru indispensable de replacer les diverses problématiques poétiques de l'entre-deux-guerres dans la perspective de la tradition poétique japonaise. Les trois premiers chapitres s'attachent donc à dessiner l'"horizon d'attente" de la poésie française au Japon, et tentent une synthèse de la poésie japonaise à l'aube de la modernité, en mettant l'accent sur quelques traits pertinents : l'expression d'une subjectivité moderne, la recherche d'un invisible métaphysique. Le chapitre IV retrace les évolutions politico-idéologiques propres à expliquer comment, dans les premières années du XXè siècle, l'intérêt des créateurs japonais s'est reporté du romantisme anglais vers le symbolisme français, tandis que le chapitre V traite des auteurs ou mouvements poétiques français qui se sont implantés au Japon dans l'entre-deux-guerres avant que la montée du militarisme ne provoque un "retour au Japon". Dès lors, plus que l'"esprit nouveau", c'est la Nouvelle Revue Française qui séduisit par sa double postulation de désengagement politique et d'exigence de qualité artistique. Cependant, un nouvel universalisme et une sorte d'unanimisme poétique, s"esquissaient dans l'oeuvre d'un poète francisant traducteur de Rimbaud, NAKAHARA Chûya (1907-1937), qui réalisait une véritable "fusion des horizons", garante, selon nous, de la large audience qu'il n'a cessé de connaître au Japon depuis la fin de la guerre
This essay is an analysis of the successful reception of French poetry from widely-defined symbolism to varied "avant-garde" movements like Dadaism and Surrealism in Japan between the two world wars. To prove that this success was not simply a superficial imitation of the West dominated by a feeling of cultural inferiority or by snobbishness, it has been felt necessary to place the various poetic preoccupations of early 20th century Japan in the perspective of Japanese poetic tradition. So the first three chapters describe the situation met by French poetry in Japan (the "Ertwartungshorizont" of Hans Robert JAUSS), and include an attempt to make a synthesis of Japanese poetry at the beginning of the modern era while accentuating a few important characteristics: the presence of modern subjectivity and the search for an invisible metaphysics. Chapter IV retraces the political and ideological changes in Japan which explains how in the early decades of the 20th century the Japanese creators moved from an interest in English romanticism towards French symbolism. Chapter V deals with the authors or with the French poetical movements which where influential in Japan between 1920 and 1940 before the rise of militarism closed Japan to foreign influence. From then on more then the "New spirit", it was the "Nouvelle Revue Française" which was found attractive through its double ethic of political neutrality and high artistic quality. However a new universalism and a sort of poetic unanimism was becoming apparent in the work of a poet specialised in French and the translator of Rimbaud, called NAKAHARA Chuya (1907-1937) who was managing a "fusion of horizons" which guaranteed him the large audience which he has continued to enjoy in Japan since the end of the war

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Leforestier, Claire. "Poétique de l'amour dans la poésie du vingtième siècle." Paris 3, 1997. http://www.theses.fr/1997PA030144.

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Abstract:

Nous entendons par "poetique de l'amour" la recherche, dans une perspective descriptive, des modalites de l'expression poetique du sentiment amoureux. Le domaine d'expression sur lequel porte la recherche est la poesie francaise du xxeme siecle (quelques oeuvres francophones sont prises en compte). L'investigation concerne en priorite les manifestations textuelles de l'etre aime et le lien amoureux et les modalites de leur celebration plutot que l'expression des emotions du sujet amoureux. Ayant rassemble le plus large eventail possible des textes qui pouvaient etre intuitivement apparentes a la poesie amoureuse, nous cherchons a preciser cette intuition en degageant quelques caracteres de l'hypothese de travail qu'est le "discours poetique amoureux", c'est-a-dire des formes et processus recurrents, a l'oeuvre dans notre corpus. L'ampleur du domaine de recherche, l'heterogeneite du corpus rassemble commandaient d'aborder seulement quelques "points de poetique". Apres avoir considere les distributions du prenom de l'etre cher dans les poemes, nous considerons les images que le poeme donne de l'aime; dans ce vaste champ nous etudions en particulier les appellations possessives, puis les blasons du corps de l'aime. Dans une deuxieme partie nous considerons la communication du poeme et d'abord la dynamique enonciative engagee vers autrui : la destination. Nous nous interrogeons sur la mobilisation des fonctions conative et phatique dans la fiction poetique, notamment a propos d'injonctions. Ensuite, a partir d'une reflexion sur la situation de la formule de declaration d'amour je t'aime dans la langue et dans les poemes c'est la reference poetique au sentiment amoureux qui nous occupe. Enfin, pour rendre compte de la formation du couple verbal, nous suivons les aventures de je et tu dans l'enonce, leur rapprochement, leur distance, leurs spheres d'influence et leurs lieux de rencontre. Il s'agit donc du reperage et de l'interpretation des formes, figures et configurations de l'enonce relationnel
Covering the field of xxth century french poetry, we investigate, mainly in a descriptive frame, the occurences and modalities of the expression of the sentiment of love (referred as poetics of love). Amongst the large number of texts that can intuitively be assigned as "poems of love", and in order to precise and characterize this intuition, we search for characteristics of a "poetic expression of love", emerging as recursive processes and forms. On account of the extend, variety and heterogeneity of the field, only a few key issues are addressed here. Rather than on the expression of the lover's feelings and emotions or lovelorns, we stress on the love ties and the celebration of the loved one. In a first part, we consider the distribution and disposition of the occurences of the name of the loved one. We analyze the related images, the possessive appellations and the anatomic blasons. The second part is devoted to communication and dynamical aspects, considering the address. We follow the occurrences of i and you, and consider their proximity, relative spheres of influence, meetings. . . We identify and propose an interpretation of the forms, figures and configurations of the relational utterance

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Badau, Daniela. "Poésie visuelle et écriture picturale : littérature, peinture et mode dans la deuxième moitié du XXe siècle." Perpignan, 2014. http://www.theses.fr/2014PERP1218.

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Abstract:

Les créations contemporaines qui combinent le texte et l’image font partie de notre décor quotidien. Présentes autant dans la création artistique, que dans la rue, sur le produits de consommation ou sur nos vêtements, ces créations nous ont amené à questionner l’appréhension contemporaine de l’écriture. Au moment de son invention, l’écriture possède des qualités graphiques (figuratives ou abstraites) et une forte dimension magique qui se sont perdus dans l’emploi fait par les écritures alphabétiques. En tenant comme acquis le fait que l’écriture est approchée dans le temps de la lecture, Lessing distingue arts du temps et arts de l’espace en attribuant l’écriture à la poésie et l’image à la peinture. Toutefois, la création contemporaine, tant littéraire que plastique, met en question cette délimitation. L’analyse en miroir de la poésie visuelle et de l’art plastique en tant que « arts majeurs » prouve que la délimitation de Lessing devient obsolète. Ceci est également vérifiable dans le cadre des « arts mineurs », telle la mode, où le texte devient une composante du vêtement. La création contemporaine fait appel aux caractéristiques originaires de l’écriture en donnant naissance à une série d’occurrences ou texte et image se mettent à collaborer. Cette mutation semble être symptomatique d’un changement dans la manière d’appréhender et d’utiliser l’écriture
Contemporary creations that combine text and image are nowadays part of daily life. Present as much as in the artistic creation, as in the street, on the consuming products or on the clothes, these manifestations have brought up the question of the contemporary understanding of writing. At the time of its invention, the writing revealed features as graphics qualities (figurative or abstract) and a strong magical dimension that has been lost by the alphabetic writings. Taking in consideration that writing is conceived as an activity that requires time, the author Lessing established the distinction between the time art and the space art, assigning the writing to poetry and the image to painting. However, contemporary creation, both literary and plastic, rise questions concerning this delimitation. The analysis mirroring the visual poetry and the visual art shows that the delimitation of Lessing becomes obsolete. This is verifiable as well in the « minor arts», such as the mode, were the text and images becomes part of the clothes design. The contemporary creation appeals to the characteristics of the original writing, giving birth to a series of occurrences were the text and the image work together. This mutation appears to be the symptom of a change in the understanding and the use of the writing

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Semilla, Durán María Angélica. "La Littérature de signe autobiographique dans l'Espagne contemporaine : Carlos Barral ou les chemins de l'introspection." Aix-Marseille 1, 1994. http://www.theses.fr/1994AIX10056.

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Abstract:

Le sujet de notre travail est l'analyse de l'oeuvre autobiographique de carlos barral (1928-1989), ecrivain et editeur espagnol contemporain, aussi bien dans sa specificite generique que comme actualisation exemplaire d'un phenomene beaucoup plus vaste : le developpement de l'ecriture autobiographique dans l'espagne post-franquiste. La premiere partie porte sur les trois volumes de memoires (anos de penitencia, los anos sin excusa, cuando las horas veloces), essayant de mettre en lumiere les strategies existentielles de l'autobiographie et la dialectique complexe de masques qu'il met en scene et dont chacun incarne une ligne d'action sur le monde ainsi qu'une lecture symbolique du moi. La deuxieme partie analyse, dans une perspective autobiographique, le roman penultimos castigos, l'oeuvre poetique et les journaux intimes. Ces discours divers nous fournissent les cles symbolisent cachees deliberement par l'autobiographe et revelent le vide central du systeme de signification, le creux symbolique autour duquel se structurent la vie et le recit de la vie. Tout le parcours autobiographique constitue ainsi un chemin initiatique vers une revelation ultime : l'impuissance reel et symbolique qui porte en elle la marque de l'inhibition de l'imaginaire produite pendant l'enfance par une morale repressive liant la sexualite a la culpabilite.

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Vafaï, Tarane. "Influence de la poésie du XIXe siècle français sur la poésie de Nimâ Youshij." Paris, INALCO, 2003. http://www.theses.fr/2003INAL0015.

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Abstract:

A l'exception des tentatives des cours iraniennes, la suprématie du français a sans aucun doute été favorisée en Iran par les facteurs suivants : la parution des revues et de journaux français que les français d'Iran publiaient eux-mêmes ainsi que des journaux bilingues ; la publication d'ouvrages, notamment de littérature, traduits du français et enfin la création d'écoles françaises ou bien celles créées sur le modèle européen. C'est en fréquentant le lycée Saint-Louis fondé par les Français que Nimâ (1897-1959) s'intéresse à la littérature française, d'où l'influence des poètes français sur ses poèmes. Dans sa démarche intellectuelle innovante, Nimâ a cherché à rompre avec la forme classique de la poésie persane et a tenté de composer ses vers libres avec un contenu nouveau. Plus tard, il réussit à conjuguer dans une seule poésie la transformation de la forme et du contenu. Cependant, nous rappelons que Nimâ n'a pas été influencé par un poète français unique. En effet, en ce qui concerne les poètes français, nous insisterons davantage sur ceux du 19ème siècle. Mais, en dépit des influences subies, Nimâ a su préserver l'indépendance et l'autonomie de sa vision sur le monde : il est celui qui confère toujours un système idiolectal à sa poésie. C'est donc par l'analyse et la comparaison des textes de Nimâ avec ceux des poètes français que nous pouvons démontrer les effets de telles influences. Toutefois, il faut distinguer la personne de NImâ de Nimâ énonciateur, c'est-à dire Nimâ homme de Nimâ poète, pour pouvoir comparer intertextuellement, grâce à une approche sémiotique, les textes de Nimâ poète à ceux des poètes français afin de voir comment ces deux systèmes sémiolinguistiques différents entrent en contact uniquement sur la base d'une opération d'énonciation et du processus textuel sans être lus ou connus vraiment
Beside attempts by the Iranian Imperial Court in promoting the French language in Iran, other factors helped in the spreading of French language and culture in Iran. Theses factors, including publication of French or bilingual magazines and newspapers, French works, particularly translation of literary works, establishment of European style French schools both by Iranian and French nationals, all helped in familiarizing Iranians with French language, literature and culture. Neema Yushij graduated from one of these high schools (Saint Louis), where he developed interest in French language. In fact, this was where Neema started to be influenced by French poets. Neema endeavoured to let go of the classic form of Persian poetry through intellectual innovation, and composed his poems in a free form and fresh context. He later succeeded to change context and form at the same time in one poem. It must be said that Neema was influenced by many poets, but we shall concentrate on the influence of 19th century French poets on his work. It is worth mentioning that, despite this influence, Neema preserved the independence, autonomy and his vision of the world, and conferred an idiolectal system upon his poems. Hence, this influence could be demonstrated through analysis and comparison of Neema's texts with those of French poets. If the discussion is based upon keeping Neema the person distant from Neema the enunciator, that is Neema the man and Neema the poet, it enables us to make an intertextual comparison between the two different systems of semiolinguistics through a semiotic approach, in order to investigate the operation of enunciation and process textual of the issue of how their texts come into mutual contact

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Leroux, Alain. "Chan et poésie chez un auteur contemporain : Zhou Mengdie." Paris, INALCO, 1993. http://www.theses.fr/1993INAL0006.

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Abstract:

Zhou Mengdie est un poète contemporain (ne en 1921) vivant à Taiwan, considéré comme un poète "chan". La thèse consiste en la traduction suivie du commentaire des Peomes du recueil "Huanhuncao" (L'herbe du retour de l'âme). La première partie est la présentation de l'ensemble de l'œuvre de Zhou. Avec les influences de la poésie contemporaine de Taiwan, mais aussi celles de la tradition littéraire et philosophique chinoise, notamment taôisme et bouddhisme. L'œuvre est ensuite étudiée dans ses thèmes et ses images, dégageant un cheminement spirituel vers l'éveil, but du chan. La traduction s'efforce de prendre en compte les effets de rythme tandis que le commentaire indique les circonstances de composition des poèmes, dégage les références et allusions, décrypte le symbolisme des images de Zhou Mengdie. Il est fondé sur de nombreuses conversations avec l'auteur
Zhou Mengdie (born in 1921 on the Chinese mainland, now living in Taiwan) is considered as a chan poet. The thesis is a translation, followed by a commentary, of his collection of poems "Huanhuncao" (Grass of returning soul). In its first part, the thesis deals with the influence on Zhou's poetry both of modern poetry in Taiwan and Chinese literary and philosophical tradition (mostly Taoism and Buddhism. It analyzes the main themes and figures of its poems, showing a progress - or at least a longing - of the poet towards awakening, which the goal of chan

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Talviste, Katre. "Baudelaire et la poésie estonienne." Université Paris-Est Créteil Val de Marne (UPEC), 2007. http://www.theses.fr/2007PA120012.

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Abstract:

La publication des premières traductions de poèmes de Baudelaire en estonien coïncide avec le début de la littérature estonienne moderne. En effet, l’œuvre du poète français a été découverte par ces auteurs qui, en 1905, ont lancé le mouvement de rénovation linguistique et littéraire en Estonie et qui ont profondément influencé l’évolution de la culture estonienne au XXe siècle. Parmi leurs nombreuses initiatives fructueuses on doit compter en tout premier lieu la traduction et l’interprétation de l’œuvre de Baudelaire, parce que ce dernier a continuellement interpellé les poètes estoniens ; aussi la réception de Baudelaire dans ce pays du Nord suit-elle le cours des mouvements principaux de la littérature estonienne du XXe siècle. Ce parallélisme est visible sur le plan historique autant que sur le plan poétique : la préférence pour certains textes (les poèmes des Fleurs du mal), les stratégies de traduction, les positions critiques témoignent de la prédominance et de la permanence d’une vision romantique de la littérature en Estonie. En même temps, l’œuvre de Baudelaire provoque un auto-examen de la conscience poétique ; elle ouvre des horizons plus larges au-delà des frontières traditionnelles. Le dialogue implicite des traducteurs – les textes baudelairiens peuvent, dans leur forme traduite, être considérés comme une multiplicité de variations sur le même thème – et les débats explicites sur son œuvre, sur la traduction et sur la poéticité, tout ceci en quoi Baudelaire a été impliqué, contribue éminemment à la modification des concepts littéraires et critiques hérités du romantisme. Dans l’œuvre originale des poètes estoniens qui ont traduit Baudelaire, ces concepts sont encore très fort enracinés. Certes, de nombreuses caractéristiques distinguent leur univers poétique de celui de Baudelaire, dont certains éléments leur demeurent fondamentalement étrangers. Néanmoins c’est un fait historique que ces poètes estoniens se tournent constamment vers Baudelaire pour explorer sa poétique et son imaginaire, parce que l’un et l’autre offrent à la fois une expérience de l’altérité culturelle et une expérience d’empathie remarquable
The first publication of Baudelaire’s poems in Estonian coincides with the beginnings of modern Estonian literature. His works were discovered by authors who in 1905 initiated a movement of linguistic and literary modernization in Estonia and who have deeply influenced the development of the Estonian culture in the 20th century. Their numerous fruitful initiatives include the translation and interpretation of Baudelaire’s works, which has become a permanent interest for Estonian poets while the reception of Baudelaire follows the principal movements of the 20th-century Estonian literature. That parallel development is visible both historically and poetically: preferences for certain texts (especially poems from the Fleurs du mal), translation strategies and critical positions underline the predominance of the romantic concept of literature in Estonia. In the same time, Baudelaire’s works serve as a means of poetic self-examination and of broadening the familiar horizons. The implicit dialogue between translators that takes place through the versions of Baudelaire’s texts, and the open debates about his works, about translation and about the nature of poetics in which Baudelaire has been implicated have contributed to the modification of concepts inherited from the Romanticism. In the original work of the Estonian poets who have translated Baudelaire these concepts are still quite viable. In several respects, their poetic universe differs from that of Baudelaire, which contains some fundamentally foreign elements. However, they constantly return to Baudelaire in order to explore his poetics and his imagination, finding both an experience of cultural otherness and a test of empathy
Baudelaire’i luuletuste esmailmumine Eestis langeb kokku modernse eesti kirjanduse algusega. Tema loomingu avastasid kirjanikud, kes 1905. Aastal algatasid Eestis keele- ja kirjandusuuendusliku liikumise ning avaldasid sellega suurt mõju tervele 20. Sajandi eesti kirjandusele. Nende arvukate viljakate algatuste sekka kuulub väga olulisena ka Baudelaire’i tõlkimine ja tõlgendamine, mis on eesti luuletajaid püsivalt köitnud, nõnda et Baudelaire’i retseptsioon teeb koos eesti kirjandusega läbi kogu selle keskse arengutee 20. Sajandil. See paralleelsus on nähtav nii ajaloolisel kui ka poeetilisel tasandil: kindlate tekstide (iseäranis kogusse «Les Fleurs du mal» kuuluvate tekstide) eelistamine, tõlkestrateegiad ja kriitilised seisukohad annavad märku romantilise kirjanduskontseptsiooni valdavusest Eestis. Samas on Baudelaire’i looming poeetilise enesevaatluse ning senituntud horisontide avardamise vahendiks. Tõlkijate implitsiitne dialoog, mis kujuneb Baudelaire’i tekstide versioonidest, ning Baudelaire’ile toetunud eksplitsiitsed arutelud tema enese loomingu ning tõlkimise ja poeetika põhimõtete üle on kaasa aidanud romantismist päritud kontseptsioonide ümberkujunemisele. Baudelaire’i tõlkinud eesti luuletajate algupärases loomingus on need kontseptsioonid aga alles tugevasti juurdunud. Nende poeetiline maailm erineb Baudelaire’i omast arvukate omaduste poolest ning nii mõnigi viimases leiduv element jääb neile põhimõtteliselt võõraks. Ometi pöörduvad nad aina uuesti Baudelaire’i juurde tagasi, et õppida tundma tema poeetikat ja kujutluslaadi, mis pakuvad ühtaegu kultuurilise teissuse kogemust ning empaatiavõime proovilepanekut

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Patrucco, Francesco. "Une oeuvre en dialogue. Emprunts et références à la littérature européenne chez Maurizio Cucchi." Thesis, Université Grenoble Alpes (ComUE), 2018. http://www.theses.fr/2018GREAL027.

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Abstract:

La thèse aborde la poésie de Maurizio Cucchi à travers une perspective intertextuelle et comparée. Il s’agit de comprendre comment la littérature européenne (de Maître Eckart à Jacques Prévert, en passant par Rutebeuf, Villon, Balzac, Edgar Allan Poe ou Franz Kaafka) influencé l’œuvre du poète italien et comment la critique intertextuelle des années 1970, de Bakhtine à Kristeva, Genette et d’autres, a été intégrée à la composition de ses œuvres.L’analyse des thèmes et des procédés à l’œuvre chez l’écrivain Maurizio Cucchi met en évidence trois formes de l’intertextualité : la citation directe, la transformation ainsi que le partage complice d’un air de famille avec les auteurs considérés comme essentiels dans la formation littéraire du poète. Implicites ou affirmées, ces références ouvrent l’œuvre de Cucchi à la littérature mondiale et l’inscrivent dans l’actualité la plus contemporaine
This thesis deals with Maurizio Cucchi’s poetry, studied from a comparative and intertextual perspective. Its aim is to understand how the European literature influenced Cucchi’s poetical work and how the intertextual criticism has been received by the Italian poet for his own writing.As a result, the thesis underlines the existence of three types of literary references: direct or meta quotations and shared atmospheres with some authors who have been considered essential for Cucchi’s literary formation. These references make Cucchi’s work open to European and universal literature as well as to contemporaneity

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Buffaria, Pérette-Cécile. "Miroirs et mirages : évolution de l'écriture autobiographique en Italie de 1789 à 1912." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1994PA040404.

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Abstract:

De l’autobiographie au journal intime se déploie tout un éventail de différentes formes d’écritures autobiographiques. Ce type d'écritures évolue pour le corpus italien de 1789 à 1912, de la Vita de Vittorio Alfieri à Un vomo finito de Giovanni Papini et marque l'affirmation de la notion de sujet qui s'exprime en tant qu'individu singulier et pose clairement sa subjectivité en essayant de se penser dans sa représentation. Les critères d'analyse choisis pour montrer qu'il s'agit là de l'évolution d'une écriture et non pas d'un genre codifié sont : le temps, le ie et la relation du contenu à la forme. Le corpus analyse est constitué par les auteurs suivants : Vittorio Alfieri, Giovanni Papini, Giuseppe de Nittis, Giovanni Fattori, Francesco Hayez, Giovanni Dupré, Icilio Federico Joni, Matilde Manzoni, Giuseppe Gorani, Filippo Mattei, Camillo Cavour.

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Théorêt, Émilie. "La poésie des femmes au Québec (1903-1968) : formes et sociologie de la discontinuité." Thesis, Université Laval, 2013. http://www.theses.ulaval.ca/2013/29332/29332.pdf.

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Abas, Françoise. "Le zaum dans la poésie russe du XXème siècle." Paris, INALCO, 1989. http://www.theses.fr/1989INAL0008.

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Marchal, Hugues. "Corpoèmes, l'inscription textuelle du corps dans la poésie en France au vingtième siècle." Paris 3, 2002. http://www.theses.fr/2002PA030073.

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Abstract:

En apparence anachronique mais constant, le désir d'une production littéraire simultanément poétique et corporelle parcourt le XXe siècle. Programme d'incarnation du texte ou quête d'un verbe adéquat, " écrire le corps " engage moins une thématique qu'un renouvellement théorique et formel, qui a imposé le corps au sein du métadiscours. Enjeu partagé mais disputé, la quête a nourri un débat, qui confronte des auteurs aux positions diverses et des définitions du corps multiples. De Valéry et Claudel à Noe͏̈l ou Prigent, c'est cette communauté discursive, et son désir d'écrire ou révéler dans le texte un autre que le texte, que cette étude cherche à cerner. Pour cela, on a relevé les arguments d'une topique où le corps est présenté comme " excrit " (J. -L. Nancy) de toute saisie langagière et reconnu comme inscrit dans tout poème, ce qui a conduit à étudier les sites assignés ou refusés au " corpoème " (J. Sénac) dans les modèles élaborés pour penser l'œuvre. Hybride, l'objet force à discuter certaines limites de l'histoire ou de la théorie littéraires, pour intégrer la poésie dans des séries mêlant des disciplines et des temps réputés éloignés. Et il impose une réflexion sur un texte global, perçu comme signe symbolique, iconique et indiciaire, des niveaux articulés suivant des modes de compensation et de concurrence complexes. Là, " écrire le corps " ne se réduit pas à la mise en scène d'une critique du langage : la quête a produit d'autres poétiques fécondes, mobilisant la structure organique du texte ou jouant de son statut de trace, assimilé à une matrice permettant la reproduction d'une gestuelle. .
Apparently anachronistic and yet always pressing, the quest for a literary work at once corporal and poetic has haunted the XXth century. Whether as an effort at textual incorporation or in the pursuit of an adequate verb, " writing the body " should be understood less as a theme than as a process of formal and critical renewal, which has inscribed the body within theory. Contested and yet at issue, the very stakes of this quest have fueled a debate confronting various writers and divergent understandings of the body. From Valéry and Claudel to Noe͏̈l or Prigent, this study explores both the project itself and the discursive community formed around the desire to write, or uncover in the text, an Other of the text. To this end, we have inventoried the arguments of a topic in which the body is represented as being "excribed" (J. -L. Nancy), i. E. Beyond the reach of all utterances, and yet also inscribed within every poem. And we have excavated the sites either assigned or refused to the "corpoème" (J. Sénac) in the models provided for the conceptualization of the work. Discussing the desire to mix the poem and the body leads to question the limits assigned to literary theory and history, and to connect different disciplines and temporalities. The quest also elicits the idea of a "global text", understood in terms of symbol, icon and index-- three levels articulated according to complex competing and compensatory strategies. Here, "writing the body" cannot be reduced to a struggle against language. It has generated an assortment of fruitful new poetics, which capitalize on the organic structure of the text or consider it as a trace allowing for the reproduction of a gesture. .

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Barrientos, Tecún Dante. "Amérique centrale : l'horreur et l'espoir : analyse de la poésie contemporaine." Perpignan, 1994. http://www.theses.fr/1994PERP0264.

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Abstract:

Cette these a pour but d'etudier le rapport qui s'etablit entre le processus poetique et le processus socio-historique centramericain. Elle est organisee en quatre parties. Les trois premieres sont axees autour de trois moments socio-politiques et ideologiques essentiels pour comprendre la poesie d'amerique centrale : la revolution guatemalteque de 1944, la revolution cubaine (1959) et le programme d'industrialisation regionale des annees 60, enfin, la revolution sandiniste (nicaragua, 1979) et la lutte revolutionnaire au salvador et au guatemala, pendant les annees 80. Chacune des parties est divisee en cinq chapitres qui tentent de degager les particularites du processus poetique et historique de ces pays (guatemala, el salvador, honduras, nicaragua, costa rica). Finalement, la quatrieme et derniere partie est consacree a l'analyse de textes poetiques de cinq poetes centramericains contemporains : roberto obregon (guatemala, 1940-1970), jose roberto cea (el salvador, 1939), rigoberto paredes (honduras, 1948), gioconda belli (nicaragua, 1948) et alfonso chase (costa rica, 1945)
The purpose of this thesis is to study the relation between the poetic and social-historical process in central america. The study is organised in four parts. The first three parts are focused on three historical events and their repercution at social-political and ideological levels. These events are essential to understanding of central american poetry. The events are : the guatemalan revolution of 1944, the cuban revolution (1959) and the regional industrialisation programme of the 1960's ; finally, the sandinist revolution (nicaragua, 1979) and the salvador and guatemala's revolutionary struggles during the 1980's. Each part is divided into five chapters, they demonstrate the particularities of the relation between the history and the poetry in each of these countries (guatemala, salvador, honduras, nicaragua, costa rica). The fourth and last part is dedicated to the analysis of poetic texts of five central american poets : roberto obregon (guatemala, 1940-1970), jose roberto cea (el salvador, 1939), rigoberto paredes (honduras, 1948), gioconda belli (nicaragua, 1948) and alfonso chase (costa rica, 1945)

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Silva, Alexandra Moreira da. "La question du poème dramatique dans le théâtre contemporain." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030138.

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Abstract:

On pourrait penser que la notion de poème dramatique utilisée aujourd’hui dans le contexte du théâtre contemporain se présenterait comme une sorte d’anachronisme. En vérité, de nos jours, les auteurs se disent de plus en plus « poètes dramatiques » ou tout simplement « poètes ». S’ils appellent leurs textes « poèmes dramatiques », ils ne cherchent pas vraiment une quelconque définition générique. En effet, ils visent plutôt le questionnement, la réinvention permanente et des formes et des langages qui sont aussi bien à l’origine d’un certain nombre de transformations textuelles et scéniques, que d’une évidente mutation de la relation avec le public. Ainsi, notre proposition d’analyse de la question du poème dramatique contemporain présuppose fondamentalement une réflexion sur les mutations qui ont eu lieu, en particulier dans les années 1980, 1990 dans la relation auteur / metteur en scène / spectateur, et sur la forme expérimentale et hybride du texte qui se présente plutôt comme débordement de la pièce de théâtre, c'est-à-dire, de la forme canonique du drame. Dans cette optique, le poème dramatique contemporain devient l’espace privilégié de la dramaticité du « drame-de-la-vie » que Jean-Pierre Sarrazac situe dans un nouveau régime – celui de l’ « infradramatique ». Nous soutiendrons donc que le poème dramatique s’affirme comme « réaction contraire » à la l’idée de la mort du drame, voire qu’il est l’une des manifestations de la réinvention même du dramatique
Applying the concept of “dramatic poem” to contemporary theatre may be considered irrelevant and even anachronistic. However, there is a growing number of authors who call themselves “dramatic poets” or simply “poets”. The fact that these authors regard their texts as dramatic poems does not mean that they are seeking to categorize their works within a specific genre, but rather that they are questioning and permanently reinventing forms and languages which are at the very basis of the scenic transformations and changes in the relation between author and audience. Our proposal for an analysis of the dramatic poem presupposes a reflection on the many changes introduced, especially since the 1980s, in the relation between author, theatre director and audience, as well as on the experimental character of theatrical texts, which show an increasing tendency to “overflow”, i. E. , to transcend the canon of drama. Thus, contemporary dramatic poem is the ideal form of a new genre, which Jean-Pierre Sarrazac terms “infradramatic”. We can therefore say that contemporary dramatic poem constitutes a positive reaction against the announced death of drama, showing the power of drama to reinvent and revive itself

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Breysse, Laurence. "L'écriture itinérante de Manuel Altolaguirre : poésie et poétique." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1992PA040179.

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Abstract:

Ce travail aborde l'œuvre poétique de Manuel Altolaguirre dans son ensemble. Une approche critique délibérément plurielle vise à appréhender l'évolution et les constantes d'une écriture durant trente-trois années, des Islas invitadas y otros poemas de 1926 aux Ultimos poemas de 1955-1959, date de la mort de l'auteur. L'on étudie d'abord la place de Malaga, ville natale, dans la vision d'Altolaguirre, celle du poète dans la génération de 1927, puis la question de la réception de l'œuvre en son temps et ultérieurement. La deuxième partie analyse les composantes de son imaginaire suivant la leçon de G. Bachelard, et interroge les filiations romantique et mystique qui rattachent la création à la tradition espagnole issue de saint Jean de la Croix et de G. A. Becquer. Les principales caractéristiques de cette parole - comme la brièveté, l'importance de la typographie, le choix des incipit et d'un lexique propre à une poésie de la trace, l'alternance entre polymétrie et isométrie ou encore la part accordée au silence - sont abordées dans la dernière partie, qui se conclut sur l'étude du rôle de l'espace mexicain chez le poète en exil
This study deals with the complete poetical works of Manuel Altolaguirre. This critical approach is intentionally plural in order to apprehend the evolution and the constants of his style during thirty-three years, from Islas invitadas y otros poelas (1926) to Ultimos poelmas (1955-1959), when the author died. The part of Malaga, his birthplace, in his vision, his own part in the generation of 1927, and the question of the reception of his works at his time and afterwards, are examined first. Then we lay emphasis on the main elements of his imagination, according to G. Bachelard's readings and we show that his poetry is the direct descendant of that of San Juan de la Cruz and of G. A. Becquer. The major features of his word - as briefness or the importance of typography, of the a vocabulary suited to point out traces and signs, the alternation between polymetry and isometry or the value attached to silence -, are the matter of the third part, in which, at last, we try to perceive how Mexican space determined the exiled poet's creation

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Le, Bigot Claude. "La poésie politique dans l'Espagne républicaine (1931-1939) : essai sur les formes d'une rupture idéologique." Rennes 2, 1990. http://www.theses.fr/1990REN20004.

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Abstract:

Existe-t-il un langage spécifique à la poésie politique ? En nous appuyant d'abord sur une analyse de type socio-historique, on remarque que l'avènement de la république s'est accompagné d'une rupture idéologique dans les lettres espagnoles qui affecte essentiellement la poésie. L'engagement des écrivains en tant qu'intellectuels organiques les a conduit à modifier leurs pratiques artistiques. Si, à ses débuts, la poésie politique verse dans le propagandisme, avec la guerre, la fonction persuasive se réfugie derrière les archétypes qui forment l'ossature du romancero épique. L'analyse linguistique s'attache à mettre en évidence l'existence d'une rhétorique de la persuasion en accord avec la transparence du message et permet aussi de montrer que la notion de poésie politique n'est pas un ensemble homogène ; elle ne constitue pas davantage un genre, puisqu'elle s'investit dans des genres préexistants. La poésie politique repose sur la mise en oeuvre de stratégies discursives et se reconnaît à la présence des fonctions didactique et polémique. Lorsque la fonction persuasive s'estompe, la fonction poétique reprend ses droits. Sans remettre en cause leurs options idéologiques, les auteurs les plus avances ont créé un "lyrisme de guerre" qui leur a permis d'allier discours politique et discours littéraire. à
Is there a language pertaining to political poetry? If one relies on a sociocritical analysis, one notices that the beginning of the Spanish republic occurred along with an ideological break in Spanish literature which is essentially prevailing in poetry. The commitment of writers as militant intellectuals led them to alter their artistic practice. If, at the beginning, political poetry tends to become propaganda, as the war goes on, its persuasive role hides behind the archetype that constitute the backbone of epic romancero. The linguistic analysis which tries to entrance a rhetoric of persuasion in accordance with the obvious of the message, equally helps to demonstrate that the notion of political poetry isn't a homogeneous whole ; nor is it a literary genre, since it fuses into already existing literary genres. Political poetry is grounded on using speech strategies and can be traced thanks to its didactic and polemical functions. When its persuasive function faces away, its poetical function takes its place again. Without giving up any of their ideological choices, the most advanced authors among them have created a "wartime lyricism" which enables them to combine their political speech with literary speech

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Kitamura, Miou. "La poésie française et le haïku." Dijon, 2007. http://www.theses.fr/2007DIJOL005.

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Abstract:

Le Haïku fut introduit en France au début du XXe siècle, époque où la poésie française était fascinée par l’art du bref. De nos jours, la forme brève poétique japonaise inspire encore de nombreux amateurs français. Cette étude met en lumière l’originalité du Haïku français par rapport à la nature et à la tradition du Haïku japonais, et enfin décrit leur évolution respective. Ce dernier est fidèle aux règles formelles et bannit tout sentiment personnel excessif ; quant au Haïku français, il manifeste une relative liberté formelle et permet l’expression de moi. Même si les deux Haïkus se rapprochent l’un de l’autre, car le Haïku français a appris l’art de la suggestivité, ils conservent cependant une différence irréductible
Haiku was introduced into France at the beginning of the 20th century, when brevity started to take on an important place in French poetry. Nowadays, the short Japanese poetical form inspires many French amateurs. This study aims to show the originality of French Haiku in comparison with the nature and tradition of Japanese Haiku, and thier respective evolutions. Japanese Haiku adheres to formal rules and does not accept excessive personal expressions. As for French Haiku, it is marked with relative liberty in form and allows for being expansive. In spite of their fundmental differences, the two Haikus are moving closer. French Haiku, especially, learnt the art of suggestivity. Yet, within that relationship, they will obviously still be clearly distinguishable, one from the other, and preserve their particularities

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Constantin, Ilie. "La complicité fertile : poètes roumains, 1950-1973." Paris, INALCO, 1991. http://www.theses.fr/1991INAL0014.

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Diong, Maneume. "Aventures et avatars de la modernité poétique : de Baudelaire , Rimbaud, Mallarmé, Breton et Bonnefoy." Tours, 2004. http://www.theses.fr/2004TOUR2001.

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Abstract:

Cette thèse est une approche linéaire de la modernité poétique qui n'en est pas une. Baudelaire, Rimbaud, Mallarmé, Breton et Bonnefoy nous proposent chacun des cheminements différents. Ce sont ces différences qui actualisent leurs poésies et les inscrivent sous la bannière de poètes modernes. En les étudiant, on aboutit à une sorte de parcours poétique à deux vitesses : une modernité du sacré et de Mallarmé qui donne la préférence au signifiant. Breton, quant à lui, assigne une autre mission à la poésie : c'est la quête de l'irrationnel comme moteur de sa création dans la mesure òù il permet d'arriver à une passivité de la conscience pour que l'écrivain se libére des contraintes de la morale puritaine. Avec Bonnefoy, c'est une incessante lutte avec le langage poétique. Pour lui, la poésie, c'est l'affirmation de l'existence de la dérive, du vivre sur l'écrire, en un mot de la recherche du sens sur le plaisir illusoire de la dérive des signifiants, parce que les vrais lieux poétiques sont du côté de la présence, c'est-à-dire de l'existence vécue.

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Pey, Serge. "La langue arrachee ou la poesie orale d'action. Essai d'analyse et d'histoire de l'oralite dans le poeme a la fin du xxe siecle." Toulouse 2, 1995. http://www.theses.fr/1995TOU20086.

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Abstract:

A travers le mythe de philomele l'auteur analyse le rapport complexe qu'entretiennent oralite et ecriture. Philomele, "celle qui aime le chant", temoigne de l'ecartelement du poeme entre l'ecriture et la voix. La page est-elle une langue arrachee? toute ecriture porte son oralite et toute oralite son ecriture. Reposant sur l'experience singuliere de son auteur, cette these analyse l'exercice oral de la poesie jusqu'aux limites contemporaines de la performance dans laquelle elle se meut. La premiere partie intitulee "la langue enterree" met ainsi l'accent sur les aspects phonostyslistiques de la poesie et en fait sa critique. A la recherche de son oralite perdue, le poete a la maniere de philomele cherche sa langue dans toutes les directions (deuxieme partie): dans le rythme et les aspects corporels de la recitation que l'occident a oublies, dans le geste du poeme, dans le silence ou la transe. C'est par l'explosion de dada et des courants extremistes, paradoxalement contre le poeme, qu'on assiste a une liberation de la bouche qui va dire le poeme
Serge pey, the torn-out tongue or oral action poetry, a contribution to the history and the analysis of orality and of the poem at the end of the xxth century. Referring to the myth of philomela, the author analyses the complex relation between orality and writing. Philomela, "she who loves melody", witnesses the division of a poem, between the writing and the voice. Is the page a torn-out tongue? all writing bears its orality and all orality its writing. Based on the original experience of its author, this thesis analyses the oral exercise of poetry upto the contemporary limits of performance within which it evolves. Under the heading of "the buried tongue", the first part emphasizes the phonostylistic aspects of poetry and thus, forms its critical examination. In the search for his lost orality, the poet, like philomela, seeks his tongue in the rythm and the corporal aspects of reciting, forgotten by the western world, in the ritual act of the poem, in silence or in a transe. The explosion of dadaism and the extremist movements, which were paradoxically against the poem, has allowed the liberation of the mouth reciting the poem

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Le, Dimna Christian. "Expérience poétique et expérience mystique : une approche de la poésie contemporaine." Nantes, 2009. http://www.theses.fr/2009NANT3018.

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Abstract:

Nous déterminons les points de convergence entre poésie et mystique contemporaines. La mystique, dégagée du contexte religieux, reçoit le statut de connaissance expérimentale de l’être. Fondée sur le contact direct et l’union à une conscience non-individuelle, elle étudie les modalités sensibles de cette expérience unitive et les moyens de la réaliser. La poésie est conçue comme étant une de ses expressions et la recherche de moyens linguistiques pour orienter le lecteur vers le réel. Les œuvres poétiques sont retenues pour leurs confluences avec le corpus mystique constitué d’œuvres au-delà d’une tradition, « sauvages » ou athées. Basée sur l’expérience, notre méthode applique les connaissances mystiques sur la nature de l’esprit pour examiner quelques problèmes de la poésie contemporaine : sujet, lyrisme, présence, habitation, inspiration, rythme, etc. Autant que d’autres, l’approche mystique du poème peut ainsi en révéler une dimension spirituelle cachée qui en enrichit la lecture
Our research intends to find the essential points existing between contemporary poetry and mysticism. We look at mysticism, free from its religious context, as an experimental knowledge of the being, based on a direct contact and union with a non-individual consciousness. The poetry is examined as an attempt to express this experience of unity and a way to approach it or to orient the reader towards “the real. ” Choice is based upon its convergences with mystical texts not directly claiming an affiliation with tradition, affirming links to “wild mysticism” or the atheistic (even if the poets did not specifically affirm or even deny it). Established on the ground of experience, we intend to understand the poetic experience using the knowledge of mysticism, considering various concerns which contemporary poetry engages: poetic subject, lyricism, inspiration, rhythm, etc. We seek to demonstrate that mysticism can reveal unseen dimensions to a poetry and make it even more meaningfull

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Druet, Sarah. "La Poésie faite par tous : Partage poétique et poétique du partage dans le surréalisme européen de l'entre-deux-guerres." Tours, 2003. http://www.theses.fr/2003TOUR2024.

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Abstract:

La présente thèse se propose d'analyser les formes et les fonctions de la collaboration l'Europe surréaliste de l'entre-deux-guerres. Au delà de l'association stratégique mise en place entre les différents groupes français, belges, yougoslaves, tchèques, canariens, britanniques et danois, les surréalistes explorent les potentialités poétiques d'un processus créatif fondé sur le "partage de la pensée", où ils voient la quintessence de l'altération lyrique. Létude d'oeuvres comme les Champs Magnétiques de Breton et Soupault, les Sourcils désystématisés de Bor, Popovic et Ristic, Clarisse Juranville de Nougé, Souris et Magritte ou encore La femme au pluriel de Nezval et Teigne témoigne de la diversité des modes de création plurielle développés par les poétes, mais aussi les musiciens et les plasticiens. En annexe figurent une anthologie de textes rares ainsi que les entretiens menés avec les trois anciens membres du groupe surréaliste : Petr Kral, Conroy Maddox, Gisele Prassinos

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Simon-Oikawa, Marianne. "Poésie et écriture (alphabet et idéogramme dans quelques exemples de poésie visuelle en France et au Japon)." Paris 7, 1999. http://www.theses.fr/1999PA070107.

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Abstract:

La thèse examine l'utilisation de l'écriture dans deux types de poésies visuelles, les poésies calligrammatiques et les poésies spatialistes, qui illustrent les deux pôles constitutifs de l'écriture comme de l'image : la figure et l'espace. Ces deux tendances de la poésie visuelle, qui existent aussi bien en France et au Japon, forment les deux grandes parties de la thèse. A l'intérieur de la première partie, l'auteur examine d'abord quelques exemples historiques d'écritures figurées attestées dans les deux pays, avant d'aborder la période moderne et contemporaine en France avec Guillaume Apollinaire, Pierre Albert-Birot, Jean Tardieu puis Jean-François Bory. Elle étudie comment chaque poète investit la notion d'idéogramme de valeurs différentes: choisi par Apollinaire pour désigner l'une des formes de cette poésie nouvelle qu'il explore dans les années 1914-1918 avant d'être abandonné au profit de << calligramme >>, le terme apparaît chez ses successeurs tantôt comme une terminologie provisoire, tantôt comme un modèle fédérateur unifiant littérature et peinture, tantôt enfin comme un élément entrant dans la composition de poèmes mixtes. La deuxième partie est consacrée aux poésies de l'espace et en particulier au spatialisme, mouvement créé par le poète Pierre Garnier au début des années soixante, ainsi qu'à ses ramifications au Japon. L'auteur y défend la thèse que la poésie spatialiste, qui, dans ses discours théoriques se veut une poésie de la langue en général, est en réalité très précisément une poésie de l'écriture. Elle analyse les métamorphoses qu'y connaît la lettre alphabétique, et étudie les poèmes supranationaux élaborés en commun par Pierre Garnier et Niikuni Seiichi dans les années soixante et soixante-dix. Le dernier chapitre est consacre au travail de Niikuni Seiichi au Japon, et à la poésie visuelle japonaise dans son ensemble.

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Masi, Jacopo <1978&gt. "Déclinaisons de la nostalgie dans la poésie européenne de la deuxième moitié du 20e siècle." Doctoral thesis, Alma Mater Studiorum - Università di Bologna, 2010. http://amsdottorato.unibo.it/2779/.

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Hotineanu, Eleonora. "La dimension française dans la poésie roumaine de Bessarabie du XXe siècle." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030004.

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Abstract:

Cette recherche comparatiste évoque les aspects essentiels de la dimension française dans la poésie bessarabienne du XXe siècle. L’exemple si suivi de l’imagerie française, déterminante dans la synchronisation, voire la postsynchronisation littéraire de l’espace roumainophone (y compris celui bessarabien) avec le monde occidental, se manifeste depuis toujours. Lors de cette migration imagologique la réception de l’élément étranger implique la notion du temps. Au temps linéaire historique d’une société est opposé le temps cyclique de l’image, sinon du stéréotype. La crise du temps engage la crise identitaire. Dans le contexte littéraire local la quête identitaire évolue implicitement avec la recherche esthétique. Des motifs empruntés, dans la plupart des cas de souche française, mythiques ou paramythiques, récurrents ou occasionnels – tout est invoqué afin de raccorder une littérature marginale avec le centre convoité, qu’il soit roumain, français, européen… L’ouvrage se structure autour de la thématique réitérative (voyage, île, ville…), ou singulière (Cythère, Guernica…). Une place importante occupe les thèmes poésie et peinture, paysage et recherche identitaire, ainsi que l’étude d’anthropologie culturelle « Mythe ou paramythe ». Une grande partie du texte est accordée au suivi imagologique de la présence française en régime totalitaire. Suite à une mentalité stéréotypée, l’image française devient, respectivement, symptomatique. Elle symbolise, par ailleurs, un exutoire culturel. Déterminant dans la constitution de l’imaginaire esthétique bessarabien, le phénomène de réminiscence et d’intertextualité contribue à l’émergence d’un tableau poétique varié et disparate
This comparative research suggests the essential points of French dimension of the Bessarabian poetry in the twentieth century. The explicit example of the French imaging, decisive for synchronization, indeed literary postsynchronisation of the Romanian space (including Bessarabian) with the western world, has always manifested. During this imagological migration receipt of the foreign element involves the concept of time. The historical linear time of a society is against the cyclical time of the image, if not the stereotype. The crisis of time obliges the identity crisis. In the context of local literary quest for identity is changing with the implicit aesthetic research. The borrowed motifs, in most cases of French descent, mythical or paramythical, recurring or occasional - everything is invoked to connect the marginal literature with a coveted center, whether Romanian, French, European ... The work is structured around the reiterative theme (travel, island, city ...) or singular (Cythere, Guernica ...). An important place occupies the themes poetry and painting, landscape and identity research, and the study of cultural anthropology "Myth or Paramyth“. Much of the text is given to monitoring imagological of the French presence in totalitarian regimes. Following a stereotyped mentality, the French image becomes, respectively, symptomatic. Moreover, it represents a cultural outlet. Decisive for the constitution of the Bessarabian aesthetic imagination, the phenomenon of reminiscence and intertextuality contribute to the emergence of a poetic picture varied and disparate

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Zecchini, Laetitia. "Poétique de la relation et de la dissidence dans la poésie indienne contemporaine en anglais et en hindi." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040204.

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Abstract:

Cette recherche est née du désir de combler le manque de visibilité de la poésie indienne contemporaine en France. Elle se présente comme un travail comparatif entre la poésie indienne de langue anglaise, à travers l’étude des oeuvres d’Arun Kolatkar (1932-2004) et de Keki Daruwalla (né en 1937), et la poésie indienne de langue hindi, à travers celle de Gajanan Madhav Muktibodh (1917-1964) et de Kedarnath Singh (né en 1934). Ces oeuvres illustrent le passage d’une poésie protestataire, ouvertement transitive, à une poésie qui s’écarte de son assujettissement à des idées et de la pression d’événements extérieurs. C’est par une « poétique de la relation », selon laquelle toute identité s’étend dans un rapport à l’altérité et à la diversité, que ces quatre poètes répondent à la fragmentation du champ politique, culturel et social, perçu en termes d’antagonismes et de ruptures au milieu du vingtième siècle en Inde. Cette recherche étudie la relation de la poésie au contexte d’énonciation dans laquelle elle s’inscrit. Celle-ci passe par une forme de dissidence vis-à-vis de l’autorité énonciative que la langue anglaise et la langue hindi représentent, vis-à-vis de l’autorité institutionnelle et vis-à-vis de certains discours idéologiques. Leurs textes sont intertextuels et dialogiques. Ils s’inspirent de l’héritage immédiat de la modernité et de tout un « sous-continent » oral, folklorique, syncrétique et hétérodoxe. Ils déjouent toute tentative d’appropriation exclusive de la langue, du sens, de la vérité, d’une identité ou d’un passé. Cette dissidence poétique est l’instrument d’une conversion du regard, de l’altération et de la pluralisation du réel. En restaurant la poétique, la poésie indienne contemporaine la restaure aussi comme politique
This research endeavours to make up for the lack of visibility and of academic attention given to contemporary Indian poetry in France. It is a comparative study between Indian poetry in English, focusing on the works of Arun Kolatkar (1932-2004) and Keki Daruwalla (born in 1937) and Indian poetry in Hindi, focusing on the works of Gagajan Madhav Muktibodh (1917-1964) and Kedarnath Singh (born in 1934). Their works illustrate the evolution of Indian poetry from a transitive protestpoetry, to a more indirect dissidence, which keeps away from ideology and from the pressure of outside events. These four poets respond to the dislocation and the fragmentation of the Indian cultural, political and social field in the middle of the twentieth century by giving shape to a « poetics of relation », to borrow a term from Edouard Glissant, which expresses the idea that without the other there is no language for the self. They claim a hybrid heritage, that of the immediate impact of modernity, but also that of a plural and often heterodox « non-literate sub-continent ». They challenge the purity and the closure of the monolithic text, by asserting overlapping, reflexive, dialogic identities and by creating an intertextual, multilingual fabric for their poetry. These plural belongings and plural identities subvert any kind of exclusive understanding of language, of meaning, of the sacred, of the past or of identity. The emphasis is on the conversion of the act of seeing, on revealing rather than on loudly demonstrating, and this poetic conversion is fundamentally political

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Garcia, Deguise Guillemette. "Poésie et jeu : une approche de la poésie française contemporaine des années 1920 à nos jours." Toulouse 2, 1997. http://www.theses.fr/1997TOU20055.

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Abstract:

Constatant une nette propension au jeu verbal dans certaines oeuvres poetiques contemporaines, l'auteur tente d'analyser ce qui preside au choix stylistique d'une poetique ludique chez quelques poetes les plus representatifs de cette tendance: f. Ponge, j. Tardieu, g. Norge, r. Queneau et les poetes oulipiens. Mais qu'est-ce que le jeu poetique? cette question posee en preambule appelle une approche methodologique qui degage les caracteristiques et les effets essentiels du jeu verbal, et montre qu'elle peut en etre la singuliere efficacite poetique, des lors que l'on depasse la sterilisante opposition serieux/non serieux. Replacant cette problematique dans son contexte historique, l'auteur montre en effet que les effets de rupture engages par les oeuvres atypiques de la deuxieme moitie du 19eme siecle (celles de lautreamont, de rimbaud, de laforgue, des fumistes de la fin du siecle ou encore de jarry) ont cree les conditions d'epanouissement de ce que l'on pourrait appeler le ludique, versant radicalement autre du langage ou l'on voit s'interpenetrer, a des degres divers et subtils, les categories apparemment inconciliables du poetique et du comique, en une pratique scripturale axee sur les effets desaxants et humoristiques du jeu verbal. Il parait ainsi interessant de chercher a comprendre les enjeux du jeu poetique et les espoirs de liberation et d'autonomie dont il semble etre la riante et iconoclaste manifestation litteraire, surtout depuis l'avenement de la modernite poetique. Dans le champ poetique, le jeu permet en effet l'emergence d'une parole essentiellement marginale et subversive en ce qu'elle rend compte de l'absolue liberte du poete a s'inventer une langue nouvelle capable a la fois de subvertir les codes et valeurs etablies (ceux notamment de la tradition litteraire), d'exprimer la part d'arbitrage et de risque qui fait defaut a l'homme corsete dans son role social, de retrouver enfin la jouissance perdue de la manipulation langagere
Noting a marked propensity for verbal play in some contemporary poetical works, the author attempt to analyse what determines the stylistic choice of ludic poetics for some of the poets who best illustrate this tendancy: f. Ponge, j. Tardieu, g. Norge, r. Queneau and the oulipien poets. But what is meant by poetical play? this preliminary question calls for a methodological approach which will bring out the characteristics and the main effects of verbal play and show how poetically efficient it can be, as long as we go beyond the sterilizing opposition between the categories of the serious and the non serious. Setting this problematics in the light of its historical context, the author shows indeed that the disruptive effects cause by the atypical works of the second half of the 19th century (of lautreamont, rimbaud, laforgue, the "fumistes" of the end of the century, and also jarry), have created the conditions for an opening out of what can be called "le ludique" - the radically otherness of language - where the seamingly incompatible categories of the poetic and the comic interpenetrate each other in varied and subtle ways, in a writing experience centered on the distabilizing and humoristic effects of verbal play. It is therefore interesting to try and understand what is a stake in the poetical game and considered the hopes for freedom and autonomy it illustrates as the merry and iconoclastic literary occurrence it seems to be, especially since the advent of poetical modernity. In the poetical field, word play enables the emergence of a speech (une parole) which is basically marginal and subversive in so far as it accounts for the absolute freedom of the poet to create a new language capable of subverting the established codes and values (espacially where literary tradition is concerned), of expressing the arbitrariness and risks that escapes a man tied up in his social role, and of renewing with the lost enjoyment of word play

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Morrison, Anthéa. "La poésie contemporaine des Antilles-Guyane françaises (entre 1968 et 1977) : essai d'approche thématique." Paris 12, 1986. http://www.theses.fr/1986PA120012.

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Abstract:

Cette analyse a pour objet de faire ressortir les tendances de la poesie contemporaine des antilles et de la guyane a travers les oeuvres de six nouveaux poetes de la region. Les ecrivains en question - alfred melon-degras, joseph polius, christian rolle, sonny rupaire, soucougnan et elie stephenson - n'avaient rien publie avant 1968. L'etude vise a degager les principaux themes developpes par des ecrivains de la generation encore meconnue qui a suivi celle de la negritude. La premiere partie de la these donne un apercu des evenements socio-politiques qui ont marque la poesie contemporaine alors que la deuxieme partie - la plus importante - est consacree a l'analyse thematique de cette poesie. Les conclusions de l'etude sont presentees dans la troisieme partie, qui vise non seulement a faire la synthese des grands themes degages, mais aussi a indiquer les differents choix qui s'offrent a cette nouvelle generation qui cherche a s'imposer dans un contexte ou l'influence des celebres pionniers de la poesie antillaise reste considerable
This study seeks to highlight contemporary trends in french caribbean poetry through the work of six new poets from the region. The writers included in the analysis - alfred melon-degras, joseph polius, christian rolle, sonny rupaire, soucougnan and elie stephenson - all began publishing their works after 1967. The study attempts to identify the dominant themes of the poetry of the little-known post-negritude generation. The thesis begins with a brief outline of the social and political background to contemporary french caribbean poetry, while the main part of the study consists of a thematic analysis of the latter. In the third and final section, an attempt is made to present an overview of the major themes identified and also to indicate the various options facing these new poets as they seek to assert their individuality in a context still dominated by the influence of their illustrious predecessors

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Dissertations / Theses on the topic 'Poésie autobiographique – 20e siècle'

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