Academic literature on the topic 'Poésie d'amour latine – Thèmes, motifs'

La femme occupe une place centrale dans la poésie amoureuse augustéenne ; les trois grands élégiaques — Tibulle, Properce et Ovide — ainsi que leur prédécesseur Catulle ressentent un amour si grand pour la puella qu’il devient le moteur de la création littéraire et, du coup, la jeune femme en incarne la muse. Ainsi, la beauté du corps de la puella, mais aussi celle de son esprit, compose la matière élégiaque et définit dans un même temps la femme idéale selon les poètes de l’amour. Du fait de son statut de poète de l’amour, Ovide reprend le canon élégiaque de la puella lorsqu’il compose son recueil didactique l’Art d’aimer. Ce mémoire étudie dans un premier temps la femme des élégies latines, ses caractéristiques physiques, intellectuelles et émotionnelles de même que sa capacité à s’engager dans le type d’union préconisé par les poètes amoureux. Ces éléments seront repris dans le cadre de l’analyse des personnages féminins des digressions narratives de l’Art d’aimer afin de montrer comment Ovide construit ses héroïnes mythologiques selon un exemplum positif ou négatif de la puella élégiaque.

Se proposant d'examiner les manifestations de la culture classique dans la poésie d'Alcuin (v. 735 804), cette thèse étudie d'abord son application des lois traditionnelles de la poésie, puis son recours à l'exemple des oeuvres de l'Antiquité. Elle met pour cela en rapport la formation qu'il reçut à York et le programme de rénovation culturelle engagé par Charlemagne avec le sentiment artistique du poète. En l'absence d'ouvrage d'Alcuin spécialement consacré à l'art poétique, un inventaire de sa pratique de la langue latine (morphologie, syntaxe, vocabulaire, style, prosodie et métrique) permet de découvrir ce qui lui paraissait conforme au meilleur usage. Malgré la disparité des circonstances de composition, ses poèmes révèlent alors une tendance constante à rechercher la variété, souvent indépendante de l'appréciation qu'en avaient les Anciens. La revendication des poètes classiques comme modèles est manifestée par des citations et des adaptations, des références ostensibles à leurs oeuvres. En les associant aux auteurs chrétiens, tardifs ou anglo saxons, Alcuin réussit à accorder de façon originale les sources hétérogènes de sa culture dans une poésie ouverte sur son époque.

Nous entendons par "poetique de l'amour" la recherche, dans une perspective descriptive, des modalites de l'expression poetique du sentiment amoureux. Le domaine d'expression sur lequel porte la recherche est la poesie francaise du xxeme siecle (quelques oeuvres francophones sont prises en compte). L'investigation concerne en priorite les manifestations textuelles de l'etre aime et le lien amoureux et les modalites de leur celebration plutot que l'expression des emotions du sujet amoureux. Ayant rassemble le plus large eventail possible des textes qui pouvaient etre intuitivement apparentes a la poesie amoureuse, nous cherchons a preciser cette intuition en degageant quelques caracteres de l'hypothese de travail qu'est le "discours poetique amoureux", c'est-a-dire des formes et processus recurrents, a l'oeuvre dans notre corpus. L'ampleur du domaine de recherche, l'heterogeneite du corpus rassemble commandaient d'aborder seulement quelques "points de poetique". Apres avoir considere les distributions du prenom de l'etre cher dans les poemes, nous considerons les images que le poeme donne de l'aime; dans ce vaste champ nous etudions en particulier les appellations possessives, puis les blasons du corps de l'aime. Dans une deuxieme partie nous considerons la communication du poeme et d'abord la dynamique enonciative engagee vers autrui : la destination. Nous nous interrogeons sur la mobilisation des fonctions conative et phatique dans la fiction poetique, notamment a propos d'injonctions. Ensuite, a partir d'une reflexion sur la situation de la formule de declaration d'amour je t'aime dans la langue et dans les poemes c'est la reference poetique au sentiment amoureux qui nous occupe. Enfin, pour rendre compte de la formation du couple verbal, nous suivons les aventures de je et tu dans l'enonce, leur rapprochement, leur distance, leurs spheres d'influence et leurs lieux de rencontre. Il s'agit donc du reperage et de l'interpretation des formes, figures et configurations de l'enonce relationnel
Covering the field of xxth century french poetry, we investigate, mainly in a descriptive frame, the occurences and modalities of the expression of the sentiment of love (referred as poetics of love). Amongst the large number of texts that can intuitively be assigned as "poems of love", and in order to precise and characterize this intuition, we search for characteristics of a "poetic expression of love", emerging as recursive processes and forms. On account of the extend, variety and heterogeneity of the field, only a few key issues are addressed here. Rather than on the expression of the lover's feelings and emotions or lovelorns, we stress on the love ties and the celebration of the loved one. In a first part, we consider the distribution and disposition of the occurences of the name of the loved one. We analyze the related images, the possessive appellations and the anatomic blasons. The second part is devoted to communication and dynamical aspects, considering the address. We follow the occurrences of i and you, and consider their proximity, relative spheres of influence, meetings. . . We identify and propose an interpretation of the forms, figures and configurations of the relational utterance

Cette thèse étudie l’image de l’Afrique dans la poésie latine, d’Ennius à Corippe. Dans la plupart des occurrences, l’Afrique n’est présente que pour son caractère connotatif et sert surtout l’amplification du discours. Nous pouvons néanmoins en déduire un certain nombre de caractéristiques qui participent d’une imagerie topique attachée à l’Afrique. Nous avons ensuite mis en évidence la manière dont les poètes traitent ce matériau africain, ainsi que les caractéristiques propres à l’Afrique, qui la distinguent des autres régions « barbares » de l’Empire. L’originalité de l’Afrique, enfin, vient de la place qu’elle occupe dans le genre épique, puisqu’elle est le théâtre de plusieurs oeuvres. L’amplification propre au genre, qui se nourrit des réalités et de l’imaginaire précédemment évoqués, lui confère une dimension mythique, au point qu’elle joue un rôle fondamental dans la construction de ces poèmes. Par un effet de retour, elle en vient à être évoquée, dans les genres dits mineurs, commemétaphore pour désigner le genre épique
This thesis is devoted to the study of the representation of Africa in Latin poetry, from Ennius until Corippus. In most cases, allusions to Africa have a mere connotative value and fulfill an amplification purpose. Nonetheless, various characteristics of the stereotypes associated to Africa can be deduced from them. We also describe the methods used by the poets to deal with these stereotypes and we shed light on the characteristics that make Africa different from the other “barbarian” regions of the Roman Empire. The originality of Africa is related to the importance it takes in epic, since Africa is the scene of several poems. The amplification proper to epic, mainly based on these stereotypes, gives Africa a mythic dimension and it plays thus a fundamental role in the structure of epic poems. Consequently, it becomes the metaphor of epic in many other minor genres

L'intérêt que les poètes de l'époque d'Auguste portent à l'urbanisme romain est essentiellement d'ordre littéraire. Il témoigne d'un renouveau d'inspiration et de l'émulation de la poésie avec l'architecture. L'étude des procédés poétiques de description de la ville de Rome et de ses monuments met en lumière les convergences et les divergences esthétiques et idéologiques de la littérature et de l'urbanisme officiel
The interest of Augustan poets for city planning in Rome is governed by literary problems. It is the result of their ambition to restore their inspiration and to emulate with architecture. A study of the poetical process of description of Rome and its monuments shows how esthetical problems in literature sometimes differ from and sometimes converge with imperial city planning

A la fin d’avril 1553, Du Bellay part à Rome. Au cours de son séjour, qui dure un peu plus de quatre ans, le poète s’aperçoit que le rêve, le sens, la vertu et le sacré se sont retirés de Rome. Celle-ci ne coïncide plus avec l’imaginaire du visiteur humaniste : d’où son désenchantement. Les vices des membres du Saint-Siège et le relâchement des mœurs chez les Romains le poussent à regretter son voyage et à renier l’Italie. A partir de là, le projet de Du Bellay consiste à représenter Rome et à faire de son voyage une expérience du monde et de l’être. Son recueil poétique laisse entrevoir un processus de démythification, servant à détrôner Rome de ses symboles de gloire. A priori, la Ville éternelle est morte, car elle appartient à un temps révolu et irréversible. Or, le lieu romain a du génie : la rémanence du passé au sein de la Ville moderne confirme la survie de la Rome antique. Commencent alors les investigations du poète : sa quête du mythe romain se transforme en une enquête, lui permettant d’épier dans les différentes manifestations de la Ville moderne la présence du génie romain. La résurrection de la Ville antique coïncide avec l’incantation de l’écriture et trouve sa réalisation dans le livre à écrire. Mais, par delà la chute de l’idéal romain et l’ébranlement des certitudes du poète, la richesse générique et intertextuelle de son recueil poétique permet de restructurer l’image de Rome et de remédier à son rapport conflictuel avec la Ville et avec soi. Ainsi, après l’indignation, la révolte et la rupture, vient la réconciliation avec le monde. La rencontre entre le génie du lieu et le génie du poète opère en définitive la réhabilitation de la valeur de la Ville et de soi
At the end of April 1553, Du Bellay went to Rome. During his stay, which lasted a bit more than four years, the poet took notice that the dream, the sense, the virtue, and the sacred had withdrawn from Rome. Rome lost its magic spell; it no longer coincides with the imaginary of the humanist visitor. The vices of the members of the Holy See and the loosening of morals in Romans pushed the poet to regret his voyage and disown Italy. From then, Du Bellay’s project consists of representing Rome and making his voyage witness an experience of the world and the being. His poetic collection leaves to make out a process of demythicization which serves to dispossess Rome of its symbols of glory. A priori, the eternal City is dead. It belongs to an irreversible past time. Nonetheless, the roman place is a genius. The leftovers of the past in the modern City confirm the survival of ancient Rome. Then start the poet’s investigations. His quest of the Roman myth turns into an enquiry allowing him to spy on the different manifestations of the modern City, the presence of the Roman genius. The resurrection of the ancient City coincides with the invocation of writing and finds its achievement on the notebook. Yet, in spite of the fall of the Roman ideal and the weakening of the poet’s certainties, the generic and inter-textual riches of his poetic collection permits to restructure the image of Rome and remedy his conflicting connection with the City and the self. Thus, after the indignation, the revolt, and the break-up, comes the reconciliation with the world. The encounter of the genius of the place and the genius of the poet took effect on the rehabilitation of the value of the City and that of the self

Cette étude analyse l’emploi des couleurs dans l’intégralité des oeuvres de Lucrèce, Catulle, Virgile, Horace, Tibulle, Properce et Ovide. Cette étude a été conduite à partir d’un référentiel de termes de couleur unique et considérablement élargi par rapport à l’habitude en ce domaine : aux termes courants, comme albus, niger, ruber, etc., ont été ajoutés un grand nombre d’autres termes porteurs implicites de couleur comme aurum (l’or), ebur (l’ivoire), marmor (le marbre) ou encore sanguis (le sang), dès lors que l’occurrence était pertinente. Un inventaire exhaustif et quantifié de tous les termes de couleur, de toutes leurs occurrences dans chacune des oeuvres fait l’objet d’un document annexe (292 pages), enrichi de tableaux de synthèse et de ratios : il est ainsi possible de vérifier immédiatement la présence ou l’absence d’un terme, de connaître sa fréquence d’apparition chez chaque poète, dans chacun de ses poèmes. L’étude s’est attachée à analyser et comparer les emplois de chaque terme chez chacun des poètes, à souligner les symbolismes, les alliances et les contrastes de couleurs que privilégie chaque poète, à étudier la manière dont chacun peint portraits, paysages, scènes diverses, à s’interroger sur les raisons des lacunes ou des concentrations de couleurs au sein des poèmes. Ainsi on a pu mettre en évidence selon les thèmes (épopée, élégie ou satire), la profonde cohérence entre le style, la personnalité de chaque poète et sa palette de couleurs, sa manière d’en user
This study examines the use of color in the entirety of poetic works by Lucretius, Catullus, Virgil, Horace, Tibullus, Propertius, and Ovid. This study was conducted using a single reference tool of color-related terms, which allows a more thorough analysis of early Latin poetry than has typically been the case. To common terms such as albus, niger, and ruber, have been added numerous terms which implicitly signal the presence of color within the text, such as aurum (gold), ebur (ivory), marmor (marble), and sanguis (blood). A comprehensive inventory of color terms appears in a 292-pages appendix that contains summary tables showing where each term can be found in the works studied. It is therefore possible to immediately verify the presence or absence of a color term, and to map the frequency with which it appears in a particular poem or in the work of a particular poet. This study seeks to analyze and compare the use of color terms as used by each poet ; to highlight the symbolism as well as the color combinations and contrasts favored by each poet; to study the ways in which each poet paints portraits, landscapes, and various other scenes with words ; to raise questions about the absence or concentration of color in the heart of particular poems. By doing so, it becomes possible to demonstrate - in the case of epic, elegy, or satire - the profound coherence linking poetic style, the personality of the poet, the color palette, and the manner in which it is used

Ce doctorat est consacré à la poétique de deux auteurs élégiaques dont l’oeuvre latine fut inspirée par l’expérience de l’exil. Ovide composa les Tristes et les Pontiques au Ier siècle après J. -C. , au bord de la mer Noire, tandis que le poète allemand Petrus Lotichius Secundus rédigea ses Elegiae entre 1551 et 1560 en Allemagne, en France et en Italie. Après l’analyse minutieuse des jeux intertextuels, nous avons cherché, derrière la disparité des circonstances qui entourèrent la genèse de ces ouvrages, dans quel principe s’enracine la parenté profonde sensible à la lecture de ces vers antiques et humanistes. Les recueils d’Ovide, variation novatrice sur la thématique et l’axiologie de l’élégie romaine traditionnelle, sont construits autour de la notion ambiguë de desiderium (désir nostalgique). Ils devinrent le creuset de l’écriture de nombreux poètes. Dans cette oeuvre matrice, nous avons étudié les formes et les objets du desiderium : la patrie du poète, son épouse, sa poésie et ses amis. Nous voulions cerner la spécificité de ce sentiment, qui, en revêtant plusieurs masques, s’étend sur une large partie du spectre des affects, de l’ethos au pathos, pour dégager la singularité des vers d’exil dans le vaste paysage de l’élégie romaine. La douleur de l’éloignement et de la séparation, le regret d’un espace et d’un temps perdus forment aussi le noyau thématique des vers de Lotichius. En dialoguant avec le modèle ovidien, dans des circonstances politiques et idéologiques hostiles dont l’exil est une métaphore parfaite, il élabora une personnalité littéraire et une poétique singulières. Il cherchait à prolonger la tradition de l’élégie antique, tout en restant en adéquation avec son époque
The present thesis studies the poetics of two Latin Elegiac authors, whose works were influenced by exile. Ovid composed his Tristia and Epistulae ex Ponto on the shores of the Black Sea in the first century A. D. The German poet Petrus Lotichius Secundus penned his Elegiae between 1551 and 1560 in Germany, France and Italy. The thesis initially undertakes a detailed study of intertextual relations. It then seeks to display, beyond the disparity of circumstances surrounding the genesis of these corpora, the guiding principle that indelibly links these ancient and humanist verses for the reader. Ovid’s books, an innovative variation upon the themes and the axiology proper to traditional Roman Elegy, are constructed around the ambiguous notion of desiderium (nostalgic desire). They became a source for many poets. I examined the forms and objects of desiderium in this seminal work : the poet’s country, his wife, his poetry and his friends. I wanted to describe the specific quality of this sentiment, as it takes on a variety of guises and extends itself over a large part of the spectrum of affect (ethos and pathos). Close analysis reveals the singularity of Ovid’s late books in the landscape of Roman Elegy. The pain caused by distance and separation, the nostalgic longing for an irretrievable place and time, also reside at the thematic heart of Lotichius’ writing. In his dialogue with the Ovidian model, amidst unforgiving political and ideological circumstances of which exile constitutes the perfect metaphor, Lotichius elaborated a literary personality and a poetics that were truly his own. He sought to prolong the ancient Elegiac tradition, all the while remaining a man of his time

La première partie présente la biographie et l'oeuvre de Cruset, poète né en Catalogne en 1912 et mort en 1998. Sa production est située dans son contexte historique (1944-1962 essentiellement) d'une part en fonction de l'héritage dont il a pu bénéficier de ceux qui l'ont précédé (les classiques et les poètes de la 1ère moitié du siècle) et d'autre part à partir de ces termes : vie et mort, dieu et seigneur, azur et mer, amours et corps, poème et voix. Cette partie parle aussi de l'histoire poétique de l'après-guerre, des revues de poésie et de la difficulté d'écrire dans une autre langue que le castillan, en Espagne à cette période. La 2e partie est consacrée à l'analyse de l'oeuvre poétique proprement dite, aborde le versant religieux ou métaphysique de son oeuvre, sous le titre "les visages de Dieu", puis le versant "la poésie d'amour" avec le jeu des personnes des verbes et de l'évocation du corps. Un autre chapitre est consacré à "la poésie de circonstances" et le dernier analyse "le métalangage et la poésie chez Cruset. L'ensemble converge vers une définition de la voix de ce poète qui se caractérise par son adéquation avec son époque et une manière personnelle de s'y inscrire. C'est ainsi que se mêlent mort et enfance, azur, corps, et mer dans un prolongement de la tradition moderniste portée par une voix pleine de spiritualité peu en retrait sur les événements de son temps. C'est la quête d'harmonie et de sérénité qui la définirait le mieux dans une époque où la censure et l'autocensure limitent les possibilités d'expression et où le souvenir de la guerre est trop proche pour être évoqué sans précautions et trop présent pour être oublié. Cette quête débouche sur la soif d'un impossible absolu auquel s'identifient l'amour religieux et l'amour profane. La poésie est le lieu de cet amour