Academic literature on the topic 'Poésie dans la littérature'

L'image du corps dans la poésie péruvienne contemporaine est une étude de la poésie moderne du Pérou à partir des avant-gardes du vingtième siècle qui a comme but de décrypter la représentation du corps au travers de différents styles et auteurs tout au long du siècle. L'intérêt de placer l'étude à cette période-là est celui de répondre à la croissante importance du corps dans la poésie moderne, non seulement comme une métaphore de l'érotisme mais comme une image de l'existence humaine. Un corpus de textes poétiques de différents auteurs a été réuni pour cette analyse, en considérant qu'ils sont ceux qui ont marqué l'époque et qui ont le plus influencé la tradition littéraire. La thèse compte deux parties. La première est plutôt une interrogation philosophique des auteurs sur le corps, le langage et l'existence pour échapper au déterminisme matériel. La deuxième partie montre l'apparition de nouveaux personnages et auteurs telles que les femmes et les migrants de la province à la capitale, dans le discours poétique et la lutte contre le déterminisme social grâce à la mise en marche de poétiques de rupture. . .

Le Nocturne dans la poésie de Baudelaire est, phénoménologiquement, une notion qui se manifeste d'abord sur le plan lexical et sémantique, naît de la conjonction intime des deux dimensions temporelle et spatiale et apparaît , in fine, comme un climat de sa poésie, en vers comme en prose. La notion implique une mise en scène, assurée par un personnel, composé de différents protagonistes, dont les fonctions font signe vers des significations d'ordre existentiel et métaphysique ou poétique et esthétique. L'étude des valeurs de signification de la notion débouche sur une irréductible ambivalence : si le Nocturne apparaît souvent comme le signe de la mélancolie du mal et de la mort, il montre aussi un visage autre rendu possible par l'appropriation active de la spatialité nocturne et par l'instauration d'un climat d'érotisme qui lutte contre le climat de mort initial. Cette ambivalence est traduite par une poétique polymorphe, révélant quatre aspects principaux : "la tentation du Noir absolu" se marque par une écriture déceptive de la négativité, une allégorie tyrannique et "fragmentatrice" et un climat propice au surgissement de l'insolite ; la "fécondité du gouffre" révèle un infléchissement de cette orientation, qui rend envisageable l'apparition rédemptrice de la lumière. L'écriture du "clair-obscur" scelle le règne d'une euphémisation des couleurs et de la référencialité spatio-temporelle et d'une pensée analogique tendant à la restauration de l'unité perdue. Un dernier aspect tente d'opposer à la négativité superlative l'idéal insaisissable et fascinant du "soleil noir". Enfin, cette poétique fait signe vers une esthétique à double entente, selon que le Beau est appliqué à la nature ou à l'art. D'une part, le Noctrune, par un certain nombre de traits intrinsèques (l'irrégularité, l'ambivalence, la réversibilité) recoupe la vision baudelairienne de la Beauté idéale ; de l'autre, confronté aux univers d'autres créateurs (Young, Novalis, Hugo, Nerval), il apparaît comme un choix éminemment polémique, poétique et esthétique

La thèse aborde l’ensemble de l’œuvre de Georges Schehadé d’une manière esthétique et éthique, pour élucider le rapport de la poésie avec le réel. La poésie de Schehadé tend à la connaissance productive du réel en optant pour une « phénoménologie imaginaire de la perception » qui permet un accès à la chair du monde. La méthode est fondée sur des analyses structurales et stylistiques des textes, situés dans leur contexte littéraire et artistique. La démarche adoptée suit l’évolution diachronique de l’œuvre et le parcours intellectuel de l’auteur : la première partie décèle, à partir les écrits de jeunesse, les marques de l’intertextualité, l’importance de l’humour et de la fantaisie qui mènent vers l’avènement d’une voix ancrée dans une expérience du sens et du sensible. La deuxième partie s’intéresse aux écrits de maturité ; elle relève successivement les problématiques de la « lyre désenchantée », de la poésie comme « exercice spirituel » et la recherche d’un lieu sacré dans une expérience de l’incarnation. L’œuvre aboutit à la revendication de l’immanence via une participation cosmique aux éléments, c’est-à-dire une manière d’« habiter le monde »<br>This dissertation deals with the whole set of the poetic work of Georges Schehadé from an aesthetic and ethical point of view, with the aim of elucidating the relation between his poetry and reality. Schehadé’s poetry strives towards the productive knowledge of reality by opting for an “imaginary phenomenology of perception” which allows access to the flesh of the world. Our method is based upon the structural and stylistic analyses of the texts, situated in their literary and artistic contexts. Our approach follows the diachronic evolution of his works and the intellectual journey of the author. The first part reveals, in his earlier works, the marks of intertextuality and the importance of humour and fantasy. The latter contribute to the coming of a voice rooted in the experience of sense and sensibility. The second part deals with his later works and raises the issues of the “disenchanted lyre”, of poetry as “spiritual exercise” and of the quest of a sacred place in the experience of incarnation. His work leads to the claim of the immanence via a cosmic participation in the elements, in other words a certain way of “living the world”

L'étude envisage les domaines tant courtois que satirique et couvre la période allant de Machaut à Villon, avant la pleine période des grands rhétoriqueurs. On aborde les poèmes lyriques et les poèmes narratifs. Les deux traitent des saisons, et surtout la littérature des XIVe et XVe siècles les fait aller de pair dans les dits à insertions lyriques. A partir du XIVe siècle, les substantifs printemps et automne apparaissent dans une poésie non didactique. Qu'apporte cette nouvelle idée de quatre saisons, remplaçant les deux saisons poétiques traditionnelles, este et iver ? Ce changement ne reste-t-il pas malgré tout prisonnier des codes rhétoriques et symboliques établis dans la littérature aux XIIe et XIIIe siècles ? Une étude lexicale est nécessaire, notamment pour les noms saison, temps, printemps et este qui sont polysémiques. Le concept de saison se révèle multiple, englobant plusieurs systèmes de pensée : activités agricoles, temps qu'il fait, fêtes profanes et religieuses, calendriers savants. L'idée de quatre saisons correspond à une vision plus scientifique du monde en poésie. Les poètes jouent de l'analogie entre les âges de l'homme et les quatre saisons et usent d'un savoir médical ou astronomique. Les codes rhétoriques et symboliques des XIIe et XIIIe siècles restent présents. Mais ces mécanismes de pensée ou d'écriture laissent malgré tout une marge de manœuvre aux poètes qui s'orientent vers plus de réalisme et d'attention vis-à-vis de la nature et vont parfois jusqu'à utiliser les saisons comme un motif structurant leur œuvre.

L'objet de la thèse est de rendre compte de l'interaction entre le son et le sens dans un corpus d'œuvres poétiques symbolistes de langue française. Ghil et Moréas sont étudiés pour leurs recherches formelles, Samain, Viele-Griffin et Van Lerberghe pour leur ambition cratylienne, Eiskamp et Saint-Pol-Roux pour leur rôle de transition vers la modernité. L'étude de l'euphonie en tant que telle est écartée, ainsi que le cratylisme primaire. L'approche est donc fondée sur le cratylisme indirect. Toutes les répétitions du corpus, selon une définition restrictive de la notion de récurrence phonique, sont recensées au moyen d'un programme informatique. Pour sélectionner les effets pertinents du point de vue phono-sémantique, le plan métrico-rythmique est considéré comme un élément essentiel de la perceptibilité. La compensation de l'affaiblissement des contraintes traditionnelles de versification par la structure phonique est mise en évidence : l'expansion d'un patron phonique selon des schémas analogues aux schémas rimiques structure l'écriture. Du point de vue de l'interaction entre cette structure phonique et le sens, l'analogie entre le plan de l'expression et le plan du contenu est analysée dans le processus de perception : la signification profonde ne réside ni dans la perception du contenu, ni dans celle de l'expression, mais dans un entre-deux qui s'exprime au moyen de procédés de travail sur les signifiants : l'effacement de traits sémantiques dénotatifs au profit d'un changement de signification, le détournement des clichés, l'élucidation des lapsus poétiques ou des termes impertinents du point de vue sémantique. L'axe de la taxinomie, sur lequel se déploient les relations de similarité, et l'axe de la générativité, qui correspond aux liens de contiguïté, structurent, dans les processus cognitifs, à la fois la substance de l'expression et la substance du contenu. Les symbolistes ont ainsi fondé une esthétique nouvelle sur l'utilisation d'éléments anciens<br>The aim of the thesis is to account for the interaction between sound and meaning in a set of symbolist poetic texts in french language. Ghil and Moreas are studied for their formal work on sounds, Samain, Viele-Griffin and Van Lerberghe for their cratylian aim, Elskamp and Saint-Pol- Roux for their role of transition towards modernity. The study of the euphonia as such is drawn aside, as well as the primary cratylism. The approach is founded on the indirect cratylism. All the repetitions of the set of texts, according to a restrictive definition of phonic repetitions, are listed by means of a data-processing program. To select the relevant effects from the phono-semantic point of view, the metrical and rhythmic structure is regarded as an essential element of perceptibility. The compensation of the attenuation of the traditional constraints of versification by the phonic structure is highlighted: the writing is structured by the expansion of a group of phonemes according to patterns similar to the rimic pattern. From the point of view of the interaction between this phonic structure and the meaning, the analogy between the expression plane and the content plane is analyzed in the process of perception: the major significance lies neither in the perception of the content plane, nor in that of the expression plane, but in an interval between these planes, which is expressed by means of work on the signifiers: the attenuation of denotative semantic features to the profit of a change of significance, the diversion of the stereotypes, the elucidation of the poetic lapses or impertinent terms from the semantic point of view. The axis of taxonomy, on which the relations of similarity are situated, and the axis of generativity, which corresponds to the links of adjacency, implement a structure in the cognitive processes, at the same time in the substance of expression and in the substance of content. The symbolists thus based a new esthetics on the use of old elements

Cet essai propose une comparaison active entre les chamans (techniciens de l'extase présents dans de nombreuses cultures), les personnages mythiques primordiaux de la plupart des religions antiques et modernes, et certains poètes, musiciens ou peintres qui leur correspondent en occident. Ce travail porte à la fois sur l'initiation fondée sur la cruauté et le dépècement de la personnalité, la vision du monde extérieur mais également de l'"autre" monde par la maitrise du feu intérieur, et le pouvoir magique de la poésie extatique et du verbe créateur. La source de la poésie de l'extase comme des pouvoirs chamaniques se révèle enfin dans le voyage à travers le monde de la mort. Poètes extatiques et chamans semblent ainsi, dans chaque pays et à chaque époque, suivre un itinéraire étrangement parallèle, un cheminement initiatique bien plus ancien que l'humanité, vers la même intention originelle : la liberté<br>This essay offers an active comparison between shamans (technicians of ecstasy in many cultures), mythic characters from the outset of most antique and modern religions, and some poets, musicians or painters, who correspond to them in the occidental world. This work follows the shamanic initiation based on cruelty and the cutting up of personality, then gets into the ecstatic vision of both realities, physical and spiritual, by mastering the inside fire, and finally comes to the magical power of the creative word. The source of ecstatic poetry and shamanic powers reveals itself in the journey into the world of death. Ecstatic poets and shamans seem to follow, in every country and in every era, a parallel itinerary much more ancient than humanity itself, an initiatic road which leads them to the same original intention: freedom

Née en France autour de la revue OU, la poésie sonore est souvent rejetée hors du champ de la littérature pour se voir dénier toute valeur esthétique. Elle s'inscrit en effet dans le réinvestissement, initié à la fin du dix-neuvième siècle, d'une matérialité du langage perçue comme extérieure au système de la langue. Ce réinvestissement conduit à interroger la définition saussurienne de la langue, et les modèles qui pensent l'oralité comme mise en oeuvre d'un code second, stricterment indépendant du code linguistique. A cette pensée univoque de l'oralité, qui en fait l'expression d'un sujet, les poétiques expérimentales de la voix substituent leur diversité: voix jaillissante et agressive du dadai͏̈ste Raoul Hausmann, opposant son individualité à toute réification sociale et discursive, voix traitée comme matériau d'une sonate par Kurt Schwitters, ou voix comme détachée du sujet, transénonciative, d'Antonin Artaud. Dans la continuité de telles expériences, mais aussi sous l'influence de la naissante poésie concrète, la poésie sonore est fondée sur une objectivation de la voix rendue possible par le magnétophone. Critère technologique ouvrant sur une première définition générique de la poésie sonore, le magnétophone, et les manipulations qu'il permet, est l'emblème de la volonté des auteurs de la revue OU de donner à entendre la voix dans sa matérialité, sur le mode d'une présence. Les divergences qui se font jour au sein de la revue manifestent l'émergence d'esthétiques attribuant des sens différents à cette démarche commune. De l'expansion du corps physique que constitue la poésie chez Henri Chopin à la communication toujours menacée que met en oeuvre Bernard Heidsieck, en passant par le geste incertain d'appropriation de sa propre voix par François Dufrêne, ces poétiques se rejoignent dans une mise en question de la notion de poésie par l'affirmation du lien qui unit le poéme au geste qui le fait naître, au corps du poète, à ce risque qu'est l'immanence<br>Born in France round the "OU" review, sound poetry is often rejected out of the literary field, leaving its aesthetic value unrecognized. Thus it started along with the reinvestment of language's materiality, at the end of the nineteenth century, conceived as outside language's system. This reinvestment leads to a critical reading of Saussure's definition of language as an abstract function, as well as other conceptions which look upon oral expression as a second code, clearly separated from the linguistic code. .

L'analyse aborde les fondements de l'identité poétique chez REVERDY par différentes mises en " je " : mises en espace, en spectacle et en récit, le sujet oscillant entre fiction et figuration. Il se fait metteur en scène dévoilant le sens original du monde. L'écriture elle-même mise en scène joue sur la brisure, chaque " flaque de verre " réfléchissant une image nouvelle dans laquelle le nom du poète s'inscrit comme une obsédante quête d'identité. Le récit morcelé conduit à la fragmentation du discours et des voix qui prennent en charge la parole. Le brouillage énonciatif fait écho au trouble identitaire et renouvelle le statut du lecteur chargé de reconstituer le sujet à partir d'indices disséminés. Le poème ne parlant plus à la première personne, Reverdy renvoie à un lyrisme pluriel. Ce n'est donc plus le " je " qui importe mais plutôt le " soi ", le réfléchi renvoyant à la fois à l'individualité singulière mais aussi à la pluralité et à la réflexivité<br>This analysis tackles the bases of Reverdy's poetic identity through various staging of the I : in space, in the theatricality, in the narrative, with the character passing from fiction to theatrical performance. The poet gives an aesthetic and dramatic dimension to reality revealing the original meaning of the world. The writing too takes a token role through its fragmentation, with every single "flaque de verre" mirroring a new image in which the poet's name is set in an obsessive quest for identity. The broken up narrative leads to a fragmented talk and voices convey the meaning. The deliberately blurred enunciation echoes the interrogation on the identity and leaves it up to the reader again to construe the theme from various scattered clues. Once the poem is no longer in the first person, Reverdy refers to a lyrical plural. So that it is no longer the I that matters but the self, the reflexive which refers both to the singular individuality but also to plurality and reflexivity

Comment appréhende-t-on l' "imagination" au XVIIe siècle ? Pour des auteurs tels que Théophile de Viau, mettre en scène la "folle du logis" au sein de ses "Poésies" implique un questionnement sur le lieu d'origine de cette dernière, c'est-à-dire sur son lieu de "naissance", d' "engendrement". En appronfondissant cette enquête, l'on se rend compte que l' "imagination", en tant que fille de la "øavraơiá ", n'est pas seulement la soeur de la liberté, du caprice, ni même de la fantaisie. Elle est celle qui donne à voir, ce qui permet au sujet et en l'occurence au sujet lyrique, de donner naissance aux représentations mentales qui peuplent son esprit et affectent son corps. Cependant, le champ lexical et métaphorique de l' "imagination" n'est que la façade qui cache un territoire d'une bien plus grande ampleur. Mais, paradoxe suprême, celle qui devait "donner à voir" se dissimule sans cesse sous nombre de figures polymorphes qui finissent par égarer le lecteur.