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Dissertations / Theses on the topic 'Poésie de la Renaissance – Thèmes, motifs'
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Latella, Cecilia. "« Giovane donna in Mezzo 'l campo apparse ». Figure Di Donne guerriere nella tradizione letteraria occidentale." Thesis, Tours, 2009. http://www.theses.fr/2009TOUR2003/document.
Full textAbstract:
Les femmes guerrières, de Camille à Bradamante, de Marphise à Clorinde, représentent des personnages fixes de l’épique, des poèmes et des romans chevaleresques. Présentes dès l’époque classique, elles re-émergent dans l’épopée française du XII siècle pour s’intégrer ensuite définitivement aux poèmes italiens du XV siècle. Elles vont connaître leur apogée grâce aux grands poèmes chevaleresques de la Renaissance. Les imitations et les réécritures de ces poèmes diffusent le personnage des femmes guerrières dans l’Europe entière. Le champ géographique et historique de notre thèse, après un premier chapitre introductif consacré à l’épopée classique, est constitué par des textes italiens, français, anglais et espagnols qui datent du Moyen Age au début du XVIIe siècle. Nous étudiont les étapes les plus remarquables de cette filiation littéraire intertextuelle ainsi que le sens changeant des guerrières dans le système des rapports de pouvoir entre personnages masculins et fémininsFrom Camilla to Bradamante, from Marfisa to Clorinda, women warriors are fixed characters in epic, chivalric poems and romances. Described from ancient times, they re-emerge in French epic of XII cent. before being integrated by XV cent. Italian poems, where they will know the height of their glory during the Renaissance. Imitations and rewritings of those poems are responsible for the great European diffusion of characters of woman warrior. After an introductory chapter about classical epic, the historical and geographical area of my thesis concentrate on Italian, French, English and Spanish texts dating from Middle Ages to early XVII cent. My research study the notable stages of this intertextual literary filiation and the changing significance of women warriors in the system of power between male and female characters
Da Camilla a Bradamante, da Marfisa a Clorinda, le donne guerriere costituiscono dei personaggi fissi dell’epica, dei poemi e dei romanzi cavallereschi. Presenti dall’età classica, esse riemergono nell’epica francese del XII secolo per poi inserirsi definitivamente nella poesia italiana del Quattrocento, conoscendo infine il loro apogeo nei grandi poemi cavallereschi del Rinascimento. Le imitazioni e le riscritture di tali poemi diffondono questi personaggi in tutta Europa. Dopo un primo capitolo dedicato all’epica classica, lo spazio storico-geografico della nostra tesi è formato da testi italiani, francesi, spagnoli e inglesi che vanno dal Medioevo agli inizi del Seicento. Il nostro studio analizza le fasi fondamentali di tale filiazione letteraria intertestuale e il cambiamento del significato delle guerriere nel sistema di rapporti di potere tra personaggi maschili e femminili
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Delvallée, Ellen. "Poétiques de la filiation. Clément Marot et ses maîtres : Jean Marot, Jean Lemaire et Guillaume Cretin." Thesis, Université Grenoble Alpes (ComUE), 2017. http://www.theses.fr/2017GREAL006/document.
Full textAbstract:
Ce travail porte sur l’évolution de la poésie française au début de la Renaissance, à travers la dette de Clément Marot envers ses maîtres de la génération précédente, les « Grands Rhétoriqueurs » Jean Lemaire, Guillaume Cretin et Jean Marot (le père de Clément). La récente réhabilitation des Rhétoriqueurs a laissé en grande partie intact le présupposé d’une « révolution marotique » : le fils Marot aurait développé un style poétique plus simple, moins grandiloquent que ses prédécesseurs, et renoncé à ses devoirs épidictiques et historiographiques au profit de formes plus courtes et de sujets plus légers. Notre thèse remet en question ce présupposé, de même que la frontière arbitraire entre le Moyen Âge et la Renaissance traditionnellement établie vers 1500 par l’histoire littéraire française. Notre postulat est que l’esthétique de Marot doit aussi être étudiée de façon « généalogique », et notre objectif a été de réévaluer les influences qui ont joué un rôle direct pour la former. Tout d’abord, grâce à des analyses comparées précises de la poésie épidictique de circonstance que les poètes de notre corpus ont adressée à leurs protecteurs (en particulier les déplorations funèbres et travaux historiographiques et de propagande), nous montrons comment les œuvres des trois rhétoriqueurs de la génération précédente évoluaient déjà en réponse à des changements affectant la culture et les devoirs attachés aux milieux de cour ; et comment ces changements, à leur tour, ont annoncé et nourri les innovations de leur successeur. Ensuite, nous analysons le témoignage que Clément donne lui-même de cette évolution, notamment à travers ses hommages réguliers aux trois maîtres qui l’ont éduqué ou conseillé, manifestant ainsi sa dette ou au contraire s’en écartant, mais jamais de façon polémique. Que ce soit en évitant ostensiblement leurs pratiques poétiques ou bien en les copiant tacitement, que ce soit en se présentant comme un élève reconnaissant ou bien comme un poète mûri et autonome, Marot fils n’a eu de cesse d’élaborer une histoire de la poésie récente tout en fondant en même temps une biographie idéalisée. En étudiant à la fois d’indéniables mutations des genres poétiques et le récit personnel qui les met en évidence et leur prête parfois un sens rétrospectif, nous montrons comment les poèmes de Marot construisent un scénario de succession caractérisé par la variété et la subtilité plutôt que par le genre de rupture mise en scène par des mouvements littéraires postérieursThis dissertation focuses on the evolution of French poetry in the early Renaissance, by way of Clément Marot’s debt to three writers of the previous generation, the “grands rhétoriqueurs” Jean Lemaire, Guillaume Cretin, and Jean Marot (Clément’s father). The recent rehabilitation of the rhétoriqueurs has left the premise of a “Marotic revolution” largely untouched, for the younger Marot developed a simpler, less grandiloquent poetic style than his predecessors and abandoned the duties of epideictic historiography in favor of shorter forms and lighter subjects. Our research challenges this premise, along with the artificial border between the Middle Ages and the Renaissance traditionally set around the year 1500 by French literary history. We contend that Marot’s art has to be studied in a “genealogical” light as much as on its own terms, and our goal was to reevaluate the influences that played a most direct role in shaping it. First, through close comparative readings of the occasional epideictic poetry addressed by the four writers of the corpus to their patrons (in particular funeral laments, historiography and propaganda works), our thesis shows how the work of three rhétoriqueurs of the last was already evolving in response to shifts affecting court culture and its duties; and how these changes, in turn, announced and nurtured their successor’s innovations. Second, we analyze Clément’s own account of this process: for it was his habit to salute the three masters who trained or advised him, thereby acknowledging his debt – or moving past it, albeit never in a polemical fashion. Whether he ostensibly avoided their poetic practices or tacitly copied them, whether he presented himself as a grateful apprentice or as a mature author making his mark, the younger Marot kept sketching out a history of recent poetry along with a tale of his own life. By studying actual, objective changes regarding poetic genres together with the personal narrative that highlights and makes retrospective sense of some of them, we show how Marot’s work implies and builds up a succession scenario, characterized by variety and subtlety rather than by the kind of rupture dramatized by later literary movements
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Descoings, Karine. "Sed desiderium superest : poétique de la nostalgie dans les élégies d’exil d’Ovide et dans les Elegiae de Petrus Lotichius Secundus (1528-1560)." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040293.
Full textAbstract:
Ce doctorat est consacré à la poétique de deux auteurs élégiaques dont l’oeuvre latine fut inspirée par l’expérience de l’exil. Ovide composa les Tristes et les Pontiques au Ier siècle après J. -C. , au bord de la mer Noire, tandis que le poète allemand Petrus Lotichius Secundus rédigea ses Elegiae entre 1551 et 1560 en Allemagne, en France et en Italie. Après l’analyse minutieuse des jeux intertextuels, nous avons cherché, derrière la disparité des circonstances qui entourèrent la genèse de ces ouvrages, dans quel principe s’enracine la parenté profonde sensible à la lecture de ces vers antiques et humanistes. Les recueils d’Ovide, variation novatrice sur la thématique et l’axiologie de l’élégie romaine traditionnelle, sont construits autour de la notion ambiguë de desiderium (désir nostalgique). Ils devinrent le creuset de l’écriture de nombreux poètes. Dans cette oeuvre matrice, nous avons étudié les formes et les objets du desiderium : la patrie du poète, son épouse, sa poésie et ses amis. Nous voulions cerner la spécificité de ce sentiment, qui, en revêtant plusieurs masques, s’étend sur une large partie du spectre des affects, de l’ethos au pathos, pour dégager la singularité des vers d’exil dans le vaste paysage de l’élégie romaine. La douleur de l’éloignement et de la séparation, le regret d’un espace et d’un temps perdus forment aussi le noyau thématique des vers de Lotichius. En dialoguant avec le modèle ovidien, dans des circonstances politiques et idéologiques hostiles dont l’exil est une métaphore parfaite, il élabora une personnalité littéraire et une poétique singulières. Il cherchait à prolonger la tradition de l’élégie antique, tout en restant en adéquation avec son époqueThe present thesis studies the poetics of two Latin Elegiac authors, whose works were influenced by exile. Ovid composed his Tristia and Epistulae ex Ponto on the shores of the Black Sea in the first century A. D. The German poet Petrus Lotichius Secundus penned his Elegiae between 1551 and 1560 in Germany, France and Italy. The thesis initially undertakes a detailed study of intertextual relations. It then seeks to display, beyond the disparity of circumstances surrounding the genesis of these corpora, the guiding principle that indelibly links these ancient and humanist verses for the reader. Ovid’s books, an innovative variation upon the themes and the axiology proper to traditional Roman Elegy, are constructed around the ambiguous notion of desiderium (nostalgic desire). They became a source for many poets. I examined the forms and objects of desiderium in this seminal work : the poet’s country, his wife, his poetry and his friends. I wanted to describe the specific quality of this sentiment, as it takes on a variety of guises and extends itself over a large part of the spectrum of affect (ethos and pathos). Close analysis reveals the singularity of Ovid’s late books in the landscape of Roman Elegy. The pain caused by distance and separation, the nostalgic longing for an irretrievable place and time, also reside at the thematic heart of Lotichius’ writing. In his dialogue with the Ovidian model, amidst unforgiving political and ideological circumstances of which exile constitutes the perfect metaphor, Lotichius elaborated a literary personality and a poetics that were truly his own. He sought to prolong the ancient Elegiac tradition, all the while remaining a man of his time
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Jourdan, Gledel Marie Françoise. "Jean Cocteau : danse et poésie." Rennes 2, 1998. http://www.theses.fr/1998REN20018.
Full textAbstract:
Jean Cocteau, poète aux écritures multiples, intègre très tôt l'art chorégraphique dans sa création poétique. Ainsi, réalités quotidiennes sublimées, décalages rythmiques, figures emblématiques et autres thèmes ou motifs récurrents se répondent de poésies en ballets. Cette interaction danse poésie a un retentissement certain dans son oeuvre, lui assurant une profonde cohésion. La poésie devient chez Cocteau une force vitale imprégnant le monde, force que seul le poète medium peut capter. Puisant aux diverses sources du mysticisme, jean Cocteau développe une vision d'un univers pluridimensionnel de mondes emboîtés à l'infini, abolissant toute notion de temps, simple reflet de l'emboîtement des espaces. Hésitant entre secret et explications, l'attitude paradoxale de Cocteau déroute la critique et donne naissance a de nombreux malentendus. Cocteau, fascine par la création chorégraphique, perpétue pourtant à sa manière une tradition française du ballet théâtre. A son exemple d'autres écrivains (Claudel, Cendrars, Picabia, Valery, Gide) vont tenter l'aventure et ce mouvement, particulièrement manifeste dans l'entre-deux guerres ravive les questionnements sur la relation entre danse et poésie et sur la pureté en artJean Cocteau, poet with numerous types of writing, very early integrated choregraphic art into his poetic creation. That way sublimated daily reality, symbolic characters and many other recurrent themes and patterns can be found again and again both in his poems and ballets. This interaction between poetry and dance had definite repercussions in his works leading to a deep cohesion. Poetry became in Cocteau's works a strength that filled the whole world and that only the poet as a medium could fully grasp. Drawing from the various sources of mysticism, Cocteau develops a view of a 'pluridimensional' universe made of worlds that endlessly fit together, abolishing the concept of time, reflecting merely the interlocking of space. Vacillating between secrecy and explanations, Cocteau's paradoxical choices dismayed the critics and gave birth to many misunderstandings. And yet in his own way Cocteau, fascinated by the choregraphic creation, carried on the French traditions of 'ballet-theatre'. Following his example, other writers (Claudel, Cendrars, Picabia, Valery, Gide) tried the adventure and this movement which was most patent between the two wars reopens the debate on the relation between dance and poetry and on the purity in art
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Vegehan-Marshall, Cécile. "Poésie, politique et ironie dans l'oeuvre de Tony Harrison." Bordeaux 3, 2007. https://hal.archives-ouvertes.fr/tel-01526177.
Full textAbstract:
Parce qu’elle louvoie constamment entre les extrêmes, surprenant son public là où il ne s’y attend pas, la poésie de Tony Harrison est inclassifiable. A l’instar de l’ironie, son mode d’écriture privilégié, elle est à la fois iconoclaste et traditionaliste, populaire et élitiste, pudique et publique, inclusive et exclusive. Tony Harrison imprime sa marque dans le canon, entre résistance et rébellion, fidélité et originalité, grâce à des traductions audacieuses de textes dramatiques classiques. De même, il revisite la forme sonnet, confronte la langue poétique aux théories sur l’hégémonie culturelle et invite la problématique galvaudée du scholarship boy dans l’Angleterre thatchériste. Dans sa quête d’une poésie publique, ce trouble-fête socioculturel s’approprie des media, ainsi que des lieux de production et de représentation non-conformistes. Brouillant les frontières génériques entre poésie, théâtre et cinéma, entre art et reportage, Tony Harrison impose les rimes et les formes strictes, apparaissant paradoxalement comme le plus traditionaliste des poètes anglais contemporains. Il revisite ainsi l’esthétique tragique pour que la poésie survive aux traumas du vingtième siècle, tout en exhibant une tendance irrépressible à l’ironie. De la ritualisation de la représentation théâtrale à la mise en scène de la littérarité, la poésie de Tony Harrison s’offre en spectacle, écumant les poètes, les langues, les dialectes et les idiolectes pour célébrer les plaisirs de l’écritureSince the 1970s, Tony Harrison has constantly played with expectations and relished paradoxes. His poetry, like irony, his favourite mode of writing, defies categories. It is both iconoclastic and traditionalist, popular and elitist, self-conscious and public, inclusive and exclusive. Starting his career with the translation and modernisation of dramatic classics, he has made his mark in the poetic canon with his appropriation of the sonnet form. Half-way between resistance and rebellion, homage and originality, he confronts poetic language with theories of cultural hegemony, and invites the outmoded scholarship boy debate into Thatcherist Britain. In his quest for public poetry, he appropriates non-conformist media and cultural venues. While blurring the traditional distinctions between poetry, theatre and cinema, between art and reportage, Tony Harrison imposes rhymes and strict poetic forms, thus paradoxically appearing to be the most traditional of contemporary English poets. He revives Greek tragedy so that poetry might survive the traumas of the twentieth century, but demonstrates an irrepressible tendency for irony. Thus, he endows the theatrical performance with a ritual quality while, at the same time, debunking the artificiality of poetic language. Tony Harrison’s poetry exhibits texts, poets, languages, dialects and idiolects to celebrate the pleasures of poetry
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Slaoui, Mostafa. "Le trait dominant de la poétique arabe classique : la notion d́excellence." Paris 3, 1989. http://www.theses.fr/1989PA030141.
Full textAbstract:
A cote de la notion d'organisation et celle de l'innovation, la notion d'excellence poetique constitue le trait qui domine la poetique arabe classique. Diversifiee a travers les jugements de valeur et les modeles d'excellence, cette notion continua d'etre cultivee au fil des siecles. Dans un premier temps, elle etait la (note) que le critique prononce a propos de la valeur d'un poeme. Ensuite, elle est devenu une sorte de modele compose de plusieurs criteres que le poete doit prendre en consideration pour meriter le qualificatif (excellent). Enfin, la notion d'excellence poetique s'est transforme en un "systeme" qui permet, tant au poete qu'au critique, de tester l'efficacite des elements succeptibles de realiser la poetique du texteBisides the notion of organization and innovation, the idea of poetic excellence is the dominant characteristic of the classic arabic poetics. This notion has been cultived through many centuries by the diversification in judgements of value and several theoretic models. In the beginning, it was the criterom of evaluation applied to a poem by a literary critic. Later, it has developed to a kind of model composed by many criteria which have to be adopted by a poet as to be worthy to be colled "excellent". Finally, the notion of poetic excellence has transformed to a control system in order to check the efficiency of the poetic elements within a text
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Rabu, Franck. "Poésie et peinture dans l'oeuvre de René Char." Nantes, 2000. http://www.theses.fr/2000NANT3036.
Full textAbstract:
Cette étude envisage l'inscription du pictural dans l'ensemble de l'oeuvre poétique de René Char. En repérant les indices de représentations picturales dans les poèmes de l'auteur, nous démontrons comment la peinture devient la texture du langage poétique. Après avoir effectué une typologie des textes picturaux de Char et une synthèse de ses critères esthétiques fondamentaux, nous avons envisagé à travers la description les enjeux de la perception visuelle dans l'espace des poèmes-tableaux. Conçue comme ornement et symbole, la référence picturale façonne implicitement une interpénétration entre poésie et création plastique. La fusion entre le mot et l'image est établie par Char mais sans que l'un des deux éléments ne se substitue à l'autre. Les poèmes peuvent être alors appréciés comme des tableaux animés où lignes, formes et couleurs traduisent les intentions de l'auteur. Si la vision picturale sert d'adjuvant au langage poétique, nous pouvons affirmer que Char instaure un lieu idéal où correspondent signes iconiques et marques poétiques. Les oeuvres des peintres du XXème siècle tels Picasso, Matisse, Mirô, de Stae͏̈l, Giacometti ou Lam ainsi que celles de la Tour ou Poussin entretiennent aujourd'hui encore des relations privilégiées et essentielles avec la poétique de Char.
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Le, Meur-Weissman Nadine. "La terre divine dans la poésie grecque d'Homère à Eschyle." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040001.
Full textAbstract:
La déesse terre apparait essentiellement, dans l'épopée homérique, comme témoin de serments. Elle se distingue mal, en tant que personne divine, de l'élément qu'elle personnifie et n'est jamais représentée comme anthropomorphe. L'ensemble de la poésie dite "homérique" représente la terre comme l'un des principaux moteurs du cycle de la vie et de la mort. La déesse terre joue un rôle de second ordre dans les poèmes homériques, nettement dominés par les dieux olympiens. Hésiode accorde en revanche à la déesse terre, Gaia, une place essentielle dans sa théogonie, en particulier par le rôle de mère, à la fécondité particulièrement remarquable qu'il lui attribue. La terre se distingue par le caractère monstrueux qui caractérise à la fois son aspect physique, certains de ses actes, et sa descendance. Gaia joue enfin un rôle important dans le mythe de succession que met en scène la théogonie en tant que puissance détentrice des arrêts du destin. Chez Eschyle, la terre est aussi représentée principalement comme une déesse mère. Le dramaturge modifie même certaines généalogies divines, comme celle de Prométhée, pour les rattacher à la terre. Il fait d'autre part des hommes, en particulier des "autochtones", ses enfants. Divinité des passages chthoniens, la terre permet en outre des communications entre le monde des vivants et celui des morts. Déesse oraculaire enfin, elle peut jouer, par son savoir, un rôle fondamental dans l'action.
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Cho, Yun-Kyung. "L'écriture du corps dans la poésie surréaliste (Éluard, Desnos, Pérat) : vers le "surcorporel"." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030005.
Full textAbstract:
Notre étude suit la quête de trois poètes surréalistes, Eluard, Desnos et Péret, en relation avec celle de leurs amis peintres. Dans ce parcours, la question du corps est fondamentale, car celui-ci est d'une part un excellent support d'expression de leur imagination, de leurs fantasmes personnels et de leurs visions nouvelles, et d'autre part, un lieu important de fusion du verbal et du visuel. En révélant les aspects négligés du corps, à savoir le corps comme partie, altérité, intériorité et pulsion, les peintres les relient sans contradiction au corps comme intégrité, identité, extériorité et raison. Ce polymorphisme du corps plastique s'intensifie dans les images des poètes, qui à la fois recoupent celles des peintres et s'en éloignent. Le corps tel qu'il est figuré par chacun de nos trois poètes résume leur propre poétique. L'écriture éluardienne, qui véhicule une image médiatrice du corps, abolit la distance entre les choses, les êtres et les arts. L'image morcelée, morte et hybride du corps desnosien habite une écriture qui ne cesse de détruire et de recomposer les mots. La poésie de Péret manifeste le pouvoir métamorphosant du corps féerique et grotesque en corrélation avec la puissance mobile de l'écriture. Les corps surréalistes, moyens de communiquer l'incommunicable, de réaliser l'impossible et d'explorer l'interdit, correspondent au " point suprême " qui n'est pas immuablement prescrit mais où les contradictions trouvent leur solution. A partir de cette incomplétude du corps qui prépare sans cesse son renouvellement, les surréalistes en montrent la pluralité, et dégagent à travers celle-ci un degré supérieur de corporéité, que nous appelons " le surcorporel "This thesis examines the work of three surrealist poets, Eluard, Desnos, Péret, in the light of their relations with numerous artists. The body has a central role in such a study owing to the fact that it was an excellent vehicle for their imagination, their fantasies and their new vision of the world and of the role of art in that world. It also represents a focal point for the fusion of all that is verbal and visual. The painters revealed certain neglected aspects of the body notably its analysis into separate parts, its relation to others, the inner world and its impulses. They linked these aspects with traditional aspects : unity, identity, reason and the external world, without contradiction. The polymorphic approach to the body is intensified in the images given by the poets which group those of the painters while at the same time establishing a certain distance for them. The body such as it figures in the writing of the three poets provides a summary of their poetry. Eluard who saw the body as an intermediary, abolished the distance between nature, livingbeings and the arts. Desnos' habit of continually deconstructing and recomposing words is symptomatic of his view of the body separated into parts and reconstructed. Péret shows in his dynamic poetry a power of metamorphosis that corresponds to his fairylike vision of the body. The surrealist body, a means of communicating the uncommunicable, of creating the impossible and of exploring the prohibited, corresponds to the " point suprême " which itself evolves out of the artists' work and where all contradictions are resolved. Taking this corporeal incompleteness, which is in a constant state of change, as a starting point, the surrealists showed its plurality and developped a higher level of corporality that we have come to call the " surcorporel "
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Zimbris, Sandrine. "La poésie et l'intimité ou L'identité et l'être au monde." Limoges, 2010. http://aurore.unilim.fr/theses/nxfile/default/9bd8fe97-3879-40e9-bbbf-15077ab4ffa3/blobholder:0/2010LIMO2009.pdf.
Full textAbstract:
Le poème est le coquillage où résonne la musique du monde. Il est par essence une épiphanie, il est le lieu d'une sorcellerie évocatoire et de charmes. L'intimité devient cette charnière de l'identité à la poésie. A la recherche de leurs intimités, Guy Goffette et Philippe Jaccottet dans leurs expériences poétiques découvrent leurs identités et envisagent d'explorer le monde et de s'intégrer en lui en tant qu'être humain, en tant que poéte, en tant qu'habitant de la vraie vie. En effet, nos deux poètes dans la perception poétique posent deux interrogations majeures, l'intimité pourrait permettre un être au monde et ils sont à la recherche de la vraie vie, comme Arthur Rimbaud. En effet, pour Guy Goffette "la vraie vie est ailleurs" et pour Philippe Jaccottet "mourir, hors du dérèglement des sens est triste et sans aucun profit". L'identité et la quête de Jaccottet baignent dans le monde séraphique, celui de Guy Goffette dans une réelle exaltation du tourment. Les deux poètes s'accordent sur la nécessité du respect de l'intimité et de reconnaître que la vraie vie est ailleurs. Le poète imagine, se déplace, il est le mage, le dehors et le dedans. La modernité de la poésie c'est son caractère accessible à tous. Comme le dit Paul Eluard " la poésie sera faite pour tous non pour un".
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Creuzet, Cécile. "Les échos de la culture classique dans la poésie d'Alcuin." Nantes, 2002. http://www.theses.fr/2002NANT3026.
Full textAbstract:
Se proposant d'examiner les manifestations de la culture classique dans la poésie d'Alcuin (v. 735 804), cette thèse étudie d'abord son application des lois traditionnelles de la poésie, puis son recours à l'exemple des oeuvres de l'Antiquité. Elle met pour cela en rapport la formation qu'il reçut à York et le programme de rénovation culturelle engagé par Charlemagne avec le sentiment artistique du poète. En l'absence d'ouvrage d'Alcuin spécialement consacré à l'art poétique, un inventaire de sa pratique de la langue latine (morphologie, syntaxe, vocabulaire, style, prosodie et métrique) permet de découvrir ce qui lui paraissait conforme au meilleur usage. Malgré la disparité des circonstances de composition, ses poèmes révèlent alors une tendance constante à rechercher la variété, souvent indépendante de l'appréciation qu'en avaient les Anciens. La revendication des poètes classiques comme modèles est manifestée par des citations et des adaptations, des références ostensibles à leurs oeuvres. En les associant aux auteurs chrétiens, tardifs ou anglo saxons, Alcuin réussit à accorder de façon originale les sources hétérogènes de sa culture dans une poésie ouverte sur son époque.
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Gallaire, Jean-Sébastien. "Michel Leiris, la poésie et la mort : pensée de la mort, mort de la poésie ?" Nancy 2, 2005. http://www.theses.fr/2005NAN21006.
Full textAbstract:
Leiris appréhende la poésie en fonction de la pensée obsédante de la mort, faisant de cette dernière le principal moteur de l'activité créatrice. Il voit dans sa tentative de définition de la poésie bien plus que dans sa propre création une façon de combattre cette obsession. La pensée de la mort entraîne donc une redéfinition de la poésie. L'ensemble de l'oeuvre peut alors être lue comme un métadiscours tendant à résoudre cette unique question : qu'est-ce que la poésie ? Cette quête conduit finalement l'auteur à considérer la poésie comme un "art sacré". A l'instar de toutes les religions, la poésie repose sur la négation de la mort. Si elle peut dans ce sens être qualifiée de religieuse, elle ne prend pas en compte toutefois l'existence de Dieu. Elle est "sacrée" dans le sens que lui donne Leiris ; par son exercice, l'homme peut parvenir à son salut : non pas vaincre, mais oublier la mort. Ainsi, chez Leiris, c'est l'obscurité de la mort qui vient éclairer la poésieIn all his work, Michel Leiris apprehends poetry according to the obsessing thought of death, making this latter the driving force behind creative activity. It is in the attempt to define poetry much more than in the mere creation of it that Leiris sees a way of fighting this obsession. The thought of death thus involves a redefinition of poetry. The whole work of Leiris can be read as a metadiscourse treating of the poetic tool and tending to answer this single question : what is really poetry ? This search finally leads the author to consider poetry as a "sacred art". Like all forms of religions, poetry rests on the negation of death. Considering this, poetry may be described as religious, but this does not take into account the existence of God. Poetry is sacred in the sense given by Leiris ; through its practise, man can reach salvation : not by overcoming but by forgetting sovereign death. Thus, for Leiris, it is the darkness of death which helps clarify poetry
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Coly, Sylvie. "La vision de l'Afrique dans la poésie sénégalaise et gambienne : Léopold Sédar Senghor, Lenrie Peters, Amadou Lamine Sall et Tijan M. Sallah." Limoges, 2010. http://www.theses.fr/2010LIMO2002.
Full textAbstract:
Le Sénégal et la Gambie sont deux pays voisins qui ont en commun de nombreuses valeurs culturelles, mais sur le plan littéraire, les interactions sont peu nombreuses. La principale raison est l'obstacle de la langue, héritage de la colonisation. En effet, la langue de travail des écrivains gambiens est l'anglais et celle des sénégalais, le français. Les oeuvres littéraires ne sont pas la plupart du temps traduites. Il en résulte une méconnaissance réciproque de la littérature des deux pays. En plus de cela, le volume des études comparatives relatives à la littérature des deux pays est très faible. C'est dans la perspective d'une meilleure connaissance et d'un enrichissement mutuel que s'inscrit cette thèse de littérature comparée qui a pour objet l'analyse de la représentation de l'Afrique dans les oeuvres poétiques de deux sénégalais : Léopold Sédar Senghor et Amadou Lamine Sall et celles de deux gambiens : Lenrie Peters et Tijan Sallah. IL s'agit d'étudier comment les composantes spatiale et temporelle sont prises en charge dans le traitement du thème de l'Afrique et dans un genre particulier : la poésie. La vision des poètes est mise en étroite relation avec le passé, le présent et la projection sur le futur du continent africain. Les poètes n'appartiennent pas à la même génération et n'utilisent pas la même langue d'écriture, à partir de ce moment, il est pertinent de se demander si ces facteurs ont des influences sur la représentation de l'Afrique dans leur poésie. L'étude de la composante spatio-temporelle fera intervenir tout au long de la thèse des outils d'analyse empruntés à la géocritique.
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Aubel, Damien. "Autour des Cenci : approche structurale d'un épisode de la Renaissance italienne au dix-neuvième siècle." Amiens, 2006. http://www.theses.fr/2006AMIE0020.
Full text
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Liouville, Matthieu. "Les rires de la poésie romantique, 1830-1856." Lille 3, 2005. http://www.theses.fr/2005LIL30023.
Full textAbstract:
Les rires de la poésie romantique ont été longtemps associés aux "mineurs" du romantisme. L'objet de ce travail est de montrer qu'ils s'inscrivent dans une tendance générale de la période, sous des formes diverses. Rires noirs, rires satiriques, rires vides, grotesque, ironie, humour (le mot fait précisément son apaprition en français durant la période), tous ces rires variés se ménagent une place en poésie non spécifiquement comique, pour dynamiter une logique en place : fantastique, effusion sentimentale, ligne narrative, monologisme. Le caractère potentiellement auto-parodique du poème romantique vient aussi apporter un degré suplémentaire d'ambiguïté. Le romantisme enrichit considérablement les qualités du rire : il n'est plus seulement admis en poésie, il intègre désormais le champ du "poétique". Ce travail s'intéresse donc aussi à la problématique du rire et du poétique, question à laquelle le XIXe siècle répond par l'intégration du mot "humour", chargé de regrouper les valeurs des deux termes
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Raoui, Abderrahim. "Guerres tribales et guerres saintes dans la poesie archaique arabe." Paris 4, 1986. http://www.theses.fr/1986PA040190.
Full textAbstract:
Avant et pendant l'islam la guerre fit parler maintes personnes. Plusieurs poetes se manifesterent et decrirent les guerres. C'est a travers leurs poesies que nous avons etudie les guerres tribales et les guerres saintes jusqu'a l'epoque du calife mu awiya. . . La poesie anteislamique nous permet de connaitre les causes et les consequences des guerres tribales. Les conflits entre les tribus arabes resulterent de la recherche des vivres, la vengeance, l'atteinte a l'honneur, l'esprit de clan, et l'heroisme. Ces guerres engendrerent le traumatisme. . . La rancune et la haine, et une tendance vers la paix. . . En outre, les poetes nous ont presente les elements, permettant de connaitre la nature d'une guerre tribale. Pendant l'islam, les musulmans combattirent les in-fideles a l'interieur et a l'exterieur de la peninsule arabe. Les poetes nous parlent de l'emigration-guerre psychologique- de la guerre de l'epee pendant l'epoque du prophete muhammad, de la guerre de la parole, d'apostasie, et de conquetes islamiques. . . Ces guerres ont des causes et des consequences. . . Certes, une guerre tribale est differente d'une guerre sainte. Mais, des points de ressemblance sont presents. . . Si les guerres tribales donnerent naissance a des enfants de guerre - traumatises, ulterieurement sadiques-, les guerres saintes engendre- -rent des hommes de guerre, fascines par le paradis. . . Si les guerres tribales detruisirent l'economie arabe, les guerres saintes donnerent une force a l'economie musulmane. . .
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Mangattale-Cezette, Mitsué. "La représentation des passions dans le théâtre tragique de la Renaissance : Garnier, La Taille, Montchréstien." Toulouse 2, 2007. https://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00272376.
Full textAbstract:
Chez Jean de La Taille, Robert Garnier et Antoine de Montchrestien, représentants du théâtre tragique de la Renaissance, les passions deviennent le moteur de l'action et déterminent la caractérisation des personnages. Le théâtre tragique de la Renaissance concilie le pathétique lié à la déploration à une dramaturgie des passions qui oriente les règles de déroulement de l'action. Les influences bibliques, historiques et sénéquienne définissent les conditions d'imitation, mais la poétique et la rhétorique des passions passent par une réinvention qui met en évidence les spécificités de la Renaissance. La perspective morale de la représentation des passions est envisagée par une étude du mécanisme pathétique/catharsis, le choix du personnage devenant aussi important que l'agencement de l'action. La catharsis dans les tragédies de la Renaissance découle d'un pathétique de l'enseignement, les passions édifient selon des perspectives morale et politique. La représentation des passions est orientée par une philosophie tragique des passions qui évolue vers une théologie chrétienne. Les tragédies de la faute humaine et du châtiment divin concilient ainsi les conceptions antique et chrétienne de la théologie des passionsIn Jean de La Taille, Robert Garnier and Antoine de Montchrestien's tragedies, three Renaissance's French playwrights, passions become the mainspring of action and characterize roles in the play. Renaissance's tragic theater combines the pathos produced by deplorations and passions' dramatic construction which guides progressing action's rules. Influences coming from Bible, History and Seneca define imitation's conditions but passions' poetics and rhetoric lead imitation to reinvention underlining Renaissance's specificities. The moral point of view in passions' representation is studied through the pathos/catharsis mechanism, choosing a character becoming as important as action's structure. The process of catharsis in Renaissance's tragedies follows from a teaching pathos ; passions edify on moral and poolitic views. Passions' representation is directed by passions' tragic philosophy leading to a Christian theology. Tragedies representing human fault and God's punishment thus combine ancient and Christian conceptions about passions' theology
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Riou, Nathalie. "Se pencher sur l'obscur : la poésie de René Char." Nantes, 2008. http://www.theses.fr/2008NANT3002.
Full textAbstract:
Cette thèse a pour point de départ qu’un obscur, en nous et au monde, entre corps et esprit, est à dire. Et elle a pour horizon de montrer que la poésie approche intimement de cela qui nous dépasse car, parole la plus physique qui soit, elle semble la plus à même de dire cet autre de la pensée sans perdre pied. La parole lyrique de Char, à la jonction tendue du physique et de la métaphysique, interroge nos liens obscurs : entre vie et poésie, entre besoin et amour, le poème du désir, semble ainsi donner du jeu au réel. Le temps, lui, apparaît contradictoire entre présent fulgurant et méditation sur le nu perdu. Puis Char interprète de façon originale le lien fragile entre le sujet et le monde à travers une esthétique qui déplace la frontière entre récit et fragment. Enfin, son écoute de l’obscur est aussi une écoute si fine et si respectueuse du monde que son poème semble quelquefois, le temps d’un éclair métaphorique, donner sur une révélation, ou plutôt, une interrogation naturelleThis doctoral thesis stems from the need to express the obscure dimension within and without us, between body and soul. It strives towards showing that poetry, as the most physical form of speech, draws intimately near what is beyond us, for it seems the ablest to utter that Other without losing its grasp. Char’s lyric words, seaming the physical and the metaphysical, question our obscure ties—between life and poetry, need and love, the poem of desire thus lets loose the real. As for Time, it appears contradictory between the flashing present and the meditation on the lost nude. Then, Char interprets in an original way the delicate bond between the subject and the world through an aesthetics that shifts the boundary between narrative and fragment. Finally, his attention to the obscure is also so shrewd and respectful of the world that his poems sometimes seem to give way to an epiphany, or rather a natural interrogation, through a flash of metaphor
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Badet, Muriel. "L'enlèvement : les mouvements du désir : ses représentations dans l'art occidental, de la Renaissance au XXe siècle." Paris, EHESS, 2002. http://www.theses.fr/2002EHES0075.
Full textAbstract:
L'analyse se fixe sur un vaste choix d'œuvres et de textes littéraires ; ils constituent le corpus de départ. Leur confrontation permet d'étudier les enjeux de la représentation de l'enlèvement. Sans objectif chronologique, mais orientant le choix sur les enlèvements amoureux, la première interrogation se porte sur l'étymologie du terme " enlèvement " et ses diverses acceptions – du rapt (proche du viol) au ravissement (voisin de l'extase mystique). Se dégage une série d'actions comme emporter, soulever, déplacer. Les bouleversements et les élans antinomiques du désir sont figurés par la dynamique de l'enlèvement. Lorsqu'il est passion, l'enlèvement propose des images de traques amoureuses, de fièvres bestiales ; lorsqu'il est stratégies, la représentation arrête le mouvement et se concentre sur la présence de complices ou sur des signes permettant de déceler le piège dans lequel va tomber la victime. Par ailleurs, il apparaît, avec les exemples d'hommes enlevés par des femmes, que le désir est subit plutôt que décidé. La position de domination s'inverse pour celle de dominée. L'enleveur ne semble pas avoir d'autre alternative que de s'emparer du corps convoité. De même, bien plus que la mobilité, l'immobilité devient l'indice de l'émotion. Cette essentielle combinaison de la volonté et de l'apathie touche l'enlevée lorsqu'elle choisit de se laisser enlever. L'inertie figure le consentement et va jusqu'à l'image du ravissement où le corps est terrassé, où l'âme se pâme et s'envole dans une expression d'infinie jouissance. Déplaçant l'analyse vers la pratique sociale, nous constatons que si les enlèvements sont réprimés, les représentations articulent malgré tout l'imaginaire et la symbolique érotique du thème aux lois des alliances matrimoniales, à des discours panégyriques ou hégémoniquesThis study is based on a wide range of works and texts which provide the starting point. Their comparison allows to study the stakes of abduction representation. There is no chronological objective, but choosing the love abductions, the first question refers to the etymology of the term “abduction” and its various meanings, from rape to rapture. A whole series of actions follow such as to take away, to lift up, to move. The disruptions and contradictory impulses of desire are represented by the dynamic of abduction. When there is passion, the image used are those of amorous pursuit, brutal fevers; when it is strategic, the representation changes, and concentrates on the presence of accomplices or signs indicating the trap into which the victim will fall. The movement is stopped. In the examples of men abducted by women it would appear that desire is suffered rather than voluntary. The position of domination is reversed for the dominated. The only choice left to the abductor is to grabe the object of desire. At the same time, inertia rather than activity is the emotion's signal. The main combined of power and apathy affect the woman when she has decided to be abducted. The apathy represents and agreement and leads to the abduction, where the body is overwhelmed and where the soul swoons and flys away with a feeling of unlimited pleasure. Moving the study to the social experience, we notice that if abductions are punished, their representations mix the erotic symbol of the subject with the wedding rules, and with panegyric or hegemonic speeches
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Le, Dimna Christian. "Expérience poétique et expérience mystique : une approche de la poésie contemporaine." Nantes, 2009. http://www.theses.fr/2009NANT3018.
Full textAbstract:
Nous déterminons les points de convergence entre poésie et mystique contemporaines. La mystique, dégagée du contexte religieux, reçoit le statut de connaissance expérimentale de l’être. Fondée sur le contact direct et l’union à une conscience non-individuelle, elle étudie les modalités sensibles de cette expérience unitive et les moyens de la réaliser. La poésie est conçue comme étant une de ses expressions et la recherche de moyens linguistiques pour orienter le lecteur vers le réel. Les œuvres poétiques sont retenues pour leurs confluences avec le corpus mystique constitué d’œuvres au-delà d’une tradition, « sauvages » ou athées. Basée sur l’expérience, notre méthode applique les connaissances mystiques sur la nature de l’esprit pour examiner quelques problèmes de la poésie contemporaine : sujet, lyrisme, présence, habitation, inspiration, rythme, etc. Autant que d’autres, l’approche mystique du poème peut ainsi en révéler une dimension spirituelle cachée qui en enrichit la lectureOur research intends to find the essential points existing between contemporary poetry and mysticism. We look at mysticism, free from its religious context, as an experimental knowledge of the being, based on a direct contact and union with a non-individual consciousness. The poetry is examined as an attempt to express this experience of unity and a way to approach it or to orient the reader towards “the real. ” Choice is based upon its convergences with mystical texts not directly claiming an affiliation with tradition, affirming links to “wild mysticism” or the atheistic (even if the poets did not specifically affirm or even deny it). Established on the ground of experience, we intend to understand the poetic experience using the knowledge of mysticism, considering various concerns which contemporary poetry engages: poetic subject, lyricism, inspiration, rhythm, etc. We seek to demonstrate that mysticism can reveal unseen dimensions to a poetry and make it even more meaningfull
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Pey, Serge. "La langue arrachee ou la poesie orale d'action. Essai d'analyse et d'histoire de l'oralite dans le poeme a la fin du xxe siecle." Toulouse 2, 1995. http://www.theses.fr/1995TOU20086.
Full textAbstract:
A travers le mythe de philomele l'auteur analyse le rapport complexe qu'entretiennent oralite et ecriture. Philomele, "celle qui aime le chant", temoigne de l'ecartelement du poeme entre l'ecriture et la voix. La page est-elle une langue arrachee? toute ecriture porte son oralite et toute oralite son ecriture. Reposant sur l'experience singuliere de son auteur, cette these analyse l'exercice oral de la poesie jusqu'aux limites contemporaines de la performance dans laquelle elle se meut. La premiere partie intitulee "la langue enterree" met ainsi l'accent sur les aspects phonostyslistiques de la poesie et en fait sa critique. A la recherche de son oralite perdue, le poete a la maniere de philomele cherche sa langue dans toutes les directions (deuxieme partie): dans le rythme et les aspects corporels de la recitation que l'occident a oublies, dans le geste du poeme, dans le silence ou la transe. C'est par l'explosion de dada et des courants extremistes, paradoxalement contre le poeme, qu'on assiste a une liberation de la bouche qui va dire le poemeSerge pey, the torn-out tongue or oral action poetry, a contribution to the history and the analysis of orality and of the poem at the end of the xxth century. Referring to the myth of philomela, the author analyses the complex relation between orality and writing. Philomela, "she who loves melody", witnesses the division of a poem, between the writing and the voice. Is the page a torn-out tongue? all writing bears its orality and all orality its writing. Based on the original experience of its author, this thesis analyses the oral exercise of poetry upto the contemporary limits of performance within which it evolves. Under the heading of "the buried tongue", the first part emphasizes the phonostylistic aspects of poetry and thus, forms its critical examination. In the search for his lost orality, the poet, like philomela, seeks his tongue in the rythm and the corporal aspects of reciting, forgotten by the western world, in the ritual act of the poem, in silence or in a transe. The explosion of dadaism and the extremist movements, which were paradoxically against the poem, has allowed the liberation of the mouth reciting the poem
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Batal, Najat. "Le panégyrique du prophète et l'évolution du panégyrique dans la poésie arabe." Paris 3, 1993. http://www.theses.fr/1994PA030043.
Full textAbstract:
Le but de cette these est d'etudier le panegyrique du prophete et l'evolution du panegyrique dans la poesie arabe. Elle comprend donc une introduction surle dire poetique, suivie du passage insensible de la louange tribale a une louange qui devient le porte-parole de la predication. La deuxieme partie entame le tournant marque par abu-tammam dans le panegyrique qui a influence la poesie de louange du prophete. Puis l'influence d'al-busiri et des reminiscences de son oeuvre qui se retrouvent dant les nouvelles poesies qui louent le prophete a travers les "nabawiyyat" et les "mawlidiyyat"The aim of this thesis is the study of the prophet's panegyric and the evolution of the panegyric in the arabic poetry in the first part, we made a general survey on poetry, and we dealt with the change from tribal praises to those which became the mouthpiece of predication. In the second part we went through abu tammam's poetry and its influence on the praising of the prophet. We examined also the effect of al busiri's products on poetry specialized in the worship of the prophet as "nabawiyyat" and "mawlidiyyat"
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Chiari-Lasserre, Sophie. "L'image du labyrinthe dans la culture et la littérature de la Renaissance anglaise : origines, diffusion, appropriations et interprétations." Montpellier 3, 2003. http://www.theses.fr/2003MON30086.
Full textAbstract:
Les seizième et dix-septième siècles anglais révélèrent une culture de l'oblique, en marge de l'Europe. Les Elisabéthains façonnèrent une esthétique labyrinthique, puisant dans le réservoir mythologique des Anciens à l'instar d'Ovide, et faisant fructifier leur héritage médiéval. Le motif du dédale, polymorphe, fut privilégié par les emblèmes, remodelé par les jardiniers, les poètes, les danseurs ou les dramaturges. La légende du " maze ", ou " labyrinth ", généra des mises en scène surprenantes, subversives, révélatrices de représentations mentales bien particulières. Se développa alors un dense réseau métaphorique, à partir d'un symbole ambigu : tantôt harmonieux et attractif, tantôt chaotique et répulsif. Les grands thèmes existentiels, relus de manière euphorique ou dysphorique, furent abordés grâce au labyrinthe: détours amoureux, filets rhétoriques, méandres religieux, impasses du pouvoir devinrent des sources d'inspiration renforçant la multiplicité des voies dramatiquesIn the Elizabethan period, the image of the labyrinth was being re-appropriated in several ways, all based on an ideal first championed by Horace : discordia concors. Throughout Antiquity, the story related to Theseus and the Minotaur had been retold many times, by authors such as Pliny, Ovid, Plutarch, whose texts were to be digested by translators. Renaissance England could boast, too, of an impressive medieval heritage, which favoured the didactic transmission of the myth : the influence of clerical writings linked to the idea of the unicursal maze, one way leading to God, contributed to the popularization of the legend. Gradually, the symbol was secularized during the sixteenth century. Although mythic multicursal paths proliferated in gardens, representations, danse and poetry, they reached their climax on stage. As an obsessional motif, the labyrinth is a hermeneutic key revealing new interpretative tracks exploring a multisemic theatre, whose possibilities remain to be exploited
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Mostowski, Alexia. "L' écriture du silence : une esthétique de la blancheur dans la poésie française contemporaine : (Eugène Guillevic, Jacques Dupin, Lorand Gaspar, Claude Esteban)." Montpellier 3, 2009. http://www.theses.fr/2009MON30004.
Full textAbstract:
Cette thèse se propose de mettre en lumière ce qui constitue l'une des tentations majeures de la poésie moderne et contemporaine. Héritière douloureuse de Mallarmé, cette dernière est plus que jamais consciente de la vacuité des mots et de l'impossible langage. Toute certitude de nomination et de possession du monde étant désormais exclues, il faut à la parole poétique traverser l'épreuve de l'anéantissement pour conquérir un nouvel horizon. Cette esthétique du dénuement verbal qu'elle semble aujourd'hui proclamer, pousse à son acmé le paradoxe de son entreprise. L'art du « logos » n'a plus cette convoitise ardente de la parole ; l'objet du désir est maintenant dans le silence, dans les blancs typographiques. Les poèmes minimalistes d'Eugène Guillevic, Lorand Gaspar, Jacques Dupin et Claude Esteban semblent se disloquer sous nos yeux, harcelés et tentés sans cesse par l'évidement, par l'aphasie. La présence au monde du poème contemporain passe ainsi par cette expérience des confins, par cette absence de mots comme si le chant primitif cherchait à travers le silence convoité à retrouver un nouveau souffleThe aim of this thesis is to highlight what constitutes one of the major temptations of modern and contemporary poetry. Heiress of Mallarmé era, poetry is more than ever aware of the vacuity of words and of the inexpressible. All certainty regarding the qualifying and ownership of the world being excluded, poetry has to go throught the ordeal of annihilation to conquer a new horizon. This aesthetics of verbal privation which it seems to claim today, drives to its climax the paradox of its own existence. The art of « logos » doesn't hold this passionate covetousness of the verba ; the object of desire now stands in the silence and the typographic whites. Eugène Guillevic's, Lorand Gaspar's, Jacques Dupin's ans Claude Esteban's minimalist poems seem to dismantle before our eyes, always harrassed and tempted by the hollowing-out, by the aphasia. The contemporary poem's presence in the world, thus, comes trought this experience of furthermost bounds, this ineffable absence of the world, as if the original chant was trying to find again a new breath through the coveted silence
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Bougault, Laurence. "Cosmos et logos dans la poésie moderne (de l'objectivité poétique)." Paris 3, 1995. http://www.theses.fr/1996PA030017.
Full textAbstract:
Le projet poetique, ne de l'inadmissible fracture linguistique entre homme et monde et des rapports diachroniques conflictuels entre poesie, sciences et discours religieux, est de creer une langue-image (simulacre et diagramme) a mi-chemin entre representation et extraction du monde. Il est perceptible dans les strategies textuelles : destructurations de l'appareil linguistique et elaboration de syntheses qui, en faisant du poeme un mot total, permettent aux etres de renouer et au monde d'apparaitre un. Le resultat de ces strategies est de creer un lieu non-structural dynamique echappant encore a l'espace du monde parce qu'il est "creux neant" mais permettant l'autosurgissement d'un phenomene dans le monde lors de la receptionThe poetic project, which was born from the intolerable linguistic fracture between mankind and world and from the confrontational and diachronic relations between poetry, sciences and religious discourse is to create an imagery-language (pretence and diagram) which is halfway between representation and world extraction. It is perceptible in the textual strategies : disintegrations of the linguistic apparatus and development of synthesises, which making the poem a complete world, ensure to mankind to reestablish and to the world to appear "one". The result of these strategies is to create a noin structural and dynamic place even escaping from the world arena because it is "shallow nothingness" but ensuring the self-creation of a phenomenon in the world during the reception
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Ceron, Sandra. "Mesure et démesure en amour dans la lyrique d'oc et d'oi͏̈l aux XIIe et XIIIe siècles." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1994PA040161.
Full textAbstract:
Cette these vise a determiner le role de la mesure et de la demesure en amour, dans le rapport entre le poete et la dame chantee, a partir des textes lyriques d'oc et d'oil, aux douzieme et treizieme siecles. Elle considere separement les deux plans du service d'amour, le sentiment et le comportement amoureux, afin d'etablir a quel degre la vertu de la mesure s'y applique. L'analyse debute par l'examen des chansons des troubadours, auxquelles est consacree la premiere partie du travail; les trois problematiques etudiees dans ces chapitres sont celles du sentiment - qui constitue la sphere intime de l'amant -, de l'expression de l'amour et de la conduite amoureuse - les aspects publics du service d'amour. A ce propos, il s'agit de definir les comportements permis au poete - et a la dame - dans l'optique de la mesure, et de verifier s'il existe des degres dans la classification des fautes commises par manque de mesure. L'etude se propose aussi de deceler les liens possibles entre la demesure incontestee de l'amour eprouve et la necessite de la mesure dans le comportement qui caracterise la fin'amors. La meme demarche est suivie dans le depouillement des textes d'oil, qui occupe la deuxieme partie de la these, comprenant aussi des compositions de genre different, mais ayant comme theme principal l'amour d'inspiration courtoise, telles que les chansons de danse de la meme epoque. La comparaison des resultats amene a la conclusion que les notions de mesure et demesure restent, dans leurs implications originelles, une caracteristique d'ocUsing as its basis the lyric poetry written in oc and oil in the twelfth and thirteenth centuries, this thesis aims to establish the role of mesure and demesure within the love-relationship between the poet and the lady he celebrates. We shall consider separately the two levels of the etiquette of love - emotion and behaviour - in order to determine the degree to which the virtue of mesure is in evidence. Our analysis begins whit an examination of the songs of the troubadours. The first part of the thesis is dedicated to them. The three problematical questions studied in those chapters are firstly, those of the emotions - which form the intimate domain of the lover-, secondly, the expression of love, and thirdly, the behaviour in love - the public aspects of the etiquette of love. With this in mind it would seem appropriate to define what behaviour is permitted to the poet - as well as to the lady - and to assess whether degrees of culpability exist in terms of the faults commited through lack of mesure. Our study will also seek to bring to light possible links between the undisputed demesure of the love felt and the necessity of mesure in the behaviour characterised by the fin'amors. We will follow the same procedure in our study of the texts written in oil which are the subject of the second part of the thesis. Made up of compositions of a different genre, these nonetheless have as their main theme courtly love, as do the chansons de danse of the same period. A comparison of the results leads us the conclusion that the notions of mesure and demesure remain, in their original sense, a characteristic of the lyric written in oc
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Laffont, Laurent-Jocelyn. "George Sand et les sept cordes de sa lyre : poésie et musique." Toulouse 2, 2010. http://www.theses.fr/2010TOU20062.
Full textAbstract:
George Sand, au lyrisme reconnu par Victor Hugo, à travers ses poésies d’enfance, ses pastiches et poèmes drôles, la Reine Mab mise en musique par Chopin, Berlioz, Gounod. Chansons de paysans et musiques inédites de vaudevilles : Vaillard, Ancessy, Léon Halévy ; Claudie dont Meyerbeer souhaite faire un opéra ; Opéras tirés des œuvres par Hillemacher, Machado, Portugal, Allemagne, Italie et dramaturgie jusqu’en 1942. Des annexes : illustrations, musique, costumes, dramaturgie prouvant la réception de l’œuvre sandienne ; opéra et versions inédites du « Pardon de Ploërmel » de Meyerbeer proche des thèmes sandiensGeorge Sand, poetric shildness, funny poetrics and tragics ; la Reine Mab, poem and music by Chopin, Berlioz, Gounod. Country musics and musics for “vaudevilles” by Vaillard, Ancessy, Leon Italevy ; Claudie, an opera wanted by Meyerbeer ; Operas from tragedies by Hillemacher, Machado, Portugal, Germany, Italy ; dramaturgy from XIXth to 1942. Annex : drawings, musics, dramaturgy : reception of George Sand and her works in Europ ; inedited versions of “Le pardon de Ploërmel” by Meyerbeer
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Castro, Idoli. "La poésie de Jaime Siles (1969-1999) : une poésie de la pensée et une pensée poétique." Saint-Etienne, 2005. http://www.theses.fr/2005STET2108.
Full textAbstract:
L’œuvre de Jaime Siles oscille entre une poésie abstraite et philosophique sur l’Être et une poésie sensuelle, proche du discours « du » corps. Autour de ce concept fondateur s’articulent les concepts de temps et d’espace. Dans une démarche philosophique, nous nous intéressons aussi aux zones seuils où s’entrecroisent et naissent diverses notions, afin de dévoiler une pensée en devenir et le processus de formation d’un univers personnel et poétique. Le corps, l’espace et le temps sont plus que des concepts : la pensée poétique de Siles tente de les cerner, sans les couper de toute réalité. Le corps du texte, révélateur du chiasme de la poésie et de l’homme, demeure le point d’ancrage de notre analyse. Il se trouve d’ailleurs au centre de la dimension métapoétique de l’œuvre. Celle-ci n’est pas qu’une simple théorisation. Certes, elle révèle une « torsion », un « retournement » sur soi de la voix poématique. Mais, elle participe également d’une réflexion ontologique sur l’homme de notre fin de siècle et de tous les temps. Son détachement du contexte historique n’est qu’apparence. La métapoésie témoigne davantage d’une attention de la voix poématique aux questions de la cité. Les liens que cette voix tisse avec la cité se manifestent sous forme d’échos, évoquant un rapport au monde empreint du souvenir de la nymphe mythique. Rupture et entrelacement deviennent alors les signes d’un corps incarné dans la Chair du monde et du poème. Cette incarnation implique une expérience du temps intrinsèque, à travers laquelle le corps réel et le corps du signe se manifestent comme des êtres de désirThe works of Jaime Siles waver between an abstract philosophical poetry about the Being and a sensual poetry close to the language of the body. Such concepts as time and space revolve round this founding concept. In a philosophical approach, our study also focuses on fields in which different notions spring up and intermingle so as to uncover constant thinking and the development of a personal poetic universe. Bodies, space and time are more than merely concepts: Siles’s poetic thinking aims at determining them without disconnecting from the real world. The body of the text, a clear indication of the chiasmus man and poetry, remains the core of our study: that is the reason why it can also be found at the centre of Siles’s metapoetic works. Metapoetry is not simply a theorizing of notions. Though it shows a poematic voice retiring within oneself, it also reveals some ontological thinking about man at the turn of the century as well as at any period of time. Its being cut off from any historical background is not real. Metapoetry shows interests in the questions of the community from the poematic voice. The bonds that voice may create with the community can be found through echoes, showing a connexion to the world stamped with the memory of the myth of the nymph. Breaking up and intermingling then become the signs of a body represented in the flesh of the world and the poem. That representation implies experiencing specific time : it is through this process that real bodies and bodies of signs appear as desiring entities
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Guermès, Sophie. "Le lieu caché : la signification de l'espace dans la poésie moderne." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1993PA040301.
Full textAbstract:
Dans la bible comme chez homere, les theophanies sont toujours liees a l7evocation de lieux. Et l'espace tel qu'il est decrit dans la poesie jusqu'au milieu du xixeme siecle assurait aux hommes, grace aux analogies, un rapport absolu a dieu. Que se passe-t-il lorsque la foi perd sa force? c'est ce que ce travail se propose d'etudier. La premiere partie analyse la facon dont vigny, nerval, laforgue, baudelaire, rimbaud et mallarme rendent compte de la perte de eurs reperes spatiaux, consecutive a leur perte de la foi. Le monde dans lequel ils vivent leur apparaitsoudain depourvu ce centre. Les trois autres parties sont consacrees a trois poetes restes incroyants, saint-john perse, rene et yves bonnefroy. Ils vont tenter, chacun a sa maniere, de recreer un lieu qui serait un centre. Ce lieu n'existe pas sur une carte geographique, mais la parole le fonde. C'est ainsi que la poesie moderne, dont la difficulte majeure est de s'affirler a la fois a partir du christianisme et conte lui, prend le relais de la parole religieuseIn biblical poetry such as in homer, the theophanies are always associated with the evocation of places. Space as described in poetry up until the middle of the mineteenth century assured man, through analogy, of an absolute relation to god. What happens when faith loses its force, that is the subject of this thesis. The first part analyzes how vigny, nerval, laforgue, baudelaire, rimbaud and mallarme express the loss of their spatial landmarks, a consequence of the loss of their faith. The world in which they live is without a centre. The three other parts of the thesis are devoted to three poets, who are atheists, as their elders : saint-john perse, rene char and yves bonnefoy. Each one through words tries in his own way to create a new place which would be a centre. This place does not exist in a topo poetry, faced with the difficulty of both affirming itself through christianity and rejecting the latter at the same time, carries on the religious banner albeit in a very different way
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Lacore, Michelle. "Le rôle de l'hospitalité dans la poésie grecque d'Homère aux Tragiques (du symbole au prétexte)." Paris 4, 1991. http://www.theses.fr/1991PA040203.
Full textAbstract:
La célébration de l'hospitalité semble une constante de la poésie grecque d'Homère aux tragiques. Pourtant le traitement poétique de ce thème, à la fois héroïque, moral et religieux, témoigne de choix très différents de la part d'Homère et des poètes postérieurs, avec une divergence dans la valeur sémantique conférée au terme de base xeinos et une conception opposée des rapports à établir entre le mythe et la réalité. Homère, soulignant l'écart entre mythe et réalité, estompe les contours institutionnels, trop proches du réel, de cette coutume typique de l'univers "héroïque", puissamment présente dans son œuvre, grâce à la monovalence constante de xeinos (hôte), savamment rehaussée par divers procédés stylistiques, grâce aussi à la mise en valeur unique des rites. L'hospitalité devient un véritable pôle moral de l'épopée, avec une portée symbolique qui fait d'elle la pierre de touche de la véritable humanité. Chez les autres poètes, le sens de xeinos apparait dédoublé (hôte et étranger) et l'hospitalité héroïque est réduite au rôle d'ornement ou d'utilité dramatique. L'apport le plus original des poètes du 5eme siècle à sa source dans leur commune volonté - à l'opposé de l'attitude homérique - d'établir un lien entre ce thème mythique et la réalité, en utilisant l'hospitalité comme prétexte à l'exaltation des deux idéologies rivales du monde grec classique. Les lyriques, en exaltant l'hospitalité aristocratique, donnent une dimension panhellénique…Praising hospitality seems to be a standing topic in Greek poetry from homer to tragics. However, the manner the poets deal with theme which is at once heroic, moral and religious, is evidence for very different choices by homer and the other poets; these choices are in keeping with the semantic value bestowed upon the basic term (xeinos) and based on different ideas of the connection between myth and reality. Homer, increasing the gap between myth and reality, blurs the institutional lines of that typical heroic custom, because they are too realistic, whereas its presence is powerfully enhanced in his poems by the constant meaning "guest host" bestowed upon xeinos and stressed by several stylistic devices and by the unmatched importance the rites are given. Hospitality becomes really the hinge of epic morals and homer, giving it a symbolic range, makes it the touchstone for genuine humanity. In other poets, the meaning of xeinos is obviously twofold ("host guest" and "stranger"), while, in the meantime, hospitality becomes simply an ornament or a dramatic tool. What the poets of the fifth century afford most original spring from their common will to link together that mythic topic and reality, by using…
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Besson, Sylvie. "Le poids de l'invisible dans la poésie de Jean Cocteau ou l'insoutenable légèreté du poète." Nantes, 2007. http://www.theses.fr/2007NANT3017.
Full textAbstract:
Cette étude présente l'analyse de poèmes de Cocteau qui suivent la quête de l'invisible toujours synonyme d'extrême confusion. Si certains critiques ont remis en cause nombre d'a-priori sur le poète, l'invisible reste une énigme réduite à des thèmes autoréférentiels, mortifères ou à de vagues notions oniriques. Ce travail conteste l'absence d'une ligne de conduite ferme et originale. L'invisible se met autant en quête d'intériorité qu'en quête d'extériorité prenant forme et signification dans une matière-émotion vigoureuse et méditative. Toutes les incarnations de l'invisible révèlent un langage qui renouvelle le monde par un espace intérieur, donnant à penser le visible. Ce travail insiste sur le lyrisme complexe d'une poésie “mélanco-ludique” tout en interrogeant les limites que s'est imposé le poète de peur de se condamner Le sens de l'invisible constitue la question fondamentale de cette étude : une poésie ontologique en marche comme lutte paradoxale contre l'oubli.
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Leforestier, Claire. "Poétique de l'amour dans la poésie du vingtième siècle." Paris 3, 1997. http://www.theses.fr/1997PA030144.
Full textAbstract:
Nous entendons par "poetique de l'amour" la recherche, dans une perspective descriptive, des modalites de l'expression poetique du sentiment amoureux. Le domaine d'expression sur lequel porte la recherche est la poesie francaise du xxeme siecle (quelques oeuvres francophones sont prises en compte). L'investigation concerne en priorite les manifestations textuelles de l'etre aime et le lien amoureux et les modalites de leur celebration plutot que l'expression des emotions du sujet amoureux. Ayant rassemble le plus large eventail possible des textes qui pouvaient etre intuitivement apparentes a la poesie amoureuse, nous cherchons a preciser cette intuition en degageant quelques caracteres de l'hypothese de travail qu'est le "discours poetique amoureux", c'est-a-dire des formes et processus recurrents, a l'oeuvre dans notre corpus. L'ampleur du domaine de recherche, l'heterogeneite du corpus rassemble commandaient d'aborder seulement quelques "points de poetique". Apres avoir considere les distributions du prenom de l'etre cher dans les poemes, nous considerons les images que le poeme donne de l'aime; dans ce vaste champ nous etudions en particulier les appellations possessives, puis les blasons du corps de l'aime. Dans une deuxieme partie nous considerons la communication du poeme et d'abord la dynamique enonciative engagee vers autrui : la destination. Nous nous interrogeons sur la mobilisation des fonctions conative et phatique dans la fiction poetique, notamment a propos d'injonctions. Ensuite, a partir d'une reflexion sur la situation de la formule de declaration d'amour je t'aime dans la langue et dans les poemes c'est la reference poetique au sentiment amoureux qui nous occupe. Enfin, pour rendre compte de la formation du couple verbal, nous suivons les aventures de je et tu dans l'enonce, leur rapprochement, leur distance, leurs spheres d'influence et leurs lieux de rencontre. Il s'agit donc du reperage et de l'interpretation des formes, figures et configurations de l'enonce relationnelCovering the field of xxth century french poetry, we investigate, mainly in a descriptive frame, the occurences and modalities of the expression of the sentiment of love (referred as poetics of love). Amongst the large number of texts that can intuitively be assigned as "poems of love", and in order to precise and characterize this intuition, we search for characteristics of a "poetic expression of love", emerging as recursive processes and forms. On account of the extend, variety and heterogeneity of the field, only a few key issues are addressed here. Rather than on the expression of the lover's feelings and emotions or lovelorns, we stress on the love ties and the celebration of the loved one. In a first part, we consider the distribution and disposition of the occurences of the name of the loved one. We analyze the related images, the possessive appellations and the anatomic blasons. The second part is devoted to communication and dynamical aspects, considering the address. We follow the occurrences of i and you, and consider their proximity, relative spheres of influence, meetings. . . We identify and propose an interpretation of the forms, figures and configurations of the relational utterance
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Gharafi, Abderrazak. ""Les Sisters Arts" dans la poésie mineure anglaise de la première moitié du dix-huitième siècle." Paris 3, 1996. http://www.theses.fr/1997PA030001.
Full textAbstract:
Les "sister arts" (la poesie, la peinture et le jardinage paysager) constituent un phenomene marquant de la civilisation augustaine anglaise et un sujet fort important de la poesie mineure de l'epoque, notamment dans la premiere moitie du dix-huitieme siecle. Les arts, qui entretiennent des rapports tres etroits entre eux, sont en meme temps intimement lies a l'idee du retour a la nature qui implique non seulement les theories critiques et esthetiques, mais aussi la vie sociale, le monde politique, les courants philosophiques, les tendances religieuses, la recherche scientifique. . . La poesie mineure est ainsi loin d'etre negligeable comme miroir refletant cette epoquePoetry, painting and landscape gardening, which are known as the sister arts because of an emphatically underlined analogy (but not without disparity that becomes real rivalry between the so-called sisters), occupy a very important position in english augustan culture, and are closely related to various other domains in eighteenth-century england (political, religious, philosophical, scientific. . . ). This multidimensional phenomenon constitutes a major subject-matter in the minor poetry of that age
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Schweitzer, Zoé. "Une "héroïne excécrable aux yeux des spectateurs" : poétique de la violence : Médée de la Renaissance aux Lumières (Angleterre, France, Italie)." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040232.
Full textAbstract:
Le théâtre classique proscrit la mort sur scène. Cet interdit a été formulé par Horace dans l’Art poétique et justifié par l’infanticide de Médée : « Que Médée n’égorge pas ses enfants devant le public […]. Tout ce que vous me montrez de cette sorte ne m’inspire qu’incrédulité et révolte. » (v. 185 et v. 188). En raison de cette illustre référence, du XVIe au XVIIIe siècle, Médée devient un matériau privilégié pour réfléchir à la notion de vraisemblance et aux ressorts de l’efficacité de la représentation dramatique. Les adaptations scéniques de l’histoire de Médée posent la question des limites du représentable et des raisons pour lesquelles la violence en est contrôlée et réduite par les dramaturges afin de devenir tolérable. Paroxysmes de violence, les crimes de Médée invitent à des recherches dans des domaines spécifiques. Les mythographies, les ouvrages de médecine, les démonologies, les ouvrages sur le pouvoir et les femmes, tous domaines où Médée fait office de paradigme, ont donc été consultés afin d’éclairer les oeuvres. Rendre la violence vraisemblable ne signifie pas pour autant l’évacuer : elle est théâtralement efficace, comme en atteste la fortune de ce sujet. Aussi l’étude s’est-elle attachée à confronter le discours des théoriciens du théâtre aux oeuvres dramatiques elles-mêmes, pour comprendre quels risques et quels avantages cette violence présente pour le genre tragique. Les Médée constituent la limite du supportable sur la scène et dessinent les contours d’une histoire du crime sanglant au théâtre. Le scandale de Médée apparaît ainsi comme un objet d’une grande fécondité théorique et dramatiqueClassical theatre did not permit death on stage. This ban had been laid down by Horace in his Ars poetica and justified by Medea’s infanticide: “Medea should not slaughter her children in the presence of the people […]. Whatever you show me like this, I detest and refuse to believe. ” Due to this illustrious reference, from the 16th to the 18th century, Medea became a choice example for reflections on verisimilitude and on the means of achieving dramatic effectiveness. Stage adaptations of the story of Medea raised the issues of the limits of what could be represented and the reasons why violence had to be controlled and limited by playwrights in order to become acceptable. While they stand for a climax of violence, Medea’s crimes also call for investigations in specific fields. Compendia of myths, medical treatises, books of demonology, theories on power and women: texts from all these fields of knowledge, in which Medea served as a paradigm, have been consulted to shed new light on the theatrical treatment of the subject. Making violence plausible does not imply eliminating it entirely; violence is effective dramatically, as the popularity of the subject-matter demonstrates. Therefore, this study focuses on confronting the theoretical discourse on theatre with the plays themselves, in order to understand better the advantages and risks for the tragic genre entailed by the representation of violence. These Medeas mark the limits of what is tolerable on stage and sketch out a history of the theatrical representation of bloody crimes. In this respect, the scandal represented by Medea appears as a particularly rich theoretical and dramatic object
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Giovannetti, Pascale. "Le thème de l'absence dans la poésie de Jules Supervielle." Montpellier 3, 2001. http://www.theses.fr/2001MON30039.
Full text
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Gironce-Evrard, Marie-Anne. "La symbolique des saisons dans la poésie lyrique, en Italie, en Espagne et en France (1465-1645) : un prétexte pour dire le temps." Bordeaux 3, 2000. http://www.theses.fr/2000BOR30005.
Full textAbstract:
La symbolique des quatre saisons dans la poesie lyrique, du canzoniere de laurent de medicis a la mort du poete espagnol francisco de quevedo, participe a l'expression d'une angoisse commune a la renaissance et a page baroque, celle du passage du temps. Les saisons sont un bon "pretexte" poetique pour a la fois deguiser et reveler le mystere du temps, du carpe diem printanier a l'experience de lametamorphose et de la mort, et traduire ainsi, d'une maniere metaphorique le mouvement du parcours humain. De l'amour de mai a l'hiver du coeur, le poete fait l'experience simultanee de l'epreuve de l'amour et de l'epreuve du temps. De l'invitation printaniere, la lyrique amoureuse se poursuit par une interrogation plus tragique, liee a l'ambiguite de l'isomorphisme entre les quatre saisons et les quatre ages de l'homme. Cette ressemblance conduit a un dilemme entre le renouvellement circulaire de la nature et le cycle unique de l'homme. L'ecriture symbolique des saisons, comme une euphemisation du passage du temps, depasse alors la preoccupation amoureuse et existentielle, elle est elle-meme un enjeu par rapport au temps. Cet enjeu se nuance dans les trois pays par la reponse donnee au dilemme du temps : l'italie utilise les saisons comme un pretexte formel pour exprimer l'instabilite du temps, l'espagne y voit un argument stoicien partage entre l'ironisme et le tragique, la france y decouvre un cheminement vers dieu. La poesie lyrique, se fait donc recherche et attente d'un subterfuge d'immortalite. Ce subterfuge est celui de l'ecriture du desir d'eternite comme reponse a l'ecoulement tragique. Le poete renouvelle ainsi l'esperance lyrique en faisant des saisons l'archetype de la vie, et de la reponse chretienne au constat de la mort, la certitude de la permanence. Ecrire devient alors, par la mediation symbolique des saisons, une sorte d'alchimie poetique qui fait que le temps perdu dans le vieillissement des hommes se retrouve dans la gloire poetique et en dieu.
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Desset, Fabien. "Mythes et légendes dans l'oeuvre de Percy Bysshe Shelley : étude hypertextuelle de la poésie mythologique shelleyenne." Tours, 2007. http://www.theses.fr/2007TOUR2022.
Full textAbstract:
Cette thèse se propose d’étudier la poésie mythologique de Percy Bysshe Shelley en utilisant l’outil de l’hypertextualité formalisé par Gérard Genette et, subsidiairement, celui de la thématologie. Shelley étant un poète érudit et un grand admirateur des œuvres classiques de l’Antiquité, l’hypertextualité apparaît comme un outil tout désigné pour étudier sa mythologie, que l’on distinguera ici de la mythopoïée ou création de mythes nouveaux et non classiques. Cette thèse pose aussi la question de la légitimité des mythes dans le romantisme anglais, d’une part, en contextualisant la poésie mythologique de Shelley (hellénisme du XIXe siècle, poésies de Keats et de Wordsworth) et, d’autre part, en faisant une synthèse des théories shelleyennes pouvant expliquer l’emploi de mythes classiques dans sa poésie, mais aussi de légendes fantastiques empruntées au folklore. Il est question ici de trois œuvres de Shelley, ses traductions des Hymnes homériques et du Banquet, ainsi que « Prometheus Unbound »This work studies Percy Bysshe Shelley’s mythological poetry by using Gerard Genette’s theory of hypertextuality and, as a complement, the theory of thematology. Because Shelley is a learned poet and is particularly well-read in ancient literature, the hypertextual approach is a convenient tool to study his mythological poetry, which will be distinguished from his mythopoeic poetry or new, non-classical mythmaking. The aesthetic issue of the legitimacy of classical myths in Romanticism is also discussed, firstly, through the survey of Shelley’s literary context (19th century Hellenism, Wordsworth’s and Keats’s mythological poems) and, secondly, through the study of his various philosophical and aesthetic theories that may account for his use of mythology and folklore in his poetry. Three main works are considered here, Shelley’s translations of the Homeric hymns and Plato’s Symposium as well as ‘Prometheus Unbound’
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Diong, Maneume. "Aventures et avatars de la modernité poétique : de Baudelaire , Rimbaud, Mallarmé, Breton et Bonnefoy." Tours, 2004. http://www.theses.fr/2004TOUR2001.
Full textAbstract:
Cette thèse est une approche linéaire de la modernité poétique qui n'en est pas une. Baudelaire, Rimbaud, Mallarmé, Breton et Bonnefoy nous proposent chacun des cheminements différents. Ce sont ces différences qui actualisent leurs poésies et les inscrivent sous la bannière de poètes modernes. En les étudiant, on aboutit à une sorte de parcours poétique à deux vitesses : une modernité du sacré et de Mallarmé qui donne la préférence au signifiant. Breton, quant à lui, assigne une autre mission à la poésie : c'est la quête de l'irrationnel comme moteur de sa création dans la mesure òù il permet d'arriver à une passivité de la conscience pour que l'écrivain se libére des contraintes de la morale puritaine. Avec Bonnefoy, c'est une incessante lutte avec le langage poétique. Pour lui, la poésie, c'est l'affirmation de l'existence de la dérive, du vivre sur l'écrire, en un mot de la recherche du sens sur le plaisir illusoire de la dérive des signifiants, parce que les vrais lieux poétiques sont du côté de la présence, c'est-à-dire de l'existence vécue.
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Peyroux, Sarah. "Marginaux et marginalité dans la poésie anglaise, 1770-1812." Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030117.
Full textAbstract:
Les marginaux sont légion dans la poésie préromantique anglaise. Paysans dépossédés par la révolution agraire, prisonniers, vétérans, femmes abandonnées, orphelins, esclaves: toutes ces victimes de l'opression et de l'injustice des hommes attirent l'attention de poètes sentimentaux, et la sympathie de lecteurs philanthropes. Les gueux, en revanche, pauvres oisifs ou vagabonds, sont stigmatisés, raillés ou diabolisés, parce qu'ils s'opposent à l'éthique bourgeoise du travail, de la famille et de la parcimonie, que cautionnent nombre de poètes. Leurs pièces, toutefois, se ressentent de catégories esthétiques nouvelles (sublime et pittoresque) et d'aspirations primitivistes: elles adoptent les mots du peuple et le mètre de ses chants, ennoblissent le sauvage, ou le guerrier des temps barbares. Ainsi magnifiés, le marginal peut devenir le double du poète, et la marginalité, la norme de toute écriture poétique. Cette étude, en s'appuyant notamment sur les oeuvres de George Crabbe, de William Wordsworth et de Robert Burns, cherche à saisir comment ce questionnement sur la marginalité participe d'un tournant dans l'histoire littéraire, politique, sociale et culturelle de l'AngleterreOutcasts are legion in English poetry of the "pre-Romantic" age. Poor peasants dispossessed by the Agricultural Revolution, prisoners, veterans, deserted women, apprenticed orphans, black slaves capture the sentimental poet's attention, and attract the philanthropic reader's sympathy. All of them are presented as victims of oppression and injustice. On the contrary, rogues, vagabonds and idle beggars are stigmatised: either laughed at, or pictured as a threat for the rest of society. They are opposed to a bourgeois ideal of frugal, industrious, domestic happiness praised by most. However, new aesthetic categories (the sublime and the picturesque), major philosophic trends, such as primitivism, are endorsed by the poets, who borrow simple words and metres from popular culture, extol the noble savage, and conjure up barbaric times. Thus magnified, "marginal men" can become doubles for the poet, and "marginality," the norm of poetic writing. The present research investigates this multifaceted approach to outcasts and outsiders as a turning point in British social, political, cultural and literary history. It focuses on the works of George Crabbe, William Wordsworth, and Robert Burns among others
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Soubrenie, Elisabeth. "La poésie de la solitude en Grande-Bretagne au XVIIIe siècle : 1725-1785." Paris 3, 1993. http://www.theses.fr/1994PA030135.
Full textAbstract:
Au 18e siecle s'affirme le rayonnement britannique, tandis que se pose la question de la legitimite de la solitude : l'individu peut-il a tout moment quitter la societe ? misanthropie et philanthropie s'affrontent, et, entre 1725 et 1785 la poesie repond diversement. Dans une solitude studieuse et physico-theologique se developpent un art de vivre imite des anciens (thomson), et un penchant pour la melancolie contemplative (t. & j. Warton). A la recherche des limites de la solitude dans le spectacle familier ou sublime de la nature (dyer, thomson, cowper), le poete decouvre l'infini (young, hervey); mais son errance mal maitrisee l'entraine au naufrage metaphysique. Ce desarroi est renforce par l'interrogation religieuse : la solitude est-elle une initiation douloureuse menant a dieu, ou le signe de l'alienation decretee par un dieu terrible ? la hantise de la folie et l'attrait du suicide augmentent. Or, a la chute dans la spirale de l'isolement repond la reconquete partielle d'un centre dans l'asile du jardin (landscape gardening). Si la me nace du neant demeure (graveyard school), loin des extremes se poursuit la quete du juste milieu (gray), dans le respect de la chaine des etres. L'activite poetique peut avoir un role cathartique (green); la poesie peut aussi etre l'oeuvre de la folie (smart), a moins d'enfermer la solitude dans le paradoxe rhetorique d'une presence allegorique et tutelaireIn prosperous 18th-century britain the right for the individual to leave society for solitude was much debated. Through cross-currents of philanthropy and misanthropy, the response of poetry from 1725 to 1785 was manifold. Not only did the enjoyement of intellectually fruitful solitude develop on physico-theological lines (thomson), but also a growing awareness of the pleasures of melancholy (t. & j. Warton). Searching the limits of solitude through gentle or sublime nature (excursion poets, thomson, cowper), man was soon faced with the infinite (young, hervey), before collapsing beyond a point of no return. Disarray was stressed by religious questioning : was solitude an ordeal toward reunion with fod, or a token of man's alienation from god's grace ? despite the fear of madness and the appeal of suicide, the fall into the abyss of isolation was counterbalanced by a somewhat recevered sense of the self as a reliable centre, beyond loomng nothingness (graveyard school), landscape gardens also sheltered the quest for a decent aurea mediocritas (gray) within the great chain of being the poet could laugh off his fear into; poetry-writing (green), but poetry could also be the work of madness (smart), unless it remained framed by neoclassical poetic diction, turning solitude into a paradoxical tutelary presence
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Choi-Diel, In-Ryeong. "Evocation et cognition : le reflet dans l'eau en poésie et en musique à la fin du XIXe et au début du XXe siècle." Paris 8, 1998. http://www.theses.fr/1998PA081499.
Full textAbstract:
Le but de cette these est de proposer un modele de l'evocation applicable en poesie et en musique. Pour ce faire, nous sommes partis d'un double principe formel et cognitif, inspire de la theorie poetique dite de l' + evocation ;, elaboree par marc dominicy. Nous considerons que l'evocation est un processus cognitif present en poesie et en musique et qu'il fait appel a la memoire encyclopedique. Dans ce processus d'evocation, le parallelisme superficiel au sens de nicolas ruwet constitue le principe formel caracteristique de la poesie et de la musique, et la semantique du prototype sous-tend le contenu de l'evocation dans sa forme globale. En degageant ainsi les principes constitutifs d'une poesie (ou d'une piece musicale), nous soutenons qu'elle met en oeuvre une relation evocatrice entre sa forme globale et le ou les prototypes qu'elle represente. Nous proposons ensuite une procedure qui permet de reconstituer le contenu mis en oeuvre par le createur, en tenant compte de la specificite de chacun de ces arts. Au travers de l'analyse d'oeuvres traitant du theme du reflet dans l'eau, nos recherches montrent comment le poete et le musicien manipulent le materiau artistique qui leur est propre pour construire l'evocation. Ils explorent les proprietes typiques formelles et semantico-cognitives de cette image - effet de miroir, liquidite, fluidite, mouvement ondoyant, miroitement lumineux. Reverie mysterieuse, image renversee. Ce sont ces elements qui permettent au recepteur de retrouver la representation mentale qui lui est propre et qu'il aura conservee dans sa memoire a long terme. Nous concluons enfin, en avancant l'idee d'une application possible de ce modele dans l'etude d'autres arts comme par exemple le cinema ou l'operaThe aim of this thesis was to work out a model accounting for the process of evocation which could apply to both poetic and musical analysis, based on a double formal and cognitive principle inspired by marc dominicy's "evocation theory". We do consider evocation to be a cognitive process common to poetry and music and relying on encyclopedic memory. The formal principle peculiar to both means of artistic expression is that which is defined by nicolas ruwet as superficial parallelism. The semantics of the prototype underlies the content of evocation in its global form. By pointing out the main principles of poetical and musical works; we argue that there is a relation of evocation between their global form and the prototypes they represent. We then suggest a procedure that enables us to find back the content put in hy the author while taking into account the specificity of each of those arts. Through the analysis of poetry and music dealing with the theme of water reflection, our research shows how poets and musicians manipulate their own artistic material in order to build evocation. They explore the formal and semantic-cognitive prototypical properties of this image: mirror effect, liquidity, fluidity, wave motion, light mirroring, mysterious reverie, and downward image. All these elements that help the reader or the listener recovering his own mental representation, held back in his long-term memory. We finally conclude on the idea that tilts model could also apply to other sorts of arts. As movies or opera for instance
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Papakyriacou, Irini. "Le sujet de la "deuxième Odyssée" dans la poésie néo-hellénique du XXème siècle." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040185.
Full textAbstract:
Cette étude examine la destinée du mythe d’Ulysse dans la poésie néo-hellénique du XXe siècle. Avec la méthodologie de l’intertextualité, une comparaison thématique est effectuée autour de différents motifs du mythe, tel que nous le connaissons par l’Odyssée d’Homère. Divers re-traitements et ré-interprétations du mythe concernant souvent la personnalité des figures mythiques et également certains incidents mentionnés dans l’épopée sont examinés et analysés. Le sujet du mythe d’Ulysse a intéressé plusieurs auteurs dans le monde entier dont un grand nombre d’auteurs grecs. Pendant le siècle dernier le recours aux mythes anciens a été important, et, en combinaison avec les événements politiques en Grèce et les divers mouvements littéraires, il forme un sujet très riche. Les poètes grecs –cosmopolites, bourgeois traditionnels, communistes, surréalistes etc. – ont traité ce mythe chacun en mettant l’emphase sur l’aspect qui était le plus important pour sa propre idéologie et poétique. De telle manière nous avons essayé de voir l’évolution du mythe d’Ulysse à travers l’histoire de la Grèce du dernier siècleThis study examines the presence of the Ulysses myth in Modern Greek poetry of the 20th century. It contains a thematic comparison of different motifs of the myth, as told in the Odyssey of Homer. The main methodology used for this study is based on the theories of intertextuality. Various rearrangements and reinterpretations of the myth, concerning either the personalities of the mythical figures or certain events of the epopee, are examined and analysed in the present thesis. The Ulysses myth has interested many authors all over the world including a considerable number of Greek authors. During the last century, recourse to the ancient myths has been proven very important, and, together with the political events in Greece and the literary movements, offers a rich study material. The Greek poets –cosmopolites, traditional bourgeoisie, communists, surrealists etc. – have treated the myth each by emphasising the aspect that seemed most important according to his ideology and poetics. Thus, we have attempted to perceive the evolution of the Ulysses myth in parallel with the history of Greece over last century
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O'Meara, Leslie. "Le blason animalier dans la poésie française XVIe siècle." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040125.
Full textAbstract:
Le blason animalier est un genre poétique qui apparait en France entre 1535 et 1585 chez les marotiques, puis chez les poètes de la Pléiade (Ronsard, du Bellay, Belleau, Peletier. . . ). Il consiste dans le fait de décrire un animal et de raconter son histoire en le louant. Pourtant, les poètes et les théoriciens du XVIe siècle emploient rarement le terme de « blason » pour désigner ce type de pièces qu'ils préfèrent nommer « épigrammes », « épitaphes », « hymnes », « poèmes », etc. Toutefois, le blason animalier se manifeste comme un genre à part entière : on y trouve des constantes formelles (emploi de vers courts), thématiques (la joie, la mélancolie. . . ) et stylistiques (jeux de mots, métaphores. . . ), on y rencontre les mêmes motifs poétiques (les métamorphoses en constellations. . . ), les mêmes concepts (la douceur, la beauté. . . ). En outre, bon nombre d'auteurs de blasons font référence explicitement dans leur poème aux autres blasons déjà composés. Dans le cadre de ce genre, les poètes veulent transfigurer et diviniser un animal en apparence modeste et négligeable : ils subliment les parties de son corps et en font le héros d'un récit épique ou étiologique. Mais l'animal est surtout une incarnation du poète lui-même, de ses ambitions poétiques et de sa personnalité profonde. Et si le poète s'amuse à se métamorphoser en animal, c'est pour gagner l'éternité.
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Ponnou, Marcelle. "Évolution de l'image de l'Inde dans la littérature géographique de l'Antiquité à la Renaissance." Paris 12, 1988. http://www.theses.fr/1988PA120057.
Full textAbstract:
Cette etude est une tentative d'analyse de l'evolution de l'image de l'inde en occident de l'antiquite a la renaissance. Les relations entre ces deux mondes deja existantes dans l'antiquite disparaissent presque totalement au moyen age pour reprendre grace aux grands voyages de la renaissance. De meme le savoir concernant l'inde s'estompe au moyen age et les voyageurs renaissants le reactualisent. Les recherches sont effectuees dans differents types de litteratures geographiques qui vont du recit de voyages a l'ouvrage de cosmographie et aux lettres des missionnairesThe relations existing between india and europe during the period of antiquity disappeared almost completly during the middle age and revived during the renaissance period, thanks to the travels. The travellers brought up the knowledge about india. Researches are made in different type of geographical literatures, which are : travellers' tales, cosmographic studies and the missionaries' letters
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Vuilleumier, Laurens Florence. "La raison des figures symboliques à la Renaissance et à l'âge classique : études sur les fondements philosophiques, théologiques et rhétoriques de l'image." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040216.
Full textAbstract:
Ambitionnant de mettre au jour les fondements philologiques, philosophiques, théologiques et rhétoriques de l'image au XVIIe siècle. L'auteur s'est efforcée d'écrire l'histoire, manquante à ce jour, de la réception des "symboles" de Pythagore depuis la traduction des vies des philosophes de Diogène Laërce par Ambrogio Traversari, analysant ainsi les contributions des générations successives d'humanistes (Alberti, Ficin, Politien, Pic, suivis par Nesi, Reuchlin et Steuco) qui en dégagent progressivement les multiples implications. L'époque suivante voit l'intégration, autour des "symboles" proprement dits, des autres formes symboliques, tant anciennes (proverbe, énigme, hiéroglyphe) que nouvelles (emblème). Erasme, GiraldI, Caussin, chacun à sa façon, travaillent à souligner l'unité du nouveau monde symbolique, mais nul plus que Claude Mignault, à travers l'histoire compliquée, étudiée ici pour la première fois, des accroissements successifs du Syntagma de Symbolis. Au seuil du XVIIe siècle l'influence de Pythagore, déjà rapproché de la tradition chrétienne et hébraïque, est largement relayée par celle de Denys l'aréopagite, inspirateur direct de la théologie symbolique et la théologie mystique de Maximilian van der Sandt. Un chapitre sur la signification liturgique du voile du temple couronnant cette troisième partie, restait à montrer comment les grandes rhétoriques de la deuxième moitié du siècle codifient le nouveau langage des images : Masen pour l'image visuelle et graphique, Tesauro pour la métaphore, âme du discours, et enfin Menestrier pour les décorations des fêtes et des cérémonies funèbres. L'ambition déclarée par ce dernier, d'écrire une "philosophie des formes symboliques", même si elle ne fut jamais réaliséeIn order to point out the philological, philosophical, theological and rhetorical basis of XVIIth cent. Imagery, the author had first to write the still now missing history of the reception of Pythagoras' symbols from the beginning of the renaissance. Stressing the contribution of successive generations of humanists: Traversari, Alberti, Ficino, Poliziano, Pico, Nesi, Reuchlin, Steuco. . . The following period was marqued by the integration, around the symbola themselves, of other symbolic figures, as well ancient, such as the proverb, the enigma and the hieroglyphic, as modern, such as the emblem and the device. Erasmus, Giraldi and Caussin have thus contributed, each in his own way, to reinforce the unity of the new symbolic world. But nobody more than Claude Mignault, through the very intricate story of his Alciati's editions and evolution of his famous Syntagma de Symbolis. At the beginning of the XVIIth c. , the Pythagorean model is reinforced if not replaced by Dionysius areopagita, whose work inspires altogether the symbolic theology and the mystic theology of the Jesuit father Maximilian van der Sandt, whose pious approach legitimates a special chapter devoted to the uelum templi considered as the allegory of allegory, the last part of the book would show how the great rhetoricques of the second half of XVIIth century succeeded in analyzing and codifying the new language: Jacob Masen for the visual and graphic image, Emanuele Tesauro for the metaphora and Menestrier for the festive and funeral decorations of ephemeral baroque
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Moatamri, Ines. "Le paysage dans la poésie d'Amina Saïd." Thesis, Tours, 2008. http://www.theses.fr/2008TOUR2018/document.
Full textAbstract:
Notre travail interroge la représentation du paysage dans la poésie d’Amina Saïd (1953 -…), écrivaine tunisienne de langue française qui vit et travaille en France. Notre point de départ est le suivant : la représentation du paysage n’est pas seulement une référence à la nature mais une entreprise totale qui engage une sensibilité, une vision du monde et un travail de la forme et de l’écriture. Nous partons de la question préliminaire suivante : « qu’est-ce qu’un paysage ? A partir de la ou des réponses proposées, nous étudions la représentation du paysage dans les poèmes de notre corpus. Combinant interrogation stylistique et thématique, nous analysons la façon dont s’écrit cette catégorie jusque là abstraite qu’est le paysage. Notre parcours nous conduit à étudier le paysage intérieur du sujet à travers sa représentation du visage et du corps. Nous étudions également les aspects et les significations de ces paysages extérieurs que sont la ville, le désert ou la mer. Ces lieux et ces paysages décrivent l’aventure du sujet cherchant à habiter le monde. L’écriture donne à cette habitation une résonance poétique et onirique. Le paysage dans une œuvre poétique est ainsi une entrée féconde pour interroger l’univers imaginaire d’un auteur et pour révéler les multiples ressources d’une œuvreMy work interrogates the representation of landscape in the poetry of Amina Saïd (1953-…) based in France and who writes in French. I start from the following preliminary question: “what is a landscape?” Eventual answers will define my reading of the way she portrays landscape in the poems that constitute my corpus. While combining stylistic and thematic research, I try to analyse landscape, a rather abstract category. I try in this study to investigate the writer’s internal landscape though her representation of both body and face. I equally try to probe the significance of external landscapes such as the town, the desert or the sea. These spaces and landscapes present the writer’s search to inhabit the world. Writing gives this place a poetic and dreamy resonance. Landscape in a poetical text is accordingly a significant aspect that leads to the interrogation of the imaginary universe of a writer as well as to reveal wealth of a literary work
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Winkler, Alexandre. "Le tropisme de Jérusalem dans la prose et la poésie, du XIIe s. Au XIVe s. : étude d'une rhétorique de la croisade." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040110.
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Dès la fin du XIe s. , les expéditions chrétiennes en Orient marquent l'art et la littérature. En France, où ce mouvement a été très ancien et durable, tous les genres en ont porté la trace ; aussi, on parle traditionnellement de " littérature des croisades ". Mais c'est une appellation fallacieuse et vaguement anachronique : le mot n'apparaît au XVe s. , longtemps après les dernières expéditions. Plus qu'une idéologie, c'est une attirance et une fascination qui s'exprime, de l'appel de Clermont (1095) à la bataille de Nicopolis (1396). Il s'agit d'un tropisme (le tropisme de Jérusalem) ; il concerne des personnes (pèlerins, voyageurs, " croisés "), mais surtout des personnages (chevaliers, barons, rois). Tous deux ont en commun une destination, qui sera pour eux un lieu d'accomplissement. À l'intérieur de la " littérature des croisades ", s'exprime ainsi un " mouvement vers ". Il provient de textes, composés dans le sillage des expéditions outre-mer, et qui les exaltent à leur tour. Il partagent, en cela, des thèmes, des motifs, et des formulations, et ressortissent à une véritable " rhétorique de croisade ". Mettre en évidence ses procédés et ses objectifs constitue notre travailSince the end of XIth century, christian expeditions in the East have inspired many literary works, especially in France, where such movement started early and lasted a long time. It is usually spoken about "crusade literature"; yet, this is a deceptive and anachronous term: the word "crusade" appears in the XVth century only. More than an ideology, a mixture of attraction and fascination is being expressed, since pope Urban's call in Clermont (1396), until the Nicopolis battle (1396). Therefore, instead of "crusade", we shall speak of tropism - the tropism of Jerusalem. People (pilgrims, travellers, "crusaders") are concerned, and, above all, characters (knights, lords and kings): both have a common destination, where a mission and a destiny can be completed. Within the "crusade literature", a group of texts, expressing this "movement towards", can be discriminated. All have been written in the christian expeditions' wake, which they glorify and exalt in return. They share a number of themes, motives, formulations, and therefore belong to a mere "rhetoric of the crusades". To define its processes and goals is the purpose of our work
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Dupouy, Christine. "La question du lieu en poésie, du surréalisme à nos jours." Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1995PA040004.
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La question du lieu est essentielle, pour qui veut comprendre le passage du surrealisme a la poesie qui a suivi. Elle se rattache a une problematique heidegerienne et donc phenomenologique, s'interrogeant sur notre etre-au-monde, mais aussi elle se traduit stylistiquement dans les textes, sous forme d'interrogations. Par le lieu on est choisi, et sa qualite natale est surtout symbolique. Le lieu n'est pas l'espace, dont il ne constitue qu'un point et auquel il s'oppose, comme le concret a l'abstrait, le singulier au general. Cependant le lieu est un centre, d'ou emane le monde. Tout naturellement sur le lieu s'appuie la memoire, et pour remonter le temps peut-etre n'est-il besoin que de se deplacer un peu dans l'espace. Surgit alors la tentation de l'immemorial, qui touche au sacre, mais pose aussi la question du refus de l'histoire : a ce moment-la le lieu ne risque-t-il pas d'etre reactionnaire ? quant a la question de l'image, specificite du surrealisme, la pratique des poetes du lieu est beaucoup plus nuancee que les declarations qu'ils ont pu faire, et pour eux aussi elle joue un role important. La poesie du lieu hesite entre formes breves apparentees au haiku et un chant plus ample, qui utilise souvent un metre de quatorze syllabes et plus : prose et poesie tendent alors a se meler, comme reflexion et descriptionThe question of place is essential in poetry, for whom who wants to understand the passage from surrealism to the following generation. It is connected with heideggerian and therefore phenomenological problematics, wondering about our being-in-the-world, but also it is conveyed stylisticaly in texts, by interrogations. One is chosen by place, and its native quality is mostly symbolic. Place is not space, of which it constitues nothing but a point and to which it is opposed, as concrete to abstract, singular to general. However place is a center, from which the world emanates. All naturaly memory relies on the support of place, and in order to go back in time perhaps one just has to move a bit in space. Then comes the temptation of immemorial, which is linked with the sacred, but asks also the question of the denial of history : in such a case cannot place be reactionary? as to the problem of image, specific of surrealism, the writings of the poets of place is much more subtile than the peremptory assertions they might have done, and for them too it is important. Poetry of place hesitates between short forms like the haiku and a wider singing, which often uses a line of fourteen syllables and more: prose and poetry tend then to mix, as reflexion and description
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Bihi, Ali. "La poésie arabe archaïque hostile à l'Islam : 611-644." Paris 4, 1986. http://www.theses.fr/1986PA040239.
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Lorsque Muhammad déclara être l'envoyé de dieu, les arabes de la péninsule se divisèrent en deux partis, les partisans du prophète qui ont cru à sa mission et se sont faits musulmans, et les hostiles qui ont refusé d'abandonner la religion des ancêtres. Dès les premières années de la révélation, des querelles commencèrent entre les deux frères ennemis. Et devant des pressions croissantes et des violences physiques pour détacher les nouveaux convertis de leur croyance, Muhammad et ses fidèles se virent contraints de quitter la Mecque et d'aller s'installer à Médine où ils fondèrent la première communauté. A partir de ce moment, les polythéistes se lancèrent dans la satire de l'islam, du prophète et de ses adeptes. Et c'est ainsi qu'une guerre acharnée de paroles, se manifestant dans la poésie, s'enflamma entre les musulmans et les païens. L'objet de notre travail a consisté donc à recueillir et à étudier la poésie hostile à l'IslamWhen Muhammad claimed to be sent by god, the Arabs of the peninsula split into two parties, those who backed the prophet and therefore believed in his mission and became Muslims and those who were hostile and therefore refused to abandon the religion of the forefathers. From the early years of the revealed religion, quarrels started between the brothers turned hostile to each other. In the face of growing pressures and acts of violence aimed at keeping the new converts from their faith, Muhammad and his faithful where driving out of the mecca and forced to settle in medina where they founded the first Muslim order. From then on, polytheists launched satirical attacks against Islam, its prophet and its followers. In this way relentless war of words set out as poetry olso bears witness and further divided pagans and Muslims. The object of this thesis is to collect and then study this poetry which was hostile to Islam
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Pascal, Sylvie. "Mise en je dans la poésie de Pierre Reverdy." Toulouse 2, 2004. http://www.theses.fr/2004TOU20062.
Full textAbstract:
L'analyse aborde les fondements de l'identité poétique chez REVERDY par différentes mises en " je " : mises en espace, en spectacle et en récit, le sujet oscillant entre fiction et figuration. Il se fait metteur en scène dévoilant le sens original du monde. L'écriture elle-même mise en scène joue sur la brisure, chaque " flaque de verre " réfléchissant une image nouvelle dans laquelle le nom du poète s'inscrit comme une obsédante quête d'identité. Le récit morcelé conduit à la fragmentation du discours et des voix qui prennent en charge la parole. Le brouillage énonciatif fait écho au trouble identitaire et renouvelle le statut du lecteur chargé de reconstituer le sujet à partir d'indices disséminés. Le poème ne parlant plus à la première personne, Reverdy renvoie à un lyrisme pluriel. Ce n'est donc plus le " je " qui importe mais plutôt le " soi ", le réfléchi renvoyant à la fois à l'individualité singulière mais aussi à la pluralité et à la réflexivitéThis analysis tackles the bases of Reverdy's poetic identity through various staging of the I : in space, in the theatricality, in the narrative, with the character passing from fiction to theatrical performance. The poet gives an aesthetic and dramatic dimension to reality revealing the original meaning of the world. The writing too takes a token role through its fragmentation, with every single "flaque de verre" mirroring a new image in which the poet's name is set in an obsessive quest for identity. The broken up narrative leads to a fragmented talk and voices convey the meaning. The deliberately blurred enunciation echoes the interrogation on the identity and leaves it up to the reader again to construe the theme from various scattered clues. Once the poem is no longer in the first person, Reverdy refers to a lyrical plural. So that it is no longer the I that matters but the self, the reflexive which refers both to the singular individuality but also to plurality and reflexivity