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Dissertations / Theses on the topic 'Poésie élégiaque latine – Histoire et critique'
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Mesdjian-Charlet, Béatrice. "Tito Vespasiano Strozzi poète élégiaque : le saut de Bucéphale ou une esthétique de la mobilité." Aix-Marseille 1, 2001. http://www.theses.fr/2001AIX10084.
Full textAbstract:
Tito Vespasiano Strozzi, poète néo-latin ferrarais (1425 -1505), s'est illustré dans les genres élégiaque, bucolique et épique. Son épopée inachevée, la Borsiade, a été redécouverte grâce à l'édition de W. Ludwig (1977); en revanche son œuvre élégiaque sur laquelle il travailla de 1443 jusqu'à sa mort, ne cessant de l'augmenter et de la corriger au fil des versions manuscrites successives et qui, à travers l'editio princeps posthume d'Alde Manuce (1514), a été la seule partie de son œuvre, jusqu'au XVIe siècle compris, à connaître une large diffusion dans toute l'Europe, n'a bénéficié jusqu'alors ni d'une édition scientifique moderne, ni d'une interprétation littéraire d'ensemble. Ce travail qui prépare l'édition future et s'inscrit dans le cadre plus large de l'étude de la poétique des Renaissances (XVe et XVIe siècles) vise à combler cette lacune. Cette thèse porte sur la totalité de l'œuvre élégiaque de T. Strozzi telle qu'elle apparaît dans l'Aldine: Eroticon (6 livres), Aeolostichon (4 livres), Sermonum liber, Epitaphia (1 livre), Epigrammata (1 livre). Elle explique la personnalité poétique de Strozzi à partir de son œuvre élégiaque en soutenant que l'élégie, redéfinie comme genre le plus apte à épouser la variété du vivant à travers le regard de l'Ego, lui-même instable et protéiforme, demeure la vocation primordiale de T. Strozzi, même après 1460, date où il commence la Borsiade. C'est à cette vision que se rattachent toutes mes analyses: biographie, histoire du texte et de sa réception, composition, récriture, imitation, poétique interne (conception de l'humanisme, inspiration poétique et choix des genres), poétique en acte (style et utilisation des ressources du genre).
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Pelletier-Michaud, Lydia. "Couleurs, lumières et contrastes chez les lyriques grecs et les élégiaques latins." Master's thesis, Université Laval, 2007. http://hdl.handle.net/20.500.11794/18803.
Full text
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Bergasa, Ingrid. "Traduction et commentaire de poèmes de l’Anthologie latine." Paris 10, 2011. http://www.theses.fr/2011PA100064.
Full textAbstract:
Le travail de thèse que j’ai mené consiste en une traduction commentée de poèmes de l’Anthologie latine. Le corpus comprend des œuvres de Luxorius, Symphosius, Coronatus, Caton, Félix, Florentinus, Flavius Félix et d’auteurs anonymes. Ces poèmes ont été écrits en Afrique, sous la domination vandale, entre les règnes d’Hildéric et de Geiséric, et réunis dans une anthologie dans les années 530-534, juste avant la conquête byzantine. Ils ont donc vu le jour dans une époque troublée, riche en transformations politiques et sociales et sont une source importante sur cette période. Ils mettent en valeur une vitalité certaine de la littérature latine sous les derniers rois vandales. Les poèmes traduits sont de natures très diverses : recueils d’épigrammes fortement inspirés de Martial, déclamations fictives, énigmes, locus uergilianus, poèmes de louange des rois. Certains des genres poétiques représentés sont visiblement nés à ce moment là. Les poèmes témoignent tous d’un haut degré de culture latine, sans doute acquis dans les nombreuses écoles de rhétorique de la région. Les poètes reprennent, imitent, citent, détournent les grands auteurs latins, au premier rang desquels, Virgile. Le latin employé est, le plus souvent, très proche du latin dit classique. Ces reprises sont une manière, pour les poètes, de célébrer la gloire et la pérennité de Rome, au delà de sa disparition, et de revendiquer, pour eux-mêmes, le statut de poètes romains face au monde « barbare ». En outre, les poèmes sont révélateurs des liens plus complexes qu’il n’y paraît entre des poètes qui appartiennent visiblement aux Romains riches et lettrés qui dirigeaient l’Afrique romaine avant les Vandales et le pouvoir politique en place<br>The thesis work I did consists in a translation of poems from the Latin Anthology with a commentary. The corpus is composed of texts from Luxorius, Symphosius, Coronatus, Caton, Felix, Florentinus and some anonymous authors. Those poems have been written in Africa, under the reign of the Vandals, between Hildiric and Geiseric’s times, and have been gathered in an anthology by the years 530-534, just before the Byzantine conquest. They were writtten in a troubled period that saw a lot of political and social changes and therefore give us many information on those times. They emphasize a sure vitality of the Latin litterature under the reign of the last Vandal kings. The translated poems are of various genres : epigrams strongly inspired from Martial, fictive declamations, riddles, cento, locus uergilianus, poems glorifying kings. Some of the poetic genre represented have obviously been created at that time. The poems reveal a high level degree of latin culture, no doubt taught in the numerous schools of rethoric of this part of the world. The poets imitate, quote or adapt the great latin authors, especially Vergil. The quality of the Latin language employed is most of the time quite close to the classical Latin. Those adaptations are a way for the poets to celebrate the glory and the magnificence of Rome beyond its end, and to declare themselves are Roman poets in front of a “barbarian” world. Furthermore the poems reveal links far more complex than it seems to be, between poets obviously belonging to rich roman and scholastic community. This community used to rule Roman Africa before the Vandals as well as the settle political power
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Pelletier-Michaud, Lydia. "Évolution du sens des termes de couleur et de leur traitement poétique : l'élégie romaine et ses modèles grecs." Doctoral thesis, Université Laval, 2016. http://hdl.handle.net/20.500.11794/26683.
Full textAbstract:
Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2015-2016<br>Les termes de couleur, anciens ou modernes, ne peuvent être réduits à la dénomination de catégories servant à diviser le spectre des visibles : cet ensemble lexical unique mérite d’être considéré comme un phénomène linguistique et littéraire à part entière. Pourtant, trop souvent encore, les études portant sur le vocabulaire de la couleur tendent à subordonner le système langagier au phénomène physique, conséquence indirecte de la recherche d’objectivité qu’une vision positiviste attribue aux sciences de la nature. Les termes de couleur sont alors examinés selon des critères qui ne correspondent pas à leur véritable essence – une attitude qui, dans le cas des langues anciennes, mène à des constats d’imprécision injustifiés. Dans les faits, l’emploi des termes de couleur transcende largement la dimension visuelle : leur nature se révèle essentiellement subjective, et ce à plus forte raison dans les textes littéraires, dont se compose l’essentiel du matériel dont nous disposons pour étudier les cas du grec et du latin. Plutôt que de mettre l’accent sur les différences entre conceptions anciennes et modernes, cette étude aborde la couleur en tant que phénomène culturel dans une optique de continuité ; elle vise à montrer que l’analyse littéraire de textes poétiques anciens peut nourrir une réflexion sur la nature des couleurs et sur les processus qui mènent à leur conceptualisation. Après avoir posé les bases d’une réflexion sur la nature de la couleur (Chapitre I), cette thèse étudie le traitement poétique des termes de couleur et, de façon plus générale, l’utilisation des procédés littéraires faisant appel au chromatisme, chez les élégiaques latins (Ovide, Properce, Tibulle et le Corpus Tibullianum) et Catulle, à partir de leurs principaux modèles grecs d’époque alexandrine (Théocrite, Callimaque) et archaïque (poésie lyrique et épopée homérique). L’étude se focalise autour de quatre grands thèmes qui correspondent à des images littéraires développées par les poètes élégiaques – le « petit livre coloré » (Chapitre II), le « portrait en rouge et blanc » (Chapitre III), l’« amant pâle » (Chapitre IV) et la « mer céruléenne » (Chapitre V). Le corpus principal, approché dans l’ordre chronologique inverse, est envisagé sous l’angle de la réécriture. En effet, l’imitation émulative se trouve au cœur du processus créatif des poètes latins, qui élaborent leur identité d’auteurs en réinventant les vers de leurs prédécesseurs ; ce procédé amène les poètes à reprendre et à enrichir des images littéraires colorées, donnant naissance à des topoi et à des associations d’idées qui, au fil des siècles, tendent à se cristalliser sous la forme de termes de couleur abstraits.<br>Color terms, in modern and ancient languages alike, cannot be reduced to sections of the visible spectrum: this complex and rather unique lexical ensemble deserves our full attention as a linguistic and literary phenomenon. Yet color vocabulary is still too often regarded as an imperfect means to describe visual perceptions, a system that fails to achieve the precision of optical science. This idea, a consequence of the quest for objectivity which natural sciences are hoped to provide, does not reflect the true nature of color terms and induces an important bias in their study: as a result, many classical philologists have come to judge Greek and Latin color vocabularies as underdeveloped and their use by ancient authors as clumsy. The purpose of color terms is not limited to description in terms of chromatic acuteness: in fact, this vocabulary proves to be subjective by nature. This is even truer about its literary use, and literature constitutes the main material available to study color terms in Greek and Latin. Instead of looking for differences between ancient and modern conceptions, this study focuses on continuity and on color as a cultural phenomenon; its aim is to show that the analysis of ancient poetry can contribute to a more general reflection on the nature of colors and to our understanding of how they become concepts. Beginning with a chapter devoted to the nature of color (Chapter I), this dissertation studies the poetic treatment of color terms and, more generally, the use of literary devices pertaining to chromatism in Roman Elegists (Ovid, Propertius, Tibullus and the Corpus Tibullianum) and Catullus, as well as in their Greek models from the Hellenistic (Theocritus, Callimachus) and Archaic (lyric poetry and Homeric epics) periods. The study focuses on four poetic figures – the “little, colorful book” (Chapter II), the “red and white portrait” (Chapter III), the “pale lover” (Chapter IV) and the “cerulean sea” (Chapter V). Each of these chapters surveys the meaning of Latin vocabulary and expressions through the Greek verses they refer to. The corpus is approached in reverse chronological order, with more specific attention paid to intertextuality and rewriting: imitatio plays in fact a crucial role in the creative process of Latin poets, who construct their identity as authors as they interpret and transform pre-existing text. The colorful imageries that are thus being developed over centuries give birth to topoi and strong associations between emotions and realities that tend to crystallize in the form of abstract color terms.
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Constant-Desportes, Barbara. "Autour de L'Angelinetum et des Carmina varia de Giovanni Marrasio : étude sur la poésie latine du premier humanisme et sur le renouvellement du genre élégiaque." Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL081.
Full textAbstract:
Cette thèse porte sur la renaissance de l’élégie latine à l’ère humaniste, au début du XVe siècle, à Sienne. Giovanni Marrasio compose alors le premier recueil d’élégies en langue latine de la Renaissance, l’Angelinetum, d’inspiration amoureuse, auxquels s’ajoutent de nombreux poèmes variés, ses carmina varia. Avant lui, ce genre n’avait pas retrouvé d’expression depuis plusieurs siècles. L’œuvre du poète, très variée dans ses thèmes et dans ses sujets, trouve son unité dans l’utilisation exclusive du distique élégiaque. Cela conduit à s’interroger sur la conception de l’élégie latine que Marrasio illustre : s’il se réapproprie de nombreux thèmes et de nombreuses topiques caractéristiques des élégies antiques, il intègre dans sa poésie plusieurs héritages littéraires d’époques ultérieures. Tous ces emprunts sont savamment fondus dans une poésie originale au gré d’une imitation habilement pensée. Les modalités de cette imitation sont analysées dans toute leur variété : la réminiscence littéraire s’exprime ainsi par l’allusion, la citation et la traduction. L’analyse de l’imitation marrasienne permet également d’évaluer les nouveaux apports du poète au genre élégiaque, notamment par l’intégration de thèmes pétrarquistes et par le rapprochement de l’élégie et de l’épigramme. Marrasio participe, en tant que lettré, à certains débats littéraires de son temps, tels l’inspiration ou la valeur de la poésie, qui trouvent dans ses poèmes, des illustrations inédites, repérables grâce à une pratique métapoétique de l’écriture. Marrasio se révèle à la fois un passeur et un novateur dans la renaissance du genre élégiaque<br>This thesis deals with the renaissance of the Latin elegy in the humanist era, at the beginning of the 15th century, in Siena, when Giovanni Marrasio composed the first collection of elegies in Renaissance Latin, Angelinetum, with love as its inspiration, in addition to numerous diverse poems, his carmina varia. This style of expression had not been in use for several centuries prior to this. The exclusive use of the elegiac distich lends unity to the wide range of themes and subjects in the poet's work. This leads one to ponder the conception of the Latin elegy as illustrated by Marrasio : if he reappropriates many themes and topics characteristic of ancient elegies, he integrates several literary legacies from various earlier periods in his poetry. All these borrowings are skillfully combined into original poetry by means of clever purposeful imitation. The methods of this imitation are analysed in full: literary influence is thus expressed by allusion, quotation and translation. The analysis of Marrasian imitation also allows the poet's new contributions to the elegiac genre to be evaluated, in particular his use of Petrarchist themes and combination of the elegy and the epigram. As a man of letters, Marrasio took part, in certain literary debates of his time, on topics such as inspiration or the value of poetry, which find novel expression in his poems, identifiable thanks to a metapoetic writing style. Marrasio turns out to be both an imitator and an innovator in the renaissance of the elegiac genre
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Dion, Nicholas. "Sur quelques inflexions élégiaques de la tragédie classique française, 1680-1704." Thesis, Université Laval, 2005. http://www.theses.ulaval.ca/2005/22805/22805.pdf.
Full text
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Dumais-Desrosiers, Myriam. "Une puella d’excellence : la femme dans l’élégie latine et sa transposition mythologique." Master's thesis, Université Laval, 2013. http://hdl.handle.net/20.500.11794/24581.
Full textAbstract:
La femme occupe une place centrale dans la poésie amoureuse augustéenne ; les trois grands élégiaques — Tibulle, Properce et Ovide — ainsi que leur prédécesseur Catulle ressentent un amour si grand pour la puella qu’il devient le moteur de la création littéraire et, du coup, la jeune femme en incarne la muse. Ainsi, la beauté du corps de la puella, mais aussi celle de son esprit, compose la matière élégiaque et définit dans un même temps la femme idéale selon les poètes de l’amour. Du fait de son statut de poète de l’amour, Ovide reprend le canon élégiaque de la puella lorsqu’il compose son recueil didactique l’Art d’aimer. Ce mémoire étudie dans un premier temps la femme des élégies latines, ses caractéristiques physiques, intellectuelles et émotionnelles de même que sa capacité à s’engager dans le type d’union préconisé par les poètes amoureux. Ces éléments seront repris dans le cadre de l’analyse des personnages féminins des digressions narratives de l’Art d’aimer afin de montrer comment Ovide construit ses héroïnes mythologiques selon un exemplum positif ou négatif de la puella élégiaque.
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Séris, Emilie. "Les étoiles de Némésis : la rhétorique de la mémoire dans la poésie d'Ange Politien (1454-1494)." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040214.
Full textAbstract:
Ange Politien, poète humaniste florentin (1454-1494), avait appris des orateurs antiques la théorie de l'art de la mémoire. Sa poésie présente la topique caractéristique des arts de mémoire (calendrier, liste de vertus, catalogue d'hommes illustres. . . ). La mémoire a chez Politien trois fonctions distinctes : politique, éthique et poétique. D'une part le poète grave dans la mémoire collective des images du pouvoir des princes, d'autre part il révèle des processus de réminiscence nécessaires à la quête du bonheur individuel, enfin il enseigne des connaissances poétiques, contribuant à la construction d'une mémoire proprement littéraire. Politien fixe dans la mémoire les souvenirs des hommes aussi bien que des idées ou des mots. On s'est donc efforcé de recenser, pour chacune des trois fonctions de la mémoire définies, les lieux et les images de mémoire employés par le poète afin de fixer ces différents objets. La comparaison avec des œuvres plastiques de la même période confirme l'efficacité mnémonique de certaines images de Politien. L'analyse des procédés rhétoriques et poétiques de disposition des lieux et de formation des images révèle l'influence, chez Politien, de l'art mnémonique cicéronien, mais aussi l'évolution de l'auteur, à la suite de Quintilien, vers une conception de la mémoire créatrice et vers un art de l'improvisation.
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Van, Laer Sophie. "La préverberation en latin : étude des préverbes ad, in, ob, et per dans la poésie républicaine et augustéenne." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040182.
Full textAbstract:
Le préverbe peut être défini comme " le préfixe d'un verbe ". Il convient de l'appréhender comme un "élément de relation" mettant en rapport une "entité-située" et une "entité-repère" dans le cadre d'un procès. Une étude confrontative des préverbes ad-, in-, ob, et per- dans la classe des verbes de déplacement agentif permet de caractériser le signifié spécifique de chacun. Nous constatons notamment que ob- connaît une autre valeur que celle de "face-à-face" : le "recouvrement", qui semble plus proche du signifié originel du préverbe. D'autre part, la différence entre "approche" et "entrée" ne suffit pas à rendre compte de ce qui oppose ad- et in- : le premier souligne souvent la distance initiale entre entité-située et entité-repère, tandis que la "limite double" peut également s'appliquer à un accès aisé ou se colorer d'hostilité. Grâce à l'étude sémantique des préverbes, nous pouvons dégager quelques caractéristiques qui relèvent plus largement du préverbe : constitution de séries paradigmatiques, principe d'affinité sémantique, continuum entre "portée interne" et "portée externe", importance de la représentation géométrique prêtée au référent du repère. Un dernier questionnement porte sur les liens entre le préverbe et la base verbale. Il semble qu'il faille renoncer à prêter au préverbe d'un verbe inchoatif une valeur aspectuelle : c'est plutôt la portée de l'affectation du sujet par la transformation prédiquée qui est caractérisée par le préverbe. Dans la parasynthèse, l'élément préfixal apparaît comme un préverbe fonctionnel. Syntaxiquement, la duplication ne semble pas être une variante libre, mais trouve toujours une justification, qu'elle relève de l'expressivité ou des contraintes liées à la sémantique des rôles. N'étant ni une préposition ni un "co-verbe", le préverbe mérite largement une étude spécifique. La préverbation, procédé de création lexicale, s'inscrit alors dans la question plus générale de la modélisation du réel au travers de l'énoncé<br>The preverb can be defined as "the prefix of a verb". It is appropriate to apprehend it like an "element of relation" bringing into contact an "entity-located" and an "entity-landmark" within the framework of a process. A confrontative study of preverbs ad-, in-, ob and per- in the class of the verbs of agentive movement makes it possible to characterize the specific value of each one. We note in particular that ob- knows another value that the one of "face-to-face" : the "covering", which seems closer to original meaning of the preverb. In addition, the difference between "approach" and "entry" is not enough to return account of what opposes ad- and in- : the first one often underlines the initial distance between entity-located and entity-landmark, while the "double limit" can apply to an easy access or give a touch of hostility. Owing to the semantic study of the preverbs, we can establish some characteristics which concern more largely the preverb: constitution of paradigmatic series, semantic principle of affinity, continuum between "internal range" and "external range", importance of the geometrical representation lent to the referent of the landmark. A last questioning relates to the links between the preverb and the verbal base. It seems that it is necessary to give up lending to the preverb of an inchoative verb an aspectual value: it is rather the range of the assignment of the subject by the predicated transformation which is characterized by the preverb. In the parasynthesis, the prefixal element seems to be a functional preverb. Syntactically, duplication does not seem to be a free alternative, but always finds a justification, whether it concerns the expressivity whether the constraints related to the semantics of the roles. Not being neither a preposition nor a "co-verb", the preverb largely deserves a specific study. The preverbation, processus of lexical creation, fits then in the more general question of the modeling of reality through the language
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Rouquette, Enimie. "Theodulfica Musa, étude, édition critique et traduction des poèmes de Théodulf d'Orléans." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA136.
Full textAbstract:
Théodulf d’Orléans (∼ 760 ?-821) est un évêque et un érudit de la Renaissance carolingienne qui participa activement aux réformes de son époque. Il laissa une abondante œuvre poétique en latin, composée d’environ soixante-dix poèmes pour un total d’environ quatre mille sept cents vers. La thèse en propose, dans le premier volume, une étude systématique qui suit l’ordre d’une collection médiévale connue grâce à l’editio princeps publiée en 1646 par J. Sirmond. Cette étude entend analyser les poèmes de Théodulf en les mettant en relation avec le contexte intellectuel, culturel et historique de la Renaissance carolingienne. Elle s’attache également à mettre à jour les sources patristiques de Théodulf. Partant des nombreux cas de paraphrases d'extraits d'Isidore de Séville, de Grégoire le Grand ou encore d'Augustin, elle s'efforced'en dégager les enjeux, non seulement exégétiques, théologiques ou encore ecclésiologiques, mais aussi poétiques. Le second volume contient une nouvelle édition critique des poèmes de Théodulf, fondée principalement sur l'editio princeps et sur une collation nouvelle d’une soixantaine de manuscrits. Cette édition est accompagnée de la première traductionintégrale en français des poèmes de Théodulf. Un triple étage de notes permet d'éclaircir certains passages, de relever les références scripturaires et d'indiquer les sources classiques et patristiques. Les annexes qui terminent le second volume ont pour but de faire le lien entre l'étude et les poèmes. La thèse, en associant étude, édition, traduction et annexes, s'efforce ainsi de rendre accessible une poésie subtile et complexe, qui illustre le caractère protéiforme de la Renaissance carolingienne<br>Theodulf of Orléans (∼ 760 ?-821) was a bishop and scholar who, as part of the Carolingian Renaissance, actively engaged in the reforms of his time. He left a copious poetical oeuvre in Latin, comprising some seventy poems for an approximate total of four thousand and seven hundred lines. This thesis presents, in the first volume, a systematic study which follows the order of a medieval collection, known to us thanks to the editio princeps published in 1646 by J. Sirmond. This study aims at analysing Theodulf's poems by relating them with the intellectual, cultural and historical context of the Carolingian Renaissance. It also endeavours to bring to light Theodulf's patristic sources. Starting with the many paraphrases of extracts from Isidore of Seville, Gregory the Great or Augustine, it purposes to discover what is at stake in this practice, exegetically, theologically, ecclesiologically, but also poetically speaking. The second volume comprises a new critical edition of the poems, based for the main part on the editio princeps and on a new collation of some sixty manuscripts. This edition comes with the first complete translation of Theodulf's poems into French. Three layers of notes are used to clarify some passages, document the scriptural references and indicate the sources, classical as well as patristic. The appendices that close the second volume aim at establishing a link between the study and the poems. By associating study, edition, translation and appendices, the thesis endeavours to give a better access to a complex, subtle poetry, one that illustrates the protean quality of the Carolingian Renaissance
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Catellani-Dufrêne, Nathalie. "La poésie de circonstances de George Buchanan (1506-1582) : les épigrammes, édition, traduction commentaire." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040014.
Full textAbstract:
George Buchanan (1506-1582), humaniste protestant de nationalité écossaise, enseigna le latin en France, et évolua à la cour et dans les milieux lettrés, puis, de retour en Ecosse, il devint le précepteur de Marie Stuart et de Jacques VI. Célèbre pour ses tragédies sacrées et sa Paraphrase des Psaumes, il s'illustra également dans la composition de pièces de circonstances parmi lesquelles le Epigrammes, parues en 1584. Ce recueil dessine en filigrane les débats sur l'imitation des Anciens au XVIe siècle et sur l'esthétique de l'écriture épigrammatique. Composant de brillantes épigrammes à pointe, caractérisées par leur brièveté et leur efficacité expressive, le poète humaniste, double de l'orateur antique, contribue, par sa poésie essentiellement épidictique, à l'élaboration de sa cité. Nous proposons ici une édition des Epigrammes annotée et accompagnée d'une traduction française, ainsi qu'un commentaire centré sur l'utilisation des modèles dans la création littéraire, les caractéristiques stylistiques de l'épigramme à pointe et la fonction sociale et politique de la poésie de circonstances<br>George Buchanan, Scottish protestant and humanist, taught latin in France and lived at court and among intellectual circles, then, back in Scotland, he became Mary Stuart and James VI's preceptor. Famous of his Paraphrasis of the Psaulms, he also excelled in the writing of event poems, among which the Epigrams, published in 1584. This collection also reflects the debates about imitation in the XVI century and on the aesthetic of epigrammatic writing. The humanist poet, double of the antique orator, writer of brilliant pointed epigrams characterized by their brevity and expressive efficiency, contributes, through his essentially epidictic poetry, to the elaboration of the city. We are here proposing a publication of the Epigrams, annotated, with a translation in French together with a commentary around the use of models in literary creation, the stylistic characteristics of the pointed epigram and the political and social function of the event poetry
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Bost-Fievet, Mélanie. "Personnifications du désir d’écrire dans la poésie lyrique néo-latine : Les Muses de Giovanni Pontano et de Jean Salmon Macrin." Paris, EPHE, 2014. http://www.theses.fr/2014EPHE4025.
Full textAbstract:
Cette thèse propose une étude parallèle de l’œuvre lyrique de deux poètes néo-latins, l’homme d’État napolitain Giovanni Pontano (1429-1503) et le poète de Cour loudunais Jean Salmon Macrin (1490-1557), et des figures de Muses qui personnifient leur désir d’écrire et le caractère réflexif de leur poétique. Après des prolégomènes destinés à retracer l’histoire du motif, la première partie examine la manière dont chacun des deux poètes s’approprie les théories poétiques humanistes relatives à l’inspiration, à l’aptum générique et éthique et à la fonction sociale de la poésie. La seconde partie analyse l’imaginaire de la translatio Musarum et ses enjeux personnels et nationaux, avant d’étudier la représentation de l’univers privé, centrale chez ces deux fondateurs du lyrisme conjugal. Enfin, la troisième partie se penche sur l’élaboration de la persona et la représentation du moi à travers la Muse, d’abord dans les incertitudes de la vocation ou de la carrière de poète, enfin dans l’expression du désir et de l’incomplétude<br>This thesis offers a parallel exploration of the lyrical works composed by two neo-latin poets: Giovanni Pontano (1429-1503), a Neapolitan statesman, and Jean Salmon Macrin (1490-1557), a court poet native of Loudun; it endeavors to determine how the figure of the Muse personifies their desire to write and the reflexive nature of their poetry. Prolegomena are dedicated to retracing the story of the motive. The first part then studies how far each poet falls within the humanist theories of poetics pertaining to the questions of inspiration, the aptum of genre and ethos, and the social status of poetry. The second part analyzes the imaginary representations of the translatio Musarum and its personal and national stakes, moving onwards to the depiction of the private, familiar universe, a crucial theme for these two pioneers of conjugal lyricism. Finally, the third part addresses the construction of the poetic persona and the representation of self through the Muse, first within the uncertainties of the poet’s calling or career, then through the expression of the poet’s flaws and desires
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Dion, Nicholas. "Entre les larmes et l'effroi : inflexions élégiaques et horrifiques dans le théâtre tragique, de l'âge classique aux Lumières (1677-1726)." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27328/27328.pdf.
Full text
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Hubert, Gwenaelle. "L’acte de commencer : étude comparée de débuts d’œuvre dans plusieurs genres poétiques de la période augustéenne." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040211.
Full textAbstract:
Cette thèse s'inscrit dans une démarche de comparaison – encore peu entreprise malgré l'intérêt que suscitent les débuts d’œuvre – entre des œuvres des genres épique, didactique et élégiaque de la période augustéenne. Nous cherchons à saisir les principes guidant la composition des débuts d’œuvre en poésie et à expliquer les variations apparaissant dans la pratique. En resituant les œuvres augustéennes dans une tradition, nous établissons qu’il existe à cette époque des rituels de début différenciés entre les proèmes épiques et didactiques, à tel point qu’ils contribuent à l’inscription des œuvres dans deux genres distincts. Puis en mobilisant les éléments que les comparaisons font apparaître comme marqueurs de début en raison de leur récurrence, mais aussi les outils de la pragmatique et le concept de paratexte, nous mettons en évidence les caractères qui, au-delà d’une représentativité programmatique, qualifient les pièces liminaires des recueils élégiaques pour ouvrir l’œuvre. Il apparaît alors que seul Ovide se positionne par rapport à l’épopée en jouant avec les codes de début de celle-ci, parce qu’il écrit à un moment où le genre élégiaque a gagné en maturité et où le proème de l’Énéide a établi un modèle de début épique de référence en latin. Mais au stade du premier livre de Properce et de Tibulle, aucun rituel de début d’œuvre spécifiquement élégiaque n’est institué, le positionnement de l’élégie par rapport à l’épopée ne se traduit pas dans la forme du début d’œuvre, et il ne sera formulé plus explicitement en termes méta-littéraires que dans les livres suivants. D’une manière générale, le premier début est moins réflexif que les débuts de livres intermédiaires<br>This thesis aims at comparing different epic, didactic and elegiac writings from the Augustan period. Although the beginnings of literary works have been extensively studied, comparisons are still needed. We try to understand the principles at work in the beginning of poetry writings. We also explain the variations observed between them.By placing Augustan texts in a tradition, we notice that there are characteristic differences between the rites of epic and didactic proems. These differences are so important that they contribute to the identification of a work's genre.Then mobilizing elements that comparisons reveal as markers for their recurrence, but also the tools of pragmatics and the concept of paratext, we highlight the characters which, beyond programmatic representativity, qualify the poems opening elegiac collections as beginnings.It appears that only Ovid describes his position in relation to epic, by playing with beginning codes of that genre, because he wrote at a time when the elegiac genre had matured and when the proem of the Aeneid had established a Latin model for epic proems. But at the time of the first book of Propertius and Tibullus, no specific ritual of beginning is established for elegiacs. Elegy's relationships to epic do not appear in the form of the beginning and they will be described more explicitly in metaliterary terms in the following books. Generally speaking, the first beginning is less metapoetic than the beginnings of intermediate books
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Leclercq, René. "Recherches sur l'esthétique des Bucoliques de Virgile." Paris 4, 1991. http://www.theses.fr/1991PA040127.
Full textAbstract:
Dans l'esthétique des Bucoliques (qui, suivant une tradition romaine persistante, sont un ouvrage de propagande politique centré sur César, en faveur d'Octave) interviennent les principes esthétiques de Théocrite - spontanéité,simplicité - de la vie des bergers dans la nature ; les principes esthétiques des 'Neoteroi' et surtout de Catulle - briéveté, intensité, sensibilité ; les principes d'une synopsis platonicienne qui organise les poèmes de l'ouvrage en un Triangle rigoureux. Tous ces éléments se rejoignent pour nous faire vivre les étapes purificatrices d'une "psychagoge" vers la contemplation de César divinisé : à cette contemplation succède celle du Triangle - formé dans notre mémoire par l'ensemble des poèmes où nous est représentée l'Idée de la Bucolique - autre approche du Divin - avec les relations qui la constituent<br>In the aesthetics of the 'Eclogues', which, according to a lasting tradition in Rome, are a work of political propaganda centered on Caesar and in favour of Octavius, we find the aesthetic principles of Theocritus. .
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Bureau, Bruno. "Littera et res, le sens des Écritures dans l'Historia apostolica d'Arator (les formes poétiques et leurs rapports avec l'exégèse et l'enseignement doctrinal)." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1993PA040283.
Full textAbstract:
Le but de ce travail est de montrer comment,dans son approche exégétique des 'Actes des Apôtres',le poète Arator parvient à surdéterminer la lettre du texte pour lui donner un sens moral,typologique ou allégorique par l'usage de la forme épique et des moyens courants de l'exégèse patristique. La première partie traite de l'arrière-plan de l'action des apôtres. La seconde partie traite de leur enseignement dans les discours et de leurs miracles. La troisième partie s'interroge enfin sur le sens de ce mode allégorique et symbolique de traitement du texte sacré. Arator vise avant tout à fournir un exposé cohérent et complet de la foi de l'Eglise de Rome dans une perspective chalcédonienne et ouvertement hostile à toute tendance centrifuge par rapport au siège de Rome. Il construit à partir de là une image de la vie et de la sainteté chrétiennes dans le cadre strict et,selon lui,unique,de la fidélité au corps mystique du Christ qui s'incarne dans la seule Eglise catholique romaine<br>The purpose of this thesis is a study of the links between an epic narrative of the Acts of the Apostles and exegetic techniques such as allegory,typology and tropology in Arator's poem Historia Apostolica. .
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Iff-Noël, Flora. "Ariane, vision parlante ? : l’ekphrasis illusionniste chez Catulle et les épigrammatistes hellénistiques." Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL064.
Full textAbstract:
Catulle, dans le poème 64, invente une ekphrasis d’un nouveau genre : au lieu de décrire une œuvre d’art dans sa matérialité pour la mettre sous les yeux des lecteurs selon la tradition rhétorique, il fait parler son personnage principal, Ariane. En quoi la figure d’Ariane a-t-elle permis à Catulle d’entériner une évolution de l’ekphrasis entamée par la littérature hellénistique, à savoir la focalisation non sur la matérialité de l’objet, mais sur son sens, une réflexion sur les liens entre vision et diction ? Il convient d’éclairer ce poème majeur de la littérature latine en le réintégrant, d’une part, aux multiples représentations figurées d’Ariane dans l’Antiquité et, d’autre part, à la lignée des ekphraseis précédentes, concept entendu au sens de « texte consacré à une œuvre d’art » pour inclure descriptions mais aussi narrations ou courts dialogues comme ceux des épigrammes ecphrastiques. En particulier, la prise de parole de l’objet d’art se révèle un topos épigrammatique hellénistique qui nécessite une étude systématique. Ce motif, baptisé topos de l’illusionnisme de l’art, mesure la qualité d’une œuvre d’art à sa capacité à sembler sur le point de parler, se mouvoir ou prendre vie. La typologie de ce topos met en évidence l’évolution de l’esthétique et de la relation entre poésie et arts figurés. Le poème 64 de Catulle se révèle alors reprendre ce topos – comme de nombreux textes après lui – pour constituer une surenchère illusionniste dans l’ekphrasis où l’œuvre d’art prend vie. La poétique de Catulle trouve un éclairage nouveau qui permet de mieux tracer la réception de l’esthétique alexandrine à Rome et l’influence de Catulle sur les poètes latins postérieurs<br>This interdisciplinary dissertation uses text and image studies, intertextuality and metapoetics to analyze the relationships between vision and diction in ekphraseis understood as texts devoted to works of art, and particularly in Catullus’s canonical poem 64. Poem 64 has puzzled many critics by its “disobedient ekphrasis” of a coverlet: not only does it scarcely describe its subject, but it turns into a long monologue by Ariadne, the main figure woven into the coverlet. I argue that, far from disregarding the coverlet, Catullus elaborates on a topos of Hellenistic ekphrastic epigrams that measures an artwork’s value by its illusionist capacity to “seem about to speak” and “come to life”. My extensive classification of the epigrammatic variants of this topos reveals its presence in Catullus through specific keywords. Ariadne’s representation on the coverlet is so lifelike that it starts to speak. Instead of following the critical tradition which considers Ariadne’s speech as another instance of epic or tragic monologue, I analyze it as a major Catullan innovation, in dialogue with the aesthetic debates of his day. Bringing together Hellenistic and Roman figurative arts and literatures sheds a new light on Catullan poetics and, more generally, on the reception of Alexandrian aesthetics in Rome and on Catullus’s influence on posterior Latin poets
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Valensi, Margaux. "La politique du chant dans les oeuvres de Pablo Neruda et de Louis Aragon : l’art comme conquête." Thesis, Bordeaux 3, 2016. http://www.theses.fr/2016BOR30046.
Full textAbstract:
Face aux grands drames historiques du 20ème siècle, Louis Aragon (1897-1982) et Pablo Neruda (1904-1973), deux poètes communistes, amis dans la vie, développent à travers leur œuvre une conception de la poésie et de l’art en général comme une conquête, qu’ils nomment « chant ». Bien qu’il renvoie au lien séculaire entre musique et poésie, le « chant », que la thèse prend pour objet, n’est ni réductible ni à la musique ni au texte. Pour eux, le chant est le symptôme de l’unité fondamentale de l’art et de la vie et peut constituer une expression valant dans n’importe quelle sphère de l’activité artistique. Cette étude défend l’hypothèse selon laquelle le chant est d’abord une énergie qui non seulement fonde le texte littéraire, mais irrigue également les autres arts, et notamment les arts plastiques. La thèse propose ainsi de réinterroger ce que l’on appelle « chant » à travers deux œuvres originales qui cherchent à redessiner des communautés politiques et esthétiques, à l’échelle nationale et internationale. En saisissant d’abord leur œuvre par le dehors, l’étude met en lumière les étapes de la fabrique du chant à partir de deux manières de relier les espaces poétiques et politiques : celui de l’histoire littéraire et artistique et celui de la traduction. Ensuite, la thèse se fonde sur une approche poétique pour examiner de l’intérieur le chant sous l’angle de l’énergie. Si le chant semble indéfinissable, c’est aussi parce qu’il n’est pas une forme ni même un genre à proprement parler, mais l’expérience sensible d’une présence partagée. Démesurée, l’énergie du chant défie les cadres de la représentation pour s’afficher comme une expression. C’est sous ce dernier prisme que l’étude inscrit le chant dans un horizon qui outrepasse la poésie et le confronte à des problématiques visuelles en convoquant les écrits sur l’art de l’un et de l’autre, de rares livres illustrés par les peintres muralistes (Siqueiros, Rivera, Venturelli et Léger) et en examinant de près les extensions du chant (le livre, le mur et la tapisserie), afin d’identifier la communauté d’enjeux entre ce que nos poètes appellent « chant » et des réalisations plastiques majeures du 20ème siècle<br>Facing the great historical dramas of the 20th century, Communist poets and friends Louis Aragon (1897-1982) and Pablo Neruda (1904-1973) showcased in their respective bodies of work a certain conception of poetry and of art as a conquest, which they named “canto” (in French “chant”). Although the term denotes the primeval relation between music and poetry, this dissertation postulates that the canto is not to be reduced to the sole musical or textual contexts. What both poets term “canto” is rather akin to the basic unity of art and life, and finds itself applicable to all artistic fields. In this sense, this dissertation first and foremost defends a vision of the canto as energy, which not only rests at the basis of textual creation but which also informs all other means of artistic expression, especially visual and plastic arts. The aim of this study is therefore to question what the term “canto” purportedly signifies in critical context. It does so by inspecting how the two oeuvres under scrutiny are relentlessly committed to shaping new political and esthetical communities, both nationally and internationally. Firstly approaching Aragon and Neruda’s works from an exterior viewpoint, the dissertation sheds light on the various elements that are generative of the canto by soliciting two areas which fundamentally connect poetical and political spaces: that of literary history and that of translation. The study then proceeds to examine the poetical works themselves through the notion of energy. If the defining contours of the canto remain elusive, it is precisely because it cannot be characterized as a form or as a genre in itself, but rather stands as the sentient experience of a shared presence. The overflowing energy emanating from the canto thereby begs the question of representation, whose frames it constantly defies in order to offer itself rather as an expression. This last notion serves as the final prism through which the canto is considered in this study, as something essentially exceeding the mere art of poetry and which interrogates the modalities of the visual. This concluding demonstration relies on Aragon and Neruda’s critical essays on art as well as rare books illustrated by muralist painters (Siqueiros, Rivera, Venturelli and Léger); it carefully explores the plastic prolongations of the canto (in book, wall or tapestry form) in order to further identify the common goals and implications of this literary entity, along with those of some major plastic arts achievements of the 20th century
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Provini, Sandra. "Les guerres d'Italie entre chronique et épopée : le renouveau de l'écriture héroïque française et néo-latine en France au début de la Renaissance." Paris 7, 2009. http://www.theses.fr/2009PA070095.
Full textAbstract:
La thèse présente une étude comparative des longs poèmes narratifs composés sur les premières guerres d'Italie (1494-1514) sous les règnes de Charles VIII et de Louis XII par des poètes néo-latins et français : le De Neapolitana Fornoviensique Victoria de Fausto Andrelini et le Voyage de Naples d'André de La Vigne, le Carmen de expugnatione Genuensi de Valerand de La Varanne et le Voyage de Gênes de Jean Marot, la Chilias heroica de régis Ludovici duodecimi in Venetos Victoria d'Antoine Forestier et le Voyage de Venise de Jean Marot. La première partie replace ces œuvres dans leur contexte historique, leurs auteurs dans les milieux curial et humaniste, et précise leurs conditions de diffusion et de réception. La seconde les inscrit dans la production historiographique d'actualité et analyse leur ambition d'immortaliser la geste des contemporains par leur forme et leur style. La troisième confronte les pratiques française et néo-latine du grand genre - épopée, prosimètre -, en étudiant la dispositio, Velocutio et les modèles des œuvres, en particulier dans les scènes de batailles et les relations d'entrées. La quatrième partie enfin traite des dimensions politique, morale et religieuse de ces œuvres, qui révèlent l'engagement des poètes dans les débats idéologiques de leur temps (conscience nationale, image royale), leur projet d'édification du lecteur et l'affirmation de leur dignité d'auteurs. Cette étude est accompagnée d'une édition du De Neapolitana Fornoviensique Victoria (1078 v. ) établie à partir de cinq manuscrits et deux imprimés (1503 et 1513), avec sa traduction, et de la transcription et de la traduction du Carmen (1502 v. , 1508) et de la Chilias (1000 v. , 1510)<br>The thesis presents a comparative study of the long narrative poems composed about the first Italian wars (1494- 1514) under the reigns of Charles VIII and Louis XII by Neolatin and French poets : the De Neapolitana Fornoviensique Victoria by Fausto Andrelini and the Voyage de Naples by André de La Vigne, the Carmen de expugnatione Genuensi by Valerand de La Varanne and the Voyage de Gênes by Jean Marot, the Chilias heroica de régis Ludovici duodecimi in Venetos Victoria by Antoine Forestier and the Voyage de Venise by Jean Marot. The first part puts those works back into their historical context, and their authors among the humanistic Court, while specifying under which conditions they were circulated and received. The second part places them in the topical historiographical production and analyses their ambition to immortalize the deeds of contemporaries by their form and style. The third part confronts the French and Neolatin practices of the grand genre - epic, prosimetrum -, by studying these works' dispositio, elocutio and models, particularly in the battle scenes and the depiction of royal entries. Finally, the fourth part addresses the political, moral and religious dimensions of those works, which reveal the poets' commitment in the ideological debates of their time (national consciousness, representation of the monarch), their purpose to enlighten the reader, and the affirmation of their dignity as authors. This study is completed by an edition of Andrelini's poem based on five manuscripts and two prints (1503 and 1513, 1078 1. ), with its translation, and the transcription and the translation of the Carmen (1508) and of the Chilias (1510)
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Desmoulière, Paule. "Les recueils de poésie funèbre imprimés en Italie, en France et dans les Îles britanniques (1587-1644)." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040096.
Full textAbstract:
Cette thèse est une étude à la fois globale et détaillée consacrée aux recueils de poésie funèbre imprimés en Italie, en France et dans les Îles britanniques entre 1587 et 1644. Les recueils de poésie funèbre nécessitent une approche comparatiste, à plusieurs titres. Du point de vue linguistique et culturel tout d'abord, l’on remarque que ce sont des ouvrages polyglottes. En outre, du point de vue esthétique, ils font appel aux ressources de la littérature et des beaux-arts (gravures), en partie parce que les textes qu'ils contiennent ont souvent fait partie du monument funèbre lui-même, ce qui encourage à les relier aux programmes iconographiques élaborés au cours des funérailles. Enfin, ces « tombeaux poétiques » sont avant tout une œuvre qui émane d’un groupe d’auteurs, ce qui mène à les analyser non seulement comme œuvre littéraire, mais aussi comme des témoignages précieux sur l’histoire de la littérature. Cette thèse commence par montrer quelles sont les origines de cette pratique, notamment comment divers modèles de recueils funèbres furent élaborés à partir du Quattrocento, d'abord en Italie, puis dans les deux autres pays. Au terme de cette évolution, à la fin du seizième siècle, on peut affirmer que les trois pays disposent d'un socle culturel commun à partir duquel se constituent ces recueils. Le chapitre suivant analyse comment ces recueils évoluèrent des années 1580 à 1644, quelle était l’identité des défunts commémorés et qui élaborait ces ouvrages. La variété des formes et des discours sur la mort est ensuite examinée. Puis, à travers des études de cas, les enjeux de l’écriture collective sont étudiés. Enfin, les rapports entre ces ouvrages imprimés et les funérailles sont examinés<br>This dissertation is both a global and detailed study dedicated to collections of funeral verse published in Italy, France and the British Isles between 1587 and 1644. It follows a comparative approach, for several reasons. Firstly, because these works were written and published in several languages. Secondly, because of the number of engravings they contain and the close relationship they often bear to the fine arts. Since many of the poems printed within these works were first pinned to funeral hearses or catafalques, they must be considered in the light of funerary art and architecture. Thirdly, these works warranted a sociological and historical analysis because of their collective nature: they are the product of a group of authors, whose ideals and aspirations they embody. The initial part of this study presents the development of this type of funerary commemoration from its origins in late Quattrocento Italy to its later expressions in mid-sixteenth-Century England and France. The second chapter examines the evolution of these collections from the 1580s to the 1640s, as well as the identity of the deceased and their commemorators. The third chapter gives an overview of the great formal and rhetorical variety of the poems published in these collections. The case studies in chapter four illustrate how and why groups of authors assembled in order to conceive collections of funeral poetry. Finally, the last chapter is a brief survey of the relationships that these works bear with different types of funeral ceremonies
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Jouanno, Sophie. "Poétique des images dans l'épopée latine de l'époque républicaine à l'époque flavienne : d'une mimesis représentative à une phantasia créatrice." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040245.
Full textAbstract:
Ce travail vise à étudier la poétique de l’enargeia (la qualité d’"évidence") dans des épopées latines de l’époque républicaine à l’époque flavienne : l’Odyssée de Livius Andronicus, la Guerre punique de Naevius, les Annales d’Ennius, l’Enéide de Virgile, la Pharsale de Lucain, la Guerre punique de Silius Italicus. Après avoir défini les acceptions antiques de l’image, ses enjeux rhétoriques et ses attentes génériques dans l’épopée, nous complétons cette approche théorique, par une étude des actes fondateurs, mettant en évidence certains traits inhérents à la poétique homérique : son aspect mimétique, rationnel et "réaliste". Or, d’après le témoignage des rhéteurs impériaux, il s’avère que cette conception traditionnelle de la mimèsis se transforme au Ier s. Ap. J. -C. : Pseudo-Longin et Quintilien donnent l’impulsion d’une "subjectivation" de la représentation, en l’affranchissant de sa norme "réaliste" et en la dotant d’une plus grande liberté créatrice. En confrontant les oeuvres de notre corpus à ces données, nous tentons donc de définir les contributions respectives de chacun des auteurs au renouvellement de l’enargeia épique. En définitive, ce travail laisse apparaître que, par sa créativité, l’enargeia épique romaine ne cesse de transgresser et de se jouer des limites attendues de l’épopée et qu’elle tend de plus en plus à se désenclaver du "réel" pour offrir des visions subjectives et créatrices. A cet égard, Virgile apparaît notamment comme un précurseur<br>The aim of the author is to study the Poetics of enargeia (the quality of "evidence") in latin epics from republican to flavian age : Livius Andronicus’s Odyssey, Naevius’s Punic War, Ennius’s Annals, Virgil’s Aeneid, Lucan’s Pharsalia, Silius Italicus’s Punic War. After defining the antique senses of image, its rhetorical stakes and its generic rules in epic, we complete this theoretical approach, studying the founding authors, which brings to the fore some traits inherent in homeric Poetics : its mimetic, rational, "realistic" aspect. But, according to the evidence given by imperial rhetors, it is a recognized fact that this traditional conception of mimèsis transforms itself in the 1st century A. D. : Longinus and Quintilian suggest that image becomes more and more subjective, frees itself from "realistic" convention and gains a greater inventive freedom. Therefore, comparing the works of our corpus with these facts, we try to define each author’s respective contributions at the renewal of the epic enargeia. In fact, it turns out that, since it is more creative, the epic Roman enargeia still transgresses and makes light of the generic epic laws and tends to open itself up from the "real" to offer subjective and inventive visions. In this respect, Virgil seems particularly like a precursor
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Goga-Lambion, Stefana. "Le moi lyrique et le temps chez Catulle, Tibulle, Properce et Horace." Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2002PA040210.
Full textAbstract:
Prenant comme point de départ le vocabulaire de la mémoire, qui désigne la production du texte élégiaque, et les allégories qui la traduisent métaphoriquement, cette recherche aboutit à dégager la valeur autoréflexive de l'image du " je " et de celle de la bien-aimée, autour desquelles est structurée l'élégie. De la même manière, le temps subjectif, organisateur du discours, apparaît comme un lieu d'autoréflexivité. L'approfondissement théorique de cette lecture - dans la perspective de la Poétique d'Aristote, de l'Art Poétique d'Horace et du traité Du Sublime - ainsi qu'un parallèle avec la lyrique horatienne, permettent de mieux cerner l'art des poètes élégiaques et les traits du genre qu'ils pratiquent. Une évolution du discours élégiaque peut ainsi être esquissée à partir de l'œuvre de Catulle et jusqu'aux Amours d'Ovide, dernière œuvre qui obéisse strictement au code de l'élégie érotique latine<br>Beginning with the vocabulary of memory that characterizes elegiac text production, and with the allegories that translate it metaphorically, this study then uncovers the self-reflexive value of the " I "'s and of the mistress's images, around which the elegy is structured. Similarly, the subjective time that organizes the text appears to be a frame within which reflexivity occurs. In-depth theoretical reading - from the perspective of Aristotle's Poetics, Horace's Art of Poetry and On the Sublime - affords us a better understanding of the art of the elegiac poets, and of the distinctive aspects of the genre they practiced. We can thus sketch out an evolution of the elegiac discourse from Catullus' work through to Ovid's Amores, the last work to adhere strictly to the Latin erotic elegiac code
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Scandaglia, Giulia. "Les Gesta Apollonii, un jalon du succès de l'Historia Apollonii regis Tyri au Moyen Age. Présentation et traduction française." Thesis, Paris 3, 2019. http://www.theses.fr/2019PA030071.
Full textAbstract:
Les Gesta Apollonii sont une réélaboration en 792 hexamètres léonins des huit premiers chapitres de l’Historia Apollonii regis Tyri, et ils ont été publiés par E. Dümmler pour les Monumenta Germaniae Historica, dans le deuxième volume de la section Poetae latini aevi Carolini en 1884. Comme l’œuvre dépend de son hypotexte, le premier chapitre de la thèse est dédié à l’Historia Apollonii regis Tyri, aux problèmes que ce roman soulève et aux réponses possibles que la critique leur a apportées. Une analyse du cadre historico-culturel dans lequel les Gesta Apollonii ont été composés et l’histoire du monastère où le manuscrit a été retrouvé ont été abordées dans le deuxième chapitre ; en outre, une partie importante de ce chapitre est consacrée à l’étude des gloses marginales et interlinéaires dont le texte est parsemé. Une partie de ces gloses a été trouvée dans un codex de De Consolatione Philosophiae de Boèce, rédigé vers l’an 1000 par l’abbé Froumund de Tegernsee, qui provient de la Fürstliche Öttingen-Wallersteinische Bibliothek, en Bavière et qui se trouve, aujourd’hui, à Cracovie, dans la Biblioteka Jagiellońska. Dans le troisième chapitre, plus spécifiquement, le texte des Gesta Apollonii est mis en parallèle avec le roman sur lequel il se fonde et avec les nombreuses références au monde classique grec et latin qu’il présente. Un sous-chapitre est de plus dédié à l’historicité possible des personnages mentionnés dans l’histoire.Après l’analyse du texte d’un point de vue thématique, le quatrième chapitre est dédié à l’examen des caractéristiques codicologiques et paléographiques du manuscrit et à la présentation de la langue, du style et de la métrique de l’œuvre. Le cinquième et dernier chapitre propose la traduction française de l’œuvre<br>Gesta Apolloni is a re-elaborated version of 792 leonine hexameters of the first 8 chapters of Historia Apollonii regis Tyri, and it was published in 1884 by E. Dümmler in Monumenta Germaniae Historica, in the second volume of the section Poetae latini aevi Carolini. Due to its dependence from its hypotext, the first chapter of the thesis is about Historia Apollonii regis Tyri, the issues that the novel raises, and the possible answers that the critics gave to them. A general analysis of the cultural and historical background where Gesta Apollonii was written and also the story of the monastery where it was found, have been discussed in the second chapter; moreover, an important part of this chapter is dedicated to the study of the marginal and interlinear glosses of which the text is full. Part of these glosses was found in a codex of Boece’s De Consolatione Philophiae, written circa 1000 by abbot Froumund De Tegernsee; originally the codex was in the Fürstliche Öttingen-Wallersteinische Bibliothek in Bavaria, today it can be found in the Biblioteka Jagiellońska, in Cracow.In the third chapter more specifically, Gesta Apollonii text is compared to the novel -which it is based on- and to the several quotes from the Latin and Greek classical world. A paragraph is also dedicated to the possible historical accuracy of the characters mentioned in the story. After the thematic analysis of the text, the fourth chapter concerns the examination of the codicological and paleographic features of the manuscript and the presentation of the language, the style, and the metre of the work. In the fifth and last chapter, there is a French translation of Gesta Apollonii
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Sauvey, Juliette. "Junon, "trop amie des Africains" : une déesse romaine de la colère et de la réconciliation : étude religieuse et littéraire du début de la République jusqu'à l'époque augustéenne." Thesis, Strasbourg, 2015. http://www.theses.fr/2015STRAC007.
Full textAbstract:
Cette étude a pour origine le constat d'un paradoxe : Junon, grande déesse romaine qui siège au sein de la triade Capitoline, a aussi combattu le projet d'installation d'Énée dans le Latium, a été hostile à l'apothéose de Romulus ou a protégé les Carthaginois d'Hannibal. Si cette hostilité semble a priori le fait des poètes depuis Ennius jusqu'aux poètes augustéens, elle est aussi intrinsèque à la nature de la déesse qui fut celle qui subit le plus souvent le rituel d'euocatio destiné à apaiser la divinité de l'ennemi et à l'intégrer au panthéon romain, comme à Véies en 395 av. Mais surtout, cette colère semble inséparable de la réconciliation finale de la déesse avec les Romains. Enfin, cette hostilité et cet apaisement ont été réactualisés au cours de l'histoire de Rome : guerres contre les Étrusques, les Carthaginois ou guerres civiles. Notre démarche suit un plan chronologique pour analyser la dynamique du phénomène tout en étudiant à la fois le fait religieux et le fait littéraire<br>This study results from the observation of a paradox : Juno, great Roman goddess, part of the Capitoline triade, has fought the Aeneas' project to establish a settlement in Latium, was hostile to Romulus' apotheosis and has also protected the Carthaginian army of Hannibal. Juno's hostility was told by the poets since Ennius, up to the augustan poets, but can also be studied in the cultual practice, owing to the fact that she was subject to euocatio-rituel several times as in Veii in 395 BC. The ritual of euocatio has been used in order to calm ennemies' divinity and to integrate it in the Roman pantheon. Moreover, Juno's anger implies to be examined simultaneously with her final reconciliation with Rome. Finally, this hostility and reconciliation underwent some updates during the Roman history : Etruscan, Punic or Civil wars. Our approach follows a chronological plan in order to analyze the phenomenon's dynamics while studying both religious and literary facts
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Jalabert, Romain. "Les vers latins en France au XIXème siècle." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040111.
Full textAbstract:
Les vers latins ne furent pas un pensum pour tous les collégiens du XIXe siècle. Ils eurent un rôle récréatif dans l’enseignement des humanités, au sein duquel ils favorisaient l’étude des poètes de langue française, parfois contemporains, par le biais de traductions. Ils furent une introduction aux belles-lettres pour quelques-uns, dont Sainte-Beuve, Musset, Baudelaire, Bourget et Rimbaud. Des périodiques et des recueils de poésie néo-latine, qui n’étaient pas tous scolaires, poursuivaient une tradition humaniste privilégiant l’épigramme et les jeux versifiés. Ces publications reflétaient également l’évolution des formes poétiques : essoufflement de l’épopée et de la fable, fortune de l’ode civique et des genres didactiques et descriptifs, recherche d’une synthèse entre esthétique des belles-lettres et philosophie sensualiste, succès du romantisme lamartinien. Dans cette tradition, le poème de Baudelaire « Franciscae meae laudes », dont la fortune se confondit avec celle du latin décadent dans la littérature française, constituait un cas à part. Durant la deuxième moitié du XIXe siècle, la période 1750-1830 fut considérée comme l’âge d’or des humanités. Elle fut l’apogée de l’institution Sainte-Barbe et du concours général et correspondit à une génération d’élèves et de professeurs arrivés aux responsabilités à la fin du XVIIIe siècle et revenus au pouvoir après la Révolution. La poésie de cette période eut une inspiration commune, en latin ou en français<br>Latin verses were not an extra duty for all students in the nineteenth century. They had a recreational role in teaching humanities, as they favoured the study of French poets, sometimes the contemporary ones, through translations. They were in deed an introduction to the belles-lettres for some students like Sainte-Beuve, Musset, Baudelaire, Rimbaud and Bourget. Periodicals and neo-Latin publications, which were not all bound to school, followed a humanist tradition favouring epigrams and versified games. These publications also reflected the evolution of poetic forms : the slowing of epic and fable, the health of civic ode and didactic and descriptive poems, search for a synthesis between aesthetics of belles-lettres and philosophy sensualist, fame of Lamartine’s romanticism. In this tradition, Baudelaire's poem "Franciscae meae laudes", whose success was bound to that of the decadent Latin in French literature, was a special case. During the second half of the nineteenth century, the 1750-1830’s period was considered as the golden age of the humanities. It was the apogee of the Sainte-Barbe’s institution and the concours général and corresponded to a generation of students and teachers who arrived to political responsibilities in the late eighteenth century and returned to power after the Revolution. The poetry of this period had a common inspiration, in Latin or in French
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Meunier, Delphine. "L’écriture épique chez Claudien : préserver l’épopée au IVe siècle ap. J.-C." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040141.
Full textAbstract:
L’influence du genre épique se manifeste à travers plusieurs biais dans l’œuvre, apparemment hétérogène, de Claudien. Le poète se présente clairement comme uates, héritier d’Homère, d’Ennius et de Virgile – mais revendique une matière historique et non plus mythologique. La langue témoigne également d’une forte influence du genre épique, que ce soit dans le lexique ou l’emploi de la comparaison homérique. La reprise de motifs, parfois déformés ou renouvelés, confirme cette influence : thème guerrier, songes, présages, prodiges, prophéties, jeux… Si la morale héroïque est plus malmenée, concurrencée par les valeurs chrétiennes, l’univers épique se trouve encore actualisé à travers les figures divines et mythologiques qu’on peut appréhender au moyen d’une lecture typologique. La somme de ces éléments formels est au service d’un propos épique, poétique et politique, célébrant Roma aeterna et Natura. Il apparaît ainsi que l’écriture épique est le dénominateur commun à l’ensemble du corpus, et que les carmina maiora méritent d’être considérés comme une épopée politique<br>There is a clear epic vein in Claudian's apparently heterogeneous work, and it appears in a variety of ways. The poet clearly considers himself to be a uates, an heir to Homer, Ennius and Virgil, even though his subject matter is historical, not mythological. The language he uses is also strongly influenced by that of the epic genre, as exemplified by the use of a specifically epic lexicon and the resort to homeric similes. The way he builds on and renews traditional epic motifs (battle scenes, dreams, omens, miracles, prophecies, games ...) reveals the influence of the epic genre on his writings as well. Even though the ethics of heroism are undercut by the rise of Christian values, the divine and mythological figures that can be broached trough a typological reading are proof enough that the world of the epic is still very much present. All these elements contribute to a work that celebrates Roma Aeterna and Natura and is all at once epic – poetic and political. It thus appears that the epic vein is what unifies the corpus, and that the carmina maiora should be read as a political epic
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Gauthier, Élise. "Entre vita activa et vita contemplativa, la "vita poeticia" de Nicolas Barthélémy de Loches, un moine-poète du début de la Renaissance française." Thesis, Tours, 2018. http://www.theses.fr/2018TOUR2010.
Full textAbstract:
Bien qu’il ait inspiré des contemporains plus célèbres, tels François Rabelais et Clément Marot, et fréquenté des humanistes de premier plan, bien qu’il soit l’auteur d’une forme de tragédie latine inédite et maintes fois rééditée, et d’une chronique du règne de Louis XII connue des historiens, le poète néo-latin Nicolas Barthélemy de Loches est resté parfaitement méconnu. Il est ainsi nécessaire de rassembler, corriger et compléter les données dont on peut disposer sur ce personnage et ses oeuvres, mais aussi de reconstituer le cadre social, littéraire et historique dans lequel il a vécu et composé, afin de réévaluer la diversité et la richesse poétique de ses oeuvres. Ces données suffisent à montrer que les écrits de Barthélemy ne sont pas ceux d’un moine cloîtré, mais bien plutôt ceux d’un véritable humaniste engagé dans les réformes de son temps, qu’elles soient pédagogiques, monastiques ou évangéliques. L’édition d’un des recueils poétiques de Barthélemy les plus représentatifs de sa production littéraire (le recueil varié paru à Paris en 1520) vient nourrir et confirmer cette lecture<br>Although he inspired famous contemporaries like François Rabelais or Clément Marot, and spent time with leading humanists, although he wrote a new Latin tragedy form many times reprinted and a chronicle about the reign of Louis XII familiar to historians, very little is known about the Neo-Latin poet Nicolas Barthélemy de Loches. Collecting, correcting and completing existing data about the man and his writings is necessary, as well as the reconstruction of the social, literary and historical environment in which he lived and wrote, in order to reevaluate the poetic diversity and richness of his work. Such data are enough to show that Barthélemy’s works were not written by a cloistered monk, but rather by a true humanist involved in the pedagogical, monastic and evangelical reforms of his time. The edition of one of the most representative poetic collections written by Barthélemy (a varied collection printed in 1520 in Paris) supports and confirms this interpretation
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Caltot, Pierre-Alain. "Voix du poète, voix du prophète. Poétique de la prophétie dans la Pharsale de Lucain." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040174.
Full textAbstract:
Fondée sur la polysémie du terme latin uates, notre thèse se propose d’étudier les rapports entre poésie et prophétie dans la Pharsale de Lucain. Depuis l’Antiquité, le prophète est à la fois celui qui annonce l’avenir et celui qui parle au nom d’un tiers, souvent d’un dieu. D’abord, nous proposons une typologie des figures de prophètes dans la Pharsale en les comparant avec les prophètes de la tradition littéraire, en particulier issue de l’épopée et de la tragédie. Trois types de prophètes apparaissent chez Lucain : les prophètes omniscients, les prophètes utilisant une discipline divinatoire (astrologie, haruspicine, enthousiasme…) et les prophètes doués d’une inspiration infernale. Ensuite, la parole prophétique des personnages est comparée à celle, oraculaire, du narrateur épique. Nous proposons une étude des prolepses narratives de l’épopée en lien avec l’histoire de Rome, et en particulier avec l’histoire des guerres civiles. Ainsi, Lucain construit une vision cyclique de l’histoire. Après avoir défini la matière prophétique dans la parole du narrateur, nous analysons son style prophétique du point du vue narratologique et stylistique. Enfin, nous passons d’une poétique à une métapoétique de la prophétie chez Lucain. En effet, les personnages de prophètes constituent des mandataires du poète dont ils sont les porte-voix, au sens étymologique de prophète. Les prophètes lucaniens sont donc chargés de délivrer un Art poétique, conformément à la vision du monde de l’auteur. Cette dernière se traduit par une esthétique de la rupture qui s’applique au macrocosme céleste, au microcosme organique et à l’hexamètre épique<br>Starting from the double meaning of the latin word uates, this study aims to define the links between poetry and prophecy in Lucan’s Pharsalia. Since Antiquity indeed, the prophet has been both a soothsayer and a person speaking for somebody else, especially for a god. First, we build a typology of the prophetic figures in the Pharsalia and we compare them with literary characters from epic and tragedy. Lucan conjures three kinds of prophets : omniscient ones, prophets who use divinatory technics (e.g. astrology, haruspicy, enthusiasm) and those whose inspiration comes from the Underworld. We then look at the prophetic speeches delivered by the characters against the oracular voice of the epic narrator. We study narrative prolepses of the epic that anticipate Roman history (especially the history of the Civil Wars), and through which Lucan offers a cyclical vision of history. After defining the prophetic matter of the narrative voice, we analyse Lucan’s prophetic manner from a narratological and a stylistic perspective. Lastly, we switch from a poetic definition of prophetic voices in the Pharsalia to a metapoetic study. The prophet characters indeed serve as surrogates of the poet and literally utter his voice, thus referring to the etymology of the word. The role of Lucan’s prophets is therefore to formulate an Ars poetica, in accordance with the poet’s Weltanschauung – a vision articulated by an aesthetics of disruption which encapsulates the celestial macrocosm, the organic microcosm and the epic hexameter
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Tilly, Georges. "Un manifeste posthume de l'humanisme aragonais : le De hortis Hesperidum de Giovanni Pontano De hortis Hesperidum." Thesis, Normandie, 2020. http://www.theses.fr/2020NORMR084.
Full textAbstract:
La thèse étudie le dernier poème écrit par l’humaniste Giovanni Pontano (1429-1503) au tournant du XVIe siècle, le De hortis Hesperidum, une géorgique sur les jardins d’agrumes. Plusieurs chapitres de description de l’œuvre puis une étude historique et pluridisciplinaire s’attachent à jeter de la lumière sur ce testament méconnu de l'humanisme napolitain. Le poème est tout d’abord considéré au regard des diverses lectures qui en furent faites depuis son origine jusqu’à nos jours et, en particulier, de son influence sur la littérature de l’âge classique en Europe. Puis on mène un examen de la versification du poème, de l’histoire du texte et dans l’étude de ses différents témoins, on établit les principes de l’édition qui figure en fin d’ouvrage. Comme le De hortis Hesperidum est le premier texte moderne à suivre la leçon de Virgile en matière de poème didactique, l’étude s’emploie ensuite à dévoiler les ficelles de la recréation du genre géorgique à l’aube de l’époque moderne, en y examinant les formes de narration, le rôle des digressions dans le texte, la présentation du dédicataire et du dédicant. Mais le De hortis Hesperidum est aussi un poème scientifique d’un intérêt précoce pour les agrumes dont il établit les variétés et dont il décrit précisément la culture, avec un tropisme certain pour les jardins d’apparat dont il présage la vogue au XVIe siècle à Naples comme dans toute l’Italie : on y découvre les prémices du jardin maniériste. Ce poème est enfin la peinture d’une vie académique et aristocratique élevée en un idéal que le poète cherche à préserver du tumulte des guerres d’Italie. En complément de l’étude, cette thèse présente la première traduction française intégrale du texte ainsi qu’une nouvelle édition à l’orthographe restituée d’après l’unique manuscrit connu<br>The present thesis studies the last poem written by the humanist Giovanni Pontano (1429-1503) in the latefifteenth century/beginning of the sixteenth century : De hortis Hesperidum, a georgic on citrus gardens.Some descriptive chapters, followed by a more analytical and multidisciplinary study, cast light on thisoverlooked testament of Napolitan humanism. The poem is at first considered through its various readingsover time and in particular through its influence on the literature of European classical age. Then, theversification and the textual history of the poem are assessed and the principles of the current edition areestablished, thanks to a careful examination of its testimonies. Since De hortis Hesperidum is the first moderntext to imitate Vergil’s way of composing didactic poetry, the study deciphers the recreation of the georgicgenre at the begining of the modern period, by considering narrations patterns, digression’s role, the way ofpresenting the dedicatee or the poet himself. De hortis Hesperidum is also a scientific poem that demonstratesan early interest for citrus trees, by establishing their varieties and describing their culture, with an obviousattraction for ornemental gardens that foreteils their popularity in sixteenth century Naples and Italy,foreshadowing the beginnings of manierist gardens. Finally the poem pictures the aristocratical life of thePontanian academy. It gives the aspect of an ideal time, kept safe from the commotion of the Italian wars,thanks to the poet. In addition to this study, the thesis countains the first complete French translation of thetext and a new edition in which spelling has been corrected on the only known manuscript of the poem