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Dissertations / Theses on the topic 'Poésie française – 16e siècle – Histoire et critique'

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Lombart, Nicolas. "Réinventer un "genre" : l'Hymne dans la poésie française de la Renaissance." Montpellier 3, 2004. http://www.theses.fr/2004MON30072.

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Abstract:
L'hymne, spécialement consacré à la louange divine dans la poésie païenne antique ou chrétienne ecclésiastique, constitue avec l'ode ou le cantique l'un des grands genres lyriques de l'éloge dans la poésie française du XVIe siècle. Mais par son abondance et son hétérogénéité, le corpus hymnique présente deux difficultés : l'hymne français peut adopter toutes les formes possibles (strophiques ou non, longues ou courtes. . . ) et célébrer une grande diversité d'objets, religieux (divinité olympienne, occasion liturgique, notion chrétienne. . . ) ou non (lieu, abstraction profane, événement. . . ). Si le définition historique de l'hymne ne pose aucun problème -"les hymnes sont des louanges chantées de dieu" affirme sainr Augustin, une définition reprise par les humanistes à propos des hymnes grecs -, c'est bien l'extension problématique du champ de la louange divine qu'il faut interroger à propos du corpus français. Loin de définir une "essence" du genre, la thèse propose l'étude pragmatique d'un large corpus de pièces françaises dans le but d'élargir une typologie de l'hymnographie française renaissante, considérée comme l'acclimatation originale d'un double héritage poétique, païen et chrétien. Trois parties étudient cette 'réinvention" de l'hymne : sa lente émergence entre 1500 et 1549 dans ses formes traditionnelles ecclésiastiques ; sa réappropriation par la Brigade entre 1550 et 1556 (depuis ses espèces pagano-antiques jusqu'aux hymnes "naturels" ronsardiens) ; ses multiples récupérations militantes (politiques et religieuses) entre les années 1560 et la fin du règne de Henri IV
The hymn, specially devoted to singing the praises of Gods in ancient pagan poetry or in ecclesiastical Christian poetry, is with the ode or the canticle one of the great lyric genres of eulogy in the XVIth century French poetry. But because of its abundance and heterogeneousness, the hymnary corpus presents two difficulties : the French hymn can take any possible shape (stanzaic or not, long or short. . . ), and it can sing the praises of a great diversity of subjects, either religious ones (Olympian deities, liturgical occasions, Christian notions. . . )or not (places, individuals, profane abstractions, events. . . ). There is no problem in giving the historical definition of the hymn : "It is a song with praise of God" wrote Saint Augustine whose definition has been taken up by the classical scholars about Greek hymns. However, when dealing with the French corpus, the problematic extension of the field covered by the praise of gods needs questioning. Far from defining an essence of the genre, the thesis proposes a pragmatical study of a large corpus of French pieces so as to set up a typology of the French hymn of the Renaissance which is regarded as the original acclimatization of both a pagan and Christian poetic inheritance. Three parts are devoted to the re-invention of the hymn : its slow emergence between 1500 and 1549 in its traditional ecclesiastical form ; its taken-up by the Brigade between 1550 and 1556 (from the ancient pagan species to the natural ronsardian hymns) ; its multiple militant takovers (both political and religious) between the 1560's and the end of the reign of Henry IV
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Jeney, Zoltán. "Les racines reniées des poétiques de la Renaissance." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030126.

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Abstract:
La présente thèse analyse la poésie d'une période critique de la littérature française. La poésie de la Renaissance est marquée par l'avènement d'un groupe de poètes, la Pléiade, qui ont lancé une révolution littéraire dans la perspective d'une réforme au niveau de la langue, des formes et des images. Le programme de la Pléiade rejette l'idée de l'imitation des prédécesseurs français, qui sont considérés comme dépassés et barbares, et se tourne vers la poésie de l'Antiquité et de la Renaissance italienne. Cet ouvrage essaye de dévoiler les racines reniées des poétiques de la Renaissance, c'est-à-dire leurs sources médiévales. Les différents niveaux des textes poétiques (les formes poétiques, les mots, les figures) sont tour à tour examinés afin de révéler les indices de la continuité entre les deux époques. La thèse décrit un côté méconnu de l'inspiration des poètes de la Renaissance française
The thesis intends to analyse the poetry of a critical period of the French literature. The appearing of a group of poets, the Pléiade, marks the Renaissance poetry. They had launched a literary revolution with the idea to reform poetic language, forms and images. Pléiade's program rejects medieval French poets' imitation, because Ronsard and his friends look upon them as barbarians, and prefer follow in the footsteps of ancient Latins and Greeks or imitate the Italian Renaissance. The thesis tries to discover the repudiated roots of Renaissance poetics, that is to say their medieval sources. The different levels of poetical texts (poetic forms, words, figures) will be examined one by one in order to point out the signs of continuity between the two periods. The thesis describes an unknown side of the French Renaissance poets' inspiration
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Macé, Stéphane. "La pastorale dans la poésie française de l'âge baroque." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040194.

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Abstract:
La poésie pastorale baroque s'affiche comme l'héritière consciente d'une longue tradition littéraire : Virgile et Théocrite, bien sûr, mais aussi les bucoliques mineurs de l'antiquité, les poètes élégiaques latins, puis les grands modèles de la renaissance néolatine. Ces exemples théoriques ou littéraires, enrichis encore par les apports en langue vulgaire des italiens, des espagnols ou de l'école de Ronsard, subissent avec le premier XVIIe siècle une mutation sans précèdent : la frénésie des formes qui s'empare de la poésie bucolique appelait une étude du statut générique de la pastorale. Mais l'analyse des différentes postures énonciatives, de l'approche descriptive ou de la pratique des genres mêlés engage également une réflexion sur la vision du monde baroque : comment expliquer sinon le succès de la poésie pastorale ? Les émules d'honore d'Urfé tentent d'y découvrir le remède à une crise des valeurs aristocratiques, les libertins s'en emparent pour conquérir un espace de liberté, et les poètes dévots de la contre-réforme irriguent le monde bucolique d'une spiritualité nouvelle. Qu'ils cherchent un refuge dans l'imaginaire ou approfondissent leurs blessures au contact d'une Arcadie endeuillée, les pastoralistes baroques investissent la bucolique de leur sensibilité propre, sensibilité dont les habitudes stylistiques sont aussi le plus sur révélateur.
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Husain, Suzan. "Le drame historique chez les poètes anglais et français à l'époque romantique et post-romantique : : modèles narratifs et structures imaginaires." Tours, 2001. http://www.theses.fr/2001TOUR2033.

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Abstract:
Cette thèse étudie les drames historiques au 19 e siècle. Les pièces analysées sont : "Marino Faliero" de Lord Byron, the " Cenci" de Shelley, "Christine" d'Alexandre Dumas, le "Roi s'amuse" de Victor Hugo, "Becket" de Tennyson, "Theodora" de Victorien Sardou et les "Jacobites" de François Coppee. La première partie contient des analyses de la façon dont les auteurs ont choisi des documents historiques pour composer leurs drames : pourquoi changent-ils d'autres ? La deuxième partie montre comment ces écrivains construisent leurs pièces ; tout ce qui concerne la structure intérieure et extérieure, au même temps, c'est une comparaison entre la forme de ces drames et celle des tragédies classiques françaises. La troisième partie examine les nouvelles conceptions dans les pièces sélectionnées, comme la politique et l'individualisme dans la socièté.
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Baradié, Mouna. "Pibrac et le genre du quatrain moralisateur au XVIe siècle." Grenoble 3, 1999. http://www.theses.fr/1999GRE39016.

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Abstract:
Des auteurs moraux de la fin du xvie siecle et du debut du siecle suivant ont voulu instruire la jeunesse par la diffusion des conseils instructifs et pedagogiques. Ils ont traite des sujets differents qui touchent presque tous les cotes de la vie de l'homme. Le lieu commun a ces sujets se trouve dans le choix des auteurs du genre de quatrain en tant que forme poetique commode a transmettre leurslecons. Il s'agit dans cette these d'etudier les recueils de trente auteurs parmi lesquels guy du faur de pibrac est le plus connu. Pendant de longues annees, ses quatrains etaient consideres comme un manuel d'enseignement indispensable a la formation de la jeunesse.
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Viana, Antonio Fernando Paiva. "La poésie romantique brésilienne et les modèles français." Paris 3, 1994. http://www.theses.fr/1994PA030210.

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Abstract:
Cette these presente les modeles romantiques francais dans la poesie romantique bresilienne. Les poetes revisites ont ete choisis selon les criteres suivis par manuel bandeira dans son " antologia dos poetas brasileiros da fase romantica". Nous voyons ainsi : goncalves de magalhaes, goncalves dias, alvares de azevedo, junqueira freire, casimiro de abreu, fagondes varela et castro alves. La premiere partie evoque les echos du romantisme francais dans la poesie bresilienne, l'importance de la revolution francaise au bresil, la presence des mythes historiques et litteraires. La deuxieme partie se consacre a une approche des premieres voix romantiques au bresil : le romantisme "officiel, l'"indianisme", l'egotisme", le "nationalisme", le "saudosismo", la periode de transition et le dynamisme social, inspire de victor hugo. Dans la troisieme, nous faisons le pont entre le romantisme et le "modernismo" et la poesie "romantico-moderne" de manuel bandeira
This thesis presents the french romantic models in the brasilian romantic poetry. The poets studied have been chosen following the criteria of manuel bandeira in his "antologia dos poetas brasileiros da fase romantica". Goncalves de magalhaes, goncalves dias, alvares de azevedo, junqueira freire, casimiro de abreu, fagondes valera and castro alves are studied. The fisrt part sutdies the influence of the french romantism on brasilian poetry, the importance of the french revolution in brasil and the presence of the historical and litterary myths. The second part is dedicated to the first romantic mouvements in brasil : the "official", the "indianism", the "egotism", the "nationalism", and the "saudosismo" periods, the transition period and the social dynamism, inspered by victor hugo. In the third part a link is established between romantism, modernism, and the "modernromantic" poetry of manuel bandeira
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Magnien-Simonin, Catherine, and Jucquel Rougeart. "Jucquel Rougeart : œuvres complètes(1578) : édition critique." Paris 4, 1986. http://www.theses.fr/1986PA040247.

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Abstract:
Jucquel Rougeart nait à Audierne, en Basse-Bretagne, en 1558. En 1574, il se rend à Paris, pour y poursuivre ses études au collège de Lisieux. A quelques mois d'intervalle, il publie au cours de l'année 1578 son Curiosolitorum de haereticis triumphus et ses Divers poèmes latins et français. La poésie de cet écolier donne à lire un catholicisme traditionnel, héritier militant des idées de la Saint-Barthélemy, ainsi qu'un sentiment aigu d'appartenance à la nation de Bretagne; elle témoigne aussi de la formation des collégiens d'alors et révèle les ambitions poétiques d'un jeune homme à l'affut de l'actualité et des modes littéraires de son temps. Nous publions les œuvres complètes de Rougeart (avec variantes pour le Triumphus, introduction générale, notices, traduction des poèmes latins, glossaire) à partir des trois exemplaires connus du Triumphus et de l'Unicum des divers poèmes que nous avons retrouvé. Ce sont quelque deux mille vers cinq cents vers français et quatre cents vers latins qui viennent s'ajouter au corpus de la littérature provinciale de la renaissance française
Jucquel Rougeart was born in Audierne, Brittany, in 1558. He travelled to Paris in 1574, in order to study at Lisieux college. Within few months he published his both works, Curiosolitorum de haereticis triumphus and Divers poèmes latins et français, in 1578. This student's poetry shows us a traditional Catholicism, in direct line with the ideas of Saint-Barthelemy, and an acute feeling for the native country, Brittany. These works give also a good testimony on the scholarship of that time. Finally, Rougeart's poems point out a young man attempting to poetry, concerned with literary news and up-to-date tastes. We edit Rougeart's complete works (with variants for the Triumphus, general introduction, particular presentations, translations of latin poems, glossary) based on all the issues (3) known of Triumphus and on the only issue of the divers poemes, which have been considered as lost until our discovery. With Rougeart's works, 2500 French lines and 400 Latin lines about are added to French provincial poetical thesaurus of XVIth century
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Visse, Bernard. "Nicolas Joseph Florent Gilbert (1750-1780) : l'oeuvre satirique : édition critique avec les jugements du XXVIIIe siècle." Nancy 2, 1986. http://www.theses.fr/1986NAN21006.

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Mantero, Anne. "La muse théologienne : poésie et théologie en France de 1629 à 1680." Paris 4, 1991. http://www.theses.fr/1991PA040012.

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Abstract:
Cette étude, qui retient dans le champ de la poésie religieuse française du 17e s. , les poèmes d'inspiration doctrinale (1629-1680), pose la question du rapport entre poésie et langue conceptuelle. La théologie est en effet entendue ici au sens étroit de science du dogme. L'examen des textes montre qu'elle constitue tantôt une suite de vérités à enseigner, tantôt un savoir supposé commun au poète et au lecteur, inscrit dans les vers par le moyen de l'allusion. Dans une 1ere partie sont envisagées les œuvres didactiques, dans leur cohérence et dans leurs limites. Dans une 2e partie, on a cherché à montrer comment la doctrine, une fois écartée la visée d'enseignement, avait pu susciter des poétiques relativement originales. La considération du rôle réservé aux termes doctrinaux permet de préciser le lien d'altérité qui unit poème et théologie. Les métaphores et la syntaxe - de la phrase comme du discours - font saisir l'action de la problématique doctrinale sur la formation d'une problématique poétique
This study turns its attention to the poems of doctrinal inspiration in the field of the French religious poetry of the 17th century, raising the question of the relationship between poetry and conceptual language. Here indeed theology is understood in the narrowest sense of the scientific dogma. Close analysis of the texts demonstrates it varies between a set of truths to be taught and the learning shared by both the poet and the reader, present in the verse expressed through allusion. First, the didactic works are considered for their coherence and their limits. Next, the point is to show how doctrinal considerations have aroused poetics seeming relatively original, once the teaching objective has been set aside. The attention paid to the function reserved to doctrinal terms allows to define the otherness that relates poem and theology. The metaphors and structure - of the sentence as well as the discourse - point out how theological problematics act upon the problematics of poetry
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Dion, Nicholas. "Sur quelques inflexions élégiaques de la tragédie classique française, 1680-1704." Thesis, Université Laval, 2005. http://www.theses.ulaval.ca/2005/22805/22805.pdf.

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Dion, Nicholas. "Entre les larmes et l'effroi : inflexions élégiaques et horrifiques dans le théâtre tragique, de l'âge classique aux Lumières (1677-1726)." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27328/27328.pdf.

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Rajchenbach, Élise. ""Mais devant tous est le Lyon marchant" : Construction littéraire d'un milieu éditorial et livres de poésie française à Lyon (1536-1551)." Thesis, Paris 3, 2009. http://www.theses.fr/2009PA030072.

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Abstract:
De 1536 à 1551, on assiste à Lyon à un vaste mouvement de promotion du livre de poésie, que soutient la construction d’un groupe uni et dynamique. Cette entreprise se déploie, dans les officines des imprimeurs-libraires et dans l’espace du livre, sur fond d’élaboration d’une langue française de qualité, propre aux bonnes lettres. Étienne Dolet, François Juste, puis Jean de Tournes et Guillaume Rouillé mènent ainsi une politique éditoriale concertée qui confère à la langue française et au livre de poésie ses lettres de noblesse. Lyon acquiert dans ces années une identité éditoriale spécifique, qui se détache sur le paysage poétique du Royaume. L’étude des concurrences et des pillages réciproques entre Lyon et Paris met en évidence l’existence de deux identités poétiques distinctes : Lyon marque une modernité dans l’édition et la diffusion de nouveaux genres que ne comprend pas encore Paris. Quand les imprimeurs lyonnais puisent dans les productions parisiennes, c’est en se les appropriant pour les intégrer dans un catalogue et réaffirmer l’existence d’un groupe lyonnais porteur d’une identité culturelle et poétique. Cette identité, doublée d’une qualité éditoriale remarquable, fonde la prééminence de l’imprimerie lyonnaise dans le Sud de la France, comme le montre l’exemple toulousain. Tout cela contribue à l’élaboration d’un champ poétique fondé sur une cohérence affichée mais menacée par des forces centripètes qui remettent en question l’unité de la poésie lyonnaise. S’il y a « poésie lyonnaise », c’est en ce que le livre de poésie soutient les ambitions politiques de la cité, dans une période de conflit avec Charles Quint puis de changement de règne
From the late 1530s to the early 1550s, the city of Lyons sees a considerable enterprise of promotion of poetry books, supported by a group of printers and booksellers. From the printer’s and bookseller’s workshops to the space of the book, this undertaking is built upon the reinvention of French as a refined language fit for conveying literature and poetry. Étienne Dolet, François Juste, Jean de Tournes and Guillaume Rouillé pursue a concerted editorial policy to obtain recognition for poetry books and the French language. During this period, Lyons builds a unique editorial identity, which sets the city apart from the rest of the kingdom. Even when the printers of Lyons help themselves to books edited in Paris, they do so by integrating the publications to consistent catalogues and using these to support their claim of a cultural and poetic identity specific to Lyons. This identity, along with a high editorial quality, sets up the pre- eminence of Lyons in Southern France, as can be witnessed for instance in Toulouse. All of these factors contribute to the setting up of a poetic field, but this pretense of consistency and unity is frail. If such a thing as “Lyons poetry” truly exists, this is only true insofar as poetry book holds the city’s political ambitions, in the context first of the war against Charles the Fifth and later of the change of reign
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Echinard-Garin, Paul. "Le poème critique, depuis Mallarmé : formes et enjeux." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030149.

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Abstract:
Cette thèse tient le pari de retracer la persistance dans l’Histoire de la poésie française d’une notion forgée par Stéphane Mallarmé : dans la "Bibliographie" des Divagations, l’écrivain affirme publiquement avoir recueilli ses "poèmes critiques". Après avoir exploré quelles formes nouvelles ce terme recouvre, quelles "transpositions mentales" du poète ces textes déploient, le travail s’affronte immédiatement à la difficulté d’utiliser le même concept pour désigner toute écriture critique inspirée, ce qu’on lit chez Leger félicitant Jacques Rivière. L’influence de ce dernier sur la critique professionnelle enjoint de réserver alors le poème critique aux poètes : l’examen des inventions d’Aragon, Ponge et Du Bouchet permet de poser les questions de la valeur de ces textes marginaux, de leur reprise possible, et de la voix du poète dans le champ théorique. Ensuite, un troisième moment a pour ambition de penser conjointement des procédures qui affrontent la définition impossible du poème, pour préférer lui tourner autour, le déborder, le doubler, le réduire. On observe la génération qui gravite autour de Claude Royet-Journoud pour élaborer une poétique de ce genre indéterminé, inséparable d’une réflexion sur la relation : ce méridien tient compte de la "matière de l’interlocuteur". Dans un dernier temps, la thèse propose la lecture d’un poète contemporain, Philippe Beck. Il déduit des œuvres, en particulier de Mallarmé, de quoi continuer l’inscription de l’Histoire de la poésie dans un "poème critique neuf"
This thesis takes up the challenge of recording the recurrent occurrences in the History of French Poetry of an expression, coined by Stéphane Mallarmé : in the "Bibliography", which he adds to his Divagations, he publicly asserts that he has collected his "critical poems". After having explored the new shapes this word encompasses, and the "mental transpositions" those texts result in, the development tackles right away the issue of using the same expression in order to designate any inspired critical review, which can be found in a letter from Alexis Leger congratulating Jacques Rivière. His influence on professional literary Criticism seems to suggest the critical poem should be left only to poets: analyzing Aragon’s, Ponge’s and Du Bouchet’s inventions, one can lead an inquiry into the value of these marginal texts, their rewriting and the presence of the poet’s voice in the theoretical field. Then, the ambition of a third part is to think together texts that confront the impossible definition of the poem, and finally choose periphrasis, extension, duplication or digestion. One examines the generation revolving around Claude Royet- Journoud so as to work out a poetics of this undetermined genre, which must comprise a reflexion on the relation : this meridian takes into account the "matter of the interlocutor". At last, the thesis focuses on a contemporary poet, Philippe Beck. He gives reinterpretations of literary works, especially Mallarmé’s ones, in order to carry on writing the History of Poetry in a "brand new critical poem"
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Vialleton, Jean-Yves. "Poésie dramatique et prose du monde : étude des formes et des règles de comportement dans la tragédie en France, des premières tragédies de Corneille et Rotrou aux dernières tragédies de Quinault et Boyer (1634-1697)." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040200.

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Abstract:
Les textes critiques écrits sur les tragédies au XVIIe siècle, en particulier les textes de circonstance, recourent aux notions de « civilité » et d' « honnêteté ». Pourquoi ne pas alors confronter les pièces au discours des traités de savoir-vivre ? L'étude porte sur un ensemble de tragédies et de tragi-comédies (prises en particulier dans les œuvres de Rotrou, La Calprenède, Corneille, Racine, Quinault et Boyer) et tente d'utiliser cette confrontation pour éclairer la représentation des « mœurs » des personnages : usage du temps et du lieu, des attitudes et des postures, des vêtements et des suivants, usage des termes d'adresse et des actes de langage. Elle essaie de dégager la tension qui est au cœur de l'écriture tragique, tension entre la « bienséance », conçue sur le modèle prosaïque de la « science du monde », et la recherche de ce qui est le caractère propre de la tragédie. La mise en évidence de cette tension permet de rendre compte en termes strictement esthétiques de phénomènes traditionnellement attribues au reflet dans la littérature de la « civilisation des mœurs » et montre aussi que l'écriture tragique a à voir avec les questions que le XVIIe siècle se pose sur le statut de la parole poétique et sur l'usage même de la littérature.
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Courouau, Jean-François. "Edition critique de "La Margalide Gascoue" et de "Meslanges" (1604) de Bertrand Larade." Montpellier 3, 1998. http://www.theses.fr/1998MON30050.

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Abstract:
Cette edition comprend une presentation generale consacree a la biographie de l'auteur (1581-ca. L637) et au contexte litteraire a toulouse et dans l'espace ouest-occitan au debut du xviie siecle. Une premiere bibliographie regroupe ensuite les ouvrages cites dans l'edition des deux textes. La margalide gascoue est un recueil de type petrarquiste qui comprend quatre-vingtquatorze sonnets et treize pieces longues. Une introduction presente l'interet litteraire de cette uvre originale. Les meslanges sont composes de trente-sept sonnets, dedies a des proches et a des amis de l'auteur, et quatorze pieces longues d'inspiration petrarquiste ou pastorale. Ils sont euxaussi precedes d'une introduction. Chacune des deux uvres est suivie d'un glossaire general et d'un index des noms. Une seconde bibliographie regroupe l'ensemble des documents utilises pour cette etude. En annexe figurent une carte permettant de situer les lieux et un repertoire des ouvrages parus a toulouse sous le regne de henri iv et le debut du regne de louis xiii (1589 -1622)
This edition contains a general presentation devoted to the author's biography and to the literary background in toulouse as well as in the west-occitan area in the early 17th century. A first bibliography gathers the works quoted in the edition of the two texts. La margalide is a collection in the petrarchan type consisting of 94 sonnets and 13 long poems. An introduction shows the literary interest of the original work. Meslanges consist of 37 sonnets dedicated to some of the author's near relations or friends and of 15 long poems of petrarchan or pastoral inspiration. They are preceded by an introduction too. Each of the two works is followed by a general glossary as well as an index of the proper names. A second bibliography gathers all the documents consulted for this survey. An appendix provides a map which help to locate the places and an index of the works published in toulouse under the reign of henry iv and the early reign of louis xiii (1589 -1622)
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Lambert, Vincent Charles. "Des poèmes à l'âge de l'irréalité : solitude et empaysagement au Canada français (1860-1930)." Doctoral thesis, Université Laval, 2013. http://hdl.handle.net/20.500.11794/24674.

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Abstract:
Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2013-2014.
Période négligée de l’histoire littéraire, les années 1860 à 1930 ont apparu aux critiques de la modernité comme un âge de l’irréalité dont le patriotisme de Louis Fréchette et la mélancolie d’Émile Nelligan témoignaient de deux manières opposées, irréconciliables, sinon dans un même exil, une même absence à soi et à la vie immédiate. Cette thèse revient d’abord sur l’émergence et l’évolution de ce rapport des modernes au passé littéraire canadien-français, puis retrace une lignée considérable de poètes qui furent indifférents au patriotisme sans pour autant tomber dans l’isolement pathétique. Dans un premier temps, il faut relativiser la prépondérance de la poésie patriotique : Louis Fréchette et Nérée Beauchemin ont aussi écrit de la poésie lyrique et descriptive. La plupart des poètes de la fin du XIXe siècle pouvaient, d’un poème à l’autre au sein d’un même recueil, passer de la célébration des héros de la Nouvelle-France à l’observation directe du peintre. Cette dernière tendance prévaut dans les œuvres d’Alfred Garneau et d’Eudore Évanturel, qui ont en commun de faire passer le monde du statut de support idéologique à un lieu de présence imprescriptible, ouvert. Après une analyse de leurs poèmes dans la production littéraire de la seconde moitié du XIXe siècle, la thèse s’attarde dans les trois chapitres suivants aux parcours individuels de trois poètes majeurs du siècle suivant en les situant dans l’évolution de la littérature canadienne-française : Albert Lozeau, Jean-Aubert Loranger et Alfred DesRochers. Chacun à leur manière, ces poètes opèrent une objectivation du monde tout en interrogeant la nature de leur relation avec lui. Avec eux, sans doute à cause de la primauté accordée par le symbolisme à l’imagination créatrice, la réalité sensible est intériorisée, engagée dans un dialogue ou présentée directement comme une manifestation de conscience. Au final, il est possible de reconstituer une tradition poétique marquée principalement par une solitude retirée et une attention soutenue à la vie présente, tradition qui trouve son aboutissement dans l’œuvre de Saint-Denys Garneau.
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Motsenigou-Kladaki, Alexandra. "Constantin Karyotakis traducteur : un médiateur entre cultures." Montpellier 3, 2007. http://www.theses.fr/2007MON30005.

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Abstract:
L'objectif de ce travail est l'étude des traductions du poète grec Constantin Karyotakis de même que l'étude des influences francophones sur son oeuvre. Présentation du poète et de son oeuvre. La question d'influence est abordée de manière diachronique et synchronique : étude de la question d'influence française en Grèce, et des influences françaises sur l'oeuvre du poète grec en question. Etude des influences potentielles reçues par des poètes traduits, comme par exemple Baudelaire, Verlaine, Laforgue, Moréas et des influences qui trouvent leur source soit dans l'anthologie française "Poètes d'aujourd'hui", soit dans des documents personnels du poète traducteur. Etude de ses traductions, qui sont analysées selon quatre niveaux essentiels : a) Du poit de vue du style, b) Du point de vue linguistique, c) Du point de vue sociolinguistique ou sociolculturel et d) Du point de vue pragmatique. Etudes des problèmes du transfert des réalités culturelles dans la traduction, les thèmes, le fonctionnement des traductions dans la poésie originale du traducteur et de son projet poétique. Vu que la traduction unique ne constitue qu'un but illusoire on s'est proposé de comparer aussi quelques-unes de ces traductions avec celles d'autres traducteurs. Etude et analyse de ces stratégies de traduction et de son identité culturelle en tant que médiateur entre cultures. Cette dernière s'inscrit-elle dans le cadre d'une traduction de type sourcier ou cibliste ?
The translation s of the Greek poet Constantine Karyotakis as well as the influence of French poets in its works constitute the subject of this study. This thesis falls within the scope of applied linguistics, translation studies and comparative litterature. The subject is examined both diachronically and synchronically. After presentation of the poet and his works, we examine the French influence in Greece and, thereafter, in the poet's works, which are distinguished in those influence by poets already translated in Greek and those inflenced by poets appaearing in the French Anthology "Poètes d'aujourd'hui". Insofar as the translated works are concerned, they were studied not only in terms of linguistics and sociolingistics but of pragmatics as well. We also investigate the transfer of the cultural elements in the translated text, and issue considered as one of the most difficult problems on translation. Furthermore, we looked into the topics and the functions of the translations in the works of Karyotakis. Having taken into considration the intercultural value of the translations we compared some of these translated works to those translated by others : a study of the translation stategies adopted as well as the translator's identity as an intercultural mediator
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Bouttet, Stéphan. "Les poésies de Tristan L'Hermite : étude historique." Rennes 2, 1987. http://www.theses.fr/1987REN20010.

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Abstract:
Signifiant la profonde inquiétude d'un moi blessé, obsédé par la précarité de toute chose et l'idée d'une disgrâce insurmontable, profondément mélancolique et nostalgique, l'oeuvre poétique de Tristan, enfin reconnue à sa juste valeur, s'organise autour des grands thèmes lyriques, la nature, l'amour, la foi, la célébration du héros, sans négliger l'interrogation morale. Cette étude, qui préfère à la considération « sub specie aeternitatis » de ses caractéristiques leur confrontation dialectique aux déterminations sociopolitiques, idéologiques, culturelles, à partir desquelles ou contre lesquelles elle s'est construite, pose que la condition humaine est vécue comme contradiction entre la réalité et un désir multiforme. Les poèmes, rassemblés en fonction de leurs dates de composition, sont analysés comme la mise en oeuvre d'une série de métaphores dominantes, renouvelant un héritage à la fois très lourd et largement menacé, et permettant la constitution d'une personnalité. Jusque 1630 environ, le monologue, tourne à la fois vers la régression et les figures du surmoi, évoque principalement la nature tout en exprimant une forte tendance paranoïaque, et privilégie l'alternance harmonieuse du rempli et de l'hyperbole du moi. Dans un second temps, la métaphore de l'amour favorise l'émergence tardive d'un dialogue entre l'âme souffrante et la figure abstraite de l'aimée. La rhétorique de la persuasion, quand domine le théâtre, encouragé par une politique héroïque et plus apte à exprimer des conflits exacerbés, s'affadit en des développements artificieux, ou même à une écriture plus antithétique et plus grave. Vers le milieu des années 1630, quand triomphent les profiteurs et la frivolité mondaine, le lyrisme religieux, teinte de néo-stoïcisme, prend en charge des orientations devenues infructueuses. Après 1642-1643, Tristan préfère à l'effusion l'expression conformiste de l'assentiment d'une communauté. Syntaxe mesurée et vocabulaire sentencieux indiquent qu'il a composé avec son temps, et annoncent un classicisme impersonnel. S'achève ainsi une longue interrogation des rapports mouvants du moi et du monde, qui n'a cessé de dire la pulsion, l'apparition, et exprime, non ambiguïté, la tranquille soumission du sage
Tristan's poetry evolves round great lyrical themes, not to mention its moral implications. This study, which makes more of its being dialectically collated with socio-political, ideological, cultural determinations out of which and against which it proceeds, to sub specie aeternitatis considerations, establishes human condition as a clash between reality and a multifarious yearning. The poems, put together here according to the time they were written, have been subjected to an analysis that evinces how a series of prevailing metaphors have been brought forth renewing a heritage at one weighty and on the brink of ruin, and which makes the growth of a new personality quite possible. Up to the 1630's the monologue turned towards both regression and the shapes of his super-ego, mainly brings forth nature and is this the expression of a strong bias for paranoia. Later on, the metaphor of love will help towards the emergence of a dialogue between his suffering soul and the abstract figure of his beloved one. The rhetoric of persuasion, when drama prevails, sustained by the hero extolling policy and more suitable for the expression of exacerbated clashes, turns into sham tepid developments or, rather leads to make an antithetic and deep thought writings. Towards the middle of the 1630's, when roguery and worliness prevailed, religions lyrism altogether with neostoicism become responsible for orientations unable to bear fruit. After 1643, Tristan, turned into a conformer, will prefer the way how a community expresses its assent to effusion. His well trimmed syntax and sententious vocabulary clearly indicate that he has come to terms with his time, which heralds impersonal classicism. Though all this, a long-lived interrogation about the unsteady connection between his self and the world come to and end while it never stopped uttering the emotion, the epiphany, and doing so, expresses, not entirely without double meaning, the peaceful submission of the philosopher
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Adam, Véronique. "Images fanées et matières vives : cinq univers imaginaires de la poésie Louis XIII (Tristan l'Hermite, Gabriel du Bois-Hus, Pierre de Marbeuf, Théophile de Viau, Abraham de Vermeil." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040133.

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Abstract:
Ce travail se proposait d'étudier cinq poètes de la poésie Louis XIII à la lumière de la méthode de la critique de l'imaginaire proposée entre autres par Gaston Bachelard, Gilbert Durand et Jean-Pierre Richard. L'application de cette méthode n'avait jamais été faite sur cette période. Il fallait d'abord définir cette méthode et son objet, puis s'interroger sur les problèmes particuliers que posent la poésie Louis XIII : problèmes formels du cliché entre autres. Suivent cinq études sur les poètes dessinant leur paysage imaginaire et mettant l'accent sur les espaces, les temps, les matières et les objets qu'ils préfèrent. Au terme de cette étude, nous pouvons dire que la méthode proposée peut s'appliquer au dix-septième siècle et même s'enrichir grâce à lui. L'inverse est tout aussi vrai. Cependant demande à être vérifiée la récurrence constatée d'un poète à l'autre, du même mythe, geste, symbole ou archétype, sur l'ensemble de la période
We wanted to study five poets from the early seventeenth century with the tools found by the critics of the "imaginaire", from fancy, that is to say Gaston Bachelard, Gilbert Durand et Jean-Pierre Richard. Nobody has ever applied this method on this period. We have to point out this method and its purpose, then to examine typical problems from this poetry: cliché and formal problems for instance. Five works on those poets draw their fancied world by putting a stress on their favorite places, times, materials and objects. To draw a conclusion, we can say that this method can be applied to the seventeenth century, and even became better thanks to it. We can say the same in the opposite direction. However, we have to check whether the repetition of symbol, archetype or myth that have been seen from one poet to another, may be valid for the whole period
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Dorio, Pauline. "« La plume en l'absence » : le devenir familier de l'épître en vers dans les recueils imprimés de poésie (1527-1555)." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA036/document.

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Abstract:
Cette thèse se propose d’étudier comment, entre 1527 et 1555, l’affermissement de l’épître en vers à l’intérieur du champ poétique s’est produit par une diminution paradoxale de son statut, depuis le prestige de l’héroïde ovidienne jusqu’à la forme modeste et familière dépréciée par Du Bellay dans la Deffence et Illustration de la langue Françoise (1549). Lieux de construction d’une figure auctoriale affirmée, les recueils d’auteur ont constitué le medium privilégié de cette « personnalisation » du genre épistolaire. Dans une première partie, une analyse diachronique révèle qu’aux balbutiements imprimés de l’épître personnelle (1527-1532) succède une période d’hégémonie éditoriale du modèle familier (1532-1549), avant que la diffusion imprimée de l’épître ne soit corrélée à la défense d’une poétique « marotique » (1549-1555). La deuxième partie examine les représentations de l’épître personnelle à l’intérieur du corpus : celle-ci s’affirme en exhibant sa modestie, que ce soit par la revendication d’un intertexte récent, par l’élaboration d’un decorum soulignant la marginalité du poète ou par la mise en œuvre d’une poétique du sermo. La troisième partie articule les approches matérielle et poétique pour monter comment la dispositio des sections épistolaires donne à voir le surgissement d’une familiarité débordant les principes de composition chronologiques et hiérarchiques, en même temps qu’elle exprime la singularité de cette nouvelle poétique épistolaire
This dissertation offers to uncover how, between 1527 and 1555, the establishment of the French verse epistle as a poetic genre paradoxically happened through a diminishing of its status, from the prestigious Ovidian héroïde to the “low” familiar type criticized by Du Bellay in his Deffence et Illustration de la langue Françoise (1549). It argues that the marotique-type printed collections, which are built around the assertion of a strong auctorial figure, played a great part in this transformation, as they proved to be a designated supporting medium for the “personalization” of the epistle. The first part of this thesis analyzes from a diachronic perspective the interplay between the poetic establishment of the genre and its anthologization: this led to the singling out of a first period in which poets explored the genre through the debuting medium of the recueil d’auteur (1527-1532), a second period that consecrated the printed familiar epistle (1532-1549) and a third period during which epistles’ authors redefined the genre in order to challenge Du Bellay (1549-1555). The next part investigates the way printed epistolary collections reflect a specific image of the genre, which asserts itself by highlighting its own modest status, whether this means hiding its Horatian background, emphasizing the humble social status of the poet or elaborating a decorum that revolves around marginality. Finally, a third part analyzes the dispositio of several emblematic epistolary collections, arguing that the order through which the epistles were displayed was orientating the readers’ reception of the genre as well as expressing the singularity of the epistolary poetics elaborated by our authors
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Garnier, Sylvain. "Érato et Melpomène ou les sœurs ennemies : langage poétique et poétique dramatique dans le théâtre français de Jodelle à Scarron (1553-1653)." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040148.

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Abstract:
L'expression poétique semble inhérente au théâtre classique. Pourtant, les pièces de la seconde moitié du XVIIe siècle, en particulier les tragédies, sont le fruit de principes « réguliers » qui ont cherché à dépoétiser le théâtre et ont largement réussi dans cette entreprise. Pour rendre compte de ce processus, il est nécessaire de retracer l'histoire de la poésie au théâtre depuis la naissance de la tragédie humaniste, au milieu du XVIe siècle, jusqu'à l'instauration de ce que la postérité appellera le classicisme. Il apparaît ainsi que l'élocution lyrique s'est progressivement déplacée au fil du temps du genre tragique vers le genre comique en suivant l'évolution de la poésie lyrique depuis le style sublime de la Pléiade jusqu'à l'expression burlesque de Scarron en passant par la simplicité malherbienne, l'ingéniosité mariniste ou l'enjouement galant. L'expression lyrique glisse ainsi progressivement des chœurs et des discours pathétiques de la tragédie humaniste vers les soupirs, les chansons et les pointes des amants de la tragi-comédie et de la pastorale avant d'être parodiée dans la parlure ridicule des personnages de la comédie burlesque. Parallèlement à ce mouvement, les penseurs réguliers théorisent l'opposition fondamentale du langage poétique et du langage dramatique, rendant ainsi presque impossible le développement d'une tragédie régulière poétique
Poetical expression seems to be an inherent aspect of classical theatre. However, plays written in the second half of the seventeenth century, particularly the tragedies, were conceived to adhere to regular standards of form which tended towards the removal of poetic expression from theatre and which largely succeeded in doing so. To summarise this process, it is necessary to recount the history of poetic expression in plays from the advent of humanist tragedy in the mid-sixteenth century to the establishment of what would be later called « classicism ». It can then be demonstrated that lyrical elocution shifted over time from tragedy to comedy, following the same evolution as lyrical poetry which evolved from the noble style of the Pleiade all the way to Scarron’s burlesque expression, through the simplicity of Malherbe’s expression, the ingenuity of marinism, or the preciosity of the gallant style. Poetical expression thus progressively shifted from the choirs and pathetic discourses of the humanist tragedy, towards the sighs, songs, and conceits of the lovers of tragi-comedy and pastorales, before being parodied in the ridiculous manner of speech of the characters in burlesque comedy. Simultaneously, theorists of regularity theorised the fundamental opposition between poetic and dramatic language, thus making the development of a regular poetical tragedy nearly impossible
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Lionetto, Adeline. "La lyre et le masque : la poésie des fêtes du manièrisme à l'âge baroque (1549-1583)." Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040067.

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Abstract:
Vestiges de magnificences réputées diaprées, les vers produits à l'occasion des fêtes de cour de la seconde moitié du XVIe siècle ont longtemps été considérés comme des objets littéraires dépourvus de tout intérêt. Et pourtant la génération de la Pléiade, bien plus connue aujourd’hui pour ses recueils poétiques devenus classiques, a aussi été à l’origine d’une poésie impromptue qui a donné au poète un rôle fondamental de maître des plaisirs de la cour. Non content de rester à son pupitre ou dans sa « librairie », le poète devait prendre en charge la mise en scène de ses compositions, jouer parfois le rôle de l’un des personnages et travailler en collaboration avec d’autres artistes, d’une manière non plus solitaire mais tout à fait collégiale. Sa poésie non seulement agrémente la fête mais la colore, la suscite et la structure : des vers chantés aux vers gravés dans les décors ou encore sur des petits billets tombant en cascade sur le monarque au moment de son arrivée, la poésie est omniprésente dans la fête dont elle se fait, à divers niveaux, la « légende. Contribuant à dramatiser et à sacraliser l'histoire de France, cette poésie se développe en outre sur l'esthétique des merveilles qui caractérise les fêtes de cette époque. Enfin les genres poétiques qui y apparaissent (mascarades, momeries, cartels, etc.) s'influencent alors les uns les autres et se développent au carrefour de multiples pratiques poétiques
The poems written for court festivals in the second half of the Sixteenth century have long been considered unworthy of the attention of scholars of French literature. However, these colourful traces of famously splendid court festivities involved many of the poets of the generation of the “Pléiade”, remembered today mostly for its classic collections of poetry. Nonetheless, these poets also participated in the practice of composing impromptu poetical pieces, which effectively made them the masters of court entertainment. These poets did not restrict their activities to their study or their “librarie”, but designed the sets and organised the saging of their masques – sometimes even playing some of the parts – and collaborating with other artists. The part played by the poet in these festivals is far from being solitary: it is essentially collaborative. His verses are not a mere ornament of the festivities, but are their very life, giving them shape and colour. Poetry plays a part in all aspects of the festivals at court: it is sung, but also inscribed on elements of the décor and showered down on the monarch when he arrives. In this sense, poetry is the “légende” of the celebrations, serving as a caption and as a way creating a legendary, sacred and dramatic representation of power. This poetry also participates in the aesthetic of the maraviglia characteristic of manneristic and baroque festivals. The poetic genres that they involve (masques, mummeries, cartels etc.) mutually influenced each other and developed as hybrid forms which were grew out of the intertwining of many different poetic traditions
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Déglise, Catherine. "Au vol de la plume : poétique de Claude Hopil." Amiens, 2007. http://www.theses.fr/2007AMIE0003.

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Carrols, Anne. "De l'ode à la pastorale : formes de la célébration politique en France (1549-1572)." Thesis, Aix-Marseille, 2014. http://www.theses.fr/2014AIXM3104/document.

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Abstract:
La poésie de célébration politique de la Pléiade est lue ici dans son rapport avec l'épopée, dont la Deffense formule le projet (1549), et dont la Franciade marque une réalisation incomplète (1572). Les pièces de célébration se relient à ce projet de nouvelle Enéide, qui les extrait des fastes éphémères de la fête dont elles se font l'écho : chaque poème est à la fois dans l'actualité de la circonstance et la virtualité du grand oeuvre où il doit s'accomplir. Celui-ci, envisagé comme un récit de fondation légitimant l'espoir d'un Empire immortel, se veut à la fois une mise en forme de l'Histoire, une image idéale du souverain et une construction poétique intégrant la culture antique au génie français. Les poètes de la génération Henri II célèbrent les Grands comme les héros de l'épopée en gestation et explorent les formes que pourra prendre cette célébration de la monarchie valoise. Le furor prophétique devient l'énonciation privilégiée du lyrisme politique. Pourtant, à la fin des années 1550, la formule n'engendre plus que sa propre répétition désenchantée, ou bien les poètes s'en détournent en signalant ironiquement sa vacuité. Dans la décennie suivante, lorsque le conflit armé rend l'Histoire incertaine, les poèmes de célébration habillent les Grands en bergers. La pastorale s'apparentait d'abord à une variation susceptible de revivifier le projet initial. Elle devient une alternative au modèle héroïque obsolète, en liaison avec des valeurs politiques et poétiques de séduction, d'aménité, de raffinement maniériste en accord avec la nature
This thesis studies The Pleiade's poetry of political celebration in relation to the epic, with the examples of Deffense as a statement of this project (1549) and Franciade as an incomplete realization of it (1572). The celebration poems are part of this project of a new Aeneid, which removes them from the ephemeral splendour of the celebration which created them in the first place ; these poems fall both within the moment of the festive event and the virtuality of the great work in which they must come to fruition. This great work, seen as a tale of foundation legitimating the hope of an immortal Empire, wants to shape History as well as depict an ideal image of the sovereign and present a poetic construction inserting the culture of Antiquity to the French genius. During Henri II's reign, the poets celebrate the princes as the heroes of the developing epic and explore the forms that this celebration of the Valois monarchy could take. The prophetic furor becomes the privileged statement of political lyricism. Yet, at the end of the 1550s, the formula only creates its own disenchanted repetition, or poets abandon it by ironically pointing out its vacuity. During the decade that follows, while the armed conflict creates historical uncertainty, the celebration poems disguise the princes as shepherds. At the beginning, the pastoral was a variation that could rejuvenate the initial project. It transforms into an alternative to an obsolete heroic model, related with political and poetic values of seduction, appeased gentleness, mannerist refinement in harmony with nature
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Boneu, Violaine. "Fin de l’idylle ? : étude sur les formes et les significations de l’idylle dans la littérature française du dix-neuvième siècle." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040001.

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Abstract:
Au carrefour de la théorie des genres, de l’histoire littéraire et de l’herméneutique, ce travail entreprend de repenser le statut de l’idylle dans la littérature française du XIXe siècle. Allant à l’encontre du lieu commun selon lequel l’idylle ne serait plus, après André Chénier, qu’un genre figé dans des clichés définitivement anachroniques, il propose quelques outils conceptuels permettant d’analyser la dynamique actuelle des formes et des significations de l’idylle. La notion articule, au XIXe siècle, trois logiques majeures : une logique rhétorique, qui inscrit l’idylle dans une poétique des genres ; une logique historico-philosophique, qui, depuis le XVIIIe siècle, envisage l’idylle comme un mythe de l’origine et une figuration de l’Idéal ; une logique psychologique, enfin, issue de la révolution Romantique, qui définit l’idylle en termes d’illusion, de fantasme ou de rêve. Du fait même de cette complexité, l’idylle est un point d’observation privilégié des grandes mutations de la modernité. En brossant un panorama général des évolutions du genre au XIXe siècle et en interrogeant les références explicites à l’idylle dans certaines œuvres poétiques et romanesques majeures de Nerval, Hugo, Baudelaire, Mallarmé, Balzac et Zola, cet ouvrage propose un point de vue nouveau sur la crise de la subjectivité, sur la crise de la représentation littéraire et sur la redéfinition du traditionnel partage entre prose et poésie
This work aims to re-think the status of the idyll in the French literature during the 19th century by combining theory of literary genres, literary history and hermeneutics. Objecting to the common-sensical idea that the idyll has evolved into a frozen genre full of anachronical clichés after André Chénier, it provides some conceptual ressources to analyze the actual dynamics of the idyll, both in terms of form and signification. The notion follows three main logics : a rhetorical one, which places the idyll into the poetic of literary genres, an historical and philosophical one, which, since the 18th century, considers the idyll as a cue of a mythical origin and an image of the Ideal, and lastly, a psychological one, born with the romantic revolution, which understands the idyll in terms of illusion, fantasies or dreams. Because of its intrinsic complexity, the idyll provides a priviliged point of view to examine the most important changes of the modern times. This work gives an overview of the evolution of the genre during the 19th century and examines the explicit references to the idyll made by Nerval, Hugo, Baudelaire, Mallarmé, Balzac and Zola in some of their major poetical works and novels. In doing so, it develops a new perspective on the crisis of the subjectivity, the crisis of literary representation and the redrawing of the traditional distinction between prose and poetry
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Owji, Pour Negarehossadat. "Aspects de la poésie de cour dans la Perse du XIIe siècle et la France du XVIIe siècle : le cas de ‘Onsori et Manûčehri, Chapelain et Boileau." Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL178.

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Abstract:
Depuis l’Antiquité gréco-romaine les artistes, en particulier, les poètes et les écrivains, avaient une place stratégique dans la cour. L’une des fonctions de la poésie a été de servir la politique. Ce que nous essaierons d’analyser dans cette recherche est, l’usage historique et politique de la littérature, autrement dit, le service que la littérature, en particulier la poésie, a rendu au pouvoir politique à travers la poésie panégyrique et l’éloge du roi, considérée l’incarnation du pouvoir. Le panégyrique joue un rôle central dans la sacralisation du pouvoir, car le poète dans son rapport d’échange symbolique et économique du mécénat, a pour fonction de célébrer le monarque et son pouvoir dans ses représentations officielles. Cette recherche traite de la poésie de cour persane, qui a atteint son sommet à la cour du roi ghaznévide, Mahmûd (r. 998-1030) au XIe siècle et de la poésie de cour française, qui a connu sa floraison à la cour de Louis XIV (r. 1643-1715) durant le XVIIe siècle. L’analyse comparative du mécénat persan et du mécénat français révèle la place de la poésie à la cour de Mahmûd de Gazne et celle de Louis XIV. La poésie de cour des deux pays lointains durant deux époques différentes donne naissance à un phénomène semblable, qui, malgré les dissemblances, forme le sommet du panégyrique dans chacune des deux littératures. L’objectif de cette étude est de montrer l’effet du renforcement politique sur la poésie de cour dans les deux pays. Pour la clarté de ce sujet, nous avons choisi deux poètes de chaque cour ; ‘Onsori et Manûčehri, les deux fameux poètes de la cour de Mahmûd de Gazne, et Boileau Despréaux et Nicolas Chapelain, à la cour de Louis XIV
Since Greco-Roman Antiquity artists, especially, poets and writers had a strategic place in the court. One of the functions of poetry during history is to serve politics and the state. What we will try to analyze in this research is the historical and political use of literature, in other words, the service that literature, especially poetry, has given to political power through panegyric poetry and praise of the king's person, considered as the incarnation of power. The panegyric plays a central role in the socialization of power, because the poet in his report symbolic and economic exchange of patronage has the function of celebrating the monarch and his power in his official representations. This research deals with the Persian court poetry, which reached its peak at the court of the king Ghaznavid, Mahmûd (r. 998-1030) in the eleventh century and French court poetry, which saw its flowering at the court of Louis XIV (r. 1643-1715) during the 17th century. The comparative analysis of Persian patronage and French patronage reveals the place of poetry in the court of Mahmud de Gazne and that of Louis XIV. The court poetry of two distant countries during two different centuries gives rise to a similar result, which, in spite of dissimilarities, forms the summit of the panegyric in each of the two literatures. The purpose of this study is to show the effect of political reinforcement on court poetry in both countries. For the sake of clarity, we have chosen two poets from each court; ‘Onsori and Manûčehri, the two famous court poets of Mahmûd de Gazne, as well as Boileau Despréaux and Nicolas Chapelain in the court of Louis XIV
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Inoue, Sakurako. "La valeur philosophique de la rêverie chez Jean-Jacques Rousseau." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040251.

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Abstract:
Cette étude se propose de réexaminer la conception de la rêverie chez Jean-Jacques Rousseau, en la replaçant dans l'évolution de la poésie descriptive. La première partie tente de mettre en évidence tant les sources de la rêverie rousseauiste que les caractéristiques de la création littéraire des années 1760-1770, à partir de l'étude génétique des Saisons de Saint-Lambert : une œuvre ne provient pas des méditations solitaires d'un seul auteur, mais des concurrences et des échanges d'idées entre divers philosophes et écrivains ; et le thème du sentiment de l'existence, qui était popluaire parmi les philosophes vers 1750, s'insinue dans le milieu poétique grâce à Saint-Lambert qui avait des relations amicales avec les penseurs sensualistes. S'attachant aux débats philosophiques entre les Encyclopédistes et Rousseau concernant la jouissance et la moralité, la seconde partie examine l'influence de ces débats sur leur création littéraire. Cette démarche nous permet de déterminer le sens philosophique qu'accorde Rousseau à la rêverie. En se penchant sur les passages sur la rêverie dans Les Mois de Roucher la troisième partie essaie de définir l'apport de la rêverie rousseauiste à l'évolution du lyrisme au tournant des Lumières. Cette étude tente ainsi de souligner que l'esprit philosophique qui caractérise le siècle des Lumières n'est pas en opposition avec l'esprit poétique, mais qu'il a apporté une contribution importante à la renaissance du lyrisme à la fin du XVIIIe siècle
This work reexamines Jean-Jacques Rousseau's conception of the reverie, by placing it in the evolution of the descriptive poesy. The first part tries to reveal the sources of Rousseau's reverie and the characteristics of the literary creation in the 1760s and 1770s, by the genetic study of The Seasons of Saint-Lambert : a work doesn't come from the solitary meditations of only one author, but from the rivalries and the exchanges of ideas between diverse philosophers and writers ; and the theme of the sentiment of existence, that was popular among the philosophers around 1750, insinuates into the poetical milieu thanks to Saint-Lambert who had amicable relations with the sensualists. Paying attention to the philosophical quarrels between the Encyclopedists and Rousseau concerning to the delight and the morality, the second part examines the influence of these quarrels on their literary creation. This approach enables us to determine the philosophical sense that Rousseau gives to the reverie. Examining the passages on the reverie in The Months of Roucher, the third part tries to define the contribution of the reverie of Rousseau to the evolution of the lyricism in the end of 18th century. In this way, this work attempts to demonstrate that the philosophical mind, which characterizes the Age of the Enlightenment, isn't opposed to the poetical mind, but it brought an important contribution to the renaissance of the lyricism in the end of the 18th century
@This work reexamines Jean-Jacques Rousseau's conception of the reverie, by placing it in the evolution of the descriptive poesy. The first part tries to reveal the sources of Rousseau's reverie and the characteristics of the literary creation in the 1760s and 1770s, by the genetic study of The Seasons of Saint-Lambert : a work doesn't come from the solitary meditations of only one author, but from the rivalries and the exchanges of ideas between diverse philosophers and writers ; and the theme of the sentiment of existence, that was popular among the philosophers around 1750, insinuates into the poetical milieu thanks to Saint-Lambert who had amicable relations with the sensualists. Paying attention to the philosophical quarrels between the Encyclopedists and Rousseau concerning to the delight and the morality, the second part examines the influence of these quarrels on their literary creation. This approach enables us to determine the philosophical sense that Rousseau gives to the reverie. Examining the passages on the reverie in The Months of Roucher, the third part tries to define the contribution of the reverie of Rousseau to the evolution of the lyricism in the end of 18th century. In this way, this work attempts to demonstrate that the philosophical mind, which characterizes the Age of the Enlightenment, isn't opposed to the poetical mind, but it brought an important contribution to the renaissance of the lyricism in the end of the 18th century
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Llorca, Iris. "Mémoire vécue, mémoire du texte : les correspondances intertextuelles dans les Chants Orphiques de Dino Campana." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030158.

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Abstract:
Les intertextualités reflètent chez Dino Campana (1885-1932) les échanges perpétuels avec les poètes français de la seconde moitié du XIX° siècle : Mallarmé, Rimbaud, Nerval, Verlaine et Baudelaire ; et la tradition italienne incarnée par Dante. Dans l’unique recueil de Dino Campana, Canti Orfici (1914), étudier les intertextualités et leurs utilisations implique de s’interroger sur le degré d'imprégnation de ces correspondances intertextuelles dans l'écriture de Campana. La dimension mémorielle qui s'y rattache comprend au moins deux champs de recherche : le souvenir littéraire –la mémoire de la littérature- se rattache directement à l’étude des intertextualités : citations, références, similitudes, imitations, correspondances thématiques ; le souvenir des choses vécues, lui-même transformé en texte (en prose et en vers), se retrouve dans le vers d'un poète, dans la couleur d'un tableau de peintre. Par ailleurs, le souvenir du premier manuscrit perdu de Campana (Il più lungo giorno - 1913-) qu’il a décidé de réécrire, selon la légende, « par coeur », permet d’élucider comment le poète a reconstruit sa poésie par rapport, non seulement à ses carnets qu'il a conservé, mais également aux nouveautés littéraires et artistiques survenues entre la perte du manuscrit et sa réécriture
The intertextualities shows in Dino Campana (1885-1932) the perpetual exchanges with the French poets of the second half of the 19th century: Mallarmé, Rimbaud, Nerval, Verlaine et Baudelaire ; and their Italian tradition embodied by Dante. In the unique collection of Dino Campana, Canti Orfici (1914), the study of the intertextualities and their use requires reflexion on their degree of imprinting in the intertextual correspondences written by Campana. The memory analysis linked to it contains at least two axis of research: the literal souvenir – literature from memory- is linked directly to the intertextual studies: quotations, references, similarities, imitations, correspondences with the same themes ; the personal or lived experiences, transformed in text (in prose and in verse), is found in the verses of the poet, in the colour of a painter’s work of art. Besides, the souvenir of the first manuscript lost by Campana (Il più lungo giorno –1913-) that he decided to rewrite, according to the legend, « by heart », allows to clarify how the poet reconstructed his poetry in relation, not only in this note books which he kept, but also in the literary and artistic novelties arisen between the loss of the manuscript and its rewriting
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Piccone-Miloud, Marjolaine. "Dialogue des Novisimos avec la modernité poétique française du XIXe siècle : G. Carnero, L. M. Panero et J. Siles, passeurs de cultures." Thesis, Strasbourg, 2014. http://www.theses.fr/2014STRAC025.

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Abstract:
Révélée dans les années 70, la génération des Novísimos éclipse des décennies d’asphyxie culturelle en brisant les carcans formels et les codes langagiers. Si une forme de liquidation semble être à l’œuvre, très vite la culture du silence et du vide offre un terrain fertile à la renaissance. Guillermo Carnero, Leopoldo María Panero et Jaime Siles, réunis autour de l’objectif de rénovation poétique, modulent un dialogue continu avec la poésie française, inspirés par la modernité de la fin du XIXe siècle et ses artisans : Baudelaire, Gautier, Mallarmé et Rimbaud. Mosaïque culturelle, le poème fait se rencontrer tableaux et vers, rythme et couleur, mais aussi se confronter les références les plus érudites, l’entremêlement des idiomes, et des motifs populaires. Cette démultiplication du sens conduit à une parole poétique qui touche à l’universel ; entraînant la remise en question du poème et de ses acteurs. Dans cette œuvre médiatrice des arts et des cultures, une révolution est en marche
Coming to light in the 1970s, the Novísimos generation eclipses many decades of cultural suffocation by breaking formal constraint and linguistic codes. If a certain form of liquidation seems to be initially at work, the culture of silence and emptiness soon provides fertile ground for rebirth. Gathered around the common goal of poetic renewal, Guillermo Carnero, Leopoldo María Panero and Jaime Siles are in constant dialogue with French poets, more precisely with late nineteenth-century Modernists such as Baudelaire, Gautier, Mallarmé and Rimbaud. As a sort of cultural mosaic, the poem not only brings together paintings and verses, rhythm and colour, but also confronts the most erudite references with the intermingling of idioms and popular elements. This multiplication of meanings leads to a poetic language that attains universality and questions the poem and its main players. In this intermediary work between arts and cultures, a revolution is underway
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Galand, David. "Poétique de l'élégie moderne, de C.-H. de Millevoye à J. Reda." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA066/document.

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Abstract:
L’élégie connaît une vogue manifeste à l’aube de notre modernité, au sein de ce qu’il est convenu d’appeler le préromantisme et le romantisme. Mais cet engouement ne va pas sans susciter de profondes interrogations sur la dimension générique de l’élégie. En effet, depuis son acclimatation en français, l’élégie ne peut plus être définie par le seul critère formel, devenu douteux. En outre, dès l’âge classique, deux dangers minent le genre : sa variété thématique qui gêne sa définition et une évolution sclérosante qui le fige en clichés. Émerge donc le souci de rédimer un certain babélisme de l’élégie et d’en refonder le pouvoir expressif par le recours à la notion plus souple d’ « élégiaque ». La modernité de l’élégie s’adosse à cet héritage problématique et réclame une perspective d’étude résolument historique : la vitalité de l’élégie au seuil du XIXe siècle s’autorise d’une nouvelle saisie du genre, qui promeut l’élégiaque au rang de critère premier, ramenant peu à peu l’étiquette d’élégie à la portion congrue. L’œuvre de Millevoye permet de dater ce point de bascule, qui ouvre la voie à l’élégie romantique, attachée à la notion naissante de « lyrisme » et magnifiée par Lamartine sous les auspices de la méditation. Mais en refondant l’élégie sur l’expressivité élégiaque, la modernité romantique l’a soumise aux aléas des sollicitations du sujet par l’histoire, qui le déstabilisent. D’où un déplacement de l’écriture élégiaque durant la seconde moitié du XIXe siècle, dans le repliement intimiste, le dédoublement parodique et humoristique, ou encore la polyphonie, manifestations diverses d’une remise en cause de la source subjective de la plainte élégiaque. Quand revient à la surface du champ littéraire l’élégie revendiquée comme telle, à l’occasion du traumatisme de la Seconde Guerre mondiale, c’est pour cristalliser en un genre labile les doutes, les deuils et les sourires d’un lyrisme incertain de son propre chant comme de l’existence du sujet qui le hante plus qu’il ne le chante
The elegy was fashionable at the dawn of modernity, during the periods which are known as Pre-Romanticism and Romanticism. But this infatuation with elegy was not without raising deep questioning on its generic dimension. Indeed since the French had appropriated the genre, the elegy can no longer be just defined by a formal criterion which has become disputable. Furthermore, as early as the classical period, two dangers have been subverting the genre: its wide range of themes which is an obstacle to our grasping its quintessence and an evolution at a standstill condemning it to stereotyped perceptions. And from this came the worry to amend the confusion existing around the elegy as well as the urge to revivify its expressive power around the more flexible notion of "elegiac". The modernity of the elegy relies on this problematic heritage and requires a study in historical perspective: the vitality of the elegy at the beginning of the XIXth century allowed itself to provide a new interpretation of its genre that promoted the elegiac as a decisive criterion. Millevoye’s works enables us to date this turning point which paved the way to the romantic elegy linked to the rising notion of "lyricism" and glorified by Lamartine under the auspices of meditation. But while revivifying the elegy on elegiac expressiveness, romantic modernity compelled with the subject having to respond to historical vagaries that were eventually unsettling. Hence a shifting away from elegiac writing during the second half of the XIXth century into intimist withdrawal, parodic splitting or polyphony, all of them being various utterances of a questioning of the elegiac complaint’s subjective source. When the elegy as such resurfaced the literary scene owing to the trauma of the Second World War, it featured a shifting genre to crystallize the doubts, mournings and smiles of a lyricism as uncertain of its own song as the very existence of a subject that haunted its lines more than he inhabited them
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Rebai, Makki. "Le nocturne dans la poésie de Baudelaire." Clermont-Ferrand 2, 2007. http://www.theses.fr/2007CLF20009.

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Abstract:
Le Nocturne dans la poésie de Baudelaire est, phénoménologiquement, une notion qui se manifeste d'abord sur le plan lexical et sémantique, naît de la conjonction intime des deux dimensions temporelle et spatiale et apparaît , in fine, comme un climat de sa poésie, en vers comme en prose. La notion implique une mise en scène, assurée par un personnel, composé de différents protagonistes, dont les fonctions font signe vers des significations d'ordre existentiel et métaphysique ou poétique et esthétique. L'étude des valeurs de signification de la notion débouche sur une irréductible ambivalence : si le Nocturne apparaît souvent comme le signe de la mélancolie du mal et de la mort, il montre aussi un visage autre rendu possible par l'appropriation active de la spatialité nocturne et par l'instauration d'un climat d'érotisme qui lutte contre le climat de mort initial. Cette ambivalence est traduite par une poétique polymorphe, révélant quatre aspects principaux : "la tentation du Noir absolu" se marque par une écriture déceptive de la négativité, une allégorie tyrannique et "fragmentatrice" et un climat propice au surgissement de l'insolite ; la "fécondité du gouffre" révèle un infléchissement de cette orientation, qui rend envisageable l'apparition rédemptrice de la lumière. L'écriture du "clair-obscur" scelle le règne d'une euphémisation des couleurs et de la référencialité spatio-temporelle et d'une pensée analogique tendant à la restauration de l'unité perdue. Un dernier aspect tente d'opposer à la négativité superlative l'idéal insaisissable et fascinant du "soleil noir". Enfin, cette poétique fait signe vers une esthétique à double entente, selon que le Beau est appliqué à la nature ou à l'art. D'une part, le Noctrune, par un certain nombre de traits intrinsèques (l'irrégularité, l'ambivalence, la réversibilité) recoupe la vision baudelairienne de la Beauté idéale ; de l'autre, confronté aux univers d'autres créateurs (Young, Novalis, Hugo, Nerval), il apparaît comme un choix éminemment polémique, poétique et esthétique
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Caetano, Marie-Laurentine. ""Moy qui suis, ô Dieu, ton humble chanteresse" : anthologie de la poésie spirituelle et féminine du XVIe siècle en français." Thesis, Lyon 2, 2012. http://www.theses.fr/2012LYO20028.

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Abstract:
Cette anthologie rassemble des poèmes spirituels et féminins du XVIe siècle pour proposer un parcours neuf dans la poésie de la Renaissance en sélectionnant des textes de femmes, en contrepoint aux textes d’hommes généralement mis en avant par l’histoire littéraire, et en choisissant la veine spirituelle qui se démarque de la veine amoureuse et pétrarquiste souvent mieux connue. Nous avons sélectionné des œuvres catholiques et des œuvres réformées, afin de donner la plus large vision possible de la vie spirituelle française du XVIe siècle. Notre anthologie s’accompagne d’une étude du corpus pour justifier nos choix et pour élucider les critères d’écriture au féminin, la notion de spiritualité et les pratiques des formes poétiques, tout en proposant un état de la recherche, prenant en compte les avancées les plus significatives en matière d’éditions de textes de femmes
This anthology gathers spiritual poems written by women from the sixteenth century, suggesting a new way of discovering the poetry from the Renaissance ; indeed, we have chosen texts written by women in preference to texts written by men which have usually been strongly emphasized throughout literary history, and also by choosing the spiritual inspiration which is different from the much better-known romantic Petrarchan inspiration. We have made a selection among Catholic works as well as reformed works, in order to show what the sixteenth century French spiritual life really was. We have added a study of the corpus to our anthology in order to justify our choice and to clear up the different important points in women's way of writing, this idea of spirituality and the use of the different forms of poetry, while mentioning research results at the same time, taking into account the most significant progress which has been made concerning the publishing of women's works
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Favard, Margot. "L'ère d'autorité se trouble". Figures de maître chez Mallarmé." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCC056.

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Abstract:
Ce travail de recherche évalue les fondements littéraires et historiques de la construction de l’image d’auteur de Mallarmé comme Maître d’une crise littéraire et auctoriale à la fin du XIXe siècle. Figure tutélaire de la modernité poétique et théorique au XXe siècle, Mallarmé est déjà le Prince des poètes de la fin du siècle précédent tout en étant soupçonné d’imposture sinon de démence. Notre travail interroge les processus de cette sacralisation littéraire ambiguë et instable dont il est l’objet de son vivant, mais dont il est aussi le sujet actif. Dans une fin de siècle touchée, selon lui, par une « crise de vers », Mallarmé fait de cette crise le ressort paradoxal de son autorité et de la construction de sa figure d’auteur. Ce faisant, il façonne une reconfiguration du sacerdoce de l’écrivain après la « perte d’auréole » des poètes et la mort du maître Hugo. L’étude croisée des œuvres de Mallarmé et de ses conduites littéraires permet de rendre compte de la manière dont elles se déploient autour d’une crise de l’auteur tributaire d’une crise de l’autorité plus générale. Le poète ne cesse d’en interroger les fondements et d’en inventer de possibles résolutions. Observer les figures de Mallarmé en Maître critique, dans ses œuvres et dans les lieux où il se manifeste comme autorité charismatique en crise, met au jour comment s’expérimente chez lui la refonte d’un être-auteur à la fin du siècle. Elle va de pair avec celle des formes et de la langue poétiques, du rôle et de la fonction des poètes dans les débuts instables de la Troisième République. Par un jeu de disparitions annoncées et de crises rejouées, le poète forge son image de grand auteur et déploie sa présence singulière traversée par l’absence
This research paper assesses the literary and historical founding principles of the construction of Mallarmé's author image as Master of a literary and auctorial crisis at the end of the 19th century. A tutelary figure of twentieth century poetic and theoretical modernity, Mallarmé is already the Prince of Poets at the end of the previous century all the while being suspected of imposture if not insanity. Our work examines the processes of this ambiguous and unstable literary sacralization of which he is the subject and active actor during his lifetime. In an end of the century affected, according to him, by a "crisis of verse", Mallarmé made of this crisis the paradoxical source of his authority and the construction of his author figure. In doing so, he redefined the vocation of the writer after the "loss of the halo" of poets and the death of the master Hugo. The cross-examination of Mallarmé's works and his literary conducts allows an understanding of the way in which they organize around a crisis of the author who is dependent on a more general crisis of authority. The poet continually questions its foundations and invents possible resolutions. To study the literary figures of Mallarmé as a critical Master, in his works and where he manifests himself as a charismatic authority in crisis, reveals how he experiences the redefining of being an author at the end of the century. It goes hand in hand with the poetic forms and language, the role and function of poets in the unstable beginnings of the Third Republic. Through a game of announced disappearances and repeated crises, the poet forges his image of great author and unfolds his singular presence punctuated by absence
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Barón, Jaime. "Le sujet poétique chez Apollinaire et Huidobro : recherches autour du mythe du poète dans le contexte avant-gardiste." Bordeaux 3, 2005. http://www.theses.fr/2005BOR30047.

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Abstract:
Les éclatements successifs du sujet-oxymore chez Apollinaire à partir de 1907-1908 donnent lieu à une définition sémiotique stable du Je-Poète. La crise de la poésie est assumée par cette définition, passible de retours allotopiques (scissions) ou projetée vers son ouverture spatiale et calligrammatique. À cette crise le sujet-tmèse, chez Huidobro, répond par une stratégie de disjonction (1917-1918) progressivement euphémisée. Dans la structure de la tmèse on repère un passage annoncé par plusieurs symptômes (réfraction, ostranenie, thématique des horloges) qui relisent la crise apollinarienne à travers le constat de l'absence du présent poétique. De là la nécessité de déployer une narration implicite du mythe du poète, dynamisée par un emploi citationnel apollinarien massif. Dans Altazor se redéfinit cette narration nourrie par une culture post-biblique ou altazorienne, par le dialogue avec les avant-gardes et par des résurgences oxymoriques apollinariennes. Le parallélisme Huidobro / Reverdy (1915-1918) permet de dégager la spécificité et la continuité avec le passé littéraire de ce mythe huidobrien, et la comparaison avec le dadaïsme et le surréalisme (années 20) le replace autour de la problématique de sa légitimité diversement orientée sur des axes pragmatiques conflictuels. La représentation du sujet comme signe double révèle ses zones d'oscillation -historiques, esthétiques, culturelles - et confirme dans l'écriture poétique de la guerre la visée unitaire et médiatrice du système oxymorique en opposition à un sujet-tmèse obligé à rééquilibrer la crise de la poésie d'un point de vue figural et culturel
Summary : Successive breaking-ups of the oxymoron-subject in Apollinaire from 1907-1908 onwards lead to a stable semiotic definition of the I-as-Poet. The crisis of poetry is taken charge of by this definition that may undergo allotopic returns (scissions) or be projected towards its spatial and calligrammatic opening up. In Huidobro's work, the tmesis-subject responds with a progressively euphemised strategy of disjunction in 1917-1918. In the structure of tmesis, we spot a passage announced by several symptoms (refraction, ostranenie, the theme of clocks) which reread the Apollinarian crisis by acknowledging the absence of a poetic present. Hence the need to deploy an implicit narration of the myth of the poet, dynamised by massive use of quotations from Apollinaire. Altazor redefines this narrative nourished by a post-biblical or “Altazorian” culture, a dialogue with the avant-gardes and oxymoric resurgences from Apollinaire. A parallel between Huidobro and Reverdy from 1915 to 1918 allows us to detect both the specificity of this Huidobrian myth and its continuity with the literary past, while a comparison with Dada and Surrealism (in the 20s) situates it on the background of questions of legitimacy diversely oriented on conflictive pragmatic axes. The representation of the subject as a dual sign reveals its several areas of oscillation (historical, aesthetic and cultural) and confirms in the poetic scripture of the war the wholistic and mediating goal of the oxymoric system, as opposed to the tmesis-subject obliged to re-balance the crisis from a figural and cultural point of view
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Ali, Arwa. "La poétique de la fable en vers d'après les discours des fabulistes (1719-1792)." Thesis, Toulouse 2, 2017. http://www.theses.fr/2017TOU20070/document.

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Abstract:
Cette thèse se propose de présenter et d’analyser les discours prescriptifs des fabulistes du XVIIIe siècle, en commençant par celui de Houdar de La Motte qui, dans ses Fables nouvelles, en 1719, s’est posé en adversaire admiratif de La Fontaine, inégalable poète mais moraliste très contestable. Après avoir présenté ce recueil fondateur dans le contexte de la crise générale de la poésie que connaît la France à l’heure de la Qurelle d’Homère, l’on étudie les idées de l’audacieux fabuliste, soucieux d’établir des règles pour réaliser des apologues en vers qui soient conformes à l’objectif didactique qui, selon La Motte, est une priorité dans ce genre d’écrire. Quatre des successeurs de La Motte, dont les recueils sont parus de 1729 (Richer) à 1792 (Florian), ont été retenus pour examiner si cette première poétique prescriptive a été suivie ou contestée par des poètes qui s’y réfèrent forcément, comme d’ailleurs ils se réfèrent à La Fontaine, modèle écrasant qu’on se risque parfois à analyser pour percer son secret ou qu’on se contente d’admirer pour s’autoriser à ambitionner une place après lui
This thesis proposes to present and analyze the prescriptive discourses of the eighteenth-century’s fabulists, starting with the one of Houdar de La Motte, who in his new Fables in 1719 posed as an admiring opponent of La Fontaine, matchless poet but a very questionable moralist. After presenting this founding book in the context of the general crisis of poetry in France at the time of Homer's Qurelle, we study the ideas of the daring fabulist, anxious to establish rules to make apologues in verses that are in conformity with the didactic objective which, according to La Motte, is a priority in this kind of writing. Four of the successors of La Motte, whose collections were published from 1729 (Richer) to 1792 (Florian), were retained to examine whether this first prescriptive poetic was followed or disputed by poets who necessarily referred to it as they would refer to La Fontaine, an overwhelming model that one sometimes dares to analyze in order to pierce his secret or that one merely admires to allow himself to ambition a place after him
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Crepiat, Caroline. "Le sujet lyrique dans la poésie du Chat Noir (1882-1897)." Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2016. http://www.theses.fr/2016CLF20008.

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Abstract:
La fin du XIXe siècle voit éclore un grand nombre de « petites » revues littéraires et artistiques, liées aux avant-gardes et à la bohème. Parmi elles, Le Chat Noir (1882-1897), créée par Rodolphe Salis et Émile Goudeau pour assurer la promotion du désormais célèbre cabaret éponyme. On y publie des contes, des histoires drôles et sans paroles, mais aussi de la poésie. Le présent travail entend étudier de plus près ces poèmes, à la lumière de la crise qui agite alors la production littéraire. Il s’agit plus précisément d’analyser le traitement qui est fait de la notion de sujet lyrique, « principe structurel » (Käte Hamburger) du lyrisme. Dire " je" semble en effet perdre tout sens aux yeux de ces poètes, non seulement du fait du poids de la tradition qu’il est de bon ton de subvertir au nom de l’esprit fumiste dont ils se réclament, mais encore du régime collectif au sein duquel ils s’expriment. Toutefois, les multiples provocations à son encontre permettent aussi à ces artistes de disséquer et de questionner cette notion, et même de se la réapproprier, tant collectivement qu’individuellement. Une réflexion croisée, à la fois poétique, esthétique et sociopoétique, nous amènera à définir les logiques, enjeux et stratégies d’un tel positionnement
The end of the 19th Century is a key period for the « little » literary and artistic journals, produced by avant-garde and bohemian groups. One of them, Le Chat Noir (1882-1897), created by Rodolphe Salis and Émile Goudeau to promote the famous and eponymous cabaret. Tales, humoristic texts, illustrations or poetry appear in its columns. The present thesis aims for a closer study of these poems, in the light of the crisis which troubles the literary production. It is more precisely to analyse how the notion of the lyric subject, which is considered as the « structural principle » (Käte Hamburger) of lyricism, is treated. Indeed, saying « I » seems to lose sense for these poets, not only because of a tradition that is to subvert for the « fumiste » spirit’s sake which they claim, but also because of the collective context in which they find a space of expression. However, those provocations against the lyrical « I » is also for these artists a way to question and dissect it, and even to reappropriate it, for the collective as much as the individual distinction. A mixed reflexion, based on poetic, esthetic and « sociopoétique » analysis, will lead us to define the logics, stakes and strategies of such a position
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Jalabert, Romain. "Les vers latins en France au XIXème siècle." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040111.

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Abstract:
Les vers latins ne furent pas un pensum pour tous les collégiens du XIXe siècle. Ils eurent un rôle récréatif dans l’enseignement des humanités, au sein duquel ils favorisaient l’étude des poètes de langue française, parfois contemporains, par le biais de traductions. Ils furent une introduction aux belles-lettres pour quelques-uns, dont Sainte-Beuve, Musset, Baudelaire, Bourget et Rimbaud. Des périodiques et des recueils de poésie néo-latine, qui n’étaient pas tous scolaires, poursuivaient une tradition humaniste privilégiant l’épigramme et les jeux versifiés. Ces publications reflétaient également l’évolution des formes poétiques : essoufflement de l’épopée et de la fable, fortune de l’ode civique et des genres didactiques et descriptifs, recherche d’une synthèse entre esthétique des belles-lettres et philosophie sensualiste, succès du romantisme lamartinien. Dans cette tradition, le poème de Baudelaire « Franciscae meae laudes », dont la fortune se confondit avec celle du latin décadent dans la littérature française, constituait un cas à part. Durant la deuxième moitié du XIXe siècle, la période 1750-1830 fut considérée comme l’âge d’or des humanités. Elle fut l’apogée de l’institution Sainte-Barbe et du concours général et correspondit à une génération d’élèves et de professeurs arrivés aux responsabilités à la fin du XVIIIe siècle et revenus au pouvoir après la Révolution. La poésie de cette période eut une inspiration commune, en latin ou en français
Latin verses were not an extra duty for all students in the nineteenth century. They had a recreational role in teaching humanities, as they favoured the study of French poets, sometimes the contemporary ones, through translations. They were in deed an introduction to the belles-lettres for some students like Sainte-Beuve, Musset, Baudelaire, Rimbaud and Bourget. Periodicals and neo-Latin publications, which were not all bound to school, followed a humanist tradition favouring epigrams and versified games. These publications also reflected the evolution of poetic forms : the slowing of epic and fable, the health of civic ode and didactic and descriptive poems, search for a synthesis between aesthetics of belles-lettres and philosophy sensualist, fame of Lamartine’s romanticism. In this tradition, Baudelaire's poem "Franciscae meae laudes", whose success was bound to that of the decadent Latin in French literature, was a special case. During the second half of the nineteenth century, the 1750-1830’s period was considered as the golden age of the humanities. It was the apogee of the Sainte-Barbe’s institution and the concours général and corresponded to a generation of students and teachers who arrived to political responsibilities in the late eighteenth century and returned to power after the Revolution. The poetry of this period had a common inspiration, in Latin or in French
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Murakami, Yumi. "De la critique à la création poétique : l'importance du ballet dans l'écriture de Mallarmé." Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL094.

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Abstract:
Nous nous pencherons tout au long de notre thèse, sur la question de la construction poétique dans les pensées de Mallarmé concernant la Danse, et ce, à partir des modifications syntaxiques et lexicales que celui-ci a effectuées sur certaines de ses œuvres. À travers l’analyse du processus par lequel Mallarmé affinera ses pensées dans ses écrits poétiques et ses critiques de la Danse, nous essaierons de définir le rôle pris par la Danse dans la dernière partie de sa vie. Tout en cherchant à contextualiser ses critiques, nous procèderons à un examen minutieux des pièces que Mallarmé a vues et dont il a précisément établi la critique. Puis, en nous penchant sur la réécriture de texte opérée entre « Notes sur le Théâtre » et « Crayonné au Théâtre » qui se trouve compilé dans son ouvrage Divagations, nous analyserons les évolutions potentielles de ses pensées et nous tenterons d’apporter une lecture des concepts de « regard », du « voile » et de « la nudité » à travers les œuvres poétiques de Mallarmé comme L’Après-midi d’un faune ou bien Hérodiade. Au sein du genre même de la Danse, nous nous concentrerons sur la place privilégiée du Ballet chez Mallarmé et, tout en définissant la vision que celui-ci avait de cet art, nous effectuerons une interprétation de sa prose poétique. Cela nous permettra de faire ressortir le caractère novateur et profondément singulier des écrits que Mallarmé a consacrés à la Danse, et de définir finalement tout ce que cet art représentait pour lui. Le concept de la Danse chez Mallarmé sort du cadre où il est ordinairement relégué, et est défini comme quelque chose revêtant une grande valeur et une haute signification dans le processus créatif de cet auteur. Cette thèse se propose de circonscrire les passerelles et les continuités entre les poèmes et les critiques de Mallarmé, afin de tenter de bâtir la conception que celui-ci avait de la Danse
The question of the poetic construction in the lines Mallarmé wrote about Dance will be examined throughout this thesis from the point of view of the modifications he made on some of his works. Through the analysis of the process by which Mallarmé has been able to refine his thoughts in his poetic writings and his critics of the Dance, we will try to define the role taken by the Dance in the last part of his life. Focused on the privileged place occupied by the Ballet, we will try to give an interpretation of his poetic prose while defining the vision that Mallarmé had of this art. The highly innovative and singular nature of his writings dedicated to the Dance will be highlighted and we will be able to finally define what this art represented for him. The concept of Dance for this poet, comes out of its ordinary framework, and it is defined as something of high value and high significance in Mallarmé’s creative process. With this thesis, we will circumscribe the continuities between the poems and the critics of Mallarmé, in order to seize more precisely how he came to think about Dance the way he did
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Vergé, Gryner Colette. "Le temps dans Les Contemplations de Victor Hugo." Paris 7, 2012. http://www.theses.fr/2012PA070124.

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Notre projet a donc pour but de montrer comment Victor Hugo articule temps et lyrisme dans Les Contemplations. "Mémoires d'une âme", Les Contemplations sont peut-être le premier recueil lyrique à se définir, explicitement temporellement, à l'opposé de la conception dominante de la poésie lyrique, qui en l'opposant au récit, en fait le lieu d'une sorte de suspens du temps.
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Mohseni, Saber. "Réception de Hâfez de Chirâz en France : examen critique de la première traduction intégrale française du Divân de Hâfez." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCF011/document.

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Abstract:
Cette thèse se propose de faire une critique traductologique de la première traduction complète du Divân de Hâfez en français qui, dès sa parution, a suscité admirations et reproches et qui a valu au traducteur, Charles-Henri de Fouchécour, plusieurs prix et titres littéraires. Dans la première partie, intitulée « À la recherche du traducteur », on s’intéresse à C. H. de Fouchécour en tant que chercheur et spécialiste de la littérature classique persane et traducteur du Divân de Hâfez. Dans le premier chapitre, on étudie sa carrière dès ses commencements afin de révéler la manière dont il aborde et conçoit les œuvres persanes. Le deuxième chapitre est consacré au traducteur qu’est C. H. de Fouchécour et on révèle ce qu’il pense de l’acte de traduire (sa position traductive), le projet traductif qu’il a adopté pour traduire l’œuvre de Hâfez et enfin l’horizon traductif, c’est-à-dire la situation de la traduction poétique en France et surtout l’historique de la traduction des poèmes hâféziens en français. La deuxième partie de cette recherche, « La traduction et la poésie », est consacrée au texte à traduire et au texte traduit ; c’est-à-dire que dans le troisième chapitre, on présente une nouvelle lecture de la pensée hâfézienne en prêtant une attention privilégiée à la forme de sa poésie. Dans le quatrième chapitre, après avoir établi une méthode de confrontation tridimensionnelle fondée sur la lecture présentée dans le chapitre précédent, on aborde la confrontation de cinq ghazals hâféziens avec leurs traductions françaises d’A. Guy, G. Lazard et C. H. de Fouchécour
This thesis intends to offer a “traductological critique” of the first complete translation of the Divan of Hafiz in French, which, upon its publication, aroused both admiration and criticism and earned its translator, Charles-Henri de Fouchécour, several literary awards and titles. In the first part, entitled "In Search of the translator," we focus on C. H. de Fouchécour as a researcher and specialist in classical Persian literature and translator of the Divan of Hafiz. In the first chapter, we examine his career from its beginning, to reveal how he approaches and presents Persian works. The second chapter is devoted to the translator that is C. H. de Fouchécour and reveals how he conceives translation, the specific perspective he adopted to translate the Divan of Hafiz and finally his “horizon traductif”, in other words the situation of the poetic translation in France and especially the history of the translation of Hafiz’s poems in French. The second part of this research, "Translation and poetry", is devoted to the source text and the translated text; that is to say, in the third chapter, we present a new reading of the Hafizian thought, paying a special attention to the form of his poetry. In the fourth chapter, having established a three-dimensional method of comparison, based to the reading presented in the previous chapter, we compare five ghazals of Hafiz with their French translations by A. Guy, G. Lazard and C. H. de Fouchécour
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Anchante, Arias Jim. "Le symbolisme français et la poésie péruvienne : Nicanor Della Rocca de Vergalo, Manuel González Prada et José María Eguren." Thesis, Bordeaux 3, 2018. http://www.theses.fr/2018BOR30069.

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Abstract:
A la fin du dix-neuvième siècle et au commencement du vingtième, la poésie péruvienne a eu une particulière relation avec différentes traditions littéraires, et surtout avec la poésie française. Dans la présente thèse on cherche à expliquer les liens entre le Symbolisme français et quelques poètes péruviens de cette période : Nicanor Della Rocca de Vergalo, Manuel González Prada et José María Eguren. On cherche à établir une lecture « intertextuelle » entre les textes des « Maîtres » du Symbolisme (Baudelaire, Verlaine, Rimbaud et Mallarmé) et les poètes péruviens mentionnés. En plus, cette lecture doit considérer les rapports et les différences avec des mouvements et concepts proches du Symbolisme, comme le Parnassianisme et le Décadentisme, ainsi que le Modernisme hispano-américain. Alors, cette recherche est une étude comparative entre deux traditions qui ont établi un « dialogue » particulier: Rocca de Vergalo, dont les livres ont été écrits en français, contribue au processus du vers libéré français ; González Prada a rénové la poésie péruvienne avec des formes européennes (par exemple le rondeau français) et a été aussi le diffuseur du Parnasse et du Symbolisme au Pérou ; et José María Eguren est le créateur d’un symbolisme particulier en langue espagnole. Sa poésie est un mélange de diverses traditions européennes, « acclimatées » dans son original modernisme et même postmodernisme. C’est une vision fantastique du monde à partir de sujets « obscurs » à partir de l’enfance, l’absence et la mort
From ends of 19th century and beginnings of the XXth, the Peruvian poetry had a particular relation with different traditions, and especially with the French poetry. In the present thesis we try to explain the links between the French Symbolism and some Peruvian poets of this period: Nicanor Della Rocca de Vergalo, Manuel González Prada and Jose María Eguren. We try to establish an "intertextual" reading between the texts of "teachers" of Symbolism (Baudelaire, Verlaine, Rimbaud and Mallarmé) and the Peruvian poets. In addition, these analysis must to consider the relations and differences with movements and concepts next the Symbolism, as the Parnassianism and the Decadentism, and also with the Spanish-American Modernism. Since then, this research is a comparative study between two traditions that established an peculiar "dialog": Rocca de Vergalo, whose books have been written in French, is a part of the process of "liberated verse"; González Prada renewed the Peruvian poetry with European forms (for example the French "rondeau") and was also the diffuser of Parnassianism and Symbolism in Peru; and Jose Maria Eguren is the creator of a particular symbolism in Spanish. His poetry is a mixture of diverse traditions, "acclimated" in his original modernism and postmodernism. It is a fantastic vision of the world from "dark" topics as the infancy, the absence and the death
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Drigo, Agostinho Larissa. "Mallarmé : les plis et déplis du hasard à la recherche de l’infini : poésie, philosophie et politique." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040009/document.

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Abstract:
Pour saisir l’importance et le champ d’action du hasard dans la poésie mallarméenne, nous allons procéder selon une démarche triple, recomposer l’histoire politique, poétique et philosophique qui a rendu possible l’apparition et l’instauration du hasard comme événement, à la fois révolutionnaire, créateur et conceptuel. À partir de Baudelaire, la poésie chante les révolutions échouées, mais pour maintenir vivant le désir d’un monde différent. Le hasard dans ce contexte est d’abord l’irruption imprévisible, fulgurante et éphémère d’un désir qui ne trouve pas un espace propre à l’intérieur de la vie sociale, Pour maintenir vivant et vivace le rêve d’un monde différent, la poésie doit : fournir la preuve que son action, tout en étant restreinte, compte ; faire durer un hasard voué à l’évanouissement, en constituant un espace où il puisse demeurer, se multiplier et ainsi retrouver la consistance qui le fera durer. Faire durer le hasard à l’origine de toute nouveauté, c’est la tâche que Mallarmé attribue à sa poésie. Sur le plan philosophique, cette démarche requiert une critique radicale de la raison et de la représentation. Dans ce contexte, Mallarmé a non seulement annoncé le hasard, mais il a cherché à découvrir la logique de ce qui échappe à la raison en composant une oeuvre capable de rendre réel, visible et intelligible, la puissance imprévisible et inépuisable que le hasard enserre
The purpose of this work is to comprehend the importance and scope of chance in the poetry of Mallarmé. In order to do that, we will proceed according to a three-pronged approach; recompose the political, poetic and philosophical context that made possible the emergence and establishment of chance as an event both revolutionary, creative and conceptual. Since Baudelaire, poetry sings the failed revolutions, but willing to preserve the desire for a different world. Chance in this context is the unpredictable bursts, lightning and transient of a desire that can not find its place within the social life, to keep alive and vivid the dream of a different world, poetry must: provide evidence that its action, even restricted, counts; make last chance doomed to fade, constituting a space where it can remain, multiply itself and thus find the consistency to remain. Prolonging a contingency that creates novelty is the task that Mallarmé attributes to his poetry. Philosophically, this approach requires a radical critique of reason and representation. In this context, Mallarmé has not only announced chance, but he sought to discover the logic of what escapes from reason composing a work capable of making real, visible and intelligible, the unpredictable and inexhaustible power that chance grips
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Brottier, Beatrice. ""Je n'estime pas moins tes lettres que ses armes" : la poésie d'éloge du premier xviie siècle dans les recueils collectifs de toussaint du bray." Phd thesis, Université de la Sorbonne nouvelle - Paris III, 2011. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-01068365.

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La poésie d'éloge est particulièrement fréquente au début du XVIIe siècle et se publie sous diverses formes. Or le lieu n'est pas indifférent quant à la lecture des pièces, notamment lorsqu'il s'agit de recueils collectifs. Ces recueils sont nombreux au début du siècle, mais ceux édités par Toussaint Du Bray ont une organisation particulière, les pièces étant regroupées par auteur avec un paratexte important. Ce mode de diffusion contribue à désancrer les textes du contexte de leur écriture pour les réinscrire dans un cadre poétique. L'équilibre des trois grandes fonctions (sociale, politique et poétique) de la poésie d'éloge en est modifié. La relation mécénique n'apparaît plus que dans les mises en scène qui en sont faites. La fonction politique s'infléchit en une réécriture des événements politiques et en la fixation d'un récit, la fonction idéologique perdurant dans la célébration des dédicataires et par la démarcation implicite entre ce qui est loué ou non. Surtout, la publication en recueil redonne la primauté au caractère poétique des pièces ; elle permet aussi de lire ce qui restait plus discret lorsque les poèmes étaient dispersés : parce que le poète doit justifier sa parole laudative, parce que la valeur de l'éloge ne dépend pas seulement de celui qui est loué mais aussi de la qualité du chant, les pièces font entendre un discours identitaire et métapoétique qui s'interroge sur le rôle du poète, la force de sa parole et son statut social, en ces années où les écrivains recherchent une plus grande autonomie. Dans les recueils collectifs, la poésie d'éloge valorise tout autant le poète que le grand.
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Stambul, Léo. "Le Régent du Parnasse : le pouvoir littéraire de Boileau." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA114.

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Si la postérité a gardé l'image d'un Boileau législateur du classicisme, le poète de son vivant se présentait davantage comme le « Régent du Parnasse », représentant littéraire d'un pouvoir exécutif qui s'est absenté. À la fois lié et délié de l'autorité royale, le pouvoir de Boileau sur les lettres, senti à l'époque comme un véritable choc scandaleux, apparaît aujourd'hui comme une fable dont on a empoisonné des générations d'élèves. Réel et fictif, ce pouvoir, contre lequel nombre de contemporains de Boileau s'élevèrent, questionne les frontières entre le monde séparé des belles-lettres et l'insertion sociale des auteurs. Notre hypothèse est que cette configuration paradoxale s'exprime dans les différents aspects de l'écriture de Boileau : une carrière institutionnelle exceptionnelle qui plaça le satirique au plus près du corps de la monarchie en tant qu'historiographe du roi ; une pratique exceptionnellement tolérée de la satire violente et nominale qui déclencha quantité de querelles ; une théorie du sublime et de la parole d'exception capable de mouvoir et de modifier notre perception des frontières du possible, du licite et de l'imaginable. Cette étude du « pouvoir littéraire » tente ainsi de combiner une approche historique des pratiques d'écriture par lesquelles Boileau affirme sa violence sociale de l'intérieur des belles-lettres ; une approche générique et linguistique des moyens d'expression de la puissance à l'intérieur des genres et du langage usuels ; et une approche herméneutique de sa théorie de l'interprétation qui fait du sublime la force par laquelle l'homme peut excéder de l'intérieur ses propres limites
If Boileau is remembered as the legislator of classicism, alive, the poet would rather have introduced himself as the “Regent of Parnassus”, or the literary representative of an absent executive power. Boileau's influence on literature, both tied to and freed from royal authority, but also seen as outrageaously scandalous at that time, seems today to have become a fable tormenting generations of pupils. Real or fantasized, that power, against which loads of Boileau's contemporaries stood up, questions the limits between the secluded literary world and the authors' social integration. We assume that this paradoxical configuration expresses itself through various aspects of Boileau's writing: an outstanding institutional career as the King's historiographer, thanks to which the satirist had never been closer to the body of monarchy; an exceptionally lenient use of violent and nominal satire which triggered numerous quarrels; a theory of the sublime and remarkable speech which can both move and change our understanding of the frontiers between what can be done, what can be allowed, and what can be imagined. This study on “literary power” attempts to combine a historical approach to Boileau's writing through which he asserted the social violence oozing out of the literary world; to a generic and linguistic work on the means of expressions of power inside genres and common langage; and to another hermeneutic approach to his theory on interpretation which makes the sublime the strength with which man can exceed from inside his own limits
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Vincent-Munnia, Nathalie. "Les premiers poèmes en prose : généalogie d'un genre dans la première moitié du dix-neuvième siècle français." Lyon 2, 1994. http://www.theses.fr/1994LYO20006.

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Abstract:
L'expression "poème en prose" ne naît pas au 19e siècle : tout au long du 18e siècle, elle sert à caractériser une prose qui peut acquérir un statut poètique, parallèlement au vers, lequel ne détermine plus dès lors systématiquement ni exclusivement l'existence de la poésie. Mais, dans les premières décennies du 19e, la reconnaissance de cette poésie en prose étant plus définitive, la prose peut s'élaborer plus spécifiquement en poème (au sens moderne du terme, non plus au sens classique et analogique d'"ouvrage de style poétique" ou d'"épopée en prose"). Elle suscite alors un nouveau type de poeticité, abandonnant les normes prédéfinies, qui rendent impossible toute définition systématique et modélisante du genre. Ce type de poétique inédit ne trouve son actualisation que dans l'activité de reconnaissance du lecteur. Le poème en prose est par conséquent dépendant de sa réception -problématique au début du 19e. Les auteurs de ces premiers poèmes en prose (L. De Cailleux, A. Rabbe, A. Bertrand, X. Forneret, M. De Guérin, J. Lefebre-Deumier) font en outre de ce nouvel instrument poétique le moyen en même temps que l'objet d'une quête poétique d'un nouvel ordre. Le poème en prose acquiert ainsi une valeur exploratoire et expérimentale. Initiateur de nouveaux types de poéticité, il élabore aussi des processus de réflexivité poétique (de réflexion du poétique par lui-même et sur lui-même), qui détermineront les évolutions ultérieures de la poésie
The expression "prose poem" does not appear in the nineteenth century : throughout the eighteenth century, it is used to distinguish a prose which can pretend to a poetical status, in the same way as verse (that from then on neither systemat ically nor exclusively determines the existence of poetry). But, during the first decades of the nineteenth century, after the more definitive recognition of this prose poetry, the prose can be elaborated more specifically as a poem (in the modern use of the term, and no longer in the classical and analogical sense of "work in poetic style" or "prose epic"). It creates then a new type of poeticity, abandoning the predefined norms and thus benefiting from non predetermined poetic effects which make any systematic and modelising definition of the genre impossible. This kind of original poetic owes its actualization uniquely to the recognition activity of its reader. The prose poem is consequently dependent on its receipt - problematical at the beginning of the nineteenth century. Furthermore, the authors of these first prose poems (ludovic de cailleux, alphonse rabbe, aloysius bertrand, xavier forneret, maurice de guerin and jules lefevre-deumier) not only make this new poetics instrument the object but also the means of a new order poetical quest. The prose poem thus acquires an exploratory and experimental value. Initiator of new types of poeticity, it also elaborates some processes of poetical reflection (by itself and upon itsel), which will determine the subsequent evolutions of poetry. Open and uncertain, the genre therefore also appears as eminently virtual and paradoxical : its generic identity being built upon its capacity to inaugurate new modes of poeticity and genericity, it is doomed to see this generic specificity dissolve at the very moment that it accedes to an entire recognition
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Rees, Agnès. "La poétique de la "vive représentation" et ses origines italiennes en France à la Renaissance." Thesis, Reims, 2011. http://www.theses.fr/2011REIML013/document.

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Abstract:
Chaque cadre doit contenir un résumé de 1000 caractères maximum, espaces compris. En casde dépassement, la coupure sera automatique.Le doctorant adressera son texte sous forme électronique (disquette, etc.)Pour les modalités pratiques, contactez votre bibliothèques.L'objet de la thèse est de mettre en évidence l'importance de la« vive représentation» dans le renouvellement poétique initié au milieu du siècle, autour de Ronsard et de Du Bellay, par un groupe de jeunes poètes qui se désignera comme « la Pléiade ». Dans un contexte d'émulation et de rivalité avec les arts picturaux, mais aussi avec les poésies néo-latine et italienne, la poétique de la « vive représentation » ou « vive description », expressions empruntées aux poètes et théoriciens des années 1550, est étroitement liée à la volonté d'« illustrer » et d'enrichir la langue française en valorisant le pouvoir d'expression de la poésie. Si elle constitue un héritage de l'enargeia des anciens, c'est par l'emploi de figures spécifiques, comme l'ekphrasis et l'hypotypose, et par le développement d'un langage orné que la vive représentation s'impose dans la poésie lyrique des années 1550, où elle introduit des motifs caractéristiques du style héroïque. Notre travail consiste donc à définir les enjeux et les procédés liés à cette poétique en étudiant son élaboration et sa mise en pratique dans les textes théoriques et poétiques français publiés entre 1547 et 1560, et en retraçant les origines de cette notion dans les arts poétiques et dans les traités d'art italiens
The purpose of this thesis is to emphasize the importance of "vivid description" in the poeticalrevival, which was started in the middle of the sixteenth century around Ronsard and Du Bellay by a group of young poets, who will name themselves "la Pléiade". The poetics of "vivid representation", or "vivid description", expressions borrowed from poets and theoreticians of the years around 1550, is, in a context of competition and rivalry not only with pictorial arts, but also with neolatin and italian poetry, closely bound to the wish to illustrate and enrich the french language by means of enhancing poetry's power of expression. Although vivid description represents a heritage of the energeia of the Ancients, it is by employing specifical figures of speach, such as ekphrasis and hypotyposis, and by developing a florid language, that it asserts itself in the lyrical poetry of the years 1550, where it introduces the typical patterns of heroic style. Our work consists in a definition of the issues and processes linked to this poetry by studying its elaboration and the way it was put into practice in poetical and theoretical french writings published between 1547 and 1560, and by retracing the origins of this notion to italian arts of poetry and treatises
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Torrent, Céline. "Pour une approche du ''poétique instinct'' à travers la danse, de Mallarmé à aujourd'hui. : La danse comme geste de l’avant-poème, du symbolisme mallarméen au « renouveau lyrique »." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA174.

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En 1886, c’est à la danseuse que Mallarmé confie le soin de lui révéler son propre « poétique instinct ». C’est donc à travers l’élucidation de cette expression énigmatique que nous aborderons le lien entre poésie et danse, en France, de Mallarmé à aujourd’hui. Toute notre recherche consistera à comprendre ce qui dans la danse relève d’un instinct poétique et renvoie le poète à son propre instinct créatif. Mallarmé et Valéry nous permettront d’abord d’étudier la façon dont la danse est passée de simple motif poétique à véritable moteur poïétique au tournant des XIXe et XXe siècles. La danse, considérée comme « écriture corporelle », renverra ces deux poètes à la dimension corporelle de leur acte d’écriture. Nous verrons ensuite que, délivrée du livret de ballet, la danse elle-même se conçoit comme étant sa propre écriture, à partir de la fin du XIXe siècle. Tracé sans traces, elle est écriture du pur poïein que nous nommerons donc écriture poïegraphique. Nous dépasserons ainsi le clivage entre danse « classique » et « contemporaine », à travers la notion de « danse- contempoïein », en nous appuyant notamment sur la théorie des Barres flexibles de Wilfride Piollet. Enfin, le « poétique instinct » sera exploré à travers une convergence entre danse et « renouveau lyrique ». Après avoir étudié les livrets de ballet de René Char, nous questionnerons la présence explicite de la danse, au tournant des XXe et XXIe siècles, chez Pascal Quignard, Jean-Michel Maulpoix et André Velter. Nous envisagerons au même moment, du côté de la danse, l’émergence d’un lyrisme chorégraphique. Nous verrons ainsi que, du symbolisme mallarméen au « renouveau lyrique », la danse en appelle au « poétique instinct » du poète en ce qu’elle le renvoie à l’acte d’écriture qui a précédé son poème écrit, à son geste de l’avant-poème
In 1886, Mallarmé entrusted the dancer to reveal to him his own ''poétique instinct''. It will be trough this enigmatic phrase and its elucidation that we shall approach the existing link between poetry and dance in France, from Mallarmé to nowadays. All our focus in research will consist in understanding what in dance can be considered as poetic instinct and brings the poet to face his own creative instinct. First Mallarmé and Valéry will help us study how dance evolved from being a simple poetic pattern to a genuine poïetic engine during the 19th and 20th century. Dance, considered as ''écriture corporelle'', will bring these poets to see the corporal dimension of their act of writing. We shall see next that at the end of the 19th century, dance when it's freed from ballet, considers itself to be its own writing. Drawn without a trace dance is pure poïein writing and so we shall name it poïegraphic writing. We'll overrule the gap between ''classical'' and ''contemporary'' dancing with this concept of ''contempoeïn-dance'', by leaning on Wilfride Piollets theory of the ''Barres flexibles'' (''Flexible Bars''). Lastly, the ''poétique instinct'' will be explored trough the meeting of dance and ''lyrical renewal''. After studying René Chars ballet booklets we'll question the explicit presence of dance in Pascal Quignard, Jean-Michel Maulpoix and André Velters work during the 19th and 20th century. At the same time we'll consider the appearance of chorographical lyricism in dance. We will therefore see, through Mallarmés symbolism up to ''lyrical renewal'', that dance calls upon the poets ''poétique instinct'' and brings him back to the act of writing that came before the written poem, and so to the gesture of the prior-poem
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Yano-Matsuura, Namiko. "Le problème du « je » poétique dans la poésie de Stéphane Mallarmé : la quête de l’impersonnalité et l’énonciation poétique." Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL004.

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Dans « Crise de vers » (1897), Mallarmé déclare « la disparition élocutoire du poëte », formule qui inspire aux critiques littéraires du milieu du XXe siècle la revendication de « la mort de l’auteur ». Si le poète s’efforce de disparaître, comment peut-on considérer le je parlant et le centre de la subjectivité inscrite inévitablement dans le poème ? L’impersonnalité, perçue d’abord par Mallarmé au moment de sa crise spirituelle des années 1860, est-elle compatible avec ce je ineffaçable du poème ? À partir de ces questions, la présente thèse, composée de deux parties, se propose d’interroger sa poétique de l’impersonnalité. Le premier volet vise à tracer chronologiquement l’évolution de l’idée d’impersonnalité en s’appuyant sur le discours théorique du poète. Cette idée, qui se rattache au début à un état existentiel du sujet créateur, porte au fur et à mesure sur la technique artistique et l’effet produit de l’œuvre, au cours de ses critiques sur Manet (1874-1876), Wagner (1885) et le théâtre contemporain (1886-1887). En analysant les poèmes publiés entre 1876 et 1887, période marquée par ce développement, le second volet vise à éclairer le côté pratique de l’impersonnalité. Pour saisir le paradoxe apparent de l’exigence théorique et du je poétique, nous examinerons d’un point de vue énonciatif le poème qui se produit d’une énonciation du sujet parlant. Sur ce plan de l’acte de langage, la quête mallarméenne de l’impersonnalité, articulée à celle de la pureté de la poésie, parvient, malgré son discours à la première personne, à la construction dans et par le poème d’un espace-temps fictif et théâtral qui nous apparaît à chaque lecture
In “Crise de vers” (1897), Mallarmé declared “la disparition élocutoire du poëte”, which inspired the concept of “the death of the author” among the literary critics in the middle of 20th century. If the poet attempts to disappear, how then do we think of the speaking I and the subjectivity that is inevitably built into the poem? Is the impersonality, which Mallarmé perceived first during his spiritual crisis in the 1860s, compatible with this indelible I ? Based on these questions, the present thesis, composed of two parts, aims to investigate Mallarmé’s poetic of impersonality. The first part aims to draw chronologically on the evolution of his idea of impersonality, relying on his theoretical discourse. Relating to the beginning of an existential state of the creator, this idea applies gradually to the artistic technic and to the effects produced by works of art, through Mallarmé’s criticisms of Manet (1874-1876), Wagner (1885), and the contemporary theatre (1886-1887). Analyzing the poems published between 1876 and 1887, the period characterized by the development of the idea, the second part aims to clarify the practical side of the impersonality. For understanding the apparent paradox of the theoretical claim of the impersonality with the poetic I, we examine the poem produced from the enunciation of the speaking subject from a viewpoint of enunciation. In these pragmatic terms, Mallarmé’s search associated with that for poetic purity, has taken, despite his poetic discourse in the first person, the form of a poem of a fictional and theatrical space-time that becomes apparent to us on every reading
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Gautier, Hélène. "Du Bellay lecteur de Virgile." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA073.

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Abstract:
Cette thèse se propose d’étudier comment la lecture de Virgile informe toute l’oeuvre bellayenne, voire définit et révèle la poésie et la figure du poète bellayens. Dans une première partie, un état des lieux de la réception du texte virgilien de l’Antiquité à la Renaissance nous fait découvrir les moyens mis à disposition de Du Bellay pour lire et imiter Virgile, la lecture se révélant indissociable de l’écriture. Un premier relevé et une première typologie des emprunts à Virgile dans l’oeuvre bellayenne (1549-1560) permettent alors de dégager des éléments d’analyse de l’imitation de Virgile par Du Bellay. La deuxième partie examine alors de manière diachronique la notion d’”innutrition” virgilienne. Elle met ainsi en relief l’année 1552, année de la traduction des livres quatre et six de l’Enéide, année charnière dans la production poétique bellayenne, où s'opère l’assimilation du texte virgilien et le passage à une véritable réécriture de Virgile dans les poèmes ultérieurs (1552-1560). La troisième partie articule ces enjeux proprement poétiques aux enjeux socio-politiques dans la mesure où elle met au jour les enjeux de cette imitation de Virgile par Du Bellay, en particulier la définition de sa place de poète au sein de la cité dans les recueils romains (1558) et surtout dans les discours politiques des dernières années (1558-1560)
This dissertation presents a critical analysis of the way reading Virgil impacted the works of Du Bellay, even so far as to define and reveal Du Bellay’s poetry and his figure as a poet.In the first part, an assessment of the various tools for reading Virgilian texts from Antiquity to the Renaissance brings to light the means available to Du Bellay in order to read and imitate Virgil – his reading of Virgil and his own writing being intrinsically associated. A preliminary listing and categorization of the elements Du Bellay borrowed from Virgil in his works from 1549 to 1560 makes it possible to highlight ways to analyze how Virgil is imitated by Du Bellay. The second part then examines in a diachronic fashion the notion of Virgilian “innutrition”. This part thus draws particular attention to 1552, year of the translation of books four and six of The Aeneid, a pivotal year in Du Bellay’s poetic production for it seemed to have born witness to his assimilation of Virgilian texts and his moving on to genuine rewriting of Virgil in his later poems from 1552 to 1560.The third part articulates the specifically poetic issues to socio-political concerns, insofar as it exposes the purpose of Du Bellay in his imitation of Virgil, most particularly the definition of his position as a poet within the city in the Roman collections (1558) and especially in the political speeches from the later years (1558-1560)
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Berthon, Guillaume. "« L’intention du Poete ». Du pupitre à la presse, Clément Marot autheur." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040133.

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Abstract:
Ce travail propose de montrer de quelle manière Clément Marot a conçu son métier d’auteur. À cette fin, il prend d’abord appui sur une reconstruction synthétique et critique de la carrière du poète, des premiers engagements auprès de Nicolas de Neufville ou (peut-être) de la reine Claude, jusqu’au service de François Ier, afin d’en comprendre les contraintes, et la façon dont elles conditionnent l’écriture (I). Suit logiquement l’étude des représentations du métier d’auteur dans l’œuvre, c’est-à-dire du discours par lequel le poète se met en scène en tant qu’auteur ; celle-ci comprend ainsi l’analyse de la signature marotique ainsi que des choix lexicaux et métaphoriques qui caractérisent le regard que le poète pose sur son activité (II). Marot faisant partie des premiers écrivains à s’impliquer fortement dans le processus d’impression, la troisième partie est consacrée à l’enquête bibliographique qui s’intéresse à la totalité des éditions marotiques autorisées : elle en présente les différents acteurs et propose une description matérielle des ouvrages, afin de reconstituer l’histoire de leur fabrication et de déterminer la mesure de la collaboration du poète (III). Les conclusions de l’enquête sont exploitées dans la dernière partie pour mettre en évidence le sens du projet poétique et éditorial des recueils considérés. L’étude de leur ordonnancement en est la clé principale, Marot s’emparant du critère de l’organisation pour se réapproprier une œuvre qui lui échappe en raison même de son succès, et faire finalement de la presse un instrument essentiel pour réaliser ses intentions (IV)
This study offers to show how Clément Marot conceived of his role as an author. For this purpose, it begins with a synthetic and critical narrative of the poet’s career, from the first appointments, under the patronage of Nicolas de Neufville or (maybe) Queen Claude de France, to the service of Francis I, so as to bring to light the constraints of the office and the way they influenced his writing process (I). The study then explores the representations of the author’s work in the text, i.e. the way the poet portrays himself as an author; it includes the analysis of Marot’s signature and of the lexical and metaphorical choices which define the way the poet looks at his own activity (II). Because Marot is one of the first writers to get fully involved in the printing process, the third part is devoted to a bibliographical inquiry dealing with all the authorized editions of Marot’s works: it presents the various actors involved and offers a material description of the books, in order to reconstruct the story of their making and to determine the extent of the poet’s collaboration in the process of their production (III). The findings of the inquiry are used in the last part to highlight the import of Marot’s poetical and editorial project. To this end, the study of the books’ dispositio provides the main key, as Marot uses it to reclaim a work that eludes him because of its very success, managing to turn the printing press into an instrument at the service of his auctorial intentions (IV)
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