Academic literature on the topic 'Poésie française – 19e siècle – Thèmes, motifs'

Cette thèse est une approche linéaire de la modernité poétique qui n'en est pas une. Baudelaire, Rimbaud, Mallarmé, Breton et Bonnefoy nous proposent chacun des cheminements différents. Ce sont ces différences qui actualisent leurs poésies et les inscrivent sous la bannière de poètes modernes. En les étudiant, on aboutit à une sorte de parcours poétique à deux vitesses : une modernité du sacré et de Mallarmé qui donne la préférence au signifiant. Breton, quant à lui, assigne une autre mission à la poésie : c'est la quête de l'irrationnel comme moteur de sa création dans la mesure òù il permet d'arriver à une passivité de la conscience pour que l'écrivain se libére des contraintes de la morale puritaine. Avec Bonnefoy, c'est une incessante lutte avec le langage poétique. Pour lui, la poésie, c'est l'affirmation de l'existence de la dérive, du vivre sur l'écrire, en un mot de la recherche du sens sur le plaisir illusoire de la dérive des signifiants, parce que les vrais lieux poétiques sont du côté de la présence, c'est-à-dire de l'existence vécue.

Le blason animalier est un genre poétique qui apparait en France entre 1535 et 1585 chez les marotiques, puis chez les poètes de la Pléiade (Ronsard, du Bellay, Belleau, Peletier. . . ). Il consiste dans le fait de décrire un animal et de raconter son histoire en le louant. Pourtant, les poètes et les théoriciens du XVIe siècle emploient rarement le terme de « blason » pour désigner ce type de pièces qu'ils préfèrent nommer « épigrammes », « épitaphes », « hymnes », « poèmes », etc. Toutefois, le blason animalier se manifeste comme un genre à part entière : on y trouve des constantes formelles (emploi de vers courts), thématiques (la joie, la mélancolie. . . ) et stylistiques (jeux de mots, métaphores. . . ), on y rencontre les mêmes motifs poétiques (les métamorphoses en constellations. . . ), les mêmes concepts (la douceur, la beauté. . . ). En outre, bon nombre d'auteurs de blasons font référence explicitement dans leur poème aux autres blasons déjà composés. Dans le cadre de ce genre, les poètes veulent transfigurer et diviniser un animal en apparence modeste et négligeable : ils subliment les parties de son corps et en font le héros d'un récit épique ou étiologique. Mais l'animal est surtout une incarnation du poète lui-même, de ses ambitions poétiques et de sa personnalité profonde. Et si le poète s'amuse à se métamorphoser en animal, c'est pour gagner l'éternité.

Cette thèse dont le sujet est la poésie d'idées au XVIIe siècle en France, est composée de trois parties, d'un index, d'une annexe (notices biographiques) et d'une bibliographie. La première partie explore les ouvrages de philosophie et les arts poétiques afin de cerner la façon dont le XVIIe siècle pose la question de la relation entre la poésie et la philosophie. Celle-ci est examinée sous l'angle de la "querelle" (CH. 1) et du "voisinage" (CH. 2). Les fondements de la poésie d'idées sont exposés (CH. 3). La deuxième partie vérifie cette relation. Il apparaît que la poésie d'idées satisfait aux exigences du didactisme. Elle permet de connaître la nature (CH. 1) et d'interpréter les textes philosophiques (CH. 2). Du point de vue de la rhétorique, elle a fait agir la philosophie (CH. 3). La troisième partie démontre que la poésie d'idées tend vers une esthétique et une poétique. Dans le poème, les idées vraies se montrent plus belles (CH. 1). En interagissant avec les idées, les textes poétiques se montrent plus beaux (CH. 2). Par leur diversité, il apparaît que la philosophie reste une problématique du poète au regard de la poésie (CH. 3).

L'œuvre verlainienne a déjà fait l'objet de nombreuses études littéraires. La visée de ce travail est l'étude stylistique des images dans le but de montrer l’originalité de l'esthétique verlainienne. Le traitement du langage figure permet des évaluations expressives appuyées sur les formes dominantes des images. La classification thématique révèle les pôles majeurs de l'univers du poète. L'étude des images se concentre sur le mode de production de la figure, son fonctionnement et sur les valeurs connotatives évoquées. On essaye en même temps de montrer l'évolution de l'esthétique des images à travers les recueils et leurs variantes dans le même recueil. La confrontation parallèle avec les images d'autres poètes du même courant essaie de montrer la particularité du langage verlainien dans la constellation symboliste. Elle met en lumière des affinités et des nuances communes qui unissent les symbolistes dans leur volonté de créer des correspondances entre l'univers sensible et l'âme. Apres une approche théorique de l'"image poétique" on aborde les figures reparties en domaines différents selon leur aspect sensible, concret ou abstrait. L’étude débute par les éléments sensibles des domaines terrestre, liquide, aérien, cosmique et lumineux, elle continue par les figures humaines et termine par les réalités abstraites<br>The works of Verlaine have constituted the object of numerous literary studies. The aim of this project is to study Verlaine’s imagery from a stylistic viewpoint, in order to demonstrate the originality of the poet's aesthetic concept. The use of figurative diction allows for expressive evaluations based on dominant forms of verlainian imagery. The thematic classification reveals the major poles of the poet's universe. The study of imagery is centered around the way figures are produced and their function, as well as on the evoked values of connotation. At the same time, an effort is made to manifest the evolution of the aesthetic dimension of images across Verlaine’s poetic collections and their variants in each of the collections individually. The parallel confrontation with the imagery created by other poets belonging to the same group as Verlaine is aimed towards a demonstration of the particularity of the poet's language within the constellation of symbolism. Its self-proposed target is to bring to light the common affinities and nuances uniting all symbolists in their desire to create corresponding links between the "sensible" universe and the human soul. After a theoretical approach of the "poetic image", the figures are categorized into different domains, according to their "sensible" aspect, concrete or abstract. First are studied the "sensible" elements of the terrestrial, aerial, cosmic, liquid or luminous domains, then the human forms and finally the abstract realities

Comment appréhende-t-on l' "imagination" au XVIIe siècle ? Pour des auteurs tels que Théophile de Viau, mettre en scène la "folle du logis" au sein de ses "Poésies" implique un questionnement sur le lieu d'origine de cette dernière, c'est-à-dire sur son lieu de "naissance", d' "engendrement". En appronfondissant cette enquête, l'on se rend compte que l' "imagination", en tant que fille de la "øavraơiá ", n'est pas seulement la soeur de la liberté, du caprice, ni même de la fantaisie. Elle est celle qui donne à voir, ce qui permet au sujet et en l'occurence au sujet lyrique, de donner naissance aux représentations mentales qui peuplent son esprit et affectent son corps. Cependant, le champ lexical et métaphorique de l' "imagination" n'est que la façade qui cache un territoire d'une bien plus grande ampleur. Mais, paradoxe suprême, celle qui devait "donner à voir" se dissimule sans cesse sous nombre de figures polymorphes qui finissent par égarer le lecteur.

La pensée de la métaphore hérite à la Renaissance et à l’âge baroque d’une riche tradition théorique : tradition rhétorique et spirituelle, qui, d’Aristote à Tesauro, en passant par les Pères de l’Eglise, tend à considérer ce trope non seulement comme un ornement insigne, mais également comme un outil de pensée débouchant sur un « plus haut sens ». Loin de la cantonner au cadre strict de l’ornatus, les poètes religieux de l’âge baroque, pétris de culture biblique, utilisent la métaphore comme un instrument privilégié de déchiffrement de la Bible et des mystères chrétiens, mais également comme un support d'enseignement et d’émotion, susceptible d’aider le lecteur « dévot » dans sa méditation. Cette écriture particulière de la métaphore ne va pas sans contradictions : à la fois médiévale et baroque dans son inspiration, excessive et contrôlée, didactique et ingénieuse, ténue et « copieuse », elle illustre le statut paradoxal de l’image dans un contexte spirituel. Cette étude entend croiser diverses approches, tant théoriques que pratiques, afin de définir les contours d’une poétique de la métaphore religieuse baroque<br>The Renaissance and Baroque ages inherited a rich theoretical tradition of metaphoric thought : a tradition both rethorical and spiritual which, from Aristotle to Tesauro, taking in the Church Fathers, tends to consider the trope not only as an distinguished embellishment, but also as a tool for freeing thought to a ‘’ higher meaning ‘’. Far from confining it within the strict use of ornatus, the religious poets of the Baroque age, puffed up with biblical culture, use the metaphor as a favourite instrument for deciphering the Bible and christian mysteries but also as an aid for teaching and emotion, capable of assisting the « devout » reader in his meditation. This peculiar metaphoric writing does not exist without some contradictory aspects : both medieval and baroque in its inspiration, excessive and controlled, educational and ingenious, weak and substantial, it illustrates the contradictory status of image in a spiritual context. This study intends to take in various approaches, both theoretical and practical, in order to define the outlines of the poetic in baroque religious metaphors, through a large corpus of religious poets (Jean Baptiste Chassignet, Jean de La Ceppède, Jean de Sponde, Jean Auvray, Antoine Favre, Pierre Poupo)

Entre 1815 et 1848, la figure napoléonienne s’impose comme l’une des sources d’inspiration majeures de la poésie française : les plus grands auteurs mais aussi les chansonniers populaires et les poètes d’occasion se confrontent à l’évocation de celui qui apparaît alors comme l’archétype du héros. Ce travail se propose d’explorer le corpus de la poésie napoléonienne en prenant pour guide la notion de mythe littéraire : de quelles façons, sous quelles formes et avec quels enjeux le mythe littéraire de Napoléon émerge-t-il de cette poésie ?On se propose ici trois objectifs : rendre compte de la naissance d’un mythe littéraire dans l’histoire ; aller au-delà d’une étude parcellaire pour exposer sa structure d’ensemble ; étudier les sens que prend le mythe littéraire en les comprenant dans le contexte plus large du Romantisme. Un travail de dénombrement de la poésie napoléonienne sert de point de départ à une analyse qui tente de marier les approches chronologique, thématique et esthétique du mythe. Quatre parties illustrent chacune un segment chronologique du corpus, alternant entre présentations d’ensemble et développements consacrés à des œuvres précises : passage de la représentation d’un héros épique à celle d’un héros mythique (1815-1821), premier essor du mythe sous la forme d’une aurore libérale (1821-1830), apothéose du mythe (1830-1840), reflux et in fine changement de statut de ce mythe (1840-1848). La cinquième partie propose une étude en synchronie qui synthétise les matériaux précédemment rassemblés : on y explore les thèmes constitutifs et les structures du mythe ainsi que ses liens avec le Romantisme<br>Between 1815 and 1848, Napoleon became established as one of the major sources of inspiration in French poetry. Writers of all kinds – from the greatest poets of the age to lyricists of popular songs and part-time versifiers – took on the challenge of evoking a figure that came to be presented as the archetypal hero. This study aims to explore the corpus of Napoleonic poetry within the framework of the notion of literary myth : how, in what forms and with what consequences did the literary myth of Napoleon emerge in this poetry ?The following three objectives are thus proposed: to account for the historical birth of a literary myth ; to go beyond a fragmented analysis in order to identify an overarching structure ; to identify and situate the meanings of the literary myth in the broader context of Romanticism.A cataloguing of Napoleonic poetry serves as a starting point for an analysis that aims to marry chronological, thematic and aesthetic approaches to the myth. Each of the first four parts examines a chronological segment of the corpus, alternating between general presentations and more specific studies focusing on particular works : the transition from the representation of an epic hero to the representation of a mythical hero (1815-1821), the first blossoming of the myth, occurring together with a liberal rereading of Napoleon’s actions (1821-1830), the apogee of the myth (1830-1848), the decline and eventual redefining of the myth (1840-1848). The fifth part proposes a synthesis of the material that has been thus far assembled in order to explore the constitutive themes and the structures of the myth as well as its links to Romanticism

Cette étude se propose de réexaminer la conception de la rêverie chez Jean-Jacques Rousseau, en la replaçant dans l'évolution de la poésie descriptive. La première partie tente de mettre en évidence tant les sources de la rêverie rousseauiste que les caractéristiques de la création littéraire des années 1760-1770, à partir de l'étude génétique des Saisons de Saint-Lambert : une œuvre ne provient pas des méditations solitaires d'un seul auteur, mais des concurrences et des échanges d'idées entre divers philosophes et écrivains ; et le thème du sentiment de l'existence, qui était popluaire parmi les philosophes vers 1750, s'insinue dans le milieu poétique grâce à Saint-Lambert qui avait des relations amicales avec les penseurs sensualistes. S'attachant aux débats philosophiques entre les Encyclopédistes et Rousseau concernant la jouissance et la moralité, la seconde partie examine l'influence de ces débats sur leur création littéraire. Cette démarche nous permet de déterminer le sens philosophique qu'accorde Rousseau à la rêverie. En se penchant sur les passages sur la rêverie dans Les Mois de Roucher la troisième partie essaie de définir l'apport de la rêverie rousseauiste à l'évolution du lyrisme au tournant des Lumières. Cette étude tente ainsi de souligner que l'esprit philosophique qui caractérise le siècle des Lumières n'est pas en opposition avec l'esprit poétique, mais qu'il a apporté une contribution importante à la renaissance du lyrisme à la fin du XVIIIe siècle<br>This work reexamines Jean-Jacques Rousseau's conception of the reverie, by placing it in the evolution of the descriptive poesy. The first part tries to reveal the sources of Rousseau's reverie and the characteristics of the literary creation in the 1760s and 1770s, by the genetic study of The Seasons of Saint-Lambert : a work doesn't come from the solitary meditations of only one author, but from the rivalries and the exchanges of ideas between diverse philosophers and writers ; and the theme of the sentiment of existence, that was popular among the philosophers around 1750, insinuates into the poetical milieu thanks to Saint-Lambert who had amicable relations with the sensualists. Paying attention to the philosophical quarrels between the Encyclopedists and Rousseau concerning to the delight and the morality, the second part examines the influence of these quarrels on their literary creation. This approach enables us to determine the philosophical sense that Rousseau gives to the reverie. Examining the passages on the reverie in The Months of Roucher, the third part tries to define the contribution of the reverie of Rousseau to the evolution of the lyricism in the end of 18th century. In this way, this work attempts to demonstrate that the philosophical mind, which characterizes the Age of the Enlightenment, isn't opposed to the poetical mind, but it brought an important contribution to the renaissance of the lyricism in the end of the 18th century<br>@This work reexamines Jean-Jacques Rousseau's conception of the reverie, by placing it in the evolution of the descriptive poesy. The first part tries to reveal the sources of Rousseau's reverie and the characteristics of the literary creation in the 1760s and 1770s, by the genetic study of The Seasons of Saint-Lambert : a work doesn't come from the solitary meditations of only one author, but from the rivalries and the exchanges of ideas between diverse philosophers and writers ; and the theme of the sentiment of existence, that was popular among the philosophers around 1750, insinuates into the poetical milieu thanks to Saint-Lambert who had amicable relations with the sensualists. Paying attention to the philosophical quarrels between the Encyclopedists and Rousseau concerning to the delight and the morality, the second part examines the influence of these quarrels on their literary creation. This approach enables us to determine the philosophical sense that Rousseau gives to the reverie. Examining the passages on the reverie in The Months of Roucher, the third part tries to define the contribution of the reverie of Rousseau to the evolution of the lyricism in the end of 18th century. In this way, this work attempts to demonstrate that the philosophical mind, which characterizes the Age of the Enlightenment, isn't opposed to the poetical mind, but it brought an important contribution to the renaissance of the lyricism in the end of the 18th century

Poète peu connu que l’on a tendance à cantonner indûment dans le courant fantaisiste, Théodore de Banville est aujourd’hui revisité par la critique universitaire car son œuvre permet de jeter un regard nouveau sur la poésie post-romantique. Banville était non seulement l’ami intime de Baudelaire, mais l’un des maîtres de Mallarmé, de Verlaine et de Rimbaud. En exploitant le corpus considérable constitué par l’ensemble des œuvres poétiques de Banville, il s’agit non seulement de resituer le poète dans l’histoire littéraire du renouveau hellénique au 19ème siècle à une période de crise pour les artistes qui cherchent à s’exiler d’un monde embourgeoisé dans lequel « On n’entend plus que le râteau/ De la roulette et de la banque », mais encore de repenser l’évolution esthétique de l’œuvre banvillienne ainsi que les rapports complexes entre Romantisme et Parnasse, le second mouvement étant souvent considéré à tort comme une répudiation du premier alors que Banville appartenait aux deux. A l’image de Gautier, Banville apparaît comme une passerelle essentielle entre Romantisme et Parnasse, comme une sorte de compromis entre l’hellénisme hugolien épique, légendaire, et l’hellénisme parnassien artificiel, coloré et bardé d’érudition, célébration de la beauté plastique telle qu’elle apparaît dans les Poèmes antiques de Leconte de Lisle et dans Les Trophées d’Heredia. Ainsi l’œuvre banvillienne permettrait d’affirmer que le Parnasse n’est pas né uniquement grâce à une réaction négative au Romantisme, nombre de Parnassiens voulant retrouver la vigueur romantique de 1830<br>Théodore de Banville, a little known poet generally associated with the “fantaisiste” current because of his Odes funambulesques, is at last attracting the attention of university criticism since his works provide a new vision of post-romantic poetry. Not only was Banville Baudelaire’s closest friend, he was seen as a master by Mallarmé, Verlaine and Rimbaud. By taking all of Banville’s poetry into account-from Les Cariatides (1842) to Dans la fournaise (1891) –, the intention is to re-situate the poet within the history of the nineteenth-century’s Hellenic rebirth side by side with Hugo, Baudelaire, Gautier, Leconte de Lisle, Ménard…, in a period of crisis during which artists tried to exile themselves from a “prudhommesque” world. The purpose of this thesis is therefore to re-think the aesthetic evolution of Banville’s poetry through Hellenism as well as the complex relationship between Romanticism and the Parnasse, the second being simplistically viewed as a repudiation of the first while Banville was central to both movements. Like Gautier, Banville was as a “bridge” between Romanticism and the Parnasse

Si les premiers romantiques s'inspirent des textes classiques qui fournissent les principaux themes, motifs et cliches lies au temps et aux saisons, les poetes, a partir de la moitie du xixeme siecle et surtout a partir de nerval et baudelaire, ont peu a peu deplace les perspectives. Parce qu'ils sont conscients des problemes que pose le langage, parce qu'ils tiennent a rendre la quintessence du verbe, parce qu'ils ont connu la melancolie et l'ennui, les poetes s'engouffrent dans leurs saisons mentales, dans leurs "saisons" subjectives. Une poetique des saisons se trouve donc developpee grace au scheme essentiel qui domine l'imagination de ces poetes : "le crepusculaire". Chaque heure, chaque jour et chaque saison renouvelee, les paysages prennent les couleurs changeantes du ciel et du soleil. Toute l'esthetique des poetes de la deuxieme moitie du xixeme siecle est dans l'evocation de cet insaisissable changement percu a travers les couleurs du couchant, surtout pendant les saisons "blafardes", pendant les saisons "pluvieuses", saisons de la brume et de la melancolie; saisons qui entourent la personnalite de la femme et le spectacle de la ville.