To see the other types of publications on this topic, follow the link: Poésie lyrique.
Dissertations / Theses on the topic 'Poésie lyrique'
Create a spot-on reference in APA, MLA, Chicago, Harvard, and other styles
Consult the top 50 dissertations / theses for your research on the topic 'Poésie lyrique.'
Next to every source in the list of references, there is an 'Add to bibliography' button. Press on it, and we will generate automatically the bibliographic reference to the chosen work in the citation style you need: APA, MLA, Harvard, Chicago, Vancouver, etc.
You can also download the full text of the academic publication as pdf and read online its abstract whenever available in the metadata.
Browse dissertations / theses on a wide variety of disciplines and organise your bibliography correctly.
1
Andersson, Benedikte. "L'invention lyrique : visages d'auteur, figures du poète et voix lyrique chez Ronsard." Paris 3, 2002. http://www.theses.fr/2002PA030085.
Full textAbstract:
Dans son souci de promouvoir la dignité de la littérature de langue vulgaire, la Renaissance restaure la catégorie antique de lyrique. Comme Horace, Ronsard définit son identité lyrique et construit sa poétique à travers l'imitation des lyriques antiques. En 1550, fidèle à la poétique musicale et variée de Pindare et au modèle de subjectivité autobiographique horatien, Ronsard cherche à inventer dans ses odes la poésie lyrique française. Puis, sous l'influence de la découverte du pseudo-Anacréon notamment, il promeut une nouvelle conception de la poésie lyrique, ouverte à des formes variées et reposant davantage sur la voix que sur la forme musicale. Dès lors, la voix ronsardienne fait résonner dans l'œuvre un écho lyrique qui met fin à une conception purement générique et hypertextuelle de la poésie lyrique. La primauté de la voix assure l'autorité du poète et se manifeste dans la mythologie, dans l'imaginaire de l'inspiration et dans la polyphonie énonciative. Elle participe à la canonisation littéraire de Ronsard, modèle d'un lyrisme nouveau. Forme, genre et mode, la catégorie lyrique ronsardienne se situe au carrefour des poétiques lyriques antiques et modernes<br>In their concern to promote the dignity of common language literature, Renaissance poets restore the ancient category of the lyric. Like Horace, Ronsard defines his lyrical identity and constructs his poetics through an emulation of the lyrical poets of antiquity. In 1550, faithful to the multifaceted musical poetics of Pindar and to the Horatian model of autobiographical subjectivity, Ronsard aims at giving birth to French lyrical poetry in writing his odes. Then, inspired notably by the discovery of the pseudo-Anacreon, he promotes a new conception of lyrical poetry, open to diverse forms and based on voice rather than musical form. Hence, the lyrical voice in Ronsard's poetry creates a resounding echo in his work which puts an end to a purely generic and hypertextual conception of lyrical poetry. The primacy of voice establishes the poet's authority and is to be observed in mythology, in the images of inspiration and in enunciative polyphony. It contributes to Ronsard's literary canonization which provides the model for a new lyricism. At the same time a form, a genre and a mode, the Ronsardian lyrical category is at the junction of ancient and modern lyrical poetics
2
Charles-Wurtz, Ludmila. "Les interlocuteurs de la poésie lyrique de Victor Hugo." Paris 7, 1994. http://www.theses.fr/1994PA070079.
Full textAbstract:
La poesie lyrique de victor hugo est dialogique. L'enonciateur majeur qu'est le poete s'adresse au lecteur et aux dedicataires mais delegue aussi la parole a des personnages fictifs notre hypotese de travail est que cette poesie doit etre lue a deux niveaux. Le lecteur actualise le je lyrique comme enonciateur reel : entre ce dernier et le lecteur se noue un dialogue. Mais le discours lyrique ne s'adresse pas pour autant au lecteur : les dialogues fictif mis en scene dans les poemes auxquels le poete participe cette fois en tant que personnage constituent en ce sens une mise en abyme de la situation d'interlocution reelle dans laquelle le lecteur est implique. Aussi la poesie lyrique cherche-telle autant a dire qu'a engendrer une reflexion sur le dire. Elle figure dans l'espace fictif. La communication deterioree en vigueur dans la societe, ou la parole est instrument de pouvoir sur autrui. Pour lui opposer la representation d'une communaute de communication ideale, ou des "moi" libres et egaux cherchent a parvenir, par la discussion, a un enonce de verite susceptible de susciter l'accord des consciences. Une veritable ethique de la communication s'elabore ainsi dans les neuf recueil etudies echelonnes de 1829 a 1877. En definitive, la fiction met en abyme la transformation du lecteur qu'opere le texte : la poesie hugolienne institue la foule de ses lecteurs en peuple, invitant chaque lecteur particulier a se deposseder de son identite sociale pour n'etre plus qu'un "moi" universel et a-personnel. Seul susceptible de participer au dialogue proprement democratique qui aux yeux de hugo, est fondement de la republique universelle. C'est ainsi que la poesie de hugo qui, parle d'abord du peuple, puis au peuple parvient finalement a parler avec le peuple<br>The lyrical poetry of victor hugo is dialogic. The principal enunciator, the poet, addresses himself to the reader and to those to whom the poem is dedicated, but also delagates the poetic voice to fictional characters our working hypothesis holds that this poetry must be read on two levels the reader actualises the lyrical i as a real enunciator : a dialogue constituted between the latter and the reader. But this does not mean that the lyrical discourse is addressed to the reader : the fictional dialogues enacted in the poems in which the poet participates as a character, in this sense represent a mise en abyme" of the situation of real interlocution in which the reader is involved. This the lyrical poetry seeks at the same time to say and to encourage reflection on the act of saying. It presents in the fictional space the deteriorated communication used in society, where the word is an instrument of power, setting against this form of communication the representation of a community of ideal communication, where a series of free and equal i s seek, through discussion, to achieve an enunciation of truth capable of obtaining the approval of the various consciousnesses. A true ethic of communication is this elaborated in the nime collections studied dating from 1829 to 1877. In summary, the fiction enacts the mise en abyme of the transformation of the reader which the text poerates : hugo's poetry transforms the crowd of its readers into a people inviting cach individual reader to relieve himself of this social identity reducing himself to an universal and a personal me alone able to participate in the tryly democratic dialogue which, in the eyes of hugo, is the basis of the universal republic. In this way hugo's poetry. Which first speaks of the people, then t the people, filanny manages to speack with the people
3
Langlois, Monique. "La Poésie lyrique religieuse en Espagne de 1808 à 1875." Le Mans, 1988. http://www.theses.fr/1988LEMA0001.
Full textAbstract:
La poesie lyrique religieuse a des limites difficiles a determiner. L'etat de crise que connait le siecle et les persecutions sublies par l'eglise ne lui sont apparemment favorables. Elle existe pourtant. Elle est theme de reflexion, surtout pour la critique catholique. Elle fait partie integrante de la vie culturelle et elle a evidemment sa place dans la vie spirituelle. Elle est dans les salons, les cenacles, les familles. Elle se developpe quantitativement au meme rythme que la presse, surtout a partir de 1838. Le calendrier liturgique, surtout lors de la semaine sainte, fournit une poesie de circonstance. La poesie religieuse a ses recueils specifiques autres que les livres de prieres mais ceux-ci memes ont parfois pour auteur un poete de renom. On la trouve aussi dans des collections ou elle cotoie la profane. La poesie mariale est privilegiee. La manifestation de dieu dans la nature, deja presente dans la bible, devient un theme important mais on devie peu vers le pantheisme. La poesie reagit aux evenements, notamment aux mesures anticlericales. Elle defend ou critique le pape. Elle reagit aux idees en s'attaquant a l'atheisme et en faisant de la science et de la raison un sujet de reflexion. Elle est apologetique<br>It is difficult to establish the limits of religious poetry with the spanish world in the state of crisis and the church undergoing persecution, all was not in its favour. Yet it existed. For the critic, the catholic critic in particular, it provides a theme por reflection. It was an integral part of cultural life, and obviously had its place in spiritual life. It permeated salons, cenacles, family life. It developed at the same speed as the press, especially from 1838 onward. The liturgical calendar, especially holy week lent itself to poetry. There were specific collections of religious poetry other than prayer books but even these were often written by renowned poets. Religious poems were also to be found in collections along side secular poetry. Religious inspiration moved andalusians and women alike. Poetry of the virgen mary was given a place of particular importance. God's self revelation within nature already a biblical theme, became important but veered little towards pantheism. The poetry also reacted to events in the word, notably anti-clerical measures. It defended or criticized the pope. It reacted against ideas by attacking atheism and by reflecting upon science and reason. It was apologetic
4
Peterlongo, Daria. "Les pièces d'inspiration "populaire" dans la lyrique d'oc et d'oi͏̈l au Moyen Age : étude de thématique, de métrique et de folklore." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040166.
Full textAbstract:
Cette étude vise à donner une signification nouvelle au mot "populaire" dans la lyrique d'oc et d'oil au moyen âge. Cette dénomination - ainsi que celle de "popularisant" - est attribuée à des genres qui échappent aux traditions du grand chant courtois. Ce sont les chansons de femme - chanson d'ami et chanson de malmariée - et les chansons de danse. Il s'agit d'une poésie simple, qui exprime des sentiments immédiats et naturels. Les situations présentées sont familières et les personnages parlent un langage clair et de compréhension facile. Les structures métrique et musicale sont en harmonie avec la thématique et la forme expressive, quitte à être plus simples encore. La présence du refrain, qui dérive probablement de l'élément chorégraphique, caractérise tous ces genres : cette implication collective dans la pièce donne un caractère particulier à ces compositions. Thématique, métrique et folklore ont fait l'objet de notre recherche sur ces pièces. On les retrouve aussi dans des littératures étrangères de l'époque ainsi que dans la tradition folklorique postérieure. A cet égard, une analyse comparée a pu mettre en évidence des traits communs et des différences, aussi bien au point de vue chronologique que dans le domaine spatial<br>The aim of this study is to give a new meaning to the word "popular" in the French lyric of oc and oil throughout the middle ages. This denomination - as well as the denomination of "popularizing" - is ascribed to genres that overlooked traditions of the great chant courtois. Such are the lyric poems of woman chanson d'ami and chanson de malmariée - as well as lyrics poems for dancing. It is simple poetry that expresses immediate and natural feelings. This situations brought forward are familiar; the characters speak clearly in an easy to understand language. The metrical and musical structures are in harmony with the thematic and the expressive form, and often are even simpler. A chorus, deriving probably from the choregraphic structure characterizes all of these poems: this collective implication in the work gives a character peculiar to these compositions. Thematic, metric and folklore are the actual subject of our research in these poems. They can be found also in foreign literature of that time as well as in the later folkloric aditions. In this respect, a comparative analysis has put in evidence the similarities and differences, chronologically and geographically
5
Puff, Jean-François. "Mémoire de la mémoire : Jacques Roubaud et la lyrique médiévale." Paris 3, 2003. http://ezproxy.normandie-univ.fr/login?url=https://www.classiques-garnier.com/numerique-bases/garnier?filename=jpfMS01.
Full textAbstract:
L'œuvre de Jacques Roubaud se compose en un temps où la possibilité de la poésie est contestée. Paradoxalement, c'est une poétique très éloignée de la période historique dans laquelle cette œuvre s'inscrit, puisqu'il s'agit de la poésie lyrique médiévale, et plus particulièrement de la poésie des troubadours, qui lui offre ses ressources. Aussi faut-il analyser les enjeux que ce changement de paradigme esthétique implique : l'œuvre poétique de Roubaud doit être située dans son époque, relativement aux notions d'avant-garde et de post-modernité. Par ailleurs le mode spécifique de rapport à l'hypertexte des troubadours qu'elle établit doit être exposé. On montrera que la relation des deux poétiques s'établit en fonction d'une croyance très forte en la spécificité de la forme poésie, et dans sa distinction d'avec les autres modes d'expression. On poursuivra l'analyse en établissant qu'il ne faut pas conclure de ce rapport à une identité : si l'œuvre ancienne enjoint à la composition du nouveau, le nouveau dans un deuxième temps influe sur la réception de la tradition : d'où la lecture critique singulière que Roubaud accomplit du trobar. A ces vues qui relèvent de la poétique et de l'histoire de la poétique, il faut ajouter tout ce qui relève de la question de la mémoire. Cette faculté possède selon Roubaud un rapport essentiel à l'art de poésie. Ce n'est pas seulement que le poème est par excellence le mémorable : c'est que la poésie, d'une part est en elle-même mémoire de la langue, d'autre part agit essentiellement sur la mémoire. Ces grands thèmes d'une poétique informent dès lors la composition de poèmes, selon un " projet " qu'il faut décrire : cela sera le cas dans deux mouvements diachroniques. D'abord, on établira tout ce qui procède de la question formelle, qui découle de l'analyse du trobar : cela doit permettre d'établir le lien entre les différents " moments " du projet, c'est-à-dire les grands livres de poésie de Roubaud. Ensuite, on s'attachera à montrer tout ce qui procède du " premier moteur " de la poésie, amors, et de celle qui enjoint cet amour, la dona<br>Jacques Roubaud's oeuvre is written at a time when the very possibility of poetry is subject to debate. Paradoxically, an ancient poetics enables him to compose his work, namely medieval lyrics or, more precisely, troubadour lyrics. Consequently, the stakes of such a paradigmatic shift must be analyzed. Roubaud's poetic works must be situated in time relative to the notions of the avant-garde and postmodernism. Moreover, its specific relationship to troubadour poetics must be established. I demonstrate that the relationship between the two poetics is based upon a firm belief in the specificity of poetry and in the distinction between poetry and other modes of expression. I stipulate that this relationship does not in any way imply that contemporary poetry and ancient poetry are identical. On the one hand, tradition enjoins us to create anew; on the other, the new affects our reception of tradition. Roubaud's singular critical reading of the trobar follows directly from these convictions. To these considerations concerning poetics and the history of poetics we must add the question of the role of memory. According to Roubaud, there is a essential link between the faculty of memory and the art of poetry. Not only is a poem memorable par excellence, but it both incarnates and activates the memory of language. These great poetic themes inform the composition of Roubaud's poetry in accordance with a poetic "project" that I propose to describe. This project is comprised of two diachronic movements. First, I reveal the formal determinations that proceed from the critical analysis of the trobar and enable us to link the different "moments" of the project, that is to say, Roubaud's great poetic works. Second, I analyze the role and representation of poetry's "primary motor" - amors - and of the dona by whom it is inspired
6
Crepiat, Caroline. "Le sujet lyrique dans la poésie du Chat Noir (1882-1897)." Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2016. http://www.theses.fr/2016CLF20008.
Full textAbstract:
La fin du XIXe siècle voit éclore un grand nombre de « petites » revues littéraires et artistiques, liées aux avant-gardes et à la bohème. Parmi elles, Le Chat Noir (1882-1897), créée par Rodolphe Salis et Émile Goudeau pour assurer la promotion du désormais célèbre cabaret éponyme. On y publie des contes, des histoires drôles et sans paroles, mais aussi de la poésie. Le présent travail entend étudier de plus près ces poèmes, à la lumière de la crise qui agite alors la production littéraire. Il s’agit plus précisément d’analyser le traitement qui est fait de la notion de sujet lyrique, « principe structurel » (Käte Hamburger) du lyrisme. Dire " je" semble en effet perdre tout sens aux yeux de ces poètes, non seulement du fait du poids de la tradition qu’il est de bon ton de subvertir au nom de l’esprit fumiste dont ils se réclament, mais encore du régime collectif au sein duquel ils s’expriment. Toutefois, les multiples provocations à son encontre permettent aussi à ces artistes de disséquer et de questionner cette notion, et même de se la réapproprier, tant collectivement qu’individuellement. Une réflexion croisée, à la fois poétique, esthétique et sociopoétique, nous amènera à définir les logiques, enjeux et stratégies d’un tel positionnement<br>The end of the 19th Century is a key period for the « little » literary and artistic journals, produced by avant-garde and bohemian groups. One of them, Le Chat Noir (1882-1897), created by Rodolphe Salis and Émile Goudeau to promote the famous and eponymous cabaret. Tales, humoristic texts, illustrations or poetry appear in its columns. The present thesis aims for a closer study of these poems, in the light of the crisis which troubles the literary production. It is more precisely to analyse how the notion of the lyric subject, which is considered as the « structural principle » (Käte Hamburger) of lyricism, is treated. Indeed, saying « I » seems to lose sense for these poets, not only because of a tradition that is to subvert for the « fumiste » spirit’s sake which they claim, but also because of the collective context in which they find a space of expression. However, those provocations against the lyrical « I » is also for these artists a way to question and dissect it, and even to reappropriate it, for the collective as much as the individual distinction. A mixed reflexion, based on poetic, esthetic and « sociopoétique » analysis, will lead us to define the logics, stakes and strategies of such a position
7
Gironce-Evrard, Marie-Anne. "La symbolique des saisons dans la poésie lyrique, en Italie, en Espagne et en France (1465-1645) : un prétexte pour dire le temps." Bordeaux 3, 2000. http://www.theses.fr/2000BOR30005.
Full textAbstract:
La symbolique des quatre saisons dans la poesie lyrique, du canzoniere de laurent de medicis a la mort du poete espagnol francisco de quevedo, participe a l'expression d'une angoisse commune a la renaissance et a page baroque, celle du passage du temps. Les saisons sont un bon "pretexte" poetique pour a la fois deguiser et reveler le mystere du temps, du carpe diem printanier a l'experience de lametamorphose et de la mort, et traduire ainsi, d'une maniere metaphorique le mouvement du parcours humain. De l'amour de mai a l'hiver du coeur, le poete fait l'experience simultanee de l'epreuve de l'amour et de l'epreuve du temps. De l'invitation printaniere, la lyrique amoureuse se poursuit par une interrogation plus tragique, liee a l'ambiguite de l'isomorphisme entre les quatre saisons et les quatre ages de l'homme. Cette ressemblance conduit a un dilemme entre le renouvellement circulaire de la nature et le cycle unique de l'homme. L'ecriture symbolique des saisons, comme une euphemisation du passage du temps, depasse alors la preoccupation amoureuse et existentielle, elle est elle-meme un enjeu par rapport au temps. Cet enjeu se nuance dans les trois pays par la reponse donnee au dilemme du temps : l'italie utilise les saisons comme un pretexte formel pour exprimer l'instabilite du temps, l'espagne y voit un argument stoicien partage entre l'ironisme et le tragique, la france y decouvre un cheminement vers dieu. La poesie lyrique, se fait donc recherche et attente d'un subterfuge d'immortalite. Ce subterfuge est celui de l'ecriture du desir d'eternite comme reponse a l'ecoulement tragique. Le poete renouvelle ainsi l'esperance lyrique en faisant des saisons l'archetype de la vie, et de la reponse chretienne au constat de la mort, la certitude de la permanence. Ecrire devient alors, par la mediation symbolique des saisons, une sorte d'alchimie poetique qui fait que le temps perdu dans le vieillissement des hommes se retrouve dans la gloire poetique et en dieu.
8
Mahé, Nathalie. "Le mythe de Bacchus dans la poésie lyrique de 1549 à 1600." Paris 10, 1986. http://www.theses.fr/1986PA100056.
Full textAbstract:
Le mythe de Bacchus connut un renouveau littéraire intéressant dès les débuts de la pléiade jusqu'à la fin du siècle, car il était précisément susceptible de traduire des préoccupations contemporaines, d'exprimer une nouvelle ardeur poétique et de favoriser l'épanouissement d'un nouveau langage. De nombreux modèles traditionnels, depuis l'antiquité jusqu'aux poètes néo-latins, en passant par les mythographes et l'iconographie, étaient présents à l'esprit des poètes, sans les empêcher de recréer leur propre image de la divinité. Ils glorifient le dieu sous plusieurs aspects : 1e, le dieu des hommes. Dieu de la nature, il offre une vision à la fois concrète, cosmique et civilisatrice du monde, autorisant même la métamorphose d'un mythe classique en un mythe actuel; dieu du vin, il permet à l'homme de lutter contre ses faiblesses, psychologiques et existentielles, grâce à bon nombre de réjouissances, et présente une vision idéalisée de la vie communautaire des poètes. 2e, le dieu des mystères et de l'inspiration poétique. Cette attribution de Bacchus place la question fondamentale de la créativité dans la poésie elle-même et autorise la mise en place d'une réelle poétique: représentation du poète en activité, programme littéraire, mythe de la fécondité et écriture spécifique ("copia", rythmique, mise en spectacle et inconstance en forment les lignes principales). Un dieu positif et fécond donc, dont la nature ambivalente, aux termes traditionnellement exclusifs les uns des autres, offre désormais, au contraire, l'image même de la réconciliation, de l'harmonisation et de la pacification, après que tout élément négatif du mythe classique a été délibérément traite par la réduction ou le silence: Bacchus est un sourire de la renaissance française. Bien que sporadique et concurrence par d'autres mouvements poétiques, le phénomène bachique se distingue par ses caractéristiques, signe d'une certaine quête poétique et lieu d'une poésie totalement créatrice et renouvelée<br>The myth of Bacchus in literature was interestingly revived between the very beginnings of the Pleiades and the end of the century, for it was definitely capable of giving expression to contemporary preoccupations, to a new poetic impulse, and of favoring the advent of a new medium in poetry. Numerous traditional models, from antiquity to neo-Latin poets, not forgetting mythographists and iconography, were present in the wind of poets, without impeding them from recreating a divine image of their own. They glorified the god in various aspects. 1e the god of men. As the god of nature, he offers a vision of the world which is, at the same time concrete, cosmic and enlightening, even permitting the metamorphosis of a classical into a modern myth; as the god of wine, he maters it possible for man to overcome his weaknesses, both psychological and existential, thanks to a series of festivals, and offers an idealized vision of the poets' community life. 2e the god of mysteries and poetic inspiration sets the fundamental question of creativeness at the very center of poetry, and becomes the locus of a real poetics, through representations of the poet at work, statements of intentions, myths of fecundity and a specific way of writing (the main characteristics of which being rhythmic "copia", staging and inconstancy). A positive and fecund god, whose ambivalence, the terms of which were according to tradition, mutually exclusive, now offers, on the contrary, the very image of the reconciliation of opposites, of harmony and pacification, once all the negative elements of the classical myth had been deliberately discarded through either reduction or silence: Bacchus is one of the smiles of the French renaissance. Though discontinuous and challenged by other poetic movements, the bacchic phenomenon is characteristic as evidence of a certain poetic quest, and as the locus of a totally creative and new poetry
9
Verdier, Lionel. "Le sujet lyrique et son émergence dans la poésie de René Char." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/1999PA040268.
Full textAbstract:
Cette recherche en stylistique tente d'approcher la notion complexe de sujet lyrique. La première partie du travail tente de définir le sujet lyrique à partir des notions d'inconciliation et de transgression. Le genre lyrique est ainsi défini comme genre de l'inconciliation et de la transgression de schèmes discursifs. L'examen de ces paramètres permet de proposer une typologie des formes lyriques dans la poésie à partir de l'étude de l'émergence du sujet et d'une "poéthique". La seconde partie analyse plus particulièrement les rapports entre mètre, rythme et syntaxe et dégage les éléments d'une grammaire du rythme susceptible de préciser la typologie des formes du genre lyrique dans l'œuvre. Enfin, la dernière partie est centrée sur la question des modes de figuration du sujet lyrique tel qu'il se construit dans les différentes formes de son discours. L'objet de cette recherche en stylistique est donc, à partir de l'analyse de l'œuvre de René Char, de proposer des critères définitoires du genre lyrique. L'approche proposée est résolument celle d'une stylistique des formes et des genres.
10
Guerrero, Gustavo. "Au son de la lyre et de la vihuela : la notion de poésie lyrique, de Platon à Cascales." Paris, EHESS, 1991. http://www.theses.fr/1991EHES0301.
Full text
11
Hirota, Satoshi. "La renaissance et l’évolution de la poésie antillaise : une analyse spatio-temporelle de la poésie d’Aimé Césaire et d’Édouard Glissant (1930-1960)." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2021. http://www.theses.fr/2021PA080077.
Full textAbstract:
Notre thèse analyse la poésie de deux écrivains martiniquais, Aimé Césaire (1913-2008) et Édouard Glissant (1928-2011), dans la perspective de la réappropriation de l’espace (lieu) et du temps (histoires) antillais. Ces deux compatriotes sont souvent considérés comme en opposition conceptuelle voire idéologique, au détriment d’un continuum poétique méconnu que nous nous projetons de préciser. Notre optique spatiale et temporelle d’une représentation poétique souligne en revanche un processus d’évolution de la poésie antillaise que ces deux poètes ont successivement incarné ; inclusion du mémoriel dans l’espace, et inclusion de l’espace dans l’histoire. Ils sont conscients d’écritures qui chacune assument, de manière « solitaire et solidaire », l’habitation poétique au lieu, sans plus se détourner désormais de ce dernier. Entre la naissance de la voix de la Négritude (1935) et l’anti-épopée de la mondialisation moderne que sont Les Indes (1956), ces deux poètes ont rompu avec l’histoire du détournement de la terre, et ils ont conquis, pour la première fois dans l’histoire littéraire des Antilles, une autonomie poétique assumée par un lien organique de l’écriture avec le lieu et son histoire : de la verticalité lyrique de l’enracinement chez Césaire à l’horizontalité épique chez Glissant, tel sera le cheminement que nous éclairons en suivant les tracées poétiques et politiques des deux écrivains. Habiter poétiquement le monde consiste pour ces deux poètes antillais à la fois à s’enraciner dans un lieu et à s’ouvrir à ses autres, sans pourtant ignorer des histoires mêlées dans ce lieu même<br>Our thesis analyzes the poetry of two Martinican writers, Aimé Césaire (1913-2008) and Édouard Glissant (1928-2011), from the perspective of appropriating Caribbean space (place) and time (histories). These two compatriots are often considered to be in conceptual or even ideological opposition, to the detriment of a misunderstood poetic continuum that we plan to clarify. Our spatial and temporal optics of a poetic representation underlines on the other hand a process of evolution of the Caribbean poetry that these two poets successively embodied; inclusion of the memorial in the space, inclusion of the space in the history. They are conscious of writings which each assumes, in a "solitary and solidary" way, the poetic dwelling in the place, without turning away from this last. Between the birth of the voice of Negritude (1935) and the anti-epic of modern globalization that is Les Indes (1956), these two poets broke with the history of the detour from the land, and they conquered, for the first time in the literary history in the West Indies, a poetic autonomy assumed by an organic link of the writing with the place and its histories : From the lyrical verticality of rootedness in Césaire to the epic horizontality in Glissant, the path will be described in such a way that we illuminate by following the two writers’ poetic and political trails. To inhabit poetically the world consists for these two Caribbean poets at the same time to be rooted in a place and to be open to its others, without however ignoring the histories mixed in the very place
12
Montanari, Claire. "Genèse de la poésie lyrique chez Victor Hugo : le fragment, le poème, le recueil." Paris 7, 2012. http://www.theses.fr/2012PA070054.
Full textAbstract:
Comment Hugo compose-t-il en poésie de 1831 à 1865 ? Les manuscrits qu'il a légués à la Bibliothèque nationale de France ne permettent pas de rendre compte de toutes les étapes de la genèse de ses recueils lyriques. Notre étude suit un ordre qui correspond au morcellement de notre dossier génétique. Les fragments poétiques, qualifiés par Hugo d'"Océan", soulignent l'importance qu'il accorde immédiatement aux mots, aux vers et au silence. Les manuscrits de ses poèmes ne montrent pas le trajet qui mène de ces ébauches aux pièces achevées : ce sont très souvent des mises au net. Ils permettent cependant de comprendre à quel point Hugo travaille par amplifications et ajouts successifs. On y décèle également les tâtonnements d'une pensée qui se cherche. Le choix effectué entre les variantes souligne la manière dont le poète se met en scène et dont se construit sa pensée politique. La véritable évolution dans l'écriture poétique de Hugo tient surtout à sa conception du recueil. L'exil introduit une véritable rupture. Les plans qui organisent ses volumes gardent trace des bouleversements provoqués par la mort de Léopoldine et par le coup d'Etat de 1851. Hugo, choisissant d'articuler ses poèmes au sein de structures désormais apparentes, met en scène la genèse de ses oeuvres et cherche à leur donner un sens politique implicite tout en déjouant la censure. L'horizon de la réception de l'oeuvre tient, plus que jamais pendant l'exil, un rôle essentiel dans le processus de création<br>How did Hugo write poetry during the years 1831-1865 ? The manuscripts he left to the French National Library don't reveal all the phases of the genesis of his lyric collections. The stages of our study correspond to the fragmentation or our genetic record. The poetic fragments, called "Ocean" by Hugo, emphasize the importance he immediately attaches to words, verses and silence. The manuscripts do not enable us to understand how he uses the fragments to create the completed poems : these fragments have often been simply copied out neatly. However, they let us understand that Hugo mostly makes additions and developments when composing. We can see the trail of a thought which is searching for itself. The choice made from among the various options shows how Hugo presents himself and the forming of his political ideas. The true evolution in Hugo's poetical writing mainly concerns his collections. Exile marks a real rupture. The structure of the collections bears the marks of Leopoldine's death and the coup of 1851. Choosing to organize his poems in visible structures, Hugo stages the genesis of his work. While avoiding censure, he tries to give them an implicit political meaning. During his exile, the reception of his work is essential to the writing process more than ever before
13
Bauer, Sidonia-Ria. "La poésie vécue d'André Velter." Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030112.
Full textAbstract:
André Velter est un des poètes qui a le plus recherché des collaborations. Il fonde son Dire sur un Tu en co-présence. Le dialogue est au fondement de sa poésie de la présence, il s’expose dans Aisha, puis évolue dans Dar-î-Nûr. Vallée de la lumière (deux livres de poésie écrits avec Serge Sautreau) d’une poésie du visage à une poésie du paysage. Si de 1963 à 1976 une écriture (néo-)surréaliste prévaut dans l’œuvre d’André Velter, ses voyages au long cours en Afghanistan et ses séjours en Himalaya à partir des années 1980 orientent définitivement son style vers un lyrisme aride, marqué par les cultures et les paysages du Haut-Pays, dont témoignent Le Haut-Pays et L’Arbre-Seul. L’amour extrême : poèmes pour Chantal Mauduit, qui appartient au lyrisme amoureux qu’il développe entre 1996 et 1998, signe l’apogée de sa création en étoffant désormais son style aride d’une tendance lyrique fauve. Cette thèse propose une reconstruction de la poétique de l’auteur sous l’égide d’une notion centrale : la poésie vécue. Elle présuppose la continuité de l’œuvre et de la vie dans la catégorie de l’œuvre-vie. L’analyse de la poïétique d’André Velter en tant que géopoïéthique nomade – valorisant son affinité avec la catégorie poéthique et la méthode géopoétique – permet l’intégration mutuelle de l’œuvre et de la vie, impliquant les contextes géographiques, historiques et autobiographiques. L’engagement, la révolte et l’amour naissent poétiquement dans un même mouvement qui lie la structure poïétique profonde du Dire, basée sur des valeurs qu’implique la Relation lyrique à l’Autre (l’étranger, l’inconnu), à un éthos singulièrement velterien, qui est indissociable de son style. Le paysage du poète se présente ainsi par son Dire et par son Dit en tant que poésie vécue d’André Velter<br>The thesis ‘The Living Poetry of André Velter’ develops an analytical approach to the Velterian œuvre – a genre of geopoetics in the style of Kenneth White. Using the recently developed concepts of ecocriticism, geocriticism, literary geography, landscape thinking (pensée-paysage) and poethics, the thesis approaches the body of Velter’s lyrical creation between 1963 and 2013. From this approach the analytical concept of mondopoethics is developed and clearly defined as a method for analysing Velter’s lyrical work and ideas, in particular his “living poetry”. This concept of mondopoethics arises from the nature and characteristics of Velter’s poetry and is also appropriate for analysing other poietic (lyrical and non-lyrical) work.The main research is focussed on the style, themes and poiethics of André Velter’s lyrical work between 1963 and 2001. The analysis reveals three main periods. The first being a neo-surrealist period from 1963 to 1976. This is followed by a mature period called ‘arid lyrics’ (lyrisme aride) from 1976 onwards. In this period Velter’s work is sustained by two complementary themes – the ‘arid’ and the ‘fauve’. The ‘arid’ style develops into the wilder ‘fauve’ style which then becomes dominant by about 1996. This development initiates the third main lyrical period from 1996 onwards. During the mature ‘arid lyrics’ period the two integrated and opposing themes (‘arid’ and ‘fauve’) create an energetic tension as between two opposite poles. The poems identified as thematically ‘arid’ are principally related to long journeys throughout Afghanistan and the Ladakh-Himalaya. The poems identified as thematically ‘fauve’ are related to wild love, death and mythic animals such as various birds, yaks, the gypsy horse Zingaro and the bull of the corrida. The change in style from ‘arid’ to ‘fauve’ corresponds closely with the changes revealed by the poet’s biography.In 1976 Velter leaves Paris for the mountains of Afghanistan and the Himalaya. These eastern landscapes, and eastern cultures such as Sufism and Buddhism, then influence his poetry which turns towards orality and integrates breath and step into its rhythm and typology. His passionate love for the alpinist Chantal Mauduit in 1996 and her sudden death in the Himalaya in 1998 turns Velter’s lyrics towards the great themes of love and death – particularly in his trilogy ‘L’amour extrême: poèmes pour Chantal Mauduit’ (2007).The principal poiethic structure sustaining the poems throughout all creative periods is the dialogic principle ‘I – You’ (cf Martin Buber’s coupling ‘I – Thou’). All the poems in the Velterian lyrics have an addressee. This may be a friend – as in the ‘You – Thou’ of the poem ‘Aisha’ (1963) (co-written with Serge Sautreau), or a location – as in the poem of the Afghan landscape ‘Dar-î-Nûr’ (1978/1983). This fundamental dialogical poiethic principle culminates with the love lyrics addressed to Chantal Mauduit. It continues in Velter’s poems even after her death: ‘You are the voice/that responds to my voice/no poem ever without it’. It also nourishes the artistic co-creation with painters and musicians, highlighting what Velter calls ‘a new oral poetry’ (nouvelle oralité poétique, 1999)<br>Die poésie vécue André Velters ist eine Antwort auf Lebens- und Erlebensprozesse. Sie entsteht an der Wurzel des Werdens und ist eingebettet in eine umfassende Liebe zum Leben. Ihr innerstes poietisches Prinzip ist eine Quelle poetischer visio und auditio. Dieses lyrische Prinzip stellt der Dichter im Gedicht durch sein Dire (Sagen) dar, dem das Dit (Gesagte) des Gedichtes korrespondiert. Poesie wird als co-naissance des lyrischen Subjekts und der Wirklichkeit (le réel) sowohl außerhalb der Sprache als auch im Akt des Sagens gebildet. Wenn die Poesie als Gesagtes dem Ursprung ihres Sagens radikal korrespondiert (ihm entsprechend antwortet, ko-respondiert), vermittelt sie in Bildern und Figuren ein lyrisches Ethos. Dieses Ethos repräsentiert performativ die singuläre poésie vécue André Velters. Es gründet auf einer dialogischen Fundamentalpoethik, die dem Anderen und dem Raum antwortet. Durch ihren Bezug zur Quelle, das heißt, zur Genese von Welt, verkörpert die poésie vécue in arte das Unsichtbare an der Grenze zum Unverfügbaren. Diese Landschaft des Dichters öffnet dem realen Leben (la réalité) den Übergang hin zur Präsenz (présence) der lebendigen poetischen Bewegung (mouvement perpétuel) von Wirklichkeit (le réel). Die Dynamik der poésie vécue wird getragen von den polaren stilistischen Prinzipen des lyrisme aride und des fauvisme, die in der Spannung von Knappheit (dénuement) und Übermaß (démesure) das Gedicht formal und inhaltlich bestimmen.Das radikale Prinzip der poésie vécue zeichnet sich durch hauptsächlich drei Perioden aus. Während der Revolten in Paris 1963-65 keimt eine engagierte Lyrik im Dialog mit Serge Sautreau auf. Sie transformiert sich durch das Erleben der Kulturen, Landschaften und religiösen Praktiken in Afghanistan und im tibetisch geprägten Ladakh-Himalaja während der späten siebziger, achtziger und frühen neunziger Jahre. Sie erreicht ihre vollkommene Form in der Liebeslyrik für die 1998 im Himalaja durch eine Lawine getötete Alpinistin Chantal Mauduit
14
Guillet-Laburthe, Suzanne. "Les Hymnes de 1537 de Jean Salmon Macrin : edition, traduction et commentaire." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040177.
Full textAbstract:
Jean Salmon Macrin (1490-1557), poète néo-latin originaire de la ville de Loudun, valet de chambre du roi François Ier aux côtés de Clément Marot, fut considéré de son vivant comme le plus grand poète lyrique après Horace. Nous proposons ici l’édition, la traduction et le commentaire des Hymnes de 1537, un recueil charnière dans sa carrière littéraire, qui marque le retour à une piété plus ardente et plus intimiste, témoigne d’un approfondissement de la veine familiale et réalise l’alliance du lyrisme profane et d’une pensée érasmienne. Le lecteur trouvera dans ces pièces de circonstance, odes auliques, méditations spirituelles, éloges des grands hommes de lettres, hymnes à Dieu, à la Vierge et aux saints, odes domestiques et autobiographiques, l’harmonieuse union de l’érudition, de la virtuosité métrique, d’une rhétorique affective et d’un idéal de la sincérité<br>Jean Salmon Macrin (1490-1557), famous neo-latin poet, native from Loudun, in France’s Touraine region, held the position of official valet and poet from the king François the first, like his colleague Clément Marot. He was considered during his lifetime as the greatest lyric poet after the great Horatius. This book proposes an edition, a French translation and a commentary of the Hymns of 1537, a key book in Macrin’s production. In these poems, Macrin returns to a more ardent yet intimistic devotion, a sign of his shift towards family topics. Macrin’s poems are a synthesis between profane lyrism and Erasmus’ philosophy. The reader will find in this book occasion lyricism, official odes, spiritual meditations, praise to humanists, hymns to God, the virgin Mary and the saints, as well as domestic and autobiographic odes. All poems demonstrating a wonderful harmony between erudition, metric virtuosity and seekness of sincerity
15
Mollet-François, Lhorine. "Formations du sujet lyrique dans les écrits d'Elizabeth Bishop." Thesis, Paris 3, 2009. http://www.theses.fr/2009PA030122/document.
Full textAbstract:
Ce travail présente la manière dont le regard d'Elizabeth Bishop appréhende le monde en refusant toute illusion de familiarité. Il étudie les diverses stratégies de défamiliarisation qui invitent le lecteur à redécouvrir les surprises que peuvent réserver l'ordinaire et le quotidien, ainsi que le rapport qui s'instaure entre le sujet lyrique et le monde dans ces conditions. Il s'agit d'analyser comment l'affleurement de l'étrange ou de l'informe dans le familier et l'intime permet d'accéder à une reconnaissance du soi plus ample et plus authentique. L'écriture de Bishop remet inlassablement en question la stabilité de la réalité, y compris celle du sujet, ainsi que toute notion d'acquis, ou d'acquisition dans le temps. C'est ainsi que sa voix – sa signature – se singularise et qu'elle se démarque de ses pairs, mais aussi de la société à laquelle elle appartient. Ce qui s'affirme au travers de son écriture n'est paradoxalement fait que d'incertitude et de vulnérabilité. Le sujet qui s'y forme se construit sur de l'éphémère, sur ses propres limites ; il ne peut s'appuyer que sur la découverte de l'aliénation exogène mais également endogène à laquelle il est confronté. Simultanément, cette écriture cherche des moyens de maintenir le sujet, par la résonance d'échos, par le foisonnement, la prolifération, autant de techniques qui le ramènent incessamment au manque, au vide, à la faille qu'elles sont supposées masquer. Cette thèse propose d'interroger le rapport entre perte et création dans l'œuvre de Bishop, la manière dont la création se nourrit de la perte, et dont elle entraîne le lecteur dans cette transaction, l'incluant par là-même dans le processus créatif<br>This study examines the way Elizabeth Bishop's writings probe the world's seeming familiarity, how through various strategies of defamiliarization they reveal to the reader the hidden surprises of the ordinary, and how the lyrical subject relates to the world. As the strange and the shapeless surface within the intimate and the familiar, the persona gains access to a better and more authentic understanding of his-her own self. Bishop's writing relentlessly questions the stability of reality, including that of the self. It seems that the only knowledge available is that of uncertainty and contingency. Her voice is therefore necessarily singular and isolated, being itself in perpetual mutation. In order to maintain itself, her subject is constrained to rely on its own ephemeral and limited nature, as well as on external and internal alienation. Echoes and techniques of proliferation are construed to achieve that aim. Yet those techniques keep ! bringing the subject back to the lack, the absence, the gaps they are meant to bridge and cover up. Finally, this analysis explores the relationship between loss and creation: how creation is fueled by loss and how the reader is drawn into Bishop's writing thus ensuring the persistence of creation
16
Amodio, Davide. "Le chiffre sonore : à travers la sextine lyrique et ses transformations." Thesis, Evry-Val d'Essonne, 2010. http://www.theses.fr/2010EVRY0021/document.
Full textAbstract:
Six mots. Six mots avec 720 possibilités de combinaisons se retrouvent dans l’ordre initial après seulement six tours, dans une permutation à rétrogradation croisée. Six mots qui résonnent plusieurs fois à la fin des vers qui changent de signification, comme le kaléidoscope modifie les couleurs. Ce mécanisme a un nom : la sextine lyrique. Une forme poétique, une série numérique, une musique lointaine. La sextine lyrique est le symbole de la rencontre des savoirs, des racines communes à des sciences désormais lointaines et séparées en sphères de compétences spécifiques. Cette étude se propose de retrouver, de reconnaître intuitivement ce sens commun d’appartenance entre musique, mathématiques et poésie en reparcourant les traces de l’histoire de la sextine lyrique, ses transformations et d’autres formes d’approches, en se questionnant sur les mécanismes qui sont partie intégrante de la formation de la parole en tant que son, et sur la manière dont ce son se transforme en signe, comment ce signe redevient son, le nombre symbole, forme, rythme ; pour finir vient la proposition et l’étude d’une nouvelle variante de la sextine lyrique dans un projet de réalisation d’un spectacle proposé sous forme d’expérience de recherche<br>Six words. Six words with 720 possibilities of combinations meetS in the initial order after only six tours, in the permutation with crossed degradation. Six words which resound several times at the end with the verses which change meaning, as the kaleidoscope modifies colors. This mechanism has a name: the lyric sextine. A poetic shape, a numeric series, a distant music. The lyric sextine is the symbol of the meeting of the knowledges, the common roots to sciences henceforth distant and separated in spheres of specific skills. This study suggests finding, recognizing intuitively this common sense of membership between music, mathematics and poetry running over the tracks of the history of the lyric sextine, its transformations and the other forms of approaches, by questioning on the mechanisms which are integral part of the training of the word as sound, and on the way this sound is transformed into sign, how this sign becomes again sound, the number symbol, shape, rhythm. To finish comes the proposition and the study of a new variant of the lyric sextine in a project for realization of a show proposed in the form of research experience
17
Drouet, Dominique. "Alain jouffroy, mouvements surréalistes et ostinato lyrique : un demi-siècle de poésie vécue (1958-2007)." Thesis, Lyon, 2016. http://www.theses.fr/2016LYSE2044.
Full textAbstract:
Alain Jouffroy (1928-2015) vient à l’écriture poétique en 1948, encouragé par sa rencontre avec André Breton et sa brève appartenance au mouvement surréaliste. Rapidement exclu, il conserve de cette expérience une méfiance à l’égard de tout esprit de chapelle et une confiance inébranlable en la langue et en sa capacité à exprimer les innombrables modalités d’être-au-monde de l’individu libre. Il diversifie rapidement ses pratiques d’écriture et publie recueils de poèmes, romans, essais et de nombreux articles sur les artistes avant-gardistes. Touche-à-touche, Jouffroy traverse les périodes esthétique et politique du milieu intellectuel parisien des années cinquante aux années quatre-vingt-dix. Fondateur de la revue Opus international, directeur de la revue XXe siècle, il est un observateur insatiable des remous de la société française : restructuration à la Libération, espoirs révolutionnaires déçus de Mai 68, marchandisation galopante de la création. Témoin de l’irrésistible ascension de la société du spectacle, il défend des artistes qui peinent à trouver leur place – du moins au début de leur carrière : les Affichistes, les Objecteurs, les Nouveaux réalistes... – et les poètes restés dans l’ombre – Stanislas Rodanski, Jean-Pierre Duprey. Il s’intéresse à tous ceux qui, comme lui, ont fait de la marge leur territoire. Dans le même temps, il échange avec les grandes figures d’Aragon, Michaux et Sollers. Son regard s’aiguise de sa curiosité pour l’ailleurs et de ses nombreux voyages. Il promeut les peintres surréalistes d’Amérique du Sud et d’Europe de l’Est, les poètes de la Beat generation, ceux du Moyen-Orient. Parallèlement, au gré de ses ruptures et réconciliations avec André Breton, il se veut l’héritier de ce dernier et le promoteur d’un surréalisme toujours vivace parce que conçu comme une éthique de la réceptivité. Conseiller culturel de l’ambassade de France à Tokyo entre 1982 et 1985, il parfait sa connaissance du bouddhisme zen et fait l’expérience d’un douloureux déracinement langagier. De retour en France, dans une période de morosité ambiante où les médias clament la mort de la poésie, il réalise de petites sculptures d’objets trouvés qu’il nomme assemblages, collages ou posages – réponse possible au silence qui entoure son œuvre, mal diffusée jusqu’à la parution des anthologies C’est aujourd’hui toujours, C’est partout ici et du recueil Vies, chez Gallimard, à la fin de années quatre-vingt-dix.Son œuvre poétique, loin d’être un lieu de retrait par rapport à une vie culturelle, amicale et sentimentale particulièrement riche et mouvementée, condense son parcours : la vingtaine de recueils publiés entre 1958 et 2007 offre une chambre d’écho à cette traversée du demi-siècle, tout en déclinant les différentes postures et poétiques nées au grés des circonstances et des confrontations renouvelées entre deux complexités, celle de l’individu Alain Jouffroy, et celle du monde. Aussi son écriture poétique chatoie-t-elle des différents courants qui naissent de la question toujours en suspens du rapport entre la conscience écrivante et le texte écrit. L’ensemble de l’œuvre donne à lire une poésie polymorphe : prégnance première de l’image héritée du surréalisme, retour au lyrisme amoureux sous l’influence du matériau biographique, vocifération à la manière des écorchés Beat, détour par l’image cinématographique durant la Nouvelle Vague, évaporation temporaire du sujet sommé de disparaître sous l’ère structuraliste, retour de ce même sujet qui reste, constamment, l’objet du poème. Malgré les variations formelles, les contradictions tonitruantes, le « je » demeure le mobile de l’écriture.<br>Alain Jouffroy (1928-2015) started writing poetry in 1948 when encouraged by his encounter with André Breton and his short-termed adherence to the surrealist movement. As he soon found himself excluded from the latter, he experienced and developed mistrust in cliquishness whatsoever and absolute trust in language and its ability to express the innumerable ways a free man can be in the world. It did not take him long to diversify his writing practice, and so he published collections of poems, essays and many critical articles on avant-gardist artists. Like a Jack-of-all-trades, Jouffroy wrote his way through the aesthetic and political movements of the Parisian intellectual sphere, from the fifties to the nineties. As the founder member of the Opus international journal and the director of the XXe siècle one, he was well positioned to insatiably observe the stir of the French society, that is, the restructuration following the Liberation, the disappointed revolutionary hopes of May 68 and the galloping commodification of artistic creation. Bearing witness to the unstoppable rise of the spectacle society, he supported artists who had difficulties in finding their own places – at least at the beginning of their careers: Poster Artists, Objectors, New Realists… – as well as overshadowed poets such as Stanislas Rodanski and Jean-Pierre Duprey. He was interested in all those who, like himself, had appropriated the margins. At the same time, he would converse with major figures like Aragon, Michaux and Sollers. His curiosity for the elsewhere and his numerous travels made his viewpoint more accurate. He promoted the Surrealist painters from both South America and Eastern Europe, and the Beat poets as well as those from the Middle East. At the same time, depending on either his breaking or being reconciled with André Breton, he claimed to be the heir of the latter or the champion of a Surrealism that was still alive and kicking thanks to its been thought of as an ethics of receptivity. When he was the cultural counsellor for the French Embassy in Tokyo, from 1982 to 1985, he perfected his knowledge of Zen Buddhism and experienced a painful linguistic estrangement. Back to France in a grim climate when the media claimed the death of poetry, he made small-sized sculptures from objects he had come across with, which he termed ‘assemblages,’ ‘collages’ or ‘posages’ – a way to possibly answer the silence that surrounded his own artistic creation, badly circulated until the publication of the anthologies entitled C’est aujourd’hui toujours and C’est partout ici, and his collection of poems Vies in the late nineties. His poetic work, far from being a place of withdrawal from his cultural, social and sentimental life, particularly rich and eventful, condenses his trajectory: the twenty or so collections published between 1958 and 2007 offer an echo chamber to his crossing of the half-century, while presenting the variegated positions and poetics born from circumstances and renewed confrontations between two complex entities, that of Alain Jouffroy the man and that of the world around him. This is why his poetic writing reflects all the different currents and trends emerging from the still-unresolved question of the relation between the writing consciousness and the written text. All his work presents us with polymorphous poetry, that is, at the same time including the original pervasiveness of pictures inherited from Surrealism, the return to love lyricism under the influence of biographical material, the angry voices inspired from the tormented Beat souls, the detour via the screen picture in the New Wave period, the temporary vanishing of the subject required to disappear in the Structuralist era and the return of this same subject continuously remaining the object of poems. In spite of formal variations and thundering contradictions, the “I” does remain the motive of writing. .
18
Kyriazópoulos, Athanásios. "Les épiphanies des dieux dans la poésie lyrique grecque (7e - 5e siècle avant notre ère)." Paris 4, 1989. http://www.theses.fr/1989PA040034.
Full textAbstract:
En Grèce archaïque, l'organisation de la vie religieuse dans le cadre de la cite favorise le développement d'un modèle de communication entre les dieux et les hommes fondé sur les rites périodiques du culte officiel. L'épiphanie divine, très fréquente dans Homère, devient désormais un procédé exceptionnel, et pour cela très significatif. Dans la poésie lyrique, qui est l'expression littéraire la plus importante de l'époque archaïque, nous distinguons trois types d'épiphanie : 1 a) épiphanie mythique de justice : Pindare, pe. 6. 73-89; ibid. 98-120; p. 3. 24-46; Bacchylide 3. 26-63; 1 b) épiphanie mythique de fondation : Alcée, fr. 307 l. -p. ; pind. 0. 1. 67-94; 6. 57-72; 13. 63-92; n. 10. 73-91; p. 4. 19-66; 2) épiphanie actuelle-personnelle : Alcman fr. 47 p; Sappho frr. 1, 45, 134 l-p. Ces trois catégories correspondent à trois phénomènes importants de cette époque : l'élaboration du concept de la dike (justice). L'invention du héros fondateur et, enfin, l'émergence de l'expression poétique individuelle<br>In archaic Greece, the organization of religious life in the frame of the city leads to the development of a model of communication between men and gods based on the official cult's ritual. Divine epiphany, very frequent in homer, becomes an exceptional, and therefore very significant proceeding. In lyric poetry, which is the archaic period's most important literary expression, one can distinguish three kinds of epiphany : 1 a) mythical epiphany of justice : Pindar pae. 6. 73-89; ibid. 98-120; p. 3. 24-46; Bacchylides 3. 26-63. 1 b) mythical epiphany of foundation : Alcaeus, fr. 307 l-p; pind. O. 1. 67-94; 6. 57-72; 13. 63-92; n. 10. 73-91; 9. 4. 19-66. 2) actual-personal epiphany : Alcman fr. 47 p; Sappho frr. 1. 45, 134 l. -p. These three categories correspond to three important phenomena of this period : elaboration of the concept of dike (justice), invention of the hero-foundator and development of individual poetic expression
19
Loiseleur-Foglia, Aurélie. "L'harmonie selon Lamartine, dans sa poésie épique et lyrique (1820-1869) : utopie d'un lieu commun." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040128.
Full textAbstract:
Avec la publication des Méditations, en 1820, la poésie lamartinienne marque la renaissance du lyrisme. Or, ce qui produit cette révolution silencieuse dans la poétique des Lumières, tout en conservant le canon classique, c'est un autre rapport au monde et aux mots qui se joue dans la notion d'harmonie. En effet, elle se présente comme une nébuleuse sémantique qui unifie des domaines que la modernité a séparés : poésie, musique, politique, religion. L'esthétique du poème met en miroir dans le cours de l'histoire le rêve humanitaire et la vision du monde, qu'elle soit élégiaque ou eschatologique. L'harmonie au XIXe siècle, à travers le destin de Lamartine, poète et homme d'Etat, qui l'incarne et qui la dit, offre un lieu commun. Utopie ? Peut-être n'a-t-il pas eu lieu hors du poème, qui, suivant une nouvelle esthétique de la réceptivité, parle à chacun dans la langue du cœur et vise la mystique par la musique des mots<br>The publication of the Meditations, written by Alphonse de Lamartine, in 1820, produces the revival of lyricism in French litterature. These verses make a silent revolution in the poetics of the Enlightenment, although they keep carefully the ancient rules, because the notion of harmony proposes another conception of the world and of the words. Harmony consists in semantic diversity, linking together many fields that modernity has now separated : poetry, music, politics and faith. The poem is thus the mirror of History and shows the progress of humanity. Through the life of Lamartine, poet and statesman at the same time, the dream of harmony becomes present and possible and offers a commonplace idea. Utopia ? Maybe it has only taken place into the poem itself, when Lamartine's poetry aims to speak to anybody in the heart's langage, and even to God with the music of the words
20
Nimis, Jean. "Un "processus de verbalisation du monde" : perspectives du sujet lyrique dans la poésie d'Andrea Zanzotto." Montpellier 3, 2002. http://www.theses.fr/2002MON30032.
Full textAbstract:
Ce travail prend en compte l'œuvre poétique d'Andrea Zanzotto depuis Dietro il paesaggio (1951) jusqu'à Meteo (1996). La poétique de l'auteur est étudiée, d'une part, dans sa pratique caractéristique, en particulier à travers la mise en acte d'un " processus de verbalisation du monde " (avec ses réminiscences et références littéraires, scientifiques et " mondaines "), d'autre part, dans son mode d'expression (la mise en œuvre sporadique de sonorités privilégiant l'écho et la déconstruction syntaxique, alternant avec des compositions classiques, comme le sonnet, notamment). Après avoir montré que ce processus détermine un discours lyrique singulier, ayant pour points focaux la perception particulière d'un paysage et le contexte socio-historique du XXe siècle, les perspectives textuelles du sujet poétique sont abordées et débouchent sur la mise en évidence d'une " structure d'horizon " dans les poèmes. Ce rapport au monde lié au regard donne son sens au monde verbalisé dans la poésie, et le chiasme sujet-monde prend corps dans les rythmes impliqués qui rendent compte de la sensibilité du poète au langage. This piece of research, based upon Andrea Zanzotto's poetical works from Dietro il paesaggio (1951) to Meteo (1996), examines this author's poetics, on the one hand through his most characteristic practices in his " process of verbalisation of the world " (especially the actualisation by personal reminiscences and literary, scientific, " mundane " references) ; on the other hand, in his specific mode of expression : the sporadic use of echoing sonorities and of syntactic deconstruction, alternating with classic compositions, like the sonnet, among others. A first approach consists in showing that the verbalisation process determines a singular lyrical discourse throughout Zanzotto's poetry, focused on the perception of a particular landscape (Pieve di Soligo in the Venetian area) and on the socio-historical context of the twentieth century. In the second place, we examine the textual perspectives of the poetical self, aiming emphasize the horizon structure operating into the poems. Thus the world verbalised in Zanzotto's poetry takes its meaning in this " vision centered " relation to the external environment, whereas the rhythms, implied by the poet's sensitiveness towards language, convey their form to the chiasma between the self and the world.
21
Cadoret, Isabelle. "Le sujet lyrique chez Hélène Dorion." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 2000. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp03/MQ53931.pdf.
Full text
22
Ceron, Sandra. "Mesure et démesure en amour dans la lyrique d'oc et d'oi͏̈l aux XIIe et XIIIe siècles." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1994PA040161.
Full textAbstract:
Cette these vise a determiner le role de la mesure et de la demesure en amour, dans le rapport entre le poete et la dame chantee, a partir des textes lyriques d'oc et d'oil, aux douzieme et treizieme siecles. Elle considere separement les deux plans du service d'amour, le sentiment et le comportement amoureux, afin d'etablir a quel degre la vertu de la mesure s'y applique. L'analyse debute par l'examen des chansons des troubadours, auxquelles est consacree la premiere partie du travail; les trois problematiques etudiees dans ces chapitres sont celles du sentiment - qui constitue la sphere intime de l'amant -, de l'expression de l'amour et de la conduite amoureuse - les aspects publics du service d'amour. A ce propos, il s'agit de definir les comportements permis au poete - et a la dame - dans l'optique de la mesure, et de verifier s'il existe des degres dans la classification des fautes commises par manque de mesure. L'etude se propose aussi de deceler les liens possibles entre la demesure incontestee de l'amour eprouve et la necessite de la mesure dans le comportement qui caracterise la fin'amors. La meme demarche est suivie dans le depouillement des textes d'oil, qui occupe la deuxieme partie de la these, comprenant aussi des compositions de genre different, mais ayant comme theme principal l'amour d'inspiration courtoise, telles que les chansons de danse de la meme epoque. La comparaison des resultats amene a la conclusion que les notions de mesure et demesure restent, dans leurs implications originelles, une caracteristique d'oc<br>Using as its basis the lyric poetry written in oc and oil in the twelfth and thirteenth centuries, this thesis aims to establish the role of mesure and demesure within the love-relationship between the poet and the lady he celebrates. We shall consider separately the two levels of the etiquette of love - emotion and behaviour - in order to determine the degree to which the virtue of mesure is in evidence. Our analysis begins whit an examination of the songs of the troubadours. The first part of the thesis is dedicated to them. The three problematical questions studied in those chapters are firstly, those of the emotions - which form the intimate domain of the lover-, secondly, the expression of love, and thirdly, the behaviour in love - the public aspects of the etiquette of love. With this in mind it would seem appropriate to define what behaviour is permitted to the poet - as well as to the lady - and to assess whether degrees of culpability exist in terms of the faults commited through lack of mesure. Our study will also seek to bring to light possible links between the undisputed demesure of the love felt and the necessity of mesure in the behaviour characterised by the fin'amors. We will follow the same procedure in our study of the texts written in oil which are the subject of the second part of the thesis. Made up of compositions of a different genre, these nonetheless have as their main theme courtly love, as do the chansons de danse of the same period. A comparison of the results leads us the conclusion that the notions of mesure and demesure remain, in their original sense, a characteristic of the lyric written in oc
23
Ortega-Sierra, Sara. "La poésie "personnelle" castillane dans sa préhistoire : le "dezir" à l'époque de Jean II (1406-1454) : définition et poétique d'un genre "cancioneril"." Grenoble 3, 2006. http://www.theses.fr/2006GRE3A001.
Full textAbstract:
Notre étude propose une nouvelle définition d'un genre poétique du bas Moyen Age : le dezir, dont l'avènement, l'apogée et la disparition ont lieu durant le règne de Jean II de Castille (1406-1454). L'originalité du dezir réside tant dans sa "varietas" comme dans son caractère "camaléonesque" : en effet, aucun thème ou ton ne sont hors de portée pour un "dezidor". De par ce fait, le dezir ne peut être défini par aucun critère thématique, et, à ce jour, la critique hispaniste n’a pu le définir de manière satisfaisante. Ce travail adopte donc un prisme analytique "poiétique", lequel consiste à établir une série de critères "formels" dominants du genre, et, associer ces derniers avec des critères thématiques subsidiaires. Le dezir idéal semble donc obéir à quatre règles : 1) il n’est pas destiné à être chanté, mais récité, et, surtout, lu ; 2) il est énoncé en je (contingent ou idéalisé) ; 3) il est porteur d'un enseignement doctrinal ou moral ; 4) il joue avec la discontinuité (il nomme et dénombre) ; 5) il est narratif ; et, finalement, 6) allégorique. Il s'agit-là, bien sûr, de critères poétiques idéaux, mais la réalité du corpus textuel est bien différente. En effet, il existe trois sous-genres du dezir qui échappent à ces règles : le dezir humoristique, le dezir épidictique (qui censure ou encense le temps présent), et le dezir lyrique. Cependant, il existe un critère formel qui englobe et unifie toutes les avatars de ce genre protéiforme : l'énonciation en je, puisque le dezir est, avant tout, une nouvelle modalité d'écriture : le dezir est poésie au sens strict du terme. Le premier vagissement de la poésie "personnelle" en Castille<br>My dissertation presents a new definition of the dezir, a poetic genre from the late Medieval Ages, which rise and fall can be dated in the era of the king John II of Castile (1405-1454). The most original aspect of the dezir lies in its varietas, and "chameleonic" character. No theme or tone is out of reach for a dezidor. That is why the dezir cannot be defined by any thematic criteria, and also why scholars have not been able to propose a proper definition of this genre. Thus, I aim to elaborate a new definition from a poietic prism, which consists on finding a dominant formal criteria and combine it with several thematic criteria that are subdued to the first. The ideal dezir may be defined for being a poem: a) written with the intention of being read and not sung; b) enunciated in "I" (contingent or idealized); c) bearer of a teaching (doctrinal or moral); d) discontinuous (it names and counts); e) narrative; and, f) allegoric. Of course, this is ideality, and the corpus reality is somewhat different. In fact, there are three subgenres that do not fit in all those criteria: the humorous dezir; the epidictic dezir (censure or praises of the present) and the lyrical dezir. However, there is a formal criteria that absorbs and unifies all the dezir subgenres: the "I" enunciation, because the dezir consists in a new writing mode: the dezir is poetry, in its stricto sensu. In fact, "personal" poetry was born in Castile
24
Zimmermann, Philippe. "Rythme métrique et rythme rhétorique dans la poésie lyrique d'Horace : recherches sur une poétique du sens." Phd thesis, Université Rennes 2, 2009. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00451035.
Full textAbstract:
Ce travail vise à décrire les spécificités stylistiques de l'écriture d'Horace dans son oeuvre lyrique (Odes Livres I à IV et Chant Séculaire), afin de définir la nature poétique du sens qui s'y construit. Le style des poèmes est étudié dans les relations entre, d'une part, l'arrangement syntaxique et rhétorique des mots dans les énoncés et, d'autre part, la forme métrique des strophes. Ces relations sont décrites à plusieurs échelles. La première partie du travail se consacre aux limites de phrases et de strophes ; la seconde étudie le positionnement dans la structure métrique des outils syntaxiques, lexicaux, phoniques, qui contribuent au rythme rhétorique de la phrase ; la troisième montre comment les mots et les membres syntaxiques proposent une relecture métrique des strophes. Les conclusions de ce travail sont de plusieurs ordres. La complexité du genre lyrique d'Horace est illustrée par la pluralité de ses visées discursives et des outils rhétoriques mis à leur service. La versification d'Horace est étudiée d'après une métrique verbale et syntaxique qui révèle ses richesses expressives. Les relations entre métrique et rhétorique, qui vont de l'unisson au contrepoint complexe, témoignent d'une polyphonie poétique du sens, où s'associent l'individualité et la voix communautaire
25
Gauvrit, Olivier. "La polyphonie métrique dans la poésie lyrique latine : Catulle, Horace, Sénèque le tragique. Poétiques en variation." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040137.
Full textAbstract:
L'objectif de ce travail est d'étudier l'évolution des vers lyriques à Rome du premier siècle avant J.-C. au premier siècle après J.-C., à travers l'usage qu'en font trois poètes : Catulle (œuvres complètes), Horace (Odes, Chant Séculaire et Épodes) et Sénèque (chœurs non anapestiques de ses tragédies). Ce corpus polymétrique permet d'étudier l'adéquation d'un mètre à un genre ou à une tonalité donnés. À partir d'une étude statistique portant sur les variations du schéma métrique, la fréquence des élisions, l'emploi des coupes, le volume verbal recherché et le rapport entre l'ictus et l'accent, il s'agit de montrer comment s'opère le processus de régularisation du vers entre Catulle et Horace, puis entre Horace et Sénèque, en proposant également des interprétations stylistiques de passages où apparaissent les phénomènes les plus marquants. Le travail est organisé en trois parties, consacrées respectivement aux vers éoliens, aux vers dactyliques et aux vers iambiques. Les résultats obtenus montrent que la régularisation du vers s'opère à travers la réduction du nombre d'élisions, la diminution des mots au schéma atypique ou la raréfaction des coupes originales. Ils mettent également en évidence l'importance des hellénismes dans les particularités stylistiques observées et la possibilité pour Catulle et Horace d'employer un mètre lyrique de façon parodique dans un poème satirique. Enfin, l'utilisation que fait Sénèque des mètres horatiens et la richesse de sa lyrique chorale témoignent du caractère théâtral de ses tragédies, qui ne sont pas de simples illustrations d'idées stoïciennes, mais des œuvres véritablement dramatiques<br>The aim of this work is to study the evolution of lyric verse in Rome, from the first century B.C. to the first A.D., through the writings of three poets : Catullus (complete works), Horace (Odes, Carmen Saeculare and Epodes) and Seneca (non anapaestic choruses in his tragedies). This polymetric corpus gives us the opportunity to study how a metre adapts to a specific genre or tonality. We conducted statistical studies on the variations of the metrical scheme, the frequency of elisions, the use of caesurae, the word length and the link between ictus and accent, so as to show how the verse is more and more regular from the poems of Catullus to Horace, and from Horace to Seneca. We also propose stylistic interpretations of passages in which striking phenomena appear. The work is divided into three parts, dealing respectively with aeolic, dactylic and iambic verse. The results reveal that regularization of the verse is obtained by the decreasing use of elisions, words with an atypical scheme or original caesurae. They also highlight the importance of hellenisms in the stylistic particularities observed and the possibility for Catullus and Horace to use a lyrical metre through parody to compose a satirical poem. Finally, the way Seneca uses Horatian metres to create rich choral poetry demonstrates his tragedies are not mere illustrations of stoician ideas but are undoubtedly devised for the stage
26
Nakayama, Shintarô. "La figure du sujet lyrique dans la poésie contemporaine : Jacques Dupin, Philippe Jaccottet et Jacques Réda." Thesis, Lyon, 2016. http://www.theses.fr/2016LYSE2023.
Full textAbstract:
Notre étude s’attache à cerner les figures du sujet lyrique dans la poésie de Jacques Dupin (1927- 2012), Philippe Jaccottet (1924- ) et Jacques Réda (1928- ), trois écrivains majeurs de l’après-guerre dont le travail poétique a contribué à l’évolution de la poésie lyrique contemporaine. Sans pour autant négliger l’œuvre antérieure et postérieure de ces poètes, notre étude se concentrera principalement sur les ouvrages des années 1960 et 1970. A cette période, en effet, la poésie lyrique s’est trouvée prise dans une situation critique sans précédent du fait l’avènement du structuralisme et du « textualisme » proclamé par l’avant-garde. En réaction au textualisme des années 1960 et 1970, Dupin, Jaccottet et Réda poursuivent une quête opiniâtre du lyrisme. Notre étude n’a pour but ni d’élaborer des critères globaux et universels afin de définir les caractéristiques universelles de la « poésie lyrique » en tant que genre littéraire, ni d’élaborer une réflexion philosophique sur le Sujet ou l’En-soi. A travers l’analyse des figures de sujet lyrique, nous étudierons les caractéristiques de chacun de nos poètes, ainsi que les modes de la poésie lyrique au cours de cette période malaisée. La notion de « sujet lyrique » nous servira de paramètre en vue d’éclairer la singularité et l’historicité des poèmes, voire de la poétique propre à chaque écrivain. Traditionnellement, la poésie lyrique est souvent associée à l’emphase ou au sentimentalisme. La poésie de Dupin, Jaccottet et Réda s’acharnent à se dégager de l’embrasse du lyrisme traditionnel encombré d’égocentrisme. La poésie lyrique n’est plus un genre qui exprime les sentiments et la subjectivité du poète. Nos poètes sont à la recherche d’une nouvelle forme de poésie lyrique, qui convienne à leur époque. L’impersonnalité, que nous trouvons souvent dans leur poétique, s’associe à la production d’une nouvelle modalité de la subjectivité, éloignée de la métaphysique de la subjectivité. Le refus d’une certaine forme de subjectivité coexiste avec la recherche d’une parole singulière, ainsi que d’une nouvelle figure de sujet lyrique<br>Our study aims to examine the figures of the lyric subject in the poetry of Jacques Dupin (1927- 2012), Philippe Jaccottet (1924-) and Jacques Réda (1928-), three major poet of the postwar whose poetic work contributed to the evolution of contemporary lyric poetry.Without neglecting the anterior and posterior work of these poets, our study will focus mainly on the works of the 1960s and 1970s. At that time, in fact, the lyric was taken in a critical situation without precedent because of the advent of the structuralism and the “textualism” proclaimed by the avant-garde. In response to textualism of 1960s and 1970s, Dupin, Jaccottet and Réda continue an obstinate search of lyricism.Our study doesn’t aim to develop global and universal criteria to define the universal characteristics of "lyric poetry" as a literary genre, nor to develop a philosophical reflection on the subject or the En-soi. Through the analysis of the figures of lyric subject, we will study the characteristics of each of our poets, as well as patterns of lyric poetry during the difficult period. The notion of "lyric subject" will serve as a parameter in order to clarify the singularity and the historical nature of the poems, and those of the poetic peculiar to each writer.Traditionally, lyric poetry is often associated with the emphasis or sentimentality. The poetry of Dupin, Jaccottet and Reda struggle to free themselves from the traditional lyricism based on the egocentricity. Lyric poetry is no more a genre that expresses the feelings and subjectivity of the poet. Our poets are looking for a new form of lyrical poetry, which is suitable for the times. The impersonality, we often find in their poetic, is associated with the production of a new form of subjectivity, far from the metaphysics of subjectivity. The refusal of some form of subjectivity coexists with the search for a singular word and the new figure of lyric subject
27
Zimmermann, Philippe. "Rythme métrique et rythme rhétorique dans la poésie lyrique d’Horace : recherches sur une poétique du sens." Rennes 2, 2009. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00451035/fr/.
Full textAbstract:
Ce travail vise à décrire les spécificités stylistiques de l’écriture d’Horace dans son oeuvre lyrique (Odes Livres I à IV et Chant Séculaire), afin de définir la nature poétique du sens qui s’y construit. Le style des poèmes est étudié dans les relations entre, d’une part, l’arrangement syntaxique et rhétorique des mots dans les énoncés et, d’autre part, la forme métrique des strophes. Ces relations sont décrites à plusieurs échelles. La première partie du travail se consacre aux limites de phrases et de strophes ; la seconde étudie le positionnement dans la structure métrique des outils syntaxiques, lexicaux, phoniques, qui contribuent au rythme rhétorique de la phrase ; la troisième montre comment les mots et les membres syntaxiques proposent une relecture métrique des strophes. Les conclusions de ce travail sont de plusieurs ordres. La complexité du genre lyrique d’Horace est illustrée par la pluralité de ses visées discursives et des outils rhétoriques mis à leur service. La versification d’Horace est étudiée d’après une métrique verbale et syntaxique qui révèle ses richesses expressives. Les relations entre métrique et rhétorique, qui vont de l’unisson au contrepoint complexe, témoignent d’une polyphonie poétique du sens, où s’associent l’individualité et la voix communautaire<br>The aim of the present work is to describe the stylistic specificities of Horace's writing in his lyric works (Odes Books I-IV and Carmen Saeculare), in order to define the poetic nature of the meaning which they develop. The style of the poems is studied through the relations between, on the one hand, the syntactic and rhetoric arrangement of the words, and, on the other hand, the metric shape of the stanzas. These relations are described on different scales. The first part of the work looks into the limits of the sentences and stanzas; the second studies how the syntactical, lexical, and phonic tools, which contribute to the rhetoric rhythm of the sentence, are positioned in the metric structure; the third shows how the words and the syntactical members bring about a second metrical reading of the stanzas. This leads to different kinds of conclusions. The complexity of the lyric genre in Horace appears through the plurality of its discursive aims and the diversity of the rhetoric tools used to reach them. Horace’s versification is studied according to a verbal and syntactic metrics that reveals its richness of expression. The relations between metrics and rhetoric, which go from harmony to complex counterpoint, show a poetic polyphony of meaning, where individuality and the voice of the community join together
28
Rabearizafy, Nestor. "Lecteur implicite et lecture virtuelle dans la poésie lyrique du XIXe siècle : Le cas de Verlaine." Montpellier 3, 1998. http://www.theses.fr/1998MON30013.
Full textAbstract:
Le texte lyrique est un terrain de predilection pour la germination de la lecture inscrite, forme de reception virtuelle perceptible a travers l'inscription textuelle du lecteur implicite. Le texte programme sa reception a travers un pacte de lecture qui lie auteur et lecteur, et dont les strategies d'interaction preparent les effets esthetiques que le lecteur reel actualisera. Cette modelisation pratique permettrait de comprendre certaines attitudes lyriques du xixe siecle. Les romantiques provoquent une lecture identificatoire a travers un pacte d'assimilation. Les initiateurs de la poesie moderne privilegient une communication suggestive dans une rhetorique de la connivence. Verlaine choisit une voie originale. Refusant l'inscription directe, il multiplie les lignes verbales des appels implicites qui enferment doucement le lecteur dans le vertige des paroles incertaines. L'entrelacement polyphonique des voix accentue une poetique du partage qui deverse des sensations brutes, et rend recevables toutes les notations des battements du cur. La dictature musicale d'une poesie symphonique epaulee par les forces melodiques du rythme fait reculer les limites de l'indicible, et parvient a suggerer la fugacite des impressions dont les vers sont porteurs. Le lecteur est souvent sollicite dans des structures de l'inacheve, et lire devient activite cooperante, refus de la tranquillite, un effort constant pour prolonger la vie dans des fraicheurs disparues<br>The lyric text is a favourite field for the germination of inscribed reading, a kind of virtual reception that can be located through the textual inscribing of the implicit reader. The text elaborates its reception through a reading contract which puts the author ant the reader into relationship, and which interaction strategies prepare the aesthetic effects that the reader is bound to realize. This practical pattern making would allow to understand some lyric attitudes in the xixth century. Romantics provokes an identificatory reading through an assimilation contract. The initiators of modem poetry emphasizes a suggestive communication in a rhetoric of connivance. Verlaine chooses an original orientation. Refusing any direct inscribing, he multiplies the verbal lines of the implicit calls which slowly confine the reader in the dizziness of uncertain words. The polyphonic interlacing of the voices stresses a poetry of sharing which pours crude feelings, and makes relevant all the notations of heartbeats. The musical dictatorship of a symphonic poetry enlarges the field of what is beyond words and succeeds to suggest the fugacity of the impressions carried out by verses. The reader is often solicited in the structure of the unachieved, and reading becomes a cooperating activity, a refusal of stillness, a constant effort to prolong lifetime in vanished freshnesses
29
Raynaud, Claudine. "A Mark of Grace : pour une définition de l'esthétique religieuse dans la poésie lyrique d'Andrew Marvell." Montpellier 3, 1987. http://www.theses.fr/1987MON30002.
Full textAbstract:
Cette etude tend a retracer l'incidence de la pensee religieuse sur la vision esthetique d'andrew marvell, de mettre en place un point d'articulation entre la sensibilite baroque et le protestantisme en explorant la dynamique a trois poles, grace, art, et nature, qui sous-entend la poesie lyrique. Les poemes religieux de marvell s'inscrivent dans une poetique de la grace, emaillee d'images de cristallisation. Les divers arts, musique, peinture, sculpture, formulent une esthetique de l'humilite : est beau ce qui est utile, modeste, modere. A l'image du pic-vert d'appleton house ou de l'adroit jardinier du jardin, l'artiste doit creer un art moral et, pour ce faire, il doit posseder un coeur pur. Ainsi, le jardin enclos du jardinier pecheur est le fruit d'un art vicie, alors que la nature sauvage est l'habitat de dieu. Le plaisir a-t-il une place dans cette esthetique protestante? la poesie lyrique exalte l'erotisation de la nature regeneree mais est traversee par une tension autour de l'acte sexuel. Collections d'images d'enfants chastes, de prudes maitresses et de demons d'apocalypse, les poemes pastoraux et ou amoureux mettent en scene la solitude du seducteur, annoncent la mort du pecheur. En revanche, la creation de la poesie pastorale chretienne, dont l'exemple le plus accompli est "clorinda and damon," est mise en doute dans "the coronet". Dans un mouvement chiasmatique, ce poeme dramatise la conversion du poete et met en abyme l'acte poetique lui-meme. La poesie de marvell resonne d'innombrables echos aux psaumes, au cantique des cantiques, et aux evangiles. Prenant l'ecriture comme modele, l'art poetique reve par marvell est un ideal de concentration et de simplicite. Finalement, etudier les rapports de contrainte entre l'esthetique et l'ethique equivaut a redefinir le concept de metaphysique et a replacer marvell a l'interieur d'un courant d'esthetique protestante, nationaliste, realiste a la fois revolutionnaire par ses liens au puritanisme et classique par son desir de sobriete<br>The aim of this study is to define andrew marvell's religious aesthetics, to articulate the possibility of a junction between a baroque sensibility and a protestant worldview by exploring the interaction between grace, art and nature in the poet's lyric work. Marvell's religious poetry can be defined as a poetry of grace run through by images of crystallization. A close examination of the musical, the painterly, the statuesque, and the tectonic in the lyric poems leads to the formulation of an aesthetics of humility: is beautiful what is useful, modest, moderate. Emblematized as the judicious woodpecker of appleton house, the artist must, in the wake of the "skilful gardner", undergo a conversion to create an art worthy of god, a moral art. Thus, the enclosed garden designed by "luxurious man" must be rejected as the product of sinful pride while wild regenerate nature is the dwelling of the gods. Is pleasure absent from this religious aesthetics? a playful eroticism amidst bountiful nature is conterbalanced by a recurring tension around carnal pleasure. A gallery of pre-pubescent girls, coy mistresses, and apocalyptic monsters, the profane love pastoral stages the self-reflexive solitude of the seducer, foregrounds the death of the sinner. Questioning the possibility of the religious pastoral, exemplified in marvell's canon by "clorinda and damon," "the coronet" dramatizes in its chiastic structure the conversion of the poet and is a framing of the poetic act itself. Marvell's song echoes with references to the psalms, the song of songs, and the gospels. With the scripture as a model the poet's art poetica stresses an ideal of concentration and simplicity. Ultimately, analyzing the interdependence of ethics and aesthetics means redefining the concept of metaphysical. Marvell's poetry must beread within the context of a protestant aesthetics, nationalistic, realistic, both revolutionnary in its links with puritanism and classical in its desire for sobriety
30
Houlon, Crespel Chantal. "Marina Tsvétaeva, une mystique de notre temps ? : Résonances bibliques et spirituelles au coeur de sa poésie lyrique." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040024.
Full textAbstract:
L'œuvre poétique de Marina Tsvétaeva est marquée par un phénomène paradoxale : il s'agit d'une poésie ouverte sur l'au-delà, sur Dieu, alors que Tsvétaeva s'est toujours défendue d'être croyante. L'abondance d'indices à caractères religieux, de références bibliques, et surtout l'identification de Tsvétaeva à certains personnages de la Bible posent donc question. Son monde poétique se présente comme un système construit sur des axes constants de leitmotive : une insatisfaction permanente , le goût de la révolte, le détachement, l'élan vers le haut, et une aspiration constante vers l'ailleurs - véritable quête spirituelle où se combattent " sacré " et " sacrilège ". Assoiffée d'absolu, Tsvétaeva vit continuellement dans l'attente d'une rencontre. Enfin, la présence de thèmes récurrents, tels que celui de l'âme, de la nuit, de la montée ou de l'amour accentue encore le caractère mystique de ce poète pleinement investi de la toute puissance du désir<br>Marina Tsvétaeva's powerfully expressive poetry reveals an extraordinary paradox : her poetry reaches out to the hereafter and to God whereas Tsvétaeva always denied a believer. The wealth of religious clues and Biblical references in her work, along with her identification with some Biblical characters, thus become problematical. In giving free rein to her daring spirit and spurning conformity, Tsvétaeva is true to herself ; her poetic world is a system built on recurrent leitmotifs : restlessness, a taste for revolt, detachment, an upward impulse, and a constant aspiration to another world - a truly spiritual quest in which the "scared" and "sacrilege" are locked in a never-ending struggle. Thirsting for absolute, Tsvétaeva lives in the undying expectation of an encounter. Lastly, the recurrence of themes such as the soul, the light, elevation and love further accentuate the mystical character of this poet invested with the all-powerfulness of desire
31
MOLLET-FRANçOIS, Lhorine. "Formations du sujet lyrique dans les écrits d'Elizabeth Bishop." Phd thesis, Université de la Sorbonne nouvelle - Paris III, 2009. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00944554.
Full textAbstract:
Ce travail présente la manière dont le regard d'Elizabeth Bishop appréhende le monde en refusant toute illusion de familiarité. Il étudie les diverses stratégies de défamiliarisation qui invitent le lecteur à redécouvrir les surprises que peuvent réserver l'ordinaire et le quotidien, ainsi que le rapport qui s'instaure entre le sujet lyrique et le monde dans ces conditions. Il s'agit d'analyser comment l'affleurement de l'étrange ou de l'informe dans le familier et l'intime permet d'accéder à une reconnaissance du soi plus ample et plus authentique. L'écriture de Bishop remet inlassablement en question la stabilité de la réalité, y compris celle du sujet, ainsi que toute notion d'acquis, ou d'acquisition dans le temps. C'est ainsi que sa voix - sa signature - se singularise et qu'elle se démarque de ses pairs, mais aussi de la société à laquelle elle appartient. Ce qui s'affirme au travers de son écriture n'est paradoxalement fait que d'incertitude et de vulnérabilité. Le sujet qui s'y forme se construit sur de l'éphémère, sur ses propres limites ; il ne peut s'appuyer que sur la découverte de l'aliénation exogène mais également endogène à laquelle il est confronté. Simultanément, cette écriture cherche des moyens de maintenir le sujet, par la résonance d'échos, par le foisonnement, la prolifération, autant de techniques qui le ramènent incessamment au manque, au vide, à la faille qu'elles sont supposées masquer. Cette thèse propose d'interroger le rapport entre perte et création dans l'œuvre de Bishop, la manière dont la création se nourrit de la perte, et dont elle entraîne le lecteur dans cette transaction, l'incluant par là-même dans le processus créatif.
32
Häfele, Sibylle. "La proposition concessive en ancien occitan: la poésie des troubadours." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040109.
Full textAbstract:
Cette étude vise à présenter les possibilités de l'expression concessive dans la poésie des troubadours des XIIe et XIIIe s. D'une figure rhétorique initiale, la concession devient une notion grammaticale dès le XVIIe s. Au XIXe s. Les grammairiens la définissent comme une proposition qui, tout en mettant obstacle à une action, ne l'empêche pas d'avoir lieu. Après la disparition des conjonctions concessives latines, les langues romanes naissantes recréent des moyens grammaticaux afin de combler ce vide. La concession figure dans les premiers écrits occitans du XIe s. , le Boecis et La Chanson de Sainte Foy. Au tournant du XIe s. , Guilhem d'Aquitaine, premier troubadour connu, emploie également la concession. Les 2806 chansons des 461 troubadours étudiés proposent une diversité de structures paratactiques et hypotaxiques qui coexistent. Hormis les extensionnelles scalaires et non scalaires rencontrées dans les locutions figées, les deux locutions conjonctives si tot et si be sont l'instrument par excellence de l'expression concessive grâce à leur particularités syntaxiques, telles que l'antépostion, l'intercalation et postposition de la concessive par rapport à la principale. En outre, une analyse des chansonniers provençaux révèle des rapports de synonymie syntaxique entre les formes concessives et leurs variantes, ce qui semble confirmer les liens de parenté supposés exister entre les manuscrits. Une éventuelle explication de cet emploi se trouve dans la fin'amor qui " se veut sublimation du désir, dans l'inachèvement de la conquête. " Ainsi, les poètes utilisent la concession afin d'exprimer leurs souffrances et leur désespoir face à ce désir inaccompli<br>This analysis aims to show the possibilities of concessive expression in the poetry of the troubadours of the 12th and 13th century. Initially a figure of speech, this expression becomes a grammatical notion from the beginning of the 17th century. During the 19th century the grammarians describe it as a clause hindering an action that will yet occur. When the Latin concessive conjunctions disappeared, the arising Romanic languages have to recreate new grammatical forms in order to fill in the gap. Concessive conjunctions are already represented in the oldest Provençal writings of the 11th century, Le Boecis and La Chanson de Sainte Foy. In the beginning of the 12th century, Guilhem d'Aquitaine, the first troubadour to be known, also used concessive structures in his poetry. The 2,806 poems of the 461 poets offer a great diversity of paratactic and hypotactic structures coexisting in the poetry. Except for the indefinite relatives that also appear in stereotyped expressions and other conjunctions, the two most important terms are “si tot” and “si be” with their syntactical characteristics like first position, integration and post position in relation to the main clause. Furthermore, the study of Provençal manuscripts reveals a syntactical symmetry between concessive terms and their variants and thus confirms the idea of a relationship among manuscripts. Finally, the frequent use of concessive clauses in Provençal poetry can probably be explained by the “fin'amor” that conveys the opposition between two realities as the impossible love between poet and lady
33
Paroli, Elena. "Le Je anti-lyrique dans la poésie italienne des années soixante : le sujet poétique en question dans la poésie d’Elio Pagliarani, Mario Luzi et Vittorio Sereni." Thesis, Aix-Marseille, 2016. http://www.theses.fr/2016AIXM3075.
Full textAbstract:
Cette étude se consacre à l’avènement du Je anti-lyrique dans la poésie italienne des années soixante. C’est à ce moment que la pensée post-métaphysique peut se dire assimilée par la culture italienne, qui y trouve une nouvelle clef de lecture de l’expérience de la guerre et du miracle économique. C’est aussi la période où le réel, cru et changeant, fait irruption dans l’expérience artistique. Elio Pagliarani, Mario Luzi et Vittorio Sereni nous ont parus des représentants emblématiques de cette nouvelle posture du sujet poétique. Nous avons étudié leurs ouvrages des années soixante par le biais de trois catégories principales : la mise en question du Je, le rapport entre le Je et le monde, le rapport entre le Je et les autres. Cette articulation nous a permis d’une part de suivre les trois étapes principales de la reformulation anti-lyrique du Je (face à lui-même, face au monde et face aux autres), et d’autre part de reconnaître une progression dans la perte de l’identité lyrique traditionnelle. Le poète, ayant perdu la consolation métaphysique, commence à rechercher la vérité dans le monde physique ; il comprend ensuite que la vérité des choses est éphémère et que toute unité est brisée ; et il donne enfin la voix à d’autres personnages, dans l’effort de comprendre ce questionnement polyphonique qui est désormais la véritable voix du monde et du poète lui-même<br>This research focuses on the rise of the anti-lyrical I in the Italian poetry of the Sixties. This was the time when the post-metaphysical philosophy had been fully assimilated by the Italian culture, which started using it as a new reading key to under- stand WW2 experience and the so-called economic miracle. This was also the time when the raw and ever-changing real broke into the artistic experience. Elio Paglia- rani, Mario Luzi and Vittorio Sereni seemed to us emblematic representatives of this new poetic subject's posture. We studied their poems from the Sixties under three main categories: the questioning of the I, the relationship between the I and the world, and the relationship between the I and the others. This structure allowed us firstly to follow the three main stages of the anti-lyrical reformulation of the I (confronted to himself, to the world and to the others) and secondly to recognize a progression in the loss of the traditional lyrical identity. Aware of the loss of any metaphysical consolation, the poet begins to seek the truth inside the physical world; he the realizes that even objects/things bear a fleeting truth and that any unity is broken; and he finally gives voice to other characters in the effort to understand the polyphonic questioning which has become by now the real voice of the world and of the poet himself
34
Loeb, Ariane. "Aimer et servir : le langage de la féodalité dans la poésie des troubadours (XIIè siècle)." Toulouse 2, 1992. http://www.theses.fr/1992TOU20080.
Full text
35
Dara, Christine. "Recueils lyriques collectifs entre Orléans et Bretagne : les manuscrits B.N nouv. acq. fr. 15771 et B.N. fr. 9223." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040141.
Full textAbstract:
Malgré les similitudes et l'existence possible d'une source commune, le B. N. Nouv. Acq. Fr. 15771 et le B. N. Fr. 9223 sont deux recueils lyriques collectifs qui n'ont pas été recopiés l'un sur l'autre. Ils nous offrent une image de ce qu'était la poésie bretonne de langue française au milieu du XVe siècle. La deuxième partie du B. N. Fr. 9223 nous apporte un témoignage important sur l'activité poétique du milieu de Jacques de Luxembourg - Richebourg. Premier jalon de notre étude, l'influence exercée par Charles d'Orléans à travers les poèmes dits " de concours ". La thématique tourne autour de deux axes : l'amour purement conventionnel et l'amour désenchanté qui semble de plus en plus inspiré par la réalité trouvent leur expression dans l'emploi systématique de la rime équivoquée et dérivative ainsi que dans l'utilisation de l'accumulation et de la contradiction. Amour et malheur sont presque consubstantiels. Dans ces livres d'amour, la mort n'apparaît qu'accessoirement comme un ornement banal. Le " Débat du jeune et du vieux " ainsi que le " Débat de Vie et de Mort " qui encadrent les poésies courtes ont mérité une approche à part. Blosseville, Vaillant, Antoine de Cuise et Jacques de Luxembourg-Richebourg sont parmi les poètes les plus représentés<br>Despite the similarities and possible existence of a common source, the B. N. Nouv. Acq. Fr. 15771 and the B. N. Fr. 9223 are two collective lyrical anthologies that have not been copied out one over the other. They offer us an aspect of what Breton poetry was like in the French language in the middle of the fifteenth century. The second part of the B. N. Fr. 9223 bears upon an important account of poetic activity in Jacques de Luxembourg-Richebourg's milieu. The first stage of our study, is the influence that had been practiced by Charles d'Orléans throughout poems known as "de concours". The thematic evolves around two axes: that of purely conventional love and that of disenchanted love which seems to have been more and more inspired by reality which, in turn, find their means of expression through the systematic use of "équivoquée" rhyme, "dérivative" rhyme and through the use of accumulatory ("accumulation") and contrapuntal ("contradiction") elements. Love and despair are almost consubstantial. In these "livres d'amour" death appears to be but an accessory, like a commonplace ornament. The "Débat du jeune et du vieux" as well as the "Débat de Vie et de Mort " that encompasses short poetry have acquired a different approch. Blosseville, Vaillant, Antoine de Cuise and Jacques de Luxembourg-Richebourg are amongst the poets that are the most represented in the anthologies mentioned above
36
Labonne-Paoli, Marie-Ange. "James Sacré ou La poésie de l'humilité." Rennes 2, 2002. http://www.theses.fr/2002REN20046.
Full textAbstract:
L'@oeuvre de James Sacré est représentative des tendances de son époque, tout en étant très singulière. Dans tous les recueils se dégage une humilité évidente. D'origine paysanne, le poète évoque son enfance à travers la topographie vendéenne, le milieu campagnard et un bestiaire fermier dignes de ceux de l'école de Rochefort. Les apprentissages scolaires et universitaires, loin d'atténuer cette humilité, la rendent plus efficace même lorsque le poète s'appuie sur de grands auteurs comme Rimbaud, Ponge ou les Préclassiques. Classé parmi les "nouveaux lyriques", James Sacré a su néammoins tirer profit du textualisme. L'humilité s'inscrit dans les modes d'écriture. L'oralité patoisante et familière, ponctuée de silences et de cris, est renforcée par la recherche d'une cadence originale : mètres alternés, rythmes secondaires s'ouvrant sur une sorte de prose, un phrasé particulier. Dans la visualité du poème, la modestie affiche les garde-fous de l'enthousiasme, réduisant les espaces, imposant des limites, des couleurs éteintes et des supports usés pour élaborer une écriture "bancale". Le peu, le moindre et le petit se retrouvent dans l'image du corps. Les textes miment l'allure étriquée, voire grotesque d'une présence physique qui avance vers l'autre, retient ses élans impétueux, maîtrise mal ses mouvements. L'humilité s'explique par la volonté de s'effacer derrière l'autre dont la voix préside à la création du poème. Altruiste, James Sacré salue l'amitié qui inspire et qui guide. La tolérance, l'acceptation des différences s'épanouissent grâce à l'hospitalité. L'être aimé ou le lecteur anonyme remplace la divinité. Et la parole univoque du dieu ancien devient un dialogue qui prend souvent la forme épistolaire : l'altérité se résout par la volonté d'un métissage. Néammoins, l'étrange reste un témoignage de la fausse facilité de cette poésie qui sait jouer avec son lecteur<br>@James Sacré's work is reprsentative of the style of his era, but it's also very singular. There is a humility that comes from all his books, that we propose to study. Coming from the country, the poet evoques his childhood through the vendéenne topography, the farming community and "an animal" farmer worthy of those from the "Ecole de Rochefort". The learning experiences both at school and university, far from calming this humility makes it more efficient, even when the poet uses as reference the great authors like Rimbaud, Ponge or the "préclassiques". Classified among the "nouveaux lyriques", James Sacré knew nevertheless how to profit from textualism. This humility is built into his writing. Local dialect, ponctuated with silence and shouts, is reinforced by the search for an original rhythm : alternating the lengths, secondary rhythmes opening onto a sort of prose, a particular phrase. In the visuality of the poem, modesty shows safe-guards of enthusiasm, reducing space, putting limits, switched off colours and supports used to elaborate a shaky writing. The little, the least, te small can be found in the picture of the body. The texts mime the cramped, even grotesque appearance of a physical presence moving towards the other, holding back its impetuous surges, unable to control properly its movements. The humility can be explained by the will to hide behind the other whose voice directs the poem's creation. Altruist, James Sacré salutes friendship which inspires and guides. Tolerance, the acceptance of differences blossom thanks to hospitality. The beloved or the anonymous reader replaces the divinity. And the univocal word of the ancient god often turns into a dialogue which takes the epistolary form ; the otherness is solved through the will of a merging. Nevertheless, the strange remains an expression of the mistaken easiness of this poetry which knows how to play with its reader
37
Rouget, François. "L'apothéose d'Orphée : l'esthétique de l'ode en France au XVIe siècle : de Sébillet à Scaliger 1548-1561." Paris 10, 1993. http://www.theses.fr/1993PA100082.
Full textAbstract:
L'objet de cette thèse est de cerner de près les thèmes, motifs et structures réthoriques et poétiques d'une forme essentielle du lyrisme de la Pléiade. Cette étude s'inscrit dans une poétique des genres. Dans l'introduction sont rappelées les origines du genre de l'ode, de l'Antiquité jusqu'au XVe siècle. Malgré la variété des odes, on peut décrire une vision particulière du lyrisme. L'ode se définit par sa vocation encomiastique et par l'évocation de la vie intime. L'usage abondant de la rhétorique est capital: l'ode recourt aux structures oratoires, aux figures de pensée et aux tropes pour amplifier, condenser le sens et proposer une esthétique de la discontinuité. L'amplification est appuyée par l'emploi des structures métriques et rythmiques de l'ode. Celle-ci offre une grande variété de combinaisons de strophes, de vers, propre à concurrencer les rythmes gréco-latins. La liste complète des combinaisons rythmiques des pièces du corpus en appendice restitue l'ampleur de ces recherches poétiques<br>The subject of this thesis is to describe carefully the themes, patterns and the poetical and rhetorical structures of an essential form in Pleiade's lyricism. In the introduction, the origins of the ode are reminded from Antiquity to the XVIth century. In spite of the extreme diversity of the poems, a particular lyrical conception can be pointed out. The ode is defined by a function of praise and an evocation of a personal life. The rich use of rhetoric is essential: the odes absorb many oratorical structures, rhetorical figures and tropes in the aim to develop, to condense the meaning, and to propsoe an aesthetics of discontinuity. The amplication is also supported by the use of metrical and rythmical structures. In the appendix, a complete list of the rythmical patterns can be found
38
Jacob, Maryse. "Réalité et vision. Réalisme magique et poétologie dans l’œuvre lyrique de Peter Huchel." Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040092.
Full textAbstract:
La production lyrique de Peter Huchel condense les ambivalences et les tensions d’un moment de l’histoire littéraire allemande où s’opposent l’univers magique hérité du romantisme et le désir de focaliser l’attention à la fois sur les apories d’une forme de lyrisme devenue caduque et sur une poésie en devenir. Elle s’enracine dans le réalisme magique de l’entre-deux-guerres qui prône paradoxalement le retour au concret et la recherche de l’harmonie perdue, rendant ainsi le pouvoir à l’imaginaire et invitant l’artiste à faire oeuvre de magie. L’étude porte sur les tensions entre écriture poétique et réalité extra-littéraire qui font l’objet de la réflexion constante du poète, non dans des écrits théoriques, mais à travers ses poèmes. Après une « première manière de dire », reflétant les distorsions entre une démarche conventionnelle et la conscience des nouveaux enjeux du lyrisme, le poète inverse dans une « seconde manière » le sens des procédés magiques pour faire table rase des codes classiques de la représentation et fonder une nouvelle magie. Univers sensible, corps, logos et mythe sont mis en pièces. Parallèlement, s’esquisse un nouveau projet esthétique qui tend vers le laconisme et s’adresse davantage à l’imagination qu’à la perceprtion, sans pour autant s’enfermer dans l’autoréférentialité. Le nouveau domaine de la poésie est un lieu instable et ouvert où la parole demeure inachevée, mais peut sans cesse être renouvelée<br>In the lyric work of Peter Huchel the ambivalences and tensions of a certain moment in German literary history intensify when the contrast between the magic world – a legacy of romanticism- and the desire to focus on the apories of an old-fashioned lyricism on the one hand and on a newly-developing poetry on the other hand becomes obvious. Huchel’s poetry has its roots in the magic realism of the time between the two wars which – paradoxically –advocates the return to the concrete and the quest for a lost harmony giving power to the imaginary and inviting the artist to create a work of magic. The study evolves around the discrepancies between the poetic style and the reality outside literature, a topic the poet keeps reflecting on but not in his essays but in his poems. After a « first way of expression », which mirrors distortions between a conventional approach and the consciousness of a completely new starting point in the poetry, the poet changes in a « second way of expression » the sense of the magic method and leaves behind the classical codes of presentation giving way to a new magic. Physical universe, body, logos and myth are tom apart. At the same time a new esthetic programme becames visible which is directed at laconism and which addresses imagination more than perception without being caught in self-referentiality. This new domain of poetry is an instable but open field where the lyric language remains incomplete though renewable
39
Hutchinson, Patrick. "Poétique des Trobadors : Fin'Amors et pouvoir dans la lyrique d'Oc des XIIe, XIIIe siècles." Aix-Marseille 1, 1996. http://www.theses.fr/1996AIX10121.
Full textAbstract:
Cette these utilise une approche transdisciplinaire longuement murie et elaboree, associant dans le but de la constitution de ce qu'umberto eco appelle une "encyclopedie locale" (eco, 1984), philologie romane, lexicologie, semantique, histoire medievale, sociologie, psychanalyse, anthropologie sexuelle, histoire du droit et des idees politiques, rhetorique, stylistique, esthetique, histoire litteraire, poetique, histoire de la philosophie et theologie, avec comme finalite de reunir les conditions aussi "objectives" que possible, aussi fondees en meme temps que possible sur les deux plans : diachronique (histoire litteraire) et synchronique (contexte historique) qu'il est indispensable desormais d'associer (todorov, 1984) dans une demarche exegetique serieuse, afin d'aboutir sinon a un renouvellement total de notre lecture des trobadors d'oc medievaux, du moins a la constitution d'un modele de lecture assez rigoureux et coherent pour resituer les questions litteraires et culturelles qu'ils ne laissent pas de soulever dans un cadre exegetique plus exigeant et plus moderne, plus respectueux aussi de leur alterite et d'une originalite par le passe trop souvent encore mise sous sequestre par des demarches minorisantes ou reductrices.
40
Bost-Fievet, Mélanie. "Personnifications du désir d’écrire dans la poésie lyrique néo-latine : Les Muses de Giovanni Pontano et de Jean Salmon Macrin." Paris, EPHE, 2014. http://www.theses.fr/2014EPHE4025.
Full textAbstract:
Cette thèse propose une étude parallèle de l’œuvre lyrique de deux poètes néo-latins, l’homme d’État napolitain Giovanni Pontano (1429-1503) et le poète de Cour loudunais Jean Salmon Macrin (1490-1557), et des figures de Muses qui personnifient leur désir d’écrire et le caractère réflexif de leur poétique. Après des prolégomènes destinés à retracer l’histoire du motif, la première partie examine la manière dont chacun des deux poètes s’approprie les théories poétiques humanistes relatives à l’inspiration, à l’aptum générique et éthique et à la fonction sociale de la poésie. La seconde partie analyse l’imaginaire de la translatio Musarum et ses enjeux personnels et nationaux, avant d’étudier la représentation de l’univers privé, centrale chez ces deux fondateurs du lyrisme conjugal. Enfin, la troisième partie se penche sur l’élaboration de la persona et la représentation du moi à travers la Muse, d’abord dans les incertitudes de la vocation ou de la carrière de poète, enfin dans l’expression du désir et de l’incomplétude<br>This thesis offers a parallel exploration of the lyrical works composed by two neo-latin poets: Giovanni Pontano (1429-1503), a Neapolitan statesman, and Jean Salmon Macrin (1490-1557), a court poet native of Loudun; it endeavors to determine how the figure of the Muse personifies their desire to write and the reflexive nature of their poetry. Prolegomena are dedicated to retracing the story of the motive. The first part then studies how far each poet falls within the humanist theories of poetics pertaining to the questions of inspiration, the aptum of genre and ethos, and the social status of poetry. The second part analyzes the imaginary representations of the translatio Musarum and its personal and national stakes, moving onwards to the depiction of the private, familiar universe, a crucial theme for these two pioneers of conjugal lyricism. Finally, the third part addresses the construction of the poetic persona and the representation of self through the Muse, first within the uncertainties of the poet’s calling or career, then through the expression of the poet’s flaws and desires
41
Nakano, Yoshihiko. "La poétique du voyage dans la poésie lyrique et les textes de voyage de Victor Hugo sous la monarchie de Juillet." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCC255.
Full textAbstract:
Les lecteurs de Victor Hugo s'accordent à penser qu'il est un regardeur. Mais de quel regardeur s'agit-il ? Pour ce poète qui voyage, l'action de voir constitue, plus qu'un goût, un principe esthétique et poétique. Si Hugo s'attache à un beau paysage, c'est en vue d'en faire resurgir ce qui, tout en échappant au regard, prend la forme d'une pensée. Pour le dire autrement, le réel visible est, pour lui, tant régi par la Vérité cachée qu'il ne cesse de mettre en jeu l'existence du sujet. L'évocation d'un paysage est en ce sens la véritable pierre de touche du sujet : le paysage représente, comme inévitablement, le moi qui essaie de participer aux réseaux de l'univers. C'est pourquoi notre étude avait pour objet en particulier les paysages du voyage et de la poésie, afin d'examiner un moi et des moi intertextuels chez Hugo. La relative rareté des études sur le je en voyageur s'explique par une tradition critique qui le considère comme une incarnation immédiate d'un moi unique de l'auteur. Toutefois, on ne saurait trop souligner que, malgré les apparences, le je dans les textes de voyage est protéiforme non moins que le je poétique. Cette thèse dont les réflexions s'articulent autour des regards hugoliens vise ainsi à montrer la complexité du moi de Hugo, et à apporter une lumière nouvelle sur ses poèmes lyriques<br>Victor Hugo's readers agree that he is a viewer. But what viewer is it? For this poet who travels, the action of seeing constitutes, more than a fondness, an aesthetic and poetic practice. If Hugo attaches to a beautiful landscape, it is in order to bring out the truth escaping the gaze. To put it another way, the visible reality is, for him, so governed by the hidden truth that it emphasise the existence of the subject. The evocation of a landscape is in this sense the true touchstone of the subject: the landscape represents, as inevitably, the ego that tries to participate in the principle of the universe. This is why our study was particularly concerned with landscapes of travel and poetry, in order to examine an ego or egos intertextual in Hugo. The relative rarity of the studies on the traveler is explained by a critical tradition which considers him an simple embodiment of an ego of the author. However, it can not be over-emphasized that, in spite of appearances, the I in the travel texts is protean no less than the poetic I. This thesis whose reflections are articulated around the Hugo's landscapes aims thus to show the complexity of the ego of Hugo, and to bring a new light on his lyrical poems
42
Vera, Yupanqui-Béguin Lydda. "Le pari du discours lyrique à double voie du poète péruvien César Moro : Pérou 1903-1956." Aix-Marseille 1, 2003. http://www.theses.fr/2003AIX10106.
Full textAbstract:
L'oeuvre poétique du poète péruvien César Moro (1903-1956) s'inscrit comme un exemple de la poésie d'avant garde de la première moitié du XXème siècle en Amérique latine. Cependant on néglige souvent que son oeuvre est écrite en deux langues : l'espagnol et le français et sur deux continents. Moro se place alors sur la frontière invisible entre deux traditions culturelles différentes. Notre étude propose de voir, le rôle important que l'étranger joue sur l'artiste ; comment le bilinguisme tardif et néanmoins légitime de Moro peut influencer son oeuvre et sa vie, renforçant ainsi sa situation ambivalente : entre deux langues, deux cultures, deux pratiques artistiques (poésie et peinture). La dualité inhérente à César Moro est la clé pour entrer dans l'univers que son oeuvre renferme. C'est à partir du discours lyrique bilingue de Moro que nous chercherons à éclairer les raisons de son hermétisme, et celles qui l'ont poussé vers la marginalité dans laquelle il s'est réfugié.
43
Sautron, Marie. "Le chant lyrique en langue nahuatl des anciens mexicains : la symbolique de la fleur et de l'oiseau." Toulouse 2, 1997. http://www.theses.fr/1997TOU20081.
Full textAbstract:
Les chroniques du xvieme siecle laissent entrevoir la place importante occupee par le chant et la tradition orale dans la culture nahuatl. La compilation de deux corpus poetiques (romances de los senores de la nueva espana et cantares mexicanos) apres la conquete espagnole corrobore cette importance du chant. Au terme d'une etude circonstanciee des chants issus de ces deux corpus, il est possible de mesurer les rapports qu'ils entretiennent avec notre notion du lyrisme. C'est alors un chant mis en musique, danse, joue, theatralise ou mythifie qui se devoile peu a peu. C'est un chant submerge par des sentiments profonds qui s'impose progressivement. Derriere une articulation structuree, des metaphores fleuries, des images colorees, un caractere sonore et olfactif, le discours lyrique nahuatl prend forme. L'existence d'un mouvement poetique qui delivre le chant lyrique d'une certaine platitude se manifeste peu a peu. Mais, encage dans un environnement oral et olfactif, envahi par des images et des themes affaiblis par un usage trop frequent, c'est un chant plie a une thematique figee qui emerge souvent de l'analyse. Les motifs privilegies du discours lyrique sont la fleur et l'oiseau: leurs representations poetique sont etonnantes de variete, de duplicite et de complexite. Le poete nahua parvient a traduire une pluralite de symboles avec ces deux composantes. Il trouve a travers elles quantite d'expressions pour illustrer et mettre en avant une grande part de l'ideologie et de la pensee des anciens mexicains. Le chant lyrique nahuatl apparait comme un domaine complementaire pour la comprehension du mexique pre-hispanique. Il souligne certaines pratiques sociales, certaines croyances religieuses, cosmogoniques ou mythiques de cette civilisation<br>The chronicles of the 16th century herald the important role played by song and oral tradition in the nahuatl culture. The two poetical corpus (romances de los senores de la nueva espana and cantares mexicanos) compiled after the spanish conquest confirm this statement. Owing to a detailed study of the songs derived from these two corpus, we can measure the relations existing with our idea of lyrism. It's a song set of to music, danced, played, dramatized or treated as a myth which is unveiling gradually. It's a song flooded with deep feelings which emerges by degrees. Through a structured combination, flowery metaphors, coloured images, a typical style made of sounds and fragances, the lyrical nahuatl discourse is taking shape. Then appears a poetical movement which releases the lyrical song from dullness. But trapped in a oral and collective surrounding, overunned by images and themes weakened by a too frequent usage, it's a song subjected to a still thematic which often rises from the analysis. Flowers and birds are the lyrical discourse favorite themes. Their poetical representations are amazing as for as variety, doubleness and complexity are concerned. The nahua poet is able to translate various symbols with the help of these two items. From them are derived lot of expressions to illustrate and to put forward an important part of the ideology and thought of the ancient mexicans. The lyrical nahuatl song proves to be a complementary field to understand pre-hispanic mexico. It emphasizes some of the social behaviors and cosmogonic or mythical religious beliefs of this civilization
44
Venner, Camille. "Édition critique des "Poësies chrestiennes" (1660) d'Antoine Godeau précédée d'une introduction sur la pastorale lyrique et catholique de cet auteur." Thesis, Université de Lorraine, 2016. http://www.theses.fr/2016LORR0191.
Full textAbstract:
Porté par l'élan de reconquête des âmes qui anime la Réforme catholique, Antoine Godeau (1605-1672) élabore une ample œuvre poétique spirituelle dont les Poësies chrestiennes, publiées pour la première fois en 1633, sont une manifestation exemplaire. Devenu évêque de Grasse en 1636, il n'aura de cesse de mettre ses talents de poète au service de l'édification de ses lecteurs. Le recueil que nous éditons dans sa dernière version (1660) consiste en une pastorale lyrique et catholique à destination des mondains. Le pasteur polygraphe cultive une diversité des formes, des tons et des sujets pour assurer la transmission des dogmes chrétiens et donner accès à la Bible. Le recueil, par ses changements d'orientation nombreux, assume une fonction expérimentale, en devenant le laboratoire de l'ensemble de l'œuvre lyrique et pastorale de Godeau. La poétique godélienne de la pastorale lyrique repose sur la conciliation de l'enthousiasme divin et de la raison, de la grâce et de la beauté. La paraphrase des Écritures offre tout particulièrement l'occasion au poète d'explorer les possibilités d'une rencontre du Calvaire et du Parnasse et d'interroger la spécificité d'une langue poétique classique en formation, en associant la douceur et la clarté. La poésie apparaît comme le medium par excellence pour insinuer les vérités chrétiennes dans le cœur du fidèle. La conversion religieuse des topiques littéraires profanes prépare le lecteur mondain à entendre le discours énergique du poète prédicateur. Ce dernier tempère son anthropologie augustinienne en promouvant une vie mondaine tournée vers Dieu, selon l'idéal de l'honnêteté chrétienne. Les codes d'écriture mondains spiritualisés par le poète témoignent d'un souci constant d'accommodation du discours de conversion à un public désireux d'être édifié par le delectare<br>Antoine Godeau (1605-1672) first published the Poësies Chrestiennes in 1633 in the context of the Catholic Reformation which encouraged spiritual revival. This lyric collection is emblematic of his comprehensive poetic and spiritual work. Godeau became the Bishop of Grasse in 1636 and devoted his poetic gifts to enlightening the readers. This new edition is the latest version of the Poësies Chrestiennes (1660), which is pastoral Catholic verse addressed to the socialites of the time. The versatile poet expressed himself in various forms, registers and topics to convey the Christian dogma and the Bible. The content and the purpose of the book fluctuated. The Poësies chrestiennes was thus a field for experimentation : it became Antoine Godeau's laboratory for all his pastoral and lyric work. The poet defined the principles of a poetry which was based on the conciliation of divine enthusiasm and reason, a poetry where grace and beauty met. The paraphrase of the Scriptures was an opportunity to explore the conciliation of Parnassus and Calvary, as well as the specificity of a classical poetic language in the making, endowing it with gentleness and clarity. Poetry appeared to be the ideal way to instill Christian truths in the heart of the faithful. The religious conversion of secular literary rhetoric prepared the layman to hear the poet-preacher’s vigorous speech. Antoine Godeau tempered his Augustinian anthropology by promoting a life both wordly and pious, in chime with the ideal of Christian “honnêteté”. The poet spiritualized profane aesthetics, which showed his unrelenting desire to adapt his conversion discourse to a public eager to be edified by the “delectare”
45
Kozak, Alexandra. "Dictionnaire des hapax dans la poésie archaïque, d'Homère à Eschyle." Thesis, Lyon, 2018. http://www.theses.fr/2018LYSE2017/document.
Full textAbstract:
Le Dictionnaire des hapax dans la poésie grecque archaïque, d'Homère à Eschyle vise à inventorier les hapax absolus (mots uniques) de la poésie archaïque. Chaque entrée du dictionnaire offre une traduction du lemme, son analyse morphologique et lexicale ainsi que sa situation en contexte, pour expliquer son sémantisme et son étiologie. Des remarques métriques viennent compléter ces explications. Ce dictionnaire peut servir de référence ouverte à tous ceux qui s’intéressent à la création lexicale de près ou de loin, à la fois pour des travaux stylistiques et métriques, mais aussi des travaux de traduction, de papyrologie ou d’épigraphie. Il représente un outil précieux pour favoriser la recherche sur la création lexicale pour tous les linguistes. Il peut être utile aux spécialistes de littérature dans toutes les langues car il constitue une base de travail pour une véritable réflexion sur la création poétique. Un volume de commentaire au dictionnaire, Hapax legomena dans la poésie archaïque, offre une définition précise et une réflexion sur la notion d’hapax absolu, une analyse des caractéristiques majeures de la création deshapax chez les auteurs archaïques, un inventaire thématique des principaux morphèmes préfixaux et suffixaux mais aussi des lexèmes les plus récurrents en composition. Enfin, la question de la réception des hapax en synchronie, par les spectateurs ou auditeurs anciens mais aussi par les scholiastes et lexicographes, comme en diachronie, à cause des difficultés d’interprétation de certaines leçons dans les manuscrits, est traitée<br>The Dictionary of hapax legomena in early Greek poetry, from Homer to Aeschylus, aims to inventory the absolute hapax unique words) in archaic poetry. Each entry in the dictionary offers a translation of the lemma, its morphological and lexical analysis as well as its situation in context, to explain its semantics and etiology. Metric remarks complete these explanations. This dictionary can serve as an open reference for all those interested in lexical creation from near and far, both for stylistic and metrical work, but also works of translation, papyrology or epigraphy. It is a valuable tool for promoting lexical creation research for all linguists. It can be useful to literary specialists in all languages as it provides a basis for a real reflection on poetic creation. A volume of commentary on the dictionary, Hapax legomena in early poetry, offers a precise definition and a reflection about the notion of absolute hapax, an analysis of the major features of hapax creation in archaic authors, a thematic inventory of the main prefix and suffixal morphemes, but also the most recurrent lexemes in composition. Finally, the question of the reception of the hapax is treated, first in synchrony, by the spectators or listeners but also by scholiasts and lexicographers, then in diachronic, because of the difficulties of interpretation of some lessons in the manuscripts
46
Yvonneau, Jean. "Images du poète et de l'activité poétique dans la poésie lyrique chorale en Grèce ancienne (Pindare, Bacchylide) au Ve siècle avant J. -C." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/1999PA040215.
Full textAbstract:
Dans cette étude sont recensées et analysées les images rhétoriques (métaphores, allégories) par lesquelles les poètes lyriques en Grèce classique décrivent leur fonction et leur métier. Ces images sont classées en trois catégories. La première a trait aux fondements de la parole poétique ; elle met en jeu les puissances divines qui influencent la poésie (Apollon, Athéna, les muses, les Charites, la magie) et présente le poète comme un intermédiaire entre les dieux et les hommes (il s'attribue la fonction de devin, de héraut, de messager, de témoin, d'intendant). La deuxième catégorie se rapporte à l'exécution de la poésie ; les thèmes concernés sont le mouvement (sur terre, sur mer, dans les airs), l'artisanat (tissage, architecture, etc. ) et les forces de la nature en action (vent, croissance de la végétation, etc…). La troisième catégorie insiste sur les effets de la parole poétique ; il s'agit d'ouvrir sur le monde (éveil, lumière, feu) et de rétablir l'équilibre physique (boire, manger, soigner) et moral (récompenser, acquitter une dette). Pindare offre un ensemble d'images immense par le nombre et la variété (Bacchylide est bien en-deçà). L'on constate des tendances dans le choix des images en fonction des dédicataires, mais aucun esprit de système. La vision du monde déployée par l'imagerie perpétue l'idéologie archaïsante de l'aristocratie grecque au Ve siècle avant J. -C.
47
Garnier, Sylvain. "Érato et Melpomène ou les sœurs ennemies : langage poétique et poétique dramatique dans le théâtre français de Jodelle à Scarron (1553-1653)." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040148.
Full textAbstract:
L'expression poétique semble inhérente au théâtre classique. Pourtant, les pièces de la seconde moitié du XVIIe siècle, en particulier les tragédies, sont le fruit de principes « réguliers » qui ont cherché à dépoétiser le théâtre et ont largement réussi dans cette entreprise. Pour rendre compte de ce processus, il est nécessaire de retracer l'histoire de la poésie au théâtre depuis la naissance de la tragédie humaniste, au milieu du XVIe siècle, jusqu'à l'instauration de ce que la postérité appellera le classicisme. Il apparaît ainsi que l'élocution lyrique s'est progressivement déplacée au fil du temps du genre tragique vers le genre comique en suivant l'évolution de la poésie lyrique depuis le style sublime de la Pléiade jusqu'à l'expression burlesque de Scarron en passant par la simplicité malherbienne, l'ingéniosité mariniste ou l'enjouement galant. L'expression lyrique glisse ainsi progressivement des chœurs et des discours pathétiques de la tragédie humaniste vers les soupirs, les chansons et les pointes des amants de la tragi-comédie et de la pastorale avant d'être parodiée dans la parlure ridicule des personnages de la comédie burlesque. Parallèlement à ce mouvement, les penseurs réguliers théorisent l'opposition fondamentale du langage poétique et du langage dramatique, rendant ainsi presque impossible le développement d'une tragédie régulière poétique<br>Poetical expression seems to be an inherent aspect of classical theatre. However, plays written in the second half of the seventeenth century, particularly the tragedies, were conceived to adhere to regular standards of form which tended towards the removal of poetic expression from theatre and which largely succeeded in doing so. To summarise this process, it is necessary to recount the history of poetic expression in plays from the advent of humanist tragedy in the mid-sixteenth century to the establishment of what would be later called « classicism ». It can then be demonstrated that lyrical elocution shifted over time from tragedy to comedy, following the same evolution as lyrical poetry which evolved from the noble style of the Pleiade all the way to Scarron’s burlesque expression, through the simplicity of Malherbe’s expression, the ingenuity of marinism, or the preciosity of the gallant style. Poetical expression thus progressively shifted from the choirs and pathetic discourses of the humanist tragedy, towards the sighs, songs, and conceits of the lovers of tragi-comedy and pastorales, before being parodied in the ridiculous manner of speech of the characters in burlesque comedy. Simultaneously, theorists of regularity theorised the fundamental opposition between poetic and dramatic language, thus making the development of a regular poetical tragedy nearly impossible
48
Deschaumes, Bernadette. "La quête identitaire du sujet lyrique dans les trois premiers recueils de Pedro Salinas ("Presagios", "Seguro azar" et "Fabula y signo")." Clermont-Ferrand 2, 2002. http://www.theses.fr/2002CLF20017.
Full textAbstract:
"Ce travail de recherche montre le fonctionnement d'une écriture transculturelle. Les phénomènes inscrits dans le sillage de la tradition médiévale sont essentiellement ceux du triptyque comme référence picturale adaptée à l'agencement et à l'organisation des trois recueils, de l'exploitation détournée des motifs bibliques, et de la subversion du niveau allégorique dans une forme métrique qui revisite librement le "romance". Les effets de miroirs du Siècle d'Or sont abordés avec l'étude sur les trois sonnets de PR et leur effet spéculaire dans des textes saturés d'intertextualité classique. La spécularité bipolaire des sonnets est envisagée sur le plan de la poétique de l'espace et du temps ainsi que des stratégies de création de la présence dans un univers à connotation mystique. Pour terminer il s'agit de l'entrée en modernité de l'écriture de PR, SA, et FS dans une énonciation entre fragmentation et unification. Celle-ci met en évidence l'omniprésence du "yo", son effacement et son dédoublement, des points de vues mobiles et changeants dans un monde unifié par l'établissement d'un réseau de correspondances, ainsi que les contours et le brouillage de la réalité, la profusion du réel et son élimination re-créatrice dans l'affirmation du pouvoir démiurgique du sujet réel"
49
Ferreira, Maria do Céu Mendes. "Le thème de l'absence dans la lyrique amoureuse profane galicienne-portugaise : contribution à l'étude de l'unité et de la diversité des littératures romanes médiévales." Toulouse 2, 1999. http://www.theses.fr/1999TOU20099.
Full textAbstract:
La spécificité de la thématique de l'absence chez les troubadours galiciens-portugais se situe dans le motif du départ plus que dans la séparation qui découle de la hiérarchie sociale, à laquelle s'ajoute une distance dans l'espace, des troubadours d'oc. L'absence trouve dans les cantigas des assises concrètes dans la rupture définitive ou momentanée de la liaison amoureuse. Le genre d'amour et le genre d'ami sont des témoignages différents concernant l'issue et le vécu de la séparation entre les amants
50
Basso, Hélène. "La poétique de la répétition chez Guillaume de Machaut : diffraction et réfection." Bordeaux 3, 2004. http://www.theses.fr/2004BOR30026.
Full textAbstract:
Les répétitions structurent la poésie médiévale, qualifiée d'art de la variation. Cependant leurs effets de sens et le rapport à la langue qu'elles engagent restent à analyser. L'étude, portant sur la poésie lyrique française du XIVe s, dissociable de la musique, part du cas exemplaire de la production de Guillaume de Machaut. Les interprétations de la répétition se fondent sur des analyses stylistiques de pièces du recueil lyrique non noté : La Louange des dames, que cautionne la présence de procédés équivalents dans des dits narratifs. Ainsi se dégage une poétique de la répétition. Pour savoir si elle est propre à Machaut, ou si elle s'enracine dans un fait culturel quelques arts poétiques et traités de rhétorique sont étudiés. Le faible poids d'une doctrine établie amène à interroger plutôt les productions des disciples avoués de Machaut : Eustache Deschamps et Oton de Grandson. Chez eux, la poétique de la répétition prend de nouvelles orientations. Elle se diffracte, traduisant le rapport singulier de chaque poète à sa langue. Différentes, ces poétiques de la répétition témoignent cependant d'un même présupposé sur la langue : le sens des mots déborde leur première compréhension. Cette conviction légitime le recours à la répétition, et ouvre les poèmes à de multiples lectures et ré-appropriations. Ainsi, Machaut, Deschamps, Grandson, participent d'une communauté poétique : en atteste l'existence de recueils collectifs associant leur production. Trois exemples (manuscrit français 15 de Pennsylvanie, Recueil de galanteries, manuscrit 8 bibliothèque de Catalogne) permettent de comprendre comment elles peuvent être réunies et se prêter à de véritables réfections<br>Repetitions structure medieval poetry, often called as art of variation. However, their shift of meaning and their relationship to some idea on language should be further analyzed. Therefore, we shall focus on the French lyric poetry of the XIVth century in Guillaume de Machaut's exemplary work. The interpretations on repetitions, lie in stylistic analysis of pieces of the lyric collection, leaving music aside : La Louange des dames which testifies the use of similar techniques in Machaut's narrative stories. Thus, we can say there is a poetic pattern of repetition. We shall study some poetical arts and rhetorical treatrises in order to know whether the repetitions are directly linked to Machaut or else whether rooted in cultural facts. The established doctrine shall be enlightened by the study of Machaut's recognized