Relevant bibliographies by topics / Postdramatique

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Academic literature on the topic 'Postdramatique'

Author: Grafiati
Published: 4 June 2021
Last updated: 17 February 2022

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Journal articles on the topic "Postdramatique"

1

Barbéris, Isabelle. "L'humain débordé dans le théâtre postdramatique." Cités 55, no. 3 (2013): 25. http://dx.doi.org/10.3917/cite.055.0025.

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2

Danan, Joseph. "LA DRAMATURGIE AU TEMPS DU « POSTDRAMATIQUE »." Cena, no. 29 (December 4, 2019): 4–13. http://dx.doi.org/10.22456/2236-3254.98144.

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Abstract:
Quelque chose est en train de transformer en profondeur le théâtre. Hans-Thies Lehmann a eu le mérite de nommer ce phénomène en avançant la notion de « théâtre postdramatique » – même si cette expression est discutable dans la mesure où ces nouvelles formes n’annulent pas nécessairement le drame. Le théâtre du XXe siècle était basé sur le paradigme d’un « art à deux temps » (Henri Gouhier). L’auteur écrit une pièce, puis le metteur en scène s’en empare et la monte. C’est l’utopie d’Artaud, celle d’un « créateur unique », qui semble prendre corps en ce début de XXIe siècle. La dramaturgie se trouve inévitablement affectée par cette évolution : évidemment, dans son premier sens, l’art d’écrire une pièce, lorsque l’écriture et la mise en scène se produisent dans le même mouvement ; mais aussi dans son sens moderne, lorsque le terme s’applique au passage à la scène d’une pièce préexistante. Entre la transformation d’une œuvre dramatique en matériau pour la scène, sans prendre en compte sa structure dramatique, et l’imposition d’une « grille de lecture » rigide, il devrait y avoir encore place pour une dramaturgie ouverte et sensible, créant les conditions d’une expérience pour le public.Mots-clésDramaturgie. Dramaticité. Ecriture dramati- que. Théâtre « Postdramatique ». Performance. Expérience.
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Bouko, Catherine. "Texte et danse dans le th��tre postdramatique." �tudes th��trales N�47-48, no. 1 (2010): 158. http://dx.doi.org/10.3917/etth.047.0158.

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4

Aikman, Lisa. "Dramaturging Encounter in Disability Documentary: Hybrid Dramaturgies in RARE and Wildfire." Theatre Research in Canada 42, no. 1 (May 2021): 45–60. http://dx.doi.org/10.3138/tric.42.1.a03.

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Abstract:
Qu’est-ce que le théâtre documentaire peut apprendre des études du handicap ? Dans cet article, Lisa Aikman explique comment l’usage que fait le théâtre documentaire des signifiants du réel et des rencontres avec des personnes marginalisées risque de créer un autre récit de la différence innée, ce que les études contemporaines sur le handicap cherchent justement à remettre en question. Aikman fait valoir que le théâtre postdramatique du réel et les dramaturgies hybrides qui brouillent les frontières entre le réel et le fictif sont mieux équipés pour repousser les limites du réel et interroger les notions de différence perçue. Par une analyse comparative de RARE et Wildfire, deux pièces documentaires créées par Judith Thompson et une troupe d’interprètes ayant une trisomie 21, Aikman montre comment la dramaturgie postdramatique qui caractérise Wildfire permet de mettre en scène une négociation plus complexe de l’identité et de la proximité qui reflète le discours actuel sur le handicap en tant qu’identité de groupe fluide.
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5

Combes, Emilie. "La création contemporaine, entre héritage du postdramatique et narration scénique." Studia Universitatis Babeş-Bolyai Dramatica 62, no. 1 (March 17, 2017): 9–22. http://dx.doi.org/10.24193/subbdrama.2017.1.01.

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6

Catherine Rapin. "Une écriture fragmentaire héritière du postdramatique: Cet enfant de Joël." Etudes de la Culture Francaise et de Arts en France 53, no. ll (August 2015): 1–37. http://dx.doi.org/10.21651/cfaf.2015.53..1.

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7

Helbo, André. "Le son, le signe, la scène." Recherches sémiotiques 36, no. 1-2 (September 7, 2018): 255–69. http://dx.doi.org/10.7202/1051187ar.

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Abstract:
L’article interroge d’abord la question de la pertinence d’une sémiotique du son au théâtre. Après un bref survol historique, il situe la problématique du son spectaculaire dans la crise de l’agir et du ressentir propres au théâtre postdramatique. Il définit trois modalités principales de l’architecture acoustique dans le contexte du spectacle vivant d’aujourd’hui et de la libération sensorielle. Il évoque la modélisation de l’expérience acoustique. Il trace enfin quelques pistes en vue de la construction d’une sémiotique spécifique du matériau sonore.
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8

Giorgi, Margherita De. "Présence et Micropolitique du Sensible: Ouverture Alcina, un cas de composition postdramatique." Revista Brasileira de Estudos da Presença 7, no. 3 (December 2017): 437–76. http://dx.doi.org/10.1590/2237-266063597.

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Abstract:
Résumé: La notion de présence suscite un débat très animé dans la scène actuelle des arts vivants. Ce texte donne un aperçu des théories récentes et ensuite propose une approche à l’étude de la présence au prisme des épistémologies des pratiques du corps et du geste, ainsi que de la notion d’affect (Massumi, 1995; 2015). Ensuite, l’analyse d’ Ouverture Alcina, solo de la compagnie italienne Teatro delle Albe, relit la présence en tant que restitution d’un travail physique, performatif et compositionnel, à savoir un dispositif fabriquant un discours politique à travers l’expérience perceptive du spectateur.
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Guhéry, Sophie. "La danse contemporaine, laboratoire d’une action nouvelle?" Dossier — Mutations de l’action, no. 36 (May 6, 2010): 44–57. http://dx.doi.org/10.7202/041575ar.

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Abstract:
Parmi toutes les formes d’art qui actuellement nourrissent un théâtre « en crise », la danse contemporaine nous apparaît comme un formidable laboratoire d’une « action nouvelle ». On remarque en effet que beaucoup d’éléments qui la façonnent correspondent aux préoccupations d’un théâtre « postdramatique ». Il s’agit essentiellement du rapport étroit qu’elle entretient avec la notion d’immanence, de son détachement par rapport au sens prédéterminé et de sa capacité à être comme aux sources d’un « drama pur ». Que cela soit recherché ou pas par ceux qui la font, la danse est productrice « d’effets théâtre ». Une action physique et non pas « active » s’y révèle, tenant aussi bien au traitement du corps, de l’état, de la situation et de l’espace qu’au potentiel déployé par la représentation spectaculaire dans son ensemble, stimulant l’activité réceptrice.
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Pieropan, Laurence. "L’expérience dramaturgique de l’Ensemble Théâtral Mobile de 1974 à 1979 : du brechtisme au théâtre postdramatique." Textyles, no. 24 (April 1, 2004): 70–80. http://dx.doi.org/10.4000/textyles.725.

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Dissertations / Theses on the topic "Postdramatique"

1

Nachi, Ghada. "Valère Novarina : une écriture de la subversion." Bordeaux 3, 2009. http://www.theses.fr/2009BOR30050.

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Abstract:
Rebelle à toutes les codifications rigides, les composantes normatives et les bases organisatrices de la dramaturgie conventionnelle, l’oeuvre de Valère Novarina se dérobe au périmètre coutumier de l’approche théâtrale et s’écarte de tout cadre de nomenclature et de classification. Paroxystique, festive et belliqueuse, elle tient pour caducs tous les régimes linguistiques, cognitifs, épistémiques, culturels, sociologiques, esthétiques auxquels se soumettaient jadis la dynamique scripturale. Mettant tous les schémas préconçus et les présupposés canoniques sens dessus-dessous, Valère Novarina, cet inlassable explorateur des confins du verbe, porte à un degré d’incandescence la subversion et fait sauter tous les verrous du mécanisme dramatique. Polarisant les phénomènes linguistiques, le fonctionnement de l’écriture et les éléments du dispositif dramatique, le jeu de la subversion semble être un vecteur déterminant de la singularité créative de Valère Novarina. L’objectif de cette thèse est d’étudier les ressorts et les modalités de la subversion, la polymorphie de ses dimensions, la disparité de ses résonances, l’intensité de ses répercussions, la prééminence de ses enjeux. Elle examine d’abord la mise à mal des composants du drame (structure, intrigue, temps, espace), puis les catalyseurs de l’aventure subversive, à savoir la gangrène des diagrammes consensuels des personnages et « le retissage et le désapprentissage » du langage. Il est enfin question de déceler la résonance métaphysique de ce théâtre des sabordements et des débordements ainsi que sa portée dénonciatrice, et son potentiel inventif qui le hisse au rang d’une démiurgie, d’une désopilante cosmogénèse, insurrectionnelle et résurrectionnelle
Rebelling against rigid codifications, prescriptive components and founding basis of conventional dramatic/theatrical art, the play of Valère Novarina slips away from the usual perimeter of the theatrical approach and turns away from any framework of nomenclature and classification. Paroxystic, festive and aggressive, she departed from all linguistic, cognitive, epistemic, cultural, sociological and aesthetic systems by which the dynamics of play writing used to abide. Turning upside down all preconceived diagrams and canonical presuppositions, Valére Novarina, this tireless exploratory of verbs, takes to a degree of incandescence subversion and in a way undo all the bases of the dramatic mechanism. Polarizing linguistic phenomena, the functioning of play writing and dramatic/ theatrical devices, the game of subversion seems to be a determining medium of the creative singularity of Valéne Novarina. The objective of this thesis is to effectively study the means and forms of subversion, the polymorph of its dimensions, the disparity of its resonances, the intensity of its repercussions, and the preeminence of the stakes. First we apprehend the forms of devastation of the drama components (structure, intrigue, time, space); then, the catalysts of the subversion adventure that is the blight of consensual diagrams of characters and the “re-weaving and unlearning” of the language. We detect the metaphysical resonance of this theatre of ruin, excesses as well as its accusatory capacity and its inventive potential which hoists it to the rank of a demiurge, a hilarious cosmos-genesis, insurrectional and resurrectional at the same time
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Fernandez, Suzanne. "Le Théâtre à la première personne : Tadeusz Kantor et Pippo Delbono." Paris 7, 2011. http://www.theses.fr/2011PA070083.

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Abstract:
Tadeusz Kantor et Pippo Delbono inventent un théâtre à la première personne, qui se singularise par leur présence insolite sur la scène. Dans ce monde tour à tour effrayant et grotesque, composé de leurs projections imaginaires, parler de soi prend la forme d'un sacrifice : tous deux profanent ou sacrifient leur vie individuelle, à la manière de clowns christiques, outragés ou sublimés. Ils brouillent l'opposition entre la réalité, « ce qui est effectivement », et l'imaginaire ou l'illusion, entre la vie et le théâtre, bouleversant les modes de participation du spectateur à la fiction qui se déroule sous ses yeux. Les fantômes et images inutiles de Tadeusz Kantor provoquent la sensation d'un face-à-face avec un monde terrifiant et fascinant dont nous sommes séparés, comme le mort l'est du vivant, et que nous reconnaissons pourtant comme le nôtre. Bobo, exposé comme une divinité lointaine et inaccessible, par son seul regard façonne une distance en mouvement entre l' ici du spectateur et un ailleurs indéfinissable
Tadeusz Kantor and Pippo Delbono invent a first person theatre which uniqueness resides in their strange presence on stage. In this world, alternately frightening and grotesque, made of their imaginaries projections, the first person narration is a sacrifice: both of them desecrate or sacrifice their individual life, as Christlike clowns, humiliated or sublimated. They mix up the opposition between reality, « the state of things as they actually exist », with the imaginary or illusion, between life and theatre, disrupt the participation of the spectator in the fiction which takes place in front of him. The ghosts and useless images of Tadeusz Kantor prompts a feeling of face-to-face with a terrifying and fascinating world to which we are separate, like from death, but that we recognise as ours. Bobo is exhibited as a distant and unapproachable divinity, and solely with his expression he creates a mobile distance between the world of the spectator and a nowhere indefinable
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Hennaut, Benoît. "Théâtre et récit, l’impossible rupture : la place du récit dans le spectacle postdramatique entre 1975 et 2004, selon Romeo Castellucci, Jan Lauwers, Elisabeth LeCompte." Paris, EHESS, 2013. https://janus.bis-sorbonne.fr/login?url=https://doi.org/10.15122/isbn.978-2-406-06009-3.

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Abstract:
Dans sa période particulièrement dense de production au cours des années 1980 et 1990, le spectacle dit « postdramatique » affirme régulièrement sa volonté de rompre avec toute forme de narration qu'illustrent des formes dramatiques plus conventionnelles. C'est même devenu un topos critique de dire que le théâtre postdramatique échappe à la narration ou la rend problématique, tant pour qualifier sa production (en termes de projet dramaturgique) que sa réception par le public. Cependant, la force du déni installe le doute. Je me suis inquiété de l'insistance avec laquelle une certaine manière de concevoir le théâtre écartait ou s'opposait à un élément aussi structurant et persistant que le récit (en termes culturels, littéraires, dramatiques,. . . ). Après avoir posé les termes de sa définition, j'ai voulu vérifier si le spectacle postdramatique ne contenait vraiment plus aucune forme de récit, quand bien même cette fonction lui serait implicitement ou explicitement contestée. Ma décision de mener l'enquête a été essentiellement provoquée par deux phénomènes : une intuition narrative qui se manifeste quand même vis-à-vis de ces spectacles (sur quoi est-elle fondée ?), et l'existence de textes qui en font le compte-rendu sur un mode narratif à la réception. Par ailleurs, j'ai senti le besoin d'analyser de manière un peu plus fine cette poétique non-narrative déclarée par les auteurs
During a particularly dense production period running in the 1980s and 1990s, the so-called "postdramatic" theater regularly attempted to break from all forms of narration utilized in more conventional dramatic forms. It became a recurring critical leitmotif to say that postdramatic theater either eschewed narration entirely or rendered it problematic, whether as a qualifier to its production (in dramaturgical terms) or to explain audience reaction. However, repeated denial definitely inspires doubt. I was concerned that one particular way of thinking about theater seemed to refuse or rule out such a consistent and structural element as the narrative (culturally, dramatically, as well as in literary terms). I therefore wished to be sure that certain postdramatic pieces really had not retained any form of storytelling, had the choice been made implicitly or explicitly to exclude it. My decision to begin this investigation was triggered by two specified phenomena: a narrative intuition which manifests itself whether one wants it or not when one sees one of these pieces (what is its foundation?), and the existence of texts produced at the reception level which still seem to form a narrative stream when examined. I also felt the need to undertake a more detailed analysis of this non-narrative poetics as laid out by its creators
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Hennaut, Benoît. "Théâtre et récit, l'impossible rupture: la place du spectacle dans le spectacle postdramatique entre 1975 et 2004, selon Romeo Castellucci, Jan Lauwers, Elizabeth LeCompte." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2013. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209559.

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Abstract:
Dans sa période particulièrement dense de production au cours des années 1980 et 1990, le spectacle dit « postdramatique » affirme régulièrement sa volonté de rompre avec toute forme de narration qu’illustrent des formes dramatiques plus conventionnelles. C’est même devenu un topos critique de dire que le théâtre postdramatique échappe à la narration ou la rend problématique, tant pour qualifier sa production (en termes de projet dramaturgique) que sa réception par le public.

Cependant, la force du déni installe le doute. Je me suis inquiété de l’insistance avec laquelle une certaine manière de concevoir le théâtre écartait ou s’opposait à un élément aussi structurant et persistant que le récit (en termes culturels, littéraires, dramatiques, …). Après avoir posé les termes de sa définition, j’ai voulu vérifier si le spectacle postdramatique ne contenait vraiment plus aucune forme de récit, quand bien même cette fonction lui serait implicitement ou explicitement contestée. Ma décision de mener l’enquête a été essentiellement provoquée par deux phénomènes :une intuition narrative qui se manifeste quand même vis-à-vis de ces spectacles (sur quoi est-elle fondée ?), et l’existence de textes qui en font le compte-rendu sur un mode narratif à la réception. Par ailleurs, j’ai senti le besoin d’analyser de manière un peu plus fine cette poétique non-narrative déclarée par les auteurs.

* * *

During a particularly dense production period running in the 1980s and 1990s, the so-called “postdramatic” theatre regularly attempted to break from all forms of narration utilized in more conventional dramatic forms. It became a recurring critical leitmotif to say that postdramatic theatre either eschewed narration entirely or rendered it problematic, whether as a qualifier to its production (in dramaturgical terms) or to explain audience reaction.

However, repeated denial definitely inspires doubt. I was concerned that one particular way of thinking about theatre seemed to refuse or rule out such a consistent and structural element as the narrative (culturally, dramatically, as well as in literary terms). I therefore wished to be sure that certain postdramatic pieces really had not retained any form of storytelling, had the choice been made implicitly or explicitly to exclude it. My decision to begin this investigation was triggered by two specific phenomena: a narrative intuition which manifests itself whether one wants it or not when one sees one of these pieces (what is its foundation?), and the existence of texts produced at the reception level which still seem to form a narrative stream when examined. I also felt the need to undertake a more detailed analysis of this non-narrative poetics as laid out by its creators.


Doctorat en Langues et lettres
info:eu-repo/semantics/nonPublished

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De, Giorgi Margherita. "Figurations de la présence : esthétiques corporelles, pratiques du geste et écologies des affects sur la scène performative contemporaine." Thesis, Paris 8, 2017. http://www.theses.fr/2017PA080038.

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Abstract:
Dès les années 2000 à aujourd’hui, la présence est au coeur d’un nouvel intérêt théorique.Cette thèse porte sur les recherches en arts vivants et sur des créations récentes à lalumière des enjeux corporels, perceptifs et théoriques résonnant avec ce concept. Lesdéfinitions courantes sont relues et intégrées, dans une approche phénoménologique, parl’analyse du geste dansé, l’épistémologie des pratiques somatiques, l’écologie despratiques (Stengers 2005) et une pensée politique sur les affects (Massumi 1995 ; 2015).Dans la première partie on articule cette approche en fonction d’un regard critique sur lesdiscours théoriques, qu’on met en dialogue avec notre corpus d’oeuvres théâtrales etchorégraphiques. Ici on considère, parmi d’autres pièces, Il principe Amleto du metteur enscène et comédien italien Danio Manfredini. La seconde partie rassemble les analysesd’Ouverture Alcina, monologue de la Compagnie italienne Teatro delle Albe ; de récentescréations chorégraphiques de Virgilio Sieni ; de la pièce Déperdition, crée par MyriamGourfink et d’une reprise de Self Unfinished de Xavier Le Roy dans le cadre du projet« Rétrospective ». Chaque analyse porte sur le travail physique et perceptif de l’interprète,en considérant les processus de création et d’apprentissage, et sur le rapport entre oeuvreet milieu de production et de circulation. Ainsi, l’expérience personnelle de spectatricechercheuseet la centralité du regard se mettent en avant. Il en résulte une perspectiveépistémologique sur les pratiques de la présence, entendues comme pratiquesperformatives, et sur les figurations de la présence, à savoir les effets perceptifs etaffectifs de la performance
Since the early 2000s, the concept of presence is at the core of a renewed interest in theperforming arts field. This dissertation reviews recent theoretical debates and explorestheatrical and choreographic works resonating with the corporeal and aesthetic qualitiesassociated with this notion. Within a phenomenological framework, current definitions arereconsidered through the lenses of dance gesture analysis, expanding on theepistemology of somatic practices, the ecology of practices (Stengers 2005), and politicalfocus on affects (Massumi 1995; 2015). The academic discourses are also examinedthrough a brief outlook of the works, including Il Principe Amleto – a piece by Italian actorand stage director Danio Manfredini. The pieces considered in the second part of thedissertation include Ouverture Alcina, a monologue by the Italian theatre company Teatrodelle Albe; recent projects by Italian choreographer Virgilio Sieni; a dance performanceentitled Déperdition, by French artist Myriam Gourfink; and a recent rerun of Xavier LeRoy’s Self Unfinished within his project « Rétrospective ». Each analysis emphasizes thephysical and perceptive work of the performers and considers the artist’s creative process,as well as the relation between the pieces and their broader staging context. In addition,the personal experience of the scholar/spectator is given prominence, as well as of hergaze. The resulting investigation is thus fundamentally epistemological, focusing at onceon practices of presence – understood as performative in nature –, and on figurations ofpresence, the perceptive and affective implications of performance
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Bouko, Catherine. "La réception spectatorielle et les formes postdramatiques du spectacle vivant." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2009. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/210342.

Full text
Abstract:
Selon différents théoriciens (Guénoun, Lehmann, Ryngaert, etc.), la fin du vingtième siècle se caractérise par l'émergence de nouvelles formes théâtrales, marquées par la contamination des pratiques spectaculaires.

Hans-Thies Lehmann reprend la notion de "théâtre postdramatique" proposée par Richard Schechner pour qualifier ces formes métissées de spectacle vivant La thèse défendue est la suivante :le théâtre postdramatique trouve sa spécificité non seulement dans la transgression des codes dramatiques mais surtout dans des processus de réception spécifiques qu'il importe de définir, à l'aide d'outils notamment sémiotiques. Ces processus sont situés et construits par rapport à différents modèles interdisciplinaires.
Doctorat en Information et communication
info:eu-repo/semantics/nonPublished

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Le, Guen Fanny. "Belles de Jazz. Voix et violence des figures féminines dans le théâtre de Koffi Kwahulé." Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040221.

Full text
Abstract:
Koffi Kwahulé est l'héritier d'une culture littéraire, artistique et théâtrale ivoirienne.Exilé en France depuis trente ans, son écriture s'élabore dans une tensiontransatlantique et se veut constitutive d'une mythologie contemporaine, féminine etnoire. L'ambition rhapsodique de cette dramaturgie est de déconstruire, à travers lavoix et la violence de puissantes figures féminines héritées des personnagesarchétypiques du Théâtre Ivoirien, tant le drame classique que les représentationshistoriques et culturelles qui gangrènent les relations internationales. Les figuresféminines en Belles de jazz donnent le tempo à cette dramaturgie qui comme le ThéâtreNoir nord-américain du milieu du siècle dernier, développe une rhétorique du jazz aucoeur de la mythologie de l'auteur
Koffi Kwahulé inherited from the Ivorian literary, artistic and theatrical culture.However, as he has been living in exile in France for thirty years, a transatlantictension pervades his writing and thus creates a contemporary black femininemythology. The voices and violence of powerful female figures that mirror archetypesin Ivorian Theatre, create a rhapsody dimension in this dramaturgy, which is aimed atdeconstructing the classical drama and the historical and cultural representations thatcorrupt international relations. Female figures in Belles de Jazz give the dramaturgyits tempo and make it develop into a jazz rhetorics deeply rooted into the author's ownmythology, similar to mid-twentieth century Afro American theatre
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Rousselle, Jeanne. "Le théatre post-politique de deux "enfants terribles" de la scène européenne : Rodrigo García et Angélica Liddell (2005-2018)." Thesis, Aix-Marseille, 2020. http://www.theses.fr/2020AIXM0048.

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Abstract:
Issus du théâtre alternatif espagnol des années 1990, Rodrigo Garcia et Angélica Liddell s'imposent aujourd'hui comme deux figures contestataires, réclamées par les scènes et les festivals européens, avec un théâtre "coup de poing" en prise avec le monde. Héritiers du théâtre postdramatique, fait de déconstructions et de réécritures, ils font désormais partie d'une génération d'artistes, défendant une écriture de plateau iconoclaste. La dimension apparemment scandaleuse de leurs spectacles et les différentes formes de censure auxquelles ils doivent faire face, nous inclinent à penser que nous assistons à une réactivation d'un théâtre politique, au sens militant du terme. L'inscription de ces deux artistes transgressifs dans une société dite postmoderne, et nos travaux d'analyses de textes et de spectacles, portant sur une décennie de créations, aideront à redéfinir la véritable nature de leur engagement
Coming from the Spanish alternative stage of the 1990's, Rodrigo Garcia and Angélica Liddell are now two of the greatest protesting figures, most wanted on European stages and festivals with their "punchy" theatre, in touch with the actual world. Heir of the post-dramatic theatre, made of deconstructions and rewritings, they are now part of generation of artists defending an iconoclastic stage composition. The apparently scandalous dimension of their shows and the different forms of censorship that they have to face, invite us to believe that we are watching the reactivation of a political theatre, in the activist sense of the word. These two transgressive artists embedded within a post-modern society, and our texts and performances analysis about a decade of creations, will help us to define the true nature of their involvement
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Astier, Marie. "Présence et représentation du handicap mental sur la scène contemporaine française." Thesis, Toulouse 2, 2018. http://www.theses.fr/2018TOU20015/document.

Full text
Abstract:
Le handicap est aujourd’hui de plus en plus présent dans le monde de l’art. Ce phénomène est le plus souvent analysé dans la perspective de l’Art thérapie, dans laquelle le théâtre est envisagé comme un outil thérapeutique au service du patient.Cette thèse s’ancre dans une perspective très différente : elle étudie la question de la visibilité du handicap mental via une approche esthétique et politique, inspirée du courant anglo-saxon des disabilty studies, dans lequel le handicap est notamment analysé comme un phénomène social et culturel. La première partie est consacrée à un historique de la mise en visibilité de l’anormalité en général, ˆ travers les phénomènes de foire et les cas pathologiques entre le XVIe et le XXe siècle, en Europe et aux États-Unis. Elle souligne que la visibilité de ce qui est aujourd’hui appelé handicap a toujours joué sur l’ambiguïté entre la présentation et la représentation. La deuxième partie se concentre sur le théâtre contemporain et analyse les conditions de mise en audibilité du handicap mental dans trois spectacles des années 2010 : Le Bizarre Incident du chien pendant la nuit mis en scène par P. Adrien, L’Empereur c’est moi mis en scène par V. Poirier et Rendez-vous gare de l’Est mis en scène par G. Vincent. Interprétées par des comédien.ne.s considéré.e.s comme valides, ces trois propositions artistiques prennent le handicap pour thème et le présentent sous la forme d’un partage d’expérience. Il y apparaît comme un écart à une norme sociale, qu’il contribue alors à mettre en question. La troisième partie est consacrée à des spectacles exclusivement interprétés par des comédien.ne.s en situation de handicap mental, dans lesquels celui-ci devient une ressource esthétique, tant au niveau de la dramaturgie, que du jeu d’acteur ou de la mise en scène. Des créations de la Compagnie de l’Oiseau-Mouche, de l’Atelier Catalyse et du Theater HORA, ainsi que les discours portés sur elles, sont ainsi analysées et comparées
Disability is nowadays increasingly present in the art world. This phenomenon is usually analyzed in the context of art therapy, in which theater is used as a way to improve the patient’s health. This dissertation adopts a very different perspective: inspired by disability studies, in which disability is considered a social and cultural phenomenon, it focuses on the visibility of mental disability through an aesthetic and political lens. The first part is an historical contextualization of abnormality in general. It studies how the freaks and the pathological cases gained visibility between the 16th and the 20th century, in Europe and in the United States. It stresses that what is nowadays called Ôdisability’ was always represented rather than merely exhibited. The second part focuses on contemporary theater and examines how mental disability can be heard, through the analysis of three performances created in the 2010’s : The Curious Incident of the Dog in the Night-Time directed by par P. Adrien, I am the Emperor directed by V. Poirier et Meet me at East Train Station directed by par G. Vincent. Played by able actors and actresses, these performances take disability as a theme and show it as a sharing of experience. Disability is portrayed as a deviation from social norms, which it enables to question. The third part is devoted to performances entirely played by actors and actresses with mental disabilities, in which disability becomes an aesthetic resource regarding dramaturgy, playing and staging. Creations by La Compagnie de l’Oiseau-Mouche, Atelier Catalyse and the Theater HORA, as well as the discourse about these companies, are analyzed and compared to each other
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Vennemann, Aline. "Architectures et architectures de la mémoire : le théâtre d'Elfriede Jelinek et de Peter Wagner (1991-2011)." Phd thesis, Université Rennes 2, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00936723.

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Abstract:
Le théâtre d'Elfriede Jelinek et de Peter Wagner s'inscrit dans la (re/con)quête d'une identité mise à mal par les traumatismes successifs de l'histoire austro-allemande ainsi que par les relations contradictoires qu'entretient le peuple germanique avec son passé fasciste. A la montée des commémorations officielles depuis le début des années 1990, qui va de pair avec la disparition des derniers témoins de la Shoah, les textes, tout comme les mises en scènes et performances vocales qu'ils suscitent, opposent un théâtre des lieux et des milieux de la mémoire. L'analyse des stratégiestextuelles et scéniques, sous l'angle des formes, structures et des enjeux de la mémoire et du souvenir, met au jour une esthétique théâtrale particulière de ce que l'on peut appeler un art du " remembrement".
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Books on the topic "Postdramatique"

1

Bouko, Catherine. Théâtre et réception: Le spectateur postdramatique. Bruxelles: P.I.E. Peter Lang, 2010.

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