Dissertations / Theses on the topic 'Préraphaélisme'

Dante-gabriel rossetti (1828-1882), peintre et poete anglais d'ascendance italienne, figuratif et symboliste, fut l'un des fondateurs du preraphaelisme. En peinture, par le trait, la couleur, la technique, il se rattache a la lignee des hogarth, gainsborough, constable, crome, cotman, peintres a l'huile ou a l'aquarelle d'angleterre, a l'influence tutelaire des primitifs italiens, des maitres flamands, des coloristes venitiens dans les portraits feminins. -en poesie, il se considere comme l'heritier de la pensee dantesque par le choix des sujets et des themes, par l'execution realiste, minutieuse, harmonieuse de sa prosodie, par le culte des "sens caches" symbolistes, mystiques, anagogiques, selon l'esprit du "convivio" de dante. -les testaments, la mythologie, la "vita nuova", la "divine comedie", inspirent sa plume et son pinceau. -il associe peinture et litterature. -l'etude de ses tableaux, en relation avec sa poesie, permet d'analyser les "correspondances" de son art grace a une critique comparee des structures profondes et des structures de surface. -elle s'efforce de mettre en relief le dualisme et la thematique de l'imaginaire de rossetti a la lumiere des methodes des psychologues et des mythologues de nos jours, sans a-priorite, en mettant l'accent sur les caracteristiques du temperament. -elle revele son conflit intime entre amour physique et amour idealise, suivant l'amorisme de dante et du "dolce stil nuovo". Elle leve ainsi le voile sur la forte personnalite et sur les oeuvres, souvent mal comprises, de l'un des artistes les mieux doues de l'art anglais du xixe. Siecle. -enfin, l'exegese de la stylistique picturale et poetique de dante-gabriel rossetti permet d'ouvrir une perspective possible sur l'interpretation de la notion de style.

Le mouvement préraphaélite britannique présente une diversité de facettes qui entretiennent avec certains aspects de la peinture française et de la poésie francophone des rapports à explorer. La présente étude tente de mettre à jour et d'éclairer quelques-uns de ces rapports. Par exemple, elle s'attache à définir les liens et convergences (et aussi les différences) entre le "réalisme" des premières œuvres préraphaélites et le "réalisme" tel que l'entendent courbet et ses contemporains, en prenant en particulier comme thèmes communs la vision du sacré, du travail et des problèmes sociaux. Elle montre comment des "esprits avancés" comme Mérimée, Lecoq de Boisbaudran et Charles Blanc se sont un moment tournés vers l'exemple réformiste anglais (dont on crédite à tort ou à raison les préraphaélites) pour tenter de redéfinir une politique de l'enseignement des arts et de l'organisation des musées. La pénétration des œuvres (peinture et poésie) et des idées d'inspiration préraphaélite est suivie pas à pas au fil des expositions et des comptes rendus de la critique. Quelques répercussions, en particulier de l'œuvre de Burne-Jones, dans des œuvres picturales et chez quelques poètes symbolistes sont aussi analysées. Enfin, il est proposé un essai de synthèse entre les diverses formes de préraphaélisme (germanique, français, britannique)
The English pre-Raphaelite movement presents a variety of aspects which have features in common with French painting and poetry. The aim of this study is to bring forward and analyze some of these aspects: for example it tries to show the similarities and differences between the "realism" in the earliest pre-Raphaelite paintings and the French so-called "réalisme" as exemplified by Courbet and some of his contemporaries in their way of portraying the sacred, people at work, and social problems. It shows how avant-gardists such as Merimee, Lecoq de Boisbaudran and Charles Blanc one looked up to British reformists - who they thought were mainly pre-Raphaelites - in the teaching of the arts and the conception of museums. It then goes on to show how pre-Raphaelite works (painting and poetry) and ideas penetrated the French cultural environment through the exhibitions and the press. Burne-Jones's impact on the work of some symbolist poets and painters is also examined. The conclusion suggests a synthesis between various forms of pre-Raphaelitism (German, English and French)

Entre archaïsme et modernité, les sources esthétiques de William Morris (1834-1896) s'enracinent dans divers pans de la culture européenne : la découverte des esthétiques gothiques et islandaises, un intérêt croissant pour les théories socialistes, associées à une ambition de rénovation sociale par l'art. Ces centres d'intérêt agrégés en un système cohérent amènent l'artiste à porter son attention sur un média particulier, le livre, support exemplaire permettant de mettre en pratique les théories acquises sur l'art, la beauté, l'honnêteté dans le travail, théories principalement dérivées de la pensée de John Ruskin (1819-1900). Les livres des Kelmscott Press de Morris posent ainsi la question de la recherche du Livre idéal, de sa nature, de son contenu, de sa forme. La réponse donnée par l'artiste dans ses discours et ses productions est déterminante dans l'Europe du livre autour de 1900. La France, peu réceptive, ne sera représentée que par Lucien Pissarro. Mais la Belgique, et surtout l'Allemagne, tireront profit des enseignements morrissiens. L'appropriation de ces principes, puis leur dilution dans d'autres courants, donneront un art du livre européen dépouillé des excès formels du maître. Cette réinterprétation transnationale, en particulier avec les Cranach Presse du comte Kessler, représentera paradoxalement l'entrée dans la modernité d'une vision fondée sur la glorification des siècles passés

Fondée en réaction aux conventions immobilistes et ternes de la Royal Academy, et annonçant des mouvements guidés par une recherche de la seule beauté plastique, la Confrérie Préraphaélite est souvent perçue comme une longue rêverie nostalgique aux contours imprécis. Si son engagement politique permet à William Morris d’échapper à cette catégorisation, Dante Gabriel Rossetti et ses disciples sont habituellement associés à une esthétique passéiste. Prenant le contre-pied de cette lecture, cette recherche s’intéresse à la dimension politique de la Confrérie, et aux enjeux de son engagement philosophique et idéologique. Cette étude d’un corpus poétique et pictural représentatif des Préraphaélites mêle à une perspective culturaliste et historiciste l’aspect esthétique et formel de leur art, pour en faire ressortir les attitudes politiques. En mettant les poèmes et les tableaux en regard de textes théoriques du XIXe siècle et en les lisant au prisme de théories sur la modernité, l’antimodernité, et l’altermodernité, elle exploite l’idée que la faille, représentation du décrochement et du discontinu autant que principe actif de création, permet l’ouverture d’une mise au défi permanente de l’idéologie dominante et la mise en place d’une alternative à la subversion, faisant des Préraphaélites les artisans d’une révolution tranquille destinée à transformer l’art et la société victorienne en profondeur
In reaction to a dull, never-changing Royal Academy, and announcing movements focused on sheer aesthetic beauty, the Pre-Raphaelite Brotherhood is often seen as wrapped in a long, hazy, melancholy reverie. William Morris’s political commitment spares him such labelling, but Dante Gabriel Rossetti and his disciples are often associated with past-obsessed aesthetics. Taking a stand against such a bias, this dissertation emphasises the political aspects of their work, and the scope of their philosophical and ideological commitments. By interweaving a cultural and historicist perspective with the formal and aesthetic sides of their art, this study of a representative set of Pre-Raphaelite paintings and poems seeks to identify the political attitudes underlying their art. Through the prisms of 19th century theoretical texts and reflections by thinkers of modernity, counter-modernity, and alter-modernity, this analysis probes the idea that rifts and faultlines represent both displacements and a creative principle, while simultaneously opening the way to a permanent challenging of dominant ideology and offering an alternative to subversion. The artistic twist on the faultline concept makes the Pre-Raphaelites craftsmen of a quiet revolution, meant to effect a deep transformation of Victorian society and art

Malgré leur silence et la puissance de leur rôle allégorique, certaines femmes préraphaélites se sont permis de laisser un témoignage direct de la portée idéologique du mouvement; Elizabeth Siddal et Georgiana Burne-Jones sont les seules de ces femmes à avoir osé commenter ouvertement le destin de la femme préraphaélite. Leurs œuvres évoquent à la fois la liberté d'action et de pensée accordée aux femmes par les préraphaélites et l'internement du "paraitre" de la féminité qu'il leur a fallu symboliser. Leur message est essentiellement moderne puisqu'il évoque la difficulté de la femme à s'insérer dans une superstructure socio-professionnelle et idéologique typiquement masculine
In spite of their silence and beyond the allegory of their image, some pre-Raphaelite women managed to leave an open testimony of the ideology of the movement. Elizabeth Siddal and Georgiana Burne-Jones are the only pre-Raphaelite women to have dared an open commentary on the destiny of the pre-Raphaelite woman. Their works and realizations speak of the freedom of action and thought the pre-Raphaelites entrusted women with, yet they also speak of the alienation of the icon of femininity both women were called upon to embody. Their message is essentially modern in a much as it revolves around the difficulty both women experienced as they tried to find their place in a typically masculine socio-professional and ideological environment

Plus d'un siècle après la fin de l'époque victorienne, il est possible de poser un regard neuf sur l'iconographie féminine des arts britanniques de cette période en observant les représentations mariales qui y font éclosion. Le retour de la figure de la Vierge Marie en Angleterre est le fruit d'une problématique artistique, morale, sociale et historico-religieuse, que cette thèse s'efforce d’analyser. Elle s'attache à comprendre et à démontrer pourquoi et comment ce pays est passé de la quasi-inexistence, sinon d'une résistance à cette représentation en raison du contexte politico-religieux propre à la Grande-Bretagne, à une acceptation de celle-ci au cours du XIXe, siècle de l’éclectisme et de l’internationalisation. Cette thèse a pour ambition de défendre l'idée d'une Madone anglaise, méconnue mais réelle, en visant à établir le fait du revival marial au sein de la géographie culturelle britannique. Elle examine à ce dessein l'influence de la Royal Academy, de l'Oxford Movement, du Catholic Revival, du Grand Tour, du Romantisme, du Gothic Revival, du mouvement Nazaréen, du mouvement Préraphaélite, de l’Orientalisme, de l’Aestheticism, du Symbolisme. Sont pris en considération les arts les plus divers : peinture, sculpture, architecture, musique, vitrail, gravure, art du livre, poésie, orfèvrerie, littérature, textile ou photographie. Ces représentations hétérodoxes s’entremêlent avec celles de la reine Victoria et celles de la femme anglaise, en offrant un phénomène unique de sacralisation iconographique, à savoir le culte des « Madones laïques » par le biais d’images d'inspiration explicitement mariale ou implicitement sacrée
Well over a century after the end of the Victorian era, one can still attract a new perspective on the iconography of female British art of this period by observing the representations of Marian resurgence. The return of the Virgin Mary figure in England appears to be problematic in many aspects - artistic, moral, social, historic and religious - which this thesis attempts to analyze. This thesis also seeks to understand and demonstrate how and why this country, in light of the fierce resistance of such representation once distinctive of the political and religious view in Britain, has shifted from an almost non-existent stance of such movement into its acceptance in a nineteen century of eclecticism and internationalism. Moreover, this thesis aims on one hand to defend the idea of an unfamiliar but genuine "English Madonna" and on the other hand to further establish the very fact of Marian resurgence in British cultural and geographical milieu. Likewise, this thesis will examine the influence of the Royal Academy of Arts, the Oxford Movement, the Catholic Revival, the Grand Tour, Romanticism, the Gothic Revival, Nazarene and Pre-Raphaelite movement, Orientalism, Aestheticism and Symbolism. Herewith, the following diverse arts are taken into consideration: painting, sculpture, architecture, music, stained glass, engraving, book art, poetry, jewelry, literature, textiles and photography. These unorthodox representations intermingle with those of Queen Victoria and those of the English woman, offering a unique phenomenon of a sacred iconography, namely the worship of "Madonnas secular" through an explicitly Marian or implicitly sacred inspirational image

L'oeuvre picturale et poétique de Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) s'attache à dépeindre un idéal de féminité dont chaque représentation présente une facette ou un masque. A l'instar de Méduse, dont cette thèse explore le mythe, la femme rossettienne s'offre au regard du spectateur-lecteur sous l'aspect positif de la Muse ou sous les traits menaçants de la Gorgone. Au-delà de cette dichotomie qui coi͏̈ncide avec la vision victorienne dualiste de la féminité - l'Ange du foyer et la Femme fatale- il s'agit de montrer comment texte et image se répondent ou se confrontent pour renvoyer à l'artiste une image parfaite, double de lui-même. Au fil des oeuvres et à mesure que Rossetti élabore un mythe personnel de la féminité, l'image qu'il présente se trouble et s'accompagne nécessairement d'une mort. Soumise au miroir de l'artiste, sa Muse s'efface ou renvoie à son créateur narcissique le reflet d'une altérité absolue. Partant du poème de Rossetti Aspecta Medusa qui met en scène cette dialectique entre soi et l'Autre, entre l'artiste et son modèle aussi bien qu'entre le réel et l'art, ce travail adopte le modèle de la quête pour décrire un parcours et cerner l'individualité d'unregard.

Cette thèse explore les relations qu'ont pu entretenir l'art poétique de Keats, Tennyson et Rossetti avec l'œuvre visuelle du mouvement préraphaélite. La rencontre entre le texte et l'image est particulièrement fructueuse – poèmes mis en tableaux, ekphrasis poétiques, volume illustré issu de la collaboration des artistes, double pratique artistique chez Rossetti. Cette relation forte s'appuie sur une tradition encore très vivace au dix-neuvième siècle anglais, celle de l'ut pictura poesis. Cette comparaison d'Horace invite à placer peinture et poésie en miroir, chaque œuvre se construisant à l'image de l'autre. Or pour le regard qui doit désormais se confronter à deux formes hétéroclites, dotées de leurs propres codes et modalités d'appréhension, le texte/image peut impliquer une certaine gêne. En cela, devenir lecteur/spectateur, déjà, semble l'expérience d'un dessaisissement. Tenter de maintenir l'unicité et l'unité de chaque œuvre, comme garanties de l'originalité artistique, ne se fait de plus qu'au prix de dédoublements et de miroitements qui interdisent la stabilité de l'interprétation. Si l'on accepte ce dessaisissement, l'élan réciproque du poème au tableau paraît parfois tendre vers, voir se suturer en un espace unique, qui permettrait dès lors une saisie globale, un tissage des formes, une façon de penser les deux moitiés comme indissociables l'une de l'autre. La suturation, brèche et potentielle blessure, doit alors s'envisager comme une entité texte/image dynamique, qui renonce à la fixité par l'ébauche, l'inachèvement, pour nous entraîner vers un espace/temps plus complexe, celui du parcours labyrinthique où le texte/image se fait quête
This dissertation on word and image focuses on the relationship connecting Keats, Tennyson, Rossetti's poetry and Pre-Raphaelite art, be it through visual representations of poems, ekphrastic works, illustrated books, or Rossetti's “double works” of art linking poem and painting. This strong link partly results from the persistence in nineteenth-century England of the powerful tradition of ut pictura poesis, a comparison by Horace which has been used to blend poetry and painting, as if they were mirror images of each other. However, since they remain heterogeneous forms of art, each with its own codes and modes of apprehension, we can wonder whether simultaneous perception may entail no uneasiness. Indeed, being a reader/viewer implies, from the very start, abandoning some habits of perception. Even as we try to maintain the uniqueness of each work of art, doublings, mirroring effects debunk stable interpretation. If we admit this form of amazement implied by word and image, there might be a way of considering them as a whole, each aspiring to find completeness by including the other: only then may they become inseparable “halves”. There still exists a potentially painful interstice between the two that the art of inachievement, through sketches or suspension, sublimates, creating a more complex unity, a dynamic process aiming to grasp both poetry and painting, in which the reader/viewer enters the path of labyrinthine a(maze)ment

En 1848, les peintres anglais Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), William Holman Hunt (1827-1910) et John Everett Millais (1829-1896) fondèrent à Londres la Confrérie Préraphaélite, une école artistique qui cessa d'exister en 1860. Tentant d'éluder la légende romanesque inspirée par les biographies des artistes, nous proposons une approche scientifique du Préraphaélisme, basée sur l'étude de documents autographes et l'observation des œuvres, ce qui permet de soulever, ou de réétudier, certaines questions touchant notamment aux traditions dans lesquelles s'inscrivit le mouvement. Parvenue à la conclusion que les Préraphaélites admiraient surtout les maîtres de l'art chrétien de la Renaissance, et cela pour des raisons théologiques et philosophiques autant qu'artistiques, nous avons souhaité identifier les emprunts. Ceux-ci se rapportent à l'aspect technique de l'art - formats, supports, préférences chromatiques - mais également à la structure narrative de la scène peinte et à la configuration " en feuilleté " des différents sens de l'œuvre. Nous suggérons ici que les œuvres préraphaélites aux signifiés multiples répondent à un schéma religieux de lecture. En appliquant aux œuvres une grille de lecture analogue à celle que certains théologiens de l'époque, en héritiers de la scolastique patristique, recommandaient pour la lecture de la Bible - à savoir la " doctrine des quatre sens " -, nous proposons un système logique et permanent d'organisation du message peint dans l'œuvre préraphaélite. Toutefois, influencés par les grands débats théologiques de la première partie du règne de Victoria les Préraphaélites ne purent rester longtemps fidèles aux canons de l'art. Ils s'en détournèrent peu à peu pour mettre en question les sources religieuses et l'interprétation qui en était donnée. Rejoignant le contre-courant artistique européen, dès les années 1850, leur art procéda simultanément à la démystification du religieux et à la sacralisation du profane

Au XIXe et au début du XXe siècle, la littérature et la peinture britanniques servirent de cadre à la résurgence des légendes arthuriennes. Nombre de peintres raphaélites, mais aussi d'auteurs célèbres (tels Scott, Wordsworth, Tennyson, Arnold, Morris, Swinburne, Hardy, Eliot, pour ne citer que quelques uns) furent inspirés par le monde de Camelot et plus particulièrement, par les femmes qui peuplent la cour du roi Arthur. Notre étude diachronique vise à souligner l'évolution de la représentation de ces femmes : elles entrent progressivement sur le devant de la scène lors de la période romantique avant de disparaître à nouveau lors de la période moderniste cédant la place au topos du Graal, symbole de la quête existentialiste menée par les artistes d'alors. L'époque victorienne constitue la période la plus florissante pour la représentation de la femme. Néamoins, cette dernière s'inscrit dans un contexte historique bien particulier marqué par une vision dichotomique de la femme : l'ange de la maison y affronte la prostituée. La représentation de la femme devient alors un écran contre ou pour le désir. Les légendes arthuriennes sont utilisées afin de mettre en garde contre le potentiel destructeur de la sensualité féminine ou bien, au contraire, offrent un espace pour la satisfaction du désir masculin de l'auteur et du lecteur/spectateur par le biais d'une sublimation artistique. Dès lors, derrière le visage de la femme arthurienne se dessinent les fantasmes sexuels et artistiques des auteurs victoriens et des peintres préraphaélites étouffés par les modèles idéels de leur société
In the 19th century and at the beginning of the 20th, an arthurian revival took place in british litterature and painting. Many preraphaelite painters, but also several famous writers (like Scott, Wordsworth, Tennyson, Arnold, Morris, Swinburne, Hardy, Eliot, just to name a few of them) were deeply inspired by the world of Camelot and, more particulary, by the women who live at Arthur's court. Our diachronic study aims at underlining the evolution of the reprentation of those women : they progressively came into the limelight during the romantic period before disappearing once more during the modernist period to give way to the grail theme, the symbol of the existentialist quest led by the artists of the time. The victorian period was the most flourishing for the representation of woman. Nevertheless, it should not be dealt with separately from the historical context of those transpositions, that is to say the victorian society which was characterized by its dualist vision of feminity : the angel in the house confronted the fallen woman. The representation of woman became a screen for or against desire. The arthurian legends were used to warn against the destructive potential of feminine sensuality ; or, on the opposite, they offered room for the possible satisfaction of the male sexual drives of the author or of the reader/spectator through an artistic sublimation. As a consequence, behind the face of the arthurian woman, the sexual and artistic fantasies of the victorian writers and preraphaelite painters - stifled by the social standards of their time - can be discerned

Au lieu d'analyser les relations artistiques franco-britanniques au XIXe siècle sous l'angle de l'influence,ce qui a jusqu'à présent été presque toujours le cas,ce travail s'appuie sur la notion de réception,définie comme l'ensemble des phénomènes qui accompagnent la connaissance d'une oeuvre,de l'accueil qui lui est primitivement réservé, à la façon dont se construit ensuite l'image d'un peintre,celle d'un courant,d'un genre particulier,pour aboutir en dernier ressort à la notion d'école,"succession de maîtres et de principes procédant directement les uns des autres" dans un cadre national. La connaissance que les Français eurent de la peinture anglaise,soit par un contact direct avec les oeuvres,soit par l'intermédiaire de l'estampe d'interprétation est d'abord analysée. La fortune critique des artistes jugés alors les plus représentatifs est ensuite retracée,de Hogarth,Reynolds et Gainsborough aux préraphaélites,en passant par la génération romantique. La dernière partie est dévolue à l'historiographie de l'école en tant que telle et ensuite dans l'invariance des préjugés qui tempèrent un jugement globalement favorable.

Burne-Jones, peintre britannique du XIXe siècle a largement utilisé les références pour ses créations. Cette étude, basée surtout sur les sources premières, peintures, arts décoratifs, correspondance, etc. . . Aborde divers aspects de son processus créatif : influence de ses contemporains, matériel de sources dont il disposait, et utilisation de ses sources. Nous tentons ainsi de définir ce qui est emprunté et ce qui est spécifique à Burne-Jones. Cette thèse s'avère etre une étude sur ce qu'un peintre a pu comprendre et utiliser de l'art du Quattrocento, ainsi que d'autres époques, et l'on peut considérer que l'artiste a effectué un travail d'historien de l'art, les tableaux remplaçant les livres qu'il aurait pu écrire. Le role de la référence apparaissant en outre comme le meilleur moyen de donner une vraissemblance à̧ un monde purement imaginaire, un pays qui n'existe pas mais qu'on ne peut que désirer, une alternative merveilleuse à la civilisation industrielle dans la quelle il vivait, mais qui ne le satisfaisait pas
Burne-Jones, a 19th C. British painter, has widely used the references for his creations. This study, mainly based on primary sources, paintings, decorative arts, correspondence, etc. . . , is about various aspects of his creative preocess : influence of his contemporaries, sources material, he had, and use of these sources. We also try to define what is borrowed and what is pure Burne-Jones. This thesis turns out to be a study about what a painter may have understood and taken from Quattocento's art, and the arts of others periods, and we can consider the artist acted as an historian of art, paintings replacing books he might have written, the role of the reference also appears to be the best way to make possible a pure imaginative world, a land no one can define, only desire, a marvellous alternative to the industrial civilization he was living in, but so unsatisfying to him

Le but de ce travail, consacré à la poésie de Christina Rossetti, est de s’éloigner du prisme interprétatif biographique qui est devenu la norme depuis sa mort en 1894. Cette étude, qui repose sur un examen des choix prosodiques et formels, montre que la voix poétique est avant tout une construction. Identifier le miroir à l’intérieur du texte dévoile des éléments essentiels pour comprendre la relation complexe qui se joue entre identité et altérité et qui, à maints égards, définit le style de Rossetti. L’étude des voix qui se font entendre dans son oeuvre poétique, qu’elles soient intertextuelles ou fictionnelles, révèle comment Rossetti parvient, par un usage unique de la répétition, à créer une voix harmonieuse et intemporelle à partir de la diversité et de la contradiction. Mais malgré une première impression de régularité, le principe répétitif est une source de redéfinition permanente qui nie la notion d’origine ou de version définitive. La re-présentation, la différance, et les réécritures incessantes offrent au lecteur un texte qui lui échappe sans cesse. Ce refus de la finitude pointe vers une autre ambition, celle d’atteindre un au-delà non plus religieux — nombre de ses poèmes expriment le désir de ne faire qu’un avec le divin — mais poétique : à travers la relation intime entre Dieu, le poète, et le texte ; par la manipulation de la forme, que le traitement du sonnet illustre ; et enfin grâce à un usage renouvelé des mots. Anglaise aux origines italiennes, Rossetti introduit au sein de la voix poétique un bilinguisme source d’interactions qui aboutissent à une langue hybride et à un rapport aux mots débarrassé de tout automatisme pour acquérir une expressivité nouvelle
The purpose of this work, which is dedicated to Christina Rossetti’s poetry, is to step away from the biographical bias which has been the norm in the criticism about Christina Rossetti since her death in 1894. This study, based on the close analysis of the prosodic and formal choices, shows that the poetical voice is above all a construction. Finding the mirror within the text reveals important elements to understand the complex relationship between identity and alterity which, in many ways, defines Rossetti’s style. The examination of the voices that can be heard within her poems, may they be intertextual or fictional, shows how Rossetti manages to create a harmonious and timeless voice out of what strikes as diverse and contradictory. However, despite its apparent regularity, the work, through repetition, undergoes a constant self-redefinition negating the notion of origin or definite version: re-presentation, différance, and perpetual re-writing give the reader a text that keeps eluding him/her. This refusal of finitude hints at another ambition, that of reaching a “beyondˮ which is no longer religious — many of her poems express a wish to make one with the divine — but poetical: through an intimate relationship between God, the poet and the text; through the manipulation of the form, which Rossetti’s treatment of the sonnet examplifies; and finally through the poet’s renewed use of words. As an English poet with Italian origins, Rossetti inserts her bilingualism within the poetical voice and thereby creates interactions that result in a hybrid language and a relationship to words freed from habit and automatic reflex to reach enhanced expressivity

Au cours des trente-deux années pendant lesquelles il collabora à Punch, George du Maurier (1834-1896) fut l'auteur d'une critique ambigue͏̈ à l'encontre des Préraphaélites puis des Esthètes. Oscillant en permanence entre pastiche et parodie, la satire de l'illustrateur se démarque, au premier abord, par son intelligibilité et sa virulence. Copies d'œuvres littéraires ou picturales, recours à la caricature physique ou verbale contribuent ainsi à stigmatiser l'inconvenance de " L'Ecole Charnelle de la Poésie ". Pourtant, collaborateur à Good Words ou à Once A Week où exercent, à cette époque, les grands noms de la Confrérie, du Maurier exprime un point de vue paradoxal sur ces artistes dont il partage, dans une certaine mesure, la thématique et l'idiome pictural. Par-delà les motivations personnelles d'un tel parti pris, ce sont surtout des impératifs sociaux, celui de la sauvegarde d'un édifice familial censément menacé, par exemple, auxquels du Maurier répond à travers sa critique
During the thirty-two years when he worked for Punch, George du Maurier (1834-1896) was the author of an ambiguous criticism of the Pre-Raphaelite and Aesthetic Movements. Constantly wavering between pastiche and parody, du Maurier's satire appears, at first sight, as intelligible and virulent. The illustrator denounces the impropriety of the "Fleshy School of Poetry" through both caricature, verbal and physical, and reproduction of many Pre-Raphaelite literary and pictorial masterpieces. However, as a member of the Once A Week and Good Words staff - which, at the time, also employed the great names of the Brotherhood - du Maurier adopts a rather paradoxical stance on those artists, whose themes and pictorial language he shares, to a certain extent. Beyond his personal motivations, what du Maurier defends through his long-lasting attack concerns the social structure - and, in particular, the family - supposedly endangered by the way of thinking of the men he criticises

Madox Ford est une des grandes figures, non seulement de la littérature d’expressionanglaise, mais de la vie culturelle et artistique d’Europe occidentale dans le premier tiersdu XXe siècle. Il est très lié à Henry James et à Conrad (avec qui il écrit trois romans),joue un rôle de premier plan comme éditeur et contribue au développement del’impressionnisme littéraire et à l’instauration du « modernisme ». Cosmopolite par sesantécédents (anglais, allemand, français), grand voyageur partagé entre l’Angleterre, lesEtats-Unis et la France (surtout la Provence, sa terre d’élection et Toulon), Ford estl’auteur d’une oeuvre considérable qui compte plus de 80 ouvrages. Marine Bernot achoisi d’analyser plus particulièrement une dizaine de récits de souvenirs de toutes sorteset deux récits de voyage qu’il publie de 1904 à 1937. On y découvre toute une époque, unécrivain original et une personnalité d’une rare complexité – politiquement avancé,féministe et libertaire, écologiste avant la lettre, quelque peu visionnaire, un homme quiparle aux gens d’aujourd’hui
Ford Madox Ford is one of the most important figures, not only of English literature butof the Western European cultural and artistic world of the twentieth century. Closelyconnected with Henry James and Joseph Conrad (with whom he wrote three novels incollaboration), Ford played a vital role as editor, contributor to literary impression and aspioneer of “modernism”. Cosmopolitan by birth (English, German, French), this tirelessvoyager, torn between England, the United States and France (especially Provence, hischosen domain and Toulon), Ford is the author of a voluminous sum of publicationsmade up of more than 80 books and other items. The author of this thesis, Marine Bernot,has chosen to concentrate on a dozen or so memoirs covering the years going from 1904to 1937, focusing particularly on two travel ‘novels’, Provence and The Great TradeRoute. These works, which give an original insight into the first half of the twentiethcentury, introduce the reader to an original and complex personality – politicallyadvanced, feminist, non-conformist, ecologist ahead of his times, visionary –, a man inharmony with contemporary preoccupations

Cette recherche a pour objectif de faire émerger l’essence d’Ophélie, au sein de la poésie et de la vie d’Emily Dickinson. Fondés sur une étude comparative d’Emily Dickinson et des représentations d’Ophélie, ces travaux mettent en exergue l’influence indéniable qu’a eue ce personnage dit ‘mineur’ sur la poésie et l’imaginaire du poète, ainsi que son rôle ‘majeur’ sur elle et sur son art. Jean-Luc Nancy explique qu’il existe un point où l’image non-figurative peut elle aussi exister. Il s’agit du point où image et texte fusionnent, où les frontières se brouillent : On parle alors d’un sens à l’essence. Il s’exprime ici dans la force qu’a Emily Dickinson de faire apparaître Ophélie, mais sans jamais l’actualiser entièrement. Cette capacité est propre au poète, comme le définit Emerson. C’est aussi la multiplicité qu’offre Shakespeare au personnage d’Ophélie, cette même symbolique ophélienne, créée grâce aux multiples superpositions de calques qui se retrouvent à travers ses différentes représentations et les exploitations diverses de son iconographie. En se fondant fidèlement sur la doctrine originaire d’Horace « Ut Pictura Poesis erit », Ophélie prend vie dans la poésie d’Emily Dickinson. Cette doctrine rapporte les arts du langage à ceux de l’image, et souligne qu’une poésie muette (la peinture) est comme une peinture parlante (art poétique). Le poète enrichit ainsi le statut de peintre en élargissant sa palette de définition. L’importance d’Ophélie, dans la structure artistique d’Emily Dickinson, est mise en évidence, telle une armature silencieuse à sa composition poétique. C’est pourquoi on ne peut parler d’imitation mais d’influence, qui se fonde sur le concept de Différenciation, de lignes de fuite, de cartographie et enfin de Devenir-mineur vers la création de l’unique. C’est en effet par la soustraction et non l’addition que se crée l’individualité, telle la définition même du rhizome donnée par Gilles Deleuze. Une sorte de beau et une certaine souveraineté de la vérité peuvent alors s’en dégager comme le définit Keats, ce qui évoque la quête centrale de circonférence du poète. Cette thèse s’appuie sur les points cardinaux qui permettent de suivre Emily Dickinson le long de son parcours circonférentiel de vie et sa quête de son Nord-Ophélien. Selon les définitions de la notion de Concept chez Hume, Hegel et Deleuze, la mise en lumière du Concept Ophélien chez Dickinson sera possible. Pour cela, le poète répond à quatre critères : avoir une base de mimesis avec Ophélie – ce qui correspond à l’Est ; avoir la capacité d’en produire des créations ophéliennes – localisées au Sud ; aboutir à une innovation évolutive de son art – positionnée à l’Ouest ; et enfin, atteindre l’immortalité – située au Nord. Au final, cela permettra de définir chez Emily Dickinson le Devenir-Carte Ophélien et son exploitation du Concept Ophélien
The Essence of Ophelia within the poetry and life of the poet is unveiled, based on a comparative study of Emily Dickinson and the diverse uses of Ophelia throughout time. This allows to put into evidence the undeniable influence of this so-called ‘minor’ character on Emily Dickinson’s imagination, and her ‘major’ role on the poet and her art. Jean-Luc Nancy explains that there is a point where text and image fuse, where their borders blur and it results in a creation of a non-figurative image – which thus relies solely on individuals’ senses. Ophelia’s symbolism has an abundant amount of layers which allows innumerable interpretations, embellished by The Poet (as defined by Emerson). By leaning faithfully on Horace’s doctrine “Ut Pictura Poesis erit”, Ophelia comes to life in the poetry of Dickinson. Horace’s goals was to place the art of language on the same level as visual arts, thus the idea that a mute poetry (painting) is such as a vocal painting (poetry). This doctrine modifies the status of image and widens the painter’s palette. Consequently, Ophelia will be such as a silent foundation to Emily Dickinson’s poetry, where there is no imitation but solely an artistic influence with the notion of Differentiation, lines of flight, mapping and becoming-Minor which leads to the creation of the unique. According to Keats, it can equivocate to a sovereign truth, central quest of Dickinson’s circumferential journey. This dissertation leans on cardinal points to follow Emily Dickinson along her circumferential journey and her quest of the Ophelian North. Based on the definition of Concept by Hume, Hegel and Deleuze, the Ophelian Concept of Emily Dickinson will be brought forward. In order for that to be possible, the poet will match four criteria: have a mimesis base with Ophelia – which is found in the East, be able to create from that – located in the South, then have it lead to an innovative artistic response – positioned in the West, and finally, that immortality be attained – established in the North. This will allow a definition of Emily Dickinson’s Ophelian Becoming-map and her use of the Ophelian Concept

The Idylls of the King, d’Alfred Tennyson, fut dès sa parution (1859) très populaire. Son sous-titre initial, « The True and the False », constitue le fil directeur des quatre poèmes du recueil, qui se développent autour d’interprétations erronées. Lever le voile sur la véritable identité d’une personne, voir la réalité en face, ou même comprendre qui l’on est vraiment : les Idylls se résument à une longue et difficile recherche de la vérité à laquelle s’ajoute une question morale, le bien et le mal en chaque personne. Les Idylls mettent en garde le lecteur contre les apparences trompeuses et les êtres corrompus. Le recueil inspira de nombreux artistes, notamment préraphaélites. À l’époque édouardienne, les Idylls, devenues un « classique », firent à nouveau l’objet d’éditions illustrées. Comment les artistes (Eleanor Fortescue Brickdale, Florence Harrison, Jessie M. King et John Byam Shaw), généralement issus du Préraphaélitisme, illustrent-ils la thématique de la vérité ? La thèse montre comment le thème de la vérité est transposé et adapté dans les illustrations : malgré une apparente correspondance entre les Idylls et les images, les illustrateurs édouardiens se détachent des points de vue développés par le poète et ses personnages, et les critiquent implicitement. Par ailleurs, ils mettent en relief la dimension imaginaire du texte : leurs images permettent alors de s’évader des poèmes, en stimulant les facultés créatrices du lecteur
Published in 1859, Alfred Tennyson’s Idylls of the King was an instant literary success. Its original subtitle, “The True and the False”, is the central theme of the four poems of the volume, which all deal with misperceptions, misunderstandings and misinformation. The Idylls can be seen as a long and challenging pursuit of the truth, since they show the heroes lifting the veil on their partner’s real identity, facing the truth, or trying to define their true selves. The poems also raise moral questions related to good and evil within men and women. In other words, the Idylls may be read as a warning against misperceptions and corrupt behaviours. The Idylls became a source of inspiration for many artists, including the Pre-Raphaelites. During the Edwardian era, Tennyson’s work, raised to the status of a classic, was again published in illustrated editions. How did the artists chosen here—Eleanor Fortescue Brickdale, Florence Harrison, Jessie M. King and John Byam Shaw, most of them affiliated to Pre-Raphaelitism—illustrate the question of Truth and Falsehood? This thesis shows how the theme of truth is depicted and adapted in the illustrations. Despite their apparent faithfulness to the poems, the Edwardian illustrators distance themselves from the poet’s or the characters’ point of view, while implicitly criticizing it. Besides, they highlight the imaginary dimension of the text. Thus, their illustrations stimulate the reader’s fancy and his or her inner dream world

Madox Ford est une des grandes figures, non seulement de la littérature d’expressionanglaise, mais de la vie culturelle et artistique d’Europe occidentale dans le premier tiersdu XXe siècle. Il est très lié à Henry James et à Conrad (avec qui il écrit trois romans),joue un rôle de premier plan comme éditeur et contribue au développement del’impressionnisme littéraire et à l’instauration du « modernisme ». Cosmopolite par sesantécédents (anglais, allemand, français), grand voyageur partagé entre l’Angleterre, lesEtats-Unis et la France (surtout la Provence, sa terre d’élection et Toulon), Ford estl’auteur d’une oeuvre considérable qui compte plus de 80 ouvrages. Marine Bernot achoisi d’analyser plus particulièrement une dizaine de récits de souvenirs de toutes sorteset deux récits de voyage qu’il publie de 1904 à 1937. On y découvre toute une époque, unécrivain original et une personnalité d’une rare complexité – politiquement avancé,féministe et libertaire, écologiste avant la lettre, quelque peu visionnaire, un homme quiparle aux gens d’aujourd’hui
Ford Madox Ford is one of the most important figures, not only of English literature butof the Western European cultural and artistic world of the twentieth century. Closelyconnected with Henry James and Joseph Conrad (with whom he wrote three novels incollaboration), Ford played a vital role as editor, contributor to literary impression and aspioneer of “modernism”. Cosmopolitan by birth (English, German, French), this tirelessvoyager, torn between England, the United States and France (especially Provence, hischosen domain and Toulon), Ford is the author of a voluminous sum of publicationsmade up of more than 80 books and other items. The author of this thesis, Marine Bernot,has chosen to concentrate on a dozen or so memoirs covering the years going from 1904to 1937, focusing particularly on two travel ‘novels’, Provence and The Great TradeRoute. These works, which give an original insight into the first half of the twentiethcentury, introduce the reader to an original and complex personality – politicallyadvanced, feminist, non-conformist, ecologist ahead of his times, visionary –, a man inharmony with contemporary preoccupations

À la charnière entre deux siècles, Salomé fait office de lieu commun inévitable de la littérature et des arts. Cependant, aux côtés de la femme fatale, s'affirme la présence discrète mais tout aussi inévitable de la féminité fragile et bienveillante, formée sur le modèle de la princesse de conte et de l'héroïne de roman gothique, mais surtout sur celui de la vierge et martyre du roman édifiant, qu'il soit antiquisant ou contemporain. Parfois discrète jusqu'à l'illisibilité, cet archétype n'est légitimé dans sa fonction bienveillante que par un sacrifice. La signification religieuse du bouc émissaire reste à la fois lisible et efficace dans les structures narratives du roman, mais aussi dans le détail de l'écriture de ces personnages. Les figures mariales, magdaléennes ou féeriques sont soumises à la même épreuve de destruction, par laquelle l'édification qu'elles symbolisent se fait littéralement construction de sens, juxtaposition d'éléments esthétiques disparates mais efficaces par lesquels un personnage en vient à représenter allégoriquement la création artistique elle-même. En reliant le milieu du XIXe siècle aux années 1920 et en mettant les plus connus des héritiers de Baudelaire en perspective avec ceux dont le nom commence à peine à revenir à la postérité, l'enjeu de la recherche est d'établir dans quelle mesure ces représentations de la féminité bienveillante relèvent d'une permanence, d'un monument – au sens de monumentum – où la fin de siècle va non seulement contempler la mort d'une époque révolue, mais concentrer tout ce qui sert, à l'aube du XXe siècle, à théoriser l'art idéaliste
At the crossroads between two centuries, Salome plays the part of a mandatory commonplace in art and literature. Nevertheless, next to the femme fatale and just as unavoidable, stands a fragile and benevolent form of feminity, molded in the cast of the fairytale princess and theGothic novel heroine, but inspired above all by the Virgin and Martyr of the edifying novel, be it antique or contemporary. As it might be discrete enough to become unreadable, this archetype's benevolence cannot be legitimated without a sacrifice. The religious meaning of the scapegoat remains just as obvious and as efficient in the novels' narrative structure, as well as in the detailsthrough which such characters are built. Marial, magdalenian and farylike characters must undergo the same destruction trial, through which their edifying meaning becomes a litteral building-up up meaning, by juxtaposing dissimilar and yet efficien aesthetic elements which turn the character into an allegory of artistic creation. By linking mid-19th century and the 1920es and by weaving a link between the most famous of Baudelaire's heirs and the ones whose name is just merging out of oblivion, the purpose of this study is to analyse how much these representations of benevolent femininity must be seen as a permanence, as a monument – or as a monumentum – where late-19th century will not only gaze a the death of a declining era, but concentrate all what will be used to theorize idealist artistic movements on the edge of the 20th century