Dissertations / Theses: 'Primitivism (art)'

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Hugues, Henri. "1914-2014, un siècle d’anthropophagie féminine dans l’art brésilien : pertinence et actualité ?" Thesis, Antilles-Guyane, 2014. http://www.theses.fr/2014AGUY0766/document.

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Abstract:

Au début du vingtième siècle, une rupture radicale et fondatrice de modernité artistique eut lieu au Brésil. Cette modernité se démarque de celle d’Europe par la prise de conscience des distances géographiques, culturelles et politiques vis à vis de l’Europe et surtout de l’ancienne puissance coloniale, le Portugal, par la recherche de son identité à travers la multiplicité des métissages du Nouveau Monde, ses mythes et son histoire réelle décolonisée. L’avant-garde brésilienne émerge autour de 1928, à travers les Manifestes anthropophages d’Oswald de Andrade (1890-1954) qui est donc le fondateur des anthropophagies, que l’on peut définir comme un indianisme à rebours. Le ″mauvais sauvage″ exerce sa critique contre les impostures du monde. « La ″Descente anthropophagique″ n’est pas une révolution littéraire, ni sociale, ni politique, ni religieuse. Elle est tout cela à la fois ! Sa loi est simple : Ne m’intéresse que ce qui n’est pas à moi ! Loi de l’homme, loi de l’anthropophagie ! » . Elle prescrit donc la dévoration des modèles importés et leur digestion dans l’hybridation au nom de l’identité brésilienne, par déplacement de concepts freudiens : « L’anthropophagie c’est la transformation permanente du Tabou (manger de l’homme) en Totem (de l’identité brésilienne) ! » . Ici l’influence notable de la psychanalyse et de l’anthropologie est à resituer : le déplacement du tabou anthropophage demeure une transgression symbolique, une métaphore, mais la référence anthropophagique ne concerne pas que la période précolombienne, car elle se réactualise. Nous nous proposons d’étudier ce phénomène à travers quatre questions : 1°- Quelles relations existent entre l’anthropophagie, l’histoire, l’esthétique et l’idéologie ? 2°- Quelle est la place des femmes artistes brésiliennes dans l’émergence de ce mouvement, compte tenu de leur présence décisive dès l’origine ?3°- Compte tenu de la résurgence rhizomique de l’anthropophagie dans la 2e moitié du XXe siècle, y compris jusqu’à aujourd’hui, quelle est la place des femmes artistes dans ce phénomène ? Y a-t-il continuité avec l’époque fondatrice ?4°- Etant donné ce qui précède, peut-on déduire qu’il existe un courant spécifiquement féminin dans l’anthropophagie d’hier et d’aujourd’hui ? Quelle est son importance réelle ? Quelles sont ses relations et postures par rapport à la postmodernité et à la mondialisation de l’art contemporain ?
At the beginning of the twentieth century, in Brazil, a radical artistic rupture took place, which marked the beginning of a new era. The resulting modernity differed from its European counterpart by the awareness of geographical, cultural and political distances that alienated Brazil from Europe and more specifically from its former colonial owner, Portugal. Brazilian modernity sought to define its identity through important basic elements that constitute the stuff that the New World is made of: cross-breeding, mythology and post-colonialism. The Brazilian avant-garde emerged around 1928 with the publication of The Anthropophagy Manifesto by Oswald de Andrade (1890-1954), who is thus the founder of the Anthropophagy, that we can define as a backward step into a reinvented form of ″Amerindianness″. The ″bad savage″ voices his criticism against impostures of the world. « Anthropophagy art is not a literary revolution, nor is it a social plea, nor a political pamphlet, nor a religious tract. It is all these things at the same time. Its law is simple: everything that is not me is of interest to me. The law of men is the law of Anthropophagy ». It thus prescribes eating up imported models and digesting them through the process of hybridization in the name of Brazilian identity. By displacing Freudian concepts, «Anthropophagy is the permanent transformation of the Taboo (man-eating) into a Totem (Brazilian identity) ». The permeating influences of psychoanalysis and anthropology need to be put in perspective: the displacement of the anthropophagous taboo remains a symbolic act of transgression, a metaphor, but the anthropophagic reference does not concern the pre-Columbian period, because it is updated. We propose to study this phenomenon through four questions: 1°- What are the relations between Anthropophagy, history, esthetics and ideology? 2°- What is the place of women Brazilian artists in the emergence of this movement, taking into account their decisive presence right from the start? 3°- Taking into account the resurgence of Anthropophagy from the second half of the 20th century onwards, what is the place of women artists in this phenomenon? Are they pursuing the same interests as the founders of the movement?4°- Can we deduce that there exists a specifically female genre within the anthropophagic movement of yesterday and of today? If so, what is its relevance? Where does it stand with respect to the contemporary concepts of post-modernity and globalization in the present-day art world?

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Jeffery, Celina. "Leon Underwood and primitivism in 20th century British art." Thesis, University of Essex, 2002. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.394120.

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Hill, Cecilia Fajardo. "In and out of 'the primitive' : postcolonialism and contemporary art practice : Jimmy Durham and Jose Bedia in context." Thesis, University of Essex, 2003. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.272509.

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Rhodes, Colin. "Primitivism reexamined : constructions of the 'primitive' in modernist visual art." Thesis, University of Essex, 1993. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.333521.

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Roy, Nina Tamara. "Harvest of memories : national identity and primitivism in French and Russian art, 1888-1909." Thesis, McGill University, 2001. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=37827.

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Abstract:

This dissertation analyses the convergence of primitivism and nationalism in late-nineteenth and early-twentieth century French and Russian art. The discourse of primitivism has yielded a number of critical studies focusing on the artistic appropriation of aesthetics derived from "tribal" arts, Asian arts, medieval icons, outsider art, and peasant arts and crafts. Within that scholarship, modern European art that appropriates the aesthetics of folk arts and themes of the peasantry is frequently considered to be representative of national identity and myth. The artistic elucidation of the peasantry as emblematic of national identity combined with their incorporation into primitivism produces a tension that complicates the conventional, binary structure of the discourse. It is therefore necessary to examine artistic expressions of national myth and the peasantry's absorption into the primitivist discourse, as this indicates a critical point at which issues of nationalism and primitivism converge. In the cultural realm, that juncture is located in the artistic idealisation of peasant cultures, which is indicative of a mythical state of being from which national identity could be rearticulated.
The myth of the peasantry as developed in nineteenth century European thought centres around the premise that rural populations were an unchanging element of society whose traditional customs, religious beliefs, and modes of production contrasted sharply with the accelerated changes in urban culture. A critical examination of selected paintings by the French artist Paul Gauguin (1848--1903), the Russian Neoprimitivist Natalia Goncharova (1881--1962), and the French Fauve painter Othon Friesz (1879--1949) within their specific, social contexts reveals the ways in which the modern, artistic maintenance of the rural myth elucidates current political and social issues of nationalism. This underscores the peasantry's symbolism within the nation as representative of a national, collective consciousness and ancestry. The peasantry's incorporation into the primitivist discourse and the cultural articulation of the rural myth are revealed in the paintings The Vision After the Sermon (1888), Yellow Christ (1889), Fruit Harvest (1909), and Autumn Work (1908). The paintings and their respective social contexts situate the peasantry both as constructions within the primitivist discourse and symbols of national identity, thereby disrupting the structure of alterity upon which primitivism is predicated.

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Madden, Deborah. "Pristine purity : primitivism and practical piety in John Wesley's art of physic." Thesis, University of Oxford, 2003. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.397341.

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Trapani, Roberta. "Patrimoines irréguliers en France et en Italie : origines, artification, regard contemporain." Thesis, Paris 10, 2016. http://www.theses.fr/2016PA100087.

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Abstract:

Depuis les années 1930, un lent processus d’« artification » investit des lieux de vieembellis par leurs propres habitants avec des techniques improvisées. Considérés àl’origine comme des curiosités locales, ces sites sont révélés au monde de l’art par lessurréalistes, qui amorcent leur documentation. Dans l’après-guerre, ils connaissent uneréception de plus en plus enthousiaste au sein de certains milieux artistiques et serontannexés successivement à l’art médiumnique, à l’art naïf, à l’art brut, à l’outsider art, àl’architecture fantastique, entre autres, donnant lieu à une pléthore de définitions. Cesenvironnements irréguliers seront alors considérés souvent comme l’expressionspontanée d’impulsions intérieures, sans influences ni tradition. Cette thèse propose derevenir aux origines de cette forme artistique, en révélant le mouvement circulaire qui larelie, d’une part, aux cultures populaires et, d’autre part, aux courants officiels del’histoire de l’art contemporaine. Elle examine également les conditions de sa réceptions,dans un contexte dominé jusque dans les années 1970 par le paradigme primitiviste,avant de se concentrer sur la multiplication des initiatives qui, depuis la fin des années1970, marquent un renouvellement du regard. Tout au long, les environnementsirréguliers sont questionnés dans leur faculté à associer des notions fondamentales –art, culture, marginalité, architecture, grotesque, baroque, ornemental, entre autres – età être saisis comme un outil opératoire désignant une forme d’authenticité artistique ouculturelle
Since the 1930s, a slow process of « artification » invested living spaces decorated bytheir own inhabitants with improvised techniques. Originally regarded as localcuriosities, these sites have been introduced to the artistic world by the Surrealists, whobegan their documentation. In the post war period, they have been seen with increasingenthusiasm in some artistic circles and then have been linked to mediumistic art, naiveart, art brut, outsider art, fantastic architecture, among others, creating a plethora ofdefinitions. Irregular environments have often been considered as the spontaneousexpression of inner impulses, without influence or tradition. This thesis proposes toreturn to the origins of this form of art, revealing the circular movement that connects it,on one hand, to the popular cultures and, on the other hand, to the officials movementsof the history of contemporary art. It also examines the conditions of its own reception,in a context dominated until the 1970s by the primitivist paradigm, before of focusing onthe many initiatives that, since the late 1970s, brought a renewed look. All along,irregular environments have been questioned in their ability to combine fundamentalconcepts - art, architecture, culture, marginality, ornamental, among others - and to betaken as an operational tool for a form of artistic or cultural authenticity

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Brun, Baptiste. "De l’homme du commun à l’art brut : « mise au pire » du primitivisme dans l’œuvre de Jean Dubuffet : Jean Dubuffet et le paradigme primitiviste dans l'immédiat après-guerre (1944-1951)." Thesis, Paris 10, 2013. http://www.theses.fr/2013PA100084.

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Abstract:

L’œuvre de Jean Dubuffet dans l'immédiat après-guerre est le moment paradoxal d'un refus radical du peintre de toute critique primitiviste à l'endroit de son œuvre. Or d'un point de vue formel, il pousse à l'excès des moyens jugés alors comme caractéristiques de l'art primitif et d'un point de vue conceptuel, il se réclame d'une forme d'animisme qui trahit une conception agissante de la matière. Enfin, il emprunte largement aux procédures propres à la science ethnographique alors en plein développement dans le cadre des prospections relevant de ce qu'il nomme, à l'été 1945, l'Art Brut. Afin de dépasser ce paradoxe, en considérant tour à tour sa pratique picturale, les écrits qui relaient sa pensée et son travail autour de l'Art Brut, nous montrons comment Dubuffet, en procédant à un déplacement systématique d'un regard a priori primitiviste, engage à une critique systématique de ce dernier.L'Art Brut, envisagé comme un opérateur critique dérivant de l'informe bataillien, se constitue alors comme le levier d'une remise en cause des manières consensuelles de penser l'art. Il lui permet de dépasser l'esthétique pour ouvrir le champ d'une interrogation proprement anthropologique de ce qu'il nomme l'opération artistique
Immediately following the conclusion of the Second World War, Jean Dubuffet categorically refused the qualification of his work as part of Primitivism. But Paradoxically, the means by which this painter expressed himself were none other than those identified in so-called primitive art, and he often claimed himself as an animist what in a way betrayed an active conception of matter. Furthermore, Dubuffet drew from ethnographic research processes to finetune his method which would be baptized as Art Brut in the summer of 1945. In order to move beyond this paradox, and by using Dubuffet's paintings, writings and other work, this paper will demonstrate how Art Brut shifted the original perception of primitive art, and in thus doing so, became its unconditional critic. Art Brut, which was considered to be a means of critique as a derivative of George Bataille's « informe », emerged as a concept leading to think art differently. Esthetics could finally be pushed aside to make way for an anthropological interrogation of what the painter named the « artistic operation »

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Nicoletti, Martino. "Submerged landscapes : aesthetics of visual primitivism." Thesis, University of the West of Scotland, 2012. http://hdl.handle.net/10545/303736.

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Abstract:

This practice-based thesis presents the results of experimental research devoted to ethnic tourism among the Kayan minority and has involved the interconnection of artistic and anthropological languages. Known worldwide for the traditional female custom of wearing a long coiled brass necklace aimed at causing a considerable extension to the neck, the Kayan are a Tibeto-Burman ethnic group originally from Burma. Due to the prolonged civil war in their own homeland, a large number of Kayan recently fled from Burma to refuge in neighbouring Thailand. Here, over the past years, in response to the “incisive” tourism policy promoted by the Thai government in the northern areas of the country, some families, abandoning the refugee camps where they were hosted, have been resettled in several new villages open to tourists, on payment of a modest entrance fee. Here the Kayan, their culture and their daily life, have been transformed into an authentic tourist attraction capable of drawing about 10,000 visitors a year. Founded on a strictly “visual media primitivist” approach and inspired by its peculiar aesthetics – as systematically presented in the first, theoretical, section of the thesis –, the enquiry involves a multimedia perspective. In such a context, analogue photography and filmmaking, creative writing and sound composition have been combined to give concrete shape to an original artwork firmly grounded in ethnographic practice. The choice, far from being a solely arbitrary and subjective option, has indeed been motivated by the critical employment of specific theoretical assumptions of some of the most recent streams of anthropology and epistemology of the human sciences. The multidisciplinary methodology adopted to develop the research, as well as the multifaceted language employed to display its results, represent an innovative and experimental way of approaching the complex theme of cultural identity in present-day Asian contexts, as well as of highlighting the most aesthetic and philosophic implications connected to the revival of analogue vintage media in contemporary artistic practice.

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Mitrani, Alex. "Joan Brotat y los avatares de la figuración primitivista en la segunda vanguardia en Cataluña." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2012. http://hdl.handle.net/10803/97287.

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Abstract:

Joan Brotat (Barcelona, 1920-1990) fue un artista destacado en el proceso de recuperación de la modernidad pictórica durante los años de la postguerra española, aunque luego cayó progresivamente en el olvido. Esta tesis estudia y establece su trayectoria profesional vinculada a su biografía personal (contexto familiar y social), a los factores inducidos por el sistema artístico local y en relación con en el contexto nacional e internacional (fortuna crítica, evolución artística y comercial). Brotat fue uno de los máximos exponentes de una tendencia que podríamos denominar como figuración primitivista. Definimos aquí las características de esta tendencia, su lugar frente a otras opciones de vanguardia de la época como la abstracción y apuntamos sus variantes y principales representantes. Abordamos también las razones de su declive a partir del análisis de la carrera profesional de Brotat. Descubrimos, gracias al estudio de su archivo familiar, la participación de Brotat en la guerra civil como parte de la Quinta del biberón republicana, hecho que escondió toda su vida y cuyo trauma influyó de toda evidencia en su obra. El análisis iconográfico y evolutivo del ingenuismo nos muestra una dimensión trágica y existencial. Así, su etapa expresionista, singular síntesis entre ingenuismo e informalismo, parece responder a una genuina necesidad psicológica. La comparación de su obra artística son sus proyectos profesionales en el campo de la ilustración infantil nos permiten hacer la diferencia entre naif el ingenuismo, que tanto preocupó a la crítica de la época. Un aspecto fundamental es el descubrimiento de una etapa abstracta a finales de los años cuarenta que contradice la jerarquía evolucionista que explica la figuración esquemática como un paso previo a la abstracción. El primitivismo ingenuista fue una opción consciente y deliberada. En su período de madurez, la obra de Brotat muestra una tendencia al amaneramiento y entra en decadencia, que se puede describir por la perdida de refinamiento y el estancamiento de los argumentos críticos que la apoyaron. La relación con los marchantes (Maurice Bonnefoy y Agustín Rodríguez Sahagún particularmente) se revela ambivalente en sus resultados. Lo mismo sucede con el aprovechamiento de la política artística franquista, dirigida por Luis González Robles. El primitivismo figurativo catalán de postguerra es una combinación coherente (aunque intuitiva y sin programa militante) de medievalismo e ingenuismo. El ingenuismo de vanguardia de postguerra tiene dos manifestaciones, a veces coincidentes y otras divergentes: la radical y la nostálgica. El primitivismo se apoyó en un discurso crítico específico y ocupó un lugar, móvil, en el debate artístico. Estudiamos las diversas fuentes de este primitivismo y constatamos la influencia fundamental de Joan Miró. De entre los referentes internacionales destaca Massimo Campigli. Asimismo, se encuentran paralelos y vínculos con artistas españoles como Rafael Zabaleta, Benjamín Palencia y el núcleo valenciano con Manuel Gil y Salvador Faus. Un caso especialmente interesante es el de Manolo Millares, quien tuvo una relación significativa con Cataluña en esos años. Entre los artistas catalanes, el primitivismo tuvo gran protagonismo y adoptó diversas formas. De Sucre o Joan Ponç representan la vertiente más radical y atormentada, Albert Ràfols Casamada o Joan Vilacasas la opción más ingenua y afrancesada. Se observa una clara tendencia a la politización (Francesc Todó, Josep Guinovart, Estampa Popular). La opción lírica o poética, representada especialmente por Brotat, fue dejada progresivamente de lado. A menudo teñido de nostalgia y religiosidad, coincidente con cierta moda franciscanista, el discurso teórico al respecto del primitivismo fue ambivalente y pasó de la modernidad al conservadurismo. La constatación de una corriente primitivista, de la cual Brotat sería la figura paradigmática en su éxito y su fracaso, obliga a repensar el canon del arte catalán de postguerra. El primitivismo no fue un estadio inmaduro de la modernidad en el camino hacia la abstracción sino que responde al contexto histórico particular de la España de postguerra con soluciones originales.
Joan Brotat (Barcelona, 1920-1990) was a prominente artist in the process of recovery of pictorial modernity in Spain after the Civil War, but then his work gradually fell into oblivion. This thesis studies his professional career, in relation to his personal biography (family and social context), the local art system, and the national and international context (critical fortune, artistic and commercial development). The thesis proposes that Brotat was in fact a paradigmatic figure of a primitivist tendency. Primitivism was not an immature stage of modernity on the way toward abstraction, but responded to the particular historical context of Postwar Spain with original solutions. The success and then failure of Brotat and Primitivism invites to reconsider the canon of Postwar Catalan art. Untill his death, Brotat did hide his involvement in the Civil War, a trauma that marked his work and existence. The iconographic analysis and the evolution of his modern naif style shows a tragic and existential undertones. A key aspect is the discovery of an abstract stage in the late forties contradicting the evolutionary hierarchy that explains schematic figuration as a step toward abstraction. On the contrary, naive primitivism was a conscious and deliberate option. Postwar Catalan Figurative Primitivism was a coherent mix of medievalism and naiveté(although without a declarated program). The naiveté of postwar art has two aspects : the radical and nostalgic, which sometimes appear together and sometimes separately. Among Catalan artists, primitivism had great prominence and took various forms. De Sucre or Joan Ponç represent the more radical and tormented side, Albert Rafols Casamada or Joan Vilacasas the most naive and influenced by French modernism. There is, later, a clear trend towards politization (Francesc Todó Josep Guinovart, Estampa Popular). We studied the various sources of this primitivism and found the fundamental influence of Joan Miró and Massimo Campigli. Likewise, there are links to Spanish artists such as Rafael Zabaleta, Benjamín Palencia, the valencians Manuel Gil and Salvador Faus or Manuel Millares. Often tinged with nostalgia and religiosity, in sinthony with a Franciscan fashion, the theoretical discourse about primitivism was ambivalent and evolved from modernity to conservatism.

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Andriolo, Arley. "Traços primitivos: histórias do outro lado da arte no século XX." Universidade de São Paulo, 2004. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/47/47134/tde-10092018-145914/.

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Abstract:

Este estudo objetiva narrar uma história de obras produzidas por membros das classes populares, reconhecidas por meio de sua individualidade e inventividade, enfocando sua produção e sua recepção no Brasil, entre 1880 e 1990. A abordagem estética e histórica orientada pela fenomenologia foi realizada segundo o método micro-histórico, conduzido pela idéia de \"primitivo\". Os fragmentos das biografias e as imagens evocadas foram cruzados com os discursos de seus intérpretes que formularam designações como: \"arte primitiva\", \"arte psicopatológica\", \"arte bruta\", \"outsider art\", \"arte virgem\" e \"arte incomum\". No horizonte histórico da cultura brasileira abriram-se duas vias principais de interpretação: uma derivada do cientificismo do discurso psiquiátrico e outra do romantismo do discurso acerca da cultura popular. Não obstante a contribuição da noção francesa de Art Brut para questionar essas duas vias, a complexidade da produção artística brasileira solicita uma análise particular que revele o \"primitivo\" em suas ambigüidades
This study aims to narrate a history of art works produced by members of popular classes, recognized by its individuality and inventivety, focusing in the production and reception in Brazil between 1880 and 1990. The aesthetic and historic approaches was oriented by phenomenology followed the micro-historic method, guided by the idea of \"primitive\". The fragments of the biographies and evoked images were crossed with the discourse of its interpreters, that proposed designations as such: \"primitive art\", \"psychopathological art\", \"art brut\", \"outsider art\", \"uncommon art\" and \"virginal art\". In the historical context of the Brazilian culture two principal ways of interpretation were opened: one of them is derivated from the scientificism of the psychiatric discourse and the other from the romantic discourse about the popular culture. Nevertheless the contribution of the french notion of Art Brut to question these ways, the complexity of the Brazilian artistic production impose a particular analyses that reveals the \"primitive\" in its ambiguity

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Gonzalez, Menendez Maria. "Alfred Jarry, le Dieu sauvage des avant-gardes." Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040196.

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Abstract:

Alfred Jarry est connu en tant qu’écrivain, poète et dramaturge, comme le créateur d’Ubu roi, du théâtrede l’absurde et d’opéras bouffes. Personnalité farouche, extravagante, sauvage, il fut admiré par l’avantgarde,que ce soit par Apollinaire, Marinetti, Tzara, Breton, mais aussi par de nombreux artistes.Cependant, Alfred Jarry reste aujourd’hui un inconnu de l’histoire de l’art.L’objet de cette recherche est de découvrir l’autre facette d’Alfred Jarry, celle de l’artiste, du critiqued’art, de l’esthète, du prophète et de comprendre la place de l’art dans sa vie et son influence sur lemilieu et la production artistique avant-gardiste. Au cours de cette étude nous chercherons à savoirpourquoi tant d’artistes divers, issus de différentes générations, lui ont rendu hommage tout au long duXXe siècle. Mais aussi pourquoi Jarry et sa créature Ubu sont devenus les fétiches créatifs d’artistescomme André Derain, Pablo Picasso et Joan Miró. La question se pose enfin de savoir pourquoi AndréBreton voit en Alfred Jarry un initiateur et un éclaireur esthétique dont le feu sauvage illumine lecheminement de l’avant-garde au XXe siècle
Alfred Jarry was a renowned writer, poet and playwright, the famous creator of Ubu roi, he pioneeredthe Theatre of the Absurd and comic operas. Jarry’s fierce, extravagant and wild personality wasadmired by the key figures of the avant-garde such as Apollinaire, Marinetti, Tzara, Breton and otherartists alike. Nevertheless, Jarry still remains largely out of focus of current art historical research.The main objective of this survey is to uncover a different facet of Jarry’s personality that of an artist,art critic, aesthete, prophet, and to assess the role of art in his life as well as his influence on the avantgardecreative circles and its artistic outcome. This survey outlines the reasons for generations ofvarious artists paying homage to Jarry throughout the 20th century. The research uncovers the groundsfor Jarry’s and his creation Ubu’s turning into fetish-like figures for artists such as André Derain, PabloPicasso and Joan Miró. Finally we will focus on Andre Breton’s vision of Jarry as aesthetic pioneer andan innovator whose wild ideas served as a beacon to illuminate the way forward for the 20th centuryavant-garde

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Borràs, Pàmies Maria Teresa. "El primitivismo en Antonio Saura: El artista y el coleccionista." Doctoral thesis, Universitat Pompeu Fabra, 2019. http://hdl.handle.net/10803/668917.

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Abstract:

La obra de Antonio Saura ha sido ampliamente difundida a través de numerosas publicaciones y exposiciones de ámbito internacional. Sin embargo, aunque él mismo se declaró coleccionista de arte primitivo y manifestó la influencia de este en su creación artística, permanece inédita una mirada a su producción desde la perspectiva del primitivismo. Este trabajo da a conocer su colección para reencontrarla después en su obra, a partir de la cual se descubre una más amplia influencia del universo primitivo que se pone en evidencia también en sus escritos, dando cuenta así de las relaciones tejidas entre el coleccionista, el artista y el escritor y ofreciendo, en definitiva, una nueva lectura de uno de los pintores españoles más interesantes de la segunda mitad del siglo XX .
L'obra d'Antonio Saura ha estat àmpliament difosa a través de nombroses publicacions i exposicions d'àmbit internacional. No obstant això, encara que ell mateix es va declarar col·leccionista d'art primitiu i va manifestar la influència d'aquest en la seva creació artística, roman inèdita una mirada a la seva producció des de la perspectiva del primitivisme. Aquest treball dóna a conèixer la seva col·lecció per retrobar-la després en la seva obra, a partir de la qual es descobreix una més àmplia influència de l'univers primitiu que es posa en evidència també en els seus escrits, donant compte així de les relacions teixides entre el col·leccionista, l'artista i l'escriptor i oferint, en definitiva, una nova lectura d'un dels pintors espanyols més interessants de la segona meitat del segle XX.
Antonio Saura’s work is widely known through numerous publications and international exhibitions. Although he declared he was a collector of primitive art and that it had influenced in his artistic creation, a view of his work from the perspective of primitivism remains unpublished. This paper brings to light his collection which can be found later in his artistic production where one discovers a wider influence of the primitive universe which is also evident in his writings, thus revealing the relationships woven between the collector, the artist and the writer and offering, ultimately, a new perspective of one of the most interesting Spanish painters of the second half of the twentieth century.

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Alluchon, Marion. "Du Douanier Rousseau à Gaston Chaissac : la reconnaissance de l'art naïf en France et aux Etats-Unis (1886-1948)." Thesis, Paris 1, 2016. http://www.theses.fr/2016PA01H039/document.

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Abstract:

Reconnu par les avant-gardes au tournant du XXe siècle pour sa rafraîchissante primitivité, encensé jusqu’aux années 1950, l’art naïf est aujourd’hui tout à fait négligé. Grâce aux expositions rares mais régulières qui lui sont consacrées, seul Henri Rousseau dit le Douanier semble encore susciter quelque intérêt. Mais les peintres révélés à sa suite, autodidactes et d’extraction populaire comme lui et répondant aux noms d’André Bauchant, Camille Bombois, Séraphine Louis, René Rimbert ou Louis Vivin, ne jouissent plus du même succès. Pourtant, leur reconnaissance durant l’entre-deux-guerres prit des dimensions insoupçonnées. «Peintres du Cœur Sacré», «Primitifs Modernes», «Maîtres Populaires de la Réalité» ou encore, outre-Atlantique, artistes folk et self-taught, ceux qui furent définitivement labellisés art naïf à partir de 1950, comptaient parmi les peintres les plus appréciés. Outre le fait de combler un chapitre encore peu investi de l’histoire de l’art et de celle du primitivisme, nous cherchons à comprendre les raisons d’un tel décalage. Notre thèse retrace et analyse ainsi la reconnaissance de l’art naïf, de son émergence avec Henri Rousseau en 1886 à son institutionnalisation par le Musée national d’art moderne français en 1948. A travers l’étude des définitions qui lui furent successivement appliquées, nous constatons que ce type de «primitifs», loin de demeurer associés aux artistes les plus avant-gardistes, fut aussi célébré par une famille artistique conservatrice et réactionnaire qui, tout en les encensant, eut certainement raison de leur postérité
Revealed by the avant-garde at the turn of the 20th century for its refreshing primitivity, naïve art famous until the 1950’s is today completely neglected. Only Henri Rousseau known as the Douanier still draws attention thanks to the rare exhibitions that are still regularly organized on his work. But the ones who were recognized after his death, the self-taught and low-class people like him such as André Bauchant, CamilleBombois, Séraphine Louis, René Rimbert or Louis Vivin, don't ring a bell any more. However, their recognition during the in-between-wars both in France and in the United States was surprisingly successful. Known as the “Peintres du Coeur Sacré”, the “Modern Primitives”, the “Masters of Popular Paintings” or across the Atlantic as folk or self-taught artists, these painters who were definitively labeled as naïve art painters in France after 1950, were among the most appreciated ones. While completing a chapter of history of art and of the history of primitivism, we focused on trying to understand the reasons of such a shift. This PhD traces and focuses on the recognition of naïve art, from its birth with Henri Rousseau in 1886 to its institutionalization by the Musée national d’art moderne in 1948. By looking closely at the various definitions given to naïve art at different times, we can see that this type of “primitives” remains far from being associated to the most avant-gardist artists and that they were also celebrated by people from a more conservative and reactionary artistic tendency. This might have rushed their disappearance

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Sakalauskaitė, Jurgita. "Vaikų ir dailininkų kūrybos sąsajos." Master's thesis, Lithuanian Academic Libraries Network (LABT), 2005. http://vddb.library.lt/obj/LT-eLABa-0001:E.02~2005~D_20050531_183923-13163.

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Abstract:

The aim of the work is comparison of the primitivists’ art and the children’s art (6 – 11 years old), with the purpose to point theirs similarities in different artistically aspects. Looking at the child like at the artist is not a new attitude, but the attitude, that the children’s art is an aesthetical value came just at XX c. Till our days the children’s art was researched by psychology, pedagogy, philosophy even medicine attitude, but not art. Then adults are looking at children’s drawings they seem imperfect, naïve and primitive. Such naïve, spontaneous, playful attitude to the world, a childish slant and rendering of reality is very similar to primitivism artists. The children’s pictorial activity and primitivists art was researched like two different art’s districts. So I think this subject is actual and important. The creation of primitivism artists is a proof that we can see and treat the world not even by academic art rules. The original viewpoint which comes from subconsciousness to objects, surrounding covers the new opportunity to interpret the nature. The children’s pictorial activity is the important game form during it child reveals his physical development, moral condition, outlook. It is a natural child’s dependence which comes from subconsciousness. Each child’s individual, creative conception of reality and reflection in works, drawings has right to exist. Questionnaires’ materials show that teachers of primary classes are conversant... [to full text]

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Im, Vika. "Corkodiles : Challenging body standards by exploring techniques of cutting and assembling primitive materials, which are mainly derivatives of wood, in order to rethink the visual expression of the body." Thesis, Högskolan i Borås, Akademin för textil, teknik och ekonomi, 2016. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:hb:diva-11152.

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Abstract:

The motive of this work is to illustrate and visualize the socio-political objectification of the female body, in order to suggest explanations as to how female body standards are derived as a result of this objectification. The objective was obtained by exploring cut and assembling designs with powerful visual expressions, with sustainability as a point of emphasis. As the result 8 shapes were created out of one single pattern formula, the formula that would probably never be discovered if the starting point were not a fragile cork material.

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Foudral, Benjamin. "Léon Frederic (1856-1940), « gothique moderne » : carrière d’un artiste belge dans l’Europe de la fin du XIXe siècle." Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL061.

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Abstract:

Peintre bruxellois aujourd’hui méconnu, Léon Frederic (1856-1940), surnommé le « gothique moderne », tint un rôle important au tournant du XXe siècle comme l’un des représentants de la modernité picturale belge, tant sur la scène artistique nationale qu’internationale. S’appuyant sur un examen rigoureux d’un fonds d’atelier de plusieurs milliers de pièces, d’archives et de correspondances inédites, ainsi que sur l’établissement du catalogue raisonné de l’œuvre, cette étude souhaite reconstituer la trajectoire d’un peintre omniprésent, oublié face à la « mythologie de rupture » des avant-gardes. Si l’histoire de l’art a retenu l’image d’un peintre mystique reclus à la campagne, l’appréhension de sa carrière a permis de reconstituer le portrait d’un faux-naïf conscient des enjeux promotionnels, appartenant à une nouvelle élite belge qui fut à l’origine de l’intense vie culturelle bruxelloise. Frederic a su élaborer une mise en image inédite du « peuple », ouvrier et paysan, aussi bien comme point de convergence de l’image utile et morale, souhaitée par les tenants de l’art social, que comme projection d’un imaginaire culturel issu de la tradition et propre à une élite en quête d’un avenir meilleur pour les classes défavorisées. Stylistiquement, son art, se rapprochant de l’« archaïsme moderne » cher à Emile Verhaeren, l’impose dans le nouveau champ moderniste des sécessions comme l’ethnotype idéal et recherché de l’artiste « flamand ». Peintre bourgeois et marginal, élitaire et social, national et cosmopolite, Frederic est apparu comme l’un des hérauts adoubés de la modernité du temps et nous invite à remettre en question la binarité de la conception de l’art à la fin du XIXe siècle
The Belgian painter Léon Frederic (1856-1940), nicknamed the “gothique moderne”, played a key role at the turn of the 20th century as one of the main actors of Belgian modern art, both on the national and international artistic scene. Based on a rigorous examination of a studio collection of several thousand pieces, archives and unpublished correspondence, as well as on the realization of the catalogue raisonné of the work, this study aims to reconstruct the trajectory of an omnipresent painter, forgotten faced with the "mythology of rupture" of the avant-garde. If the history of art has retained the image of a mystical painter recluse in the countryside, the comprehension of his career enabled to reconstruct the portrait of a “faux-naïf” aware of the promotional stakes. Frederic belongs to a new Belgian elite who was at the origin of the intense cultural life in Brussels. Throughout his career, he has developed a new image of the "people", worker and peasant, both as a point of convergence of the necessary and moral image, wanted by the supporters of the social art, and as a projection of a cultural imagination, specific to an elite in search of a better future for the underprivileged classes. Stylistically, his art, approaching the "archaïsme moderne" theorized by Emile Verhaeren, imposes it in the new international and modernist field of the Secessions as the ideal and sought-after ethnotype of the "Flemish" artist. A bourgeois and marginal painter, elite and social, national and cosmopolitan, Frederic appeared as one of the heralds of the modernity and invites us to question the binarity of the conception of art at the end of the 19th century

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Gibbs, Judith. "Exploring beyond boundaries : a study of the late-period paintings and writing of D.H. Lawrence." Thesis, University of Reading, 2002. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.272263.

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Duchemin-Pelletier, Florence. "« Les sculptures ne sont pas uniquement des sculptures » : réception de l’art inuit contemporain en France des années 1950 à nos jours." Thesis, Paris 10, 2014. http://www.theses.fr/2014PA100075.

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Abstract:

Dans le milieu des années 1950, des expositions itinérantes d’art inuit contemporain sont envoyées sur plusieurs continents. Elles y connaissent une réception enthousiaste en raison du positionnement particulier que leur confère James A. Houston, à cheval sur les sphères conceptuelles du moderne et du supposé primitif. Seule la France, dont l’imaginaire collectif s’est pourtant largement enrichi de figures polaires depuis les missions d’apostolat et d’exploration, affiche alors une certaine défiance à l’endroit de cette nouvelle forme artistique. Cette thèse propose d’examiner les conditions de réceptions de l’art inuit contemporain dans un contexte hexagonal dominé jusque dans les années 1970 par le paradigme primitiviste, avant de se concentrer sur la multiplication des initiatives individuelles et collectives qui, depuis le début des années 1980, marquent un renouvellement du regard. Tout le long, l’art inuit est questionné dans sa faculté à être saisi comme un outil opératoire désignant une forme d’authenticité artistique ou culturelle. Un dernier pan s’intéresse au discours autochtone et aux jeux de double adresse auquel s’exercent les artistes inuit
From the middle of the 1950s, traveling exhibitions of Contemporary Inuit Art have been staged across several continents. These exhibitions had been enthusiastically received, thanks in large part to the particular positioning put forth by James A. Houston, which established Contemporary Inuit Art within the artistic constructs of primitivism and modernism. This warm welcome was in marked contrast to France's own reception of Inuit art. Even though its collective imaginary has been largely shaped by figures from the North Pole, a view that can be traced back to the first apostolic and exploratory missions of the continent, France remained the only country that showed a certain distrust towards this artistic expression. This thesis will examine the conditions by which Contemporary Inuit Art has been re-interpreted within a series of evolving historical contexts, beginning with the domination of the primitivist paradigm until the 1970s, and moving towards the multiplication of individual and collective projects from the early 1980s, a context which prevails to this day. Throughout this examination, the question of Contemporary Inuit Art's ability to be seen as a symbol of artistic and cultural authenticity will be addressed. The final chapter will deal with the notion of aboriginal discourse and the 'double address' mode of communication that Inuit artists tend to employ

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Lopes, Vivian Caroline Fernandes. "Traços do expressionismo alemão em Mário de Andrade." Universidade de São Paulo, 2013. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8149/tde-09012014-122454/.

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Abstract:

O trabalho investiga a presença do expressionismo alemão em Mário de Andrade, a partir da análise de alguns momentos de sua atividade intelectual e artística sobretudo, sua crítica de arte, passagens de seus manifestos literários e os livros Losango cáqui e Amar, verbo intransitivo. A escolha desses momentos se deu após uma leitura abrangente da obra, em que foram identificadas três categorias igualmente essenciais ao expressionismo: o primitivismo, a deformação e a preocupação social, que, portanto, nos serviram de guia para o discurso crítico.
The dissertation investigates the presence of German Expressionism in Mário de Andrade, as from the analysis of some periods of his intelectual and artistic activities - especially, his art criticism, his literary manifestos\' passages and the books Losango Cáqui and Amar, verbo intransitivo. The choice of this specific moments occurred after an embracing reading of his work, which identified three essential categories to the Expressionism: the primitivism, distortion and social concern, that led us to the critical speech.

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Malmon, Isabelle. "Le tupapau et le génie à capuche : étude d'une figure entêtante dans l'oeuvre de Paul Gauguin." Thesis, La Réunion, 2017. http://www.theses.fr/2017LARE0019.

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Abstract:

En 1892, la toile Manao tupapau de Paul Gauguin présente, à l’arrière d’une vahiné dénudée, un petit personnage encapuchonné. L’artiste explique qu’il s’agit d’un tupapau, d’un revenant dans les traditions polynésiennes. Le motif en réalité est déjà apparu en France en 1888, sans référence à l’Océanie, et ne cessera de hanter l’œuvre jusqu’au décès de Gauguin en 1903. Cette figure thanatique, intrusive dans une œuvre qualifiée d’exotique et d’érotique, méritait réflexion, d’autant que la critique l’a souvent banalisée ou effacée. Ce personnage montre-t-il que l’artiste cède au fantastique fin-de-siècle ? S’agit-il d’alimenter l’exotisme, comme les Orientalistes, en faisant cohabiter cette entité ténébreuse avec la «belle des îles» ? Y a-t-il, de la part d’un homme exécrant l’Europe mercantiliste et racialiste, un intérêt sincère pour le surnaturel polynésien persécuté par les missions chrétiennes ? Notre travail a montré que l’excursion dans les îles du Pacifique pouvait virer à la descente aux Enfers. Face à la normalisation coloniale et chrétienne des mœurs et croyances polynésiennes, la peur de la damnation, la mortalité effrayante dû au mal vénérien, le démon à capuche est la mort qui gagne sur les plaisirs, la diabolisation de la liberté sexuelle. Mais il exprime aussi une ingression dans les ténèbres de la psyché, une tension entre volonté de jouissance dans la nouvelle Cythère et peur d’une sexualité féminine diabolisée et indomptée, entre désir de régression vers la mère et envie de fuir une figure tutélaire anxiogène. Le petit génie macabre contribue enfin à orienter l’œuvre vers une esthétique originale, mettant à mal les stéréotypes artistiques et idéologiques
In 1892, Paul Gauguin’s painting Manao tupapau shows, behind a naked Tahitian woman, a little hooded character. The artist explains that this is a tupapau, that is to say a ghost in the Polynesian traditions. In reality the pattern already appeared in France in 1888, without any reference to Oceania, and it will haunt the work of Gauguin until he died in 1903. This figure, invasive in a so-called exotic and erotic work, deserves special attention, especially as most critics often trivialised or deleted it. Does this character prove that the artist is yielding to fin-de-siècle fantasy ? Is it a way to feed exotism, like the Orientalists painters, by the coexistence between this shadowy ghost and the « belle des îles » ? Knowing that Gauguin hated the mercantilist and racialist Europe, does he have a real interest in the Polynesian occult world and beliefs as they were fought by Christian missions ? Our dissertation showed that Gauguin’s excursion in the Pacific islands went a downward spiral. When the Polynesian customs and religion are standardized by colonialism and Christianism, when guilt of damnation and mortality caused by the syphilis are spreading, the hooded genius represents death prevailing over pleasure, the demonization of sexual freedom. This figure expresses also a descent into the dark room that is Gauguin’s psyche, his being torn between will of enjoyment in the new Cythère and fear of a demonized and untamed female sexuality, between his desire to come back to the mother image and his avoidance of a stressful domination figure. At last the little genius helps to give the work an original esthetics, challenging artistic and ideological stereotypes

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Ross, Susan Imrie. "The inner image: an examination of the life of Helen Elizabeth Martins leading to her creation The Owl House and A Camel Yard as outsider art." Thesis, Rhodes University, 1996. http://hdl.handle.net/10962/d1002227.

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Abstract:

The Owl House is situated in the Karoo village of Nieu Bethesda, and the person responsible for its creation, Helen Elizabeth Martins (1897-1976), is South Africa's best known Outsider artist. A number of newspaper and magazine articles, television programmes, radio interviews, play, films, short stories, theses and art works have resulted directly from her work. Interest in The Owl House continues to grow, with visitors coming from all over South Africa, and various parts of the world,to visit it. The Owl House was Helen Martins' home for most of her 78 years. During the last 30 or so years of her life she devoted all her time and energy to transforming the interior of her house into a glistening fantasy world of colour and light, using crushed glass stuck to almost every surface, coloured glass pane inserts in the walls, mirrors of many sizes and shapes, and countless paraffin lamps and candles. She called her garden' A Camel Yard', and filled it with over 500 cement statues, structures and bas reliefs. All the labour involved, apart from crushing and sorting the coloured glass, was provided by at least four different men, who assisted her over the years, Johannes Hattingh, Jonas Adams, Piet van der Merwe and Koos Malgas, though Helen Martins was the inspiration and director behind it all. Through a study of Helen Martins' background and life, and their effects upon her psyche, a rigorous attempt has been made to reach some understanding of why she became a recluse, and what caused her to create this unique body of work comprising her entire domestic environment. She became increasingly asocial as her life progressed, and ultimately ended it by committing suicide in 1976. Through the universality of symbolism, the meanings of the subjects, themes and concerns which she chose to depict are studied. Then, together with some knowledge of her life and personal influences, an attempt has been made to deduce what it was that Helen Martins was trying to express and work through in her creations. This study also led to an awareness of the fact that, although each one is unique, there are many examples of Outsider Art throughout the world. Fundamentally, creators of Outsider Art remain asocial in relation to their cultural milieu and cultural context. Some other examples of Outsider Art, both in South Africa as well as in Europe and India, were visited, and are described and compared with The Owl House as well as with one another. The way in which society reacts or responds to Outsider Art and its creators is studied through the comprehensive records of one specific case which caused great controversy in Johannesburg during the 1970s. Ultimately, working alone or with assistance, it is the Outsider artist who is the driving force behind these unique works, and whose indefinable inner fire of passion alone makes it possible to bring them into being. It would seem that the fascination with Outsider Art is that through their work, creators allow others a glimpse into a different sense of reality which is both mysterious and inexplicable.

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Pélissier, Claire. "L'odyssée des peintres surréalistes : l'influence de la pensée et des artistes anciens sur les principaux peintres surréalistes." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1992PA040029.

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Abstract:

L'étude des influences intellectuelles et formelles reçues par les principaux peintres surréalistes démontre la volonté du groupe de tendre à l'appréhension et à l'expression de l'universel, dans le but d'établir les bases d'un nouvel humanisme
The study of the intellectual and formal influences received by the main surrealists painters prove the will of the group to tend to apprehend and to express the universal in way to establish the bases of a new humanism

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Bissa, Bi Nzue Astride. "Art et individuation : la rupture expressionniste." Dijon, 2008. http://www.theses.fr/2008DIJOL019.

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Abstract:

L’expressionnisme, considéré comme l’une des plus grandes avancées esthétiques du 20ème siècle, s’attache à une conception de la création artistique comme construction de la personne, mode d’individuation. Et, prenant le contre-pied des critères de définition habituels, le Beau ou la Forme, cette esthétique singulière née dans un contexte particulièrement difficile, représente pour l’art du début du 20ème siècle et toute la pensée esthétique contemporaine, un véritable catalyseur. En effet, l’expressionnisme induit une transformation totale du mode représentatif de l’art, celle de la figure du sujet humain et de son rapport au monde, donnant ainsi à l’art une nouvelle dimension anthropologique. Il marque donc une approche de l’art qui permet de mettre au jour ou de résoudre la question d’une éthique de l’humain, incompatible avec des définitions essentialistes. Ainsi, cette esthétique apparaît d’abord comme le rejet catégorique d’une réalité sociale, culturelle et politique particulièrement éprouvante, mais qui semble en même temps forger son caractère et déterminer ses orientations. L’émergence du primitivisme est à cet égard emblématique. Ce primitivisme qui apparaît comme acceptation, comme reconnaissance d’une altérité quasi radicale, quête de sens et d’identité, affecte l’expressionnisme et l’art contemporain dans leur conception de l’art et de la conception de la vie. Par conséquent, cette impulsion tout à fait particulière du primitivisme représente l’une des meilleures manifestations de la révolution esthétique du 20ème siècle mais aussi, fait de l’expressionnisme le creuset d’une conception de l’art et de l’homme en dehors de tout particularisme tranché et de formes arrêtées
Expressionism, considered like one of the most esthetic advanced of the 20th century, is related to an artistic creation conception like the person building, individuation mode. And, taking the opposite of usuals definiton critarials, Nice and Shape, this singular esthetic born in a difficult particular context, represent a real catalyzer for the art of the bigginning of the 20th century and the whole comtemporain esthetic thinking. Sure enough, expressionism induct a whole transformation of the representative mode of art, the one of the human subject face and his relation with world, thus giving a new anthropolical dimension to art. So this indicate an approach of art which permit to set or resolve the question of an human ethic, imcompatible to the essentialists definitions. Thus, this esthetic appears like first a categorical reject of a social, cultural and politcal reality particulary difficult, but which seems at the same time build his temperament and determine his orientations. The appearance of primitivisme is as this respect emblematic. This primitivism which appears like an acceptation, like a recongnition, like an altirity almost radical, seeks of identity and senses, affecting expressionism and comtemporain art in their conception of art and life. Consequently, this special impulsion of previtivism represent one of the most manifestations of the esthetic revolution of the 20th Century but also, fact that expressionism the melting pot of an art conception and human out of stand out and rules

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Murphy, Maureen. "Stratification et déplacements d'un imaginaire : les arts d'Afrique dans les musées et les expositions, à Paris et à New York, des années 1930 à nos jours." Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010637.

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Abstract:

Dans les années 1930, les objets d'Afrique commencent à être envisagés en tant qu'éléments de culture. Associés à l'art moderne depuis la "découverte" qu'en firent les artistes d'avant-garde parisiens au début du siècle, ces derniers en deviennent l'extension symbolique. Ainsi, ce n'est pas seulement "l'idée d'art moderne" qui se déplace de Paris à New York après la Seconde Guerre mondiale, mais également celle des arts d'Afrique. En devenant la caution universaliste du modernisme en train de se mettre en place à New York, ils acquièrent le statut d' œuvre d'art et sont présentés au Metropolitan vingt ans avant d'entrer au musée du Louvre. L'analyse comparative des modes d'articulation de l'imaginaire relatif à l'Afrique aux identités nationales française ou américaine tels qu'ils se cristallisent dans certaines expositions ou créations de musées, permet de souligner la spécificité française à quelques mois de l'ouverture à Paris du musée du quai Branly.

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Faure, Fabien. "Oeuvres-lieux et lieux autres : primitivisme et dimension anthropologique de la sculpture d'Etienne Martin à Richard Long." Aix-Marseille 1, 2003. http://www.theses.fr/2003AIX10013.

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Abstract:

Une soixantaine d'années après la découverte de "l'art nègre", la redéfinition de la sculpture comme lieu en Europe et aux Etats-Unis marque l'apparition d'un second moment dans le primitivisme moderne. Les artistes occidentaux affichent de nouveaux intérêts : ce ne sont plus guère des objets "autres" - des statues et des masques étrangers à la tradition de la sculpture en Occident - mais des sites lointains et/ou très anciens qui participent dès lors à la transformation des productions et des démarches. Ces changements profonds touchent à la fois à la mise en espace des formes et des matériaux, aux procédures mises en oeuvre ainsi qu'au type d'expérience, physique et phénoménologique, proposées au spectateur. Le propos de cette recherche est d'examiner, à partir de l'analyse d'emprunts formels et structurels, la relation dynamique qu'entretiennent certaines oeuvres-lieux avec des lieux "autres".

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Zenobel, Pierre-Charles. "Recherches sur le primitivisme dans les arts graphiques à la fin du XIX ème siècle : étude sur deux revues d'art : l'Ymagier, Perhinderion /." Paris : Université de Paris I Panthéon-Sorbonne, 1997. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37067067j.

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Martin-Vivier, Pierre-Emmanuel. "L'étrange luxe du rien : vie et oeuvre de Jean-Michel Frank." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040141.

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Abstract:

Figure mythique de l'entre-deux-guerres, Jean-Michel Frank (1895-1941) est l'auteur d'intérieurs minimalistes et ascétiques, jouant sur les concepts du vide, de l'anonymat, du primitivisme et du " luxe pauvre ". Décorateur des grandes figures mondaines et intellectuelles des années 30, Frank se distingue par ses commandes d'œuvres décoratives passées auprès d'artistes cubistes et surréalistes, Salvador Dali, Alberto Giacometti, Henri Laurens entre autres. Partageant des liens aussi bien avec le fonctionnalisme que les grands styles français, l'œuvre de Frank est révélatrice des bouleversements esthétiques de l'époque et nourrit le débat opposant les Modernes aux tenants de la Tradition. Cette étude se propose de retracer la vie de Jean-Michel Frank, en replaçant le personnage dans son univers artistique, intellectuel et social. Elle reconstitue la chronologie de son travail, retrace son évolution stylistique et analyse la teneur de ses collaborations avec les artistes des avant gardes. Enfin, cette thèse s'attache à démontrer l'originalité et l'apport de Jean-Michel Frank dans l'histoire des arts décoratifs du XXème siècle
Mythical figure of the interwar years, Jean-Michel Frank (1895-1941) created minimalist and ascetic interiors, playing on the concepts of emptiness, anonymity, primitivism and “poor luxuriousness”. Decorator for the most fashionable and intellectual figures of the 1930s, Frank distinguished himself by the decorative works he commissioned cubist and surrealist artists such as Salvador Dali, Alberto Giacometti and Henri Laurens among others. Linked to functionalism as well as great French styles, Frank's work reveals the aesthetic upheaval of the time and fills out the debate opposing Moderns to the supporters of Tradition. This study relates the life of Jean-Michel Frank, replacing the character in his artistic, intellectual and social background. It reconstructs the chronology of his work, recounts his stylistic evolution and analyses the content of his collaborations with the avant-garde artists. Finally this thesis endeavours to demonstrate the originality and the contribution of Jean-Michel Frank in the history of the XXth century decorative arts

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Dagen, Philippe. "Le mythe du retour dans la peinture et les esthétiques en France, du symbolisme à l'abstraction." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040265.

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Abstract:

Par l'examen des oeuvres picturales, des demarches critiques et des doctrines esthetiques qui voient le jour en france dans le dernier tiers du dix-neuvieme siecle, la these s'applique a l'analyse des effets et des consequences de la decouverte des arts prehistoriques, africains et oceaniens ainsi que de la redecouverte des oeuvres du moyen-age occidental. De la curiosite a l'engouement et a la mode, du pastiche a des emplois de plus en plus varies et distancies, les arts "primatifs" envahissent les ateliers parisiens et apparaissent bientot comme autant de references capitales. A la suite de gauguin, les fauves - matisse et derain - et picasso font des archaismes de la couleur et du dessin les facteurs d'une rupture anti-academique et antiimpressionniste clairement definie comme telle par les ecrivains et les critiques qui accompagnent leur evolution
By a new analysis of painting and writings in fin-de-siecle france, the author reconsiders the questions of primitivism and archaic sources in modern art. The discovery of prehistoric, african and oceanian paintings and sculptures, the reevaluation of roman and gothic paintings from italy and france are the main elements of a real revolution in taste and theory. Such major artists as gauguin, matisse, derain and picasso find in these ancient or exotic works their ground inspiration and are able to build a new conception of representation and expression, against the academic rules and the tradition born from impressionnism

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Bouche, Christine. "Le sculptural, le primitivisme et la femme dans l'art de Giacometti." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010608.

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Abstract:

Dans sa monographie, Yves Bonnefoy a désigné l'enjeu éthique de l'art de Giacometti: préserver par la création la présence vivante d'autrui, sensible dans l'humanité de son visage. L'humanité du regard de l'artiste s'est jouée dans son art avec la femme. L'enjeu de l'œuvre après la guerre fut de tempérer sa haine de la féminité
In his monograph, Yves Bonnefoy has indicated the ethical stake of giacometti's art : preserve by creation the living presence of others, perceptible in the humanity of the face. The humanity of the artist's view shows in his representation of the woman in his art. The stake of his work was to temper his hatred of femininity

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Amaral, Luana Lopes. "Os predicados primitivos ACT e DO na representação lexical dos verbos." Universidade Federal de Minas Gerais, 2013. http://hdl.handle.net/1843/LETR-96NMK5.

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Abstract:

This dissertation aims to study some types of agentive activity verbs in Brazilian Portuguese and two primitive predicates, ACT and DO. These primitive predicates are proposed in the literature for the formulation of predicate decomposition structures that could be used as lexical representation for agentive activity verbs. Our purpose is to investigate which one of these primitive predicates is more adequate for the formulation of representations to the verbs we analyze and also if we need to postulate that both predicates exist in an inventory of primitive predicates. Considering Cançado and Godoys (2011) work, which shows that agentive activity verbs in Brazilian Portuguese do not form a grammatically relevant verb class, we raise the hypothesis that both ACT and DO exist in an inventory of primitive predicates and each one of those predicates is used in the representation of a specific class of agentive activity verbs. We found in our data three different verb classes: verbs like correr run, verbs like escrever write, and verbs of creation. We motivate the classification of the verbs using syntactic and semantic diagnostics. Also using that kind of diagnostics, we conclude that verbs like correr are more adequately represented by a structure with the primitive predicate DO and that verbs like escrever are more adequately represented by a structure with the primitive predicate ACT. The verbs of creation are also more adequately represented by a structure with the primitive predicate ACT, but their representation is different from the one proposed for verbs like escrever. We also show that an apparent transitivity alternation found with verbs of creation (o João escrevia João used to write/o João escreveu uma carta João wrote a letter) is, in fact, the result of a process of polysemy.
Nesta dissertação, tomamos como objeto de estudo alguns tipos de verbos de atividade agentivos do português brasileiro e os predicados primitivos ACT e DO. Esses predicados primitivos são propostos na literatura para a formulação de estruturas de decomposição de predicados que possam servir de representação lexical para verbos de atividade agentivos. O nosso objetivo é investigar qual desses predicados primitivos é mais adequado para a representação dos verbos que tomamos como objeto de estudo e se é necessário postular a existência de ambos em um inventário de predicados primitivos. Tomamos como base a proposta de Cançado e Godoy (2011), que mostra que os verbos de atividade agentivos do português brasileiro não formam uma classe verbal gramaticalmente relevante. Assim, levantamos a hipótese de que ACT e DO existem em um inventário de predicados primitivos e que cada um desses predicados será utilizado na representação lexical de uma classe específica de verbos de atividade agentivos. Em nossos dados encontramos três diferentes classes verbais: os verbos como correr, os verbos como escrever e os verbos de criação. Motivamos a classificação dos verbos com testes sintáticos e semânticos. Também através de testes sintáticos e semânticos, concluímos que os verbos como correr são mais adequadamente representados através de uma estrutura com o predicado primitivo DO e que os verbos como escrever são mais adequadamente representados através de uma estrutura com o predicado primitivo ACT. Os verbos de criação também são mais adequadamente representados através de uma estrutura com o predicado primitivo ACT, mas que é diferente da representação proposta para os verbos como escrever. Por fim, mostramos que uma aparente alternância de transitividade que ocorre com alguns verbos de criação (o João escrevia/o João escreveu uma carta) é, na verdade, resultado de um processo de polissemia.

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Ivanoff, Hélène. "Un regard créateur sur l'Autre de l'art : les Fauves et die Brücke (1905-1914) : primitivisme, colonialisme et art moderne." Paris, EHESS, 2012. http://www.theses.fr/2012EHES0106.

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Abstract:

Les Fauves et die Brücke, à l'image d'autres artistes d'Europe avant 1914, révélèrent les « arts primitifs » venant d'Océanie, d'Afrique et d'Amérique. En décentrant le regard porté jusque-là sur l'art, ils mirent en crise les représentations artistiques dominantes en Europe : elles ne relevaient que d'un modèle culturel de figuration de la nature. Dans cet écart, ils firent apparaître l'Autre de l'art : ils imposèrent par leur création de nouvelles visions esthétiques et culturelles et intégrèrent le « primitivisme » dans les discours sur l'art moderne. En cela, ils témoignent des sensibilités de leur temps, l'« art primitif », l'« Orient », correspondant à des catégories imaginaires pour évoquer l'Autre de l'art. Ils contribuèrent cependant à modifier les représentations de leurs contemporains, en montrant que l'art n'était pas l'apanage de l'Occident et en plaçant sur un pied d'égalité les cultures européenne et « primitive ». En amont, ces transferts asiatiques se sont opérés grâce à des passeurs culturels - tels Aby Warburg, Franz Boas, Leo Frobenius ou Augustin Krämer ayant transmis ces objets en Europe et étudié l'art des peuples dits « primitifs », la naissance de l'ethnologie s'inscrivant dans un contexte colonial. Les trajectoires du regards des Fauves et de die Brücke sont communes pour l'art africain, croisées pour l'art océanien, la reconnaissance de l'art amérindien restant une spécificité allemande avant 1914. En aval, leur création artistique manifeste une hybridation des transmissions culturelles, visible dans les emprunts stylistiques, dans leurs pratiques artistiques et même dans leur mode de vie pour die Brücke
The Fauves and the Brücke enlightened the art of "the Primitive Artists" from Oceania, Africa and America. Transforming the western vision of art, they activated a crisis among the prevailing usual artistic manners in Europe which, according to them, were just another way to depict the Nature. In that distance they revealed the Art's Other : they imposed by their creations a new aesthetic and cultural vision and they did create and moreover added the word "Primitivism" when they discoursed on the Modern art. Thereby these Artists represented a certain way of feeling and the following expressions such as, "Negro art", "Primitive Art", "Orient", corresponding to imaginary categories used to put a label on the Art's Other. They nonetheless contributed to change their contemporarie's mentalities in showing that art was not the privilege of the sole western countries, and in placing on an equal level European and "Primitive" cultures. On the one hand, these artistic transfers were helped by "boatmen" such as Aby Warburg, Franz Boas, Leo Frobenius or Augustin Krämer who brought these objects to Europe and studied art of the "Primitive" peoples, the birth of ethnology being linked to the colonial context. The Fauves and the artists of die Brücke shared a common way to look at African Art while their perspectives crossed concerning Oceanian Art, but the German were the only one to recognize Native American Art as an Art before 1914. On the other hand their artistic creation shows an hybridization of cultural transmissions, noticeable their stylistic borrowings, in their artistic practices and even in their way of life as far as die Brücke is concerned

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Souvignet, Florent. "L' art contemporain africain aux Etats-Unis : vers une anthropologie des marges." Paris, EHESS, 2014. http://www.theses.fr/2014EHES0604.

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Abstract:

L’exposition « Magiciens de la Terre », présentée à Paris en 1989, est souvent perçue comme un acte institutionnel fort en direction des productions visuelles récentes extra-occidentales. Elle marque les débuts de l’ouverture des espaces muséaux européens et nord-américains au reste du monde et annonce l’ère de la thématique de la mondialisation de l’art. Aux lendemains de cet événement la notion d’art contemporain africain voit le jour et plusieurs acteurs importants apparaissent comme Jean Pigozzi, André Magnin ou Okwui Enwezor. Cette notion fera l’objet de nombreux débats tant dans le champ universitaire que dans le champ de l’art. Avant le contenu d’un objet, c’est l’existence d’un label qui a retenu notre attention. Partant de la plasticité sémantique des trois termes, « art », « contemporain » et « africain », cette thèse se propose d’analyser l’apparition de l’art contemporain africain, non plus comme une catégorie mais comme un domaine englobant des pratiques et des discours extrêmement variés. Partant des galeries d’art contemporain en plein cœur de New York à Chelsea pour aller vers les fondations privées et les musées de Beaux-Arts ou d’art africain, cette thèse propose une ethnographie des différents acteurs impliqués dans la promotion, la présentation ou la réflexion critique autour de cette notion. La question de savoir comment un artiste parvient à perdre sa dénomination « africaine », à s’extraire de la désignation « artiste contemporain africain » pour devenir « artiste contemporain » de plein droit est l’une des thématiques abordées. Fruits d’un travail de près de quatre année de recherches aux Etats-Unis, soutenus par de nombreux entretiens, ce texte interroge les possibles permanences du primitivisme et les modalités de ses transformations
The exhibition "Magiciens de la terre", presented in Paris in 1989, is often viewed as a strong institutional moment towards recent non-Western visual productions. It marks the start of a movement towards opening European and North American museum spaces to the world and announces the era of the globalization. In the aftermath of this event, the notion of contemporary African art developed with the appearance of th key actors including Jean Pigozzi, andré Magnin or Okwui Enwezor. The concept of Contemporary African Art was hotly debated in art and academia alike, attracting substantial attention before its object was defined. Using the semantic plasticity of the three terms, "art", contemporary" and "african" as a potential departure, this dissertation analyzes the emergence of Contemporary African Art not as a category but as a field that encompasses diverse practices and discourses. This dissertation presents an ethnography of the actors involved in the promotion, presentation, and critique of this notion, focused on the galleries, private foundations, and museums at heartof the contemporary art world in New York's Chelsea neighborhoods question of how an artist might lose his "African" denomination and extract himself from the designation "contemporary African artist" to become an unmarked" contemporary artist" is one of its main theme result of four years of ethnographic research in the united states, this text questions the possible permanancy of primitivism and the modalities of its transformation

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Ledoux, Chloé. "Le sentiment religieux du "Brücke" : réenchantement du monde et de l'art." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010671.

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Abstract:

En Allemagne, au début du vingtième siècle, le sentiment religieux constitue pour les artistes du « Brücke» un moyen de s'opposer à ce qu'ils perçoivent comme un désenchantement du monde. Dans un contexte historique favorable à l'émergence de mouvements de réenchantement dans la société, dans un contexte artistique de naissance des avant- gardes, le groupe développe à Dresde, Berlin, sur les rivages de la Mer du Nord et de la Baltique une utopie. Elle est fondée sur des expériences communautaires hédonistes à travers lesquelles les artistes s'identifient à « Adam », symbole d'une humanité antérieure au péché originel et à la corruption de la civilisation occidentale moderne par la rationalisation. Les artistes souhaitent aussi se faire « chamanes », développant des formes d'expression en correspondance avec celles des peuples extra-européens, dont ils perçoivent l'adéquation au contenu. En tant que « prophètes », dans les temps apocalyptiques de la première guerre mondiale, ils retournent à une iconographie chrétienne traditionnelle, adaptant ses symboles à une nouvelle forme de transcendance, d'inspiration partiellement protestante. Leurs divinisations de l'homme, de la nature et de l'art répondent aux attentes de leurs contemporains. Elles sont également instrumentalisées par certains acteurs des milieux artistiques, politiques et même religieux allemands.

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Gorge, Emmanuel. "La musique et l'altérité : miroirs d'un style /." Paris : l'Harmattan, 2008. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb414022966.

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Abstract:

Texte remanié de: Habilitation à diriger des recherches--Arts et sciences de l'art. Musique--Paris 1, 2007. Titre de soutenance : Musique et altérité : épistémologie d'un style.
Bibliogr. p. 313-350. Discogr. p.351-358. Index.

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Poli, Jean-Dominique Battistini Yves. "Pour René Char : la place de l'origine /." La Rochelle : Rumeur des âges, 1997. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb36703546t.

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Gagnon, Louis. "Charlie Inupuk, étude sémiotique d'un cas en art inuit." Master's thesis, Université Laval, 1990. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33509.

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Abstract:

Ce mémoire est constitué de deux grands ensembles: premièrement, un regard synthétique sur le développement de l'art inuit contemporain depuis l'art nordique préhistorique, et deuxièmement une approche sémiotique de l'art de Charlie Inukpuk. Ainsi, dans notre premier volet nous avons voulu situer les multiples productions de l'art esquimau préhistorique jusqu'à l'avènement de l’art inuit contemporain dans une perspective historique basée sur des recherches archéologiques et historiques; notre objectif était alors de démontrer l'importance du phénomène transculturel entre l'art inuit contemporain et l'envahissante culture des Blancs. Par la suite, ceci nous a amené à aborder la question du primitivisme car, l'art inuit a trop souvent été qualifié "d'art primitif " comme si, pour différentes raisons, plusieurs auteurs avaient voulu conserver une intriguante saveur exotique à cette forme d’expression artistique non-occidentale. Cette première partie est suivie d'un portrait contextuel de l'art de Charlie Inukpuk, jeune sculpteur inuit qui vit à Inukjuak dans le Nunavik (Nouveau- Québec). L'art de Charlie Inukpuk nous sert ici de prétexte pour appliquer un modèle sémiotique d'analyse à une oeuvre d'art inuit. Cherchant délibérément à éviter les écueils d'une approche trop ethnologique de l'art inuit, le but ultime de nos travaux était de vérifier le degré d'efficacité d’une telle analyse sémiotique sur une forme d'expression artistique non-occidentale. Les résultats sont tels qu'il devient possible de croire que l'analyse sémiotique, même syntaxique, des sculptures inuit pourra grandement contribuer à une meilleure compréhension de l'art inuit et nous donnera un accès plus valable à ce phénomène artistique hybride résultant d'un croisement culturel entre les Euro-canadiens et les Inuit.
106412\u Résumé en anglais
106413\u Résumé en espagnol
Montréal Trigonix inc. 2018

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Hirota, Haruko. "La sculpture de Paul Gauguin dans son contexte (1877-1906) et le catalogue raisonné informatisé de l'oeuvre sculpté." Paris 1, 1998. http://www.theses.fr/1998PA010691.

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Abstract:

La présente étude a pour objet de réviser la totalité de la sculpture de Paul Gauguin, et de la resituer dans son contexte, c'est-à-dire dans son rapport avec le développement artistique propre à son époque. Reconnues de nos jours comme précurseurs du primitivisme du XXe siècle, les créations audacieuses de Gauguin n'ont pas, en effet, été examinées dans le cadre du XIXe siècle. Notre recherche consiste d'une part, à trouver les sources possibles de ses sculptures, les influences qu'il reçut de ses contemporains, tels qu'Aube, Carries et Rodin, à distinguer ses particularités artistiques, et d'autre part, à éclairer l'iconographie de ses œuvres dans le contexte du symbolisme et de l'idée primitiviste. Au cours de l'examen des œuvres par étapes, il s'avère que le principe fondamental de la création de Gauguin réside dans la dialectique des deux pôles, central et marginal, occidental et non-occidental, ce qui est caractéristique du primitivisme propre au XIXe siècle. Dans cette optique, ses intérêts pour les différentes formes d'arts populaires sont notables. Par ailleurs, ses intérêts pour la culture primitive océanienne, tout en étant syncrétique, produisent des œuvres d'une dimension mythique et totémique, qui annoncent le primitivisme du XXe siècle. Son art qui témoigne à la fois de l'historicité et du mythique se situe justement dans cette période de transition. Notre thèse se compose de deux parties : le texte, et le catalogue raisonné dans lequel nous avons pu ajouter 14 œuvres depuis longtemps oubliées ou non encore publiées - aux catalogues de Merete Bodelsen et de Christopher Gray, édités il y a plus de trente ans
The purpose of this study is to re-examine the totality of the sculpture of Paul Gauguin, and to place it in its context, that is, in its relation to the artistic developments peculiar to his time. Recognized today as precursors of primitivism of XXth century art, the bold creations of gauguin have not been examined in the framework of the XIXth century. This research consists, on the one hand, in finding the possible sources of his sculptures, the influences he received from his contemporaries such as aube, carries and rodin, in distinguishing his artistic features, and on the other hand, in elucidating the iconography of his sculptures in the context of symbolism and of primitivist ideas. In the course of examining his pieces, it will be confirmed that the fundamental principle of the creation of gauguin lies in the dialectic of two poles, central and marginal, occidental and nonoccidental, which is characteristic of the primitivism of the XIXth century. From this point of view, his interest in the various forms of popular art is notable. On the other hand, his interest in the primitive culture of oceania, despite its syncretism, produced works of mythical and totemic dimensions, which herald the primitivism of the XXth century. His art that shows the historicity and the mythic at the same time is placed just in this period of transition. This thesis is composed of two parts: the text and the catalogue raisonne which adds 14 works - forgotten for a long time or not yet published - to the catalogues of Merete Bodelsen and Christopher Gray, edited over thirty years ago

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Bouthillette, François. "Henri Rousseau, un «primitif moderne» à l'époque du symbolisme." Master's thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/26027.

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Abstract:

Le présent mémoire se veut une exploration des œuvres les plus connues d’Henri Rousseau. Par l’étude des rapports entre ce peintre et le « moment symboliste », nous croyons être en mesure d’établir divers liens tangibles entre Rousseau et ses contemporains. Nous avons classé la production de l’artiste en fonction d’une répartition entre ce que nous entrevoyons comme des manières distinctes d’adhérer au primitivisme. Symboliste, exotique et moderne, le primitivisme d’Henri Rousseau démontre qu’il n’est pas à l’écart de son époque, mais qu’il en fait bien partie. Nous proposons un regard nouveau sur Henri Rousseau et ses créations. Certes, il est aujourd’hui considéré comme un peintre moderne et ses tableaux font partie des plus grandes collections d’art moderne du monde. Néanmoins, nous croyons qu’il est toujours, d’une certaine façon, vu comme un « personnage naïf », avant d’être un peintre. Nous pensons qu’Henri Rousseau est un « primitif moderne » et que ce cadre conceptuel, à établir entre lui et l’époque symboliste, est plus propice et approprié, aujourd’hui, à l’étude et l’analyse de son travail.

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Letvin, Alice Owen. "Sacrifice in the surrealist novel : the impact of early theories of primitive religion on the depiction of violence in modern fiction /." New York : Garland publ, 1990. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb354828948.

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Heng, Kok Lay. "Analyse d'images de lignes des pixels aux primitives /." Grenoble 2 : ANRT, 1988. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37614220q.

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Myjak, Michael D. (Michael David). "Computer Graphics Primitives and the Scan-Line Algorithm." Thesis, University of North Texas, 1988. https://digital.library.unt.edu/ark:/67531/metadc500544/.

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Abstract:

This paper presents the scan-line algorithm which has been implemented on the Lisp Machine. The scan-line algorithm resides beneath a library of primitive software routines which draw more fundamental objects: lines, triangles and rectangles. This routine, implemented in microcode, applies the A(BC)*D approach to word boundary alignments in order to create an extremely fast, efficient, and general purpose drawing primitive. The scan-line algorithm improves on previous methodologies by limiting the number of CPU intensive instructions and by minimizing the number of words referenced. This paper will describe how to draw scan-lines and the constraints imposed upon the scan-line algorithm by the Lisp Machine's hardware and software.

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Hasegawa, Akiko. "Le rôle du primitivisme dans la pensée esthétique d' André Breton entre 1920 et 1942." Paris 7, 2010. http://www.theses.fr/2010PA070005.

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Abstract:

Théoricien du surréalisme, André Breton (1896-1966) place au cœur de sa pensée et de son écriture esthétiques l'intérêt pour ce qui est primitif. Dans ses écrits, notamment dans sa critique d'art, il mentionne fréquemment les œuvres dites « primitives » (primitifs italiens, arts premiers, arts naïfs et arts préhistoriques), l'image primitive, la mentalité primitive et l'état primitif de la société. La plupart de ses réflexions concernant le primitif développent une contestation des valeurs de la société de son temps, souvent incarnées par la pensée rationnelle et systématique. Sa référence constante au primitif revêt un caractère à la fois esthétique, politique et mythique. Structurée autour des trois aspects du primitivisme, cette thèse vise à retracer l'évolution entière du rôle du « primitif » et du « primitivisme » dans la pensée esthétique de Breton et précise également la spécificité de sa pensée durant entre-deux-guerres
Theoretician of Surrealism, André Breton (1896-1966) places his interest in primitive at the core of his thinkings and writings. In his writings, especially in his criticism of art, he frequently mentions the works of art called "primitive" (the Italian primitives, primitive arts, naive art and prehistoric art), the primitive image, the primitive mentality and the primitive condition of society. Most of his reflections on this term cast a protest of society's values of his time, often represented by rational and systematic thought. His persistent reference to the primitive is principally aesthetic, political and mythical. Structured around these three aspects of primitivism, this thesis aims to trace the entire evolution of the role of "primitive" and "primitivism" in Breton's aesthetic thinkings and also indicate the specificity of his thinkings during the inter-war

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Muñoz, Torreblanca Marina. "La recepción de "lo primitivo" en las exposiciones celebradas en España hasta 1929." Doctoral thesis, Universitat Pompeu Fabra, 2010. http://hdl.handle.net/10803/7450.

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Abstract:

En España, al igual que en el resto de países europeos a finales del siglo XIX y principios del XX, se hace exhibición de "lo primitivo": personas (indígenas procedentes de los nuevos territorios colonizados) y objetos (piezas de arte y artefactos de la cultura material de los indígenas procedentes de las colonias). Algunas de estas muestras coinciden con las primeras exposiciones organizadas en España: Exposición General de las Islas Filipinas en Madrid (1887), Exposición Universal de Barcelona (1888) y Exposición Internacional de Barcelona (1929). El presente trabajo analiza la presencia o ausencia de "lo primitivo" (personas y objetos) en los principales acontecimientos expositivos españoles, su relación con acontecimientos homónimos en otros países europeos y su posible recepción en colecciones museísticas (museos de antropología, etnología y misionales).
In Spain, as in the rest of European countries at the end of the nineteenth century and beginning of the twentieth, aboriginal from the new colonized territories and "primitive" objects (art and artefacts from the material culture of the colonies) were also exhibited. Some of these events coincide with the first organized Exhibitions in Spain: General Exhibition of the Philippines Islands in Madrid (1887), Barcelona World Exhibition (1888) and Barcelona International Exhibition (1929). This work analyzes the presence or absence of "the primitive" (people and objects) in the major Spanish exhibitions, the relationship with similar events in other European countries and the possible reception in museum collections (museums of anthropology, ethnology and missionary).

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Büll, Márcia Regina. "Artistas primitivos, ingênuos (naïfs), populares, contemporâneos, afro-brasileiros: Família Silva: um estudo sobre resistência cultural." Universidade Presbiteriana Mackenzie, 2007. http://tede.mackenzie.br/jspui/handle/tede/2696.

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Abstract:

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Interdisciplinary Study on Arts and History of Culture regarding cultural resistance of primitive, naïf, popular, contemporary, and Afro-Brazilian artists represented by the Silva s Family . Throughout the life-history of its members, collection of public and private document files, bibliography and iconography, the research registers the Silva s cultural diversity, artistic production, and cultural resistence: when facing its own ethnic and racial adversities, in its migratory process, as well as when facing the City of São Paulo s public policies (from 1960 up to 2007), related to Republica s Square Art and Culture Fair. It concludes defining the need of interdisciplinary groups for the selection of art and handcrafts expositors in order to preserve the artistic pole in that site.
Estudo interdisciplinar, em Arte e História da Cultura, que aborda a resistência cultural de artistas primitivos, ingênuos (naïfs), populares, contemporâneos, afro brasileiros representados pela Família Silva . Mediante história de vida de seus membros, coleta de documentação de arquivos públicos, e privados, bibliografia, e iconografia, registra a diversidade de sua cultura, produção artística, e resistência cultural: esta em face das adversidades próprias do grupo étnico-racial, em processo migratório, bem como em face das políticas públicas da cidade de São Paulo (de 1960 a 2007), relativas às mostras de arte e cultura na Praça da República. Conclui pela necessidade de formação de grupos interdisciplinares para seleção dos expositores de arte e artesanato para que se possa preservar o pólo artístico-cultural naquele local.

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Schmidthorst, Burkhard. "Mythos und Primitivismus in der Lyrik von T. S. Eliot, W. B. Yeats und Ezra Pound : zur Kulturkritik in der klassischen Moderne /." Heidelberg : Universitätsverl. Winter, 2004. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39263081r.

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Cornwell, Andrew Stevens. "Control of a Multiple Degree-of-Freedom Arm With Functional Electrical Stimulation Using a Reduced Set of Command Inputs." Case Western Reserve University School of Graduate Studies / OhioLINK, 2012. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=case1323277405.

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Alahmad, Mouhamad. "Développement de méthodes de vision par ordinateur extraction de primitives géométriques." Grenoble 2 : ANRT, 1986. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb375953828.

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Faraut, Martine. "La Tentation primitiviste dans le roman utopique anglais de 1872 à 1962." Lille 3 : ANRT, 1988. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37605123h.

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Dunn, Ridgely. "Challenging Appropriation: Modern Moko and Western Subculture." Kent State University / OhioLINK, 2011. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=kent1301937973.

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Dissertations / Theses on the topic 'Primitivism (art)'

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