Academic literature on the topic 'Producción artística'
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Journal articles on the topic "Producción artística"
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López-Cano, Rubén, and Úrsula San Cristóbal. "Investigación artística en música." Quodlibet. Revista de Especialización Musical, no. 74 (March 16, 2021): 87–116. http://dx.doi.org/10.37536/quodlibet.2020.74.777.
Full textAbstract:
Existen demasiados discursos, actividades y especialistas que afirman que hacen investigación artística. Como se aprecia en la abundante bibliografía sobre el tema, no existe una única definición estable de la actividad. Por ello hemos optado por distinguir distintas escenas de trabajo que se autodenominan «investigación artística» y que se distinguen por sus metas, objetivos, modos de trabajo, producción y discursos. Dentro de muchas otras posibles, se estudian cuatro escenas fundamentales: investigación artística profesional, artistas que investigan, artistas universitarios e investigación artística formativa. La primera parte de este trabajo presenta las principales características de cada escena. Posteriormente, describiremos nuestro modelo de trabajo para la investigación artística formativa. Por último, expondremos dos casos que lo ejemplifican. Con ello queremos contribuir a concebir los trabajos finales, tesis o tesinas de los diferentes ciclos de formación musical superior, como procesos de producción de conocimientos conceptuales, procedimentales, teóricos, prácticos, verbalizables o embebidos en habilidades corporales o en decisiones artísticas, que el estudiantado recorre de manera autónoma, si bien tutorizada, a partir de un estudio meticuloso y en profundidad. Este último sigue uno o varios métodos explícitosprovenientes tanto de diferentes tradiciones académicas consolidadas, como de las estrategias emergentes de la investigación artística que están en constante revisión crítica. Se caracteriza también por una conciencia crítica que exige conocer los antecedentes, discusiones y puntos de vista sobre el tema investigado y tiende a la construcción de una opinión propia informada y reflexionada, siempre con conciencia de las potencialidades y limitaciones de cada estudiante. Hay que resaltar que este proceso de producción autónomo de saberes tiene como función principal el desarrollo artístico de cada estudiante.
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León Calderón, Henry Wilson, and Egnan Yesid Álvarez Cruz. "Docente – artista:." Inclusión & Desarrollo 7, no. 2 (July 13, 2020): 5–21. http://dx.doi.org/10.26620/uniminuto.inclusion.7.2.2020.5-21.
Full textAbstract:
El presente artículo toma como base la investigación realizada en el año 2015 en la ciudad de Bogotá con 33 egresados y graduados de la Licenciatura en Danza y Teatro, sobre las rutas seguidas en tres categorías: Experiencia Pedagógicas, Producción Artísticas y Gestión Cultural, teniendo en cuenta un periodo de 30 años (1984 – 2014). En ella se encuentran elementos comunes que develan un tema que resultó emergente: la dualidad Docente – Artista, lo que es fundamental para la formación de Licenciados en Educación Artística en la Educación Superior, toda vez que es un aspecto relevante al momento de definir o revisar la estructura curricular durante este tipo de formación. Enseñanza y producción artística son actividades complementarias y no contradictorias en la educación y en el contexto artístico. Se trata de una investigación, de carácter cualitativo de tipo etnográfico, la fuente de información procede de las entrevistas semi-estructuradas realizadas a lo egresados en el año 2015, aplicando el análisis de discurso Van Dijk (1999) y la observación desde un lugar de la experiencia estética compartida, propuesta por Farina (2006), ya que los investigadores son coparticipes de la misma formación, egresados de la misma universidad y ejercen profesionalmente en el campo pedagógico y la producción artística en danza y teatro.
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Muñoz, Cristián, and David Romero. "Procesos de articulación colectiva y los múltiples trazos de su politicidad." POIÉSIS 18, no. 29 (June 30, 2017): 41. http://dx.doi.org/10.22409/poiesis.1829.41-55.
Full textAbstract:
El siguiente texto es un segmento del libro La puesta a prueba de lo común, en el cual se aborda la producción artística contemporánea en la ciudad de Concepción, Chile. Particularmente, profundizamos en algunas experiencias de trabajo colectivo que, a nuestro juicio, nos acercan a la dimensión política de aquello que denominamos como “procesos de articulación colectiva” en el campo del arte contemporáneo. Desde nuestra perspectiva, el trabajo editorial así como las producciones que indagan en la “proyección social de la práctica artística” han aportado una reflexión relevante respecto de la relación entre arte y esfera pública dentro del circuito artístico de la ciudad de Concepción, explorando la dimensión política de las manifestaciones artísticas de carácter colectivo.
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Aguilar Restrepo, Melissa. "Adolfo Bernal: imagen poética y especulaciones plásticas sobre el lenguaje." Co-herencia 12, no. 23 (November 2015): 267–83. http://dx.doi.org/10.17230/co-herencia.12.23.11.
Full textAbstract:
Este artículo constituye un ejercicio de lectura interpretativa alrededor de uno de los aspectos más relevantes en la producción artística de Adolfo Bernal (1954-2008): la apropiación de procesos propios de los campos de la literatura, el lenguaje, la comunicación y el diseño con fines artísticos. A lo largo del texto se busca poner de presente las circunstancias que originaron sus experimentaciones gráficas y conceptuales con la imagen y la palabra, las cuales guardan una estrecha relación con las transformaciones del campo artístico local en la década del setenta y una sugestiva producción poética, aún en proceso de descubrimiento. Para llevar a cabo este análisis, se proponen tres acciones: el esbozo de una caracterización de Bernal y su obra que permita situar su trabajo en un horizonte de comprensión; la revisión de los principales giros y acontecimientos en la escena artística local a partir de los años setenta; y, finalmente, el exploración de aspectos relacionales de su ejercicio poético y literario con la producción de sus carteles tipográficos para los diferentes proyectos de intervención urbana.
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Polanía Farfán, Rocío. "Arte indígena actual: Apertura o resistencia." Paideia Surcolombiana 1, no. 20 (December 1, 2015): 93. http://dx.doi.org/10.25054/01240307.1196.
Full textAbstract:
Las propuestas artísticas creadas al margen de la estética occidental, representadas en este caso en la producción que vienen generando algunos artistas de procedencia indígena, permiten pensar su producción artística como un espacio de resistencia, un esfuerzopor liberar las mentes de estereotipos y reacciones mecánicas impuestas por las nociones e instituciones culturales, sociales, políticas éticas y estéticas dominantes.El arte indígena actual, sin renunciar a su identidad, reelabora mitos, símbolos y diseños para generar un estilo inspirado en sus tradiciones pero capaz de ser incluido dentro del contexto artístico contemporáneo.El arte indígena como objeto estético es capaz de dialogar con las prácticas artísticas que se desarrollan en el mundo globalizado, pues plantea actitudes de indisciplina frente a las construcciones culturales y racionales de la civilización euroamericana. Está llamadoentonces a redimensionarse en el contexto cultural global como movimiento artístico incluyente y contemporáneo que intenta romper las ideas predominantes para encontrar nuevos significados a la vida, trascender fronteras, desatar la imaginación, y liberar esos mundos intangibles, volátiles e inaprensibles que han permanecido en resistencia.
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Baptaglin, Leila Adriana, and Vilso Junior Chierentin Santi. "AS INTERVENÇÕES ARTÍSTICAS URBANAS NO CIRCUITO DA ARTE EM RORAIMA E O POTENCIAL COMUNICATIVO DOS SABERES ARTÍSTICOS AMAZÔNICOS." Revista Observatório 4, no. 4 (June 29, 2018): 615–37. http://dx.doi.org/10.20873/uft.2447-4266.2018v4n4p615.
Full textAbstract:
Discutir como as intervenções artísticas urbanas comunicam ao expectador Roraimense apresenta-se como o foco de discussão deste estudo.. Para dar conta desse objetivo, foram realizadas investigações teóricas pautadas na compreensão do cenário artístico contemporâneo, a partir dos estudos de Cauquelin (2005) e Cocchiarale (2004); e das especificidades roraimense, dando destaque à representação artística dos saberes locais, com os estudos de Gonçalves (2017) e Silva (2017). Em paralelo, trabalhamos com a apropriação dos conceitos de circuito da cultura de Johnson (1999) e Nessbaumer (2000), no sentido de estabelecer uma proposta de discussão acerca do que chamamos Circuito da arte. Este circuito nos possibilita entender os processos pelos quais a produção artística passam até chegar ao consumo pelo expectador. Desta forma, podemos perceber que a comunicação expressa pelas intervenções artísticas urbanas ainda é bastante insipiente, no que se refere a apropriação artística dos saberes locais roraimenses e amazônicos.
PALAVRAS-CHAVE: Intervenções artísticas urbanas; Saberes artísticos amazônicos; Circuito da cultura; Circuito da arte; Processos comunicacionais.
RESUMEN
Discutir cómo las intervenciones artísticas urbanas comunican al espectador Roraimense se presenta como el foco de discusión de este estudio. Para dar cuenta de ese objetivo, se realizaron investigaciones teóricas pautadas en la comprensión del escenario artístico contemporáneo, a partir de los estudios de Cauquelin (2005) y Cocchiarale (2004); Y de las especificidades roraimenses, dando destaque a la representación artística de los saberes locales, con los estudios de Gonçalves (2017) e Silva (2017). En paralelo, trabajamos con la apropiación de los conceptos de circuito de la cultura de Johnson (1999) y Nessbaumer (2000), en el sentido de establecer una propuesta de discusión acerca de lo que llamamos Circuito del arte. Este circuito nos permite entender los procesos por los cuales la producción artística pasa hasta llegar al consumo por el espectador. De esta forma, podemos percibir que la comunicación expresada por las intervenciones artísticas urbanas todavía es bastante insípida, en lo que se refiere a la apropiación artística de los saberes locales roraimenses y amazónicos.
PALABRAS CLAVE: Intervenciones artísticas urbanas; Saberes artísticos amazónicos; Circuito de la cultura; Circuito del arte; Procesos comunicacionales.
ABSTRACT
Discussing how the urban artistic interventions communicate to the spectator Roraimense presents itself as the focus of discussion of this study. In order to achieve this objective, theoretical investigations were conducted based on the understanding of the contemporary artistic scene, based on the studies of Cauquelin (2005) and Cocchiarale (2004); And the specificities of Roraima, highlighting the artistic representation of local knowledge, with studies by Gonçalves (2017) and Silva (2017). In parallel, we work with the appropriation of the culture circuit concepts of Johnson (1999) and Nessbaumer (2000), in the sense of establishing a proposal of discussion about what we call Circuito da arte. This circuit enables us to understand the processes by which artistic production passes until consumption reaches the spectator. In this way, we can perceive that the communication expressed by the urban artistic interventions is still quite insipient, as far as the artistic appropriation of the roreimenses and Amazonian local knowledge is concerned.
KEYWORDS: Urban artistic interventions; Amazonian artistic knowledge; Culture circuit; Circuit of art; Communicational processes.
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Martínez Sánchez, Cuautli Exal. "Estructuras transmatriarcales: Emancipación y empoderamiento feminista a través de la práctica artística." AusArt 5, no. 2 (December 20, 2017): 69–77. http://dx.doi.org/10.1387/ausart.18142.
Full textAbstract:
Los trabajos participativos y colaborativos emergen como prácticas micropolíticas y emancipatorias que visibilizan nuevas funciones sociales en la práctica artística. Son exploraciones colaborativas y transfeministas que enfocan nuevamente las inquietudes del arte en la construcción política, la creación colectiva, el trabajo en red, la cohesión social, etc. poniendo en valor aquello que es intangible como la comunicación, las dinámicas grupales, los procesos colaborativos, o el ejercicio de la política. Generando nuevas formas comunitarias de producción, nuevos lenguajes creativos, nuevas vías de diseminación de trabajo artístico así como nuevos objetivos estéticos, ligados al quehacer social y político. En este artículo analizamos las prácticas artísticas participativas y colaborativas como estructuras de relación social híbridas e interdisciplinares que promueven la flexibilización y feminización del espacio público, del que hacer político y la producción cultural e identitaria. Estableciendo nuevos universos simbólicos y metodológicos que transforman la función social del arte y el artista.
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Porcel, Alazne, and Enara Artexte. "Los Textiles en el Arte Contemporáneo y su conservación. 'Estado de la cuestión'." Arte, Individuo y Sociedad 32, no. 1 (January 14, 2020): 173–94. http://dx.doi.org/10.5209/aris.62865.
Full textAbstract:
Hoy en día, la presencia de los textiles en el ámbito artístico contemporáneo, museos y colecciones es innegable. A pesar de ello, la crítica no siempre ha aceptado su estatus como material artístico, así como los procesos y técnicas asociados a su práctica, que siguen siendo cuestionados. A partir del siglo XX se dará una nueva valoración de los materiales textiles y su utilización en el contexto artístico se ampliará infinitamente. La producción artística a considerar en este estudio, contempla la ampliación de tipologías dentro de ese renovado ámbito artístico contemporáneo y sus características, ya que se evidencia que las especificidades formales, materiales y conceptuales de cada obra, así como la intención y opinión del artista, tienen enormes implicaciones en su conservación. Consideramos que debe realizarse una revisión de los planteamientos asentados en torno a la producción artística realizada con estos materiales, así como de las necesidades que puedan presentar de cara a su conservación y adecuada trasmisión.
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Castellano San Jacinto, Tania. "La visión incompleta. El ver a medias como eje de producción artística." Fotocinema. Revista científica de cine y fotografía 2, no. 19 (July 22, 2019): 45. http://dx.doi.org/10.24310/fotocinema.2019.v2i19.6645.
Full textAbstract:
A partir de la lógica de la ambliopía, trataremos imágenes artísticas (fotografía, vídeo, instalación) que prescinden representativa o materialmente de ciertas partes. Esta “hemivisión” a la que dan lugar concilia la correcta visión con otra insuficiente en distintos grados, lo cual entabla relación directa con una óptica patológica. En este modo de ver, y por ende de crear, convive dialécticamente una parte de la realidad reconocible con otra anulada en diferentes formas. La deficiencia que presentan propone un modo aparte de abordar lo visible, en el que no se disimula o corrige la falta de definición, sino que ésta se asume y promueve como vía para ver otras cosas o de manera distinta. En este caso no se pretende ver mejor, sino integrar los límites perceptivos y trabajar productivamente a partir de ahí dentro del plano artístico. Todo ello cuestiona la realidad desde un punto de vista que admite fallas tanto en lo sensible como en lo expresable, la plantea como contingente y la aborda desde su imperfección implícita. Lejos de plantear obstáculos, estos aspectos son potenciados por determinada práctica artística, donde aparecen como capacitadores, generando sentidos y maneras de crear mundo.
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Dubatti, Jorge. "Universidad y Filosofía de la Praxis Artística: teatro, pensamiento teatral, Ciencias del Teatro." ESCENA. Revista de las artes 80, no. 1 (July 1, 2020): 8–31. http://dx.doi.org/10.15517/es.v80i1.42470.
Full textAbstract:
Asistimos a nuevos desafíos para la investigación artística fuera y dentro de la Universidad. Se ha puesto en primer plano la necesidad de practicar y pensar desde nuevas aproximaciones las relaciones entre arte y conocimiento, y especialmente los vínculos entre la praxis artística y la ciencia en el marco universitario. Este trabajo propone articular las nociones de teatro, pensamiento teatral y Ciencias del Teatro como diferentes formas de producir conocimiento desde el acontecimiento teatral, es decir, Filosofía de la Praxis Teatral. Se promueve la identificación de cuatro figuras fundamentales en la producción de conocimiento desde/para/sobre la praxis artística: el artista-investigador, el investigador-artista, el artista asociado a un investigador no-artista especializado en arte y el investigador que (sin ser artista) produce conocimiento participando en el acontecimiento artístico (ya sea por su estrecha relación y familiaridad con el campo artístico o por su trabajo en el convivio como espectador; es el investigador que ubica su laboratorio en el acontecimiento teatral, no solo en el gabinete científico), con sus respectivas combinaciones. Se propone además distinguir un pensamiento teatral sustentado o no sustentado por las prácticas artísticas. Finalmente, pensar el teatrista como intelectual específico, en paradójica complementariedad con la crisis del teatrista “ilustrado”.
Dissertations / Theses on the topic "Producción artística"
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Aldea, Baeza Alejandro. "Hacia una nueva matriz de producción artística." Tesis, Universidad de Chile, 2015. http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/134373.
Full textAbstract:
Magíster en artes, mención artes visualesEn el presente texto se desarrollan planteamientos en los que se pone en cuestión el modo de funcionamiento del arte actual y sus efectos concretos en el campo económico, laboral y filosófico. Se plantea a través de la revisión de éstos la pregunta sobre cómo generar una vía alternativa al mismo sistema artístico dependiente del sistema económico imperante: el capitalismo. Posteriormente se efectúa una crítica a diversas estrategias del arte político-social para cambiar la realidad del mundo por medio de su propia actividad, intentando enfatizar los problemas que encierran dichas estrategias y su ineficacia –basada en la evidencia empírica– como poder transformador del mundo. Finalmente se plantea una salida posible a través del ejercicio de relaciones de producción diferentes, mediante una unidad económica distinta a la que se despliegan productivamente hoy. Se presenta la acción llevada a cabo para fundar dicha matriz productiva y a su vez un movimiento hacia la necesidad de producir estas ideas en el plano académico.
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Calderón, García Natalia. "Irrumpir lo artístico, perturbar lo pedagógico: La Investigación Artística como espacio social de producción de conocimiento." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/299066.
Full textAbstract:
Irrumpir lo artístico, perturbar lo pedagógico: La Investigación Artística como espacio social de producción de conocimiento es una investigación conformada por dos partes: esta tesis y dos vídeos: En colaboración y conflicto. El trazo de nueve modos de conocer. La investigación que realicé durante cuatro años (2011-2015) tuvo como foco de interés responder a la pregunta: ¿Cómo se producen conocimientos a partir de los procesos artísticos, y qué espacios sociales se forman en esta producción?
Para intentar responder a esta pregunta mi investigación se vinculó por un lado, con el proyecto artístico La Síndrome de Sherwood de la artista Núria Güell y el comisario Oriol Fontdevila, y por otro lado, se internó en la tarea de efectuar un repaso de la cuestión sobre los debates actuales en torno a la Investigación Artística. Junto con la artista y el comisario, y combinando herramientas basadas en la etnografía (visual), métodos artísticos audiovisuales, y modos de interpretación del material inspirados en la Grounded Theory de la segunda generación, conformé una Investigación Artística que interrogó los modos en que la artista, el comisario y la investigadora construimos un espacio social de producción de conocimiento.
Las relaciones pedagógicas tejieron un espacio social que, a través de un vídeo, desveló nueve modos de conocer por los que Oriol y Núria construyeron conocimientos a la vez que un proyecto artístico. ¿Cómo pueden estos modos de conocer informar sobre las nuevas posibilidades que abre la Investigación Artística? ¿Cómo se modifica lo artístico y lo pedagógico al analizarlos como relaciones espaciales, sociales y políticas que constituyen espacios de saber y de ser?Breaking the artistic, disturbing the pedagogical: The Artistic Research as social space of knowledge production is a research in two parts that includes the written thesis and a two-video set named En colaboración y conflicto. El trazo de nueve modos de concer. The research I conducted for four years (2011-2015) sought to answer the question: How is knowledge produced out of the artistic processes, and what spaces are formed in this production? In order to answer these questions, I focused on two main aspects. On the one hand, my investigation was linked to the artistic project La Síndrome de Sherwood by Núria Güell (artist) and Oriol Fontdevila (curator). On the other hand, it ventured to make a statement of the current situation of the ongoing debate on Artistic Research. Along with the artist and the curator, I mixed research tools based on (visual) ethnography, audiovisual artistic tools, and modes of interpretation inspired by the Second Generation of the Grounded Theory so as to shape an Artistic Research that questioned the ways in which we, the artist, the curator and the researcher, built spaces of knowledge production. The pedagogical relationships wove a social space that unveiled the nine modes of knowing through which Oriol and Núria generated both knowledge and an art project at once by means of a video. How can these ways of knowing inform us of the new possibilities opened by Art Research? How are the artistic and the pedagogical modified when analyzed as spatial, social and political relationships that constitute spaces of knowing and being?
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Cisneros, Torres Arnold Gabriel, and Hernández María Yuly González. "JIM MORRISON NOVELA FAMILIAR Y PRODUCCIÓN ARTÍSTICA. UNA APROXIMACIÓN PSICOANALÍTICA." Tesis de Licenciatura, Universidad Autónoma del Estado de México, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11799/66620.
Full textAbstract:
El estudio del arte en el psicoanálisis permite explorar los lugares más recónditos del inconsciente apoyando el entendimiento del comportamiento humano desde una dinámica intrapsíquica integral, sin reducir las obras de arte como producciones estéticas, sino como objetos estrechamente ligados a experiencias anímicas particulares en la vida del ser humano.La presente investigación tuvo como objetivo inferir la novela familiar de Jim Morrison a partir de las principales temáticas de su producción artística e historia de vida, considerando como aspectos principales de análisis el Complejo de Edipo y la figura femenina dada su importancia en la teorización psicoanalítica y como aspectos fundamentales de la novela familiar. En los resultado se encontró que la obra artística de Jim Morrison está matizada por tres temáticas principales, las cuales se repiten a lo largo de sus poemas y canciones, estas son: muerte, mujer y tristeza.
Universidad Autónoma del Estado de México
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Medici, Antonella. "Romper el Marco. Memoria y producción artística en la postdictadura uruguaya 1985-2005." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2019. http://hdl.handle.net/10803/669958.
Full textAbstract:
La presente tesis doctoral titulada Romper el Marco. Memoria y producción artística en la postdictadura uruguaya 1985-2005 gira en torno a la relación entre memoria y prácticas artísticas en el marco de la postdictadura uruguaya. Situada en un campo interdisciplinario que incluye tanto los Estudios de Memoria, los Estudios Visuales y la Historia del Arte, como también las teorías sobre el testimonio, la experiencia concentracionaria y la tortura, esta tesis se centra en estudiar los regímenes estéticos que operan alrededor de las experiencias límite de la dictadura cívico-militar (1973-1985) -como la prisión política, la tortura y la desaparición- en las prácticas artísticas de la postdictadura uruguaya, periodo que situamos entre 1985 y 2005. El objetivo de esta tesis es elaborar un análisis de las relaciones entre memoria y trauma desde la práctica artística en postdictadura a través del trabajo de una serie de artistas y creadores que consideramos paradigmáticos -Horacio Faedo, Luis Camnitzer, Clemente Padín, Ernesto Vila y Jorge Tiscornia- cuyo trabajo nos permite investigar sobre la dimensión política de la memoria en este contexto.
Para el caso uruguayo, pensar el lapso que va de 1985 a 2005 como período postdictatorial centra la atención en el legado de la dictadura y las transformaciones con respecto a dicho tiempo histórico. La coyuntura fragmentaria postdictatorial, consecuencia de la desestructuración social provocada por la prisión política, la tortura, la desaparición, el exilio y el insilio, hizo que las formas de elaboración cultural y estética de la memoria también estuviesen relacionadas a estos fenómenos y sus efectos en la reconfiguración de las subjetividades políticas y colectivas. A diferencia del frenetismo de los productos derivados del “boom” de la memoria que inundaron los años noventa en países como Alemania, Estados Unidos o Argentina, en el contexto uruguayo no hubo un “exceso” ni una “hipertrofia” de la memoria, aludiendo a Todorov y a Huyssen, sino que ha existido una lucha desde los inicios de la transición democrática por el derecho y la legitimidad de la palabra.
Muchas de las prácticas artísticas que se han desarrollado desde entonces han enfatizado dichas tensiones y materializado la pluralidad y complejidad de la memoria del pasado reciente frente a las políticas oficiales del postconflicto en esta geografía. En esta tesis entendemos que para la producción artística uruguaya del período postdictatorial la memoria no compone un tema sobre el cual trabajar, sino que constituye un lugar de enunciación, un sistema discursivo y estético que es un posicionamiento político en sí mismo. La hipótesis de partida para esta investigación se basa en la consideración de la práctica artística como ejercicio estético y político, como forma de resistencia y como forma de memoria. La producción artística como lugar de memoria tendrá la capacidad de elaborar diversos procesos de sutura, tanto en el plano de lo subjetivo y colectivo, que será, a su vez, parte constitutiva de la dimensión política de estos regímenes estéticos. El período postdictatorial estará atravesado por modos particulares de abordar, desde la producción artística, la desarticulación de lo social, lo subjetivo, lo afectivo, lo político y lo identitario. Entender el golpe de Estado como “quiebre de la representación” implica asumir la necesidad de construcción de nuevos sistemas y configuraciones de lo sensible que, en la postdictadura deberá plantearse, además, en un escenario radicalmente diferente, definido por la coyuntura del neoliberalismo y de la globalización.This doctoral thesis titled Breaking the Frame. Memory and artistic production in the Uruguayan post-dictatorship 1985-2005 revolves around the relationship between memory and artistic practices in the context of the Uruguayan post-dictatorship. Located in an interdisciplinary field that includes both Memory Studies, Visual Studies and Art History, as well as theories about testimony, concentration experience and torture, this thesis focuses on studying the aesthetic regimes that operate around the borderline experiences of the civic-military dictatorship (1973-1985) - such as insile, exile, political prison, torture and disappearance - in the artistic practices of the Uruguayan post-dictatorship, a period that we place between 1985 and 2005. This thesis aims to elaborate an analysis of the relationships between memory and trauma from artistic practice in post-dictatorship through a series of paradigmatic artists and creators - Horacio Faedo, Luis Camnitzer, Clemente Padín, Ernesto Vila and Jorge Tiscornia - whose work allows us to investigate on the political dimension of memory in this context. The central hypothesis of this research is based on the consideration of artistic practice as an aesthetic and political exercise, as a form of resistance and memory. Understand artistic production as a place of memory implies the capacity to elaborate various suture processes, both at the level of the subjective and collective, which will, in turn, be a constitutive part of the political dimension of these aesthetic regimes. The post-dictatorial period will be crossed by particular ways of approaching, from artistic production, the disarticulation of the social, the subjective, the affective, the political and the identity. Understanding the coup d'état as a "breakdown of representation" implies assuming the need to build new systems and configurations of the sensitive that, in post-dictatorship time, must also be considered in a radically different scenario, defined by the situation of neoliberalism and the globalization.
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Suter, Latour Gerardo. "ANÁLISIS TEÓRICO-PRÁCTICO DEL VACÍO Y DEL SILENCIO EN LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICA CONTEMPORÁNEA." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de València, 2012. http://hdl.handle.net/10251/14977.
Full textAbstract:
La presente tesis doctoral busca explicar el funcionamiento de un fenómeno particular, colocando el objeto de estudio en un sistema específico, y a la vez trata de ubicar la noción de investigación al interior de la producción artística contemporánea. Planteado de esta manera, el trabajo tiene una doble función. Por un lado, investigar de manera teórico-práctica la expansión de la imagen, explicando por qué el objeto de estudio (imagen expandida), al ponerse en funcionamiento, crea un fenómeno particular (parpadeo) que es aprehensible en términos de constelación. Por otro, ensayar una aproximación al tema de estudio, que a través de la investigación pueda ser una propuesta artística en sí misma. Es decir, queremos mostrar no sólo las reflexiones en torno al tema de estudio escogido, sino también resaltar la necesidad de afinar el concepto de investigación vinculado a la producción artística. El tratamiento teórico-práctico del tema de estudio, resulta en una puesta en evidencia de las particularidades que la investigación puede asumir al interior de la práctica artística como tal, y muestra cómo artistas y teóricos pueden llegar a conclusiones similares, por caminos diversos, pero siempre a partir de su propia producción.Suter Latour, G. (2010). ANÁLISIS TEÓRICO-PRÁCTICO DEL VACÍO Y DEL SILENCIO EN LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICA CONTEMPORÁNEA [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/14977
Palancia
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Estay, Cofré Tamara. "Tejer y destejer : aproximación a la producción artística textil desde ua perspectiva de género." Tesis, Universidad de Chile, 2012. http://www.repositorio.uchile.cl/handle/2250/111846.
Full textAbstract:
Licenciado en arte con mención en teoría e historia del arteEsta investigación aborda tres grandes temas: Mujer, Textil, Arte. Todos ellos vinculados entre sí, pero analizados aquí desde distintas vertientes. Este análisis propiamente tal, implica indagar en otros subtemas que se deslindan de los tres principales, y que tienen su fundamento en un sustrato histórico. Por ello, el método de trabajo comienza por un sondeo de fuentes bibliográficas de carácter histórico: Historia social de la mujer, Historia del arte, Historia de las mujeres artistas, Historia del textil (Tapicería, Textil contemporáneo, Textil tradicional11 ancestral), entre otros. Y luego de una revisión, análisis, y sistematización de estos contenidos, el siguiente paso es profundizar en aquellos temas específicos que nos arroja la primera etapa de investigación, definidos éstos por períodos o contextos determinados. Estos temas permiten ahondar en la información ya recopilada, y complementarla con nuevos datos.
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Bustamante, Romeld. "La experiencia de lo bello y los talentos del artista: acerca de la reflexión kantiana sobre Estética y Arte." Pontificia Universidad Católica del Perú, 2012. http://repositorio.pucp.edu.pe/index/handle/123456789/119577.
Full textAbstract:
El presente trabajo explora las características con las que Immanuel Kant determina qué es el sentimiento de lo bello experimentado en la naturaleza y en el arte. Tomando como punto de partida algunos elementos del surgimiento de la Estética en el siglo XVIII, se concentra en el estudio del trabajo artístico y muestra cómo el proceso creativo del artista se fundamenta en la producción y no en la reproducción mimética de la naturaleza. Con el propósito de explicar este tránsito, se revisan las reflexiones de uno de los antecesores de Kant: Moses Mendelssohn. Además, se señala cómo ambos pensadores divergen en sus teorías estéticas a pesar de que ambos concuerdan en rechazar la mímesis como principio de la producción artística. Finalmente, se determina la experiencia de lo bello como la complacencia en la conformidad a fin sin fin en el que se reproduce el libre juego de las facultades de imaginación y entendimiento, y se atribuye al genio del artista el singular talento de adecuar su obrar en función a dicho juego.
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Villagómez, Oviedo Cynthia Patricia. "Análisis de procesos de producción artística digital en México: Artistas digitales mexicanos y su obra." Doctoral thesis, Editorial Universitat Politècnica de València, 2015. http://hdl.handle.net/10251/53694.
Full textAbstract:
[EN] This thesis is divided in four parts: the first one establishes the guidelines that lie in the foundation of the work, such as the status of research on Digital Art in Mexico and its relevance, given that it is virtually non-existent, specifically regarding the analysis of the process of artistic production; the feasibility of generating knowledge about Mexican contemporary digital artists and their production process; and the establishment of a hypothesis which allows the possibility of detecting in Mexican digital artists, several production process ideas through the observation of their production, their process and the context of each artist, so that it would be possible for other artists to follow their path and implement methods of generating new and original ideas, and also to assist in the understanding of the work by the general public, contributing to the growth, spread and development of Digital Art in Mexico.
The second part addresses national and international Digital Art: origins, context, classifications (the ones that purview the present work), among other aspects that allow a comparison of the evolution of Digital Art in both contexts; this chapter also includes a necessary delimitation of the concept of Digital Art for the purposes of this work.
The third part deals with the process of artistic production, with further information about the context of the Mexican artists in areas such as economic, political, social and technological, so we can have a broader understanding of the production conditions of Mexican Digital Art; we should clarify that context is considered a fundamental part of the process of artistic production for the purposes of this work. In this third part, an analysis and reflection on ways of creating, on creativity and methodological production processes that have been studied previously by several authors is also made; this is included for generating a broader insight that is necessary for understanding our subject.
The fourth and final part deals with the Mexican digital artists and their work. A methodological description of the data obtained, the criteria used to classify artists as well as the items in each category -namely context and training, a description of the personal creative process derived from analysis and study of various research resources, a selection of digital works produced, insights on the process and a brief analysis of the pieces. All of the above concludes in an interdisciplinary methodological proposal based on the case study research that further elaborates on the findings of this thesis.[ES] La presente tesis está dividida en cuatro partes: en la primera se establecen los lineamentos que le dan fundamento al trabajo, tales como, la situación de la investigación sobre Arte digital en México y la necesidad de que se realice, debido a que es prácticamente inexistente y específicamente en lo referente al análisis de los procesos de producción artística es nula; se trata la viabilidad de generar el conocimiento en torno a artistas digitales contemporáneos mexicanos y sus procesos de producción; así como el establecimiento de una hipótesis que permita la posibilidad de detectar en artistas digitales mexicanos, varios procesos de producción de ideas a través de la observación de la producción de sus obras, sus procesos y el contexto de cada artista, de tal manera que sea factible para otros artistas la incursión y el desarrollo de nuevos métodos de generación de ideas originales y novedosas, para así coadyuvar en la comprensión de la obra por parte del público, a un punto que contribuya al crecimiento, difusión y desarrollo del Arte digital en México. En la segunda parte, se aborda el tema del Arte digital nacional e internacional: orígenes, contexto, clasificaciones (las que competen al presente trabajo), entre otros aspectos que permiten realizar una comparativa de la evolución del Arte digital en ambos contextos; además de proveer un espacio necesario dentro de la presente tesis para la delimitación del Arte digital. La tercera parte trata los procesos de producción artística, se abunda en torno al contexto de los casos mexicanos, en aspectos como los económicos, los políticos, los sociales y los tecnológicos, con el fin de que haya una amplia comprensión en la forma de producción artística mexicana; cabe decir, que el contexto es considerado parte fundamental en los procesos de producción artística. Dentro de esta tercera parte, se hace también un análisis y reflexión sobre las formas de creación, sobre la creatividad y los procesos metodológicos de producción, mismos que han sido estudiados con anterioridad por diversos autores; todo lo cual, tiene entre sus propósitos generar una reflexión previa necesaria para la mejor intelección del tema. La cuarta y última parte versa sobre los artistas digitales mexicanos y su obra, una descripción metodológica de los datos obtenidos, los criterios usados para la clasificación de artistas, así como los ítems de cada uno de ellos, a saber: su contexto y formación, el proceso creativo personal derivado del estudio de los diversos recursos de investigación y análisis utilizados, una selección de las obras digitales producidas, el proceso y análisis de las mismas. De tal manera, que lo anterior concluye en una propuesta metodológica interdisciplinar a partir del estudio de casos que profundiza sobre los hallazgos del presente trabajo de tesis.
[CAT] El present treball està dividit en quatre parts: en la primera s'estableixen les línies que li donen fonament a la feina, com ara, la situació de la investigació sobre Art digital a Mèxic i la necessitat de que es realitze, pel fet que és pràcticament inexistent i específicament pel que fa a l'anàlisi dels processos de producció artística és nul¿la; es tracta la viabilitat de generar el coneixement al voltant de artistes digitals contemporanis mexicans i els seus processos de producció; així com l'establiment d'una hipòtesi que permeta la possibilitat de detectar en artistes digitals mexicans, diversos processos de producció d'idees a través de l'observació de la producció de les seves obres, els seus processos i el context de cada artista, de manera que siga factible per a altres artistes la incursió i el desenvolupament de nous mètodes de generació d'idees originals i noves, per així coadjuvar en la comprensió de l'obra per part del públic, a un punt que contribueix al creixement, difusió i desenvolupament de l'Art digital a Mèxic . A la segona part, s'aborda el tema de l'Art digital nacional i internacional: orígens, context, classificacions (les que són competència del present treball), entre d'altres aspectes que permeten fer una comparativa de l'evolució de l'Art digital en tots dos contextos; a més de proveir un espai necessari dins d'aquesta tesi per a la delimitació de l'Art digital. La tercera part tracta els processos de producció artística, s'abunda al voltant del context dels casos mexicans, en aspectes com els econòmics, els polítics, els socials i els tecnològics, per tal que hi haja una àmplia comprensió en la forma de producció artística mexicana; cal dir, que el context és considerat part fonamental en els processos de producció artística. Dins d'aquesta tercera part, es fa també una anàlisi i reflexió sobre les formes de creació, sobre la creativitat i els processos metodològics de producció, mateixos que han estat estudiats amb anterioritat per diversos autors; tot això, té entre els seus propòsits generar una reflexió prèvia necessària per a la millor intel¿lecció del tema. La quarta i última part versa sobre els artistes digitals mexicans i la seva obra, una descripció metodològica de les dades obtingudes, els criteris usats per a la classificació d'artistes, així com els ítems de cada un d'ells, a saber: el seu context i formació, el procés creatiu personal derivat de l'estudi dels diversos recursos d'investigació i anàlisi utilitzats, una selecció de les obres digitals produïdes, el procés i anàlisi de les mateixes. De tal manera, que això conclou en una proposta metodològica interdisciplinar a partir de l'estudi de casos que aprofundeix sobre les troballes del present treball de tesi.
Villagómez Oviedo, CP. (2015). Análisis de procesos de producción artística digital en México: Artistas digitales mexicanos y su obra [Tesis doctoral]. Editorial Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/53694
TESIS
Premiado
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Del, Rio Sánchez Oscar. "Ensamble sobre violencia simbólica. Producción mediante los Estudios Visuales." Tesis de maestría, Universidad Autónoma del Estado de México, 2020. http://hdl.handle.net/20.500.11799/109965.
Full textAbstract:
Contiene análisis sobre obras artísticas en un contexto específico y registros de la producción personal en video arteTesis de Maestría con análisis de un fenómeno social y la producción artística en videoarte
El Estudiante recibió la beca Conacyt para estudiar la Maestría inscrita en el PNPC-Conacyt-Méxicio
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Gil, Moreno de Mora Martínez Diego. "Proceso creativo, producción y posproducción en la expresión gráfico-digital." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/362919.
Full textAbstract:
La presente tesis desarrolla una investigación sobre el proceso creativo del dibujo en la era digital. Estudia la posible influencia que ejerce la tecnología digital sobre los procesos en la representación y la expresión gráfica, así como analiza los posibles cambios en las acciones que se producen en la disciplina artística del dibujo cuando se utiliza el ordenador. Estos cambios se estudian analizando el proceso creativo en sus fases: la ideación, la producción y la posproducción (donde se analizan las técnicas de la reproducción digital). Partiendo de los antecedentes históricos del grafismo computerizado, este estudio centra su atención en el marco teórico que permite a posteriori realizar el análisis de las acciones, procesos, fases y etapas determinantes en la realización de un dibujo digital de carácter estático. Se aportan dos estudios de caso que permiten contrastar y avalar los resultados: el estudio de las obras Orogénesis, de Joan Fontcuberta, y PsicoManualDigital de Evru-Zush (Albert Porta). El estudio se ha completado con el análisis de la obra de veintiséis artistas que realizan su obra gráfica por medio de la tecnología digital.This thesis develops an investigation into the creative process of artistic drawing with computer in the digital age. It studies the possible influence of digital technology on the processes in graphical representation and expression and to analyze possible changes in the actions that occur in the artistic discipline of drawing when the computer is used. These changes are studied by analyzing the creative process in its phases: ideation, production and post-production (where the digital reproduction techniques are analyzed). Based on the historical background of computerized graphics, this study focuses on the theoretical framework for the subsequent analysis of the actions, processes, phases and decisive steps in the creation of a digital drawing of a static nature. Two case studies have been included to contrast and validate the results: the study of the works Orogénesis, Joan Fontcuberta and PsicoManualDigital Evru-Zush (Albert Porta). The study is completed with the analysis of the work of twenty-six artists who made their artwork through digital technology.
Books on the topic "Producción artística"
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Jornadas de Teoría e Historia de las Artes (2nd 1990 Centro Cultural General San Martín). Articulación entre el discurso escrito y la producción artística en la Argentina y Latinoamérica, siglos XIX y XX. Buenos Aires: CAIA, 1991.
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Producción artística y teoría feminista del arte: Nuevos debates I = Ekoizpen artistikoa eta artearen teoria feminista : eztabaida berriak I = Artistic production and the feminist theory of art : new debates I. [Vitoria-Gasteizko Udalak?]: Ayuntamiento de Vitoria-Gasteizko Udala, 2008.
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García de Cortázar, José Ángel, coord., ed. Monasterios románicos y producción artística. Aguilar de Campoo, Palencia: Fund. Santa María La Real/Centro Estudios del Románico, 2003.
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Belén, Paola Sabrina, ed. Epistemología de las artes. Editorial de la Universidad Nacional de La Plata (EDULP), 2019. http://dx.doi.org/10.35537/10915/80476.
Full textAbstract:
Este libro pretende dar cuenta de un estudio del proceso artístico -desde lo creativo proyectivo y desde lo receptivo- que posibilita sistematizar la experiencia artística en el marco de una perspectiva relacional y situacional, acorde a las características propias de dicho proceso y de los paradigmas actuales del concepto de conocimiento. En tal sentido, se trata de un análisis conceptual desde el recorrido estratégico por las categorías de producción y recepción, atendiendo a los cambios que se introducen en la contemporaneidad respecto de la dimensión epistémica de lo artístico. Se concibe como apoyo para quienes cursan la asignatura Epistemología de las artes en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata, puesto que profundiza en temáticas que integran los contenidos programáticos, pero también se invita a su lectura a toda/o estudiante interesada/o en la construcción de una vía de acceso propia al universo de sus prácticas artísticas y proyectuales.
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Di María, Graciela Alicia, and María Cristina Fükelman, eds. Prácticas artísticas contemporáneas. Editorial de la Universidad Nacional de La Plata (EDULP), 2019. http://dx.doi.org/10.35537/10915/82517.
Full textAbstract:
El libro aborda en su primera parte el sistema artístico contemporáneo: los diferentes modos de producción, los ámbitos de circulación (en particular los museos) y el consumo a través de las galerías situadas en la ciudad de La Plata. En la segunda se explicitan las relaciones entre arte y tecnología a través de diferentes modos de producción y circulación, desde los laboratorios de arte hasta el Bioarte. Han sido seleccionados los contenidos que resultan significativos, aptos de conducir el desarrollo de determinados modos de pensar, que relativizan las perspectivas tradicionales conducentes a resaltar y explicar la escena artística contemporánea. Estudiar el arte contemporáneo implica analizar, desde una perspectiva actual e integrada, el campo artístico contemporáneo en su conjunto. Se busca identificar, explicar, analizar y comprender problemáticas del arte, favoreciendo la construcción del conocimiento y la reflexión.
6
Gustavino, Berenice, ed. Órbita Vigo. Papel Cosido (FBA-UNLP), 2019. http://dx.doi.org/10.35537/10915/77723.
Full textAbstract:
A fines del año 2016 surgió la idea de organizar un evento académico que recordara al artista platense Edgardo Antonio Vigo, al cumplirse veinte años de su fallecimiento. Esa iniciativa llevó a la realización de las Jornadas Internacionales de Estudio sobre y desde Edgardo Antonio Vigo que tuvieron lugar el 9 y el 10 de noviembre de 2017 y que fueron organizadas por el Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano (IHAAA) de la Facultad de Bellas Artes (FBA) de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP). Las Jornadas tuvieron el carácter poco habitual de estar consagradas a un único artista. Su propósito fue subrayar el rol de Vigo y de su obra como activadores de una serie de problemas que interpelan, describiendo múltiples trayectorias, la práctica artística, la teoría y la historiografía del arte. Se reunieron expositores, especialistas y artistas, así como un numeroso público que participó de este evento estimulante. Investigadores de distintas universidades argentinas y extranjeras propusieron sus trabajos a partir de los ejes redes, prácticas colaborativas y proyecciones en el arte contemporáneo. La convocatoria motivó el envío de trabajos sobre diversos aspectos de la producción multiforme de Vigo y de estudios sobre las proyecciones en las prácticas artísticas actuales de los problemas planteados desde los años cincuenta en su obra. Esta compilación reúne las intervenciones comentadas durante esas Jornadas.
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Cachorro, Gabriel, and Marcelo Gustavo Giles, eds. Sistematización de experiencias en Educación Física. Editorial de la Universidad Nacional de La Plata (EDULP), 2019. http://dx.doi.org/10.35537/10915/76903.
Full textAbstract:
El libro tiene como propósito principal ofrecer un material didáctico de prácticas y saberes de los ejes de Educación Física 1 (gimnasia, atletismo, básquetbol, sóftbol, juego y recreación, gimnasia artística y deportiva) capaces de resolver un área de vacancia bibliográfica en la profesión. La premisa surge teniendo en cuenta que en el área disciplinar de la Educación Física las formas de producción y circulación del conocimiento tienen una apoyatura importante en el despliegue de prácticas corporales y actividades físicas suplementadas por la oralidad de la palabra. A partir de estas instancias de ineludible compromiso corporal, se ponen en juego los entrenamientos, las sesiones de gimnasia, las clases de educación física, las competencias deportivas u otras alternativas operativas de la disciplina. Este rasgo de la profesión hace prevalecer las actuaciones motrices, por la potencia explicativa de las demostraciones corporales que muchas veces lleva a prescindir de materiales escritos.
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Zátonyi, Marta. La Mirada del arte desde la filosofía. Papel Cosido (FBA-UNLP), 2016. http://dx.doi.org/10.35537/10915/56822.
Full textAbstract:
Desde sus comienzos en el año 2006, el ciclo La Mirada fue pensado como un espacio de debate, intercambio activo y reflexión acerca de la producción artística, sus discursos y poéticas. De hecho, tal denominación nos orienta en cuanto a cómo intentamos que se produzcan estos intercambios: desde la multiplicidad y riqueza de una búsqueda dirigida, intencionada y conciente que aprehende y piensa nuevas figuraciones y ámbitos. El mirar no sólo los descubre, también los relata y los registra guarda en la memoria. De allí la necesidad de inaugurar esta colección poniendo a disposición de alumnos y docentes un material didáctico que no funciona únicamente a modo de registro de los sucesivos encuentros, sino que esperamos se potencie y actualice en cada uno de los aportes y las discusiones que surjan de su lectura. Situándonos en un determinado lugar, guiados por nuestra historia y nuestra memoria, tomamos posición y desde allí, desde nuestra formación cultural y social, miramos para buscar y encontrar nuevos sentidos.
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López Moya, Martín de la Cruz, Efraín Ascencio Cedillo, and Zebadúa Carbonell Juan Pablo, eds. Etnorock. Los rostros de una música global en el sur de México. CESMECA-UNICACH/Juan Pablos Editor, 2014. http://dx.doi.org/10.29043/cesmeca.rep.992.
Full textAbstract:
Las manifestaciones del rock en América Latina continúan creando nuevos nichos donde cohabitar. Hasta hace un par de décadas esta práctica musical estuvo ausente fuera de los entornos culturales de las grandes metrópolis y de los centros urbanos medios. Se podía constatar que el rock, en tanto manifestación artística de gran despliegue mediático, estaba dentro de las esferas de producción de juventudes netamente urbanas y que sus influencias y configuraciones solo atañían a esos sectores que, marginales o no, devenían en actores de consumo del rock a grandes escalas. Hoy, en cambio, emergen novedosas expresiones en otros espacios, concretamente entre juventudes rurales o entre jóvenes hablantes de alguna lengua indígena como ha ocurrido en algunas regiones de Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Guatemala, Perú o México. El libro Etnorock. Los rostros de una música global en el sur de México, compila casos representativos de estos movimientos musicales rockeros en entornos sociales de tres entidades del sur de México: Veracruz, Guerrero y Chiapas. Los artículos de este libro exploran los procesos de producción y de circulación de los bienes simbólicos rockeros en estos espacios; se trata de un concierto de voces que muestran las transformaciones de las escenas musicales locales en las que los jóvenes juegan un papel protagónico. Los trabajos aquí reunidos muestran la experiencia musical de los hacedores del rock, ya como creadores y difusores de este género musical o como receptores y consumidores que siguen a estas bandas y a otras de las escenas nacionales e internacionales.
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Barbeito Andrés, Leticia, Carlos Coppa, and Ana Otondo, eds. Materialidad. Editorial de la Universidad Nacional de La Plata (EDULP), 2017. http://dx.doi.org/10.35537/10915/65033.
Full textAbstract:
El presente trabajo formaliza un encuentro. Se constituye como la sistematización de experiencias y reflexiones sobre la materialidad, desde los contenidos de las asignaturas que integramos, situadas en el nuevo plan de estudios de la carrera de Artes Plásticas de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Pretende iniciar una búsqueda conjunta en investigaciones desde el lugar de la producción artística, tomando referencias de nuestro campo específico de conocimiento, y fortaleciendo los nexos en el abordaje de las propuestas. Esta puesta en común nos permite establecer un punto dentro del recorrido de estos últimos diez años en los que comenzó a implementarse el nuevo plan, poniendo en texto rasgos que son la resultante de esta mirada sobre la enseñanza del arte. Encontramos en los materiales y en las múltiples variantes de intervención sobre los mismos un disparador para hablar sobre nuestras prácticas, y sobre los cambios sucedidos en el contexto del arte contemporáneo. Los escritos se estructuran desde el análisis de obras de artistas o de las propias producciones surgidas en el aula, y debido al carácter complementario de las asignaturas en cuestión, visibilizan la permeabilidad de los límites por los que transita actualmente el campo del arte, hilvanando experiencias realizadas desde primero a cuarto año de la carrera por la gran mayoría de los estudiantes.
Book chapters on the topic "Producción artística"
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Espinoza Mendoza, Lidia. "Mecanismos de resistencia. Intervenciones del arte y el cuerpo en los procesos de resignificación del Centro Histórico de Lima." In Arquitectura & investigación. Arte, tipología, política, 17–35. Pontificia Universidad Católica del Perú, 2021. http://dx.doi.org/10.18800/978-612-47555-5-2.001.
Full textAbstract:
Hacia fines del siglo XX, las constantes crisis políticas y sociales que vivió el Perú motivaron la transformación del Centro Histórico de Lima y lo convirtieron en el escenario de diversas manifestaciones sociales, políticas y artísticas. La producción social del espacio, en el entorno urbano histórico de la ciudad, partió tanto del accionar institucional como de las intervenciones que transgredieron el orden establecido —de manera eventual y efímera— como parte del accionar ciudadano. El presente artículo propone una revisión de aquellas intervenciones que tuvieron lugar en el espacio público representativo del poder, el Centro Histórico, y que llegaron a resignificarlo mediante el accionar cívico-artístico. En esta cronología, la espacialidad del cuerpo, o el cuerpo colectivo, aparece en la acción artística como una herramienta constante, y como mecanismo para generar reflexión y crítica en torno a la producción del espacio público y su relación con la arquitectura.
2
Rocha Ochoa, Cesáreo. "Dueto Garzón y Collazos. Príncipes de la canción colombiana." In Tolimenses que dejan huella. Volumen 6, 35–64. Ediciones Unibagué, 2020. http://dx.doi.org/10.35707/tol/602.
Full textAbstract:
Crónica periodística de la agrupación de música andina colombiana: Garzón y Collazos. Su producción artística como dueto data de 1948, cuando ya tenían una acogida en Ibagué, especialmente en el ámbito de las serenatas y las presentaciones sociales. La instrumentación de Darío Garzón Charry en la guitarra y de Eduardo Collazos Varón en el tiple, recibieron el apoyo y la admiración del país. A través de su carrera artística grabaron centenares de bambucos, pasillos, guabinas, bundes, valses, danzas, sanjuaneros, torbellinos y rajaleñas. El legado que dejaron Garzón y Collazos se ha preservado a través del Festival Nacional de la Música Colombiana.
3
Perea, Juan Manuel Martínez. "Aplicación docente de las TIC en la producción de murales monumentales de hormigón armado como práctica artística." In Arte y Arquitectura, 59–84. Universidad Piloto de Colombia, 2019. http://dx.doi.org/10.2307/j.ctv1p6hqrw.6.
Full text
4
"Warisata en el arte, la literatura y la política boliviana. Observaciones acerca del impacto de la Escuela Ayllu en la producción artística boliviana y la nueva legislación educativa del gobierno de Evo Morales." In Culturas políticas en la región andina, 391–416. Vervuert Verlagsgesellschaft, 2011. http://dx.doi.org/10.31819/9783954871513-019.
Full text
5
Baldasarre, María Isabel, and Ana Clara Giannini. "¿Cuánto vale una obra de arte? Valuaciones artísticas en Buenos Aires a través de las subastas, 2000-2016." In El poder de (e)valuar. La producción monetaria de jerarquías sociales, morales y estéticas en la sociedad contemporánea, 173–92. Editorial Universidad del Rosario, 2018. http://dx.doi.org/10.2307/j.ctvm7bb0q.12.
Full textConference papers on the topic "Producción artística"
1
Rey Villaronga, Gonzalo José. "El borrado como estrategia de producción artística." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.5842.
Full textAbstract:
Con el análisis de la performance “Viena says…” del artista alemán Nasan Tur pretendemos demostrar como el borrado no sólo es una práctica a la que se llega a través de la sustracción, sino también a través de la adicción. Y cómo esta práctica tiene mucho que ver con la sobreabundancia de las imágenes y la pérdida de la identidad. Este análisis forma parte de un trabajo más extenso que desarrollamos sobre las prácticas antivisuales en la contemporaneidad. Nasan Tur (Alemania,1974). Este artista para su trabajo parte del entorno urbano, la calle, la plaza, el bar, una mezquita, una escalera, un aeropuerto, es decir, donde la gente se cruza temporalmente, donde los caminos y las ideas heterogéneas se enfrentan. Sus intervenciones tienen como objetivo romper con normalidad e investigar las situaciones donde se infringen los acuerdos. En un primer apartado del artículo describimos como el artista explora la interacción del lenguaje y los símbolos en el espacio público. La obra de la imagen superior forma parte de la serie de un trabajo titulado The city says... En esta obra reúne más de cien frases pintadas en graffiti que toma de las paredes de las casas de la ciudad y las pinta con aerosol de nuevo en una pared interior de su estudio, superponiéndolas en un tiempo muy veloz hasta que todos se tornan una superficie roja ilegible. La ilegibilidad y el borrado de la palabra no es un tema nuevo en el arte por eso un segundo apartado del artículo recuerda aquellos ejemplos donde ha estado presente dentro de ciertas prácticas antivisuales. Frente a la imagen omnipresente el borrado continúa siendo un acto de rebeldía y de posicionamiento que sobrepasando el placer estético se convierte en una táctica de cuestionamiento. En este caso la palabra es borrada y con ella la acción performativa adquiere una nueva dimensión. A partir del borrado de frases cortas como un Te quiero, No hay respeto, Libertad para…, etc. y que en realidad adornan miles de fachadas de todo el mundo, lo que se está haciendo presente es el mutismo de una sociedad. En las conclusiones hablaremos de esta crisis del valor comunicativo y cómo la superficie cubierta de pintura en aerosol de este modo se puede leer como una metáfora de las dificultades que acosan a cualquier forma de comunicación. Entre otros trabajos hemos utilizado como referencias los textos de: Meana Martínez, Poéticas de la negación de lo visual; Barbara Heinrich: The Stories behind the Pictures; y Ralph Rugoff: Invisible: Art about the Unseen 1957-2012.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5842
2
Rey Villaronga, Gonzalo José. "El tapado de la imagen como estrategia de producción artística." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.5843.
Full textAbstract:
Proponemos el análisis de la obra “Mirror” de David Hammons, para demostrar como el tapado de la obra de arte continúa siendo una estrategia crítica de antivisualidad frente a la sobre abundancia de imágenes. Éste es un análisis y una interpretación que forma parte de un trabajo más extenso que desarrollamos sobre las prácticas antivisuales en la contemporaneidad. David Hammons (U.S.A., 1943). En su trabajo, negar la posibilidad de ver y provocar la curiosidad es una de las estrategias que utiliza el artista a través de su obra. Un artista que comenzó burlándose del mercado cuando al principio de su carrera vendía durante el invierno de Harlem bolas de nieve como obras de arte. Comprometido con los derechos civiles, su trabajo reflexiona sobre las experiencias de la vida afroamericana y el papel que juega en la sociedad americana. En el artículo describimos y analizamos el conjunto de la serie mirrors (espejos) y la ponemos en relación a una destacada trayectoria donde performance, pintura, escultura, y toda clase de prácticas artísticas son utilizadas para provocar la curiosidad en el espectador. Analizamos la serie que aparece en la fotografía superior para revelar como frente a la eficacia e inmediatez con la que el sistema del arte y el sistema en general categoriza, digiere y canibaliza los acontecimientos, la negación sostenida se convierte en un valor añadido para las obras de arte. Sólo hay que pensar en el contexto en el que nos movemos con las políticas de visibilidad, donde si las redes de vigilancia se multiplican y los individuos abiertamente nos exponemos al mundo, cualquier muestra de ocultación es tomada como un acto de rebeldía. Interpretar el concepto de tapado de la imagen heredado de sus pinturas ocultas o pinturas de lona (Kool Aids) nos ayuda a establecer relaciones con otras obras de la antivisualidad y la ocultación como estrategia de cuestionamiento. Terminamos con unas conclusiones que nos permiten afirmar que estas estrategias presentes en éste y en otros artistas logran mantener expectante la mirada del visitante de forma que más allá de su antivisualidad sus obras en realidad logran que nos detengamos y pensemos más allá de lo que se muestra. Entre otras referencias hemos utilizado los textos de: Meana Martínez, Poéticas de la negación de lo visual; Galder Reguera, La cara oculta de la luna; y Hernández-Navarro, La so(m)bra de lo real: El arte como vomitorio.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5843
3
Oliveira góes, Carlos Eduardo. "MIRADAS EN METAMORFOSIS: UNA INVESTIGACIÓN ESTÉTICA SOBRE LA PRODUCCIÓN PUNTUAL DE UN ARTISTA ANÓNIMO." In IV Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales. ANIAV 2019. Imagen [N] Visible. Valencia: Universitat Politècnica de València, 2019. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2019.9119.
Full textAbstract:
Dentro de la escena artística contemporánea, convivimos con conceptos diversos; enfrentamos teorías divergentes; hibridamos técnicas y nuevas tecnologías; borramos fronteras entre lenguajes y géneros artísticos. Así, frente a la complejidad y riqueza de este panorama artístico: ¿podríamos afirmar que nos descubrimos en plena metamorfosis? El trabajo investigativo, centrado en el tema Miradas en Metamorfosis, busca apropiarse del mismo arte para examinar, reflexionar y cuestionar el arte contemporáneo en relación con el espectador – sus gustos, afectos, inferencias, consumos e interpretaciones –, en especial, el gran público no inicializado en el mundo del arte. A partir de esta idea, este proyecto posibilitará la creación de obras híbridas, que representen las diferentes transformaciones que puede sufrir una obra, hasta el momento de su mayor y más significativa metamorfosis, que está en la mirada del espectador sobre ella. ¿Qué aspectos esenciales un artista deberá tener en cuenta en la producción de una obra que venga a sensibilizar a un lector “común”? ¿Qué tiempos y valores se encuentran insertados en una obra? ¿De qué forma el arte visual contemporánea está llegando al público general? Cabrá al artista no sólo el desafío de inducir al cuestionamiento y reflexión sobre estos temas, mas, sobre todo, buscar y presentar respuestas plásticas e icónicas para estas cuestiones, enfatizando principalmente el compromiso del arte con el público no especializado. El resultado plástico final de la investigación será presentado en una exposición llamada “Ver en el tiempo: derivas poéticas”, en la que las obras sufrirán transformaciones a lo largo de toda la exhibición. La metodología llevará en cuenta que la producción artística de la investigación será elaborada pari passu con el desarrollo del proyecto investigativo. Los textos elaborados deberán contemplar un análisis poético y poiético de los elementos y factores que llevarán a la realización de las obras y su génesis.
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De la fuente, Alicia Dela Delos. "Llamas, highlight, cadenas y slime. Autoreferencialidad en la producción artística millennial." In IV Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales. ANIAV 2019. Imagen [N] Visible. Valencia: Universitat Politècnica de València, 2019. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2019.9537.
Full textAbstract:
Son numerosos los artistas que en la actualidad se sirven de lenguajes, medios y herramientas surgidas en las diferentes redes y aplicaciones mainstream, tomándolas como objeto de estudio para producir nuevos discursos autoreferenciales. A partir de una selección de proyectos de artistas pertenecientes a esa generación mediáticamente homogeneizada como “millennial”, trataré de valorar el interés y la importancia de realizar un ejercicio de rastreo de dichas prácticas que, desde la sátira, generan conocimiento y contenido crítico. Una generación obsesionada con su medio -nativo o casi- de socialización y conexión, que tomo como claro síntoma de re-organización y resistencia política a la raíz del sistema socioeconómico en el que se inscriben, la idiosincrasia académica y la permanencia de los valores de “lo artístico”. La misma a la que se acusa de atesorar y monetizar lo estético, lo puramente visual y externo. Abordaré igualmente el tema desde mi propia práctica artística, con proyectos de reciente producción como Filthy Playground, en el que realizaba una reflexión en clave de humor y sátira sobre la constante transmutación de códigos que ocurre en la app en la que la imagen es la absoluta protagonista, Instagram. Me apropio de esta sintomatología de lo superficial asociada a toda una generación, esta conciencia “neodandyqueer”, para vehicular de alguna forma sus contradicciones estructurales y esenciales hacia mi propia investigación plástica. Puestos a realizar tal ejercicio de rastreo, la comunicación tratará también de estudiar esta autoreferencialidad en los artistas-milennial-precarios y la utilización que hacen de apps como la citada, a modo de escritorio o estudio itinerante y virtual. Se trata entonces no solamente de poner el foco de atención en la apropiación y sampleo de los lenguajes de internet, sino también en rebuscar en los “archivos guardados”, en su diógenes digital como diría la artista María Cañas.
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Tortosa Ibañez, Laura, and Mayte Vroom. "Documentación y producción artística en la cultura Yucateca. Archivo de experiencias." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.4897.
Full textAbstract:
Esta comunicación presenta y analiza un proyecto artístico llevado a cabo por ambas autoras durante una estancia en Yucatán, México en 2016.El proyecto, titulado : “Retrato en 25. Cartografiando memorias entre Tunkás e Izamal” se mueve por la necesidad de conocer y explorar diferentes lugares a través de la experiencia personal, descubrir las raíces de lo micropolítico y analizar la implicación del artista como agente externo en un contexto local ‘desconocido’. A través de este trabajo encontramos la posibilidad de participar en un contexto diferente, interpretando los códigos que construyen la memoria, la identidad cultural y los espacios comunes.Se puso en marcha mediante estrategias de las ramas antropológica y etnográfica, que desde una perspectiva diletante y liviana ofrecen el terreno de juegos adecuado para realizar entrevistas, trabajo de campo y recolección de objetos y documental.Estrategias que a la vez nos permiten desarrollar un trabajo plástico en el que la fotografía, el audiovisual, la acción y la edición son parte esencial para la interpretación y reinterpretación de los individuos y el contexto en el que habitamos. Recorremos el espacio físico y recolectamos objetos que rozan lo insignificante o desapercibido para ponerlos bajo otra óptica. En el transcurso de estas acciones se despierta el reconocimiento de cuestiones micropolíticas como síntoma de posiciones más globales y a la vez el descubrir cómo afectan las realidades globales a un contexto local.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4897
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Serrano González, Eduardo, and Francisco De la Torre Oliver. "La homogenización de la identidad en cuestión. Espacios artísticos de los enseres." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.5786.
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El presente trabajo analiza el espacio para la intervención artística generado a partir de la implantación de multinacionales del diseño y la producción de enseres en el contexto de Valencia. Para ello planteamos la hipótesis de la existencia de un impacto sobre la identidad cultural en el sistema local, ocasionado por la hegemonía del estilo global. Partiendo de este hecho, nuestro estudio vinculará las corrientes contemporáneas que relacionan la práctica artística con las metodologías etnológicas, antropológicas y la representación de identidades y memorias. Con tal de realizar el análisis conceptual, planteamos una tensión de fuerzas entre las causas y las consecuencias derivadas del impacto de nuestra hipótesis. Entendiendo éstas como consecuencia de los procesos de globalización, que repercutirán en el ámbito local mediante los mecanismos sociopolíticos vinculados al diseño, la publicidad, la moda y el precio. Conduciendo a la perdida y cuestionamiento de la identidad a través de un proceso de homogenización del estilo, velando el valor de la diferencia. Analizaremos cómo, este proceso de choque entre los contextos globales y locales, deriva en la apertura de un espacio para la creación artística. El cual, a partir de los resultados del estudio conceptual, ejemplificaremos con el proyecto artístico personal. Mostrando el método de trabajo llevado a cabo, relacionándolo a su vez con otras prácticas artísticas en diferentes contextos contemporáneos.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5786
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Vernia-Carrasco, Ana Mercedes. "La producción artística en el ámbito educativo. El proyecto escénico como herramienta de aprendizaje." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.5330.
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Podemos entender la producción artística dentro del terreno profesional y como parte del currículum en determinadas formaciones. Nuestra propuesta parte de un proyecto escénico como herramienta de aprendizaje en el grado de maestro de educación primaria y cómo la gestión de dicho proyecto puede repercutir en diferentes competencias transversales, que ayuden a mejorar el rendimiento del alumnado e incremente sus conocimientos relacionados con la materia de Didáctica de la Expresión Musical, llegando a conectarse con la realidad, para que la formación pueda ser útil no sólo desde las competencias específicas del Currículum. La visión respecto de la producción artística está muy vinculada a la gestión cultural, en cambio, podemos entender que la gestión no sólo debe pasar por temas económicos, sino que debe incidir en el terreno social, educativo, y de sostenibilidad. Los maestros de educación musical suelen hacer sus propias producciones artísticas, sin haber disfrutado a lo largo de su formación de meros conocimientos que implica la profesión, reduciéndose al final a un simple espectáculo de aula, que en el mejor de los casos ven los familiares y amigos del propio alumnado. Nuestro primer paso ha sido averiguar, a través del futuro maestro de primaria, si un proyecto escénico podría ayudar a un aprendizaje significativo, fuera y dentro del aula. Nuestro segundo paso sería, cómo este alumnado de tercero en grado de primaria puede ser productor de su propio proyecto y qué competencias puede desarrollar.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5330
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Marín García, Teresa, Elisa Lozano Chiarlones, Eduardo Marín Sánchez, Patricia Esacario Jover, José Maldonado Gómez, Rocío Villalonga Campos, and Bernabé Gómez Moreno. "Laboratorio de Interferencias Artísticas y Mediales. Procesos de investigación artística sobre visualidades experimentales." In IV Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales. ANIAV 2019. Imagen [N] Visible. Valencia: Universitat Politècnica de València, 2019. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2019.9018.
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El Laboratorio de Interferencias Artísticas y Mediales (IAM-lab) es un grupo de investigación interdisciplinar inscrito en el Departamento de Arte de la Universidad Miguel Hernández de Elche, y cuyos miembros imparten docencia en la Facultad de Bellas Artes de Altea. Nuestras líneas de investigación se centran en el desarrollo de proyectos en el ámbito de las prácticas artísticas audiovisuales, intermedia y transmedia, dedicando una especial atención a los diálogos entre medios, cuestiones tecnológicas, aspectos contextuales y procesuales. Entendemos la práctica artística como un laboratorio de posibilidades, que vinculamos a nuestro interés por el arte y la cultura contemporánea, los estudios visuales, el arte público, las prácticas colaborativas y los procesos pedagógicos y de mediación. Nuestra investigación apuesta por una práctica reflexiva que indaga formas de producción de sentido, y se interroga y experimenta sobre la imagen y las metodologías de investigación en las artes. En esta comunicación se muestran algunos aspectos metodológicos que consideramos clave en nuestro proceso de investigación, como son: la aplicación creativa del concepto de interferencia como acción disruptiva que cuestiona inercias asumidas, el viaje como marco activador y articulador de procesos, la experimentación lúdica y los procesos colaborativos, así como la exploración de diversos formatos de ensayo visual para vehicular los resultados de las investigaciones.
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Artime Pinilla, Joaquín. "Referentes invertidos: intervención artística, teoría queer y literatura." In IV Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales. ANIAV 2019. Imagen [N] Visible. Valencia: Universitat Politècnica de València, 2019. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2019.9589.
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Este artículo es un análisis del trabajo teórico y creativo que da como resultado la intervención artística “Referentes invertidos”. Inaugurada el 26 de abril de 2018 como una obra más de la exposición colectiva “Biblioteca en paral·lel”, proyecto ganador de un PAC (Propuesta de Acción Cultural), una ayuda que concede el Àrea d’Activitats Culturals de la Universitat Politècnica de València. Este site specific se insertó en el edificio de la Biblioteca Central de la Universitat Politècnica de València. En sus cristaleras se escribió con rotulador de tiza en grandes dimensiones los apellidos de tres escritores que, en habla española, catalana e inglesa, reivindicaron activamente su condición de hombres gays, visibilizando y estableciendo otros imaginarios sobre las relaciones afectivas, amorosas y sexuales. Cada uno de los apellidos –Burroughs, Moix y Lemebel– se construyó con los títulos de las obras literarias que sus autores dejaron como legado. Se escribieron con un color secundario y al revés, para aludir al insulto “invertido”, reclamar la procedencia de unos escritores que han creado desde el margen, perteneciendo a una minoría, y así poner en valor su producción literaria, su importancia histórica y sus aportaciones al mundo de las letras. Con la elección de estos autores, el empleo de conceptos como la apropiación, la metodología artística usada, la escritura a mano y el color, se genera un espacio que vincula arte y literatura, así como visibiliza escritores clave en la producción de relatos propios al mundo queer.
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Veciana, Stella. "Espacios de memoria virtual como laboratorios de investigación artística." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.4971.
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Esta comunicación hace una reflexión teórica sobre metodologías artísticas en la generación de ‘espacios de memoria en línea’, la influencia de códigos y valores culturales sostenibles en estos espacios y expone dos casos particulares de archivos digitales dinámicos en el contexto de conferencias científicas para la sostenibilidad y de una biblioteca pública como ejemplos de laboratorios de investigación científico-artística de tipología a/sincrónica y de tipología virtual. El archivo clásico analógico pasa del espacio del museo a la memoria dinámica en redes de bancos de datos hasta nuevos entornos híbridos de realidades mixtas. ¿En qué se diferencia el modelo de archivo moderno como la biblioteca presencial de los modelos de archivo de bases de datos y su conectividad por las tecnologías de Internet? ¿Cómo se caracteriza la memoria social que se sirve de sistemas de base de datos interactivas? Los ‘espacios de memoria online’ transforman el concepto de archivo, que cumplía funciones de conservación de patrimonio cultural, para convertirse asimismo en centro de producción estético-científica como en los experimentos de participación colectiva en ‘monumentos virtuales’ que activan procesos de memoria social. Sobre la base de esta transformación histórica y enfoques metodológicos artístico-científicos interculturales el objetivo de la comunicación será presentar el espacio de la memoria dinámica online como laboratorios futuros de investigación científico-artística.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4971