Dissertations / Theses on the topic 'Producción artística'

Magíster en artes, mención artes visuales
En el presente texto se desarrollan planteamientos en los que se pone en cuestión el modo de funcionamiento del arte actual y sus efectos concretos en el campo económico, laboral y filosófico. Se plantea a través de la revisión de éstos la pregunta sobre cómo generar una vía alternativa al mismo sistema artístico dependiente del sistema económico imperante: el capitalismo. Posteriormente se efectúa una crítica a diversas estrategias del arte político-social para cambiar la realidad del mundo por medio de su propia actividad, intentando enfatizar los problemas que encierran dichas estrategias y su ineficacia –basada en la evidencia empírica– como poder transformador del mundo. Finalmente se plantea una salida posible a través del ejercicio de relaciones de producción diferentes, mediante una unidad económica distinta a la que se despliegan productivamente hoy. Se presenta la acción llevada a cabo para fundar dicha matriz productiva y a su vez un movimiento hacia la necesidad de producir estas ideas en el plano académico.

Irrumpir lo artístico, perturbar lo pedagógico: La Investigación Artística como espacio social de producción de conocimiento es una investigación conformada por dos partes: esta tesis y dos vídeos: En colaboración y conflicto. El trazo de nueve modos de conocer. La investigación que realicé durante cuatro años (2011-2015) tuvo como foco de interés responder a la pregunta: ¿Cómo se producen conocimientos a partir de los procesos artísticos, y qué espacios sociales se forman en esta producción? Para intentar responder a esta pregunta mi investigación se vinculó por un lado, con el proyecto artístico La Síndrome de Sherwood de la artista Núria Güell y el comisario Oriol Fontdevila, y por otro lado, se internó en la tarea de efectuar un repaso de la cuestión sobre los debates actuales en torno a la Investigación Artística. Junto con la artista y el comisario, y combinando herramientas basadas en la etnografía (visual), métodos artísticos audiovisuales, y modos de interpretación del material inspirados en la Grounded Theory de la segunda generación, conformé una Investigación Artística que interrogó los modos en que la artista, el comisario y la investigadora construimos un espacio social de producción de conocimiento. Las relaciones pedagógicas tejieron un espacio social que, a través de un vídeo, desveló nueve modos de conocer por los que Oriol y Núria construyeron conocimientos a la vez que un proyecto artístico. ¿Cómo pueden estos modos de conocer informar sobre las nuevas posibilidades que abre la Investigación Artística? ¿Cómo se modifica lo artístico y lo pedagógico al analizarlos como relaciones espaciales, sociales y políticas que constituyen espacios de saber y de ser?
Breaking the artistic, disturbing the pedagogical: The Artistic Research as social space of knowledge production is a research in two parts that includes the written thesis and a two-video set named En colaboración y conflicto. El trazo de nueve modos de concer. The research I conducted for four years (2011-2015) sought to answer the question: How is knowledge produced out of the artistic processes, and what spaces are formed in this production? In order to answer these questions, I focused on two main aspects. On the one hand, my investigation was linked to the artistic project La Síndrome de Sherwood by Núria Güell (artist) and Oriol Fontdevila (curator). On the other hand, it ventured to make a statement of the current situation of the ongoing debate on Artistic Research. Along with the artist and the curator, I mixed research tools based on (visual) ethnography, audiovisual artistic tools, and modes of interpretation inspired by the Second Generation of the Grounded Theory so as to shape an Artistic Research that questioned the ways in which we, the artist, the curator and the researcher, built spaces of knowledge production. The pedagogical relationships wove a social space that unveiled the nine modes of knowing through which Oriol and Núria generated both knowledge and an art project at once by means of a video. How can these ways of knowing inform us of the new possibilities opened by Art Research? How are the artistic and the pedagogical modified when analyzed as spatial, social and political relationships that constitute spaces of knowing and being?

El estudio del arte en el psicoanálisis permite explorar los lugares más recónditos del inconsciente apoyando el entendimiento del comportamiento humano desde una dinámica intrapsíquica integral, sin reducir las obras de arte como producciones estéticas, sino como objetos estrechamente ligados a experiencias anímicas particulares en la vida del ser humano.
La presente investigación tuvo como objetivo inferir la novela familiar de Jim Morrison a partir de las principales temáticas de su producción artística e historia de vida, considerando como aspectos principales de análisis el Complejo de Edipo y la figura femenina dada su importancia en la teorización psicoanalítica y como aspectos fundamentales de la novela familiar. En los resultado se encontró que la obra artística de Jim Morrison está matizada por tres temáticas principales, las cuales se repiten a lo largo de sus poemas y canciones, estas son: muerte, mujer y tristeza.
Universidad Autónoma del Estado de México

La presente tesis doctoral titulada Romper el Marco. Memoria y producción artística en la postdictadura uruguaya 1985-2005 gira en torno a la relación entre memoria y prácticas artísticas en el marco de la postdictadura uruguaya. Situada en un campo interdisciplinario que incluye tanto los Estudios de Memoria, los Estudios Visuales y la Historia del Arte, como también las teorías sobre el testimonio, la experiencia concentracionaria y la tortura, esta tesis se centra en estudiar los regímenes estéticos que operan alrededor de las experiencias límite de la dictadura cívico-militar (1973-1985) -como la prisión política, la tortura y la desaparición- en las prácticas artísticas de la postdictadura uruguaya, periodo que situamos entre 1985 y 2005. El objetivo de esta tesis es elaborar un análisis de las relaciones entre memoria y trauma desde la práctica artística en postdictadura a través del trabajo de una serie de artistas y creadores que consideramos paradigmáticos -Horacio Faedo, Luis Camnitzer, Clemente Padín, Ernesto Vila y Jorge Tiscornia- cuyo trabajo nos permite investigar sobre la dimensión política de la memoria en este contexto. Para el caso uruguayo, pensar el lapso que va de 1985 a 2005 como período postdictatorial centra la atención en el legado de la dictadura y las transformaciones con respecto a dicho tiempo histórico. La coyuntura fragmentaria postdictatorial, consecuencia de la desestructuración social provocada por la prisión política, la tortura, la desaparición, el exilio y el insilio, hizo que las formas de elaboración cultural y estética de la memoria también estuviesen relacionadas a estos fenómenos y sus efectos en la reconfiguración de las subjetividades políticas y colectivas. A diferencia del frenetismo de los productos derivados del “boom” de la memoria que inundaron los años noventa en países como Alemania, Estados Unidos o Argentina, en el contexto uruguayo no hubo un “exceso” ni una “hipertrofia” de la memoria, aludiendo a Todorov y a Huyssen, sino que ha existido una lucha desde los inicios de la transición democrática por el derecho y la legitimidad de la palabra. Muchas de las prácticas artísticas que se han desarrollado desde entonces han enfatizado dichas tensiones y materializado la pluralidad y complejidad de la memoria del pasado reciente frente a las políticas oficiales del postconflicto en esta geografía. En esta tesis entendemos que para la producción artística uruguaya del período postdictatorial la memoria no compone un tema sobre el cual trabajar, sino que constituye un lugar de enunciación, un sistema discursivo y estético que es un posicionamiento político en sí mismo. La hipótesis de partida para esta investigación se basa en la consideración de la práctica artística como ejercicio estético y político, como forma de resistencia y como forma de memoria. La producción artística como lugar de memoria tendrá la capacidad de elaborar diversos procesos de sutura, tanto en el plano de lo subjetivo y colectivo, que será, a su vez, parte constitutiva de la dimensión política de estos regímenes estéticos. El período postdictatorial estará atravesado por modos particulares de abordar, desde la producción artística, la desarticulación de lo social, lo subjetivo, lo afectivo, lo político y lo identitario. Entender el golpe de Estado como “quiebre de la representación” implica asumir la necesidad de construcción de nuevos sistemas y configuraciones de lo sensible que, en la postdictadura deberá plantearse, además, en un escenario radicalmente diferente, definido por la coyuntura del neoliberalismo y de la globalización.
This doctoral thesis titled Breaking the Frame. Memory and artistic production in the Uruguayan post-dictatorship 1985-2005 revolves around the relationship between memory and artistic practices in the context of the Uruguayan post-dictatorship. Located in an interdisciplinary field that includes both Memory Studies, Visual Studies and Art History, as well as theories about testimony, concentration experience and torture, this thesis focuses on studying the aesthetic regimes that operate around the borderline experiences of the civic-military dictatorship (1973-1985) - such as insile, exile, political prison, torture and disappearance - in the artistic practices of the Uruguayan post-dictatorship, a period that we place between 1985 and 2005. This thesis aims to elaborate an analysis of the relationships between memory and trauma from artistic practice in post-dictatorship through a series of paradigmatic artists and creators - Horacio Faedo, Luis Camnitzer, Clemente Padín, Ernesto Vila and Jorge Tiscornia - whose work allows us to investigate on the political dimension of memory in this context. The central hypothesis of this research is based on the consideration of artistic practice as an aesthetic and political exercise, as a form of resistance and memory. Understand artistic production as a place of memory implies the capacity to elaborate various suture processes, both at the level of the subjective and collective, which will, in turn, be a constitutive part of the political dimension of these aesthetic regimes. The post-dictatorial period will be crossed by particular ways of approaching, from artistic production, the disarticulation of the social, the subjective, the affective, the political and the identity. Understanding the coup d'état as a "breakdown of representation" implies assuming the need to build new systems and configurations of the sensitive that, in post-dictatorship time, must also be considered in a radically different scenario, defined by the situation of neoliberalism and the globalization.

La presente tesis doctoral busca explicar el funcionamiento de un fenómeno particular, colocando el objeto de estudio en un sistema específico, y a la vez trata de ubicar la noción de investigación al interior de la producción artística contemporánea. Planteado de esta manera, el trabajo tiene una doble función. Por un lado, investigar de manera teórico-práctica la expansión de la imagen, explicando por qué el objeto de estudio (imagen expandida), al ponerse en funcionamiento, crea un fenómeno particular (parpadeo) que es aprehensible en términos de constelación. Por otro, ensayar una aproximación al tema de estudio, que a través de la investigación pueda ser una propuesta artística en sí misma. Es decir, queremos mostrar no sólo las reflexiones en torno al tema de estudio escogido, sino también resaltar la necesidad de afinar el concepto de investigación vinculado a la producción artística. El tratamiento teórico-práctico del tema de estudio, resulta en una puesta en evidencia de las particularidades que la investigación puede asumir al interior de la práctica artística como tal, y muestra cómo artistas y teóricos pueden llegar a conclusiones similares, por caminos diversos, pero siempre a partir de su propia producción.
Suter Latour, G. (2010). ANÁLISIS TEÓRICO-PRÁCTICO DEL VACÍO Y DEL SILENCIO EN LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICA CONTEMPORÁNEA [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/14977
Palancia

Licenciado en arte con mención en teoría e historia del arte
Esta investigación aborda tres grandes temas: Mujer, Textil, Arte. Todos ellos vinculados entre sí, pero analizados aquí desde distintas vertientes. Este análisis propiamente tal, implica indagar en otros subtemas que se deslindan de los tres principales, y que tienen su fundamento en un sustrato histórico. Por ello, el método de trabajo comienza por un sondeo de fuentes bibliográficas de carácter histórico: Historia social de la mujer, Historia del arte, Historia de las mujeres artistas, Historia del textil (Tapicería, Textil contemporáneo, Textil tradicional11 ancestral), entre otros. Y luego de una revisión, análisis, y sistematización de estos contenidos, el siguiente paso es profundizar en aquellos temas específicos que nos arroja la primera etapa de investigación, definidos éstos por períodos o contextos determinados. Estos temas permiten ahondar en la información ya recopilada, y complementarla con nuevos datos.

El presente trabajo explora las características con las que Immanuel Kant determina qué es el sentimiento de lo bello experimentado en la naturaleza y en  el arte. Tomando como punto de partida algunos elementos del surgimiento  de la Estética en el siglo XVIII, se concentra en el estudio del trabajo artístico y  muestra cómo el proceso creativo del artista se fundamenta en la producción y  no en la reproducción mimética de la naturaleza. Con el propósito de explicar  este tránsito, se revisan las reflexiones de uno de los antecesores de Kant: Moses Mendelssohn. Además, se señala cómo ambos pensadores divergen  en sus teorías estéticas a pesar de que ambos concuerdan en rechazar la mímesis como principio de la producción artística. Finalmente, se determina  la experiencia de lo bello como la complacencia en la conformidad a fin sin  fin en el que se reproduce el libre juego de las facultades de imaginación y  entendimiento, y se atribuye al genio del artista el singular talento de adecuar  su obrar en función a dicho juego.

[EN] This thesis is divided in four parts: the first one establishes the guidelines that lie in the foundation of the work, such as the status of research on Digital Art in Mexico and its relevance, given that it is virtually non-existent, specifically regarding the analysis of the process of artistic production; the feasibility of generating knowledge about Mexican contemporary digital artists and their production process; and the establishment of a hypothesis which allows the possibility of detecting in Mexican digital artists, several production process ideas through the observation of their production, their process and the context of each artist, so that it would be possible for other artists to follow their path and implement methods of generating new and original ideas, and also to assist in the understanding of the work by the general public, contributing to the growth, spread and development of Digital Art in Mexico. The second part addresses national and international Digital Art: origins, context, classifications (the ones that purview the present work), among other aspects that allow a comparison of the evolution of Digital Art in both contexts; this chapter also includes a necessary delimitation of the concept of Digital Art for the purposes of this work. The third part deals with the process of artistic production, with further information about the context of the Mexican artists in areas such as economic, political, social and technological, so we can have a broader understanding of the production conditions of Mexican Digital Art; we should clarify that context is considered a fundamental part of the process of artistic production for the purposes of this work. In this third part, an analysis and reflection on ways of creating, on creativity and methodological production processes that have been studied previously by several authors is also made; this is included for generating a broader insight that is necessary for understanding our subject. The fourth and final part deals with the Mexican digital artists and their work. A methodological description of the data obtained, the criteria used to classify artists as well as the items in each category -namely context and training, a description of the personal creative process derived from analysis and study of various research resources, a selection of digital works produced, insights on the process and a brief analysis of the pieces. All of the above concludes in an interdisciplinary methodological proposal based on the case study research that further elaborates on the findings of this thesis.
[ES] La presente tesis está dividida en cuatro partes: en la primera se establecen los lineamentos que le dan fundamento al trabajo, tales como, la situación de la investigación sobre Arte digital en México y la necesidad de que se realice, debido a que es prácticamente inexistente y específicamente en lo referente al análisis de los procesos de producción artística es nula; se trata la viabilidad de generar el conocimiento en torno a artistas digitales contemporáneos mexicanos y sus procesos de producción; así como el establecimiento de una hipótesis que permita la posibilidad de detectar en artistas digitales mexicanos, varios procesos de producción de ideas a través de la observación de la producción de sus obras, sus procesos y el contexto de cada artista, de tal manera que sea factible para otros artistas la incursión y el desarrollo de nuevos métodos de generación de ideas originales y novedosas, para así coadyuvar en la comprensión de la obra por parte del público, a un punto que contribuya al crecimiento, difusión y desarrollo del Arte digital en México. En la segunda parte, se aborda el tema del Arte digital nacional e internacional: orígenes, contexto, clasificaciones (las que competen al presente trabajo), entre otros aspectos que permiten realizar una comparativa de la evolución del Arte digital en ambos contextos; además de proveer un espacio necesario dentro de la presente tesis para la delimitación del Arte digital. La tercera parte trata los procesos de producción artística, se abunda en torno al contexto de los casos mexicanos, en aspectos como los económicos, los políticos, los sociales y los tecnológicos, con el fin de que haya una amplia comprensión en la forma de producción artística mexicana; cabe decir, que el contexto es considerado parte fundamental en los procesos de producción artística. Dentro de esta tercera parte, se hace también un análisis y reflexión sobre las formas de creación, sobre la creatividad y los procesos metodológicos de producción, mismos que han sido estudiados con anterioridad por diversos autores; todo lo cual, tiene entre sus propósitos generar una reflexión previa necesaria para la mejor intelección del tema. La cuarta y última parte versa sobre los artistas digitales mexicanos y su obra, una descripción metodológica de los datos obtenidos, los criterios usados para la clasificación de artistas, así como los ítems de cada uno de ellos, a saber: su contexto y formación, el proceso creativo personal derivado del estudio de los diversos recursos de investigación y análisis utilizados, una selección de las obras digitales producidas, el proceso y análisis de las mismas. De tal manera, que lo anterior concluye en una propuesta metodológica interdisciplinar a partir del estudio de casos que profundiza sobre los hallazgos del presente trabajo de tesis.
[CAT] El present treball està dividit en quatre parts: en la primera s'estableixen les línies que li donen fonament a la feina, com ara, la situació de la investigació sobre Art digital a Mèxic i la necessitat de que es realitze, pel fet que és pràcticament inexistent i específicament pel que fa a l'anàlisi dels processos de producció artística és nul¿la; es tracta la viabilitat de generar el coneixement al voltant de artistes digitals contemporanis mexicans i els seus processos de producció; així com l'establiment d'una hipòtesi que permeta la possibilitat de detectar en artistes digitals mexicans, diversos processos de producció d'idees a través de l'observació de la producció de les seves obres, els seus processos i el context de cada artista, de manera que siga factible per a altres artistes la incursió i el desenvolupament de nous mètodes de generació d'idees originals i noves, per així coadjuvar en la comprensió de l'obra per part del públic, a un punt que contribueix al creixement, difusió i desenvolupament de l'Art digital a Mèxic . A la segona part, s'aborda el tema de l'Art digital nacional i internacional: orígens, context, classificacions (les que són competència del present treball), entre d'altres aspectes que permeten fer una comparativa de l'evolució de l'Art digital en tots dos contextos; a més de proveir un espai necessari dins d'aquesta tesi per a la delimitació de l'Art digital. La tercera part tracta els processos de producció artística, s'abunda al voltant del context dels casos mexicans, en aspectes com els econòmics, els polítics, els socials i els tecnològics, per tal que hi haja una àmplia comprensió en la forma de producció artística mexicana; cal dir, que el context és considerat part fonamental en els processos de producció artística. Dins d'aquesta tercera part, es fa també una anàlisi i reflexió sobre les formes de creació, sobre la creativitat i els processos metodològics de producció, mateixos que han estat estudiats amb anterioritat per diversos autors; tot això, té entre els seus propòsits generar una reflexió prèvia necessària per a la millor intel¿lecció del tema. La quarta i última part versa sobre els artistes digitals mexicans i la seva obra, una descripció metodològica de les dades obtingudes, els criteris usats per a la classificació d'artistes, així com els ítems de cada un d'ells, a saber: el seu context i formació, el procés creatiu personal derivat de l'estudi dels diversos recursos d'investigació i anàlisi utilitzats, una selecció de les obres digitals produïdes, el procés i anàlisi de les mateixes. De tal manera, que això conclou en una proposta metodològica interdisciplinar a partir de l'estudi de casos que aprofundeix sobre les troballes del present treball de tesi.
Villagómez Oviedo, CP. (2015). Análisis de procesos de producción artística digital en México: Artistas digitales mexicanos y su obra [Tesis doctoral]. Editorial Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/53694
TESIS
Premiado

Contiene análisis sobre obras artísticas en un contexto específico y registros de la producción personal en video arte
Tesis de Maestría con análisis de un fenómeno social y la producción artística en videoarte
El Estudiante recibió la beca Conacyt para estudiar la Maestría inscrita en el PNPC-Conacyt-Méxicio

La presente tesis desarrolla una investigación sobre el proceso creativo del dibujo en la era digital. Estudia la posible influencia que ejerce la tecnología digital sobre los procesos en la representación y la expresión gráfica, así como analiza los posibles cambios en las acciones que se producen en la disciplina artística del dibujo cuando se utiliza el ordenador. Estos cambios se estudian analizando el proceso creativo en sus fases: la ideación, la producción y la posproducción (donde se analizan las técnicas de la reproducción digital). Partiendo de los antecedentes históricos del grafismo computerizado, este estudio centra su atención en el marco teórico que permite a posteriori realizar el análisis de las acciones, procesos, fases y etapas determinantes en la realización de un dibujo digital de carácter estático. Se aportan dos estudios de caso que permiten contrastar y avalar los resultados: el estudio de las obras Orogénesis, de Joan Fontcuberta, y PsicoManualDigital de Evru-Zush (Albert Porta). El estudio se ha completado con el análisis de la obra de veintiséis artistas que realizan su obra gráfica por medio de la tecnología digital.
This thesis develops an investigation into the creative process of artistic drawing with computer in the digital age. It studies the possible influence of digital technology on the processes in graphical representation and expression and to analyze possible changes in the actions that occur in the artistic discipline of drawing when the computer is used. These changes are studied by analyzing the creative process in its phases: ideation, production and post-production (where the digital reproduction techniques are analyzed). Based on the historical background of computerized graphics, this study focuses on the theoretical framework for the subsequent analysis of the actions, processes, phases and decisive steps in the creation of a digital drawing of a static nature. Two case studies have been included to contrast and validate the results: the study of the works Orogénesis, Joan Fontcuberta and PsicoManualDigital Evru-Zush (Albert Porta). The study is completed with the analysis of the work of twenty-six artists who made their artwork through digital technology.

El centro cultural de arte urbano tendrá como principal aporte fomentar y difundir la producción de los artistas del distrito de Barranco, mediante servicios, ambientes culturales y espacio público que sirvan para este fin. La propuesta responde a 2 problemáticas expuestas en este documento. En primer lugar la investigación realizada en el distrito de Barranco permitió descubrir la necesidad de realizar un proyecto de este tipo, identificando al artista y a las organizaciones culturales como principales usuarios. Esto fue posible mediante el análisis que reveló los problemas que tiene el distrito el cual pese a ser conocido por su carácter bohemio, es evidente la falta de consolidación de lugares que sirvan como una comunidad para artistas, lo que revela una falta de promoción cultural y artística por parte de las autoridades. Se llegó a esta conclusión mediante el diálogo con organizaciones y encuestas realizadas a los miembros de asociaciones culturales formadas por artistas de distintas disciplinas en el distrito, que ayudaron a reafirman esta problemática existente. Además como segundo punto se incorpora a la propuesta de este proyecto el arte urbano, por ser medio de expresión de artistas independientes y de colectivos en Barranco, además de redes que utilizan los espacios públicos para transformarlos en escenarios en los cuales se desarrolle, exhiba, difunda y venda este tipo de arte. Se investigó acerca del impacto y relevancia del arte urbano en el Perú, la gran acogida que está teniendo en varios países de América Latina y como se está comenzando a difundir en galerías y mediante festivales. Para explicar este tema fue importante identificar la problemática del espacio público en la ciudad de Lima, presentando y analizando dos casos específicos en el centro histórico en los cuales el arte urbano aparece como elemento reactivador de dichos espacios y también para lograr una identidad social y colectiva en la población. Comparamos el caso del centro de la ciudad con el distrito de Barranco donde, por el contrario, se presenta una carencia de espacios públicos que fomenten y aprovechen el potencial artístico y cultural que posee mediante una adecuada gestión y propuestas de uso.
Tesis

Investigación interdisciplinar que estudia los fundamentos teóricos y metodológicos del análisis de contenido de los retratos pictóricos, considerándolos como textos artísticos cuyo discurso icónico con sus propiedades, atributos, relaciones, niveles de referencia y sistemas de representación puede ser analizado y verbalizado a través de representaciones documentales susceptibles de ser tratadas y recuperadas en entornos documentales. Propone un modelo teórico de análisis de contenido que identifica y analiza los contextos de producción, uso y recepción de los retratos pictóricos. Posteriormente desarrolla una metodología aplicada, específicamente documental, que permite, tanto la redacción de resúmenes y descriptores controlados como la sistematización de las fuentes de información requeridas. Finalmente formula como resultado un algoritmo de análisis, que funciona como procedimiento estandarizado y como norma metodológica. Este algoritmo sistematiza el análisis conceptual y la representación documental y secuencia los niveles de la recuperación posterior. Funciona como formato normalizado que estructura la información en áreas y posteriormente en campos, cada uno de los cuales recoge, como inventario, las relaciones, los atributos y los matizadores en que se sustancia la representación documental del contenido icónico. Tanto el modelo teórico como la metodología de análisis han sido aplicados sobre una muestra representativa de 80 retratos pintados por el artista aragonés F. de Goya, entre 1783 y 1828.

[EN] Abstract The aim of this work is to present an analysis of the artistic production developed in Bahia for the festivities in honor of St. Anthony. Different from the liturgical practices of churches, these domestically made actions have acquired characteristics that resisted the cultural spectacle of the alienating media. To know it`s origin, evolution, expansion and the factors that occasionally restricted their practices, we have been conducting the exhibitions "Antonio! Tempo, Amor & Tradição" for almost two decades. The artistic expressions, presented in these exhibitions and personal production developed in "atelier improved data collection and rescue the tradition. Despite the geographical frame of the research is Salvador, Bahia - Brasil, other festive aspects observed in Portugal and Spain also support the analytical development of this work. Other symbolic elements of religions, such as the African Candomblé were also inserted in this research considering the syncretic approach between St. Anthony to the Orixá Ogun in Bahia. Key- Words: St. Anthony; art; history; religion; festivities.
[ES] Resumen El presente trabajo tiene como objetivo presentar un análisis de la producción artística desarrollada en Bahia para las fiestas en honor a San Antonio. Diferentes de las prácticas litúrgicas de las iglesias, estas acciones han resistido a la espectacularización cultural mediática al ser realizadas en el ámbito doméstico. Para conocer su origen, su evolución, su expansión y los factores que en algunas ocasiones limitaron su práctica, realizamos las exposiciones Antonio! Tempo, Amor & Tradição durante casi dos décadas. Estas acciones, a través de las obras presentadas por los artistas sumadas a la producción personal desarrollada en taller, contribuyeron a la recopilación de información y recuperación de la tradición. Aunque el hito geográfico de la investigación se encuentra en Salvador, Bahía - Brasil, otros aspectos festivos observados en Portugal y España también proporcionaron apoyo analítico para el desarrollo del trabajo. Elementos simbólicos pertenecientes a otras religiones, como el Candomblé africano, también participaron en esta investigación teniendo en cuenta los enfoques sincréticos entre San Antonio y el Orixá Ogun practicados en Bahia. Palabras claves: San Antonio; arte; historia; religión; fiesta.
[CAT] Resum El present treball té com a objectiu presentar una anàlisi de la producció artística desenvolupada en Bahia per a les festes en honor a Sant Antonio. Diferents de les pràctiques litúrgiques de les esglésies, aquestes accions han resistit a la espectacularización cultural mediàtica en ser realitzades en l'àmbit domèstic. Per a conèixer el seu origen, la seua evolució, la seua expansió i els factors que en algunes ocasions van limitar la seua pràctica, realitzem les exposicions Antonio! Tempo, Amor & Tradição durant quasi dues dècades. Aquestes accions, a través de les obres presentades pels artistes sumades a la producció personal desenvolupada en taller, van contribuir a la recopilació d'informació i recuperació de la tradició. Encara que la fita geogràfica de la recerca es troba en Salvador, Bahia - Brasil, altres aspectes festius observats a Portugal i Espanya també van proporcionar suport analític per al desenvolupament del treball. Elements simbòlics pertanyents a altres religions, com el Candomblé africà, també van participar en aquesta recerca tenint en compte els enfocaments sincréticos entre Sant Antonio i el Orixá Ogun practicats en Bahia. Paraules claus: Sant Antonio; art; història; religió; festa.
Costa Freire, LM. (2015). REFLEJOS DE SAN ANTONIO: ANÁLISIS DE LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICA EN SALVADOR DE BAHIA COMO AGENTE MANTENEDOR DE UNA TRADICIÓN [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/53914
TESIS

Las producciones en el ámbito del arte literario son una manifestación de la cultura a la que pertenece tanto el autor como el lector de las mismas. Sin embargo la literatura es también, en tanto que producción artística, una reinterpretación del mundo real, un esfuerzo por reconfigurarlo y crear un nuevo mundo empleando el lenguaje escrito, asimismo es la proyección de esta ficción dirigida a un lector, que ya se considera desde que se escribe la obra e incluso sin que esta llegue aún a ser leída.

[ES] Esta tesis doctoral investiga desde la práctica y la teoría una aproximación a la idea de inutilidad en las prácticas artísticas contemporáneas, frente al utilitarismo y la exaltación del éxito. Tejemos vínculos entre la obra personal y las propuestas elaboradas por un pequeño número de artistas. Trabajamos alrededor de la inacción, la pereza, el error, el ocio y la improductividad, a partir de la hipótesis de que en la sociedad postindustrial contemporánea, con sus nuevas condiciones de trabajo más diluido, el escamoteo y el infraleve de Duchamp sigue siendo un feliz recurso poético. Así mismo, la lucha por la manera en que vivimos el tiempo libre es más voraz que nunca y proponemos a partir de las propuestas artísticas negar el espectáculo y repensar el placer. Cuanto menos hace el artista más queda el sentido en manos del público, aumentando la complicidad. Las obras menos o peor acabadas, humoristas y cómplices se vinculan con ciertos valores del sur que priorizan lo social y lo colectivo a la competitividad y a la visión del perfil de artista solitario genial.
[CAT] Aquesta tesis doctoral pretén investigar des de la pràctica i la teoria, possibilitats d'apropar-se a la idea d'inutilitat a les pràctiques artístiques contemporànies, front a l'utilitarisme i la exaltació de l'èxit. Teixim vincles entre l'obra personal i les elaborades per un xicotet nombre d'artistes. Treballem al voltant de la inacció, la peresa, l'error, l'oci i la improductivitat, confirmant-nos la hipòtesis que en la societat post-industrial contemporània, amb les seues noves condicions de treball més diluït, l'escamoteig i l'infralleu de Duchamp, segueix sent un feliç recurs poètic. Així mateix, la lluita per una manera en que vivim el temps lliure és més voraç que mai i proposem negar l'espectacle i repensar el plaer. Quant menys fa l'artista, més queda el sentit en mans del públic, augmentant la complicitat. Les obres menys o pitjor acabades, humoristes i còmplices es vinculen amb certs valors del sud que prioritzen allò social i el col.lectiu a la competitivitat i a la visió del perfil d'artista solitari genial.
[EN] This doctoral thesis investigates from practice and theory an approximation to the idea of uselessness in contemporary artistic practices, confronting utilitarianism and exaltation of success. We hatch links between personal work and proposals elaborated by a small group of artists. We work about idleness, laziness, error, leisure and unproductiveness, based on the hypothesis that in the contemporary postindustrial society, with its more diluted work conditions, disappearing and Duchamp's inframince remains a happy poetic mean. Likewise, the fight for the way we live spare time is severer than ever and we propose starting from the artistic proposals to deny spectacle and rethink pleasure. The less the artist makes, the more the meaning remains in the hands of the public, increasing the complicity. Works less or worse ended, humourists and accomplice are linked with certain south values that prioritise the social and the collective before competitiveness and the vision of the profile of the genius lonely artist.
Jiménez Landa, F. (2019). La reconquista de lo inútil (Nociones de inutilidad en el interior de la producción artística contemporánea desde la propia praxis.) [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/124971
TESIS

Socióloga
Frente a la complejidad de abordar la noción de las memorias de la dictadura militar en Chile, propongo en este documento el estudio del fenómeno de construcción de estas memorias a través de las series televisivas nacionales, dando cuenta de un objeto particular de producción artística que corresponde al caso de Los 80. Se trata de una obra que fue conquistando su sitio a contracorriente en una programación televisiva destinada a la conmemoración de pasajes de la historia nacional, pero cuya promesa remite a un autor y posibilita perfilarla como un caso ilustrativo desde la perspectiva de la sociología del arte. En este sentido, ubico mi investigación en este campo de las ciencias sociales y mediante una metodología cualitativa buscaré dar cuenta de la articulación entre el proceso de recepción de la obra, las mediaciones presentes en éste y la configuración de un mundo de la obra de la serie Los 80. Para esto desarrollo a continuación cuatro pilares fundamentales en esta problemática, correspondientes a planteamientos de un ejercicio posible de sociología del arte, las aproximaciones a la noción de memorias, la discusión sobre producción cultural, convergiendo en pensar el caso Los 80 para dilucidar las estrategias de construcción de memorias de la dictadura, desplegadas por tres grupos generacionalmente delimitados

¿Cómo es posible iniciar y mantener relaciones estrechas con personas que nunca tuvimos físicamente cerca? ¿podemos conocer realmente al otro a través de esta mediación? ¿Qué rol cumplen los artefactos tecnológicos con los que nos comunicamos? ¿y los objetos inmateriales que intercambiamos? ¿intervienen estos objetos en las relaciones más allá de la voluntad de sus remitentes? ¿pueden considerarse como un actor más en ellas? ¿qué les ocurre en su tránsito? ¿les quedan huellas de estas mediaciones? Además, ¿podemos pensar estos intercambios como transacciones? Las nuevas tecnologías de información y comunicación han penetrado de tal modo en las sociedades contemporáneas que teléfonos móviles y ordenadores personales -entre otros dispositivos- suelen convertirse en una especie de prótesis de sus dueños, una prótesis social, laboral y afectiva. A través de ellos se producen e intercambian textos, imágenes, videos y demás informaciones con otros sujetos. La utilización -producción, manipulación, circulación y consumo- de ciertos objetos inmateriales dentro de las redes sociales digitales plantea con especial énfasis cuestiones que hasta hace unas décadas no mostraban la misma relevancia: una reformulación de la relación entre sujeto y objeto, además de la reorganización económica que ello supone. A estos objetos proponemos llamarlos objetos "transactores": objetos mediadores a través de los cuales ocurren actos comunicativos, y de los que, por cierto, no salen ilesos. Cargan con una movilidad intrínseca, son objetos-en-tránsito, "objetos de cambio" en un doble sentido, ya que son parte de una transacción -según el uso económico del término- pero también sufren y provocan cambios. Su incompletud ontológica produce inestabilidad y, por tanto, movimiento. Un objeto incompleto, sujetado, es también un objeto inquieto. Usamos aquí el término transactor para nombrar a aquellos objetos que poseen, potencial o transitoriamente, la cualidad de transportar, modificar y transmitir con cierta autonomía e imprevisión una o más acciones de las que son parte y que constituyen su ontología cambiante. A lo largo de esta investigación hacemos un rastreo histórico de ciertos cambios en la relación del hombre con el trabajo y la economía, a fin de contextualizar la situación de los objetos digitales a principios del siglo XXI. También hacemos hincapié en los modos de leer esos cambios desde el arte contemporáneo, a través de prácticas vinculadas a la transacción, a la proposición de nuevos modelos económicos y a la puesta a prueba de instancias colectivas de gestión económica. También realizamos una experiencia de tipo grupal, el "Ágora Nómada", que giró en torno a la producción e intercambio de objetos inmateriales como única herramienta de construcción afectiva y social entre los participantes. Por último realizamos un cruce entre algunas prácticas realizadas en la web y los enfoques teóricos analizados, desde autores como Michel Foucault, Bruno Latour, Mieke Bal, Karin Knorr Cetina y Sherry Turkle. Un ir y venir entre la práctica y la teoría desde el rol del participante ha sido el método principal de trabajo, una experiencia de seguimiento, de inmersión y de reflexión como sujetos actores e implicados en una red inmaterial de intercambio de afectos, labores y socialidad. La consideración de estos objetos como "transactores" invita a repensar la distribución de roles entre los actores de la práctica artística.
Aguiar Masuelli, G. (2012). Los objetos inmateriales en las redes sociales digitales. El objeto transactor como nueva categoría artística [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/16548
Palancia

[EN] This thesis developed the investigation about the possibilities of texture and form of the relief and collagraph engraving as an artistic production technique which is directed to blind or visually deficient individuals. These techniques have ceramics not only as a foundation but also as means of expression for this public. New artistic solutions are being looked for; the diverse alternatives allow the direct contact between the blind and the work itself through the touch, haptic perception, with no fear of deterioration of the compositions by touching them with the fingers. Scientist begun investigating about blindness and visual impairment because the access to artistic culture of blind people is very limited. They continued with the learning of the system of Braille and its effects on the artistic pieces. We have proved that by means of pottery as foundation and the relief and collograph engraving we have achieved the desired results, all this after the study of different blends and oven cooking in addition to their response to the printing with or without ink of the originals, which are done following the relief and collagraph techniques during the experience in the studio with textures and simple forms with certain degree of complexity, developing a work of field with the achieved executions in the different interviews with blind or visually deficient people after the haptic experience with the pieces of the test which were dedicated to know and experience the sensations and feelings produced by the artistic work, the checking of the degree of confusion of the creative information that they can notice, being this last point a complexity of light information as, besides the textures, they need simple forms in order to get used to a mental idea of what they are looking at and feeling through their fingers. With that intention, we come to an agreement with the National Organization of Spanish blind people, ONCE, whose organizers allowed us to investigate in their facilities of Castellón in addition to the fact that they supported our project provided us their involvement, initiating me to the Braille alphabet, sharing with me their whole equipment and dedicating me their time for the sessions and emotions that the artistic work could produce on the blind people. In the same way, we also made use of the facilities of the Escola Superior d'Art I Diseny of Castellón, the institution that offered the facilities for the project. My thesis is going to be based on the demonstration of the fact that visual failures is not a hindrance to feel, get excited, recognize forms, creating one's own haptic image of something and, moreover, of enjoying the artistic production; through practice and empiric demonstration, new vias of assimilation and the recognition of everybody's equality (sighted and blinds) are presented in this project. As a conclusion we can say that texture and volume are the best means of expression for the haptic perception with pottery as a support of printing. This artistic production has been proved to be appropriate and viable for its plasticity when wet and for its hardness once it has been taken out of the oven and, moreover, because it suffers no changes when touched with the public fingers.
[ES] Esta tesis desarrolló la investigación sobre las posibilidades en cuanto a textura y forma del grabado en relieve y el collagraph como técnica de producción artística dirigida a las personas invidentes o deficientes visuales, introduciendo como soporte y recurso de expresión para este público, la cerámica. Se buscan nuevas soluciones artísticas que permitan el contacto directo del invidente con la obra a través del tacto, percepción háptica, sin miedo a que las obras puedan deteriorarse por el contacto de los dedos. Se comenzó investigando sobre la ceguera y la deficiencia visual, dando cuenta de que el acceso a la cultura artística del invidente es muy limitado, siguiendo con el aprendizaje del sistema Braille y su repercusión en las piezas artísticas. Comprobamos que mediante la cerámica como soporte y el grabado en relieve y collagraph como técnicas artísticas conseguíamos el resultado deseado, todo ello tras el estudio de diferentes pastas, y cocciones, además de su respuesta a la impresión con o sin tinta de las matrices realizadas con la técnica del grabado en relieve o collagraph durante la experiencia en el taller con texturas y formas simples con cierta complejidad, desarrollando un trabajo de campo con las ejecuciones conseguidas en las diferentes entrevistas con invidentes y deficientes visuales tras la experiencia haptica con las piezas de prueba, dedicadas a conocer y experimentar las sensaciones y sentimientos producidos por el trabajo artístico, y la comprobación del grado de confusión de información creativa que pueden percibir , siendo esta una complejidad de información ligera pues además de texturas, necesitan formas simples para hacerse una imagen mental de lo que ven y sienten a través de sus dedos. Para todo ello llegamos a un acuerdo con la Organización de Ciegos Españoles, ONCE, los cuales me permitieron realizar la investigación en sus instalaciones de Castellón, además de apoyar el proyecto brindándonos su participación e iniciándome en el alfabeto Braille y los materiales de que disponen; al mismo tiempo de ofrecernos su tiempo para realizar las sesiones dedicadas a conocer y experimentar las sensaciones y emociones que podían producir al invidente el trabajo artístico; de igual forma utilizamos las instalaciones de la Escola d'Art i Superior de Disseny de Castellò quien ofreció la infraestructura con la que cuentan para realizar el proyecto. Mi tesis se va a basar en demostrar que la discapacidad visual no es un impedimento para sentir, emocionarse, reconocer formas, crearse una imagen háptica y sobretodo disfrutar de la producción artística; a través de la práctica y la demostración empírica en este proyecto, se abren vías de integración y reconocimiento de igualdad entre personas invidentes y videntes. Como conclusión, la textura y el volumen son los mejores medios de expresión para la percepción háptica y la cerámica como soporte de impresión para la realización de esta producción artística ha demostrado ser indicada y viable para este proyecto por su plasticidad en húmedo y su dureza una vez sacada del horno no alterándose al contacto directo con los dedos del público.
[CAT] Aquesta tesi va desenvolupar la investigació sobre les possibilitats quant a textura i forma dels gravats en relleu i el collagraph com a tècniques de producció artística dirigida a persones invidents o deficients visuals, introduint la ceràmica com a suport i recursos de expressió per a aquest públic. Es busquen noves solucions artístiques que permeten el contacte directe de l'invident amb l'obra mitjançant el tacte, la percepció hàptica sense por a que les obres es deterioren pel contacte amb els dits. Es va començar investigant sobre la ceguera i la deficiència visual, donant compte de que l'accés a la cultura artística de l'invident és molt limitada i es va continuar amb l'aprenentatge del sistema Braille i les seues repercussions en les peces artístiques. Vam comprovar que per mig de la ceràmica com a suport i del gravat en relleu i collagraph com a tècniques artístiques aconseguíem el resultat desitjat, tot açò després de fer l'estudi de diferents pastes i coccions, a banda de la seua resposta a la impressió amb o sense tinta de les matrius realitzades amb la tècnica del gravat en relleu o collagraph durant l'experiència en el taller amb textures i formes simples amb certa complexitat, desenvolupant un treball de camp amb les execucions aconseguides en les diferents entrevistes amb invidents i deficients visuals després de l'experiència hàptica amb les peces de prova dedicades a conèixer i experimentar les sensacions i sentiments produïts pel treball artístic, la comprovació del grau de confusió d'informació creativa que poden percebre, sent aquesta una complexitat d'informació lleugera doncs, amés de textures, necessiten formes simples per a fer-se una imatge mental del que veuen i senten a través dels seus dits. Per tot açò, arribem a l'acord amb la Organització de Cecs Espanyols, ONCE, el quals em van permetre realitzar la investigació en les seues instal¿lacions de Castelló, a més de donar-me suport per a fer el projecte, brindant-me la seua participació així com els materials de que disposaven e iniciant-me en l'alfabet Braille al mateix temps que van oferir-me les instal¿lacions de l'Escola d'Art Superior de Disseny de Castelló, on vaig realitzar el projecte. La meua tesi es va basar en la demostració de que la discapacitat visual no és un impediment per a sentir, emocionar-se, reconèixer formes, crear-se una imatge hàptica i, sobre tot, gaudir de la producció artística; a través de la pràctica i de la demostració empírica en aquest projecte s'obrin vies d'integració i reconeixement de la igualtat entre persones vident i invidents. Com a conclusió podem dir que la textura i el volum són els millors medis d'expressió per a la percepció hàptica i la ceràmica com a suport d'impressió per a la realització d'aquesta producció artística que ha demostrat ser idònia i viable per a aquest projecte per la seua plasticitat en humitat i per la seua duresa una vegada ha sigut treta del forn i per no alterar-se al contacte directe amb els dits del públic.
Martínez Sales, L. (2016). Relaciones del grabado con la cerámica. Obra Artística para las personas invidentes y deficientes visuales [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/62192
TESIS

No autorizada por la autora para ser publicada a texto completo en el repositorio institucional.
Magíster en artes con mención en teoría e historia del arte
La presente tesis trata sobre la problemática de la deslocalización de la violencia política presentes en la producción artístico-visual en dos de las artistas más influyentes en el devenir del arte político- crítico latinoamericano contemporáneo, la colombiana Doris Salcedo y la mexicana Teresa Margolles. Se trata de un análisis y diálogo entre sus obras trabajadas principalmente entre los años 2000 - 2012, las cuales tanto por su complejidad histórica como representacional desbordan los códigos heredados de la institución, logrando poner en cuestión lo que la realidad actual tiene de inédito, la cotidianeidad de la violencia, situación que surge precisamente como consecuencia de los fenómenos sociales y económicos de la mundialización y la globalización desarrollados e instalados a nivel internacional desde la segunda mitad del siglo XX hasta comienzos del siglo XXI los cuales denotan la inminente crisis de los Estados Nacionales Desde este contexto es que este análisis es abordado tanto desde el plano histórico cultural particular de Colombia y México como desde la proyección que como obras alcanzan estas en relación con el nuevo arte latinoamericano y su internacionalización , dentro de estos mismos puntos se buscará discutir y responder la forma en cómo el discurso artístico de corte político- crítico que ambas artistas exponen en sus obras transita y dialoga con y desde los nuevos espacios del arte, es decir, el espacio galerístico, museal y público en la escena internacional, propiciando con ello, cuestionar y expandir el problema de la violencia política local a nivel mundial, para el desarrollo de lo anterior se recurrirán a determinados conceptos filosóficos y sociológicos de Jacques Ranciére y de Roberto Esposito(autonomía del arte y arte político del primero) , (lo impolítico del segundo) como también antropológicos y sociológicos (violencia política, Julio Aróstegui narcoterrorismo entre otros) los cuales irán relacionados a la mirada de otros autores vinculados siempre desde la reflexión artística y social contemporánea.

Art and mysticism in the 21st century. Artistic creation as an approach to spirituality is the result of a deep study carried out from the point of view of artistic creation. A study based on mysticism, on the mystics of the 16th and 17th centuries and on the associated symbology and its influence in the art of the 21st century. A research work that takes as reference an endless range of fields such as philosophy, psychology, theology, history, aesthetics and art among others, to go in depth into mysticism, mystery and spirituality. The main objective of the work is the study of mysticism and its influence in art, focusing more intensely on the process of creation of the artistic project that has been carried out for this thesis. From references such as Santa Teresa de Jesus and San Juan de la Cruz, it has been developed a whole poetic and symbolic universe that has been used to generate the proposed sculptural resources. Starting from this analysis, the concepts of spirituality and contemplation, dialogue, pain and silence have been taken to make each one of the personal artistic proposals. In our case this process has helped us, on the one hand, to discover our own inside, our being, in order to search for the absolute and, on the other hand, to propose new methods of creation, new ways of dealing with art itself. A whole field of concepts and references that have helped us to build our own artistic and plastic discourse. This study serves to demonstrate the influence of these authors, themes and symbologies in contemporary art. Good evidence of this are the exhibitions that reveal these concepts, as well as the artists who make use of them. This Doctoral Thesis is a place for reflection on methods of creation and it allows us to appreciate the similarities of the creative process between the mystic and the artist. Both paths bring us closer to our inner world and show that both art and mysticism imply a transforming dimension in mankind.
Arte y mística en el siglo XXI. La creación artística como una aproximación a la espiritualidad es la consecuencia de un profundo estudio, llevado a cabo desde el punto de vista de la creación artística, sobre la mística, sobre los místicos del siglo XVI y XVII y sobre la simbología asociada, y su influencia en el arte del siglo XXI. Una investigación que toma como referente un sin fin de campos como la filosofía, la psicología, la teología, la historia, la estética y el arte, entre otros, para adentrarse en la mística, en el misterio y en la espiritualidad. El trabajo tiene como objetivo principal el estudio de la mística y su influencia en el arte, centrándose, más intensamente, en el proceso de creación del proyecto artístico que se ha realizado para esta tesis. A partir de referentes como santa Teresa de Jesús y san Juan de la Cruz, se ha elaborado todo un universo poético y simbólico que ha servido para generar los recursos plásticos propuestos. Partiendo de este análisis, se han tomado los conceptos de espiritualidad y contemplación, diálogo, dolor y silencio, para elaborar cada una de las propuestas artísticas personales. En nuestro caso, este proceso, nos ha ayudado, por un lado, a descubrir nuestro propio interior, nuestro ser, con el fin de la búsqueda de lo absoluto y, por otro, a plantear nuevos métodos de creación, nuevas maneras de enfrentarse al hecho artístico. Todo un campo de conceptos y referentes que nos han servido para construir nuestro propio discurso artístico y plástico. Este estudio sirve para evidenciar la influencia de estos autores, estas temáticas y estas simbologías en el arte contemporáneo, prueba de ello son las exposiciones que ponen de manifiesto actualmente estos conceptos, así como los artistas que hacen uso de ellos. Esta Tesis Doctoral supone un lugar para la reflexión sobre métodos de creación y nos permite apreciar las semejanzas del proceso creativo entre el místico y el artista. Ambos caminos nos acercan a nuestro mundo interior y ponen de manifiesto, que tanto el arte como la mística conllevan una dimensión transformadora en el hombre.
Art i mística al segle XXI. La creació artística com una aproximació a l'espiritualitat és la consequ¿ència d'un profund estudi, dut a terme des del punt de vista de la creació artística, sobre la mística, sobre els místicos del segle XVI i XVII i sobre la simbologia associada, i la seva influència en l'art del segle XXI. Una recerca que pren com a referent un sense fi de camps com la filosofia, la psicologia, la teologia, la història, l'estètica i l'art, entre uns altres, per endinsar-se en la mística, en el misteri i en l'espiritualitat. El treball té com a objectiu principal l'estudi de la mística i la seua influència en l'art, centrant-se, més intensament, en el procés de creació del projecte artístic que s'ha realitzat per a aquesta tesi. A partir de referents com a Santa Teresa de Jesús i Sant Joan de la Creu, s'ha elaborat tot un univers poètic i simbòlic que ha servit per generar els recursos plàstics proposats. Partint d'aquesta anàlisi, s'han pres els conceptes d'espiritualitat i contemplació, diàleg, dolor i silenci, per elaborar cadascuna de les propostes artístiques personals. En el nostre cas, aquest procés, ens ha ajudat; d'una banda, a descobrir el nostre propi interior, el nostre ésser; amb la finalitat de la cerca de l'absolut i, per un altre, a plantejar nous mètodes de creació, noves maneres d'enfrontar-se al fet artístic. Tot un camp de conceptes i referents que ens han servit per construir el nostre propi discurs artístic i plàstic. Aquest estudi serveix per evidenciar la influència d'aquests autors, aquestes temàtiques i aquestes simbologies en l'art contemporani. Prova d'això són les exposicions, que posen de manifest actualment aquests conceptes, així com els artistes que fan ús d'ells. Aquesta Tesi Doctoral suposa un lloc per a la reflexió sobre mètodes de creació i ens permet apreciar les semblances del procés creatiu entre el místic i l'artista. Tots dos camins ens acosten al nostre món interior i posen de manifest, que tant l'art com la mística comporten una dimensió transformadora en l'home.
Mañas García, A. (2017). Arte y mística en el siglo XXI. La creación artística como una aproximación a la espiritualidad [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/90530
TESIS

En el fiction-liveaction-animated short film Abril se aborda la historia de una joven artista universitaria que no puede terminar su autorretrato, reto que simboliza los dilemas personales que tiene la protagonista consigo misma. Por ello, en este cortometraje se explora desde y junto a ella su intimidad, acompañándola así en sus pensamientos, sueños y emociones. En el presente documento se aborda una investigación cuyos objetivos son explorar la intimidad emocional, vinculada al autoestima, de una joven artista universitaria; y crear una narrativa visual y sonora que haga partícipe al espectador del proceso del personaje a través del diálogo entre el live action y la animación. En ese sentido, se desarrollan los conceptos y temas tratados en el proyecto, así como también las propuestas por las áreas de dirección, fotografía, sonido, arte, animación y producción. Finalmente, se mencionan las reflexiones a partir del proceso y resultado final de Abril.
This fiction-liveaction-animated short film, Abril, addresses the story of a young-artist college woman who can’t finish her self portrait, a challenge that symbolizes her personal problems about herself. Thus, this project explores from and with Abril her intimacy, being with her in her thoughts, dreams and emotions. This work develops a research whose objectives are to explore the emotional intimacy, related to the self-esteem, of a young-artist college woman; and to create an audiovisual narrative that invites the audience to participate in the process of the character through the dialogue between the live-action and the animation. Hence, the concepts and topics related to the project, and the proposals of each audiovisual area are developed. Finally, the reflections from the process and the final result of Abril are also mentioned.
Trabajo de investigación

[EN] ABSTRACT A Critical Analysis of Valencian public discourses from a gender perspective In the present thesis three highly relevant public spheres within the autonomous community of Valencia are the focus of this critical research on discrimination in public discourses: the public administration, education and the media. More specifically we examine texts produced by the Justice Department of Valencia, school textbooks from both primary and secondary schools and the news programmes from Canal 9, the regional television station which was closed down in 2013. In spite of the fact that the Valencian region of Spain, had passed an Equality Law in 2003, four years before the Spanish state law was passed in 2007, the results from this study would indicate that these discourses lack an inclusive perspective and a rigorous use of non-discriminatory language. Therefore, the objective that we pursue in this thesis is to demonstrate how these discriminatory stereotypes are reproduced in these three contexts, and in turn, raise public awareness among citizens and their political representatives so that this situation of language discrimination may be rectified. We also suggest a number of educational proposals which could help to bring this about, because we understand that equality begins in schools where, among other things, students are also taught to think freely and autonomously. With regard to the eminently critical nature of our work and the existing overlap between language and its social use, the methodological tool used in our study is critical discourse analysis and also Van Leeuwen's (1996) analysis of social roles; thus, through this methodology we not only criticize, but also make proposals, from a positive philosophy perspective, and propose alternatives to help us neutralize this inequality. One of these is what is called action research, which is put into practice through the publication of critical articles in the press, and in this way we strive to carry out a type of pedagogy that we consider necessary to reflect on this issue. The results of the study show that, in the Administration of Justice, despite being mostly made up of women, there is a manifestly exclusively-male dominated type of language to be observed under the pretext of the effectiveness of the male generic form. There is also discrimination to be found in the school textbooks where, for example, history textbooks can be seen to tell only one part of the story of humankind, mainly from a male perspective while women, remain invisible, or at least underrepresented. The news items studied from the now defunct Channel-9 RTVV reveal the under-representation of women as news subjects in a very high percentage, and on occasions, not appearing a single female during the whole of the news programme. Thus, the constant contradiction between what the law proposes and what takes place in reality, the policies with regard to the visibility of women concerning the school curricula for compulsory education, accompanied by the strong influence of ecclesiastical powers, which constantly appears to expel women from the modern world, are factors that override the rights of women, perpetuating on a daily basis, in everyday situations, inequality in subjugation to patriarchal power. Finally, we develop some linguistic and educational proposals for action with a view to changing the status quo as only positive and active pedagogies can change these attitudes in society.
[ES] RESUMEN ANÁLISIS CRÍTICO DEL DISCURSO EN LA ESFERA PÚBLICA VALENCIANA DESDE UNA PERSPECTIVA DE GÉNERO La tesis doctoral que presentamos analiza los usos discriminatorios del lenguaje en tres esferas públicas de la Comunitat Valenciana: el lenguaje administrativo, los libros de texto y los medios de comunicación. Nuestra Comunitat, a pesar de ser pionera en la aprobación de la Ley de Igualdad de 2003 en relación con la ley estatal de Igualdad de 2007, no ha experimentado, como demostraremos en nuestro estudio, un uso riguroso del relato inclusivo y no discriminatorio. Los tics discriminatorios y los relatos excluyentes no solamente son habituales sino que, en general, la sociedad no los percibe como algo negativo. Por esta razón, tenemos interés en destacarlos. Por lo tanto, el objetivo que perseguimos es demostrar cómo estos estereotipos discriminatorios se reproducen, a pesar de todo, en la esfera pública y, a su vez, concienciar a la sociedad y a los poderes públicos para que, a través de su influencia y de su eco en la sociedad, reconduzcan esta situación. También sugerimos una serie de propuestas didácticas porque entendemos que el trabajo igualitario comienza necesariamente en la escuela donde, entre otras cosas, también se enseña a pensar. Visto el carácter eminentemente crítico de nuestro trabajo y la imbricación existente entre el lenguaje y su uso social, la herramienta usada en nuestro estudio es el análisis crítico del discurso y el análisis de los actores y actoras sociales; así pues, a través de esta metodología criticamos y proponemos desde una filosofía solidaria, alternativas que nos ayuden a neutralizar la desigualdad. Una de ellas es la que llamamos investigación-acción, y que, a través de la denuncia o de la publicación en prensa de artículos críticos, ejercemos un tipo de pedagogía que consideramos necesaria para reflexionar sobre esta cuestión. Los resultados del estudio nos muestran que, efectivamente, en la Administración de Justicia, a pesar de estar formada mayoritariamente por mujeres, perdura un lenguaje excluyente bajo el pretexto de la eficacia del masculino genérico, hecho que también ocurre en los libros de texto donde, además, los manuales de Historia relatan sólo una parte de la historia, la de los hombres, mientras que la otra parte, la de las mujeres, permanece oculta. Los informativos estudiados de la desaparecida Canal-9 RTVV nos revelan la infra-representación de la mujer como sujeto noticioso en un porcentaje muy elevado y, en ocasiones, no aparecemos a lo largo de todo el informativo. Así pues, las constantes contradicciones entre lo que la ley promulga y lo que se lleva a cabo en el ámbito oficial, por una parte, y las políticas reaccionarias sobre los derechos de las mujeres y sobre los curricula escolares durante la escolarización obligatoria, acompañadas de una fuerte influencia de los poderes eclesiásticos, que constantemente sitúan a las mujeres fuera de la modernidad, por otro lado, son factores que anulan los derechos de las mujeres, situándonos, diariamente, en una desigualdad interesada e inmovilista del poder patriarcal. En esta tesis, pues, hemos querido evidenciar un sexismo novedoso, más sutil y casi imperceptible, y denunciar las contradicciones entre lo que se legisla por los poderes públicos y lo que finalmente se lleva a cabo. También hacemos algunas propuestas lingüísticas, didácticas y de acción, porque consideramos que la vertiente pedagógica es necesaria para comenzar a cambiar aquellas actitudes y maneras de pensar que son inadmisibles.
[CAT] RESUM ANÀLISI CRÍTICA DEL DISCURS EN L'ESFERA PÚBLICA VALENCIANA DES D'UNA PERSPECTIVA DE GÈNERE La tesi doctoral que presentem analitza els usos discriminatoris del llenguatge en tres esferes públiques de la Comunitat Valenciana: el llenguatge administratiu, els llibres de text i els mitjans de comunicació. La nostra Comunitat, tot i ser pionera en l'aprovació de la Llei d'Igualtat de 2003 respecte a la llei estatal d'Igualtat de 2007, no ha experimentat, com demostrem al nostre estudi, un ús rigorós del relat inclusiu i no discriminatori. Els tics discriminatoris i els relats excloents no solament són habituals sinó que, en general, la societat no els percep com una cosa negativa. Per això el nostre interès en destacar-los. Per tant, l'objectiu que perseguim és demostrar com aquests estereotips discriminatoris es reprodueixen, malgrat tot, dins de l'esfera pública i, alhora, conscienciar la societat i els poders públics perquè, a través de la influència i del ressò social que tenen, reconduesquen aquesta situació. Suggerim també una sèrie de propostes didàctiques perquè entenem que la tasca igualitària comença necessàriament des de l'escola on, entre altres coses, també s'ensenya a pensar. Atés el caràcter crític del nostre treball i la imbricació existent entre el llenguatge i el seu ús social, l'eina usada a l'estudi és l'anàlisi crítica del discurs i l'anàlisi dels actors i actores socials; així, a través d'aquesta eina metodològica critiquem i proposem des d'una filosofia solidària, alternatives que ajuden a neutralitzar la desigualtat. Una d'elles és la que anomenem investigació-acció, i que, a través de la denúncia o de la publicació en premsa d'articles crítics, exercim un tipus de pedagogia, creiem que necessària, perquè se'n reflexione. Els resultats de l'estudi ens mostren que, efectivament, en l'Administració de Justícia tot i estar formada majoritàriament per dones, perdura un llenguatge excloent sota el pretext de l'eficàcia del masculí genèric, cosa que també ocorre als llibres de text on, a més a més, els llibres d'Història relaten només una part de la història, la dels homes, mentre que l'altra part, la de les dones, roman oculta. Els informatius estudiats de l'extinta Canal-9 ens revelen la infrarepresentació de la dona com a subjecte noticiós en un percentatge molt elevat i, en ocasions, sense cap representació femenina. Així doncs, les constants contradiccions entre allò que promulga la llei i allò que es duu a terme en l'àmbit oficial, d'una banda, i les polítiques reaccionàries sobre els drets de les dones i sobre els curricula escolars durant l'escolarització obligatòria, acompanyades pel fort influx dels poders eclesiàstics, que constantment treuen les dones fora de la modernitat, són factors que anul·len el dret de les dones situant-nos, diàriament, en una desigualtat interessada i immobilista del poder patriarcal. En aquesta tesi, doncs, hem volgut evidenciar un sexisme nou, més subtil i quasi imperceptible i denunciar les contradiccions entre el que es legisla pels poders públics i el que finalment es fa. També fem algunes propostes lingüístiques, didàctiques i d'acció, perquè considerem que la vessant pedagògica és necessària per començar a canviar aquelles actituds i maneres de pensar que són inadmissibles.
Navarro Tomás, C. (2016). Anàlisi crítica del discurs en l'esfera pública valenciana des d'una perspectiva de gènere [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/63263
TESIS

Aquesta investigació pretén reconstruir les condicions del mercat artístic a la ciutat de Barcelona entre 1770 i 1808, coincidint amb un període històric en què la bonança econòmica va impulsar un moment d’auge de reforma urbanística, encàrrecs i activitats artístiques a la ciutat que va alentir-se entre 1796 i 1802, per aturar-se definitivament amb l’inici de la Guerra del Francès. La recerca s’ha estructurat en tres blocs principals que s’ocupen del reflectir els aspectes més determinants del mercat: la producció, el consum i el comerç d’art. En primer lloc, en l’àmbit de la producció cal situar-hi els artífexs, artesans i artistes, i la seva formació i corpus de coneixements especialitzats. Precisment, aquest període actuà com a frontissa entre el gremialisme i l’acadèmia amb l’entrada de les idees il·lustrades en les diferents àmbits artístics, per exemple, a través dels enginyers militars en l’arquitectura i seguides d’altres disciplines com el dibuix, la pintura i el gravat, principalment amb la creació de l’Escola Gratuïta de Dibuix de Barcelona, a l’ombra de les directrius de la Real Academia de San Fernando de Madrid. En segon lloc, el consum esdevé un altre tema cabdal, entès com un àmbit que permet conèixer la idiosincràcia de la clientela, els seus orígens socials, així com comprendre el mecenatge públic i privat, reflectint les disputes de poder de l’època a través de l’ostentació i els encàrrecs artístics, conformant per tant, el mercat primari. El tercer bloc, dedicat al comerç, mostra els sistemes de venda i revenda dels béns artístics existents en el període i aquells que hi aparegueren de bell nou, esmentant el mercat primari, però entrant de ple en les condicions de funcionament del mercat secundari a diferents nivells socials i econòmics. S’hi presenten diversos sistemes de venda com els encants i les subhastes; s’observa el funcionament d’alguns aspectes del mercat internacional; i es porten a debat alguns conceptes com el col·leccionisme en el món artístic de la Barcelona del segle XVIII. Com a tancament de la recerca, s’han inclòs tres annexos que s’han considerat fonamentals per al desenvolupament i comprensió de la investigació: un d’ells dedicat al context històric, econòmic, social i de pensament; un annex biogràfic del personatges i artífexs mes destacats en la recerca; i un tercer a mode de breu catàleg on es mostren fitxes d’alguns dels encàrrecs i obres més destacats dels esmentats al llarg de la investigació.
This research pretends to reconstruct art market conditions in Barcelona between 1770 and 1808, coinciding with a prosperous and wealthy historical period at the peak of the city’s urban reform and development, and the increasing quantity of assignments and artistic activities. This wealth slowed down between 1796 and 1802, coming to a stop at the beginning of the Spanish War of Independence in 1808. The research is structured in three main blocks referring to the most decisive art market aspects: production, consumption and art trade. Firsty, understanding the production conditions is necessary to recognise authors and makers, artisans and artists, their training and what kind of skills and knowledge they had. This period was a changeover from a Guilds system to an Academic system since the arrival of Enlightened ideas applied in different art disciplines. For example, so it was thanks architecture by military engineers and then followed by other artists in disciplines like drawing, painting and engraving, mainly since the foundation of the Barcelona’s Escola Gratuïta de Dibuix, led under the Real Academia de San Fernando de Madrid’s guideline. Secondly, consumption became another main subject, understanding who the patrons were and also their tastes, their social status and their actions in both private and public patronage, showing power disputes through ostentation and luxurious art assignments, on the primary market. Futhermore trade, which was also important, and showing sale systems and art goods re-sales, as good as new trade media in art beyond the primary market,which are secondary market, and its conditions in several social and economic levels. Several sale systems like almonedas or auctions were usual and thanks to this data it is possible to analyze some international market aspects or to understand some interesting concepts like collecting in 18th Century Barcelona. Finaly, three appendixes are included in the research with files considered fundamental in its development and understanding: a historical, economic and social appendix; a biographical appendix with the most important artist profiles; and a brief catalogue with the highlighted assignments and works of the period mentioned throughout the research.

El objetivo principal de esta tesis ha sido desarrollar un análisis de las recientes transformaciones metodológicas y conceptuales en la creación y producción en la danza contemporánea, que son debidas a la introducción de las nuevas tecnologías digitales y su relación con el contexto artístico contemporáneo. Los artistas, cada vez más, van percibiendo el paradigma cibernético que ha estado configurando la sociedad contemporánea, en la cual las transformaciones tecnológicas que se reflejan en las artes, evocan y revelan nuevos modos de trabajo y producción, resultado de la conjunción entre arte y tecnologías. El uso de softwares para crear coreografías, para promover la comunicación y la creación colaborativa a través de redes de trabajo, y para promover conceptuaciones híbridas del lenguaje de la danza y de los sistemas interactivos, son algunos ejemplos que ayudan a ilustrar las maneras por las cuales esos nuevos procesos tecnológicos están siendo empleados por los coreógrafos contemporáneos, incluyendo a la autora, que amplían los conceptos anteriores de espacio, tiempo y cuerpo en la danza.
Martinez Pimentel, LC. (2008). El cuerpo híbrido en la danza: transformaciones en el lenguaje coreográfico a partir de las tecnologías digitales. Análisis teórico y propuestas experimentales [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/3838
Palancia

El cine es un arte tan joven como pleno, que arrastra importantes herencias de las artes mayores y las más tradicionales. Su interés elemental era la de contar historias y dejar testimonios inéditos de personas, momentos y tiempos, sin embargo casi desde su llegada logró convertirse en todo un espectáculo, que compone su espacio aplicando luces, sombras, tonos, colores y personajes en versión absolutamente bidimensional, a la que se le agregan música, voces y efectos, armonizados para referirnos sobre un hecho que manipula abiertamente el tiempo y el espacio de manera conscientemente abstracta. En todo ello, la animación cinematográfica además de considerarse un verdadero antecedente al invento de los hermanos Lumiere, también constituyó un atractivo recurso para el progreso de la imagen en el séptimo arte. Su inmediata incorporación al espectáculo cinematográfico, no tardó en producir frutos que despertaron la curiosidad y desvelaron el secreto de "El paso de manivela" para producir una imagen más comprometida y soñadora. Esta tesis doctoral examina cuidadosamente la valiosa contribución de la animación cinematográfica aplicada al desarrollo de los efectos especiales y el trucaje cinematográfico en el cine. Sólo el medio cinematográfico y televisivo puede disponer de técnicas, métodos y artilugios para producir efectos especiales, sobrepasando la realidad y proporcionándonos la posibilidad de conocer nuevos mundos y dimensiones. Muchos de estos procedimientos, están relacionados directamente con los principios y fundamentos de la animación cinematográfica como especialidad, aplicada directamente en el cine de ficción. Su efectividad en este trabajo, queda demostrada y expuesta a través de la obra de grandes maestros y pioneros del cine, los efectos y del trucaje cinematográfico.
Vidal Ortega, M. (2008). Contribución de la animación cinematográfica, al desarrollo del trucaje cinematográfico y los efectos especiales en el cine contemporáneo [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/2182
Palancia

Memoria para optar al título de Arquitecto
El proyecto se plantea como un ESPACIO DE PRODUCCIÓN Y DIFUSIÓN DE LAS ARTES PLÁSTICAS POPULARES cuya misión es visibilizar tanto la producción artística popular como las técnicas y las variantes culturales asociadas, en una labor que propone la difusión más allá de la concepción del objeto artístico como fin, sino más bien como la de una pieza que representa y rescata el patrimonio vivo y la memoria cultural del país, así la arquitectura nace como un vínculo entre el legado cultural y lo cotidiano , entregando espacios que den la posibilidad de renovar las relaciones del habitante con sus tradiciones, para repensar desde la contemporaneidad la experiencia que los individuos hacen de los espacios expositivos y de difusión cultural.

La presente tesis trata sobre la problemática de lo representacional y lo presencial presentes en la producción artístico-visual de uno de los artistas más importantes e influyentes en el devenir del arte internacional, Gabriel Orozco. Se trata de un análisis de su obra enfrentándola a distintas concepciones sobre lo representacional y lo presencial en su relación con la obra de arte, desde una perspectiva contemporánea, recurriendo a determinados conceptos filosóficos avocados a la reflexión artística. Con la finalidad de intentar definir y establecer los estados representacionales y presenciales en su obra. La presente investigación también somete a revisión y análisis a obras de artistas que están trabajando en la misma línea de Orozco, con objetos alterados, desde la perspectiva del arte objetual, conceptual y postconceptual. También, hace una revisión y recuperación de conceptos heideggerianos relativos a la obra de arte (la verdad como “desocultamiento de lo ente”), lo que permitiría abrir una nueva perspectiva sobre los conceptos de representación y presencia en su relación con la obra de arte, específicamente, a partir de la producción artístico-visual de Gabriel Orozco.

El present treball se centra en l'activitat dels ferrers en el marc de la construcció arquitectònica i només n'analitza les produccions de serralleria aplicada -bàsicament ferros d'aplicació a portes i reixeria.
L'aplicació d'una metodologia basada en la interdisciplinarietat i complementarietat de les fonts ens ha permès aproximar-nos a un tema que a priori podia semblar poc fèrtil. Les fonts escrites ens han proporcionat el fil conductor que articula el discurs científic i dóna sentit a les fonts iconogràfiques i als testimonis materials que, a priori, es presenten dispersos. Les fonts documentals més rendibles quant a dades d'interès són les vinculades a la construcció arquitectònica. Els llibres d'obra o de fàbrica recullen tots els comptes generats per l'activitat constructiva d'un edifici durant un període determinat i, consegüentment, resulten especialment útils per a l'estudi dels oficis de la construcció. Del conjunt d'edificis susceptibles d'estudiar, hem triat la Seu de Barcelona pel fet que conserva una seqüència pràcticament completa de llibres d'obra. Aquesta documentació es complementa amb els riquíssims fons notarials i gremials conservats a l'Arxiu Històric de Protocols Notarials i a l'Arxiu Històric de la Ciutat, respectivament. Així mateix, la Seu barcelonina disposa del millor conjunt de reixes gòtiques que es conserven a Catalunya, totes elles de notable qualitat artística respecte de la producció catalana i peninsular. Tanmateix, en la mesura que ens movem en un tema d'estudi encara per explorar, hem cregut necessari oferir una panoràmica general de les produccions corresponents als segles del romànic, de les quals conservem algunes reixes i ferramentes de portes. Així mateix, calia posar al dia el catàleg publicat a la Catalunya Romànica i intentar establir unes primeres pautes que facilitin el debat posterior. Aquest fet ens ha obligat a ampliar el marc cronològic de l'estudi a tot el període medieval.

El punt de partida de la nostra recerca és l'activitat dels ferrers en la construcció arquitectònica, entenent com a tal qualsevol de les activitats productives documentades en els llibres d'obra o de fàbrica, sense discriminació per raons d'artisticitat o estètica: des de feines de suport a la construcció fins a la realització de grans obres de forja monumental. Com a conseqüència de l'estudi de l'activitat productiva, es documenten una gran varietat de tipologies produïdes, algunes de les quals han arribat fins als nostres dies. D'altres només són conegudes a través de les fonts iconogràfiques. Les fonts documentals ofereixen també molts recursos per a l'estudi de l'ofici.
El nostre estudi es divideix en sis parts:

· La primera és una aproximació a qüestions metodològiques i historiogràfiques i en ella se centren les principals línies d'actuació que regiran la recerca, basades en el diàleg entre les diverses fons per a l'estudi de la indústria derivada del ferro aplicada a l'arquitectura.

· La segona contempla l'anàlisi dels factors que intervenen en la cadena productiva; especialment la producció del ferro a la farga i la seva transformació en l'obrador del ferrer. També pretén contextuar la realitat professional de la gent de l'ofici a la ciutat de Barcelona i donar una visió general tant de l'activitat dels ferrers en l'obra arquitectònica com de la varietat de les seves realitzacions.

· La tercera part és dedicada a l'estudi de les produccions de serralleria, dividides en ferramentes d'aplicació i reixeria.

· La quarta part aplega el catàleg d'obra conservada a Catalunya, ordenat per tipologies.

· La cinquena part aplega el material auxiliar elaborat a partir de la recerca documental. Es tracta d'un complet glossari terminològic on es recullen els termes relacionats amb l'ofici i les produccions dels ferrers, ordenats alfabèticament, i un catàleg dels ferrers documentats a Catalunya.

· La sisena part reuneix els apèndixs documental i gràfic i la bibliografia general.

[EN] SUMMARY Title: The Plural Body. Integrated Dance and Inclusion. A renewal of the look Submitted by MARIA LUISA BRUGAROLAS ALARCON Directed by GEMA HOYAS FRONTERA This research deals with theory and practice of inclusion of people with functional diversity in dance creative processes and the role it represents in the changing aesthetic paradigm of contemporary art. From a critical, artistic, social and cultural perspective our purpose is to demonstrate how the access of people with disabilities to the professional world of theatre and dance brings a renewal to contemporary art, thus the rethinking of body image and the diversity of identities represented. We developed three broad objectives: to connect the importance our culture gives to the body as a place of control and legitimizing instrument of power with the absence of bodies with disabilities in the artistic discourse; to analyse how the inclusion of bodies traditionally known as unable in the Performing Arts can undermine the normalising role they have regarding the body models; and to demonstrate how the Integrated Dance, with the participation of people with and without disabilities from an inclusive paradigm, can cooperate in the deconstruction of a uniform body standard and offer a new vision of the Performing Arts. In our interdisciplinary methodology, different areas of knowledge are used from a critical approach: Visual Arts, Dance, Education, Philosophy and Aesthetics, Sociology and Cultural Studies. This research is theoretical, biographical with empirical work, using dialectical tools from a qualitative approach and the action-research model. As our main conclusions, we highlight the location of Integrated Dance as an Inclusive Art, showing how it has pioneered good practices that encourage the inclusive model in the Arts and Education fields. We have placed Integrated Dance in the expanded field of Art, on the basis of the displacement of Contemporary Art, the performative dimension of Art and the fluid identities paradigm. It is an artistic practice that nourish itself from a conscious construction of reality through the practice of difference, away from therapy or exclusively social spheres. We have established that there is a direct relation between learning processes and artistic work, introducing Improvisation, Contact-Improvisation and Somatic Education as inclusive methodologies applied to Integrated Dance, allowing diverse people to be a part in the learning processes, strengthen each person skills and developing new ones with the support of group diversity. New interdependent skills are created this way, widening the artistic discourse richness, offering performances that show fluid identities and making of dance a space for transformation. We have analysed several artists and companies, verifying that not all the Integrated Dance productions contribute to deconstruct the classic and standardised models of human body. We have come to the conclusion that artists that use difference and inclusive methodologies, transforming their reality trough a performative gesture, create a type of dance capable of destabilize the idea of people and bodies as a fixed place. And from there we argue about the necessity of an artistic public education within inclusive systems that allow people with functional diversity to engage in the study of dance and Performing Arts. Keywords: Integrated Dance, Inclusive Dance, Diversity, Performing Arts, Identity, Disability, Contact-Improvisation, Somatic Movement.
[ES] RESUMEN Titulo El Cuerpo Plural. Danza Integrada en la Inclusión. Una renovación de la mirada. Presentada por MARIA LUISA BRUGAROLAS ALARCÓN Dirigida por GEMA HOYAS FRONTERA Esta investigación versa sobre la teoría y la práctica de la inclusión de personas con diversidad en el ámbito de la creación en danza y el cambio de paradigma estético que ello representa en el arte actual. Desde un análisis crítico, artístico, social y cultural, nuestro propósito es demostrar cómo la entrada de personas con diversidad funcional en el mundo profesional de la escena y la danza, aporta una renovación al arte contemporáneo, tanto por el replanteamiento de la imagen del cuerpo como por la diversidad de las identidades representadas. Así desarrollamos tres objetivos generales: conectar la importancia que nuestra cultura otorga al cuerpo como lugar de control e instrumento legitimador del poder con la ausencia de cuerpos con diversidad funcional en los discursos artísticos; analizar cómo la inclusión en las artes escénicas de cuerpos tradicionalmente nombrados discapaces puede subvertir el carácter normalizador y sublimatorio que éstas han tenido con respecto a los modelos de cuerpo y demostrar cómo la Danza Integrada en la que participan personas con y sin diversidad funcional, desde un paradigma inclusivo, colabora en la deconstrucción del cuerpo homogéneo y en la renovación de la mirada sobre el arte escénico. Para ello seguimos una metodología de carácter interdisciplinar donde los ámbitos de conocimiento utilizados, desde un enfoque crítico, son: Artes Visuales, Danza, Educación, Filosofía y Estética, Sociología y Estudios Culturales. Es una investigación teórico-biográfica de carácter empírico, en la que se emplean herramientas dialécticas, desde una aproximación cualitativa, utilizando el método investigación-acción. Como resultados destacamos la localización de la Danza Integrada dentro de las Artes Inclusivas, demostrando cómo ha sido pionera en las prácticas que activan los modelos de inclusión en el ámbito artístico y educativo. Hemos inscrito la Danza Integrada en el campo expandido del arte a partir del descentramiento de las prácticas artísticas, en la dimensión performativa del arte y en el paradigma de identidades móviles, situándola como una práctica artística que nutre sus producciones desde un acto consciente de construir la realidad a través del ejercicio de la diferencia, alejándola de los ámbitos terapéuticos o exclusivamente sociales. Hemos constatado que los procesos formativos van en directa relación con la obra, presentando la Improvisación, Contact Improvisación, y la Educación Somática como metodologías inclusivas que aplicadas en la Danza Integrada dan cabida en los procesos de aprendizaje a personas muy diferentes, potenciando al máximo las capacidades de cada una y desarrollando otras nuevas que se derivan de la heterogeneidad de los grupos. Se crean así nuevas capacidades interdependientes, ampliando la riqueza del discurso artístico, ofreciendo creaciones escénicas que muestran identidades en flujo y haciendo de la danza un espacio de transformación. Hemos analizado varios artistas y compañías, constatando que no toda la producción realizada en Danza Inclusiva/Integrada ayuda a deconstruir los modelos clásicos y homogéneos del cuerpo. Concluimos que los artistas que desde metodologías inclusivas utilizan los marcadores de la diferencia para crear, transformando su realidad en un gesto performativo, son productores de una danza capaz de desestabilizar las miradas que confinan al cuerpo y a las personas en lugares fijos. Y desde aquí planteamos la necesidad de una educación pública de las artes en sistemas inclusivos que permita a las personas con diversidad optar al estudio de la danza y artes escénicas. Palabras clave: Danza Integrada, Danza Inclusiva, Diversidad, Artes Escénicas, Identidad, Discapacidad, Contact Improvisaci
[CAT] RESUM (Valencià) Títol:El Cos Plural. Dansa Integrada en la Inclusió. Una renovació de la mirada. Presentada per: MARIA LUISA BRUGAROLAS ALARCON Dirigida per: GEMA HOYAS FRONTERA Aquesta recerca versa sobre la teoria i la pràctica de la inclusió de persones amb diversitat en l'àmbit de la creació en dansa i el canvi de paradigma estètic que això representa en l'art actual. Des d'una anàlisi crítica, artístic, social i cultural, el nostre propòsit és demostrar com l'entrada de persones amb diversitat funcional al món professional de l'escena i la dansa, aporta una renovació a l'art contemporani, tant pel replantejament de la imatge del cos com per la diversitat de les identitats representades. Així desenvolupem tres objectius generals: connectar la importància que nostra cultura atorga al cos com a lloc de control i instrument legitimador del poder amb l'absència de cossos amb diversitat funcional en els discursos artístics; analitzar com la inclusió de cossos tradicionalment nomenats discapacitats en les arts escèniques pot subvertir el caràcter normalitzador i sublimatori que aquestes han tingut pel que fa als models de cos; i demostrar com la Dansa Integrada en la qual participen persones amb i sense diversitat funcional, des d'un paradigma inclusiu, col·labora en la deconstrucció del cos homogeni i en la renovació de la mirada sobre l'art escènic. Per a això seguim una metodologia de caràcter interdisciplinari on els àmbits de coneixement utilitzats, des d'un enfocament crític, són: Arts Visuals, Dansa, Educació, Filosofia i Estètica, Sociologia i Estudis Culturals. És una recerca teòric-biogràfica de caràcter empíric, en la qual s'empren les eines dialèctiques, des d'una aproximació qualitativa, utilitzant el mètode recerca-acció. Com a resultats destaquem la localització de la Dansa Integrada dins de les Arts Inclusives, demostrant com ha estat pionera en les pràctiques que activen els models d'inclusió en l'àmbit artístic i educatiu. Hem inscrit la Dansa Integrada en el camp expandit de l'art a partir del descentrament de les pràctiques artístiques, en la dimensió performativa de l'art i en el paradigma d'identitats mòbils, situant-la com una pràctica artística que nodreix les seves produccions des d'un acte conscient de construir la realitat a través de l'exercici de la diferència, allunyant-la dels àmbits terapèutics o exclusivament socials. Hem constatat que els processos formatius van en directa relació amb l'obra, presentant la Improvisació, Contact Improvisació, i l'Educació Somàtica com a metodologies inclusives que aplicades en la Dansa Integrada donen cabuda en els processos d'aprenentatge a persones molt diferents, potenciant al màxim les capacitats de cadascuna i desenvolupant altres noves que es deriven de l'heterogeneïtat dels grups. Es creen així noves capacitats interdependents, ampliant la riquesa del discurs artístic, oferint creacions escèniques amb identitats en flux i fent de la dansa un espai de transformació. Hem analitzat diversos artistes i companyies, constatant que no tota la producció realitzada en Dansa Inclusiva/Integrada ajuda a deconstruir els models clàssics i homogenis del cos. Concloem que els artistes que des de metodologies inclusives utilitzen els marcadors de la diferència per crear, transformant la seva realitat en un gest performativo, són productors d'una dansa capaç de desestabilitzar les mirades que confinen al cos i a les persones en llocs fixos. I des d'aquí plantegem la necessitat d'una educació pública de les arts en sistemes inclusius que permeti a les persones amb diversitat optar a l'estudi de la dansa i arts escèniques. Paraules clau: Dansa Integrada, Dansa Inclusiva, Diversitat, Arts Escèniques, Identitat, Discapacitat, Contact Improvisació, Moviment Somàtic.
Brugarolas Alarcón, ML. (2016). El cuerpo plural. Danza integrada en la inclusión. Una renovación de la mirada [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/62203
TESIS
Premiado

El presente estudio analiza el rol del video en la obra de Elena Tejada-Herrera con el objetivo de comprender cómo constituye una herramienta performática, expresiva y discursiva en su universo de creación transdisciplinaria. Esto surge a partir de un interés por profundizar en la obra de una de las artistas más representativas del arte contemporáneo y arte feminista peruano en relación al campo del video artístico en nuestro país. La investigación de carácter cualitativo hace un análisis basado en la observación y descripción de cinco obras, Bomba y la bataclana en la danza del vientre (1999), La manera en que decenas de personas miran a una mujer desnuda (2000), One day around the neighborhood choreographing me (2006), Animales de papel (2016) y The girls learn to fight (2019), así como en entrevistas a Elena Tejada-Herrera, y otros especialistas en su obra y la videocreación artística en el Perú. Para comprender a profundidad cómo el video cumple una función performática y discursiva, se interpreta la obra desde el Análisis Crítico del Discurso (ACD) abordando la teoría de género y la estética de la liberación. Como conclusión se propone que, gracias a las propiedades inherentes del video como medio de expresión, la artista dispone de este y sus tecnologías, atribuyéndole diferentes formas y roles, en función de su discurso disidente en respuesta a los diversos contextos que condicionaron su producción artística y a los discursos opresores de su realidad a partir de su identidad, así como en relación a sus necesidades transdisciplinarias de expresión.

Aquesta recerca té per objectiu omplir un buit historiogràfic de la moda catalana, recuperant el nom d’alguns dels seus protagonistes i estudiant el que en definitiva fou un moment de transició entre un model de producció artesanal i l’Alta costura. L’objectiu principal de la recerca ha estat el de fer una panoràmica sobre la trajectòria laboral de les modistes durant la segona meitat del segle XIX fins a l’establiment d’una alta costura autòctona. Es tracta, doncs, d’un retrat col•lectiu, que no es centra en les individualitats sinó en la cadència d’un model de producció i la seva transició vers l’Alta costura. En aquest procés cal tenir en compte també el paper de la societat burgesa catalana, així com el dels avenços tècnics i industrials. Per tal d’estudiar aquest procés de transició, ha calgut analitzar la configuració de l’ofici de la modisteria i situar-lo en el seu context, emmarcat per les aspiracions creixents d’una societat burgesa i el desenvolupament d’una indústria incipient. En aquest procés de recerca, i després d’examinar les circumstancies, característiques i conseqüències del que en definitiva fou una transició històrica entre un model artesanal i un model industrial de producció, s’observa com l’aparició d’un nou mercat, d’una nova manera de consumir i d’unes noves lleis del gust van propiciar l’aparició de l’Alta costura catalana. Després d’una introducció extens,a on es fa un repàs exhaustiu de la historiografia i de l’estat de la qüestió del tema, així com una descripció acurada de la metodologia emprada, els continguts de la recerca es divideixen en tres parts. En la primera part es replantegen conceptes de base, partint de la historiografia existent i des d’una perspectiva crítica no només pel que fa a les respostes trobades, sinó incidint directament en la formulació de les preguntes que tradicionalment s’han plantejat els historiadors a l’hora de voler escriure sobre el fenomen del vestit i de l’Alta costura. La història del disseny, que ha tractat de prop el consum i que avui ja compta amb una historiografia important a l’estranger, ha considerat sempre que el consum és el darrer estadi del procés de disseny. En aquesta recerca, però, es considera que el consum, en el període estudiat, impulsat pel gust i efectuat per la societat, n’era el primer estadi. Cal recordar que en el cas de la moda al segle XIX, en no ser encara un procés de creació i de disseny administrat segons una dinàmica industrial, el primer estadi de la producció d’una peça era l’encàrrec: a partir d’un encàrrec, dictat per una idea de gust i generat per unes necessitats burgeses, es desplegava tot el procés de la producció. En la segona part l’objecte estudiat és el vestit femení entès com a producte. En aquesta part, es posa en relació el vestit local amb la moda internacional, es defineixen els dos usos històrics i s’analitzen els diversos vestits que conformen el treball de camp, a través d’una divisió temporal concreta. En la tercera part s’estudia la figura del productor –de la modista– i es posa en relació amb el context històric i social. Es defineixen els processos de treball, els mètodes, la projecció social de la figura de la modista i, finalment, com a tret essencial, la trajectòria professional d’aquesta figura. La raó per la qual es centra l’estudi en el treball de la modista és perquè, com es veurà, fou la principal creadora de moda femenina i caracteritzà molt bé el procés de la moda al segle XIX. Finalment, s’adjunta un annex amb el catàleg del treball de camp, que configura el primer catàleg d’aquestes característiques realitzat a Catalunya.
This research is aimed to fill a historiographical gap in the field of Catalan fashion, reinstating some of its main characters, and covering a transitional period that goes from fashion’s handcraft production to haute couture standards. This document offers a panoramic view of dressmakers professional career that goes from the second half of the XIX century up to the referred Catalan haute coutureestablishment at the beginning to the XX century. In order to understand this process it is necessary to take into account both the Catalan bourgeoisie society and the industrial advancements of the time. This paper investigates the gestation of haute couture in Catalonia and what were its causes and consequences. To do so, the way history has been usually studied has been turned upside down. If fashion had hitherto been studied from the perspective of the consumer, overhauling various forms of dress styles, this investigation proposes to start by exploring a particular character that has been virtually invisible until today: the dressmaker and its career development. To study this process of transition, it has been necessary to analyse how dressmakers' labor was structured within its context, along with the growing aspirations of Catalan’s bourgeois society and the development of a nascent industry. In this research process, and after considering the circumstances, characteristics, and consequences of what ultimately became a historical transition from a handcraft environment to an industrial model of production, the emergence of a new market and ways of understanding taste can be observed. It was this new market and taste what led to the apparition of Catalan haute couture. In this document lie the embryonic beginnings of Catalan haute couture in a historical, social and artistic context.

Aquesta investigació és teórica, dedicada a l'analisi d'un conjunt de fenòmens que articulen la pràctica artística amb l'ejercici de la biopolítica. Des d'una metodología d'ordre arqueològic, el document planteja un enfrentament entre la posmodernitat i la filosofía terapéutica helenística i romana; assumint d'aquesta última una serie de nocions conceptual que resonan en quelcom de les manifestacions de l'art contemporani orientats a problematitzar el vincle entre allò personal i allò polític, entre entre el corporal i el col·lectiu.
Esta investigación es de carácter teórico, dedicada al análisis de un conjunto de fenómenos que articulan la práctica artística con el ejercicio de la biopolítica. A partir de una metodología de orden arqueológico, el documento plantea una confrontación entre la posmodernidad y la filosofía terapéutica helenística y romana; asumiendo de esta última una serie de nociones conceptuales que resuenan en ciertas manifestaciones del arte contemporáneo tendientes a problematizar la vinculación entre lo personal y lo político, entre lo corporal y lo colectivo.
This research is theoretical in nature, dedicated to the analysis of a set of phenomena that articulate the artistic practice with the exercise of biopolitics. Based on an archaeological methodology, the document states a confrontation between postmodernism and the Hellenistic and Roman therapeutic philosophy, taking from the latter a series of conceptual notions that resonate in certain manifestations of contemporary art tending to problematize the link between the personal and the political, between the corporal and the collective.
Bonilla Elizondo, PA. (2017). Entre los estratos de Pompeya: Un análisis crítico del sujeto político en el arte contemporáneo [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/80617
TESIS

A Lima, au XIXe siècle, au sein d’une quête identitaire locale et nationale, l’altérité de la population descendante d’Africains fut réélaborée notamment après l’abolition de l’esclavage (1854). Ce processus définit des représentations particulières attribuées aux noirs qui entrecroisaient à la fois des catégories socio-économiques et raciales liées à une histoire culturelle de la ville dite criolla. A travers un éclairage historique, cette thèse analyse cette construction de lo negro (ce qui est entendu comme noir) et étudie la réappropriation et la resignification de ces images. Au XXe siècle, à partir de la revalorisation d’expressions artistiques, plusieurs artistes révélèrent et revendiquèrent leurs origines africaines, réécrivant une narrative identitaire et définissant un corpus culturel singulier afro-péruvien. Celui-ci devint central pour les subjectivations identitaires des générations suivantes d’Afro-descendants. Ainsi, l’enquête ethnographique, auprès de jeunes péruviens, s’identifiant comme afro-péruviens, montre de quelles manières la narrative culturelle afro-péruvienne leur permet de renouer avec « leur histoire » et « leur culture ». Enfin, dans une dynamique globale d’affirmation de l’afro-descendance et un contexte politique national de reconnaissance de la diversité ethnique du pays, cette recherche analyse l’institutionnalisation de l’afro-péruvianité. En réponse aux enjeux issus de cette reconnaissance se développent des renégociations identitaires, principalement, au sein d’un espace militant afro-péruvien. En quête de légitimité, ces réélaborations identitaires ne cessent de réinventer la narrative afro-péruvienne en fédérant des expériences singulières et plurielles, et esquissant le projet d’un collectif afro-péruvien
Within a context of local and national search for identity, in the 19th century, in Lima, the alterity of the Afro-descendant population was re-evaluated. This re-evaluation process defined the particular representations ascribed to the black population that criss-crossed both socio-economic and racial categories related to the cultural history of the town dubbed Criolla. Through a historical perspective, this thesis analyses the blackness construction and studies the reappropriation and redefinition of these representations. During the 20th century, with the revaluation of artistic expressions, many artists unveiled their African heritage through their expressions and claimed their African roots, establishing a singular Afro-Peruvian cultural corpus. It became a central and founding movement for the identity subjectivations of the next generations of Afro-descendants. Thus, the ethnographic investigation carried out on young Peruvians, identifying themselves as Afro-Peruvians, shows how the Afro-Peruvian cultural narrative enables them to reconnect with their ‘history’ and ‘culture’. Finally, in a global impetus of Afro-descendant’s assertiveness and a national political context of acknowledgement of the country’s ethnic diversity, this study analyses the institutionalization of Afro-Peruvianity. In response to the stakes caused by this acknowledgement, one notices the development of identity renegotiations. In the quest for legitimacy, while rallying historical figures of alterity, these identity re-evaluations keep on reinventing the Afro-Peruvian narrative, by unifying individual and group experiences, and by drafting the project of an Afro-Peruvian community
En Lima, en el siglo XIX, en el contexto de una búsqueda identitaria local y nacional, la alteridad de la población afrodescendiente fue nuevamente elaborada luego de la abolición de la esclavitud (1854). Este proceso definió representaciones particulares atribuidas a los negros que entrecruzaban categorías socioeconómicas y raciales relacionadas a una historia cultural (criolla) de la ciudad. A través de una perspectiva histórica, esta tesis analiza esta construcción de lo negro y estudia una nueva apropiación y una nueva significación de estas imágenes.En el siglo XX, a partir de la revalorización de expresiones artísticas, varios artistas dieron a conocer la herencia africana y reivindicaron sus orígenes africanos, volviendo a escribir una narrativa identificatoria y definiendo un corpus cultural singular afroperuano. El cual se volvió central para los procesos del subjetivismo identificatorio de las generaciones futuras de Afrodescendientes. De esta manera, la investigación etnográfica con jóvenes peruanos, que se identifican como afroperuanos, muestra en qué medida la narrativa cultural afroperuana les permite reanudar con "su historia" y "su cultura".Finalmente, en una dinámica global de afirmación de la afrodescendencia y en un contexto político nacional de reconocimiento de la diversidad étnica del país, esta tesis analiza la institucionalización de la afroperuanidad y el desarrollo de negociaciones identificatorias en respuesta a los desafíos y tensiones nacidas de este reconocimiento político. En busca de legitimidad, estas reelaboraciones no dejan de inventar de nuevo la narrativa afroperuana federando experiencias singulares y plurales, y delineando el proyecto de un colectivo afroperuano

El presente escrito es una aproximación al análisis de un proceso de producción en el campo de las artes visuales. Dicho proceso tiene como punto de partida ciertos objetos familiares en desuso: papeles secantes impresos con anuncios publicitarios médicos, de las décadas del ́50 a ́70 aproximadamente. La gráfica publicitaria es campo para el desarrollo de una serie de acciones que la interpelan (principalmente: pintar, dibujar y escribir). En esa interacción se van configurando una serie de ideas visuales en las que conviven distintos lenguajes. El resultado obtenido es una propuesta artística en la que la temporalidad, tanto de la producción como de la observación, adquiere un lugar central. El texto reconstruye algunos de los interrogantes principales que surgen durante el proceso de producción artística y otros que lo trascienden. Dichos interrogantes irán desgranando el proceso de construcción de las imágenes en un intento por definir la particularidad de la propuesta.

el presente trabajo final pretende analizar y reflexionar el proceso de producción artística, el cual surge del trabajo con formas orgánicas por medio del dibujo y objetos con materiales textiles industriales, desarrollando así mi poética personal. primero produzco dibujos, luego pienso en el color y después hago objetos con textiles, aquí se produce, una suerte de pasaje de la bidimensión a la tridimensión. estos objetos realizados con materiales textiles industriales ofrecen un interés táctil y visual. relegan su utilidad por su condición dúctil, blanda y porque pueden ser teñidos. el cromatismo de los materiales textiles está dado por medio del teñido con anilinas para poliéster. de la misma manera que algunas veces se comienza a pintar un cuadro, comienzo de una base blanca. la obra apunta a señalar una relación entre la pintura/tridimensional y lo orgánico/industrial, tensiones que la atraviesan y desde esa búsqueda o correspondencia nace el título de este escrito. una de las estrategias que utilizo para realizar la obra se apoya en que el arte contemporáneo está afectado por contradicciones y singularidades y por sus crecientes fragmentación, contaminación y heterogeneidad. en este contexto surge una profusión de propuestas e interconexiones en donde la obra, en palabras de formaggio (1973), abarca múltiples dimensiones que se entrelazan para propiciar un discurso poético que desencadena una lectura en sentido artístico, esto es; abierta, de múltiples sentidos, que condiciona una relación de retroalimentación entre el objeto, el discurso y la mirada del otro. teniendo en cuenta esto, es que realice mi obra atendiendo a diversos materiales, recursos y medios para no agotar las posibles interpretaciones del sentido.

La presente disertación consiste en la elaboración de un centro de producción de artes, rehabilitando un equipamiento industrial abandonado. Se pretende crear un punto dinámico que mediante la cesión de espacios para la producción de artistas, espacios de exposición, actividades socioculturales, etc.… Dicho de otra forma se ambiciona crear un espacio que conecte el público con el arte. El objeto arquitectónico propuesto se sitúa en Lavadores (Vigo), lugar con un contexto histórico importante, más concretamente en el antiguo almacén de la fábrica de vajilla de Santa Clara. Un espacio con características arquitectónicas y un interés social que lo hacen un punto interesante a rehabilitar localmente. Para ello, la investigación se centra en intentar descubrir la matriz tipológica de este tipo de espacios de producción artística y en identificar las preocupaciones a tener en cuenta a la hora de intervenir en los espacios industriales para adecuarlo a usos culturales. Las respuestas obtenidas servirán de base a la realización del proyecto de rehabilitación. Intentando responder a esos objetivos, primero se realiza la fundamentación teórica, en donde se elabora, por un lado, una investigación del contexto de la producción artística y de la rehabilitación del patrimonio industrial, por otro. En un segundo momento, se analizan los casos de estudio escogidos entre los edificios industriales que fueron rehabilitados como centros de producción artística y posteriormente se estudia el local de intervención. Por último, se correlacionan los datos de todas las partes antes descritas intentado encontrar esas respuestas para poder comenzar con la elaboración del proyecto. El método de investigación adoptado será la de estudio multicaso. Se realizará la revisión bibliográfica de los autores de referencia que sirven de apoyo para la fundamentación teórica. En los casos de estudio se empieza con la realización de un análisis individual, que sirve de base a un análisis comparativo, que junto al cruzamiento de los datos de la fundamentación teórica y el local de intervención dará el programa de proyecto.
Abstract: The main purpose of this dissertation is to develop an arts production center, placing it in abandoned industrial equipment. It aims to create a dynamic point, which by providing space for artistic production, exhibition spaces and other related cultural activities, manages to connect the public with art. The architectural object proposed is situated in Lavadores (Vigo), a place with an important historical context. The old factory and warehouse of ceramic supplies Santa Clara has architectural and social features that make it locally an interesting point to rehabilitate. Therefore, the study focuses on discovering typological matrix of such spaces and to identify the concerns that need to be taken account when to intervene in industrial spaces to, especially when trying to suit cultural. The response to this objectives will enable the rehabilitation project . For this, it was made an investigation, that enlightened the theoretical foundations, about the context of artistic production and the rehabilitation of industrial heritage. Subsequently, where selected some case-studies and the local where this intervention will take place was also analyzed. The research method adopted is that of multicase study. First it was made a literature review of the authors of reference for the theoretical foundation. Then it was made an individual analysis of the chosen case-studies and then a comparative analysis, which together with the data crossing from the theoretical foundations and local intervention will determine this project`s program.

Este trabajo final es el resultado de la búsqueda de distintas formas de producción que me permitieran transitar hacia el arte neomedial y el arte público. Este recorrido es parte de una indagación en el proceso creativo. Para ello, comencé realizando pruebas de fotos intervenidas digitalmente; después, continué con tomas secuenciales combinando distintas situaciones; empecé a experimentar con el movimiento; armé algunos GIF elementales que me entusiasmaron y, esto me ayudó a tomar la decisión de abordar el GIF animado para este proyecto. En la temática de estas intervenciones digitales de espacios públicos, decidí afrontar aspectos socioculturales, y los abordé desde lo contextual (leitmotiv de mi producción), por esa razón, asumo, la geolocalización en algunos lugares emblemáticos de la ciudad de Córdoba y otros, particularmente importantes para mí. Cada GIF posee varios componentes que aportan sentido. Éstos son: la cartografía de ciudad de localización, la temática; el sitio específico de la escena, y, en algunos, la referencia sutil a otras obras de arte. También, distintos recursos poéticos (puros o combinados), como la metáfora, la paradoja, la ironía, la antítesis, el absurdo, la polisemia, la comparación, la repetición, entre otros. En la realización de las obras partí de un guion y el archivo de fotografías tomadas por mí, modifiqué cada fotograma interviniendo cada imagen hasta adecuarla a las necesidades de cada obra. Con cada uno de los GIF que realicé, intervine virtualmente veintidós espacios públicos representados.

En la presente tesis, titulada Poéticas contemporáneas. Sobre las estrategias de la X Bienal del Mercosur 2015, se indaga sobre el evento artístico realizado en la ciudad de Porto Alegre (Brasil), atendiendo a un posicionamiento teórico que concibe a las prácticas artísticas exhibidas en el marco de este dispositivo como un espacio generador de conocimiento. Con el objetivo de analizar las estrategias de producción de sentido promovidas en este ámbito, a partir del cual se traza una cierta configuración de artefactualidades que adquieren el estatus de arte contemporáneo en la región, se estudia específicamente la décima edición de la Bienal del Mercosur, realizada entre el 23 de octubre y el 6 de diciembre del año 2015, cuyo título fue “Mensajes de una nueva América”. La investigación recupera aportes teóricos referidos a nociones conceptuales como arte contemporáneo (Alberro, 2011; Smith, 2012), poética (Eco, 1962 y 1970; Jiménez, 2002) y práctica artística y su consecuente producción (Brea, 2009; Jiménez, 2010), en un entorno que adquiere institucionalidad por medio de los agentes que constituyen el sistema y mundo del arte (Dickie, 2005; Bulhôes, 2014), y así, a partir de la noción de dispositivo (Agamben, 2011; Garcia Fanlo, 2011; Savloff, 2017), es analizado el evento artístico bienal (Roca, 2009; Meyric Hughes, 2008), específicamente la X Bienal del Mercosur (Fidelis, 2005 y 2015) en donde se despliegan configuraciones que actúan como productores de sentidos y visibilidad a las múltiples acciones artísticas, otorgando un grado de institucionalidad a lo allí realizado y exhibido. Los resultados de este estudio permiten concluir que la X Bienal del Mercosur es el territorio en el cual se despliegan estrategias, acciones y se emplazan proyectos artísticos, conformándose como un dispositivo que nuclea a un conjunto de agentes y cuyos procedimientos activan una institucionalización sobre todo lo exhibido, otorgando atributos de artisticidad. Mediante esta escena artística emerge una trama configuracional en donde se interrelacionan las esferas (Di Marco, 2010) de la producción, la gestión y la artefactualidad, que promueve estrategias de producción de sentido a partir de las prácticas y acciones expuestas, y son estas poéticas las que trazan el escenario artístico contemporáneo en la región en una bienal con trayectoria, que adquiere el carácter de socio estratégico para la visibilidad de una política cultural multilateral en el marco del proyecto económico Mercosur.
Fil: Christensen, Célica. Universidad Nacional de Córdoba. Facultad de Artes. Departamento Académico de Artes Visuales; Argentina.

Para poder llevar a cabo esta investigación, nos proponemos, en primera instancia, identificar, desde una perspectiva pedagógica, enfoques existentes de los modos de enseñanza del arte en general y del cine en particular en la experiencia El Taller de los Sábados. Recuperamos primeramente diversas perspectivas teóricas que nos permiten comprender el proceso de enseñanza-aprendizaje artístico, puntualmente los procesos de educación desde la praxis. Esto nos posibilita también renconocer las maneras de abordar la enseñanza-aprendizaje que están presentes en nuestro objeto de estudio. En segunda instancia, pretendemos generar un recorrido por la historia del Taller, identificando el contexto en el que surge en vinculación con la Facultad de Artes y la constitución de su propuesta metodológica. Para esto, constituimos una revisión por los orígenes del espacio y su entorno de surgimiento. Además, recopilamos distintos hitos de su trayectoria que nos permiten entender cómo fue el proceso de construcción de su metodología de trabajo. En tercera instancia, nos proponemos describir la metodología de trabajo del Taller, especificando su desarrollo y las posibilidades generadas por esta. Para ello, identificamos diversas particularidades de la praxis audiovisual en el Taller y las singularidades de los intercambios entre lxs sujetxs involucradxs. A lo largo de esta descripción, realizamos una vinculación con distintas nociones teóricas que nos permiten comprender la propuesta metodológica del espacio. A su vez, analizamos las reflexiones de lxs asistentes en El Taller de los Sábados para comprender los procesos de enseñanza-aprendizaje desde sus experiencias realizativas en el espacio.
Fil: González Burón, María Camila. Universidad Nacional de Córdoba. Facultad de Artes. Departamento Académico de Cine y Televisión; Argentina.
Fil: Morales Michelini, Ailín. Universidad Nacional de Córdoba. Facultad de Artes. Departamento Académico de Cine y Televisión; Argentina.