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López-Cano, Rubén, and Úrsula San Cristóbal. "Investigación artística en música." Quodlibet. Revista de Especialización Musical, no. 74 (March 16, 2021): 87–116. http://dx.doi.org/10.37536/quodlibet.2020.74.777.
Full textAbstract:
Existen demasiados discursos, actividades y especialistas que afirman que hacen investigación artística. Como se aprecia en la abundante bibliografía sobre el tema, no existe una única definición estable de la actividad. Por ello hemos optado por distinguir distintas escenas de trabajo que se autodenominan «investigación artística» y que se distinguen por sus metas, objetivos, modos de trabajo, producción y discursos. Dentro de muchas otras posibles, se estudian cuatro escenas fundamentales: investigación artística profesional, artistas que investigan, artistas universitarios e investigación artística formativa. La primera parte de este trabajo presenta las principales características de cada escena. Posteriormente, describiremos nuestro modelo de trabajo para la investigación artística formativa. Por último, expondremos dos casos que lo ejemplifican. Con ello queremos contribuir a concebir los trabajos finales, tesis o tesinas de los diferentes ciclos de formación musical superior, como procesos de producción de conocimientos conceptuales, procedimentales, teóricos, prácticos, verbalizables o embebidos en habilidades corporales o en decisiones artísticas, que el estudiantado recorre de manera autónoma, si bien tutorizada, a partir de un estudio meticuloso y en profundidad. Este último sigue uno o varios métodos explícitosprovenientes tanto de diferentes tradiciones académicas consolidadas, como de las estrategias emergentes de la investigación artística que están en constante revisión crítica. Se caracteriza también por una conciencia crítica que exige conocer los antecedentes, discusiones y puntos de vista sobre el tema investigado y tiende a la construcción de una opinión propia informada y reflexionada, siempre con conciencia de las potencialidades y limitaciones de cada estudiante. Hay que resaltar que este proceso de producción autónomo de saberes tiene como función principal el desarrollo artístico de cada estudiante.
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León Calderón, Henry Wilson, and Egnan Yesid Álvarez Cruz. "Docente – artista:." Inclusión & Desarrollo 7, no. 2 (July 13, 2020): 5–21. http://dx.doi.org/10.26620/uniminuto.inclusion.7.2.2020.5-21.
Full textAbstract:
El presente artículo toma como base la investigación realizada en el año 2015 en la ciudad de Bogotá con 33 egresados y graduados de la Licenciatura en Danza y Teatro, sobre las rutas seguidas en tres categorías: Experiencia Pedagógicas, Producción Artísticas y Gestión Cultural, teniendo en cuenta un periodo de 30 años (1984 – 2014). En ella se encuentran elementos comunes que develan un tema que resultó emergente: la dualidad Docente – Artista, lo que es fundamental para la formación de Licenciados en Educación Artística en la Educación Superior, toda vez que es un aspecto relevante al momento de definir o revisar la estructura curricular durante este tipo de formación. Enseñanza y producción artística son actividades complementarias y no contradictorias en la educación y en el contexto artístico. Se trata de una investigación, de carácter cualitativo de tipo etnográfico, la fuente de información procede de las entrevistas semi-estructuradas realizadas a lo egresados en el año 2015, aplicando el análisis de discurso Van Dijk (1999) y la observación desde un lugar de la experiencia estética compartida, propuesta por Farina (2006), ya que los investigadores son coparticipes de la misma formación, egresados de la misma universidad y ejercen profesionalmente en el campo pedagógico y la producción artística en danza y teatro.
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Muñoz, Cristián, and David Romero. "Procesos de articulación colectiva y los múltiples trazos de su politicidad." POIÉSIS 18, no. 29 (June 30, 2017): 41. http://dx.doi.org/10.22409/poiesis.1829.41-55.
Full textAbstract:
El siguiente texto es un segmento del libro La puesta a prueba de lo común, en el cual se aborda la producción artística contemporánea en la ciudad de Concepción, Chile. Particularmente, profundizamos en algunas experiencias de trabajo colectivo que, a nuestro juicio, nos acercan a la dimensión política de aquello que denominamos como “procesos de articulación colectiva” en el campo del arte contemporáneo. Desde nuestra perspectiva, el trabajo editorial así como las producciones que indagan en la “proyección social de la práctica artística” han aportado una reflexión relevante respecto de la relación entre arte y esfera pública dentro del circuito artístico de la ciudad de Concepción, explorando la dimensión política de las manifestaciones artísticas de carácter colectivo.
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Aguilar Restrepo, Melissa. "Adolfo Bernal: imagen poética y especulaciones plásticas sobre el lenguaje." Co-herencia 12, no. 23 (November 2015): 267–83. http://dx.doi.org/10.17230/co-herencia.12.23.11.
Full textAbstract:
Este artículo constituye un ejercicio de lectura interpretativa alrededor de uno de los aspectos más relevantes en la producción artística de Adolfo Bernal (1954-2008): la apropiación de procesos propios de los campos de la literatura, el lenguaje, la comunicación y el diseño con fines artísticos. A lo largo del texto se busca poner de presente las circunstancias que originaron sus experimentaciones gráficas y conceptuales con la imagen y la palabra, las cuales guardan una estrecha relación con las transformaciones del campo artístico local en la década del setenta y una sugestiva producción poética, aún en proceso de descubrimiento. Para llevar a cabo este análisis, se proponen tres acciones: el esbozo de una caracterización de Bernal y su obra que permita situar su trabajo en un horizonte de comprensión; la revisión de los principales giros y acontecimientos en la escena artística local a partir de los años setenta; y, finalmente, el exploración de aspectos relacionales de su ejercicio poético y literario con la producción de sus carteles tipográficos para los diferentes proyectos de intervención urbana.
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Polanía Farfán, Rocío. "Arte indígena actual: Apertura o resistencia." Paideia Surcolombiana 1, no. 20 (December 1, 2015): 93. http://dx.doi.org/10.25054/01240307.1196.
Full textAbstract:
Las propuestas artísticas creadas al margen de la estética occidental, representadas en este caso en la producción que vienen generando algunos artistas de procedencia indígena, permiten pensar su producción artística como un espacio de resistencia, un esfuerzopor liberar las mentes de estereotipos y reacciones mecánicas impuestas por las nociones e instituciones culturales, sociales, políticas éticas y estéticas dominantes.El arte indígena actual, sin renunciar a su identidad, reelabora mitos, símbolos y diseños para generar un estilo inspirado en sus tradiciones pero capaz de ser incluido dentro del contexto artístico contemporáneo.El arte indígena como objeto estético es capaz de dialogar con las prácticas artísticas que se desarrollan en el mundo globalizado, pues plantea actitudes de indisciplina frente a las construcciones culturales y racionales de la civilización euroamericana. Está llamadoentonces a redimensionarse en el contexto cultural global como movimiento artístico incluyente y contemporáneo que intenta romper las ideas predominantes para encontrar nuevos significados a la vida, trascender fronteras, desatar la imaginación, y liberar esos mundos intangibles, volátiles e inaprensibles que han permanecido en resistencia.
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Baptaglin, Leila Adriana, and Vilso Junior Chierentin Santi. "AS INTERVENÇÕES ARTÍSTICAS URBANAS NO CIRCUITO DA ARTE EM RORAIMA E O POTENCIAL COMUNICATIVO DOS SABERES ARTÍSTICOS AMAZÔNICOS." Revista Observatório 4, no. 4 (June 29, 2018): 615–37. http://dx.doi.org/10.20873/uft.2447-4266.2018v4n4p615.
Full textAbstract:
Discutir como as intervenções artísticas urbanas comunicam ao expectador Roraimense apresenta-se como o foco de discussão deste estudo.. Para dar conta desse objetivo, foram realizadas investigações teóricas pautadas na compreensão do cenário artístico contemporâneo, a partir dos estudos de Cauquelin (2005) e Cocchiarale (2004); e das especificidades roraimense, dando destaque à representação artística dos saberes locais, com os estudos de Gonçalves (2017) e Silva (2017). Em paralelo, trabalhamos com a apropriação dos conceitos de circuito da cultura de Johnson (1999) e Nessbaumer (2000), no sentido de estabelecer uma proposta de discussão acerca do que chamamos Circuito da arte. Este circuito nos possibilita entender os processos pelos quais a produção artística passam até chegar ao consumo pelo expectador. Desta forma, podemos perceber que a comunicação expressa pelas intervenções artísticas urbanas ainda é bastante insipiente, no que se refere a apropriação artística dos saberes locais roraimenses e amazônicos.
PALAVRAS-CHAVE: Intervenções artísticas urbanas; Saberes artísticos amazônicos; Circuito da cultura; Circuito da arte; Processos comunicacionais.
RESUMEN
Discutir cómo las intervenciones artísticas urbanas comunican al espectador Roraimense se presenta como el foco de discusión de este estudio. Para dar cuenta de ese objetivo, se realizaron investigaciones teóricas pautadas en la comprensión del escenario artístico contemporáneo, a partir de los estudios de Cauquelin (2005) y Cocchiarale (2004); Y de las especificidades roraimenses, dando destaque a la representación artística de los saberes locales, con los estudios de Gonçalves (2017) e Silva (2017). En paralelo, trabajamos con la apropiación de los conceptos de circuito de la cultura de Johnson (1999) y Nessbaumer (2000), en el sentido de establecer una propuesta de discusión acerca de lo que llamamos Circuito del arte. Este circuito nos permite entender los procesos por los cuales la producción artística pasa hasta llegar al consumo por el espectador. De esta forma, podemos percibir que la comunicación expresada por las intervenciones artísticas urbanas todavía es bastante insípida, en lo que se refiere a la apropiación artística de los saberes locales roraimenses y amazónicos.
PALABRAS CLAVE: Intervenciones artísticas urbanas; Saberes artísticos amazónicos; Circuito de la cultura; Circuito del arte; Procesos comunicacionales.
ABSTRACT
Discussing how the urban artistic interventions communicate to the spectator Roraimense presents itself as the focus of discussion of this study. In order to achieve this objective, theoretical investigations were conducted based on the understanding of the contemporary artistic scene, based on the studies of Cauquelin (2005) and Cocchiarale (2004); And the specificities of Roraima, highlighting the artistic representation of local knowledge, with studies by Gonçalves (2017) and Silva (2017). In parallel, we work with the appropriation of the culture circuit concepts of Johnson (1999) and Nessbaumer (2000), in the sense of establishing a proposal of discussion about what we call Circuito da arte. This circuit enables us to understand the processes by which artistic production passes until consumption reaches the spectator. In this way, we can perceive that the communication expressed by the urban artistic interventions is still quite insipient, as far as the artistic appropriation of the roreimenses and Amazonian local knowledge is concerned.
KEYWORDS: Urban artistic interventions; Amazonian artistic knowledge; Culture circuit; Circuit of art; Communicational processes.
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Martínez Sánchez, Cuautli Exal. "Estructuras transmatriarcales: Emancipación y empoderamiento feminista a través de la práctica artística." AusArt 5, no. 2 (December 20, 2017): 69–77. http://dx.doi.org/10.1387/ausart.18142.
Full textAbstract:
Los trabajos participativos y colaborativos emergen como prácticas micropolíticas y emancipatorias que visibilizan nuevas funciones sociales en la práctica artística. Son exploraciones colaborativas y transfeministas que enfocan nuevamente las inquietudes del arte en la construcción política, la creación colectiva, el trabajo en red, la cohesión social, etc. poniendo en valor aquello que es intangible como la comunicación, las dinámicas grupales, los procesos colaborativos, o el ejercicio de la política. Generando nuevas formas comunitarias de producción, nuevos lenguajes creativos, nuevas vías de diseminación de trabajo artístico así como nuevos objetivos estéticos, ligados al quehacer social y político. En este artículo analizamos las prácticas artísticas participativas y colaborativas como estructuras de relación social híbridas e interdisciplinares que promueven la flexibilización y feminización del espacio público, del que hacer político y la producción cultural e identitaria. Estableciendo nuevos universos simbólicos y metodológicos que transforman la función social del arte y el artista.
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Porcel, Alazne, and Enara Artexte. "Los Textiles en el Arte Contemporáneo y su conservación. 'Estado de la cuestión'." Arte, Individuo y Sociedad 32, no. 1 (January 14, 2020): 173–94. http://dx.doi.org/10.5209/aris.62865.
Full textAbstract:
Hoy en día, la presencia de los textiles en el ámbito artístico contemporáneo, museos y colecciones es innegable. A pesar de ello, la crítica no siempre ha aceptado su estatus como material artístico, así como los procesos y técnicas asociados a su práctica, que siguen siendo cuestionados. A partir del siglo XX se dará una nueva valoración de los materiales textiles y su utilización en el contexto artístico se ampliará infinitamente. La producción artística a considerar en este estudio, contempla la ampliación de tipologías dentro de ese renovado ámbito artístico contemporáneo y sus características, ya que se evidencia que las especificidades formales, materiales y conceptuales de cada obra, así como la intención y opinión del artista, tienen enormes implicaciones en su conservación. Consideramos que debe realizarse una revisión de los planteamientos asentados en torno a la producción artística realizada con estos materiales, así como de las necesidades que puedan presentar de cara a su conservación y adecuada trasmisión.
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Castellano San Jacinto, Tania. "La visión incompleta. El ver a medias como eje de producción artística." Fotocinema. Revista científica de cine y fotografía 2, no. 19 (July 22, 2019): 45. http://dx.doi.org/10.24310/fotocinema.2019.v2i19.6645.
Full textAbstract:
A partir de la lógica de la ambliopía, trataremos imágenes artísticas (fotografía, vídeo, instalación) que prescinden representativa o materialmente de ciertas partes. Esta “hemivisión” a la que dan lugar concilia la correcta visión con otra insuficiente en distintos grados, lo cual entabla relación directa con una óptica patológica. En este modo de ver, y por ende de crear, convive dialécticamente una parte de la realidad reconocible con otra anulada en diferentes formas. La deficiencia que presentan propone un modo aparte de abordar lo visible, en el que no se disimula o corrige la falta de definición, sino que ésta se asume y promueve como vía para ver otras cosas o de manera distinta. En este caso no se pretende ver mejor, sino integrar los límites perceptivos y trabajar productivamente a partir de ahí dentro del plano artístico. Todo ello cuestiona la realidad desde un punto de vista que admite fallas tanto en lo sensible como en lo expresable, la plantea como contingente y la aborda desde su imperfección implícita. Lejos de plantear obstáculos, estos aspectos son potenciados por determinada práctica artística, donde aparecen como capacitadores, generando sentidos y maneras de crear mundo.
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Dubatti, Jorge. "Universidad y Filosofía de la Praxis Artística: teatro, pensamiento teatral, Ciencias del Teatro." ESCENA. Revista de las artes 80, no. 1 (July 1, 2020): 8–31. http://dx.doi.org/10.15517/es.v80i1.42470.
Full textAbstract:
Asistimos a nuevos desafíos para la investigación artística fuera y dentro de la Universidad. Se ha puesto en primer plano la necesidad de practicar y pensar desde nuevas aproximaciones las relaciones entre arte y conocimiento, y especialmente los vínculos entre la praxis artística y la ciencia en el marco universitario. Este trabajo propone articular las nociones de teatro, pensamiento teatral y Ciencias del Teatro como diferentes formas de producir conocimiento desde el acontecimiento teatral, es decir, Filosofía de la Praxis Teatral. Se promueve la identificación de cuatro figuras fundamentales en la producción de conocimiento desde/para/sobre la praxis artística: el artista-investigador, el investigador-artista, el artista asociado a un investigador no-artista especializado en arte y el investigador que (sin ser artista) produce conocimiento participando en el acontecimiento artístico (ya sea por su estrecha relación y familiaridad con el campo artístico o por su trabajo en el convivio como espectador; es el investigador que ubica su laboratorio en el acontecimiento teatral, no solo en el gabinete científico), con sus respectivas combinaciones. Se propone además distinguir un pensamiento teatral sustentado o no sustentado por las prácticas artísticas. Finalmente, pensar el teatrista como intelectual específico, en paradójica complementariedad con la crisis del teatrista “ilustrado”.
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Oña, M. Mar Martínez. "Las primeras obras de Jesús de Perceval." South Florida Journal of Development 2, no. 2 (May 17, 2021): 1880–97. http://dx.doi.org/10.46932/sfjdv2n2-058.
Full textAbstract:
El presente artículo se centra en la figura del artista Jesús de Perceval (1915-1985), quien elaboró un completo legado artístico y cultural que se extiende desde pintura, escultura, dibujos, fotografías y diseño gráfico. Toda una creación artística, que culminó con el nacimiento de la Teoría de los Saros que fue la base teórica del Movimiento Indaliano.
Excepcionalmente, las primeras pinturas del artista poseen unas características estéticas diferentes a toda la posterior obra del autor, por ello se presenta un estudio independiente, siendo el objetivo principal de este artículo analizar a través del método iconográfico la primera etapa de la obra del pintor Jesús de Perceval, que permitirá identificar la temática de sus producción artística, concretamente pinturas que corresponden con el primer periodo de la obra pictórica del artista almeriense y sus diferentes influencias, junto con la relación existentes con diversas vanguardias artísticas europeas.
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Torres, Sara, and María Marcela Bertoldi. "La Educación Artística, el enfoque pedagógico y el Teatro como asignatura curricular en Argentina según la Ley de Educación Nacional vigente N° 26.206 de 2006." Urdimento - Revista de Estudos em Artes Cênicas 2, no. 41 (August 14, 2021): 1–18. http://dx.doi.org/10.5965/1414573102412021e0208.
Full textAbstract:
En Argentina la Ley Educación Nacional N° 26.206/06 profundiza los debates acerca de los alcances y principios de la Educación Artística y nos proporciona un marco para situarla en los distintos niveles del sistema educativo. En primer lugar, se pretende realizar algunas consideraciones -desde lo macropolítico- acerca de sus lineamientos generales, en los que se plantean tres propósitos educativos centrales: la formación ciudadana, la formación para el mundo del trabajo y la formación en el ámbito de la cultura, haciendo foco en los referidos a la Educación Artística. En segundo lugar, se presenta al Teatro como asignatura curricular y se explicitan tres ejes centrales: los elementos del lenguaje teatral, la producción artístico teatral y la importancia de la contextualización social e histórica de las manifestaciones artísticas. Finalmente, se vincula la concepción del Arte que esta ley considera con el enfoque pedagógico del Teatro como asignatura. Si bien existe consenso en la comunidad académica en relación a la importancia de la Educación Artística en la formación de los alumnos y alumnas, su inclusión en los sistemas educativos reglados es escasa e irregular. Este artículo pone en valor el lugar estratégico del Area Artística que le otorga la reforma de 2006 en Argentina y aporta reflexiones que contribuyen a la vinculación entre pedagogía teatral y reformas educativas.
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Gómez Vázquez, Rakel. "A la sombra de la producción: Aproximaciones y puesta en valor de la catábasis, extensión oculta del proceso creativo." AusArt 6, no. 1 (July 13, 2018): 261–72. http://dx.doi.org/10.1387/ausart.19464.
Full textAbstract:
Este artículo tiene como objetivo principal la puesta en valor y defensa del fracaso, la duda, las contradicciones y las paradojas inherentes a los procesos de producción e investigación artística, y su puesta en escena como método de construcción de saberes. Partiremos en esta reflexión de la presentación del caso de “El club Fénix” como ejemplo de la puesta en práctica, en espacios experimentales y abiertos, de metodologías artísticas que abren espacio a la discusión acerca de los problemas que atraviesa la creación artística en los procesos de producción. A partir de la presentación de este caso se revisarán las problemáticas a las que el arte se enfrenta desde la concepción académica del saber y de la construcción de conocimiento, así también como las consecuencias y posibilidades para la comunicabilidad de este saber.
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González, Carmen, José Gómez-Isla, Víctor Del Río, and Alberto Santamaría. "El papel del arte contemporáneo en la dinamización social del entorno urbano. un estudio de caso: el barrio del oeste en salamanca." Arte, Individuo y Sociedad 29, no. 2 (April 26, 2017): 299–315. http://dx.doi.org/10.5209/aris.53165.
Full textAbstract:
Nuestra contribución analiza la relación entre arte contemporáneo y sociedad atendiendo a la evolución experimentada últimamente en los espacios de recepción del arte y la creciente intervención artística en espacios urbanos. Esta circunstancia ha propiciado un cambio de tendencia como reacción al distanciamiento entre arte y sociedad. Desde el siglo XX la producción artística ha tendido hacia la especialización y manejo de códigos específicos, lo que motiva una restricción de su ámbito de acción a lugares prefijados para su distribución y consumo. Estos espacios concretos, como centros de arte o galerías privadas, aunque puedan favorecer las condiciones para presentar o comercializar cierto tipo de obras artísticas, también determinan la mirada del espectador e interfieren en el contacto directo de la obra con el público. Encapsuladas en lugares excepcionales, las obras artísticas se han alejado de la experiencia de la vida cotidiana. Sin embargo, en estas primeras décadas del siglo XXI se observa una tendencia a “recobrar la continuidad de la experiencia estética con los procesos normales de la vida”. Esta aspiración de John Dewey (1949:11) se ve actualizada en parte de la producción artística situada fuera de centros de arte y galerías y en el auge del arte urbano como motor de transformación social. La intervención artística en el espacio público, aunque pueda parecer sutil, también supone el detonante de la transformación social de un barrio entero, favoreciendo hábitos colectivos y de dinamización que transforman y enriquecen la forma de vida de las personas.
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Lozano Álvarez, Lorena. "Identidades colectivas, prácticas artísticas y biodiversidad: los casos de Cerezales y Valldaura." Teknokultura 16, no. 1 (March 17, 2019): 109–26. http://dx.doi.org/10.5209/tekn.62307.
Full textAbstract:
La deslocalización de la economía y la ubicuidad de la producción son algunas de las consecuencias de la globalización y de las nuevas formas de comunicación, fenómenos que no son ajenos a la producción artística. De hecho, la proliferación de diversos proyectos culturales en las periferias rurales de la Península Ibérica constata que la ciudad y lo urbano ya no son los únicos ámbitos donde se desarrollan las manifestaciones artísticas más relevantes. Muchas de estas iniciativas nacen de la simbiosis entre colectivos artísticos, movimientos sociales y/o instituciones. Su creciente interés por la biodiversidad cultural y su manejo de los nuevos medios tecnológicos abre la posibilidad a experiencias locales que pueden ser territorializadas. ¿Qué percepciones de la biodiversidad y de los nuevos medios coexisten? ¿Cómo se vinculan al territorio los diferentes lenguajes implicados y cómo se componen los saberes vinculados a la biodiversidad? ¿Qué relaciones entre género, comunidad y tecnología se establecen? Para responder a estas cuestiones se llevó a cabo un análisis comparativo de la percepción del paisaje de dos comunidades envueltas en iniciativas de creación cultural y artística en las que conviven identidades campesina, artística y activista. Los resultados ponen de relieve la emergencia de identidades colectivas y reafirman la necesidad de vincular lo natural y lo biológico al aprendizaje empírico y a las prácticas culturales. La discusión puja entre lo orgánico y lo digital y propone los lenguajes y prácticas del arte contemporáneo como motores de nuevos sentidos de comunidad y de procesos de construcción colectiva del conocimiento.
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Olaiz Soto, Ilargi. "Subjetividad en las prácticas de interpretación del arte. Algunas narrativas visuales para una comprensión crítica de la Historia del Arte." Revista Iberoamericana de Educación 52, no. 3 (April 10, 2010): 1–9. http://dx.doi.org/10.35362/rie5231796.
Full textAbstract:
El texto propone un acercamiento a la interpretación del arte y a la historia del arte centrado en la visualidad, en las prácticas de ver, lo que supone atender a los contextos de producción y de recepción de lo artístico. Para ello, se sirve de interpretaciones de obras de arte que emplazan a entender toda interpretación como localmente situada y los significados de los artefactos artísticos abiertos y sujetos a diferentes interpretaciones. Esta perspectiva se nutre de la idea de que el arte es una construcción cultural y cambiante, que existe dentro de una red de significados que le dan sentido; primero cómo "obra de arte" y luego como discurso sobre el mundo (Geertz, 1976). Se entiende entonces que la historia del arte y de las interpretaciones de las imágenes que la componen, son fruto de una mirada cultural específica. Atender a esta especificidad permite entender que el conocimiento es construido culturalmente y que refleja las condiciones específicas de un lugar y momento precisos.Así, se propone una educación artística que, mediante la interrelación de referentes culturales de los contextos de producción y recepción de los artefactos artísticos y mediante la inserción de las subjetividades, promueva la ampliación de significados y la producción activa de interpretaciones. Éstas, valoradas por su carácter local y situado, contribuyen a desestabilizar los relatos maestros de la historia del arte, cuestionando su universalidad y objetividad. En definitiva, se trata de fomentar una comprensión crítica acerca de cómo se median y cómo se ponen en circulación las imágenes y el conocimiento de lo artístico y de fomentar procesos de producción de significados culturales.
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Navarro Moragas, Francisco Javier. "La influencia neerlandesa en Las Meninas de Velázquez." Laboratorio de Arte 32 (November 27, 2020): 159–82. http://dx.doi.org/10.12795/la.2020.i32.09.
Full textAbstract:
Superado aquel aspecto nacionalista y diferenciador que la historiografía del siglo xix quiso destacar en la producción artística europea que le precedió, hoy escogemos comprender las mutuas interinfluencias que dieron origen a unas manifestaciones artísticas que fueron tejidas en el telar de una Europa compartida. Este trabajo apunta a considerar las influencias que la producción pictórica y el posicionamiento intelectual de los Países Bajos del Siglo de Oro ejercieron sobre la obra maestra de uno de los pintores más relevantes del siglo XVII europeo: Las Meninas, de Diego Rodríguez de Silva y Velázquez.
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Torres, Sara, Ester Trozzo, and Soledad Soria. "Educación artística y superación de las vulnerabilidades." PÓS: Revista do Programa de Pós-graduação em Artes da EBA/UFMG 10, no. 20 (December 1, 2020): 102–30. http://dx.doi.org/10.35699/2237-5864.2020.20453.
Full textAbstract:
La identidad del sujeto discapacitado es construida también por la mirada social que lo estigmatiza desde un habitus discapacitante dictado por mandatos de economía y consumo. La práctica de las disciplinas artísticas aporta espacios de autoexploración, expresión, aceptación e inclusión y promueve actitudes de autoconcepto y autoestima saludable. Contribuye a superar estados de vulnerabilidad porque construye una representación social de la discapacidad que valora la singularidad y el reposicionamiento social de la diversidad. El Teatro, entendido como una manifestación artística contextualizada, posibilita procesos de crecimiento personal y grupal. A través de la producción artística teatral cada integrante, de acuerdo a sus capacidades, se siente constructor y, a la vez, es construido en una identidad empoderada
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Proaño, Christian. "La investigación artística en el sistema arte-cultura : hacia una Educación Artística Emancipadora." Index, revista de arte contemporáneo, no. 00 (December 30, 2015): 116–22. http://dx.doi.org/10.26807/cav.v0i00.16.
Full textAbstract:
En este texto quiero plantear una alternativa de paradigma en la educación artística, de una basada en disciplinas hacia una enfocada en la investigación autorreflexiva en el campo del sistema arte-cultura aplicada a la producción material del arte desde prácticas individuales, de taller y “sociales”, y que planteo, siguiendo a Ranciere, como emancipadora.
Palabras claves: educación en arte,educación emancipadora,sistema arte-cultura,investigación reflexiva
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Méndez Llopis, Carles. "De la originalidad y sus desplazamientos artísticos. El artefacto de la copia y lo abominable de lo original." Barcelona Investigación Arte Creación 3, no. 3 (October 3, 2015): 256. http://dx.doi.org/10.17583/brac.2015.1567.
Full textAbstract:
<p>La heterogeneidad y complejidad en la producción simbólica y la creación artística actual invita al escrutinio y reconsideración de parámetros heredados en el campo cultural. Las diversas crisis atravesadas en el ámbito, así como aquellas que siguen ubicándose como centros de la discusión, generan agotamientos conceptuales sobre axiomas que se distancian de la generación del conocimiento contemporánea. En este sentido, el presente texto analiza el ideal de originalidad –diseminado sobre todo desde la perspectiva romántica– para comprender y acotar sus tentáculos, insertándolos en la autorreflexión disciplinar del presente, en las nuevas estructuraciones artísticas que vienen desenvolviéndose desde los años sesenta, así como en los escenarios de digitalización y virtualización que vivimos en la actualidad. Todo ello, determina no sólo diferentes estrategias en las relaciones entre los ámbitos de producción, recepción y consumo, sino también conexiones entre conceptos como original y copia que no se habían dado hasta hace relativamente poco. Lo que sigue es por tanto, una aproximación teórica a la necesaria reformulación de estándares monolíticos en el ámbito artístico, una crítica a la originalidad.</p>
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Rebollo Gutiérrez, Carmen. "Maese Nicolás Francés: su obra y estilo. Estado de la cuestión." De Arte. Revista de Historia del Arte, no. 6 (February 4, 2015): 107. http://dx.doi.org/10.18002/da.v0i6.1529.
Full textAbstract:
Nicolás Francés, autor de una de las mayores empresas artísticas de finales de la Edad Media: la obra mural que ocupa los muros del claustro catedralicio leonés, se da a conocer a través de los investigadores que se han involucrado en el estudio de su personalidad artística. Desde este artículo se propone una revisión crítica de esta historiografía, punto de arranque para un posterior trabajo de investigación de su obra mural. La importancia que tuvo la obra del pintor Nicolás Francés en la pintura leonesa de la décimoquinta centuria justifica el interés de una producción artística, compleja por su riqueza formal e iconográfica, así como por ser uno de los pocos representantes del gótico internacional en el ámbito castellanoleonés.
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Chiantore, Luca. "Retos y oportunidades en la investigación artística en música clásica." Quodlibet. Revista de Especialización Musical, no. 74 (March 16, 2021): 55–86. http://dx.doi.org/10.37536/quodlibet.2020.74.775.
Full textAbstract:
A lo largo de las últimas dos décadas la investigación artística ha tenido una presencia ineludible en el debate académico en torno a las artes y se ha convertido en un eje de la búsqueda de nuevas perspectivas para las enseñanzas artísticas. En el caso de la música, y de la música clásica en particular, los esfuerzos por consolidar un espacio propio para la investigación artística han chocado con el peso de la tradición musicológica y con una educación musical que seguía identificándose conel pensamiento gremial propio de los conservatorios. No es casual, de hecho, que la ventana de oportunidades representada por la investigación artística haya mostrado todo su potencial precisamente en Europa, donde su aparición ha coincidido con la obligada inserción de los estudios musicales en el Espacio Europeo de Educación Superior. En este artículo se aborda críticamente esta situación, observando, en particular, los vínculos entre la investigación artística y la realidad actual de la música clásica. Se quiere con ello evidenciar cómo el afán de novedad tan propio de la investigación artística, unida a su estrecha articulación de teoría y práctica, producción artística yverbalización, puede convertirse en un revulsivo extraordinario para revitalizar el conjunto de la vidamusical, proporcionando nuevas perspectivas de futuro a las próximas generaciones.
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Bournot, Estefanía. "Abrir las heridas. Gerber, Meruane y Mendieta: geoescrituras de un planeta enfermo." Revista Letral, no. 25 (January 24, 2021): 54–73. http://dx.doi.org/10.30827/rl.v0i25.16744.
Full textAbstract:
A partir de las conceptualizaciones de lo in-mundo (Andermann) y de la cosmoagonía (Galindo), este artículo indaga en una serie de expresiones escriturales y artísticas que conectan el imaginario patológico del cuerpo humano con la crisis ecológica. Se abordan las estrategias de codificación de la enfermedad que despliegan textos de Verónica Gerber y Lina Meruane, y que tienen a su vez eco en la producción artística reciente de América Latina. Situadas en el contexto específico de la zona de producción del sistema extractivista, sugiero que las obras aquí analizadas emplean la enfermedad como metáfora de la degradación medioambiental estableciendo un paralelo entre cuerpo – territorio – texto.
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Venturelli, Suzete. "Computer art: software art design." ANIAV - Revista de Investigación en Artes Visuales, no. 8 (March 31, 2021): 79. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2021.14944.
Full textAbstract:
El artículo presenta trabajos artísticos desarrollados en el Computational Art Research Laboratorio Media Lab / UnB, realizado en equipo, bajo mi coordinación. La producción artística y teórica buscaba defender la idea de que el arte computacional es una nueva forma de arte apreciado, basado en el supuesto de que contiene muchos de los componentes de una filosofía completa de una forma de arte, que se puede resumir en cuatro referencias básicas: una definición, una ontología, características estéticas y el reconocimiento de su condición de arte. Lo que actualmente se llama arte computacional se basa en la observación de que los experimentos en este dominio implican problemas comunes más generales, in statu nascendi, a los dominios artísticos y tecnocientíficos, que proporcionan los modos de estructuración, la metodología y las técnicas de programación, introducidas en el proceso. El arte computacional no siempre usa la computadora, a veces es basado únicamente en operaciones lógico‐ matemáticas. Sin embargo, las computadoras tenían un profundo impacto en las artes, y con el fin de realizar una síntesis parcial, basada en un teoría de la estética en la actualidad, se seleccionó un conjunto de obras artísticas que engloban los temas siguientes: la computadora como un amplificador de complejidad (métodos computacionales de la creación); lenguaje computacional; el artista desarrollador; arte computacional como arte de la multitud y no del individuo; trabajo de laboratorio; software art (presentación y análisis de algoritmos históricos como permutación, aleatorio, etc.); la apreciación de la interfaz hombre‐computadora (destacando la importancia del juego), que posibilitó una mayor interactividad pública con la obra artística; la apropiación de los medios con fines artísticos; el compromiso artístico con los problemas sociales y ecológicos originados por los avances tecnocientíficos y la política de informatización de la sociedad y proposiciones relacionadas con el futuro, formuladas filosóficamente en la era posbiológica. Buscamos desarrollar poéticas que resultaron de la colaboración entre seres vivos y máquinas.
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Zambrano Unda, Hector Marcelo. "Las nociones de poiesis, praxis y techné en la producción artística." Index, revista de arte contemporáneo, no. 07 (June 30, 2019): 40–46. http://dx.doi.org/10.26807/cav.v0i07.221.
Full textAbstract:
El presente artículo inicia su desarrollo a partir del problema estético de la experiencia de la creación artística desde la problemática de la producción. Fundamenta su estructura desde las definiciones de poiesis, techné y praxis propuestas por Giorgio Agamben y articula su planteamiento de superación de la estética con la teoría decolonial y la liberación de la aísthesis, con el objetivo de establecer la noción de creación artística como una forma de producción poiética que posibilite la creación de mundos dentro de este mundo.
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Veciana, Stella. "Espacios de memoria virtual como laboratorios de investigación artística." ANIAV - Revista de Investigación en Artes Visuales 1, no. 1 (July 5, 2017): 103. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.7828.
Full textAbstract:
<p>Esta comunicación hace una reflexión teórica sobre metodologías artísticas en la generación de ‘espacios de memoria en línea’, la influencia de códigos y valores culturales sostenibles en estos espacios y expone dos casos particulares de archivos digitales dinámicos en el contexto de conferencias científicas para la sostenibilidad y de una biblioteca pública como ejemplos de laboratorios de investigación científico-artística de tipología a/sincrónica y de tipología virtual.</p><p>El archivo clásico analógico pasa del espacio del museo a la memoria dinámica en redes de bancos de datos hasta nuevos entornos híbridos de realidades mixtas. ¿En qué se diferencia el modelo de archivo moderno como la biblioteca presencial de los modelos de archivo de bases de datos y su conectividad por las tecnologías de Internet? ¿Cómo se caracteriza la memoria social que se sirve de sistemas de base de datos interactivas? Los ‘espacios de memoria online’ transforman el concepto de archivo, que cumplía funciones de conservación de patrimonio cultural, para convertirse asimismo en centro de producción estético-científica como en los experimentos de participación colectiva en ‘monumentos virtuales’ que activan procesos de memoria social.</p><p>Sobre la base de esta transformación histórica y enfoques metodológicos artístico-científicos interculturales, el objetivo de la comunicación será presentar el espacio de la memoria dinámica online como laboratorios futuros de investigación científico-artística.</p>
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Barriga Tello, Martha. "Arte, legislación y política en Lima: siglo XVIII." Letras (Lima) 77, no. 111-112 (December 9, 2006): 41–57. http://dx.doi.org/10.30920/letras.77.111-112.3.
Full textAbstract:
El presente trabajo tiene por objeto establecer las relaciones entre política, legislación y producción artística durante el siglo XVIII en el Virreynato del Perú. Se establecen, así, tres momentos diferenciados en los que el Estado mostró su preocupación por el patrimonio artístico y la actividad vinculada al arte. El estudio se centra en la legislación local y en la peninsular que normaron esta actividad y en el papel que los agentes relacionados con el arte desempeñaron durante ese siglo.
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Lucena, Daniela. "LA IRRUPCIÓN DEL ARTE CONCRETO-INVENCIÓN EN EL CAMPO ARTÍSTICO DE BUENOS AIRES (1942-1948)." Revista Europeia de Estudos Artisticos 2, no. 4 (December 30, 2011): 78–102. http://dx.doi.org/10.37334/eras.v2i4.35.
Full textAbstract:
El presente artículo reconstruye y analiza la posición ocupada por los miembros de la Asociación Arte Concreto-Invención (AACI) en el campo artístico de Buenos Aires entre 1942 y 1948, haciendo foco en el modo de inserción de los artistas en ese espacio jerarquizado de lucha. Tomando como principal herramienta teórico-metodológica la sociología de la cultura de Pierre Bourdieu, se presenta una reconstrucción del estado del campo artístico en el momento en que irrumpen los artistas concretos y una configuración relacional de las posiciones y estéticas dominantes del período, así como también de las estrategias desplegadas por los artistas de la AACI durante los primeros años de su trayectoria artística. A partir de la recuperación de estas estrategias se realiza, asimismo, una comparación con las acciones de ruptura desplegadas por los artistas de la generación anterior durante los años 20, y una caracterización de las particularidades que presenta la estructura del campo de la producción artística en la Argentina en cada momento histórico.
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Centella, Visitación Ortega. "El artivismo como acción estratégica de nuevas narrativas artistico-políticas." CALLE14: revista de investigación en el campo del arte 10, no. 15 (June 10, 2015): 100. http://dx.doi.org/10.14483/udistrital.jour.c14.2015.1.a08.
Full textAbstract:
El presente artículo de reflexión se enmarca en el estudio sobre la cultura artístico-política de una serie de artistas o grupos de artistas seleccionados por el énfasis que caracteriza sus propuestas concebidas como modo de participación social y como expresión política.Para ello, nos adentramos en las diferentes formas de abordar la creación artística, comprometida con la sociedad actual, utilizada como vehículo racionalizador, con la capacidad de crear nuevas formas de visualización, producción y constitución de la obra de arte. Este fenómeno presenta una nueva comunicación política conformada por la combinación de la creatividad artística, así como internet y la difusión que nos otorga los medios de comunicación, al que denominaremos artivismo, como neologismo conformado por la palabra arte y activismo. Nuestro artículo señala un rol artivista, donde artista y espectador comparten una concepción amplia de lo político que permite la interrelación de las distintas micronarrativas de poder que se establecen también en el discurso artístico.
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Correa Rivera, Eduardo. "El imperio de lo artístico: creación y consumo en la era del capitalismo transestético." Ñawi 5, no. 1 (January 15, 2021): 173. http://dx.doi.org/10.37785/nw.v5n1.a9.
Full textAbstract:
La fase actual del modelo económico global ha estimulado la necesidad de revestir con valores simbólicos toda práctica cotidiana y de consumo. Con ese fin ha extraído del sistema artístico institucional una serie de operaciones, y las ha desplegado a través de toda la cultura material y afectiva, haciendo de nuestro mundo un escenario completamente estetizado y ansioso de la experiencia artística como trasfondo de todos sus hábitos y modos de relación. Ese proceso ha revivido la figura del genio, esta vez como marca registrada, como diseñador o como productor de contenidos digitales. Sin embargo, lejos de significar un declive de la producción artística en función de un aditivo superficial, este horizonte es también una oportunidad para extender la posibilidad de la creación mediante la apropiación de herramientas y circuitos de acceso común.
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Capasso, Verónica. "Sobre usos de la web vinculados a la producción y enseñanza de prácticas artísticas contemporáneas." Index, revista de arte contemporáneo, no. 06 (December 31, 2018): 96–102. http://dx.doi.org/10.26807/cav.v0i06.144.
Full textAbstract:
En este artículo se propone abordar usos de la web vinculados a la producción y enseñanza de prácticas artísticas contemporáneas. En cuanto a la producción, es necesario pensar a las nuevas tecnologías de la comunicación como modos de “democratización” de espacios, visibilidad y circulación extra-institucional de las prácticas artísticas. Este tipo de creaciones proponen otros vínculos con el público a la vez que pueden contribuir a divulgar diversas temáticas sociales, políticas, etc. En cuanto a la enseñanza, es preciso hacer una reflexión sobre el uso pedagógico de las TIC en el campo de la educación artística, en tanto herramientas y medios para enriquecer la construcción de conocimiento. De este modo, el profesor puede usarlas para mejorar la eficacia de su actuación, tanto en el aula como en su trabajo de investigación. Así, la web no solo ofrece una gran fuente de recursos, sino, además, es la plataforma donde trabajar con ellos.
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Morales Garrido, Enrique Andrés. "Singularidad y técnica industrial en la producción artística de Alexander Rodchenko." Calle 14 revista de investigación en el campo del arte 16, no. 30 (July 30, 2021): 405–12. http://dx.doi.org/10.14483/21450706.18309.
Full textAbstract:
El artículo se pregunta por el rol de la singularidad artística en la teoría y práctica de Alexander Rodchenko. Para ello se analizan e interpretan tres textos y una fotografía del período constructivista del artista. Primero, se revisan cartas de su estadía en París, cuando ya ha renunciado a la pintura y explora la fotografía; segundo, un artículo publicado en la revista LEF, donde diferencia el ideal esteticista de la pintura del trabajo fotográfico; y, finalmente, a una autobiografía donde traza un lazo desde el arte técnico hasta la experiencia infantil de la magia y el espectáculo. La fotografía es la famosa Muchacha con una Leica. Los documentos parecen evidenciar una concepción del arte moderno basada en la apropiación del desarrollo industrial, pero que reafirma el gesto particular de la experiencia artística.
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Porcel Ziarsolo, Alazne. "Textiles en el Arte del País Vasco. Evolución y significancia en la producción artística contemporánea." Boletín de Arte, no. 41 (November 3, 2020): 195–208. http://dx.doi.org/10.24310/bolarte.2020.v41i.7736.
Full textAbstract:
El presente estudio tiene como objetivo evidenciar el uso de tejidos y elementos relacionados con la indumentaria y la moda en la producción artística vasca desde las últimas décadas del siglo XX hasta la actualidad, que encontramos principalmente en la escultura y en nuevas tipologías como las instalaciones. De la década de los 80 y posteriores se conservan interesantes obras en instituciones museísticas vascas y del estado como el Artium en Álava, el Guggenheim y el Museo de Bellas Artes en Bilbao, el Museo Reina Sofía de Madrid, etc. La cantidad y diversidad formal entorno a su empleo, hace que resulte necesario realizar un acercamiento tanto cronológico como a nivel material y conceptual para entender su evolución y significancia en el contexto artístico vasco.
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Valente, Alicia Karina. "El museo como proyecto artístico." Index, revista de arte contemporáneo, no. 10 (December 31, 2020): 60–74. http://dx.doi.org/10.26807/cav.vi10.319.
Full textAbstract:
El museo como proyecto artístico habita un terreno poroso entre las prácticas instituyentes, la gestión y la producción artística que habilita la práctica contemporánea en arte. En este trabajo se analizan tres experiencias que se nombran como museo, surgidos entre 2010 y 2017 en diferentes ciudades de Argentina: La Ene. Nuevo Museo Energía de Arte Contemporáneo de la ciudad de Buenos Aires, Unidad Básica. Museo de Arte Contemporáneo de Córdoba y MUCA. Musea Constructora de La Plata. Para el análisis se partirá de la definición de museo acuñada por el ICOM, así como de los debates sobre el rol de los museos de arte y las prácticas museales contemporáneas. A su vez, se trazaron posibles genealogías alternativas de museos y filiaciones con proyectos artísticos de la crítica institucional a nivel internacional, regional y local. Se considera que estos proyectos constituyen experiencias críticas y proponen otros modos posibles de ser museo.
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Tostado Reyes, Jose Antonio. "La letra como signo visual del arte: Análisis de sus funciones discursivas." RICSH Revista Iberoamericana de las Ciencias Sociales y Humanísticas 8, no. 16 (August 6, 2019): 325–52. http://dx.doi.org/10.23913/ricsh.v8i16.191.
Full textAbstract:
Esta investigación ha tenido como propósito examinar la relación paralela entre la producción plástica del texto en la obra artística y algunos procesos interpretativos implicados en su abordaje semiótico, a fin de esclarecer el impacto y las funciones del discurso escrito en las artes visuales. Se ha planteado una investigación de carácter descriptivo y documental, cuyos instrumentos de indagación fueron: 1) la investigación de perspectivas teóricas en torno a la semiótica del texto y 2) una selección y clasificación de piezas artísticas en las que el texto opera, semióticamente, de forma significativa. Se llevó a cabo un análisis de las obras seleccionadas a partir de la teoría de las funciones del lenguaje, propuesta por Roman Jakobson. La investigación ha permitido cruces teóricos que validan el análisis tipografístico como alternativa de estudio formal de las manifestaciones del arte. Y a su vez ha contribuido a una tipificación que trasciende las categorías históricas o estéticas tradicionales y permite abordar nuevas formas de apreciación y significación del texto (sea escrito, grabado, pintado, dibujado, impreso o tecleado) en relación con su materialidad y aporte expresivo al campo artístico.
Pese a la implicación directa entre arte y tipografismo, los materiales teóricos que documentan esa relación son escasos. Este trabajo ha permitido visibilizar las posibilidades expresivas del texto a partir de la identificación de sus funciones en la obra. La extrapolación del modelo jakobsiano —que parte de la oralidad y el discurso escrito tradicional— hacia el lenguaje plástico ha favorecido la comprensión de la complejidad discursiva en los dos niveles de la representación del texto en el arte: 1) su dimensión lingüística y 2) su carácter gráfico-expresivo; lo que ha permitido constituir una propuesta teórica que puede contrastarse con la producción artística.
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Mena Macedo, Margarita. "La fotografía artística en los nuevos medios:." Revista Panamericana de Comunicación, no. 1 (June 1, 2020): 126–32. http://dx.doi.org/10.21555/rpc.v0i1.2325.
Full textAbstract:
La fotografía, como medio y técnica de producción de imágenes, transformó la comprensión y aprensión del mundo; actualmente, gracias a la masificación de la fotografía y las redes sociales, estamos viviendo en una época en la que se registra absolutamente todo y desde muy variadas perspectivas. A través de un recuento de las posibilidades de la fotografía en sus cualidades tanto documentales como artísticas a lo largo de los años, y del análisis de tres proyectos artísticos, se pone sobre la mesa la posibilidad de una captura documental de la realidad a través de la imagen fotográfica construida.
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Cisneros Álvarez, Pablo. "Aportaciones a la biografía artística del corógrafo Antonio Mancelli: su producción americana." Archivo Español de Arte 92, no. 368 (December 4, 2019): 427. http://dx.doi.org/10.3989/aearte.2019.27.
Full text
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Parramon Arimany, Ramon. "Relaciones entre prácticas artísticas, espacio social, visibilidad y gestión de la complejidad." ANIAV - Revista de Investigación en Artes Visuales, no. 5 (September 30, 2019): 128. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2019.12235.
Full textAbstract:
<p>Las prácticas artísticas que se caracterizan por una tendencia a la desmaterialización, a la creación colectiva y a la concepción de la obra-como-proceso, pierden presencia y notoriedad en un contexto marcado por la hipervisibilidad y la inmediatez. Ante la necesidad de hacer inteligible la complejidad social, en un contexto de sobrexposición, el arte puede ser una forma de acción que contribuya a visibilizar aspectos de la realidad e incidir en ella. Pero si el arte no consigue regenerar y diversificar sus mecanismos de producción, puede quedar excluido de esta labor socializadora. La producción artística, entendida desde una perspectiva sistémica, puede afrontar la gestión de la complejidad como esencia, a la vez que conectarse a otros ámbitos, disciplinas o formas de ver-entender el mundo, que comparten el objetivo de descifrar e investigar para trazar futuros posibles, y contribuir a los procesos de emancipación colectiva.En este artículo se plantea la necesidad de redefinir las funciones que asume el arte contemporáneo en relación con los contextos sociales en los que se articula. Tomando como referencia el “productivismo” de los años 20 y las teorías del “arte sistémico” de finales de lo años 60, se ponen en relación con la producción artística contemporánea que activa experiencias que plantean una conexión con determinados espacios sociales, y lo afronta desde la gestión de la complejidad.</p><p> </p>
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Cagigal, Pedro. "Teoría digital para detonar creación artística." Index, revista de arte contemporáneo, no. 06 (December 31, 2018): 112–24. http://dx.doi.org/10.26807/cav.v0i06.168.
Full textAbstract:
Este artículo plantea un acercamiento a algunos fundamentos teóricos de las características de los medios digitales para ser aplicados al desarrollo de procesos pedagógicos de creación y análisis en las artes. Apunta a generar un insumo para que estudiantes, docentes y profesionales del campo tengan herramientas teórico-prácticas para analizar y explorar creativamente los cambios en la producción artística y cultural articulados a las características de la reproducción digital. Se abordarán conceptos de teoría digital planteados por Lev Manovich, Mark Deuze e Ian Hutchby, complementándolos y relacionándolos con teoría del arte. Se buscarán bases comunes que permitan a artistas de distintas disciplinas acercarse, leer y generar procesos creativos a partir de un entendimiento crítico del medio usado.
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Camacho, Juan Diego. "La Información como Arte." Index, revista de arte contemporáneo, no. 06 (December 31, 2018): 24–29. http://dx.doi.org/10.26807/cav.v0i06.170.
Full textAbstract:
La información como arte es una lectura del cambio de paradigma dentro del campo estético y de producción sugerido por el arte de concepto en la década de 1960. Muchas de las expresiones artísticas producidas por artistas conceptuales tenían en común el uso de datos e información como materia prima, a partir de entonces se abre una nueva perspectiva que dará paso al uso de las tecnologías de la información para la producción artística. Estos son los inicios de un arte pre-neomedial, en tanto que comparten unas formas de creación y crítica al propio medio de las obras. Con los esfuerzos críticos del arte conceptual, logran darle un giro al paradigma estético, llevando a que la información exista en función del arte, y no el arte en función de la información.
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Castilla, Manuel V. "Giuseppe Castiglione (Lang Shining), precursor de la primera mundialización pictórico-arquitectónica." Estudios de Asia y África 51, no. 3 (September 1, 2016): 623. http://dx.doi.org/10.24201/eaa.v51i3.2245.
Full textAbstract:
La obra del hermano lego jesuita Giuseppe Castiglione (nombre chino, Lang Shining, 1688-1766), desarrollada en la China Qing, no fue suficientemente conocida sino hasta el siglo xx, y se ha investigado muy poco sobre su papel precursor de la primera mundialización artística. Su aproximación a China fue primordialmente de carácter apostólico, como consecuencia de la acción misional. Esta misión estuvo basada en un proceso inculturador fundamentado, a su vez, en el intercambio de las ciencias y las artes.Este artículo pone de manifiesto el riguroso conocimiento que sobre perspectiva matemática lineal había adquirido Castiglione en Europa, y la trascendencia que tuvo en la hibridación cultural y artística en la China del siglo xviii. Su posible repercusión en manifestaciones artísticas posteriores en otros territorios constituye el tema central del trabajo.Desde el punto de vista artístico, dada su privilegiada posición en la corte imperial, el artista jesuita jugó un papel decisivo en los nuevos métodos pictórico-arquitectónicos que se desarrollaron en la dinastía Qing. Sus murales, retratos, caballos, flores y pájaros, fueron elogiados y admirados por el emperador Qianlong, y mucho tiempo después por diseñadores y pintores europeos. Al simbolismo y la sensibilidad de la pintura asiática, Castiglione añadió el misterio del ilusionismo mágico que encierra la perspectiva matemática lineal europea, que contenía la llave y el secreto del conocimiento geométrico de Lang Shining. Sin embargo, sus efectos no fueron exclusivamente artísticos, sino que en muchos casos tuvieron una vigorosa dimensión apostólica. La dimensión religiosa que presuponemos en las pinturas de los artistas jesuitas fue una herramienta esencial en el proceso de inculturación; en este sentido, G. Castiglione usó la perspectiva no sólo como una técnica que gustaba a los emperadores, y fundamentalmente al emperador Qianlong, sino también como un poderoso instrumento de difusión evangélica.Por otro lado, como arquitecto, G. Castiglione fue un pionero en el diseño, la implementación y la ejecución de un proyecto monumental que se materializó en la construcción de los palacios de estilo europeo en los Jardines de la Perfecta Brillantez (Yuanming Yuan), en Beijing.En este original contexto, demostrar que los conceptos teóricos, las ideas, los métodos y los conocimientos del artista jesuita han influido en realidades artísticas posteriores es una difícil tarea. Pero es innegable que en su producción artística se encuentran anticipos de algunos de los significados que se le atribuyen en la actualidad al concepto de mundialización. G. Castiglione, misionero, pintor y arquitecto, proyectó en China el trinomio ciencia-arte-religión desde su propia transformación intelectual. Su doble condición, cortesana y misionera, lo llevó a organizar una inteligente hibridación artística chino-europea con dos objetivos fundamentales. El primero de ellos fue satisfacer los deseos del emperador reinante; el segundo, lograr un clima adecuado para el ejercicio de la acción misional. Ambos convergen en lo que entendemos por primera mundialización o primera globalización pictórico-arquitectónica.
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Labarga, Fermín. "Varias obras atribuibles al escultor sevillano Cristóbal Ramos en La Rioja." Archivo Español de Arte 92, no. 368 (December 4, 2019): 435. http://dx.doi.org/10.3989/aearte.2019.28.
Full textAbstract:
Hasta ahora, la producción artística del escultor Cristóbal Ramos se localizaba en el entorno de Sevilla. Sin embargo, gracias a la labor de patronazgo ejercida por los emigrantes cameranos algunas piezas llegaron hasta La Rioja. Se presentan cuatro que pueden ser relacionadas con la producción del artista.
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Mercado, Camila. "De la De la plaza a la sala." RUNA, archivo para las ciencias del hombre 42, no. 2 (July 30, 2021): 157–74. http://dx.doi.org/10.34096/runa.v42i2.7693.
Full textAbstract:
Este artículo aborda el desarrollo de experiencias artístico-comunitarias en Buenos Aires para lo cual se analiza el caso del Grupo de Teatro Catalinas Sur del barrio de La Boca. Se trata de un grupo pionero del teatro comunitario local conformado durante la apertura democrática luego de la última dictadura cívico-militar (1976-1983). El teatro comunitario busca promover la participación ciudadana en la cultura, la creación de circuitos artísticos alternativos y la recuperación de historias invisibilizadas en las comunidades.
Se analiza el cambio de coyuntura durante la segunda mitad de los años 90 en el campo de las políticas culturales donde un paradigma democratizante fue articulándose con formas de democracia participativa y de mercantilización de la cultura. El texto se pregunta por las implicancias que tuvo este cambio en el modo de producción artística de Catalinas Sur, las estrategias de gestión cultural que desplegaron y los vínculos emergentes entablados con agentes estatales.
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López-Cano, Rubén. "Investigación artística en música en Latinoamérica." Quodlibet. Revista de Especialización Musical, no. 74 (March 16, 2021): 139–67. http://dx.doi.org/10.37536/quodlibet.2020.74.779.
Full textAbstract:
La investigación artística o investigación-creación posee diversos grados de desarrollo en Latinoamérica. Si bien aún no existe una escena profesional y autónoma de esta actividad, es posible detectar una paulatina construcción de infraestructura estable para su desarrollo. Más frecuente es el caso de artistas que investigan de manera puntual pero que no están muy preocupados por construir metodologías, recursos teóricos e infraestructura de largo alcance. Las escenas más activas en la región son, por un lado, la de artistas universitarios que buscan la homologación institucional de su producción artística como investigación académica. Por otro lado, la investigación artística formativa recibe un prometedor impulso a través de diversos programas en los tres ciclos de educación superior. Este trabajo realiza una mirada panorámica y crítica al desarrollo de esta actividad en el subcontinente.
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Rosas Ortiz, Yunuen. "El acto de escritura." El Ornitorrinco Tachado. Revista de artes visuales, no. 13 (April 30, 2021): 1. http://dx.doi.org/10.36677/eot.v0i13.15270.
Full textAbstract:
“El acto de escribir”, no como un problema filosófico sino como un “estar haciendo”, deja entrever un método de investigación que puede tener lugar dentro de las prácticas artísticas con programación, siendo un proceso reflexivo a través del texto relacionado con la escritura de algoritmos y la Programación Orientada a Objetos (POO). La escritura de sistemas regulativos, como los propuestos en la producción de arte generativo o la literatura electrónica, es consecuencia de un análisis interpretativo del mundo, por lo que un programador, como un traductor del mundo para las máquinas, las propone como agentes colaborativos de la producción de conocimiento humano en tanto la construcción de estos sistemas se relacionan con el proceso de pensamiento de su programador. La POO como un “acto de escribir” desde la práctica artística, abre la posibilidad de espacios de reflexión y conocimiento.
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Muñoz Fernández, Rubén. "SECUENCIAS AXIOLÓGICAS DEL CINE COLOMBIANO." Cuadernos de Filosofía Latinoamericana 25, no. 91 (September 4, 2015): 5. http://dx.doi.org/10.15332/s0120-8462.2004.0091.05.
Full textAbstract:
Es un lugar común decir que el cine colombiano se caracteriza por la escasa producción de películas y por la poca calidad artística de las mismas. Sin embargo, una revisión cuidadosa de algunos filmes nacionales desplaza esa opinión y permite vislumbrar mejor lo que hay en ellos. Complementando el planteamiento de D. Bordwell sobre la ideología3 con la propuesta de Pierre Bourdieu4 sobre el campo artístico, me propongo demostrar que en las películas colombianas es posible advertir una axiología clara que no sólo trasciende los problemas formales y tecnológicos de algunas de ellas, sino que permite ampliar la comprensión de la cultura colombiana.
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Muñoz Fernández, Rubén. "SECUENCIAS AXIOLÓGICAS DEL CINE COLOMBIANO." Cuadernos de Filosofía Latinoamericana 25, no. 91 (September 4, 2015): 5. http://dx.doi.org/10.15332/s0120-8462.2009.0091.05.
Full textAbstract:
Es un lugar común decir que el cine colombiano se caracteriza por la escasa producción de películas y por la poca calidad artística de las mismas. Sin embargo, una revisión cuidadosa de algunos filmes nacionales desplaza esa opinión y permite vislumbrar mejor lo que hay en ellos. Complementando el planteamiento de D. Bordwell sobre la ideología3 con la propuesta de Pierre Bourdieu4 sobre el campo artístico, me propongo demostrar que en las películas colombianas es posible advertir una axiología clara que no sólo trasciende los problemas formales y tecnológicos de algunas de ellas, sino que permite ampliar la comprensión de la cultura colombiana.
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Blanca, Rosa. "Fluidos pictóricos: ¿hacia una poética queer?" Revista Estudos Feministas 23, no. 1 (April 2015): 259–67. http://dx.doi.org/10.1590/0104-026x2015v23n1p259.
Full textAbstract:
La indecibilidad de las posibles significancias de imágenes de lo queer genera nuevas estéticas en la contemporaneidad a través de su poetización. El artículo tiene como objetivo investigar esas nuevas formas de subjetivación - plástica - en su concepción escrita. La tensión con que se depara en el momento de la (trans)cripción de la experiencia produce placeres estéticos que, al mismo tiempo, conducen rumbo a la realización de otras obras artísticas. Se sugiere que, en ese proceso creativo, la identidad artística está en sintonía con afectos y deseos sexuales. Se pretende contribuir para el campo de las poéticas visuales, así como para el campo de la literatura, en lo que se refiere a narrativas autobiográficas, poéticas queer y/o feministas. Se propone ampliar las metodologías de la investigación en artes, articulando la práctica artística con la producción textual y donde la autora es la propia artista. Se utilizan las teorías de los afectos, de Patricia Clough (2004) en una perspectiva queer, según Rosa Blanca (2011).
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Rupérez Almajano, María Nieves. "De América a Roma: producción artística para la beatificación del Arzobispo Mogrovejo." Bulletin of Spanish Visual Studies 3, no. 1 (January 2, 2019): 95–126. http://dx.doi.org/10.1080/24741604.2019.1591696.
Full text
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Feldman, Jonathan. "Arte contemporáneo, arteBA y el efecto de aura." Index, revista de arte contemporáneo, no. 05 (June 29, 2018): 162–68. http://dx.doi.org/10.26807/cav.v0i04.95.
Full textAbstract:
El modo de circulación del arte más extendido en la contemporaneidad es la producción de exhibiciones y eventos culturales. La escena artística se desarrolla alrededor de la conformación de lecturas acerca de las obras y los temas más diversos, y a su vez en la órbita de un mercado que es cada vez más transnacional y deslocalizado. Es un doble movimiento que permite tanto la proliferación e hibridación de las más diversas formas de producción como la introducción de estos productos en la lógica mercantil.
Este artículo analizará la circulación del arte argentino durante la edición 26 de la feria arteBA (2017), y abordará las complejidades de la escena artística contemporánea local. Se preguntará por el alcance actual de las definiciones de Walter Benjamin acerca de la reproductibilidad técnica, para afirmar la existencia de lo que se denominará efecto aura en los modos de producción y circulación del arte contemporáneo.