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Journal articles on the topic 'Puesta en escena y escenografía'

Author: Grafiati

Published: 4 June 2021

Last updated: 1 February 2022

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1

Arregui, Juan P. "Las imágenes del espectáculo: apuntes en torno a Verdi y la escenografía (I)." Boletín de Arte, no. 25 (April 2, 2018): 149–79. http://dx.doi.org/10.24310/bolarte.2004.v0i25.4613.

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Abstract:

El autor plantea la siempre fascinante temática de la escenografia a través del ejemplo concreto de los montajes teatrales diseñados para la puesta en escena de las grandes óperas de Giuseppe Verdi. Sin dejar de insistir en la naturaleza compleja de estos montajes, el trabajo abunda en la problemática intrínseca del género, planteando su relación con la pintura de Historia, los ciclos narrativos y la pintura decorativa del siglo XIX, ponderándose los resultados logrados como ejercicio de integración entre distintos campos artísticos coetáneos.

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2

Vegas Molina, Francisco. "Mundos imaginados y videoclip: una aproximación a la integración de gráficos 3D animados para su implementación escénica." Con A de animación, no. 13 (September 27, 2021): 94. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2021.15928.

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Abstract:

<p>El videoclip como formato audiovisual publicitario suele ser sinónimo de efectismos, intertextualidad y marcos visuales complejos, funciones para las que sin duda se sirve de toda la vanguardia tecnológica de la que pueda disponer. Este artículo trata de analizar qué ventajas encuentra en la integración de modelos 3D animados para el desarrollo de mundos irreales como parte de su puesta en escena. Desde los primeros casos hasta la actualidad, se presenta una serie de ejemplos que sirven como muestra cronológica de la evolución de la animación 3D integrada en videoclip para concluir finalmente en sus aportaciones vinculadas a la relación escenografía/narración y a su idoneidad como nexo de unión con los marcos referenciales usados en el formato cinematográfico.</p>

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3

Olave Airas, Giohanny. "Escenificación y multidestinación en el discurso presidencial de Juan Manuel Santos." Revista Latinoamericana de Estudios del Discurso 12, no. 2 (2016): 53. http://dx.doi.org/10.35956/v.12.n2.2012.p.53-80.

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Abstract:

El objetivo de este artículo es reconstruir la representación que el discurso presidencial de Juan Manuel Santos configura sobre su propia situación enunciativa. Se analizan 42 discursos pronunciados durante el primer año de gobierno (2010-2011), inscritos en eventos semanales de contacto directo con las comunidades en el país, denominados “Acuerdos para la Prosperidad” y accedidos desde el portal presidencial en web. En los resultados, se reconstruye la puesta en escena de la enunciación política, a través de la vinculación de roles enunciativos con atribuciones éticas de los participantes; se examina la función de la definición de la realidad en las zonas enunciativas del discurso político; y se describe la escenografía del discurso presidencial, asociada al formato del informe ejecutivo en el marco de la rendición de cuentas de la llamada “nueva gerencia pública”. En las conclusiones, se discute tal enfoque gerencial tanto en el marco de la participación ciudadana como en el de la enunciación política, enfatizando en las huellas del carácter a-polémico que se rastrean en estas formas de ejercer la gobernabilidad en el país.

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4

Scotto Di Vettimo, Delphine. "Frida Kahlo: la mirada del cine." Ética y Cine Journal 10, no. 1 (2020): 95–101. http://dx.doi.org/10.31056/2250.5415.v10.n1.29224.

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Abstract:

La biografía fílmica Frida [2002] de la directora estadounidense Julie Taymor, relata la vida de la pintora mexicana: su tormentosa vida desde su juventud estudiantil, su accidente y su relación apasionada con el muralista Diego Rivera. Numerosas referencias de los cuadros de Frida Kahlo están incluidos en la escenografía y recuerdan la riqueza y la complejidad de su obra: más de ciento cuarenta cuadros de los cuales una cincuentena autorretratos se traducen en diferentes temáticas: la política, la mexicanidad, el amor, la naturaleza, el sufrimiento, la femineidad e incluso la muerte. Es a partir del análisis de una escena en particular (que refleja lo extremo de la experiencia del aborto y ofrece un sustento a la expresión de la temporalidad propia de este evento, el cual calificaremos de traumático) que el presente artículo, situado en el entrecruzamiento entre el cine y el psicoanálisis, explicita una etapa decisiva del proceso creador de Frida Kahlo. Aquí, el examen de la dialéctica entre el proceso creador y lo traumático, permite percibir, en su fase inicial la puesta en marcha de modalidades de creación artística que marcan una temporalidad inédita en su arte pictórico. Al mismo tiempo, el desafío del biopic es alcanzar por un lado a construir, plasmar, poner en escena y en imágenes la vida de esta artista fuera de lo común; y por otro lado permitir al espectador descubrir el entrelazamiento entre la subjetividad creadora y la obra de un artista.

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5

Ramos, Leonardo. "Dos puertos (argentinos) del tercer mundo, de la escenografía de lo global a la actuación local." Cuaderno Urbano 4, no. 4 (2004): 177. http://dx.doi.org/10.30972/crn.441754.

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Abstract:

<p>El puerto de la ciudad de Buenos Aires se exhibe como un producto del diseño en el cual los proyectistas urbanos, ingenieros, arquitectos, diseñadores y artistas dejan sus firmas. Es objetivo declarar que hay una clase de dictadura de diseñadores que, extremos a provocar una estandarización de ciertos modelos, crean el culto de la escena, la fachada, la fotografía. El papel del técnico arquitecto, urbanista, artista en este caso es sólo elegir, entre los catálogos de ciudades, las imágenes de lo global que se fabrican allende el mar. La cuestión es si realmente el Puerto de Buenos Aires funciona como puerto ultramoderno o si sus cambios sólo pertenecen a una escenografía donde se representan actos de una pretendida ciudad global.</p>

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6

Godoy Contreras, Ivan. "“Escenografías del mal” De las estéticas del horror a las figuras de lo infame." Co-herencia 14, no. 26 (2017): 59–86. http://dx.doi.org/10.17230/co-herencia.14.26.3.

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Abstract:

Será la guerra, justamente, el escenario propicio para el abuso de cadáveres con fines políticos, en el que confluyen dos elementos consustanciales al Mal. El primero apunta a la negación del Otro como ser humano y sujeto de derecho, lo cual habilita al agresor para proceder con crueldad sobre su víctima. El segundo remite a la gradual “espectacularización” del cadáver, cuyas imágenes develan el ensañamiento con el Otro. Del arte a las imágenes digitales, las escenografías del Mal se despliegan de modo polisémico. El drama, por lo tanto, acontece en la puesta en escena del sufrimiento del otro, reside no solo en el rostro de dolor y el grito de muerte del derrotado -o en el placer, coraje o valentía de su verdugo-, sino también en un más allá, en el uso y abuso del cadáver enemigo para prolongar el daño y el dolor -directa o indirectamente- en el deudo y su comunidad.

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7

Sánchez-Castillo, Sebastián, Esteban Galán-Cubillo, and Arnau Gifreu-Castells. "La entrevista política ante el sesgo audiovisual. El caso de Los desayunos de TVE (2018)." Revista Mediterránea de Comunicación 12, no. 1 (2021): 205. http://dx.doi.org/10.14198/medcom000008.

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Abstract:

En esta investigación se discute el posible sesgo en el desarrollo de las entrevistas televisivas a líderes políticos. Se considera que el proceso narrativo audiovisual y la puesta en escena, responsabilidad del equipo de realización, puede tener un papel decisivo en la neutralidad de las entrevistas. Se analiza el tratamiento audiovisual otorgado por la televisión pública española TVE durante el programa Los desayunos de TVE a los principales líderes políticos españoles, Pedro Sánchez, Pablo Iglesias, Albert Rivera y Mariano Rajoy y a sus colaboradores más cercanos, Adriana Lastra, Pablo Echenique, Fernando de Páramo y Fernando Martínez-Maillo, durante 2018. Durante las entrevistas analizadas se han descubierto narrativas audiovisuales dirigidas desde el equipo de realización del programa capaces de condicionar la imparcialidad de la entrevista. Se discute si el tratamiento audiovisual otorgado a cada uno de los líderes políticos es homogéneo, siendo las localizaciones y escenografías similares. Los resultados evidencian que los distintos líderes políticos no han tenido las mismas condiciones o tratamiento narrativo en la realización audiovisual, por lo que no se han enfrentado a las mismas amenazas implícitas en las preguntas que componen las entrevistas analizadas.

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8

Santos Sánchez, Diego. "Una memoria puesta en escena." Caracol, no. 12 (December 26, 2016): 9. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2317-9651.v0i12p9-17.

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9

Alvarado, Ana María. "Puesta en escena objetual e interactiva." Urdimento 2, no. 32 (2018): 175–82. http://dx.doi.org/10.5965/1414573102322018175.

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10

Vieites, Manuel F., María Dapía, and Reyes Fernández. "La inserción laboral de los titulados y tituladas de arte dramático de la ESADg." Revista de Estudios e Investigación en Psicología y Educación, no. 07 (November 14, 2015): 013. http://dx.doi.org/10.17979/reipe.2015.0.07.191.

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Abstract:

En el curso escolar 2005-2006 iniciaba su andadura la Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) de Galicia, centro público de educación superior dependiente de la Consejería de Cultura, Educación y Ordenación Universitaria, y en el curso escolar 2008-2009 salía la primera promoción de titulados/as superiores en las especialidades de interpretación y dirección escénica, cursando sus estudios al amparo de lo dispuesto en el RD754/1992, que establecía la equivalencia de los estudios superiores de arte dramático a una licenciatura universitaria. Desde entonces, y hasta el curso escolar 2012-2013, terminan sus estudios cinco promociones, lo que implica un total de 110 personas. Actualmente, puesto en marcha el nuevo plan de estudios regulado por el RD 1614/2009, parece oportuno analizar aspectos básicos de la formación y la transición de esas cinco promociones tanto por los datos que puedan aportar en relación a su incorporación a la práctica profesional y a los ámbitos más relevantes, como por la valoración que pueden hacer de su formación y de la utilidad que pueda haber tenido en esa transición a la vida activa. En este contexto nos hemos planteado como objetivos estudiar las características de su proceso de inserción (grado de inserción, condiciones laborales…), y conocer la valoración de la formación recibida en la ESAD así como las necesidades detectadas. Para ello hemos aplicado un cuestionario diseñado ad hoc a los miembros de las promociones de egresados y egresadas, habiendo obtenido un total de 45 respuestas. El perfil de la muestra está definida por ser mayoritariamente mujer (71,4%), con una media de edad de 29,16 (s=6,80) y un rango entre 22 y 59, habiendo realizado las siguientes especialidades: dirección escénica y dramaturgia (21,5%), interpretación (69%), y escenografía (9,5%). De los resultados obtenidos extraemos importantes conclusiones relativas a la formación recibida y al ejercicio profesional. En relación a la formación, se percibe una satisfacción medio-alta, siendo únicamente valorada de forma negativa por un 9,8%; así mismo, sólo un 23,8% considera que la formación recibida en la ESADg atendiendo al desempeño profesional fue insuficiente. No obstante, un 81,1% plantea como mejora en su formación la inclusión de más materias prácticas. En cuanto a la inserción profesional, un 78.57% estaban trabajando, ocupando el 60,6% de las mismas un empleo vinculado con la formación recibida. Las condiciones en las que estaban desarrollando su labor profesional son las siguientes: poseer el Grado en Arte Dramático fue exigido en el 50% de los casos; el 89,5% de los egresados/as encuestados/as afirman que las funciones que desempeñan son acordes a la categoría profesional y la media de ingresos mensuales que declaran es de 1.057,08€; sólo el 10,5% tiene contrato laboral estable y un 37,5% a tiempo completo, y la mayoría tiene un contrato temporal. Los ámbitos profesionales en los que desarrollan su actividad profesional son los de interpretación (54,76%), audiovisual (38,09%), formación (28,57%), o animación (26,19%), mientras que áreas como producción, dirección de escena, gestión, dramaturgia o diseño escénico presentan un porcentaje menor.

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Bajo Martínez, María Jesús. "José Tamayo y el TEU de Granada." Anales de Literatura Española, no. 29-30 (March 26, 2018): 77. http://dx.doi.org/10.14198/aleua.2018.29-30.03.

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Abstract:

José Tamayo, director de escena y productor teatral, fue una figura indiscutible de la escena española de la segunda mitad del siglo XX. Contribuyó a la modernización del teatro español, pero la mayor parte de las características que definirían posteriormente sus puestas en escena se encontraban ya en sus inicios como director de la compañía universitaria de su ciudad, Granada, como el uso de la iluminación, la música, un cuidado vestuario y escenografías realizadas por reconocidos artistas. Fue director del TEU de Granada desde 1944 a 1946, fecha en que la compañía de teatro Lope de Vega se hizo profesional. Durante los años en que José Tamayo dirigió este TEU, el grupo alcanzó una gran calidad artística y se situó entre las primeras compañías de Teatro Español Universitario del país.

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Nemes, Z. Márió, and Petra Báder. "LA NATURALEZA COMO MONTAJE TOTAL." Lejana. Revista Crítica de Narrativa Breve, no. 14 (February 25, 2021): 58–69. http://dx.doi.org/10.24029/lejana.2020.14.1667.

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Abstract:

El propósito de este estudio es ofrecer una interpretación de la novela corta Un episodio en la vida del pintor viajero (2000) de César Aira, desde el punto de vista del posthumanismo crítico. En este contexto, la noción metodológica central de nuestro acercamiento estético será la denominada “puesta en escena deshumanizante”. Las puestas en escena deshumanizantes señalan estrategias poéticas que no son destinadas a presentar la eliminación del principio antropológico, es decir, no representan una abstracción ‘más allá del hombre’, sino constituyen una puesta en escena de naturaleza estética, durante la cual se introducen tendencias antropomorfizadoras y a la vez desantropomorfizadoras. En esta novela corta de Aira, la relación contradictoria entre naturaleza y sujeto humano es la que sirve como medio de la puesta en escena deshumanizante. A mi modo de ver, emerge al mismo tiempo una dimensión ideológica, dado que el texto describe la intensidad estética que subvierte los órdenes perceptivos y representativos dentro del contexto de la fisionomía de la naturaleza y la pintura del paisaje.

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Romero Ferrer, Alberto. "La escena del siglo XIX, «domicilio de todas las artes»." Anales de Literatura Española, no. 18 (December 31, 2005): 317. http://dx.doi.org/10.14198/aleua.2005.18.23.

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Abstract:

La evolución literaria y técnica de la escena a lo largo del siglo XIX, convierte el teatro en el espacio de todas las artes. Bajo el concepto de teatro podemos encontrar no sólo a los autores dramáticos y sus obras, sino también la arquitectura del espacio, la evolución de la escenografía, o el mundo complejo del actor. Además, en el siglo XIX el teatro se convierte en uno de los espacios privilegiados de la sociabilidad burguesa y en uno de los referentes más claros y uniformes de la cultura europea.

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Funchal, Claudia. "Foi Carmen Miranda de Antunes Filho y el gesto intercultural." ESCENA. Revista de las artes 76, no. 1 (2017): 65. http://dx.doi.org/10.15517/es.v76i1.28043.

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Abstract:

A partir del espectáculo Foi Carmen Miranda (Fue Carmen Miranda) del director brasileño Antunes Filho, este artículo busca una reflexión sobre la interculturalidad del discurso gestual. En esta puesta en escena de Antunes Filho, las culturas de Brasil y de Japón se mezclan, sin que por ello pierdan su identidad,constituyendo una gestualidad mestiza. Utilizando los conceptos de “intercultural” y “mestizaje”, según Gilles Verbunt y Liviu Dospinescu, discutimos cómo los elementos de dos culturas diferentes están presentes simultáneamente en la puesta en escena, poniendo en evidencia su oposición o complementariedad, como a la vez deja una brecha abierta para diferentes interpretaciones, según la referencia cultural del público. Asimismo, relacionamos personajes claves de la cultura brasileña y su gestualidad, con los conceptos de “tiempo del cuerpo” y “tiempo social” en la danza butoh, según Toshiharu Kasai yKate Parsons (2003). Nuestra intención es demostrar que se trata de una puesta en escena intercultural legible desde al menos dos perspectivas, la del público japonés y la del brasileño.

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Funchal, Claudia. "Foi Carmen Miranda de Antunes Filho y el gesto intercultural." ESCENA. Revista de las artes 76, no. 2 (2017): 65. http://dx.doi.org/10.15517/es.v76i2.28060.

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Abstract:

A partir del espectáculo Foi Carmen Miranda (Fue Carmen Miranda) del director brasileño Antunes Filho, este artículo busca una reflexión sobre la interculturalidad del discurso gestual. En esta puesta en escena de Antunes Filho, las culturas de Brasil y de Japón se mezclan, sin que por ello pierdan su identidad, constituyendo una gestualidad mestiza. Utilizando los conceptos de “intercultural” y “mestizaje”, según Gilles Verbunt y Liviu Dospinescu, discutimos cómo los elementos de dos culturas diferentes están presentes simultáneamente en la puesta en escena, poniendo en evidencia su oposición o complementariedad, como a la vez deja una brecha abierta para diferentes interpretaciones, según la referencia cultural del público. Asimismo, relacionamos personajes claves de la cultura brasileña y su gestualidad, con los conceptos de “tiempo del cuerpo” y “tiempo social” en la danza butoh, según Toshiharu Kasai y Kate Parsons (2003). Nuestra intención es demostrar que se trata de una puesta en escena intercultural legible desde al menos dos perspectivas, la del público japonés y la del brasileño.

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Camargo Lemos, Ricardo David. "Profesores y estudiantes como actores: el aula como escenario." Hojas de El Bosque 4, no. 7 (2019): 88–97. http://dx.doi.org/10.18270/heb.v4i7.2720.

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Abstract:

Ejercer una actividad, profesión u oficio conlleva, de forma expresa, tácita, o incluso insospechada, la presentación y puesta en escena de un rol en particular. Como en las obras teatrales, en la vida existen actores, escenarios, auditorios, expectativas y creencias sobre el papel de quienes intervienen. Por supuesto, la escena académica no es la excepción.

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Sandoval Sánchez, Alberto. "La puesta en escena de la familia inmigrante puertorriqueña." Revista Iberoamericana 59, no. 162 (1993): 345–59. http://dx.doi.org/10.5195/reviberoamer.1993.5149.

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Rojas, Maria Claudia. "La paz: escena en cinco actos." Hojas de El Bosque 3, no. 5 (2019): 22–27. http://dx.doi.org/10.18270/heb.v3i5.2695.

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Abstract:

Cinco versiones poéticas de la paz escritas por profesores-creadores de la Universidad enfocan la borrosa y, además, deformada imagen del otro, la evocan desde la narrativa del teatro. Un valioso recurso en tiempos de posconflicto cuando se clama por una sensibilidad bien puesta y una mirada libre de sesgos. Esta, que por ahora es una iniciativa editorial reunida por Entreletras, promete mudar de su estadio escrito a un ciclo escénico en el mediano plazo.

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Pérez Fernández, Desirée. "El laberinto de amor de Cervantes: análisis del texto y su puesta en escena." Estudios Humanísticos. Filología, no. 28 (December 1, 2006): 143. http://dx.doi.org/10.18002/ehf.v0i28.2809.

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Pérez Pezoa, Diego. "Escenografía de la piel: sobre el cuerpo-escena como espacio ocioso (J-L. Nancy)." Revista Actos 2, no. 4 (2020): 89–101. http://dx.doi.org/10.25074/actos.v2i4.1692.

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Abstract:

Resumen. Este artículo tiene como objetivo revisar la noción tanto de cuerpo como de piel en el pensamiento de Jean-Luc Nancy. Los alcances y discusiones de las concepciones estéticas del pensamiento de Nancy proponen una reflexión ex-criptiva del cuerpo como dispositivo central de las artes escénicas contemporáneas. Las conformaciones del ser –en contraposición a lo pensado por Heidegger–, permiten exponer, o bien, abrir el sentido del cuerpo en relación con el ser, que, en definitiva, vendría a ser la pura exposición del ser mismo como cuerpo. El cuerpo, a partir de la reflexión de su exposición, no es más que la extensión del alma incapturable, es su expeausition. De manera que, estas singularidades reflexivas sobre el cuerpo proporcionadas por Nancy permiten vislumbrar una irreductibilidad del cuerpo como extensión operativa de las artes (escénicas), es decir, un cuerpo ocioso, un cuerpo auto-encorvado en su alteración infinita. Las artes escénicas son las artes de la sobre-exposición.

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Bazin, Andre. "William Wyler o el jansenista de la puesta en escena." Cuadernos de Cine Documental, no. 14 (May 12, 2020): 46–63. http://dx.doi.org/10.14409/ccd.v0i14.9194.

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Barriga Tello, Martha. "Puesta en escena y arte: Lock-out de César Vallejo." Letras (Lima) 69, no. 95-96 (1998): 9–31. http://dx.doi.org/10.30920/letras.69.95-96.3.

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Abstract:

Escrita en 1930, en francés, y prolijamente corregida, Lock-Out constituye un interesante ejemplo de las propuestas estéticas de César Vallejo expresadas hasta 1930, al punto de estimarla como un manifíesto de sus postulados teóricos sobre el arte teatral.

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Osuna Lameyer, José. "Reflexiones sobre mi puesta en escena de Celestina." Celestinesca 12, no. 2 (2021): 73. http://dx.doi.org/10.7203/celestinesca.12.19688.

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Lombo Montañés, Alberto. "Narrativas paleolíticas: Aspectos poco comunes de la puesta en escena." Veleia, no. 38 (January 26, 2021): 33–55. http://dx.doi.org/10.1387/veleia.22355.

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Abstract:

Este trabajo discute el papel de la narración en la cultura humana y en el arte paleolítico. Se recogen algunos casos de grafías animales representadas de espaldas, de frente, desde arriba (serpientes) o emitiendo sonidos, como ejemplos de una inusual puesta en escena. Finalmente, se valora la perspectiva visual en la creación de las grafías paleolíticas y la expresión naturalista de los animales desde diferentes ángulos de visión.

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Prieto Nadal, Ana. ""El policía de las ratas" a escena." Pasavento. Revista de Estudios Hispánicos 2, no. 2 (2014): 449–61. http://dx.doi.org/10.37536/preh.2014.2.2.1010.

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Abstract:

En este artículo nos proponemos abordar el estudio y análisis del espectáculo El policía de las ratas, dramatización del relato homónimo de Roberto Bolaño dirigida por Àlex Rigola. Hemos empezado ubicando el relato dentro de la narrativa de Bolaño, y poniéndolo en relación con el cuento de Franz Kafka que está en su génesis. Tras haber expuesto los conceptos de arte y libertad que se esgrimen en el relato, en franco conflicto con la idea de colectividad, pasamos a abordar algunos aspectos de la adaptación teatral y de la puesta en escena de Rigola.

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Hernández-Lara, Oliver Gabriel, and Aracely Rojas-López. "Dispositivos escénicos de rebeldía y subjetivación política: propuesta teatral del Proyecto Sed como experiencia de politización." Agua y Territorio, no. 16 (November 17, 2020): 57–70. http://dx.doi.org/10.17561/at.16.4973.

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Abstract:

Este trabajo aborda la defensa del agua a partir de la experiencia del Proyecto Sed, el cual visibiliza la crisis del agua en la megalópolis de la región centro de México. Su puesta en escena, planificada con métodos de investigación-acción, convocó al público de forma colectiva. Para ello, reunieron testimonios de comunidades de la región que están en lucha al reconocer que dinámicas capitalistas de hiperurbanización, biomercantilización y de construcción de megainfraestructuras son las principales causas de la afectación ambiental al agua. El objetivo del artículo es visibilizar la experiencia propiciada por el Proyecto Sed, poniendo énfasis en los procesos de subjetivación política que detonó mediante su puesta en escena para sensibilizar al público sobre la problemática del agua. Proponemos la noción de dispositivos escénicos de rebeldía para comprender como, mediante la concatenación de un conjunto heterogéneo de elementos, se incide en la subjetivación política.

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Pérez Fernández, Desirée. "El Libro de Buen Amor la Danza de la Muerte y las Coplas de Manrique en un montaje actual : Coplas por la Muerte." Estudios Humanísticos. Filología, no. 26 (October 15, 2015): 219. http://dx.doi.org/10.18002/ehf.v0i26.2669.

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Abstract:

El grupo teatral Teatro corsario se formó en 1982 y está dirigido por Fernando Urdiales, autor del texto de Coplas por la Muerte. A partir de 1989 se especializaron en la puesta en escena de autores clásicos, concretamente del Siglo de Oro

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García Gómez, Francisco. "Un ejemplo de análisis fílmico: la secuencia de la piscina de "La mujer pantera", de Jacques Tourneur (y Val Lewton)." Boletín de Arte, no. 22 (February 1, 2021): 461–94. http://dx.doi.org/10.24310/bolarte.2001.vi22.11806.

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Abstract:

En este artículo se realiza un análisis minucioso de una de las secuencias de la película «La mujer pantera» («Cat People», 1942), de Jacques Tourneur, atendiendo a todos sus elementos estéticos y de contenido: puesta en escena, montaje, tiempo, banda sonora y narración.

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Lozano, Ezequiel. "Intermedialidad: interrupción creativa disidente de la sexopolítica hegemónica en las prácticas artísticas de Effy Beth y Diego Casado Rubio." Teatro XXI, no. 36 (October 10, 2020): 20–29. http://dx.doi.org/10.34096/teatroxxi.n36.8798.

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Abstract:

El artículo reflexiona sobre la presencia de las relaciones intermediales en el teatro y la performance, a partir de casos de la escena artística argentina reciente. Éstos coinciden en proponer a la intermedialidad como una interrupción creativa disidente de las políticas sexuales hegemónicas. Se trata de: dos proyectos artísticos de Effy Beth del año 2012 (Pequeña Elizabeth Mati (Little Mermaid doblado al castellano) y Effy Ofrece Sexo Oral) y de una puesta en escena del año 2017 escrita y dirigida por Diego Casado Rubio (Millones de segundos).

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Falfán Carrera, Mónica Patricia. "Teoría y técnica teatral." Investigación Teatral. Revista de artes escénicas y performatividad 11, no. 18 (2020): 234–39. http://dx.doi.org/10.25009/it.v11i18.2658.

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Abstract:

Wagner, Fernando. Teoría y técnica teatral. Ciudad de México: Toma, Ediciones y Producciones Escénicas y Cinematográficas / Paso de Gato, 2017, 324 pp.En 1952, la editorial Labor de Barcelona editó, por primera vez, Teoría y técnica teatral de Fernando Wagner, quien tenía necesidad de aplicar en sus clases “lo que a diario enfrentaba en su vida profesional dentro del cine, la televisión y, por supuesto, en los escenarios”. Un “libro virtuoso por su sentido histórico natural” (Ibáñez en Wagner 9 y 11), que exponía “una rica cultura sobre todos los componentes de la puesta en escena de la primera mitad del siglo xx y de la propia historia de sus creadores” (15), desde la Poética de Aristóteles hasta Jerzy Grotowski. Su estructura era en dos partes: la primera, dedicada al trabajo del actor formal, y la segunda, a la puesta en escena de una “obra de arte total” (155) desde la práctica del director. Recibido: 19 de agosto de 2020Aceptado: 17 de septiembre de 2020

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Cortés Gómez, Daniel. "Propuesta para la elaboración de una plantilla técnica de dibujo de formato cúbico para la puesta en escena y puesta en cuadro en vídeos de 360 grados." Kepes 16, no. 19 (2019): 346–88. http://dx.doi.org/10.17151/kepes.2019.16.19.14.

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Abstract:

Los vídeos 2D y su narrativa audiovisual tradicional se están modificando con la introducción de los vídeos esféricos, los cuales permiten modificar el punto de vista del espectador y la forma en que interactúa con este medio. Bajo un proceso de investigación en foros e Internet se evidencia la falta de recursos teóricos y bibliográficos en torno a metodologías de creación y producción de vídeos en 360 grados, además faltan los modelos y estructuras básicas de la preproducción como los son las plantillas de puesta en escena y puesta en cuadro. Se plantea la necesidad de desarrollar contenidos en un entorno profesional con planos de rodaje y estructuras con una narrativa acorde a una producción audiovisual. Este artículo presenta una propuesta de plantilla técnica para el dibujo en la preproducción de vídeos de 360 grados de personas en acción, dirigido a especialistas del guion gráfico y directores con el fin de unificar conceptos y estructuras que sirvan de base para desarrollar vídeos de 360 grados enfocados en la imagen de puesta en escena, en imagen y puesta en cuadro. Para el planteamiento de la plantilla se trabajó sobre una metodología de modelo cualitativo de experiencias y un marco inductivo de trabajo analítico de investigación y observación. Las conclusiones de este artículo abren las posibilidades para la realización de una plantilla de dibujo que proporciona una disposición visual correcta de objetos, personajes o acontecimientos presentes en una producción visual o cinematográfica en 360 grados.

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Calderón Gómez, Juan Carlos. "La pedagogía teatral y las TIC: Las nuevas TIC como apoyo en el aula universitaria." Revista humanidades 5, no. 2 (2015): 1–16. http://dx.doi.org/10.15517/h.v5i2.21217.

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Abstract:

La aplicación de las TIC en la preservación del material teatral para la enseñanza y la investigación en el aula, contribuyen a analizar detalladamente la complejidad del fenómeno teatral y su puesta en escena. Lo anterior al clasificar sus partes, analizar sus esquemas, sintetizar y proponer nuevos conocimientos.

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García Bandera, Noelia. "Naked or nude?: Apuntes sobre publicidad y desnudo en los anuncios de perfumes." Boletín de Arte, no. 28 (March 25, 2018): 507–22. http://dx.doi.org/10.24310/bolarte.2007.v0i28.4495.

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Abstract:

La proliferación de imágenes publicitarias donde se muestra el cuerpo humano ha ido evolucionando y desposeyéndose de indumentaria hasta llegar al desnudo integral. Si bien, nuestra mirada está acostumbrada a ver la privacidad corpórea a través del arte y el cine, la publicidad sorprende por su puesta en escena.

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Matallana, Susana. "Ursula K. Leguin, o relatos para una puesta en escena distinta." La Manzana de la Discordia 1, no. 1 (2016): 17. http://dx.doi.org/10.25100/lamanzanadeladiscordia.v1i1.1436.

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Abstract:

Resumen: Reconociendo la importancia de los relatos para la imagenque las mujeres se formarán de sí mismas, se plantea lanecesidad de acometer la tarea feminista de ir en busca denuevos relatos, de nuevos argumentos, que nos permitanreescribir la vida de las mujeres como protagonistas. En estaperspectiva se presenta el trabajo literario de Ursula K. Leguin,reconocida por la crítica como autora una de las mejores prosasde la literatura norteamericana contemporánea, y cuya obraha sido catalogada como ciencia-ficción social, ya que trabajael género de la ciencia ficción de tal modo que éste sirve comocomentario social.Palabras clave: Literatura norteamericana, Crítica literariafeminista, Ciencia ficción, Ursula K. LeguinAbstract:Recognizing the importance of stories for the image womenwill form of themselves, this study asserts the need to take onthe feminist task of searching for new stories, new plots, thatwill allow us to rewrite women’s lives as protagonists. In thisperspective, the literary work of Ursula K. Leguin is presented,an author recognized by critics as writer of some of the bestprose in US literature today, and whose work is catalogued associal science fiction, since she works the genre of science fictionin such a way that it serves as social commentary.Key words: United States literature, feminist literary criticism,science fiction, Ursula K. LeGuin

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Matallana, Susana. "Ursula K. Leguin, o relatos para una puesta en escena distinta." La Manzana de la Discordia 1, no. 1 (2016): 17. http://dx.doi.org/10.25100/lmd.v1i1.1436.

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Borea Labarthe, Giuliana. "YUYANAPAQ. Activando la memoria en una puesta en escena para recordar." Illapa Mana Tukukuq, no. 1 (November 13, 2017): 57–68. http://dx.doi.org/10.31381/illapa.v0i1.1165.

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Abstract:

Ante el olvido, hoy muchos pueblos y naciones vienen optando por el recuerdo y la incorporación de acontecimiento de dolor a su identidad colectiva. En este contexto, las exposiciones y los museos se han ido configurando, a través de sus particularidades, en medios y escenarios posibles para abordar y reflexionar sobre la violencia política, sus móviles y consecuencias. El presente artículo analiza la exposición fotográfica de la Comisión de la Verdad y Reconciliación del Perú.

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Varsavsky, Paula. "Puesta en escena de Dos Charlottes en Buenos Aires." Latin American Theatre Review 39, no. 1 (2005): 180–81. http://dx.doi.org/10.1353/ltr.2005.0006.

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García, Mª Teresa García-Abad. "Diaghilev en Madrid: Un hito de la moderna puesta en escena." Bulletin of Hispanic Studies 77, no. 2 (2000): 57–71. http://dx.doi.org/10.1080/00074900050081592.

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Castro, Andrea. "María Negroni y la puesta en escena de lo no dicho." Pasavento. Revista de Estudios Hispánicos 5, no. 1 (2017): 37–52. http://dx.doi.org/10.37536/preh.2017.5.1.866.

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Abstract:

La obra de María Negroni se caracteriza por una puesta en diálogo entre géneros y medios desde la escritura. En este trabajo, focalizando en su poema largo La jaula bajo el trapo (1991) y en su novela La Anunciación (2007), se estudia cómo, a través de la representación de otros medios que exceden lo escritural, los textos activan la función conativa del lenguaje y convocan al lector a una posición de espectador, o sea, a asumir el rol del público de teatro ante un espectáculo. Este rol de lector-espectador le permitirá entrar en contacto, a través de una combinación de procesos cognitivos y percepción sensorial, tanto con el lenguaje como con lo no dicho, es decir con esos aspectos de la experiencia y de la memoria que no llegan a formularse con la palabra. A partir de los ejemplos analizados, se puede postular que los textos estudiados invitan a una reflexión, no solo de la limitaciones que presenta el lenguaje en cuanto a sus posibilidades de describir la experiencia, sino también acerca de las de la noción de sujeto y de la idea de subjetividad unitaria de base.

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Mascarell, Purificació. "De la polémica al equilibrio. Notas sobre la dicción del verso y la adaptación del texto en la puesta en escena actual del teatro clásico español." Cuadernos de Investigación Filológica 42 (December 2, 2016): 67. http://dx.doi.org/10.18172/cif.3053.

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Abstract:

Estas notas plantean un balance y un estado de la cuestión en torno a las dos problemáticas que más han marcado la recepción crítica de la puesta en escena de los dramaturgos clásicos españoles a lo largo del siglo XX: la dicción del verso y la adaptación de los textos áureos.

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Griesel, Yvonne. "Surtitling: Surtitles an other hybrid on a hybrid stage." TRANS. Revista de Traductología, no. 13 (October 4, 2017): 119. http://dx.doi.org/10.24310/trans.2009.v0i13.3160.

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Abstract:

La sobretitulación es una forma de transferencia interlingüística que tiene lugar en escena cuando una producción teatral se desplaza. Consiste, además, en una modalidad híbrida de traducción entre la traducción propiamente dicha y la interpretación. Por ello constituye un campo de investigación novedoso y de gran interés en el ámbito de los Estudios de Traducción. En la actualidad el público ya está acostumbrado a la recepción de imágenes fragmentadas en escena. Esta forma híbrida de traducción se inserta en un teatro intermedial. Este trabajo trata sobre la sobretitulación en el mencionado contexto híbrido. La hibricidad es una característica específica de la sobretitulación que se puede presentar de muchas formas y con la que se tiene que trabajar en escena. El artículo muestra que la transferencia interlingüística lejos de ser simple, presenta complejidad, encuentra muchos escollos como es el caso de las dicotomías. Pero si el escollo se acepta como un reto, este formará parte de la puesta en escena y además puede suponer una forma de enriquecerla.

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Godfrid, Julieta. "El discurso pro-minero en Argentina. Un estudio de caso a partir de la empresa minera La Alumbrera." Revista Brasileira de Linguística Aplicada 16, no. 2 (2016): 257–76. http://dx.doi.org/10.1590/1984-6398201519854.

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Abstract:

Resumen: El presente trabajo abordó las estrategias de legitimación mega-mineras en la Argentina, a partir de la construcción de un discurso pro-minero. Para ello, trabajamos a partir del estudio de caso de la empresa minera La Alumbrera y su estrategia comunicacional, analizando publicaciones de la revista Minera Alumbrera. Centramos nuestro análisis en reconstruir los modos en que la empresa proyecta una imagen de sí misma (ethos) (Amossy, 2000), la escena enunciativa a la que apela para hacerlo (Maingueneau, 1998) y los lugares comunes (topoi) de los cuales se vale (Perelman, 1989). La Alumbrera construye en sus publicaciones un ethos pedagógico a partir de una escenografía profesoral que se orienta a legitimar sus emprendimientos en un contexto de creciente conflictividad socioambiental.

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Sansone, Vincenzo. "Nuevas formas de llevar una ópera al teatro. Un caso de estudio. La flauta mágica de la compañía 1927 y de Kosky: animación 2d, nuevas tecnologías digitales y estilo vintage." Con A de animación, no. 7 (March 1, 2017): 108. http://dx.doi.org/10.4995/caa.2017.7301.

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Abstract:

La ópera, un género que a menudo se asocia al pasado, está más viva que nunca. Gracias a la aportación de directores y experimentadores provenientes del teatro, la ópera se ha convertido en uno de los campos por excelencia para la experimentación contemporánea, sobre todo en relación con el uso de nuevas tecnologías. Una verdadera paradoja. Un ejemplo es la puesta en escena de La flauta mágica de Mozart de la Komische Oper de Berlín, concebida y realizada por la compañía británica 1927 y por el director australiano Barrie Kosky en 2012. Es una representación atípica y extraña que utiliza las nuevas tecnologías del “video project mapping” y, al mismo tiempo, las técnicas de animación 2D —dibujos hechos a mano— con la intención de fusionar estéticas del pasado, sobre todo la del cine mudo y la de los orígenes de la animación, con la contemporaneidad. La intención de este trabajo es analizar la puesta en escena de esta obra en relación con los problemas actuales de la representación de óperas de repertorio.

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Rodríguez, María Itatí. "La puesta en escena de la efeméride provincial de Andrés Guacurarí y Artigas. Aportes desde una mirada semiótica-comunicacional." Clío & Asociados. La historia enseñada, no. 25 (December 29, 2017): 47–58. http://dx.doi.org/10.14409/cya.v0i25.6866.

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Abstract:

La conmemoración de las efemérides en la escuela nos ofrece uno de los espacios fundamentales en los que se narra los sentidos de la nación. En la actualidad observamos que en la provincia de Misiones se implementaron estrategias similares para la construcción de una identidad propia mediante la institución oficial de una efeméride. En el presente artículo pretendemos indagar sobre los significados y sentidos en relación a la producción identitaria puestos en escena en la conmemoración del 30 de noviembre “Día de la Bandera de Misiones” y “Día del Prócer misionero Andrés Guacurarí y Artigas”. Dicha conmemoración se incorpora al calendario de efemérides provincial con un carácter obligatorio y con la mayor jerarquía para su puesta en escena en todas las escuelas misioneras. Para ello en un primer lugar sentamos posición sobre nuestros lugares de enunciación; luego, relatamos algunos momentos de la conformación de la efeméride del 30 de Noviembre. Finalmente, compartimos algunas escenas sobre la puesta en funcionamiento de dos dispositivos en el marco de esta efeméride.

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Girona, Núria. "Voz y cuerpo autoriales en Juana Manso." América sin nombre, no. 25 (January 21, 2021): 65. http://dx.doi.org/10.14198/amesn.2021.25.05.

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Abstract:

El estilo de Juana Manso fue calificado por Sarmiento como «escandaloso». Esa manera inequívoca de presentarse públicamente delimitó desde entonces un modo de existencia, de circulación y de funcionamiento de su figura autorial en el campo cultural argentino de mediados de siglo XIX. Este artículo se propone rastrear esta singular «puesta en escena» de la escritora como un dispositivo de enunciación que no se limita a sus textos, en la doble dimensión que ocupa, como autora y como actora de ese campo. ¿Cómo se construye, en esta puesta escena, su voz y su imagen?, ¿Cómo se difunde ese cuerpo de autora? En la conjunción de género y profesión, la función-Manso se concreta en un tono de escritura y un modo de actuar como escritora, es decir, en un estilo de feminidad. En sus autorrepesentaciones se detecta un desajuste entre los ideales de género de la época y la manera de enfrentarlos. La monstruosidad se cuela en estas referencias: el cuerpo retorna inquietante en las figuras que la subjetividad impone al discurso.

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Ramos Frendo, Eva Mª. "Cenicientas actualizadas en las películas "Alma rebelde" y "Rebeca"." Boletín de Arte, no. 26-27 (March 30, 2018): 573–603. http://dx.doi.org/10.24310/bolarte.2006.v0i26-27.4565.

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Abstract:

El objeto del presente texto es analizar un prototipo iconográfico femenino extraído de dos novelas adaptadas al cine, cuyo argumento, diálogos y puesta en escena, junto a interpretaciones desde claves románticas, enriquecen los efectos de tensión y suspense creados en el espectador y contribuyen a profundizar en el estudio de la subjetividad de los personajes.

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Gómez Vázquez, Rakel. "A la sombra de la producción: Aproximaciones y puesta en valor de la catábasis, extensión oculta del proceso creativo." AusArt 6, no. 1 (2018): 261–72. http://dx.doi.org/10.1387/ausart.19464.

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Abstract:

Este artículo tiene como objetivo principal la puesta en valor y defensa del fracaso, la duda, las contradicciones y las paradojas inherentes a los procesos de producción e investigación artística, y su puesta en escena como método de construcción de saberes. Partiremos en esta reflexión de la presentación del caso de “El club Fénix” como ejemplo de la puesta en práctica, en espacios experimentales y abiertos, de metodologías artísticas que abren espacio a la discusión acerca de los problemas que atraviesa la creación artística en los procesos de producción. A partir de la presentación de este caso se revisarán las problemáticas a las que el arte se enfrenta desde la concepción académica del saber y de la construcción de conocimiento, así también como las consecuencias y posibilidades para la comunicabilidad de este saber.

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Sanler, Ioshinobu Navarro. "EL LENGUAJE ESCÉNICO QUE CONFORMA EL REPERTORIO CREADO POR AUGUST BOURNONVILLE." Revista Europeia de Estudos Artisticos 7, no. 4 (2016): 14–58. http://dx.doi.org/10.37334/eras.v7i4.120.

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Abstract:

Para la puesta en escena de una obra del repertorio romántico-clásico tradicional son muchos los elementos dentro del lenguaje escénico a tener en cuenta. Este tipo de repertorio, en la mayoría de los casos, debe seguir unos cánones que marca el estilo específico de la pieza que se lleva a escena, lo cual determina en su ejecución el respeto por la tradición ya sea bien del romanticismo, el clasicismo, u otras vertientes estilísticas que surgieron después como es el caso de estilo Balanchine, que con algunas variaciones dentro de la técnica misma se desarrolló en los Estados Unidos de Norteamérica en la década de 1940.

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Delgado-Morales, Manuel. "Palabra y ornato en la puesta en escena de Peribanez y Fuenteovejuna." Hispanic Review 61, no. 3 (1993): 345. http://dx.doi.org/10.2307/475070.

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García Bojórquez, Socorro, and María Edith Araoz Robles. "Una puesta en escena para transformarse: “Lección de cocina” de Rosario Castellanos." Revista Interdisciplinaria de Estudios de Género de El Colegio de México 5 (December 9, 2019): 1. http://dx.doi.org/10.24201/reg.v5i0.451.

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Abstract:

La literatura es una expresión cultural que engendra en su interior la ideología de una época determinada; mediante ella podemos repensar temas que aluden a la condición humana y a las formas de ser en el mundo. En este trabajo, con base en la categoría de género y en el análisis semiótico del discurso, analizamos el cuento Lección de cocina de Rosario Castellanos. Nuestro propósito es problematizar cómo opera el proceso performativo en la constitución del yo en la representación de un personaje femenino transgresor a mediados del siglo XX. Algunos de los cuestionamientos que guían nuestro análisis son: ¿qué significa configurar un sujeto femenino abyecto en esa época? ¿Qué recursos estéticos utiliza la escritora al configurar al personaje?

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