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1
Veltsos, Georges, Blanche Molfessis, and Olympia Glykioti. "Quatre poèmes." Po&sie 114, no. 4 (2005): 83. http://dx.doi.org/10.3917/poesi.114.0083.
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2
Lamiot Enos, Christophe. "Quatre Poèmes Inédits." Contemporary French and Francophone Studies 9, no. 4 (December 2005): 415–18. http://dx.doi.org/10.1080/17409290500242613.
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3
Nepveu, Pierre. "L’intimité aux quatre vents : pratique de la forme brève chez Gilbert Langevin." Dossier 22, no. 3 (August 29, 2006): 473–82. http://dx.doi.org/10.7202/201321ar.
Full textAbstract:
Résumé Depuis ses premiers poèmes jusqu'à ceux du Cercle ouvert, parus en 1993, Gilbert Langevin s'est toujours distingué par ses poèmes très courts, constitués d'énoncés crus et souvent télégraphiques. Mais les poèmes brefs de Langevin sont fort différents des haïkus de Jacques Brault. En soulignant cette différence, le présent article veut montrer que le poème court n'est pas pour Langevin un refuge dans l'intimité du soi, mais une façon d'exposer, dans sa forme la plus directe et dynamique, la subjectivité telle qu'elle serait vue par un témoin « naïf » qui observerait son agitation et ses cycles. Les poèmes de Langevin racontent une série d'événements soudains et violents, souvent représentés comme des crimes : ce point de vue paranoïaque est toutefois constamment racheté par l'espoir naïf que la vie refleurira et que les étoiles brilleront. Aucune intimité, aucun lien avec l'intériorité ne sont possibles par un recours à la mémoire ou à l'autobiographie : il n'y a que cette bataille permanente et mythique entre les forces du mal et la quête de lumière et de salut, une bataille que le poème bref tel que pratiqué par Langevin met en scène de la manière la plus vivante et la plus émouvante qui soit.
4
Wolff, Philippe. "Nouvelles recherches sur le vouvoiement : quatre poèmes épiques, quatre formes d'adresses, quatre tempéraments nationaux ?" Comptes-rendus des séances de l année - Académie des inscriptions et belles-lettres 132, no. 1 (1988): 58–74. http://dx.doi.org/10.3406/crai.1988.14572.
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5
Stratford, Madeleine. "Saint-Denys Garneau dans le prisme de ses traducteurs hispano-américains." TTR 28, no. 1-2 (October 23, 2017): 153–79. http://dx.doi.org/10.7202/1041655ar.
Full textAbstract:
Des quatre « grands aînés » de sa génération (les autres étant Alain Grandbois, Anne Hébert, et Rina Lasnier), le poète québécois Hector de Saint-Denys Garneau est de loin le plus traduit en espagnol. Les premières versions circulent en Amérique latine dès les années 1990. Au cours des années 2000, deux recueils bilingues consacrés à son oeuvre paraissent, traduits par Luis Vicente de Aguinaga. De tous les poèmes traduits, deux l’ont été à quatre reprises : « Accompagnement » et « Cage d’oiseau ». Nous nous intéressons ici à la façon dont le vers libre du poète a été reproduit. Nous déterminerons sous quel angle les traducteurs ont abordé la forme des poèmes pour évaluer, s’il y a lieu, la fréquence des combinaisons traductives. Notre analyse permettra de constater comment le vers libre de Saint-Denys Garneau est donné à lire au public hispano-américain et à quel point son style correspond aux originaux.
6
Durand Guiziou, Marie-Claire. "À propos de quelques «dérapages» dans la version espagnole du Cornet à dés de Max Jacob." Babel. Revue internationale de la traduction / International Journal of Translation 51, no. 3 (December 31, 2005): 238–61. http://dx.doi.org/10.1075/babel.51.3.03dur.
Full textAbstract:
Résumé Dans cet article, nous proposons une analyse de la traduction espagnole de quatre poèmes en prose de Max Jacob, extraits de son recueil Le Cornet à dés (1917). Notre choix s’est porté sur la traduction de “Tableau de la foire”, “Vie et marée” et, dans la série intitulée ‘Le coq et la perle’ du même recueil, sur “Le soleil est en dentelle” et “Brouillard, étoile d’araignée”, ces deux derniers poèmes se réduisant à un seul vers. C’est en 1924 que Guillermo de Torre, fervent admirateur de Max Jacob et contemporain du poète français, donne la version espagnole du Cornet à dés sous le titre El Cubilete de Dados. Or, il s’agit, à notre connaissance, de la seule traduction espagnole du recueil de poèmes de l’écrivain français, publiée en Espagne. Il nous a donc semblé intéressant de la commenter. Dans le cadre de cet article, nous avons choisi de considérer uniquement les quatre poèmes cités, traduits par de Torre, car ils sont représentatifs des “dérapages” que nous avons détectés dans la traduction espagnole du recueil de poèmes. Notre analyse s’inspire d’une part, des principes théoriques exposés par Etkind Efind dans un ouvrage qui a fait date en traduction littéraire: Un art en crise. Essai de poétique de la traduction poétique et d’autre part, de notre expérience en tant que traductrices d’ouvrages littéraires et enseignantes de traduction. À la lecture des défaillances rencontrées dans les textes traduits que nous commentons ici, une nouvelle traduction du recueil du Cornet à dés de Max Jacob serait à considérée. Au-delà des commentaires et de notre travail d’analyse des textes traduits, il nous a paru honnête de proposer, à notre tour, notre propre traduction des poèmes choisis afin que le lecteur puisse, lui aussi, en faire une lecture critique.
7
Melançon, Robert. "Poésie et vérité." Études françaises 48, no. 2 (December 17, 2012): 9–16. http://dx.doi.org/10.7202/1013331ar.
Full textAbstract:
L’oeuvre de Saint-Denys Garneau consiste essentiellement en soixante-dix ou quatre-vingts poèmes qu’il a écrits de 1934 à 1938, alors qu’il avait entre vingt-deux et vingt-six ans. Peu de temps après la publication de Regards et jeux dans l’espace, en 1937, il a cessé d’écrire et renié son oeuvre parce qu’il a cru qu’elle ne satisfaisait pas à une exigence de vérité qui définissait à ses yeux la poésie. On cherche ici à préciser, à partir de l’examen des variantes de Regards et jeux dans l’espace et des pages du Journal dans lesquelles il juge ses poèmes, quelle est cette vérité et quelle relation le poète entretient avec ce qu’il écrit.
8
Bouygues, Élodie, and Jean Follain. "Quatre poèmes inédits de Jean Follain présentés par Élodie Bouygues." Littératures 46, no. 1 (2002): 193–201. http://dx.doi.org/10.3406/litts.2002.2192.
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9
Karácsony, Noémi. "The Sound of India In Maurice Delage’s Quatre Poèmes Hindous." Studia Universitatis Babeş-Bolyai Musica 65, no. 2 (December 21, 2020): 277–96. http://dx.doi.org/10.24193/subbmusica.2020.2.18.
Full textAbstract:
"French composer and pianist Maurice Delage wrote several significant works inspired by his personal contact with the Orient. His travels to India inspired Delage to use innovative sound effects in his compositions, as well as to require his performers to adapt their vocal or instrumental technique to obtain the sound desired by the composer. His representation of the Orient is not a mere evocation of the Other, as is the case with most orientalist works, rather it reflects the composer’s desire to endow Western music with the purity, strength, and vivid colors which he discovered and admired in Indian music. The present paper presents the historical and artistic background which inspired and influenced Delage, the relationship between France and India in the early 20th century and reveals the composer’s idealistic point of view regarding India, its culture, and its music. The analysis focuses on the mélodie cycle Quatre poèmes hindous, composed between 1912 and 1913, striving to reveal the Indian influences in the work of Delage and the way orientalism is represented in French music from the first decades of the 20th century. Keywords: orientalism, France, India, 20th century, Maurice Delage"
10
Lécrivain, Claudine. "Andrés Holguín et la poésie française: une brève lecture de Mallarmé en traduction." Co-herencia 12, no. 22 (June 2015): 59–95. http://dx.doi.org/10.17230/co-herencia.12.22.4.
Full textAbstract:
La réception en Espagne de l’œuvre de Stéphane Mallarmé s’organise en quatre moments centraux, marqués par un certain succès critique et par la circulation de traductions en espagnol. Entre 1940 et 1960, Mallarmé figure dans l’anthologie Poesía Francesa du poète colombien Andrés Holguín (1954), anthologie qui présente l’intérêt d’une articulation permanente entre les poèmes traduits et les notices introductrices sur chaque poète retenu, qui développe ainsi deux niveaux de réception critique et de (re)présentation de la poésie française. L’article analyse dans un premier temps l’environnement socioculturel lors de la parution du recueil : climat culturel de l’époque, situation de l’édition, certaines circonstances de l’élaboration de cette anthologie, réflexions sur la traduction en vigueur à l’époque, etc. La deuxième partie cerne l’identité d’Andrés Holguín et ses objectifs, ainsi que les caractéristiques de l’anthologie. Et pour finir, dans un troisième temps, l’article aborde la présence fondue de Mallarmé à l’intérieur du recueil, les commentaires critiques d’Holguín ainsi que les grands traits du transfert textuel des trois poèmes retenus et traduits.
11
Bernadet, Arnaud. "Une différence à inventer : l’américanité sauvage de Supervielle." Études littéraires 47, no. 2 (May 2, 2018): 45–71. http://dx.doi.org/10.7202/1045746ar.
Full textAbstract:
Résumé L’expression de l’américanité chez Jules Supervielle est l’objet de plusieurs récidives littéraires. À mesure qu’il se dégage de l’influence romantique et parnassienne, encore prégnante dans Brumes du passé et Comme des voiliers, le poète apprend à « plier à son goût » la Muse uruguayenne. De Poèmes à Débarcadères, l’américanité se révèle plus encore inséparable d’une quête de l’identité. Elle traduit l’exigence d’une signature, capable enfin d’assigner à l’oeuvre ce que Supervielle appelle le « ton réel ». La question de la manière – cette mesure personnelle de l’écriture, conquise au terme des quatre premiers recueils – ne se distingue pas chez lui de la question de la culture, et réciproquement.
12
Bishop, Michael. "Hàn, Herlin, De Burine, Baron Supervielle: Quatre Poèmes, “Rçvant Échos/Mobilisant/Étoiles”." Symposium: A Quarterly Journal in Modern Literatures 53, no. 4 (January 2000): 209–19. http://dx.doi.org/10.1080/00397700009598524.
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13
Nelson, Brent L. "Courtship and the Hill of Truth: Religion, Career, and the Purification of Motives in Donne's Satyres and Sermons." Renaissance and Reformation 39, no. 4 (January 1, 2003): 5–29. http://dx.doi.org/10.33137/rr.v39i4.8917.
Full textAbstract:
Cet article se propose d’examiner comment Donne, dans sa «Satyre III», manipule l’amour pour l’Être divin par l’intermédiaire de la «hill of Truth». L’article tente aussi de démontrer en quoi cette image constitue le centre symbolique des satires de l’auteur et une solution au problème du dévouement sociopolitique décrit dans les quatre poèmes. La fonction rhétorique de l’ascension saute aux yeux dans les sermons, où Donne attise avec méthode le désir et l’ambition pour diriger les auditeurs vers l’amour de l’Être divin.
14
Gangloff, Anne. "Comment parler du divin? Langages mythiques et conception des dieux chez Dion de Pruse." Rhetorica 28, no. 3 (2010): 245–60. http://dx.doi.org/10.1525/rh.2010.28.3.245.
Full textAbstract:
Le sophiste Dion de Pruse s'est interrogé sur l'expression du divin dans quatre discours (Or. XI XII, XXX et XXXVI). Il s'agit de recourir aux symboles qui conviennent le mieux au divin et qui offrent le meilleur medium de communication. Dion cherche, d'une part, à renouveler le langage mythique issu des poèmes d'Homère et d'Hésiode, car celui-ci répand des représentations immorales qui ne correspondent plus à la sensibilité religieuse du Haut Empire. Il ne souhaite pas, d'autre part, rompre avec les cadres de la piété traditionnelle, et en cela il se présente bien comme un représentant de la Seconde Sophistique.
15
Paré, François. "Pluralité et convergence dans la poésie d’Élise Turcotte." Dossier 31, no. 3 (July 10, 2006): 35–45. http://dx.doi.org/10.7202/013237ar.
Full textAbstract:
Résumé La poésie d’Élise Turcotte met en scène la recherche de lieux-refuges où pourraient se manifester les valeurs holistiques de convergence et d’unité. Ces espaces privilégiés, comme la chambre et la cuisine, présentent les caractéristiques d’une pluralité rassurante où tend à se blottir le sujet énonciateur à l’abri de la menace extérieure et de la rupture du sens. Ainsi, les poèmes de Turcotte recensent souvent les objets familiers, les vêtements, les images, les couleurs, tous signes tangibles d’une collectivité renouvelée et protectrice. Dans cet article, nous étudions ces stratégies de convergence dans les quatre premiers recueils de l’auteure.
16
Hambly, Peter. "Réflexions sur quatre poèmes de Mallarmé: "Las de l'amer repos", "Apparition", "M'introduire" et "Hommage" (à Puvis de Chavannes)." Australian Journal of French Studies 29, no. 1 (January 1992): 78–101. http://dx.doi.org/10.3828/ajfs.29.1.78.
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17
Diez, Martino. "Zuhayra ! Quatre poèmes à sa fille sur la vieillesse et la mort, written by Abū Kabīr al-Huḏalī." Arabica 62, no. 4 (August 11, 2015): 587–89. http://dx.doi.org/10.1163/15700585-12341369.
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18
Labelle-Hogue, Simon-Pier. "Denis Vanier. Une poétique de la déjection." Études 35, no. 3 (August 17, 2010): 117–32. http://dx.doi.org/10.7202/044265ar.
Full textAbstract:
La poétique vaniérienne propose un univers marqué par l’interaction de différents fluides qui, combinés aux isotopies du désert et de la chaleur, permettent de déceler une thématique de la soif. Denis Vanier tentera, en effet, de multiplier les liquides qu’il intègre à ses poèmes en vue d’une purification symbolique liée à la destruction progressive du poncif de l’écrivain contre-culturel qui l’a accompagné tout du long de sa carrière. Nous analyserons donc, d’un point de vue thématique, la présence polymorphe de la soif au fil de quatre de ses recueils, lesquels recouvrent l’ensemble de ses périodes poétiques. Les exemples que nous en tirerons nous permettront de circonscrire les fonctions des différents liquides en vue d’une interprétation linéaire des ouvrages et d’une synthèse de la métaphysique vaniérienne.
19
Yuanzheng, Yang. "Jindou: A Musical Form Found in Southern Song Lyric Songs." T’oung Pao 101, no. 1-3 (August 28, 2015): 98–129. http://dx.doi.org/10.1163/15685322-10113p03.
Full textAbstract:
By introducing a newly-discovered manuscript copy of the lyric song anthology of the poet-musician Jiang Kui (1155–1221), this article aims to elucidate a hitherto unnoticed musical form of the genre: the jindou form. A comparison between the manuscript and all the early modern editions reveals discrepancies in the stanzaic divisions of four of Jiang’s seventeen songs for which he provided notation. Through musical analysis it is argued that the opening line of the second stanza in all the early modern editions may have been intentionally placed at the end of the first in the newly-discovered manuscript in order to remind the singer of the jindou form, in which the cadential notes of the first stanza immediately repeat at the beginning of the second. Therefore, these “unusual” stanzaic divisions are not mistakes, but indications of conventional performance practice in the Southern Song dynasty as dictated by musical factors. S’appuyant sur une copie manuscrite récemment découverte de l’anthologie de poèmes chantés du poète et musicien Jiang Kui (1155–1221), cet article s’attache à élucider une forme musicale propre à ce genre et à laquelle on n’a jamais prêté attention : la forme jindou. La comparaison entre ce manuscrit et l’ensemble des éditions de la fin de la période impériale révèle des différences dans la division strophique de quatre poèmes de Jiang sur les dix-sept pour lesquels la notation musicale est fournie. L’analyse musicale permet d’établir que le premier vers de la seconde strophe dans toutes les éditions de la fin de l’empire a été délibérément placé à la fin de la première strophe dans le nouveau manuscrit, ce afin de rappeler au chanteur la forme jindou, dans laquelle les notes cadentielles de la première strophe sont immédiatement répétées au début de la seconde. Cette division inhabituelle entre strophes n’est donc pas le résultat d’une erreur: elle signale ce qui était le mode d’exécution conventionnel, basé sur des facteurs purement musicaux, à l’époque des Song du Sud.
20
Faber, Sébastien. "Étude de l’organisation des poèmes des quatre saisons et d’amour dans le Kokin waka-shû, première anthologie impériale de poésie japonaise." Cipango, no. 17 (June 30, 2010): 301–2. http://dx.doi.org/10.4000/cipango.1499.
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21
Parayre, Catherine. "Ecrire à la suite de : Andrée Lacelle, Andrée Christensen et Jacques Flamand, Paul Savoie et Dyane Léger." Voix Plurielles 9, no. 1 (May 12, 2012): 69–83. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v9i1.579.
Full textAbstract:
« Ecrire à la suite de » est un procédé d’écriture courant dans la littérature, qu’il s’agisse de mettre en relief l’intertextualité de l’œuvre (par exemple, en incluant des citations), de s’adonner à un travail basé sur l’intermédialité (par exemple, dans un texte rédigé à partir de photographies) ou encore d’écrire à quatre mains, lorsqu’un des deux auteurs ajoute son texte à celui du partenaire d’écriture. Ne faisant pas exception, les littératures francophones du Canada pratiquent tout aussi fréquemment cette écriture de l’après. Le présent article en examinera quelques exemples dans des œuvres de nature introspective : La lumière et l’heure : poèmes et carnets (2004) d’Andrée Lacelle, avec des tableaux de Réjine Halimi ; Lithochronos ou le premier vol de la pierre (1999) d’Andrée Christensen et Jacques Flamand, avec des photographies de Christensen ; et L’incendiaire (2008) de Paul Savoie et Dyane Léger. L’analyse montrera que l’écriture « à la suite de », aussi variées qu’en soient les manifestations, non seulement met en évidence la présence de l’auteur dans ces textes, mais a aussi pour résultat, dans ces œuvres méditatives, de dédramatiser et d’amenuiser l’intensité de la réflexion existentielle.
22
Stratford, Madeleine. "Émile Nelligan en espagnol : quatre versions latino-américaines d’un même « soir d’hiver »." Meta 63, no. 1 (July 11, 2018): 197–215. http://dx.doi.org/10.7202/1050521ar.
Full textAbstract:
Émile Nelligan est un des plus grands auteurs de la poésie québécoise, symbole du « poète maudit ». De tous les membres de l’École de Montréal, il est le plus traduit en espagnol. Éditées au Mexique dès les années 1980, les premières versions sont rééditées, révisées et augmentées à la fin des années 1990. En outre, deux anthologies mexicaines et une espagnole publient une sélection traduite entre 1996 et 2002. Mis en musique et inclus dans de nombreux manuels, Soir d’hiver constitue l’un des plus grands « classiques » nelliganiens. À ce jour, nous en avons répertorié quatre versions espagnoles : une de Marco Antonio Campos (éditée d’abord en 1989, puis en 1999), une de Lorenza Fernández del Valle et Juan Carvajal (1996), une de Benjamín Valdivia (2002) et une dernière de Miguel Frontán (non datée, sur le Web). Curieusement, aucune d’entre elles ne reproduit, à première vue, le schéma métrique ou rimique du poème original. Pourtant, l’un des traducteurs prétend avoir apporté une grande attention à la « musique » des vers, quitte à en sacrifier le sens. Cette étude déterminera sous quel angle les traducteurs ont abordé l’aspect sonore du poème, en comparant les caractéristiques phoniques des retraductions et leurs effets en regard de la « trame sonore » originale.
23
Imbert, Christophe. "Quatre poètes pour approcher une culture de l’amour : Ovide, Pétrarque, Shakespeare, Goethe." Littératures 50, no. 1 (2004): 55–96. http://dx.doi.org/10.3406/litts.2004.1924.
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24
Foucart, Claude, and Max Jacob. "Variations sur un poème de Max Jacob : quatre traductions allemandes de «Nocturne»." Centre de recherches Max Jacob 7, no. 1 (1985): 51–62. http://dx.doi.org/10.3406/maxja.1985.1232.
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25
Collani, Tania. "Olivier Parenteau, Quatre poètes dans la Grande Guerre. Apollinaire, Cocteau, Drieu la Rochelle, Éluard." Studi Francesi, no. 176 (LIX | II) (August 1, 2015): 402–3. http://dx.doi.org/10.4000/studifrancesi.929.
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26
Miranda, José Américo. "Bernardo Guimarães, crítico de Gonçalves Dias." Revista do Centro de Estudos Portugueses 23, no. 32 (December 31, 2003): 13. http://dx.doi.org/10.17851/2359-0076.23.32.13-19.
Full textAbstract:
<p>O texto apresenta uma análise breve de alguns aspectos do artigo de crítica literária dedicado por Bernardo Guimarães aos quatro primeiros cantos de <em>Os timbiras</em>, de Gonçalves Dias. Esse artigo constitui uma das incursões críticas que o romancista e poeta Bernardo Guimarães publicou no jornal <em>A Atualidade</em>, do qual foi editor literário nos anos de 1859 e 1860. Enfocam-se especialmente alguns detalhes do texto crítico, nas restrições que faz ao estilo e à metrificação do poema <em>Os timbiras</em>. No caso da metrificação, estuda-se com mais detalhe a funcionalidade do recurso poético do <em>enjambement </em>em certa passagem do poema.</p> <p>Ce texte présente une brève analyse sur quelques aspects de l’article de critique littéraire dédié par Bernardo Guimarães aux quatre premiers chants de <em>Os Timbiras</em>, de Gonçalves Dias. Cet article à été publié dans le journal <em>A Atualidade</em>, duquel Bernardo à été l’éditeur littéraire pendant les années 1859-1860. Nous abordons quelques détails du texte de Bernardo, surtout les restrictions qu’il fait au style e ‘a la métrification du poème de Gonçalves Dias. Quant’ à la métrification du poème, on étudie surtout l’enjambement dans um passage du texte.</p><p> </p>
27
Bensimon, Paul. "Figure, figuralité, dé‑figuration, sur‑figuration : aspects de la traduction poétique." TTR : traduction, terminologie, rédaction 12, no. 1 (February 26, 2007): 57–89. http://dx.doi.org/10.7202/037353ar.
Full textAbstract:
Résumé Figure, figuralité, dé-figuration, sur-figuration : aspects de la traduction poétique — Le relief figural d'un poème s'avère souvent modifié, ou arasé, dans l'opération traduisante, par une insuffisante perception — en amont du traduire — de « l'espace intérieur du langage » qu'est la figure, ainsi que des mécanismes figuratifs. L'idée pernicieuse et tenace de la figure comme fleur de rhétorique, élément décoratif, sous-tend fréquemment aussi le rhétorique, élément décoratif, sous-tend fréquemment aussi le comportement traductif face à un texte de poésie ; c'est par là-même toucher du doigt un autre a priori tout aussi néfaste : l'appartenance de la figure à la forme du poème, envisagée comme dissociable de son sens. On examine ici la fortune de quatre figures-clés — comparaison, métaphore, hypallage, répétition — dans diverses traductions de poésie, à la lumière du principe général de concordance énoncé par Meschonnic pour l'établissement d'un rapport poétique entre un texte et sa traduction. La démétaphorisation à laquelle procède telle ou telle traduction supprime ou anémie des éléments essentiels du processus de signifiance. À l'inverse de l'ablation ou de la destruction de figures, c'est un ajout de figures, voire une surcharge figurale, qu'on rencontre, à d'autres moments, dans la traduction poétique. Animé par le désir d'embellir, de poétiser l'original, le traducteur plaque des fioritures sur le texte source : la rhétorisation est une des pratiques les plus courantes de la « domination esthétisante ». Rester au plus près du régime figural d'un poème, c'est respecter l'unité organique de ce poème, et préserver son intégrale textualité.
28
BAUCHAU, Henry. "« Il meurt renaissant » : quatre lettres inédites de Daniel De Bruycker à Henry Bauchau, présentées et annotées par Olivier Belin." Revue internationale Henry Bauchau. L’écriture à l’écoute, no. 6 (December 30, 2014): 23–26. http://dx.doi.org/10.14428/rihb.v0i6.17343.
Full textAbstract:
Quatre lettres du poète Daniel De Bruycker à Henry Bauchau, qui montrent comment celui-ci lui a conseillé de s’orienter vers le roman. Le dossier est présenté par Olivier Belin (olivier.belin@u-cergy.fr)
29
Perron, Paul. "Relire le Fou d’Elsa de Louis Aragon." Analyses 28, no. 1 (April 12, 2005): 69–82. http://dx.doi.org/10.7202/501111ar.
Full textAbstract:
Dans ce travail nous explorons l'articulation, le déploiement, le timbre, le grain, ou encore la polyphonie des voix multiples qui ponctuent et orchestrent ce long et complexe poème de plus de quatre cent cinquante pages, couvrant plus de cinq siècles d'histoire et traitant de diverses cultures d'origine européenne et arabe inextricablement imbriquées. Bien que le concept de polyphonie doive beaucoup à Bakhtine qui s'en est surtout servi dans ses analyses du roman, nous l'infléchissons afin de tenir compte du jeu du tourniquet de voix qui se font écho lors du dévidage de la narration de ce poème. Aucune réponse monologique n'arrive à résoudre la tension ou la dissonance de l'univers figurativisé de ce texte. Forme-sens, dans le Fou d'Elsa , la polyphonie n'est pas le simple relais d'une profusion de points de vue, mais participe plutôt à la fois à l'historicité individuelle et collective, ancienne et moderne, imaginaire et symbolique, et produit, dans sa spécificité, les sens et les formes d'une culture donnée, son livre ouvert.
30
Ford, Philip. "An Early French Renaissance Salon: The Morel Household." Renaissance and Reformation 40, no. 1 (January 1, 2004): 9–20. http://dx.doi.org/10.33137/rr.v40i1.8942.
Full textAbstract:
Dès la fin des années 1540, la famille de Jean de Morel accueillait dans sa maison de la rue Pavée à Paris les poètes et les humanistes les plus proéminents de la capitale: Nicolas Bourbon, Jean Salmon Macrin, Jean Dorat parmi les néo-latins; Joachim Du Bellay, Ronsard, Jean-Antoine de Baïf, pour ne citer que quelques-uns des poètes de langue vulgaire. Or, la femme de Morel, Antoinette de Loynes, et ses trois filles, Camille, Lucrèce et Diane, avaient toutes les quatre reçu une éducation humaniste, leur permettant non seulement de participer aux activités littéraires et humanistes de ce que l'on a appelé le premier salon en France, mais encore d'attirer l'admiration du monde cultivé de l'époque. En examinant la correspondance des membres de la famille ainsi que certains ouvrages imprimés, cet article se propose d'illustrer les relations que les membres de la famille ont entretenues avec les visiteurs du salon ainsi que les changements d'attitude qui ont eu lieu au cours du XVIe siècle à l'égard de l'éducation des jeunes filles.
31
Scotto, Fabio. "Quatre poètes dans l’Europe monde. Yves Bonnefoy, Michel Deguy, Márton Kalász, Wulf Kirsten, sous la direction de Stéphane Michaud." Studi Francesi, no. 161 (LIV | II) (September 1, 2010): 408. http://dx.doi.org/10.4000/studifrancesi.7035.
Full text
32
Marsot, Julien. "Ghil « hors de l’oubli où la voix de Mallarmé relègue aucun contour »." Études françaises 52, no. 3 (November 21, 2016): 53–75. http://dx.doi.org/10.7202/1038057ar.
Full textAbstract:
René Ghil s’est très tôt positionné comme disciple de Mallarmé à partir d’une audition unique de L’après-midi d’un faune dans le cadre d’une lecture publique de 1884. À partir de cette « mésécoute » inaugurale de Mallarmé et des connaissances partielles qui étaient les siennes, il entreprendrait le développement d’une conception matérialiste et « réaliste » de la sonorité vocale, médiatisée par une référence à l’impressionnisme. Suivant en ce sens plutôt les gloses au poème de Huysmans et de Mendès, l’errance théorique de Ghil ferait craquer l’armature à quatre mains du Traité du verbe (1886), et ce, puisque l’« Avant-dire » donné par Mallarmé à l’opuscule inverse plutôt point par point l’art vocal trans-esthétique du disciple, en le déplaçant sur le terrain linguistique et poétique. On lira donc dans le Traité du verbe un double « double état » de la parole : celui de Ghil qui oppose l’écriture silencieuse à la voix musicalement sonore, et celui de Mallarmé qui institue un distinguo entre modes énonciatifs et genres de discours pour valoriser la « notion pure » portée par la voix musicale et suggestive « idéelle » du poème.
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Bonenfant, Joseph. "Pour une lecture pragmatique de la poésie." Études littéraires 25, no. 1-2 (April 12, 2005): 65–82. http://dx.doi.org/10.7202/500997ar.
Full textAbstract:
La pragmatique poétique s'applique à dégager d'un texte un ensemble de procédures visant à satisfaire les conditions de réussite de la communication poétique. L'auteur compare ici les stratégies interactives de quatre textes poétiques choisis pour leurs différences formelles : « À une passante » de Baudelaire, « Apparition » de Mallarmé, « Being Beauteous » de Rimbaud et « Poème de séparation 2 » de Gaston Miron. Il apparaît que le titre et les thèmes de chaque texte peuvent indifféremment être appliqués aux trois autres, ce qui permet de ne s'arrêter qu'aux énoncés réalisés chacun dans son contexte, pour chercher à définir comment la lecture, dans sa démarche interprétative, à l'égal de l'écriture, est cocréatrice de l'énonciation.
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Cavallaro, Adrien. "“Un petit livre de critique, – Ô de critique ! d’exaltation plutôt” – 'Ethos' critique et configurations anthologiques des 'Poètes maudits' (1884-1888)." Revista Texto Poético 15, no. 28 (October 15, 2019): 105. http://dx.doi.org/10.25094/rtp.2019n28a630.
Full textAbstract:
Cet article propose une approche d’ensemble des Poètes maudits, trop souvent réduits aux dimensions de l’étude sur Rimbaud qu’y propose Verlaine (et dont l’anthologie a constitué un point de référence pour la génération symboliste), ou confinés dans le cadre d’approches mythographiques. Les six études qui y sont recueillies sont pourtant riches d’enseignements sur la posture critique de Verlaine et témoignent de recherches très neuves sur la constitution et l’agencement des anthologies poétiques, de même que leur élaboration invite, de manière plus générale, à reconsidérer l’art verlainien de la prose.----------------------------------------------------------------------------“UM LIVRINHO DE CRÍTICA, - OH DE CRÍTICA! PREFERENCIALMENTE DE EXALTAÇÃO” - ETHOS CRÍTICO E CONFIGURAÇÕES ANTOLÓGICAS EM POÈTES MAUDITS (1884-1888)Este artigo propõe uma abordagem da coletânea Poètes maudits (antologia que constituiu um ponto de referência para a geração simbolista), com frequência reduzida ao alcance do estudo sobre Rimbaud que Verlaine lá propõe ou inserida em um quadro de abordagens mitográficas. Os seis estudos recolhidos no livro, no entanto, são ricos em lições sobre a postura crítica de Verlaine e reforçam evidências presentes em pesquisas mais recentes sobre a constituição e o agenciamento de antologias poéticas, ao mesmo tempo que sua elaboração convida, de forma mais ampla, a reconsiderar a arte da verlaineana da prosa.
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Romero Figueroa, Edgar. "Una retórica revolucionaria: el caso de las poéticas centroamericanas." Revista Trace, no. 77 (January 31, 2020): 59. http://dx.doi.org/10.22134/trace.77.2020.146.
Full textAbstract:
La lectura de cuatro poetas centroamericanos: Ernesto Cardenal, Roberto Sosa, Otto René Castillo y Roque Dalton permite esbozar la caracterización de una cierta poesía revolucionaria de la segunda mitad del siglo XX, desde una perspectiva retórico-discursiva. Para ello, se cuestiona la función que algunos dispositivos retóricos específicos (figuras como la metáfora o estrategias complejas, y por ende difícilmente clasificables, como el motivo o topos) cumplen en los proyectos poético-revolucionarios.Abstract: Through the work of four Central American poets: Ernesto Cardenal, Roberto Sosa, Otto René Castillo, and Roque Dalton, we describe the features of certain revolutionary poetry of the second half of the 20th century, from a rhetorical and discourse theory perspective. For this, we question the function of some specific rhetorical devices (figures like the metaphor or complex strategies, therefore difficult to classify, as the motif or topos) in revolutionary poetic projects.Key words: Central American poets, Central America, revolution, rhetoric, second half of 20th century.Résumé : La lecture de quatre poètes centre-américains, Ernesto Cardenal, Roberto Sosa, Otto René Castillo et Roque Dalton permet d’esquisser la caractérisation d’une certaine poésie révolutionnaire de la deuxième moitié du XXe siècle depuis une perspective réthorico-discursive. Pour ce faire, nous interrogeons la fonction de certains dispositifs rhétoriques précis (figures de style telles que la métaphore mais aussi stratégies complexes et donc difficilement classables, comme le motif et le topos) dans les projets poético-révolutionnaires.Mots-clés : poètes centre-américains, Amérique centrale, révolution, rhétorique, deuxième moitié du XXe siècle.
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Léostic, Fanny. "Effets sociaux et spatiaux de la politique de rénovation urbaine dans les quartiers en difficulté des villes françaises." I Politiques urbaines et du logement, no. 63 (July 22, 2010): 27–42. http://dx.doi.org/10.7202/044147ar.
Full textAbstract:
Le Programme national de rénovation urbaine (PNRU) a pour objectif de réduire les écarts de développement entre les quartiers en difficultés des villes françaises et les autres espaces urbains, en intervenant essentiellement sur les logements sociaux (démolitions, constructions, réhabilitations, résidentialisations). À l’aide d’une méthode quantitative, à partir de quatre exemples (quartier La Noé à Chanteloup-les-Vignes, quartier des Poètes à Pierrefitte-sur-Seine, quartiers Sud-Est et quartier du Crêt-de-Roc à Saint-Étienne), cet article aborde quelques effets sociaux et spatiaux de la rénovation urbaine. En termes architecturaux et urbains, le PNRU entraîne une normalisation et une invisibilisation des quartiers en difficultés, en faisant disparaître les « stigmates » de ce mal-être urbain, les immeubles caractéristiques des grands ensembles. Mais ce programme normalisateur intervient sur des quartiers divers, géographiquement et socialement, et entraîne donc des évolutions différenciées de ces espaces, évolutions parfois contraires aux objectifs initiaux.
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Romeri, Luciana. "Fiction et histoire chez Lucien." Tangence, no. 116 (August 31, 2018): 23–37. http://dx.doi.org/10.7202/1051077ar.
Full textAbstract:
Lucien de Samosate (iie siècle) consacre deux ouvrages à l’histoire et aux historiens, l’un, Comment écrire l’histoire, rédigé sous la forme sérieuse d’un manuel, l’autre sous la forme parodique d’un long voyage extraordinaire, les Histoires vraies. Dans cet article, je m’intéresse à la critique qui, par delà la parodie et le fantastique, traverse les Histoires vraies, visant à la fois les poètes, les historiens et les philosophes du passé, en raison des nombreuses choses « prodigieuses et fabuleuses » qu’ils ont écrites. En parcourant les quatre paragraphes qui composent le prologue de cet ouvrage et qui explicitent la pensée et la position de Lucien, il s’agira de montrer que, par le biais de cette histoire fabuleuse, l’auteur entend mener une réflexion sur les différentes formes de récits, historiques et poétiques, et de redéfinir, en particulier, le statut que doit avoir le discours qui porte sur le passé.
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MAYAUX, Catherine. "Aspects de la genèse de L’Escalier bleu." Revue internationale Henry Bauchau. L’écriture à l’écoute, no. 6 (December 30, 2014): 119–36. http://dx.doi.org/10.14428/rihb.v0i6.17413.
Full textAbstract:
L’article retrace la genèse du recueil L’Escalier bleu, dont l’écriture s’échelonne de 1958 à 1964, et qui a connu quatre éditions distinctes du vivant de l’auteur. L’étude des manuscrits, opérée en lien avec les témoignages du poète dans son journal et avec l’écriture du roman La Déchirure, relève les variantes qui trahissent la difficulté de dire un site crucial dans l’histoire de la personnalité de l’auteur. Elle montre combien l’advenue de la forme est en même temps une advenue à soi de l’écrivain.
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Illouz, Jean-Nicolas. "Mallarmé, une poétique du don (À propos des 'Loisirs de la Poste' et autres 'Récréations Postales')." Revista Texto Poético 15, no. 28 (October 15, 2019): 168. http://dx.doi.org/10.25094/rtp.2019n28a632.
Full textAbstract:
Le jeu formel du quatrain-adresse fait apparaître en miniature, et avec ironie, quelques-uns des enjeux fondamentaux de la poétique de Mallarmé: la forme maintenue comme un absolu jusque dans la réalisation, en mineur, de petits livres-fétiches ou poèmes-objets ; une érotique de la distance ; une pensée de la communauté littéraire (telle que la manifeste le lien épistolaire) qui se sait adossée à la solitude d’écrire.----------------------------------------------------------------------------MALLARMÉ, UMA POÉTICA DO DOM (A PROPÓSITO DE LOISIRS DE LA POSTE E AUTRES RÉCRÉATIONS POSTALES)O jogo formal da quadra endereçada faz aparecer em miniatura e com ironia algumas das questões fundamentais da poética de Mallarmé: a forma mantida como um absoluto até na realização, em menor escala, dos pequenos livrosfetiches ou poemas-objeto; uma erótica da distância, um pensamento da comunidade literária (como o manifesta a ligação epistolar) que se sabe postada na solidão do escrever.
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Breteau, Clara. "POÈME : la POïesis à l’Ère de la MÉtamorphose // POÈME: La POiesis en la Era de la MEtamorfosis." Ecozon@: European Journal of Literature, Culture and Environment 10, no. 1 (April 27, 2019): 136–63. http://dx.doi.org/10.37536/ecozona.2019.10.1.2649.
Full textAbstract:
Résumé En nous appuyant sur une reconstitution de l’histoire de la notion de poïesis et notamment sur ses mobilisations dans des domaines extra-littéraires, nous dégageons dans cet article son potentiel pour être réinvestie comme désignant un certain type de faire ouvert au hasard et au vivant, se déployant aussi bien dans le medium naturel que dans le medium de la langue. Nous proposons alors de re-sonder à l’aune de son instrument une série de lieux de vie autonomes étudiés pendant une enquête terrain de quatre mois, de mai à septembre 2015. Comme nous le montrerons, la poïesis s’avère particulièrement utile pour observer dans ces habitats au métabolisme réinscrit dans la nature vivante des productions faisant figures de véritables « nexus » ou enchevêtrements entre matière et signification. Ceux-ci donnent corps à une « habitation poétique du monde » observable non plus dans les textes mais au cœur de la vie quotidienne, appelant en filigrane à élargir le domaine de l’écocritique et à se ressaisir de sa dimension profondément politique. Abstract This article starts with a survey reconstructing the history of the notion of poiesis, with a specific emphasis on the way it has been used in various fields outside literature. This survey brings out that the potential of poiesis to be both understood and dwelled in anew as a type of making open to randomness and that organically unfurls together with the unpredictability of the living, as well as a kind of fashioning that unfolds equally in natural processes and those of human language. In this very light, the article then goes on to probe into the poiesis characterizing a series of sustainable alternative dwellings which were studied over a four-month period of fieldwork, from May to September 2015. Within those human habitats organically built up and encapsulated again within living nature, poiesis proves particularly useful when examining the production of designs and artefacts which entangle matter and meaning in a genuine ‟nexus.” Such designs and artefacts, it is argued here, give physical shape to a ‟poetic inhabiting of the world” no longer limited to literary texts only, but also unfolding at the very heart of everyday life. In connection with these sustainable forms of human habitat, and even beyond, this article sheds new light on the very embodied, and therefore political, nature of language and the imagination. Resumen Este artículo comienza con una estudio que reconstruye la historia de la noción de poiesis, con un énfasis específico en la forma en que esta se ha utilizado en diversos campos ajenos a la literatura. Este estudio revela que el potencial de la poiesis debe ser entendido y reinstaurado como un modo de « hacer » abierto al azar y que se despliega orgánicamente junto con la imprevisibilidad de la vida, así como un modo de diseño que se desarrolla igualmente en procesos naturales y del lenguaje humano. En este mismo sentido, el artículo continúa investigando la poiesis que caracteriza una serie de viviendas ecológicas alternativas y sostenibles que se estudiaron durante un período de cuatro meses de trabajo de campo, de mayo a septiembre de 2015. Dentro de esos hábitats humanos construidos orgánicamente y encapsulados nuevamente dentro de la naturaleza viva, la poiesis es especialmente útil al examinar la producción de diseños y artefactos que entremezclan la materia y el significado en un « nexo » genuino. Tales diseños y artefactos, se argumenta aquí, dan forma física a un « vivencia poética del mundo » que ya no se limita a los textos literarios, sino que también se desarrolla en el corazón de la vida cotidiana. En relación a las formas sostenibles de hábitat humano y no-humano, este artículo arroja nueva luz sobre la naturaleza, encarnación, y por lo tanto idioma político, del lenguaje y la imaginación.
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Birrer, Larissa. "“Quare, messire, me audite!” Le choix du chameau comme légat papal dans leRoman de Renart." Reinardus / Yearbook of the International Reynard Society 26 (December 31, 2014): 14–32. http://dx.doi.org/10.1075/rein.26.02bir.
Full textAbstract:
Musart est un des deux chameaux dans le Roman de Renart, le légat pontifical auquel Noble demande conseil lorsqueYsengrin plaide justice dans la branche Va. Nous voulons montrer, à la lumière des sources, que dans l’imaginaire du XIIe siècle le chameau était préposé à ce rôle. Un panorama des sources montrera que le chameau était peu connu, sinon par les fables et les textes religieux. Le chameau, incarnant l’ambivalence entre le matériel et le céleste, peut représenter à la fois l’humilité du Christ et l’arrogance des Pharisiens. De plus, la tradition scientifique décrit ce camélidé, qui incarne le légat papal et devrait donc représenter le droit de l’Église, comme un animal sexuellement virulent. Sur fond de toutes ces ambivalences, le poète du Roman de Renart a beau jeu de tourner le légat papal en dérision. Nous montrerons qu’il use pour cela de trois moyens: le discours (du point de vue linguistique et juridique), le choix de l’animal qui l’incarne, et son nom (Musart), lourd de signification.
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Renée, Louise. "De Deschambault à Altamont : de la rue à la route*." Articles, essais 18, no. 1 (October 1, 2008): 19–30. http://dx.doi.org/10.7202/018869ar.
Full textAbstract:
Résumé En 1955, Gabrielle Roy a écrit Rue Deschambault, texte autobiographique sur sa jeunesse à Saint-Boniface. En 1966, elle revient sur la même matière dans La route d’Altamont. Pourquoi en a-t-elle senti le besoin? La différence entre les deux textes a été remarquée par la plupart des critiques : La route d’Altamont est plus profond, plus poétique et plus philosophique que Rue Deschambault. Qu’est-ce qui pourrait être à la source de ce changement? Inspirée de Proust, Roy aurait découvert comme lui que le chagrin met en branle les forces de l’esprit. Or, la grande déception qui a secoué Roy entre 1955 et 1966 fut sans doute la découverte de l’homosexualité de son mari, Marcel Carbotte. Incapable d’écrire ni même de mentionner dans ses lettres sa douloureuse désillusion, Roy aurait inscrit en filigrane le deuil de l’amour dans La route d’Altamont, tout imprégné du signe de la perte. Chacune des quatre nouvelles évoque la perte, par exemple « Le vieillard et l’enfant » qui fait écho au poème de Lamartine, « Le lac ». La rue et la route ne sont pas une simple opposition binaire : l’aiguisement du regard grâce au deuil amoureux transforme la rue en route.
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Rea, John. "Portrait du compositeur en jeune poète : Mary Breatnach, Boulez and Mallarmé: A Study in Poetic Influence, Aldershot, Scholar Press, 1996, 160 p." Chronique de livres 9, no. 1 (March 5, 2010): 41–46. http://dx.doi.org/10.7202/902216ar.
Full textAbstract:
Cette nouvelle chronique de CIRCUIT se fait l’écho de quatre ouvrages révélateurs des discussions d’aujourd’hui : débat entre les partisans théoriques et pratiques d’un retour à la tonalité (Duteurtre, Lelong) et défenseurs de l’écriture atonale (Nattiez, Gonneville), débat entre tenants de la remise en question postmoderne de la modernité (Rea) et défenseurs du grand oeuvre boulézien (Breatnach).
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Fisher, Rodney W. "Translating Medieval German." Babel. Revue internationale de la traduction / International Journal of Translation 39, no. 4 (January 1, 1993): 214–24. http://dx.doi.org/10.1075/babel.39.4.03fis.
Full textAbstract:
L'article recense d'abord quelques-uns des probèlmes associés à la traduction de la littérature allemande médiévale: dictionnaires dépassés, incertitudes concernant le texte original, passage d'une forme orale à une forme écrite, difficultés de rendre actuelle la terminologie culturelle médiévale. Ce qui mène à la considération des quatre domaines suivants: 1. les destinataires du texte 2. le niveau stylistique 3. la forme appropriée 4. les paramètres de la présentation. On voudrait suggérer ici, en ce qui concerne les destinataires du texte, qu'il n'est pas nécessaire en soi de faire des concessions dans la traduction des concepts non familiers, car on peut assumer que la plupart des lecteurs s'attendent à trouver dans un texte médiéval un monde différent du leur. En ce qui concerne le niveau stylistique, le traducteur se doit bien sûr de considérer le registre des poètes médiévaux, mais doit se souvenir aussi de ses limites et se garder de la tentation "d'améliorer" (au nom d'une lecture plus aisée) ce qui, fondamentalement, a été un texte oral. S'agissant des considérations de forme, l'article considère aussi les mérites et les difficultés qui s'attachent à la traduction en prose de textes versifiés (tant narratifs que lyriques) et se termine par un examen des paramètres possibles de la présentation de ces traductions (qu'elles soient juxtaposées ou non à l'original) afin de mieux aider le lecteur à s'y retrouver.
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Novak, Maria da Glória. "Epicuro e a natureza da alma." Classica - Revista Brasileira de Estudos Clássicos 1, no. 1 (November 20, 1988): 69–77. http://dx.doi.org/10.24277/classica.v1i1.644.
Full textAbstract:
La Lettre à Hérodote n'est qu'un résumé du point de vue d'Épicure et, encore, du molns à propos de l'âme, quelque peu obscur. Pulsque du Maître nous n'avons que trols lettres et quelques rnaxlmes, il nous a été nécessalre, volre indlspensable, d'avoir recours à la doxographie et surtout, évidement, au lucrétien De rerum natura. Eh blen. L'âme est un corps composé. Elle est la cause de la sensibilité et elle sent avec le corps, qul en est la condition. Elle naît et elle meurt avec le corps mals elle est relativement indépendante de celul-ci, puisqu'elle a des facultés qui lui sont propres et que le corps ne possède pas. Elle est formé de trois (souffle, chaleur, substance innomée) ou quatro éléments. Les savants ne sont pas tous d'accord sur la présence de ce quatrième élément, mals le poème nous l'explique: "il n'est point de chaleur à laquelle de l'air ne se trouve également mêlé" (III 234; trad. Ernout). En outre, ils ne s'accordent pas sur la nature de cette substance innomée. Est-elle semblable à la qulntessence d'Aristote et au hegemonikón des stoiclens? Enfin. pulsque l'âme est un corps composé et pulsque tout composé se décompose, l'âme est mortelle. Et pulsque l'âme est mortelle, la mort n'est rien par rapport à nous.
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Deproost, Paul-Augustin. "La mise en scène d'un drame intérieur dans le poèmeSur le péché origineld'Avit de Vienne." Traditio 51 (1996): 43–72. http://dx.doi.org/10.1017/s0362152900013362.
Full textAbstract:
Le deuxième livre de laGeste de l'histoire spirituellepubliée par l'évêque gallo-romain Avit de Vienne au début du VIesiècle apparaît, en réalité, comme le cœur d'une trilogie hexamétrique consacrée aux premiers instants bibliques de l'histoire du monde et des hommes, et que l'on a parfois comparée auParadis perdude Milton. Dès le premier vers de ce livre, le poète prend soin de rattacher le sujet du péché originel à la longue méditation initialeSur le début du monde, jusque dans l'emploi d'un adverbe temporel de transition qui marque le début du récit,interea. Par ailleurs, comme l'a observé Michael Roberts, la longue digression finale sur l'épisode de la femme de Lot et de la destruction de Sodome et Gomorre, qui occupe quatre-vingt-un vers du deuxième livre, assure la transition entre le sujet majeur de ce livre, à savoir la lutte qui oppose Ève au serpent, et le problème de la culpabilité d'Adam, qui sera débattu au troisième livre: la femme de Lot est, comme Ève, une autre «fouineuse de malheurs», mais à l'inverse de la première femme, elle n'est pas parvenue à séduire son «propre Adam». Un peu à la manière des décors simultanés en usage dans le drame médiéval, le récit principal se double ici d'un récit secondaire qui annonce recentrage au livre III sur l’évaluation de la complicité d’Adam et Ève dans la faute. Parmi d'autres détails qui confirment le lien entre cet épisode adventice du livre II et le livre III, la malédiction de Dieu contre le sol des deux cités condamnées est un exemple particulier de cet espace de punition et d'illusions qu'est devenue la terre depuis la sentence de Dieu contre Adam; du reste, le châtiment de Sodome réapparaît explicitement au livre III comme une figure du feu éternel qui attend les damnés à la fin des temps.
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Nassichuk, John. "Traduire la Philanira de Claude Roillet, ou, le laboratoire de la forme poétique théâtrale." Renaissance and Reformation 40, no. 3 (November 24, 2017): 217–42. http://dx.doi.org/10.33137/rr.v40i3.28742.
Full textAbstract:
Claude Roillet, professeur de lettres aux collèges de Bourgogne et de Boncourt, fit paraître en 1556 le recueil de ses oeuvres de poète et de dramaturge sous le titre Varia Poemata (Paris: Guillaume Julien). Cette collection contient notamment quatre tragédies latines, intitulées Philanira, Petrus, Aman et Catharina. De ces quatre pièces, seule la première, Philanira, devait faire l’objet d’une traduction française publiée en 1563 aux presses parisiennes de Richard Thomas, puis rééditée, toujours à Paris, chez Nicolas Bonfons en 1577. La présente étude examinera les détails de cette version française quant à (1) l’adaptation en vernaculaire des formes métriques latines variées dont use l’auteur et (2) l’équivalence des formulations lexicales, voire les stratégies d’imitation, dans un texte français qui fait preuve d’une tendance à l’amplification à partir de la composition latine originelle.
In 1556, Claude Roillet, a literature professor at the Collège de Bourgogne and Collège de Boncourt, published a collection of his works as a poet and dramatist under the title Varia Poemata (Paris: Guillaume Julien). This collection notably contained four Latin tragedies, which were titled Philanira, Petrus, Aman, and Catharina. Of these four works, only the first, Philanira would become the subject of a French translation published in 1563 by the Parisian press of Richard Thomas, then republished—again in Paris—by Nicolas Bonfons in 1577. This paper will examine the particulars of this French version in terms of (1) the conversion into the vernacular of the various Latin metrical forms that the author uses and (2) the equivalency of lexical expressions, and even the strategies of imitation, in a French text that demonstrates a tendency to amplify the original Latin composition.
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Abi-Rached, Naoum. "La poesie dialectale libanaise." Hawliyat 9 (December 24, 2018): 39–56. http://dx.doi.org/10.31377/haw.v9i0.304.
Full textAbstract:
Pendant longtemps, dans les pays arabes et dans les esprits de certains, la prose fut considérée comme un genre mineur ; seul l'art poétique méritait bien ses lettres de noblesse. Il s'agit d'une idée dont les racines remonteraient à la période antéislamique qui aurait réservé à la poésie et aux poètes une place de prédilection. Par la suite, avec l'avènement de l'islam et sous les quatre premiers califes, la poésie se fit plus discrète pour revenir plus forte que jamais avec les Omeyyades et puis avec les Abbassides. La période dite de décadence que nous situons schématiquement entre le XIIIe et le XIXe siècle, n' a pas dérogé à cette règle. Les Mille et Une Nuits, que certains considèrent comme le chef-d'œuvre par excellence de la littérature de l'imaginaire populaire arabe, ne sont toujours pas classées par les spécialistes arabes dans le genre « sérieux » ; cette œuvre est rangée sous la rubrique du conte populaire. Les reproches formulés par l'intelli- gentsia al-&üssa à l'encontre des Mille et Une Nuits et de toutes les œuvres qui appartiennent au même genre soutiennent que ni les thèmes traités ne sont nobles, ni la langue utilisée n'est correcte ni soutenue. La conclusion en fut qu'il s'agit bien là d'un genre mineur destiné à amuser le peuple et à alimenter l'ima- ginaire du vulgum pecus ou la 'âmma. Durant les siècles qui ont précédé la renaissance Nama, la prose, lorsqu 'elle n'avait pas pour objet la philosophie falsafa, la grammaire, les sciences de la religion, l'exégèse coranique ou les sciences d'une manière plus large, et qu'elle ne satisfaisait pas aux principes de l'éloquence et de la rhétorique Fasâ&a et balâàa, n'appartenait pas au corpus du adab au sens noble du terme.
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Pinto, Nilton De Paiva. "A poesia acadêmica no Brasil: o caso Rocha Pita." Revista do Centro de Estudos Portugueses 28, no. 40 (December 31, 2008): 167. http://dx.doi.org/10.17851/2359-0076.28.40.167-178.
Full textAbstract:
<p>Em meio à agitação que tomou conta da vida na colônia portuguesa na América, na primeira metade do século XVIII, com a decadência da produção açucareira, com a descoberta do ouro e com o deslocamento do centro econômico das capitanias do Nordeste para a região das minas, surgiu na cidade da Bahia, no ano de 1724, a primeira associação de homens letrados do Estado do Brasil: A Academia Brasílica dos Esquecidos. O objetivo principal dessa Academia era o estudo da História do Brasil, dividida em quatro partes: natural, militar, eclesiástica e política. Entretanto, havia também, no âmbito acadêmico, um espaço dedicado aos torneios literários. A agremiação brasílica teve duração de onze meses, de 23 de abril de 1724 a 04 de fevereiro de 1725. Durante esse período os acadêmicos se reuniam, quinzenalmente, para a apresentação dos trabalhos de história e para a composição de versos. Das atividades acadêmicas ficaram para a posteridade diversos textos em prosa e importante soma de produções poéticas, que caracterizam bem os modos discursivos daquela época. Este trabalho tem como objetivo apresentar e discutir a produção poética realizada na Academia Brasílica dos Esquecidos a partir dos textos escritos por Sebastião da Rocha Pita que, além de poeta e historiador, foi um dos sócios fundadores da agremiação.</p> <p>Au milieu de l’agitation qui régnait dans la colonie portugaise d’Amérique, dans la première moitié du XVIII siècle, avec la baisse de la production de sucre, la découverte d’or et le déplacement du centre économique des capitaineries du Nord-Est vers la région des mines, la première association d’hommes lettrés de l’État du Brésil a été créé dans la ville de Bahia, en 1724: A Academia Brasílica dos Esquecidos. Le principal but de cette Académie était l’étude de l’Histoire du Brésil, divisée en quatre parties: naturelle, militaire, ecclésiastique et politique. Il y avait aussi dans l’ambiance académique, un moment dédié aux tournois littéraires. L’assemblée brésilique a duré onze mois, du 23 février 1724 au 4 février 1725. Pendant cette période les académiciens se réunissaient, tous les quinze jours, pour la présentation des travaux d’histoire et pour la composition des vers. Des activités académiques, des divers textes en prose et une importante production poétique sont restés à la postérité, qui caractérisent les moeurs discoursifs de cette époque. Cet article a pour but de présenter et de discuter la production poétique faite dans l’Academia Brasílica dos Esquecidos à partir des textes écrits par Sebastião da Rocha Pita qui en plus d’avoir été un poète et un historien, a été un des associés fondateurs de cette association.</p>
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Bidaud, Samuel. "Les idées linguistiques de Lucien Tesnière. Première partie." Studies About Languages, no. 34 (June 3, 2019): 5–16. http://dx.doi.org/10.5755/j01.sal.0.34.22323.
Full textAbstract:
Nous nous intéressons dans cette contribution, publiée en deux parties, aux idées linguistiques de Lucien Tesnière (1893-1954). Si ce dernier est essentiellement connu pour la syntaxe structurale et pour certains concepts-clés comme ceux de valence ou de translation, en revanche son œuvre est beaucoup plus variée que ce à quoi on la réduit habituellement. Tesnière s’est occupé, en effet, à la fois de linguistique théorique, mais aussi de linguistique appliquée, au sens large du terme, puisqu’il a toujours développé un intérêt majeur pour l’enseignement des langues et pour la géographie linguistique. Il s’est en outre tourné vers la traduction et l’analyse littéraire, en traduisant et commentant l’œuvre du poète slovène Oton Joupantchitch. L’article qui suit est consacré à la partie la plus théorique de la linguistique de Tesnière, sur laquelle nous nous penchons à partir de quatre points : la réhabilitation de la synchronie, la syntaxe structurale et son originalité, la typologie des langues et l’histoire des langues et du langage. La seconde partie de cette contribution, qui paraîtra dans le prochain numéro de Studies about languages, sera quant à elle consacrée à l’aspect plus « pratique » de la linguistique tesnièrienne, bien que celui-ci ne puisse pas être séparé clairement de la théorie, et se focalisera sur la didactique des langues, la géographie linguistique, la traduction et l’analyse littéraire.