Dissertations / Theses on the topic 'Quatuors à cordes – Partitions'

Ce mémoire traite globalement de l'influence de la musique populaire sur la création de nouvelles musiques d'art, et plus spécifiquement de l'influence du true norwegian black metal (TNBM) sur quatre de mes compositions récentes. Dans la première partie du chapitre I, nous exposons les aspects musicaux et extramusicaux des principales périodes du black metal afin de bien comprendre la genèse du TNBM. Dans la seconde partie du chapitre I, nous abordons spécifiquement le TNBM de la même façon. Dans le chapitre II, nous démontrons concrètement, à l'aide de plusieurs exemples, les modes d'influence des musiques du TNBM sur les quatre musiques à l'étude. Ces types d'influence sont au nombre de cinq : les caractères propres au TNBM, ses caractéristiques structurelles, les techniques d'écriture employées, la gestion des hauteurs et les techniques instrumentales typiques. Je dresse un portrait sommaire en conclusion des enjeux importants de ma musique à venir : la musique de timbre et l'accessibilité de la musique d'art à un large public.

La présente Thèse de Doctorat propose une introduction biographique et une approche analytique des quatuors à cordes du compositeur grec Nikos Skalkottas (1904-1949). Débutant avec une étude biographique critique, elle présente le contexte socio-politique et les milieux artistiques, grecs et allemands, dans lesquels se cristallise l’esthétique de N. Skalkottas et s’inscrivent ses créativités créatrices. Ayant démontré les facteurs qui contribuent à la formation de son style musical, l’étude se concentre en priorité sur l’analyse des oeuvres pour quatuor à cordes du compositeur, afin de mettre en relief les procédés compositionnels élaborés par Skalkottas, dans le cadre de la tonalité élargie, de l’atonalité et du système dodécaphonique, tout en portant une attention particulière à d’autres aspects de sa démarche artistique (comme la forme, la construction harmonique, le rythme, la texture, le timbre). En outre, un des objectifs de la présente étude consiste à confronter l’approche de Skalkottas de l’atonalité et du système dodécaphonique avec l’esprit de la Seconde Ecole de Vienne, afin de mettre en évidence la spécificité de son langage musical ; il s’agit aussi d’évaluer la place et l’apport des pratiques musicales situées en dehors des traditions de la musique savante, dans les oeuvres du compositeur grec. Enfin, au terme de cette démonstration, on aboutit à une vision globale de l’oeuvre de Skalkottas permettant d’estimer la place du compositeur, dans le paysage musical de la première moitié du vingtième siècle
This study introduces to the life and the string quartets of the Greek composer Nikos Skalkottas (1904-1949). It comprises a critical biographical study of the composer and a brief presentation of the greek and german social-political and artistic environment in which he had been instructed and had lived as composer. However, the main thrust of the study is analytical and concerned with Skalkottas compositional procedures connected to atonality, twelve-note method and extended tonality. In addition to it, the study provides an examination of the treatment and adaptation of several compositional features (such as form, harmonic construction, rhythm, texture, timbre) within the context of his musical systems. Moreover, it demonstrates the particularities of his personal adaptation of those systems in relation to the context of the Second Viennese School and the influences issued from musical genres outside the occidental tradition. This study aims at a global appreciation and comprehension of his music

Premier esprit moderne, ludwig van beethoven apparait, a la fin du dix-huitieme siecle et au tout debut du dix-neuvieme, comme l'agent privilegie d'une mutation. Cette transformation, musicale et anthropologique, se manifeste par l'intauration de sensibilites temporelles nouvelles, inscrites dans la phenomenologie intime de la forme musicale et etudiees a partir de la matier signifiante - a la fois homogene et hybride- que constituent ces dix-sept quatuors a cordes. Cette mutation met en evidence la variabilite historique des formes de la pensee sensible et ecarte ainsi tout inneisme et tout universalisme qui tenteraient d'expliquer l'activite creatrice par un quelconque lien causal. La decouverte des indices temporels dans les quatuors, c'est-a-dire, des inscriptions de ces mutations temporelles dans la matiere sensible decoule d'une pragmatique du texte ou le reseau de signigiance de l'oeuvre resulte d'un dechiffrement inferant, a partir de realites donnees, un systeme de sens. L'observation phenomenologique des quatuors nous a permis de relever deux-cent-vingt-trois moments temporels dont l'interpretation, elaboree a partir de l'analyse formelle des similitudes de bernard vecchione (1985), prouve l'existence d'une grammaire calculable de la temporalite dans les quatuors et en propose une elaboration modulaire le champ des connaissance s'elargit pour accueillir le sensible comme une forme de pensee non verbale aussi structuree et signifiante que les formes de pensee verbale. La temporalite comme semiosis met en evidence une representation possible, logique et calculable, de la sensibilite.

Afin de redonner vie au quatuor à cordes en France, genre très prisé durant le seconde moitié du siècle des Lumières, deux types de travaux ont été réalisés : 1) un répertoire thématique de la littérature du genre publiée entre 1750 et 1800 par quarante-neuf éditeurs, auxquels se joignent seize compositeurs qui s'autodiffusent. Ce répertoire permet de déterminer l'importance quantitative et d'évaluer l'intérêt musical de cette littérature qui émane de cent quatre-vingt-treize auteurs. (cf. Répertoire thématique, vol. II, III, IV, V et documents, vol. VII); 2) une étude historique centrée sur : le milieu musical (celui des salons aristocratiques et des dédicataires), les écoles européennes en présence, les figures de proue du genre, l'activité éditoriale et le répertoire (cf. étude historique, vol. I, annexes, vol. VI, partitions reconstituées, vol. VIII). Les conclusions mettent en évidence l'existence et la spécificité d'une école française de quatuor à cordes, dont le rayonnement favorisera les progrès du gout en matière de musique instrumentale à l'aube du romantisme. Elles permettent également de cerner les influences mutuellement fécondantes des différentes écoles européennes éditées en France, qui concourent à la formation d'un style international. De ce fait, le quatuor à cordes en France dans le seconde moitié du siècle des Lumières correspond-il à un art français ou cosmopolite?
In order to revive the string quartet in France, a much appreciated genre during the second half of the age of enlightment, two projects have been carried out. Firstly a thematic catalogue of the literature of the genre published between 1750 and 1800 by forty-nine publishers, together with sixteen composers who published their own work. This catalogue allows an assessment of the quantitative importance and an evaluation of the musical interest of that literature inspired by the works of one hundred and ninety three composers. (cf. Repertoire thematique, vol. II, III, IV, V, and documents, vol. VII). The second project consists in a historical study centered on the musical milieu of the aristocratic salons, the various European schools, the prominent composers, the publishing activity and repertoire of the time. (cf. Etude historique, vol. I ; annexes, vol. VI ; partitions reconstituees, vol. VIII). The conclusions prove the existence and specificity of a string quartet French school, whose influence was to favor a growing appreciation of instrumental music on the eve of romanticism. They also lead to an understanding of the mutually enriching influences of the diverse European schools published in France, which participated in the shaping of an international style. Therefore, does the string quartet in France during the second half of the age of enlightment correspond to a French or a to a cosmopolitan art?

La présente recherche se donne pour objectif d'étudier les quatuors à cordes à partir de leur lieu de création, la Société Nationale de Musique. La première partie est consacrée à l'analyse de cette organisation de concert: elle commence par en déterminer le fonctionnement général, l'action de certains dirigeants, la façon dont les programmes étaient constitués et les oeuvres sélectionnées mais aussi les rapports qu'elle entretenait avec la presse et le public. Suivent l'évaluation de la place du quatuor à cordes au sein des programmes de la Société Nationale et de l'examen des raisons qui ont pu inciter les compositeurs à écrire un quatuor à cordes. Plusieurs pistes ont été explorées: rôle des interprêtes et de certains professeurs, d'une part, motivations plus personnelles liées à leur perception et à leur vision du quatuor, d'autre part. Le troisième chapitre définit les orientations esthétiques de la Société Nationale à partir des quatuors étrangers qui y sont joués: les derniers opus de Beethoven, les quatuors de Grieg et des Russes. La seconde partie de la recherche s'attache à l'analyse du corpus à partir des critères esthétiques mis en valeur auparavant: unité de la grande forme et étude de la forme cyclique, construction des mouvements et référence à des modèles plus ou moins transformés, rôle du folklore et harmonie puis écriture du quatuor à cordes. Pour chacun des ces points, une catégorisation a été établie s'appuyant sur les écrits de l'époque et prenant également en compte les travaux musicologiques contemporains: celle-ci permet d'aborder le plus précisément possible mais aussi dans leur globalité l'ensemble des vingt-deux quatuors à cordes.

Les nombreux écrits théoriques d’Antoine Reicha sont bien connus de la musicologie, qui voit dans le théoricien un personnage central du XIXe siècle. Sa production musicale reste cependant encore largement ignorée. Ainsi, les 20 quatuors à cordes de Reicha édités de son vivant n’ont encore fait l’objet d’aucune étude approfondie : les 8 premiers sont publiés en 1804-1805 lors du séjour viennois de Reicha, les 12 suivants paraissent dans les années 1820, après son installation définitive à Paris. Leur publication entre deux grandes capitales de la musique s’étend des derniers quatuors de Haydn aux derniers quatuors de Beethoven : ces quatuors constituent donc un corpus d’étude privilégié pour la connaissance de l’œuvre musicale de Reicha, mais aussi pour celle du genre du quatuor à l’époque. Cette thèse s’appuie sur l’établissement d’une édition critique des quatuors de Reicha ; leur étude se poursuit par la mise au jour des présupposés esthétiques qui sous-tendent les écrits théoriques de Reicha et se clôt par l’analyse des phénomènes d’intertextualité entre ses quatuors et des œuvres de Haydn et Mozart ainsi que par l’observation de leur écriture à travers le prisme des écrits théoriques de la fin du XVIIIe siècle. L’étude proprement analytique révèle les constantes et les variantes stylistiques entre les « Quatuors viennois » du début du siècle et les « Quatuors parisiens » des années 1820. La comparaison systématique avec un large contre-corpus formé de quatuors contemporains permet de situer les quatuors de Reicha par rapport à l’héritage viennois revendiqué, mais aussi par rapport aux musiciens français actifs sous la Restauration
Anton Reicha’s numerous theoretical writings are well-known in musicology today. Though Reicha is seen as a central theorist of the 19th century, his proper music nevertheless remains largely unknown. This PhD dissertation studies Reicha’s twenty string quartets published during his lifetime – which up to now have not been investigated in depth. The first eight quartets were published in 1804-1805 during Reicha’s stay in Vienna, whereas the last twelve were published in the 1820’s, after the composer settled in Paris: that is, they were published during a period lasting from Haydn’s last quartets to Beethoven’s last quartets. As a consequence, these quartets represent a corpus of particular relevance of knowledge of Reicha’s musical work, as well as for the history of this genre in the 19th century. This PhD dissertation, based on both an aesthetic and an analytical approach, creates a critical edition of Reicha’s quartets. This study starts by shedding light on the aesthetic premises of Reicha’s theoretical work and then analyses intertextual phenomena between his quartets and some of Haydn’s and Mozart’s works. Eventually it examines the composition process of Reicha’s quartets in the light of late 18th-century theoretical writings. The study of the constants and the variations of style between the early 19th-century “Vienna quartets” and the 1820’s “Paris quartets” is at the core of this study. The systematic comparison between the Reicha’s corpus and a counter-corpus made of quartets by Haydn, Mozart, Beethoven, Onslow and Cherubini helps situating Reicha as regarding his claimed Vienna legacy, but also as regarding French musician from the “Restauration” era

Malgré la notoriété de Gabriel Fauré, le style particulier de sa musique chambre reste encore difficile à appréhender par l’analyse. La construction formelle y est un réel sujet de questionnement. Tandis que certains analystes essaient d’attester son originalité en examinant en quoi elle s’éloigne de la tradition, d’autres proposent des analyses de la dynamique caractéristique de ses thèmes, dont le développement continu aboutit à la réalisation de la grande forme. Ces dernières se sont jusqu’à présent appuyées sur un corpus limité. Cette thèse se propose d’élargir le corpus aux cinq grandes œuvres de chambre pour cordes et piano – deux Quatuors op. 15 et 45, deux Quintettes op. 89 et 115 et le Trio op. 120 et d’y cerner la « dynamique formelle ». Après l’étude des témoignages de l’époque du compositeur qui permet de mettre en relief la conception de l’originalité formelle dans son œuvre, l’analyse porte sur l’agencement interne des thèmes et sur la réalisation de la grande forme à partir de l’étude des partitions mais aussi à l’aide d’une représentation donnée par un logiciel informatique qui permet de visualiser l’enveloppe dynamique et de repérer des climax. En révélant en quoi consiste ce processus, la présente thèse contribue à mieux rendre compte du style personnel de Fauré et de la façon dont il élabore une musique qui donne l’impression d’une progression et d’un développement continus se prolongeant jusqu’à la fin de l’œuvre
Despite the notoriety of Gabriel Fauré’s musical style, the particular style of his chamber music still remains difficult to comprehend by analysis. Formal construction is a real subject of question. While some analysts try to attest to his originality by examining how it departs from tradition, others offer analyses of the dynamic characteristic of its themes, whose continuous development leads to the realization of large form. The latter have so far relied on a limited corpus of works. This thesis proposes to expand the corpus to the five large chamber works for strings and piano - two Quartets op. 15 and 45, two Quintets op. 89 and 115 and the Trio op. 120 in order to define the “formal dynamics.” After the study of testimonies from the composer's time that highlights the formal originality in his work, the subsequent analysis deals with the internal arrangement of themes and the realization of large form from the study of scores. I conduct my analysis with the help of graphic representation created by a computer software that can visualize the enveloping dynamic and identify climaxes. By revealing the contents of this process, this thesis helps to better reflect the very personal style of Fauré and the way in which he creates music that gives the impression of continuous progression and development extending to the end of the work

Le contexte socioculturel de l'entre-deux-guerres a favorisé le développement d'un grand nombre de langages musicaux. L'intérêt considérable que les compositeurs ont accordé au timbre les a orientés vers la musique de chambre et particulièrement le quatuor à cordes. Ce regain d'intérêt est aussi le résultat du néo-classicisme qui suggéré un retour aux modèles du dix-huitième siècle. En abordant les principaux courants esthétiques de l'époque, nous avons exposé l'apport de compositeurs appartenant à trois sphères culturelles : la sphère française (amplification des formes classiques et écriture polytonale), le monde germanique (écriture sérielle) et l’Europe centrale, y compris l’Europe de l'est (influence des traditions orales). La deuxième partie, concerne une étude plus détaillée des quatuors de quatre compositeurs parmi les plus attachés à la musique de chambre et les plus représentatifs de l'époque. Les quatuors de Bartók s'articulent autour de l'élaboration de la forme en arche. La suite lyrique de Berg exploite l'écriture sérielle en y intégrant la tonalité et l'atonalité libre. Les quatuors de Hindemith et Honegger renouent, chacun à sa manière, avec les traditions des siècles précédents concernant la forme et la technique instrumentale. La troisième partie est réservée aux problèmes d'interprétation. Nous soulignons en particulier le développement de différents modes de jeu (particulièrement exploités dans les quatuors de Bartók et de Berg). Nous terminons cette partie par une étude plus détaillée réalisée auprès du quatuor Manfred et du quatuor Debussy
The sociocultural context between the expansion of a lot musical languages the composers gave a lot of importance to the sonority and they turned towards chamber music, especially string quartet. This interest is also the result of neo-classicism, suggesting to look back on the patterns of eighteenth century. Landing most important aesthetic streams of this period, we expose the contribution of composers belonging to tree cultural spheres: the French sphere (amplification of classics forms and polytonalism), the Germanic world (serialism), central and east Europe (oral traditions influence). The second part go into all the details of four composers and their quartets. Those composers are the most attached to chamber music, and really representative of this period. Bartok quartets articulate about arche form elaboration. The suite lyrique of Berg uses serialism, integrating tonality and free atonality. The Hindemith and Honegger quartets take up with century before traditions again, about form and instrumental technique. The third part is reserved to interpretation problems. We emphasize, particularly, the expansion of different kinds of plays, (particularly used within Bartok and Berg's quartets). We end this part with a more detailed study near Manfred quartet and Debussy quartet

La question de l’ontologie s’est cristallisée en philosophie de la musique autour de la notion d’œuvre, mais il est possible de centrer le raisonnement sur d’autres objets, tels que la formation instrumentale ou le genre musical. Il est ainsi possible de construire une ontologie du quatuor à cordes. Le quatuor est à la fois une formation, un genre né à l’époque classique et un ensemble de quatre musiciens, ces trois niveaux sémantiques constituent les éléments fondamentaux de ce système. La formation est une instrumentation cristallisée, plus techniquement, elle est une structure des moyens d’exécution devenue autonome, potentiellement séparable de la structure sonore pure qui lui était adjointe dans les premières œuvres pour ces instruments. Il s’est formé, au fil des ans et des œuvres, une réalité quatuor à cordes ontologiquement dense. Cette densité ontologique s’explique en partie parce qu’un genre a découlé de cette formation. Le genre « quatuor à cordes » a un fonctionnement historique qui peut être comparé à celui des autres grands genres de la musique savante occidentale, grâce à deux concepts : la cristallisation et la plasticité. Tout genre oscille en effet entre ces deux tendances antagonistes : la cristallisation qui transforme l’inédit, le nouveau et l’occasionnel en norme, règle et tradition et la plasticité qui, elle, pousse à l’innovation, à l’exploration et à la recherche compositionnelle. Le quatuor à cordes n’est pas un genre paradigmatique, il est exceptionnel, puisque son histoire montre un équilibre spécifique entre une forte plasticité et une forte cristallisation. Si la formation peut être définie en termes d’autonomisation d’une structure des moyens d’exécution, le genre, lui, gagne à être pensé comme une réunion d’archi-structures. Une dernière partie est consacrée au corps et au geste musicien. Il s’agit alors de voir si les outils conceptuels platonistes permettent de penser les réalités plus concrètes, physiques et matérielles, du quatuor. Tout comme l’équilibre dialogique des quatre voix est une caractéristique essentielle du quatuor à cordes, le dialogue entre les analyses conceptuelles, les développements historiques, les observations esthétiques et les études musicologiques constitue la spécificité de ce travail
The aim of this thesis is to build an ontology of the string quartet. The designation ‘string quartet’ can refer to three different meanings: a group of four musical instruments (formation), a genre, or a group of four musicians who play together. In musicology, a string quartet is distinguished by the homogeneity of the timbres, the individuality of voices, the quaternity and the specific dialogism of the voices. This work proposes to describe these three semantic levels and their essential characteristics, hence a wide selected corpus: Haydn, Mozart, Beethoven, Reicha, Bartók, Schönberg, Feldman, F.Baschet amongst others. The first part consists of an ontology of the instrument formation and shows that a quartet is a “structure of performing means” which became autonomous with regard to the “pure structure” as defined by Jerrold Levinson. From that point of view, the string quartet is a reliable paradigm to think of the birth of other formations and their historical developments. The second part consists in constructing an ontology of the genre and demonstrates that the historical evolution of the string quartet is not paradigmatic but exemplary; and that its development is determined by a balance between plasticity and crystallisation. The final part examines the ontological limits of the string quartet: on the one hand, the timbre, and on the other, the musicians’ bodies through specific physical gestures. This thesis, therefore, aims to develop an ontological system that is characterised by its different essential elements, its specific rules (plasticity versus crystallisation), and its limits. These philosophical analyses not only relate to existing musicological research, but also involve a consideration of dance performance, film and various other artistic works

Ce mémoire de maîtrise porte sur un projet de création dont le fruit consiste en trois œuvres instrumentales récentes ayant pour source d’inspiration les timbres percussifs. Ces trois œuvres sont : 1. Et pourtant elle tourne ! pour quatuor à cordes ; 2. Obsession pour mezzo-soprano, flûte, clarinette, vibraphone, piano, violon et violoncelle ; 3. Au bord de l’eau pour orchestre. De manière générale, ce mémoire présente mes réflexions sur les manières dont le timbre peut servir d’élément de cohésion du discours musical. Plus spécifiquement, ce mémoire traite de mon souci de produire des timbres percussifs par des instruments de non percussion et des timbres non percussifs par des instruments de percussion, le tout en des discours cohérents et intéressants. Quant à la structure même du mémoire, suite à une introduction où sont exposés les origines du projet de création et son cadre théorique, le premier chapitre présente un survol historique de l’évolution du paramètre du timbre et de la place des percussions dans les musiques occidentales. Ce premier chapitre dévoile également un système permettant d’évaluer la qualité percussive d’une sonorité. Le deuxième chapitre présente, à l’aide de nombreux exemples tirés des œuvres à l’étude, les diverses incarnations du timbre percussif aux instruments de non percussion, ou son évitement aux instruments de percussion. La conclusion traite de l’incidence du projet de recherche sur mon langage musical.
This master’s thesis examines three of my recent instrumental compositions that use percussive timbres as inspiration. These three pieces are: 1. Et pourtant elle tourne ! for string quartet; 2. Obsession for mezzo-soprano, flute, clarinet, vibraphone, piano, violin and violoncello; 3. Au bord de l’eau for orchestra. This thesis presents my reflections on the parameter of timbre as a mean of strengthening the cohesion of the musical discourse. More specifically, this thesis explores how to generate percussive timbres by non-percussion instruments, as well as non-percussive timbres by percussion instruments, in the context of a coherent and interesting musical discourse. Following an introduction where the origins, objectives and theoretical framework of this creative project are presented, the first chapter lays out my preparatory research, outlining the history of the evolution of timbre and the role of percussion instruments in Western music, as well as building a system to identify and qualify sounds for their percussive qualities. In the second chapter, the pieces are examined and examples are provided. These examinations illustrate how percussive and non-percussive timbres were used. The conclusion discusses the impacts of this creative project on my musical language and future works.

Rossignolet des bois pour chœur à quatre voix mixtes, Pièce concertante pour saxophone alto, percussion et 24 cordes, et Rives pour orchestre sont des œuvres réalisées au cours des trois dernières années dans le cadre de la maîtrise en composition. Des rapports entre les protagonistes et la musique sont établis dans la pièce pour chœur. Ces protagonistes sont représentés par les différents solistes et les regroupements vocaux. Le contenu poétique correspond à la forme musicale et à la série utilisée dans la pièce pour orchestre. La Pièce concertante s’inspire du motif musical de l’œuvre The Unanswered Question de Charles Ives. Ces compositions font appel à divers langages musicaux : modalité, chromatisme et sérialisme. La Pièce concertante et Rives sont construites à partir d’une organisation de la durée, du tempo, de la métrique, de l’orchestration et du jeu instrumental.
Québec Université Laval, Bibliothèque 2019