Academic literature on the topic 'Québécois – Musique – Histoire et critique'

L’auteure examine la pertinence de la critique féministe étasunienne en musique en milieu francophone québécois. Dans un premier temps, elle propose une réflexion critique sur le féminisme étasunien en musique. Puis, elle pose la question de la pertinence de ses fondements et de ses méthodologies pour les jeunes musicien(ne)s issus du milieu culturel francophone du Québec qui, au moment d’entreprendre des études avancées, envisageraient de se consacrer à la recherche sur la pensée féministe.

Sommaire L'auteur jette un regard pénétrant sur le mouvement syndical québécois à un moment particulièrement critique de son histoire. Il souligne l'opposition dont ce mouvement est l'objet dans certains milieux et les conséquences probables de cette hostilité (durcissement des structures de conflit, tensions et acheminement vers la lutte des classes) si elle ne s'apaise bientôt. L'auteur indique qu'au delà d'un monolithisme de surface, le syndicalisme québécois est profondément divisé dans son être et dans son action (économique, sociale et politique), et que ces divergences profondes se résorberont sous l'action des oppositions de l'extérieur, sans quoi le mouvement ira s'effritant.

Depuis environ cinq ans, le duo Kashtin connaît un succès remarquable au Québec tout en chantant presqu'exclusivement dans leur langue maternelle. Le phénomène Kashtin constitue un terrain privilégié pour observer les modalités et les enjeux du développement contemporain de la musique populaire au Québec, dont il révèle la complexité comme la mouvance. La popularité de Kashtin et les particularités de son insertion dans le champ québécois sont-ils l'indice de nouveaux canons musicaux et cultures en émergence ? Cette question est à l'origine du présent article dont la visée consiste à présenter quelques outils conceptuels permettant une analyse critique des discours et des lieux de pouvoir changeants au sein desquels s'opère, à la croisée d'articulations globales et locales de l'activité musicale, une redéfinition de la musique populaire au Québec et, dès lors de la musique québécoise.

Cet article envisage d’élargir et d’approfondir le champ de l’histoire culturelle en étudiant les relations entre culture académique et culture populaire. Prenant comme exemple diverses pratiques et institutions dans l’histoire du cinéma québécois (le bonimenteur, la censure, la critique), il propose de déconstruire leur histoire pour rappeler les exclusions sur lesquelles elle est souvent fondée. L’article s’inspire de travaux récents qui revalorisent les études culturelles et leur potentiel interdisciplinaire.

Résumé J’aimerais réfléchir, dans cet article, à quelques enjeux relatifs à la « crise » de l’histoire sociale québécoise et à l’émergence d’une nouvelle histoire des idées qui prétend fonder un nouveau rapport au passé. Après une période pendant laquelle l’histoire sociale a pratiquement régné sans partage, les constats d’un essoufflement, voire d’une crise, se sont succédé au cours des années 1990. Au tournant des années 2000, ces constats de crise ont laissé progressivement place à une critique plus radicale qui a rejeté en bloc l’histoire sociale, l’accusant d’avoir construit un récit moderniste méprisant à l’égard de la tradition. Cette critique a soutenu qu’une nouvelle histoire des idées, plus respectueuse de la tradition, permettrait de mieux rendre compte de la crise actuelle d’une société québécoise en perte de repères identitaires, politiques et sociaux. Cet article vise donc à explorer cette conjoncture historiographique, indissociable d’un contexte intellectuel et politique plus large, qui remet en question la pertinence même de comprendre le passé québécois à partir des thèmes centraux de l’histoire sociale, et notamment celui des inégalités sociales. Il appelle finalement les praticiens actuels de l’histoire sociale à une refondation d’un projet historiographique critique autour du problème du changement social.

Comment parler du catholicisme dans l’espace public? La parole du croyant et du théologien est-elle légitime pour traiter du catholicisme dans l’espace public? Pour répondre à ces questions d’un point de vue critique et interne au catholicisme, la nature du discours théologique sera d’abord esquissée rapidement. La perspective de Jacques Grand’Maison sur le catholicisme québécois, lors de la publication du rapport de la commission Dumont (1972), servira de fil conducteur pour une investigation sur la prise de parole croyante à partir de ses conditions de possibilité (en aval) et de son histoire récente, ainsi qu’en fonction des contenus de son discours (en amont).

À l’exclusion du Théâtre de Neptune de Marc Lescarbot (1609) et des Acadiens à Philadelphie de Pascal Poirier (1875), c’est sur les scènes des collèges que débute le théâtre acadien dont le chef-d’oeuvre est assurément Subercase – Drame historique en trois actes, d’Alexandre Braud (1902). À cette époque, le théâtre collégial prend un grand essor au Canada français où il se distingue dans le genre dramatique. Cette oeuvre, louée par la critique et publiée en feuilleton dans Le Moniteur acadien, la même année, a une histoire mouvementée. Ayant perdu le manuscrit original, l’auteur réécrit partiellement, à Québec où il réside, la pièce qui est jouée sur une scène paroissiale de cette ville, en 1936, et qui appartient donc aussi au théâtre québécois. Après un long purgatoire, elle ressort de l’oubli : elle est présentée, citée et commentée dans des travaux d’histoire littéraire acadienne et dans des thèses. Pourtant, un obstacle à sa lecture et à sa diffusion réside dans son inaccessibilité. L’édition critique de ce drame est l’occasion de mettre celui-ci à la disposition du public lecteur dans la communauté acadienne et ailleurs dans la francophonie. Cependant, des choix éditoriaux s’imposent quant à l’établissement du texte, à la notation des variantes et à la constitution des appendices. Cette édition vise à faire connaître ou redécouvrir une forme d’art dramatique, certes tombée en désuétude, mais qui ressortit aux patrimoines culturels acadien, québécois et canadien-français.

Cet article retrace les fils de l’amitié intellectuelle entre Marcel Trudel et Guy Frégault, deux historiens majeurs du renouveau historiographique québécois d’après-guerre. Son but particulier consiste à montrer en quoi cette amitié, notamment mise en évidence dans leurs correspondances personnelles et certaines collaborations, a été scellée autour d’une puissante prise de conscience générationnelle et à travers l’adhésion à une même configuration historiographique, celle de l’« histoire critique », dont ils se sont tous deux fait les ardents promoteurs au cours des décennies 1940 et 1950. En explicitant les ressorts et les déterminants de cette relation d’amitié, l’analyse met à l’épreuve le schéma d’explication – commode, mais forcément réducteur – offert par la querelle des écoles historiques entre Montréal et Québec. De même, elle permet de jauger autrement la complexité des aspirations et des attentes spécifiques qui se condensent chez les jeunes historiens laïques du Québec de l’immédiat après-guerre.

La démarche du présent texte sera comparative et considérera trois mises en scène d’Hosanna de Michel Tremblay : celle de 2006 au Théâtre du Nouveau Monde, celle de 1991 au Théâtre de Quat’sous, toutes deux à Montréal, et enfin la version traduite en anglais présentée au Warehouse Theatre à Winnipeg en 1975. Si les conditions de réception de chaque version importent, elles seront surtout évaluées à travers les choix tangibles des metteurs en scène, des comédiens et des créateurs. Il s’agira aussi de tenir compte de la portée des décors, de la musique, et d’étudier renonciation, le débit, l’intensité et la synchronisation des répliques. Notre analyse se propose de résister à la tendance qui confine la portée sociale de Hosanna au passé, particulièrement en ce qui concerne les questions identitaires nationales et homosexuelles. Contrairement à la critique qui cherche à évacuer ces questions afin de rendre la pièce « universelle » et « intemporelle », nous voulons démontrer comment chacune des trois mises en scènes s’avère une articulation distincte et « générationnelle » de ces questions identitaires. C’est l’impressionnante disponibilité de la pièce à de telles réinterprétations qui nous autorise à affirmer que cette pièce est bien un « classique » du théâtre québécois.

L’objectif général de cette thèse est de contribuer à l’enrichissement des connaissances sur la vie culturelle et musicale des années 1920. En s’appuyant sur l’œuvre de Roméo Beaudry, il s’avère qu’un corpus typiquement associé à la culture anglophone états-unienne peut constituer un jalon déterminant de l’histoire de la chanson populaire canadienne-française. Pour rendre possible une telle équation, les deux premiers chapitres dressent le portrait des lieux de productions et de réception en insistant sur la place octroyée à la diffusion de la chanson. Certaines habitudes et conventions, bousculées au début du XXe siècle, allaient avoir un impact significatif sur le développement des rapports entre les auditeurs, les œuvres, les lieux de réception et les médias. Le chapitre 1 décrit la façon dont ces rapports ont ébranlé les frontières géographiques, langagières et génériques tout en multipliant la diversité musicale et en offrant une plus grande diffusion. Le chapitre 2 suggère que des facteurs dynamiques et complexes tels que les temps de loisirs et les modalités de l’écoute ont pu modifier la réception des œuvres. La pluralité des lieux et des médias contribuait alors à la constitution d’un public hétérogène du point de vue de sa condition sociale et de son mode d’écoute de la chanson. En prenant acte de l’abondance de la musique états-unienne et des chansons traduites en français, la deuxième partie de la thèse démontre que cet imposant répertoire peut signifier autre chose qu’une américanisation, autre chose qu’une forme d’assimilation. Au chapitre 3, j’emprunte à la traductologie, à la littérature et à la musicologie des modèles d’analyse qui permettent l’identification des processus de transformation menant à la traduction d’une chanson. L’adaptation ciblée de la transtextualité de Gérard Genette montre que la transposition d’un texte et la transcription d’une mélodie peuvent maintenir ou modifier radicalement le sens d’une chanson. L’élaboration du modèle et l’analyse spécifique de trois œuvres de Beaudry au chapitre 4 présentent un acteur important du monde de la chanson populaire canadienne-française et font voir comment la traduction et l’imitation peuvent mener à l’appropriation créative d’une œuvre reflétant à la fois une culture locale et continentale.
The overall objective of this thesis is to contribute to the development of knowledge on cultural and musical life in the 1920s. Based on the work of Roméo Beaudry, a repertoire of songs typically associated with the culture of the United States can serve as a milestone in the history of the French-Canadian popular song. In this regard, the first two chapters describe the locations of song production and reception with a focus on the role of music distribution. Habit changes at the beginning of the twentieth century would have a significant impact on the development of relations between auditors, works, reception venues and media. Chapter 1 describes how these relations have shaken geographical, language and generic boundaries while increasing musical diversity and offering a wider music circulation. Chapter 2 suggests that dynamic and complex factors such as leisure time and listening habits may have altered the reception of popular songs. The plurality of locations and medias also contributed to the formation of a heterogeneous public. Noting the abundance of popular music in the United States and the numerous songs translated into French, the second part of the thesis shows that this imposing repertoire can mean something other than Americanization, something other than a form of assimilation. In Chapter 3, translation, literature and musicology studies provide analysis models that allow the identification of the transformation process leading to a song’s translation. The adaptation of Gérard Genette’s transtextuality shows that the transposition of a text and the transcription of a melody may maintain or radically change the meaning of a song. In Chapter 4, the model is applied on three specific songs. At the outcome, Beaudry is defined as an important player in the world of French-Canadian popular songs and it is shown how translation and imitation can lead to a creative appropriation of a work reflecting both local and continental cultures.

Tableau d'honneur de la FÉSP
Tableau d'honneur de la FÉSP
Cette thèse porte sur l’analyse du récit identitaire (découlant tant de la musique, de l’imagerie que du discours) de la communauté de métal noir québécois (MNQ). S’étant développée dans la province de Québec vers 2005, cette communauté toujours active renferme un certain nombre de groupes (dont Forteresse, Brume d’Automne et Chasse-Galerie) employant le style black metal. En provenance de l’Europe du Nord, ce style s’est constitué dans les années 1980 et traite principalement de thématiques occultes, de la valorisation des cultures préchrétiennes ou encore de nationalisme, et ce, à l’aide d’une réalisation sonore lo-fi. La particularité de la communauté de MNQ réside dans l’adaptation du style black metal au contexte québécois. Ainsi, les musiciens projettent une vision romantique d’un Québec indépendant tant à travers la musique, l’imagerie que les discours. Ce faisant, ceux-ci créent donc un récit identitaire, où les différents événements liés à l’histoire de la province sont revisités afin de mieux cadrer dans l’idéologie black metal à laquelle ils adhèrent. Pour mieux comprendre comment se structure le récit musical, ainsi que ceux découlant de l’interprétation des images des livrets et du discours des membres de la communauté, les concepts de récits phonographique, paraphonographique et communal ont été employés. La jonction de ces trois niveaux de récit (phonographique, paraphonographique et communal) permet de faire émerger le récit dit « identitaire », un concept élaboré par le philosophe Paul Ricoeur. En effet, celui-ci avance que notre identité personnelle et collective est ordonnée à travers la narration et que l’interprétation de différents événements historiques – par les membres d’une communauté donnée – forme un récit identitaire particulier. Afin de comprendre ce récit identitaire, j’ai mené 21 entretiens ethnographiques avec 25 membres de la communauté de MNQ et fait l’analyse d’un total de 48 chansons en provenance de 10 groupes. Ainsi, la jonction de ces niveaux de récit a favorisé une meilleure compréhension des éléments musicaux, visuels et discursifs spécifiques de cette communauté qui, en plus de réutiliser les codes idéologiques et esthétiques propres au black metal, puise dans les références culturelles et historiques québécoises.
Cette thèse porte sur l’analyse du récit identitaire (découlant tant de la musique, de l’imagerie que du discours) de la communauté de métal noir québécois (MNQ). S’étant développée dans la province de Québec vers 2005, cette communauté toujours active renferme un certain nombre de groupes (dont Forteresse, Brume d’Automne et Chasse-Galerie) employant le style black metal. En provenance de l’Europe du Nord, ce style s’est constitué dans les années 1980 et traite principalement de thématiques occultes, de la valorisation des cultures préchrétiennes ou encore de nationalisme, et ce, à l’aide d’une réalisation sonore lo-fi. La particularité de la communauté de MNQ réside dans l’adaptation du style black metal au contexte québécois. Ainsi, les musiciens projettent une vision romantique d’un Québec indépendant tant à travers la musique, l’imagerie que les discours. Ce faisant, ceux-ci créent donc un récit identitaire, où les différents événements liés à l’histoire de la province sont revisités afin de mieux cadrer dans l’idéologie black metal à laquelle ils adhèrent. Pour mieux comprendre comment se structure le récit musical, ainsi que ceux découlant de l’interprétation des images des livrets et du discours des membres de la communauté, les concepts de récits phonographique, paraphonographique et communal ont été employés. La jonction de ces trois niveaux de récit (phonographique, paraphonographique et communal) permet de faire émerger le récit dit « identitaire », un concept élaboré par le philosophe Paul Ricoeur. En effet, celui-ci avance que notre identité personnelle et collective est ordonnée à travers la narration et que l’interprétation de différents événements historiques – par les membres d’une communauté donnée – forme un récit identitaire particulier. Afin de comprendre ce récit identitaire, j’ai mené 21 entretiens ethnographiques avec 25 membres de la communauté de MNQ et fait l’analyse d’un total de 48 chansons en provenance de 10 groupes. Ainsi, la jonction de ces niveaux de récit a favorisé une meilleure compréhension des éléments musicaux, visuels et discursifs spécifiques de cette communauté qui, en plus de réutiliser les codes idéologiques et esthétiques propres au black metal, puise dans les références culturelles et historiques québécoises.
This thesis refers to the analysis of the identity-based narrative (resulting from music, imagery and speech) of the Québec black metal community (MNQ). Having developed in the province of Quebec around 2005, this still active community contains several groups (including Forteresse, Brume d’Automne and Chasse-Galerie) using the black metal style. Coming from Northern Europe, this style was created in the 1980s and deals mainly with occult topics, the valorization of pre-Christian cultures or even nationalism, and this, with the help of a lo-fi sound production. The particularity of the MNQ community lies in the adaptation of the black metal style to the Québec context. Thus, musicians project a romantic vision of an independent Québec through music, imagery and speeches. In doing so, they create an identity-based narrative, where the various events related to the history of the province are revisited to better fit into the black metal ideology to which they adhere. To better understand how the musical narrative is structured, as well as those arising from the interpretation of the images of the booklets and the discourse of the members of the community, the concepts of phonographic, paraphonographic and communal narrative were used. The junction of these three levels of narrative makes it possible to reveal the « identity-based » narrative, a concept elaborated by the philosopher Paul Ricoeur. Indeed, he argues that our personal and collective identity is ordered through narrative and that the interpretation of different historical events – by the members of a given community – forms a particular identity-based narrative. To understand this identity-based narrative, I conducted 21 ethnographic interviews with members of the community and performed the analysis of 48 songs total from 10 MNQ groups. Thus, the junction of these levels of narrative has fostered a better understanding of the specific musical, visual and discursive elements of this community which, in addition to reusing the ideological and aesthetic codes specific to black metal, draws on Québec cultural and historical references.
This thesis refers to the analysis of the identity-based narrative (resulting from music, imagery and speech) of the Québec black metal community (MNQ). Having developed in the province of Quebec around 2005, this still active community contains several groups (including Forteresse, Brume d’Automne and Chasse-Galerie) using the black metal style. Coming from Northern Europe, this style was created in the 1980s and deals mainly with occult topics, the valorization of pre-Christian cultures or even nationalism, and this, with the help of a lo-fi sound production. The particularity of the MNQ community lies in the adaptation of the black metal style to the Québec context. Thus, musicians project a romantic vision of an independent Québec through music, imagery and speeches. In doing so, they create an identity-based narrative, where the various events related to the history of the province are revisited to better fit into the black metal ideology to which they adhere. To better understand how the musical narrative is structured, as well as those arising from the interpretation of the images of the booklets and the discourse of the members of the community, the concepts of phonographic, paraphonographic and communal narrative were used. The junction of these three levels of narrative makes it possible to reveal the « identity-based » narrative, a concept elaborated by the philosopher Paul Ricoeur. Indeed, he argues that our personal and collective identity is ordered through narrative and that the interpretation of different historical events – by the members of a given community – forms a particular identity-based narrative. To understand this identity-based narrative, I conducted 21 ethnographic interviews with members of the community and performed the analysis of 48 songs total from 10 MNQ groups. Thus, the junction of these levels of narrative has fostered a better understanding of the specific musical, visual and discursive elements of this community which, in addition to reusing the ideological and aesthetic codes specific to black metal, draws on Québec cultural and historical references.

Notre mémoire porte sur le phénomène de l'engagement dans la chanson québécoise qui s'observe à nouveau dans les années 1990 et qui diffère de celui associé aux chansonniers nationalistes de la Révolution tranquille. Réuni en 1990, le groupe Les Colocs propose pour sa part une œuvre qui a prise sur le réel et qui instaure avec la société extérieure un dialogue témoignant d'un engagement social particulier. Afin de caractériser celui-ci, nous nous intéressons au parcours du groupe, jalonné de trois albums (Les Colocs en 1993, Atrocetomique en 1995 et Dehors novembre en 1998) qui sont autant de lieux où redéfinir cet engagement. Il s'agit, en posant un regard sociocritique sur chacun d'eux, de dégager les possibles, les moyens et les difficultés de la chanson engagée dans le contexte des années 1990. Nous observons ainsi que cette décennie n'est pas homogène du point de vue de l'engagement, mais plutôt qu'elle est divisée par deux mouvements, d'abord un élan puis une retombée. Notre étude présente une analyse en quatre temps. Elle dresse d'abord un portrait identitaire des Colocs qui tient compte de leur métissage culturel, de leurs prises de position et de leurs postures. Puis, elle procède à l'analyse chronologique des trois albums du groupe, s'attachant à ce qui les caractérise sur le plan de l'engagement social. Une attention soutenue est portée à la dimension musicale de l'œuvre à étude, mais la sociocritique demeure l'assise méthodologique principale de notre mémoire.

L'histoire du GRM, fondé en 1958, au sein de la Radio Télévision Française, prend sa source à la radio, dès le début des années 1940. La première partie de cette recherche reconstruit la chronologie des événements : œuvres, publications, développements technologiques, élaborations de nouveaux concepts, évolution de l'institution. Les sept chapitres, un par décennie, prennent comme point de départ l'année 1948, date de naissance officielle de la Musique Concrète. Le premier chapitre est un peu particulier. Il s'attache à dégager les racines de la jeune musique concrète en remontant le temps, le plus loin possible, avant 1948, jusqu'aux mouvements futuristes des débuts du XXe siècle, ainsi qu'au dadaïsme, et au surréalisme. La seconde partie aborde l'histoire du GRM transversalement, suivant différentes thématiques. Un premier chapitre expose la prise d'identité de ce nouveau genre musical, et la lente évolution du Groupe de Recherche de Musique Concrète, vers un rôle d'École, à partir de 1951. Le second chapitre porte sur les concepts (écoute réduite, objet sonore, analyse typomorphologique. . . ), la pédagogie et les outils (des premiers phonogènes aux derniers logiciels GRM-Tools) développés au GRM, depuis cinquante ans. Le troisième chapitre expose la problématique de l'espace, du concert, et le lien au public. Le quatrième chapitre explore la lisière entre le musical et le visuel, à travers la question de l'écriture, une interrogation majeure qui se pose à tous les arts de support, aujourd'hui
Originating in radio at the beginning of the 1940's, the GRM was officially launched in 1958 by Radio Television Française. The first part of this research reconstructs the history, starting with the most visible manifestations: opuses, publications, technological developments. The research traces also the elaboration of new concepts and evolution of the movement. Beginning with 1948, the official birth date of the Concrete Music, the chronology is divided into seven chapters, one for each decade. The first chapter, however, moves back in time, delineating the roots of Concrete Music by recounting the events that preceded 1948 and eventually led to the dadaism and surrealism of the twentieth century. The second part of the research traces the themes of the GRM history. The first chapter identifies the emergence of this new musical genre and its slow progression from the Groupe de Recherche de Musique Concrete of the Paris Studio to its role as a musical School in 1951. The second chapter examines the concepts (reduced listening, sound object, typomorphological analysis. . . ). It traces the pedagogy and the tools (from the first phonogènes to the final software called GRM-Tools and Acousmographe) developed in the last fifty years. The third chapter studies the problems of space, concert presentation and connection with the audience. The fourth chapter explores the boundary between the Musical and the Visual, across the question of writing, a major issue in all the media arts today

Nombre de compositeurs du XXe siècle considèrent que le travail est beaucoup plus important que l’inspiration. Pour Messiaen, la part de celle-ci est aussi importante que le travail. On peut dire que sa musique a joué un rôle de pont entre la musique classique et la moderne : tout en créant un langage novateur, il a pris des éléments de traditions anciennes pour les appliquer à sa composition. Il a beaucoup encouragé ses élèves à faire avancer la musique, en leur ouvrant des horizons nouveaux. Comme la vie moderne évolue rapidement, surtout grâce aux technologies, il en est de même dans le domaine musical ; le souci majeur pour la plupart des musiciens contemporains est l’avancement de la technique. Mais Messiaen a plutôt fait évoluer ses éléments de musique à travers ses diverses sources d’inspiration. Parmi celles-ci furent l’écoute de la nature (symbole de liberté), sa foi (le monde des choses invisibles), la gloire de Dieu (l’inatteignable). Grâce à ce compositeur, on peut sentir tous ces éléments comme s’ils nous apparaissaient. A travers l’évolution de sa technique pianistique, on peut saisir au plus près ce développement, du début à la fin de sa vie. Le piano fut un atout principal, qu’il a choisis pour exprimer son désir d’approcher à la fois le monde d’en haut et le monde d’en bas
While many composers in the 20th century considered the work itself to be the most important factor in making admirable music rather than inspiration, Olivier Messiaen has regarded the inspiration as equally important to the work itself for his composition. We can say that he has bridged the era of classical music toward that of modern music. While pioneering in the creation of his own musical language, he fabulously applied all the traditional elements from the past to his composing. He has always encouraged his students to advance music by enlightening them with new vision. Undoubtedly, everything changes so fast these days especially due to the rapid advancement of technology. This is the same in musical domain, as well. Therefore, one of the major issues for the majority of contemporary composers is the advancement of technology. But, Messiaen used new musical elements adopted from his various inspirations. He has generated his inspirations by keeping his eyes and ears to the nature (the symbol of liberty), the faith (the object we cannot see) and the glory of God (the stature we cannot reach). Thanks to the hands of composer, we are able to feel as if they are in front of us. Exploring the evolution of his technique with piano, we can better understand his musical development from the beginning to the end of his life. The piano is the primary instrument he chose to express his desire to approach the world on the earth and the Heaven at the same time

L’intention de ce travail est d’interroger la notion de minimalisme dans le cadre de la musique électronique populaire. Dans une première partie, il s’agit d’expliciter le concept de minimalisme en revenant sur la genèse de cette esthétique, apparue dans les arts plastiques dans les années 1950 aux Etats-Unis, puis sur sa transposition dans le domaine musical sous l’égide de compositeurs tels que La Monte Young, Terry Riley et Steve Reich. L’évocation des compositeurs minimalistes américains nécessite de justifier l’emploi du concept de « minimalisme » pour évoquer des univers a priori différents. Cette clarification se fait en plusieurs points : le rapport des musiciens à l’histoire, leur positionnement économique, les outils dont ils disposent et la réflexion qu’ils produisent sur leur art, leur contexte social, leur relation à l’interprétation et au concert, enfin leur gestion de problématique telles que la répétition ou la danse. La seconde partie du mémoire porte sur la techno en tant que telle. Après un historique du contexte d’apparition de ce genre musical, au début des années 1980 à Detroit aux Etats-Unis, ainsi qu’un aperçu des instruments électroniques ayant facilité la naissance de la techno et des conséquences structurelles de ces instruments, nous étudions l’émergence de la branche dite « minimale » de la techno. Enfin, l’étude du compositeur allemand Robert Henke permet d’approfondir des notions de composition assistée par ordinateur, et d’élargir notre propos au minimalisme dans la musique électronique populaire non dansante
The purpose of this study is to call into question the concept of minimalism in popular electronic music. The first part of the dissertation focuses on the concept of minimalism itself by mentioning the genesis of this aesthetic, which appeared in plastic arts in the 1950 in the United States, then its translation in the music field under the aegis of composers such as La Monte Young, Terry Riley and Steve Reich. To justify the use of the concept of minimalism while referring to different musical genres, a clarification is made in several steps: the relation of the musicians to History, their economic positioning, the technical means at their disposal as well as their reflection on their work, their social context, their relation to interpretation and live performance, and their views on problematics like repetition and dance. The second part focuses on techno itself. After tracing the history of the emergence of this musical genre at the beginning of the 1980’s in Detroit, as well as an outline of the electronic instruments which played a part in this emergence and their structural effects on the music, we can study the emersion of the « minimal » branch of techno. Lastly, studying the music of German composer Robert Henke allows us to broaden our subject by including an example of minimalism in popular electronic non-dance music

La chanson québécoise actuelle paraît réconcilier la chanson dite «à texte» et la chanson populaire, comme ce fut le cas pour la chanson engagée des années 1970. Si le thème de l’engagement soutenait plusieurs œuvres chansonnières de cette décennie, celui de la mélancolie semble pouvoir définir une certaine tendance actuelle. Ce mémoire s’intéresse au thème de la mélancolie dans la chanson québécoise contemporaine et plus précisément dans les albums Tu m’intimides de Mara Tremblay, La forêt des mal-aimés de Pierre Lapointe et À Paradis City de Jean Leloup. À la fois auteurs, compositeurs et interprètes, ces trois artistes s’inscrivent dans le champ populaire de la chanson québécoise en créant des œuvres où le texte et la musique mettent la mélancolie en valeur. Dans cette étude, la mélancolie est étudiée en fonction de trois aspects, soit l’être mélancolique, la temporalité mélancolique et l’espace mélancolique. C’est à travers l’exploration de ces trois aspects que sont analysées les chansons du corpus, surtout à partir des textes, mais en considérant aussi certains éléments musicaux.

Au cours des trois derniers siècles, des éléments musicaux européens et africains ont fusionné en Martinique pour donner naissance à une musique originale. Une partie importante de cette musique ne peut être interprétée qu'en plein air, à la campagne le plus souvent. Elle contient quatre genres principaux dont les bèlè de travail ou de divertissement, les lassote et les calypsos des contes traditionnels font partie. Les pièces qui constituent ces genres musicaux transmettent la mémoire collective. Elles témoignent aussi du double apport de l’Europe et de l’Afrique à travers des types mélodiques, des rythmes et des instruments caractéristiques de ce répertoire
In Martinique, a fusion of musical elements from Europe and west Africa has occurred during the past three centuries, giving birth to a new musical language. A large part of this music is performed only in open air, specifically in the countryside. Three of the four of these main musical genres are bele (work music and dance music), lassote and traditional story-telling calypsos. The musical pieces constituting these genres pass on Martinican culture from older generations to newer ones. They also illustrate the combined musical influences of Europe and Africa which can be perceived through specific melodic types, rhythms and musical instruments

L'ensemble de cette thèse s'articule de manière constante autour de préocupations d'ordre esthétique, historique,sociologique et anthropologique au travers d'une étude analytique. Elle établit un classement par familles rythmiques des pièces dansables du répertoire flamenco. Chaque famille comporte une étude de ses principes généraux d'un point de vue rythmique et chorégraphique. Chaque pièce du répertoire ou "palo" comporte une étude d'un point de vue musical et chorégraphique. L'étude musicale comprend la description du chant au travers des paramètres de ses couplets,les "coplas", et la description du "toque" de la guitare : changements d'accords,jeu de la main droite et placements des temps forts. Une transcription musicale de base vient illustrer ces propos dans le second volume. L'étude chorégraphique comprend une description du caractère de la danse, la définition de sa structure de base et une analyse esthétique au travers d'un ou plusieurs documents audiovisuels. Ce dernier point d'étude définit, pour chaque exemple, la structure de la danse analysée et le nombre de cycles rythmiques dont se sert l'interprète pour chaque partie structurelle. L'étude comporte des commentaires en rapport à l'interprétation chorégraphique.