Dissertations / Theses on the topic 'Québécois – Musique – Histoire et critique'

L’objectif général de cette thèse est de contribuer à l’enrichissement des connaissances sur la vie culturelle et musicale des années 1920. En s’appuyant sur l’œuvre de Roméo Beaudry, il s’avère qu’un corpus typiquement associé à la culture anglophone états-unienne peut constituer un jalon déterminant de l’histoire de la chanson populaire canadienne-française. Pour rendre possible une telle équation, les deux premiers chapitres dressent le portrait des lieux de productions et de réception en insistant sur la place octroyée à la diffusion de la chanson. Certaines habitudes et conventions, bousculées au début du XXe siècle, allaient avoir un impact significatif sur le développement des rapports entre les auditeurs, les œuvres, les lieux de réception et les médias. Le chapitre 1 décrit la façon dont ces rapports ont ébranlé les frontières géographiques, langagières et génériques tout en multipliant la diversité musicale et en offrant une plus grande diffusion. Le chapitre 2 suggère que des facteurs dynamiques et complexes tels que les temps de loisirs et les modalités de l’écoute ont pu modifier la réception des œuvres. La pluralité des lieux et des médias contribuait alors à la constitution d’un public hétérogène du point de vue de sa condition sociale et de son mode d’écoute de la chanson. En prenant acte de l’abondance de la musique états-unienne et des chansons traduites en français, la deuxième partie de la thèse démontre que cet imposant répertoire peut signifier autre chose qu’une américanisation, autre chose qu’une forme d’assimilation. Au chapitre 3, j’emprunte à la traductologie, à la littérature et à la musicologie des modèles d’analyse qui permettent l’identification des processus de transformation menant à la traduction d’une chanson. L’adaptation ciblée de la transtextualité de Gérard Genette montre que la transposition d’un texte et la transcription d’une mélodie peuvent maintenir ou modifier radicalement le sens d’une chanson. L’élaboration du modèle et l’analyse spécifique de trois œuvres de Beaudry au chapitre 4 présentent un acteur important du monde de la chanson populaire canadienne-française et font voir comment la traduction et l’imitation peuvent mener à l’appropriation créative d’une œuvre reflétant à la fois une culture locale et continentale.
The overall objective of this thesis is to contribute to the development of knowledge on cultural and musical life in the 1920s. Based on the work of Roméo Beaudry, a repertoire of songs typically associated with the culture of the United States can serve as a milestone in the history of the French-Canadian popular song. In this regard, the first two chapters describe the locations of song production and reception with a focus on the role of music distribution. Habit changes at the beginning of the twentieth century would have a significant impact on the development of relations between auditors, works, reception venues and media. Chapter 1 describes how these relations have shaken geographical, language and generic boundaries while increasing musical diversity and offering a wider music circulation. Chapter 2 suggests that dynamic and complex factors such as leisure time and listening habits may have altered the reception of popular songs. The plurality of locations and medias also contributed to the formation of a heterogeneous public. Noting the abundance of popular music in the United States and the numerous songs translated into French, the second part of the thesis shows that this imposing repertoire can mean something other than Americanization, something other than a form of assimilation. In Chapter 3, translation, literature and musicology studies provide analysis models that allow the identification of the transformation process leading to a song’s translation. The adaptation of Gérard Genette’s transtextuality shows that the transposition of a text and the transcription of a melody may maintain or radically change the meaning of a song. In Chapter 4, the model is applied on three specific songs. At the outcome, Beaudry is defined as an important player in the world of French-Canadian popular songs and it is shown how translation and imitation can lead to a creative appropriation of a work reflecting both local and continental cultures.

Tableau d'honneur de la FÉSP
Tableau d'honneur de la FÉSP
Cette thèse porte sur l’analyse du récit identitaire (découlant tant de la musique, de l’imagerie que du discours) de la communauté de métal noir québécois (MNQ). S’étant développée dans la province de Québec vers 2005, cette communauté toujours active renferme un certain nombre de groupes (dont Forteresse, Brume d’Automne et Chasse-Galerie) employant le style black metal. En provenance de l’Europe du Nord, ce style s’est constitué dans les années 1980 et traite principalement de thématiques occultes, de la valorisation des cultures préchrétiennes ou encore de nationalisme, et ce, à l’aide d’une réalisation sonore lo-fi. La particularité de la communauté de MNQ réside dans l’adaptation du style black metal au contexte québécois. Ainsi, les musiciens projettent une vision romantique d’un Québec indépendant tant à travers la musique, l’imagerie que les discours. Ce faisant, ceux-ci créent donc un récit identitaire, où les différents événements liés à l’histoire de la province sont revisités afin de mieux cadrer dans l’idéologie black metal à laquelle ils adhèrent. Pour mieux comprendre comment se structure le récit musical, ainsi que ceux découlant de l’interprétation des images des livrets et du discours des membres de la communauté, les concepts de récits phonographique, paraphonographique et communal ont été employés. La jonction de ces trois niveaux de récit (phonographique, paraphonographique et communal) permet de faire émerger le récit dit « identitaire », un concept élaboré par le philosophe Paul Ricoeur. En effet, celui-ci avance que notre identité personnelle et collective est ordonnée à travers la narration et que l’interprétation de différents événements historiques – par les membres d’une communauté donnée – forme un récit identitaire particulier. Afin de comprendre ce récit identitaire, j’ai mené 21 entretiens ethnographiques avec 25 membres de la communauté de MNQ et fait l’analyse d’un total de 48 chansons en provenance de 10 groupes. Ainsi, la jonction de ces niveaux de récit a favorisé une meilleure compréhension des éléments musicaux, visuels et discursifs spécifiques de cette communauté qui, en plus de réutiliser les codes idéologiques et esthétiques propres au black metal, puise dans les références culturelles et historiques québécoises.
Cette thèse porte sur l’analyse du récit identitaire (découlant tant de la musique, de l’imagerie que du discours) de la communauté de métal noir québécois (MNQ). S’étant développée dans la province de Québec vers 2005, cette communauté toujours active renferme un certain nombre de groupes (dont Forteresse, Brume d’Automne et Chasse-Galerie) employant le style black metal. En provenance de l’Europe du Nord, ce style s’est constitué dans les années 1980 et traite principalement de thématiques occultes, de la valorisation des cultures préchrétiennes ou encore de nationalisme, et ce, à l’aide d’une réalisation sonore lo-fi. La particularité de la communauté de MNQ réside dans l’adaptation du style black metal au contexte québécois. Ainsi, les musiciens projettent une vision romantique d’un Québec indépendant tant à travers la musique, l’imagerie que les discours. Ce faisant, ceux-ci créent donc un récit identitaire, où les différents événements liés à l’histoire de la province sont revisités afin de mieux cadrer dans l’idéologie black metal à laquelle ils adhèrent. Pour mieux comprendre comment se structure le récit musical, ainsi que ceux découlant de l’interprétation des images des livrets et du discours des membres de la communauté, les concepts de récits phonographique, paraphonographique et communal ont été employés. La jonction de ces trois niveaux de récit (phonographique, paraphonographique et communal) permet de faire émerger le récit dit « identitaire », un concept élaboré par le philosophe Paul Ricoeur. En effet, celui-ci avance que notre identité personnelle et collective est ordonnée à travers la narration et que l’interprétation de différents événements historiques – par les membres d’une communauté donnée – forme un récit identitaire particulier. Afin de comprendre ce récit identitaire, j’ai mené 21 entretiens ethnographiques avec 25 membres de la communauté de MNQ et fait l’analyse d’un total de 48 chansons en provenance de 10 groupes. Ainsi, la jonction de ces niveaux de récit a favorisé une meilleure compréhension des éléments musicaux, visuels et discursifs spécifiques de cette communauté qui, en plus de réutiliser les codes idéologiques et esthétiques propres au black metal, puise dans les références culturelles et historiques québécoises.
This thesis refers to the analysis of the identity-based narrative (resulting from music, imagery and speech) of the Québec black metal community (MNQ). Having developed in the province of Quebec around 2005, this still active community contains several groups (including Forteresse, Brume d’Automne and Chasse-Galerie) using the black metal style. Coming from Northern Europe, this style was created in the 1980s and deals mainly with occult topics, the valorization of pre-Christian cultures or even nationalism, and this, with the help of a lo-fi sound production. The particularity of the MNQ community lies in the adaptation of the black metal style to the Québec context. Thus, musicians project a romantic vision of an independent Québec through music, imagery and speeches. In doing so, they create an identity-based narrative, where the various events related to the history of the province are revisited to better fit into the black metal ideology to which they adhere. To better understand how the musical narrative is structured, as well as those arising from the interpretation of the images of the booklets and the discourse of the members of the community, the concepts of phonographic, paraphonographic and communal narrative were used. The junction of these three levels of narrative makes it possible to reveal the « identity-based » narrative, a concept elaborated by the philosopher Paul Ricoeur. Indeed, he argues that our personal and collective identity is ordered through narrative and that the interpretation of different historical events – by the members of a given community – forms a particular identity-based narrative. To understand this identity-based narrative, I conducted 21 ethnographic interviews with members of the community and performed the analysis of 48 songs total from 10 MNQ groups. Thus, the junction of these levels of narrative has fostered a better understanding of the specific musical, visual and discursive elements of this community which, in addition to reusing the ideological and aesthetic codes specific to black metal, draws on Québec cultural and historical references.
This thesis refers to the analysis of the identity-based narrative (resulting from music, imagery and speech) of the Québec black metal community (MNQ). Having developed in the province of Quebec around 2005, this still active community contains several groups (including Forteresse, Brume d’Automne and Chasse-Galerie) using the black metal style. Coming from Northern Europe, this style was created in the 1980s and deals mainly with occult topics, the valorization of pre-Christian cultures or even nationalism, and this, with the help of a lo-fi sound production. The particularity of the MNQ community lies in the adaptation of the black metal style to the Québec context. Thus, musicians project a romantic vision of an independent Québec through music, imagery and speeches. In doing so, they create an identity-based narrative, where the various events related to the history of the province are revisited to better fit into the black metal ideology to which they adhere. To better understand how the musical narrative is structured, as well as those arising from the interpretation of the images of the booklets and the discourse of the members of the community, the concepts of phonographic, paraphonographic and communal narrative were used. The junction of these three levels of narrative makes it possible to reveal the « identity-based » narrative, a concept elaborated by the philosopher Paul Ricoeur. Indeed, he argues that our personal and collective identity is ordered through narrative and that the interpretation of different historical events – by the members of a given community – forms a particular identity-based narrative. To understand this identity-based narrative, I conducted 21 ethnographic interviews with members of the community and performed the analysis of 48 songs total from 10 MNQ groups. Thus, the junction of these levels of narrative has fostered a better understanding of the specific musical, visual and discursive elements of this community which, in addition to reusing the ideological and aesthetic codes specific to black metal, draws on Québec cultural and historical references.

Notre mémoire porte sur le phénomène de l'engagement dans la chanson québécoise qui s'observe à nouveau dans les années 1990 et qui diffère de celui associé aux chansonniers nationalistes de la Révolution tranquille. Réuni en 1990, le groupe Les Colocs propose pour sa part une œuvre qui a prise sur le réel et qui instaure avec la société extérieure un dialogue témoignant d'un engagement social particulier. Afin de caractériser celui-ci, nous nous intéressons au parcours du groupe, jalonné de trois albums (Les Colocs en 1993, Atrocetomique en 1995 et Dehors novembre en 1998) qui sont autant de lieux où redéfinir cet engagement. Il s'agit, en posant un regard sociocritique sur chacun d'eux, de dégager les possibles, les moyens et les difficultés de la chanson engagée dans le contexte des années 1990. Nous observons ainsi que cette décennie n'est pas homogène du point de vue de l'engagement, mais plutôt qu'elle est divisée par deux mouvements, d'abord un élan puis une retombée. Notre étude présente une analyse en quatre temps. Elle dresse d'abord un portrait identitaire des Colocs qui tient compte de leur métissage culturel, de leurs prises de position et de leurs postures. Puis, elle procède à l'analyse chronologique des trois albums du groupe, s'attachant à ce qui les caractérise sur le plan de l'engagement social. Une attention soutenue est portée à la dimension musicale de l'œuvre à étude, mais la sociocritique demeure l'assise méthodologique principale de notre mémoire.

L'histoire du GRM, fondé en 1958, au sein de la Radio Télévision Française, prend sa source à la radio, dès le début des années 1940. La première partie de cette recherche reconstruit la chronologie des événements : œuvres, publications, développements technologiques, élaborations de nouveaux concepts, évolution de l'institution. Les sept chapitres, un par décennie, prennent comme point de départ l'année 1948, date de naissance officielle de la Musique Concrète. Le premier chapitre est un peu particulier. Il s'attache à dégager les racines de la jeune musique concrète en remontant le temps, le plus loin possible, avant 1948, jusqu'aux mouvements futuristes des débuts du XXe siècle, ainsi qu'au dadaïsme, et au surréalisme. La seconde partie aborde l'histoire du GRM transversalement, suivant différentes thématiques. Un premier chapitre expose la prise d'identité de ce nouveau genre musical, et la lente évolution du Groupe de Recherche de Musique Concrète, vers un rôle d'École, à partir de 1951. Le second chapitre porte sur les concepts (écoute réduite, objet sonore, analyse typomorphologique. . . ), la pédagogie et les outils (des premiers phonogènes aux derniers logiciels GRM-Tools) développés au GRM, depuis cinquante ans. Le troisième chapitre expose la problématique de l'espace, du concert, et le lien au public. Le quatrième chapitre explore la lisière entre le musical et le visuel, à travers la question de l'écriture, une interrogation majeure qui se pose à tous les arts de support, aujourd'hui
Originating in radio at the beginning of the 1940's, the GRM was officially launched in 1958 by Radio Television Française. The first part of this research reconstructs the history, starting with the most visible manifestations: opuses, publications, technological developments. The research traces also the elaboration of new concepts and evolution of the movement. Beginning with 1948, the official birth date of the Concrete Music, the chronology is divided into seven chapters, one for each decade. The first chapter, however, moves back in time, delineating the roots of Concrete Music by recounting the events that preceded 1948 and eventually led to the dadaism and surrealism of the twentieth century. The second part of the research traces the themes of the GRM history. The first chapter identifies the emergence of this new musical genre and its slow progression from the Groupe de Recherche de Musique Concrete of the Paris Studio to its role as a musical School in 1951. The second chapter examines the concepts (reduced listening, sound object, typomorphological analysis. . . ). It traces the pedagogy and the tools (from the first phonogènes to the final software called GRM-Tools and Acousmographe) developed in the last fifty years. The third chapter studies the problems of space, concert presentation and connection with the audience. The fourth chapter explores the boundary between the Musical and the Visual, across the question of writing, a major issue in all the media arts today

Nombre de compositeurs du XXe siècle considèrent que le travail est beaucoup plus important que l’inspiration. Pour Messiaen, la part de celle-ci est aussi importante que le travail. On peut dire que sa musique a joué un rôle de pont entre la musique classique et la moderne : tout en créant un langage novateur, il a pris des éléments de traditions anciennes pour les appliquer à sa composition. Il a beaucoup encouragé ses élèves à faire avancer la musique, en leur ouvrant des horizons nouveaux. Comme la vie moderne évolue rapidement, surtout grâce aux technologies, il en est de même dans le domaine musical ; le souci majeur pour la plupart des musiciens contemporains est l’avancement de la technique. Mais Messiaen a plutôt fait évoluer ses éléments de musique à travers ses diverses sources d’inspiration. Parmi celles-ci furent l’écoute de la nature (symbole de liberté), sa foi (le monde des choses invisibles), la gloire de Dieu (l’inatteignable). Grâce à ce compositeur, on peut sentir tous ces éléments comme s’ils nous apparaissaient. A travers l’évolution de sa technique pianistique, on peut saisir au plus près ce développement, du début à la fin de sa vie. Le piano fut un atout principal, qu’il a choisis pour exprimer son désir d’approcher à la fois le monde d’en haut et le monde d’en bas
While many composers in the 20th century considered the work itself to be the most important factor in making admirable music rather than inspiration, Olivier Messiaen has regarded the inspiration as equally important to the work itself for his composition. We can say that he has bridged the era of classical music toward that of modern music. While pioneering in the creation of his own musical language, he fabulously applied all the traditional elements from the past to his composing. He has always encouraged his students to advance music by enlightening them with new vision. Undoubtedly, everything changes so fast these days especially due to the rapid advancement of technology. This is the same in musical domain, as well. Therefore, one of the major issues for the majority of contemporary composers is the advancement of technology. But, Messiaen used new musical elements adopted from his various inspirations. He has generated his inspirations by keeping his eyes and ears to the nature (the symbol of liberty), the faith (the object we cannot see) and the glory of God (the stature we cannot reach). Thanks to the hands of composer, we are able to feel as if they are in front of us. Exploring the evolution of his technique with piano, we can better understand his musical development from the beginning to the end of his life. The piano is the primary instrument he chose to express his desire to approach the world on the earth and the Heaven at the same time

L’intention de ce travail est d’interroger la notion de minimalisme dans le cadre de la musique électronique populaire. Dans une première partie, il s’agit d’expliciter le concept de minimalisme en revenant sur la genèse de cette esthétique, apparue dans les arts plastiques dans les années 1950 aux Etats-Unis, puis sur sa transposition dans le domaine musical sous l’égide de compositeurs tels que La Monte Young, Terry Riley et Steve Reich. L’évocation des compositeurs minimalistes américains nécessite de justifier l’emploi du concept de « minimalisme » pour évoquer des univers a priori différents. Cette clarification se fait en plusieurs points : le rapport des musiciens à l’histoire, leur positionnement économique, les outils dont ils disposent et la réflexion qu’ils produisent sur leur art, leur contexte social, leur relation à l’interprétation et au concert, enfin leur gestion de problématique telles que la répétition ou la danse. La seconde partie du mémoire porte sur la techno en tant que telle. Après un historique du contexte d’apparition de ce genre musical, au début des années 1980 à Detroit aux Etats-Unis, ainsi qu’un aperçu des instruments électroniques ayant facilité la naissance de la techno et des conséquences structurelles de ces instruments, nous étudions l’émergence de la branche dite « minimale » de la techno. Enfin, l’étude du compositeur allemand Robert Henke permet d’approfondir des notions de composition assistée par ordinateur, et d’élargir notre propos au minimalisme dans la musique électronique populaire non dansante
The purpose of this study is to call into question the concept of minimalism in popular electronic music. The first part of the dissertation focuses on the concept of minimalism itself by mentioning the genesis of this aesthetic, which appeared in plastic arts in the 1950 in the United States, then its translation in the music field under the aegis of composers such as La Monte Young, Terry Riley and Steve Reich. To justify the use of the concept of minimalism while referring to different musical genres, a clarification is made in several steps: the relation of the musicians to History, their economic positioning, the technical means at their disposal as well as their reflection on their work, their social context, their relation to interpretation and live performance, and their views on problematics like repetition and dance. The second part focuses on techno itself. After tracing the history of the emergence of this musical genre at the beginning of the 1980’s in Detroit, as well as an outline of the electronic instruments which played a part in this emergence and their structural effects on the music, we can study the emersion of the « minimal » branch of techno. Lastly, studying the music of German composer Robert Henke allows us to broaden our subject by including an example of minimalism in popular electronic non-dance music

La chanson québécoise actuelle paraît réconcilier la chanson dite «à texte» et la chanson populaire, comme ce fut le cas pour la chanson engagée des années 1970. Si le thème de l’engagement soutenait plusieurs œuvres chansonnières de cette décennie, celui de la mélancolie semble pouvoir définir une certaine tendance actuelle. Ce mémoire s’intéresse au thème de la mélancolie dans la chanson québécoise contemporaine et plus précisément dans les albums Tu m’intimides de Mara Tremblay, La forêt des mal-aimés de Pierre Lapointe et À Paradis City de Jean Leloup. À la fois auteurs, compositeurs et interprètes, ces trois artistes s’inscrivent dans le champ populaire de la chanson québécoise en créant des œuvres où le texte et la musique mettent la mélancolie en valeur. Dans cette étude, la mélancolie est étudiée en fonction de trois aspects, soit l’être mélancolique, la temporalité mélancolique et l’espace mélancolique. C’est à travers l’exploration de ces trois aspects que sont analysées les chansons du corpus, surtout à partir des textes, mais en considérant aussi certains éléments musicaux.

Au cours des trois derniers siècles, des éléments musicaux européens et africains ont fusionné en Martinique pour donner naissance à une musique originale. Une partie importante de cette musique ne peut être interprétée qu'en plein air, à la campagne le plus souvent. Elle contient quatre genres principaux dont les bèlè de travail ou de divertissement, les lassote et les calypsos des contes traditionnels font partie. Les pièces qui constituent ces genres musicaux transmettent la mémoire collective. Elles témoignent aussi du double apport de l’Europe et de l’Afrique à travers des types mélodiques, des rythmes et des instruments caractéristiques de ce répertoire
In Martinique, a fusion of musical elements from Europe and west Africa has occurred during the past three centuries, giving birth to a new musical language. A large part of this music is performed only in open air, specifically in the countryside. Three of the four of these main musical genres are bele (work music and dance music), lassote and traditional story-telling calypsos. The musical pieces constituting these genres pass on Martinican culture from older generations to newer ones. They also illustrate the combined musical influences of Europe and Africa which can be perceived through specific melodic types, rhythms and musical instruments

L'ensemble de cette thèse s'articule de manière constante autour de préocupations d'ordre esthétique, historique,sociologique et anthropologique au travers d'une étude analytique. Elle établit un classement par familles rythmiques des pièces dansables du répertoire flamenco. Chaque famille comporte une étude de ses principes généraux d'un point de vue rythmique et chorégraphique. Chaque pièce du répertoire ou "palo" comporte une étude d'un point de vue musical et chorégraphique. L'étude musicale comprend la description du chant au travers des paramètres de ses couplets,les "coplas", et la description du "toque" de la guitare : changements d'accords,jeu de la main droite et placements des temps forts. Une transcription musicale de base vient illustrer ces propos dans le second volume. L'étude chorégraphique comprend une description du caractère de la danse, la définition de sa structure de base et une analyse esthétique au travers d'un ou plusieurs documents audiovisuels. Ce dernier point d'étude définit, pour chaque exemple, la structure de la danse analysée et le nombre de cycles rythmiques dont se sert l'interprète pour chaque partie structurelle. L'étude comporte des commentaires en rapport à l'interprétation chorégraphique.

(A) Défense des postulats a) que tant la composition musicale que l'organisation des formations sociales renvoient, en dernière instance, a des formes de rationalité, et b) que l'analyse du contenu de vérité d'une œuvre dépend de la possibilité de dégager cette articulation commune. Analyse de la notion adonienne d'auto-déploiement" et de son rapport à la critique de la rationalité instrumentale ainsi qu'à la conception de contenu de vérité élaborée par th. W. -Adorno. (b) critique des théories qui localisent le contenu de vérité d'une œuvre soit dans sa position dans l'institution de l'art (burger) soit dans la discussion esthétique a son propos (Weller Habermas). (c) défense des analyses visant le contenu de vérité face à la critique reconstructive. Analyse des affinités de la déconstruction avec certains aspects de la composition contemporaine - cage, filmant, Reich. . . (d) affirmation de l'importance, dans le contexte actuel d'un matériau qui englobe potentiellement tout son et bruit, d'examiner et préciser la dimension technique de l'auto-déploiement". De même, la notion de "réconciliation", qui lui est intimement liée, doit être pensée en termes intra- musicaux : forme, articulation, matériau. . . (e) analyse du rapport de la caractérisation et du matériau chez Zimmermann, Ferneyhough et Nono
(A) Defence of the following postulates ; a) that both musical composition and the organisation of social formations in the last instance refer back to forms of rationality and, b) that the analysis of the truth content of a work of art depends on the possibility of bringing out this common articulation. Analysis of the adornian notion of "self-deployment" and of its relationship to the critique of instrumental reason as well as to the notion of "truth content" developed by th. W. -Adorno. (b) critique of those theories which locate the truth content of a work of art either in its attitude towards the art institution (burger) or in the aesthetic discussion concerning it (Wellmer Habermas). (c) defense of analysis aiming for truth content against deconstructive criticism. Analysis of the affinities of deconstruction with certain forms of contemporary composition cage, Feldman, Reich. . . (d) affirmation of the importance, in the present-day context of a musical material that potentially englobes all sound and noise, of examining and specifying the technical dimension of "self-deployment". The notion of reconciliation, to which this process is intimately linked, must also be thought in intra-musical terms : form, articulation, material. (e) analysis of the relationship of characterization and material in the compositions of Zimmermann, Ferneyhough and Nono

L'analyse de la musique électroacoustique est ici développée sous l'angle de la description morphologique. Celle-ci consiste, après segmentation du matériau musical, à décrire, à l'aide de critères, les différentes unités sonores et musicales. Ces critères sont classées en trois groupes : interne (spectre, dynamique, allure, grain et espace), référentiel (causalité, voix, effet et émotion) et structurel (analyse formelle). La représentation graphique est devenue un outil essentiel de l'analyste et peut être envisagée sous un angle iconique - créer des liens forts entre le son, ses critères analytiques et les formes graphiques - ou symbolique - figurer le son et ses critères par un ensemble de symboles extrêmement précis. En outre, la représentation est aussi un matériau idéal pour la publication multimédia : l'analyse représentée est associée au son, voire à d'autres médias, pour former un document didactique très riche. Le plan théorique est complété par des analyses de Spirale de Pierre Henry, " Géologie sonore " de Bernard Parmegiani et Stilleben de Kaija Saariaho
What we mean here by the analysis of electroacoustic music is a morphological description. It consist in using various criteria to describe the different aural and musical units of the musical material once they have been separated into segments. These criteria can be classified in three groups : internal (spectrum, dynamic, gait, granularity and space), referential (causality, voice, effect and emotion) and structural (formal analysis). Graphical representation has become an essential tool for the analyst and it can take the form of icons - creating strong links between the sound, its analysing criteria and graphic symbolic forms - or symbols - representing sound and its criteria with extremely accurate symbols. Moreover, representation is also an ideal material for multimedia publication : the represented analysis is associated to sounds or even other media to create a very rich didactical document. The theorical plan is completed by analyses of Spirale by Pierre Henry, " Geologie sonore " by Bernard Parmegiani and Stilleben by Kaija Saariaho

Le theatre d'ombres arabe, art tres populaire avant le 19e siecle, mais meconnu de nos jours, est tres riche en aspects artistiques, historiques et sociaux. Il occupe une place importante dans le patrimoine culturel arabe. Differentes theses expliquent sa genese. La diversite de ses formes et designations est source d'enseignements sur le plan litteraire et artistique. A travers les differentes etudes menees jusqu'a nos jours sur le theatre d'ombres arabe, l'element musical a ete occulte. Or, une analyse exhaustive saurait dissocier l'element musical (modes, rythmes, instruments) de l'ensemble sonore (poesie, linguistique, musique). D'autre part, la quasi-totalite des textes d'ombres sont ecrits sous forme poetique, prosodique ou rimee, d'ou l'interet d'une analyse des differentes formes poetiques intervenant dans les pieces d'ombres, de leur role et de leurs structures, exprimant ainsi le lien etroit entre le verbe et le rythme. Enfin, une piece d'ombres egyptienne "le phare d'alexandrie" est presentee afin d'illustrer la richesse du theatre d'ombres arabe en elements musicaux et poetiques. Une traduction inedite en langue francaise et une analyse complete de ses personnages, formes poetiques, structures et rimes, ainsi que des modes et rythmes de sa musique, permettent de mieux apprehender son originalite mais egalement son caractere representatif du theatre d'ombres arabe dans sa globalite
The arab shadow theatre, a very popular art before the xixth century but unknown nowadays, is very rich in all artistic, historical and social aspects. It plays an important role in the arab cultural patrimony. Different thesis explained its origin. The diversity of its forms and designations has been a source of information on the litteral and artistic level. Throughout the different studies undertaken on the arab shadow theatre, the musical element has been left out. However, a comprehensive analysis would not be able to separate musical elements (mode, rythms) from the whole acoustic system (poetry, linguistic and music). On the other hand, the majority of the shadow texts are writen in either prosidic or rimy poetry. Consequently, it becomes crucial to analyse the different poetric forms of which the shadow texts consist, as well as their role and their structure which reveal the narrow relation between words and rythm. Finally, an egyptian shadow play "the light-house of alexandria" is presented in order to illustrate the richness of the shadow theatre in musical and poetric elements. The unpublished french translation and the comprehensive analysis of the poetric forms and different characters permit a better apprehension of the originality of the shadow theatre

Cette étude de « L’hétérophonie dans la musique du 20ème siècle » contient trois livres. Le livre 1er est théorique : il a pour but la définition et la typologie de l’hétérophonie, puis l’élaboration d’un système analytique précis valable pour l’analyse dans les livres 2ème et 3ème. Sont spécialement considérés l’ouvrage Penser la musique aujourd’hui de Pierre Boulez (né en 1925) et l’étude des « polyphonies populaires russes » du colloque de Royaumont de 1991. Le livre 2ème s’intéresse à l’hétérophonie dans la musique de Stravinsky (1882/1971) : Petrouchka, le Sacre du printemps, Renard et les Noces. Le livre 3ème étudie l’hétérophonie dans Coro de Luciano Berio (1925/2003) puis dans l’Improvisation III selon Mallarmé de Boulez. Enfin, la conclusion compare l’écriture des trois compositeurs, en donnant un aperçu général sur l’hétérophonie durant le 20ème siècle
This study of « Heterophony in the 20th century music » is composed by three books. The first book is theoretical: his aim is to give a definition and a typology of heterophony, then to elaborate an exact and valid analytic system in order to make analysis in the parts 2 and 3. A special attention is given to the book Penser la musique aujourd’hui of Pierre Boulez (born in 1925) and to the study “Russian popular polyphonies” from the colloquium of Royaumont in 1991. The second book is focused on the heterephony in Stravinsky’s music (1882-1971): Petrouchka, le Sacre du printemps, Renard and les Noces. The third book studies the heterophony in Coro of Luciano Berio (1925-2003), and in Improvisation III selon Mallarmé of Boulez. At last, the conclusion compares the writing of the three compositors, giving a general survey of heterophony in the 20th century

Cette thèse de doctorat porte sur les musiques coptes d’Égypte dans leurs dimensions anthropologique, socio-politique et historique, dans un pays où cette communauté religieuse est en situation clairement minoritaire. Une première partie présente l’ethnographie d’un monastère de Haute-Égypte, Dayr el-Moḥâreb, et des villages qui en forment la paroisse, pour dresser le contexte humain de ces pratiques musicales. Une deuxième étudie successivement les parties liturgique et paraliturgique, en pleine expansion, du répertoire, suivies par une présentation des différents modes de transmission constatables de nos jours. Une troisième, enfin, aborde l’évolution des musiques coptes depuis le XIXe siècle à travers l’étude de l’influence du Renouveau copte et de son implication sur les effets de patrimonialisation, de rigidification et de transformation du répertoire musical. La musique copte s’inscrit-elle simplement dans la continuité de l’ancienne civilisation égyptienne, comme le souligne à loisir le discours identitaire des coptes en ce début de XXIe siècle et conforté en cela par les travaux de certains musicologues orientalistes ? Ou bien est-il temps de parler de « musiques coptes » au pluriel, du fait des nombreuses influences culturelles, sémitique ancienne, grecque, arabe et occidentale qui ont de tout temps touché cette tradition, et plus encore au cours du XXe siècle ?
This dissertation focuses on Egyptian Coptic Music in their anthropological, socio-political and historical dimensions, added to the fact that the Coptic community is a religious minority in Egypt nowadays. The first part will present the ethnography of a monastery from Upper Egypt, Dayr el-Moḥâreb, and the surrounding villages constituting the parish. It will describe the human context of musical practices. The second part will focuse on the repertoire’s liturgy and paraliturgy, before considering the different actual ways of transmission. The third part will study the evolution of Coptic Music since the 19th century through the influence of the Coptic Revival, and its consequences on the Coptic Music. Does, nowadays, Coptic Music fits in the line of ancient Egyptian civilisation as it is underlined in the discourses of the orientalists and musicologists, and in the identity rhetoric of the Copts? Can we speak about “Coptic Music” in plural including many cultural influences as Ancient Semitic, Greek, Arab and the West, especially during the 20th century?

Depuis quelques décennies, après l'extinction des manifestations des confréries religieuses de Sfax, la Hadra, qui est la musique de ces confréries, ne se pratique plus que dans un contexte profane, c'est-à-dire les fêtes familiales. Mon intention a été donc d'essayer de passer en revue cette musique dans une perspective historique, d'examiner son organisation, ses activités et son influence sur ses auditeurs dans le passe et dans le présent ; et enfin, de mettre en évidence son originalité à travers l'analyse de son système musical et la transcription de tout son répertoire, textes musicaux et paroles en langue originale. La Hadra, en tant que concert musical, date au plus tard de la fin du XIXe siècle, l'époque ou furent fondées les principales édifices mystiques des grandes confréries. En dehors de sa fonction principale qui consiste à faire danser les gens, la Hadra se particularise par son influence magique sur certaines personnes qui, à l'écoute de certains airs musicaux, ne peuvent pas se retenir de s'engager dans une danse qui les ramene a un état de transe. D'après le comportement des sujets lors de leur accès à la transe, l'état auquel ils parviennent est lie a la possession, bien que celle-ci n'est pas reconnue comme telle par la société. Un sujet qui, comme on dit, "a les ahwal" - c'est-à-dire qui a une prédisposition a la transe par l'audition de son air de prédilection - n'est pas considère comme un possède, même s'il l'est réellement et qu'il entre dans cet état dans un but thérapeutique. Le système rythmique représente le cote le plus fort et le plus important du système musical en général, ce qui traduit la prédominance des instruments de percussion dans la formation instrumentale de la Hadra
Since few decades, after the extinction of the religious brotherhood’s manifestations in sax, the Hadra, which is the music of these brotherhoods, is no longer played except in profane context that is family parties. My first intention was then to historically review this music and examine its organization, its activities, and its influence on its auditors in the past and in the present. My second intention was to show the originality of this music by analyzing its musical system and the transcription of its repertoire, its musical text and words in native language. The Hadra, as a musical concert, goes back at the latest to the end of the XIXth century, the period during which the main mystic edifices of major brotherhoods were found. Other than its main function of dancing, the Hadra is known for its magic influence on certain people who, when listening to some of its musical airs, loose control of themeselves and become in a state of France. The behavior of these subjects, during this trance state, is related to possession, but this is not recognized as such by the society. A subject, as said has the "ahwal" - i. E. Has a predisposition to the trance by listening to its predilection air - is not considered as posseded even if he really is, and that he enters this state for therapeutic purposes. The rhythmic system represent the strongest and the most important side of the musical system, in general, which explains the predominance of percussion instruments in the instrumental constitution of the Hadra

Lors de la conférence de Carême qu'il prononça à Notre-Dame de Paris, le 21 février 1999, le père Jean-Robert Armogathe rappela que la voix de l'orgue offre un accès privilégié au sacré, en contribuant à la création d'un "espace de sensibilité" favorable à la rencontre du transcendant. La méditation musicale des orgues permet, selon lui, de pénétrer dans la compréhension du mystère divin, qui, comme l'affirme le Nouveau Testament, est demeuré caché aux puissants, se dévoilant au coeur des humbles et des petits. Depuis l'époque patristique, le culte chrétien attribue à l'orgue une fonction théologale et mystagogique, qui introduit le sujet croyant dans une expérience du divin, d'ordre tant rationnel qu'émotionnel. La méthode allégorique fondée par Origène et Tertullien, illustrée par l'Ecole française de spiritualité (Olier, Grimaud, Thomassin), puis par les catholiques romantiques (Lamennais, d'Ortigue, Chateaubriand), légitime la présence de l'orgue dans le sanctuaire, tout en précisant son rôle dans la scène cérémoniale. Sa structure sonore offre une représentation sensible des réalités invisibles du kérygme chrétien : la multiplicité des tuyaux, le vent émis par les soufflets et les sons prolongés évoquent respectivement la communion des Saints, le souffle de l'Esprit et l'Eternité divine. L'orgue est un signe sacramentel qui participe, selon Jean-Yves Hameline, à une poétique sonore de la foi. Faisant écho à la crise liturgique suscitée par les dernières décisions conciliaires, cette étude vise à rappeler ce que l'Eglise catholique demande à ses musiciens, en incitant à une re-estimation du rôle de l'orgue dans "l'écologie sonore" de la célébration. Quels sont les critères de convenance -théologiques, rhétoriques et stylistiques- qui mesurent l'aptitude d'un instrument ou d'un répertoire à participer à la célébration du culte catholique ? Comment cette question a-t-elle influencé la praxis des organistes français depuis le Concile de Trente ?
In the Lent sermon he gave in the church of Notre-Dame of Paris on February 21st, 1999, the Rev. Jean-Robert Armogathe reminded his audience that the sound of the organ gives us a most creditable access to the sacred by enabling our senses to experience transcendency both rationally and emotionally : by accompanying our meditations, organ music leads us into te very mystery of the Divine, which, according to the New Testament, ignores the powerful and only unveils itself to its humbler servants. Thus, ever since the early days of Christianity, the organ has been endowed with both a theologal and mystagogic function. The method of allegory, founded by Origen and Tertullian and illustrated first by the French school of spirituality (Olier, Grimaud, Thomassin), then by the Catholics of the Romantic period (Lamennais, d'Ortigue, Chateaubriand), legitimates the presence of the organ in the sanctuary and specifies the role it is to play in the ceremonial scene. Indeed, such an instrument does provide our senses with a representation of the invisible realities of the Christian kerygma, as the multiplicity of its pipes, the wind blown out by its bellows, and its prolonged sounds evoke respectively the communion of the Saints, the breath of the Holy Spirit and the eternity of God. The organ is a sacramental sign, according to Jean-Yves Hameline, has to do with the poetics of faith itself. As a response to the crisis of liturgy created by the latest decisions of the Council, this study proposes to retrace what the Roman Catholic church expects from its musicians, by giving grounds for a new appraisal of the part the organ plays in the "ecology of sound" of celebrations. What criteria -be they either theological, rhetorical or stylistic- should therefore be taken into account to decide whether an instrument or a repertoire is fit to take part in the celebration of the Catholic ritual ? And how has this question influenced the praxis of the French organists since the Council of Trento ?

Le maqâm irakien est l'héritage le plus important dans le domaine de la musique irakienne. Qu'il soit interprété sur un texte poétique littéraire ou dialectal, le maqâm irakien représente une forme musicale vocale d'un pouvoir d'influence inestimable sur les sentiments des irakiens quel que soit leur religion, leur ethnie, leur dialecte. Le maqâm irakien représente un héritage culturel de la mémoire collective irakienne. Il est interprété par un chanteur dit : "récitant" accompagné par une formation orchestrale appelée "tchâlghî". Cette formation est constituée des instruments dont les plus importants sont "al-santûr" et "al-jôza". Le maqâm irakien se caractérise par plusieurs spécificités Parmi lesquelles et qui est d'ailleurs la plus remarquables, le maqâm n'est jamais lié à un texte poétique, littéraire ou dialectal, bien précis. Le récitant a toujours la liberté de choisir le texte qui lui convient. Ainsi, le maqâm irakien n'est jamais interprété de la même façon, même par un même récitant (ex:maqâm al-banjakâh interprété par Yûsuf 'Umar). Le coté créatif est toujours présent pendant l'interprétation du maqâm
The Iraqi maqam is the most important heritage in the domain of Iraqi music. The Iraqi maqam , whether recited as a literary poetic text or a dialect, represent a musical form of songs that has a major influence on Iraqis regardless of their religion, ethnic affiliation or dialect. The Iraqi maqam represent a cultural heritage in the collective memory of the Iraqis. It is sang by a singer called "reciter" accompanied by an orchestral formation called "tchalghi". Such formation constitutes some instruments the most important of which are "al-santur" and "al-joza". The maqam has many remarkable characteristics: it is never associated with a precise poetic literary text or dialect, the reciter is always free to choose the text le likes and it is never recited in the same fashion even by the same reciter. The creative side is always present through the recitation of the maqam

Les oratorios sacres de haendel sont une musique en contexte : sans une etude precise des cadres sociaux, politiques et religieux qui ont donne naissance a cette forme musicale, dramatique et biblique, on ne peut comprendre les mecanismes qui ont abouti a l'adoption par les anglais de ces ouvrages, ou ils ont entendu le chant de leur propre royaume, la voix de leur propres souverains, l'histoire de leur propre peuple
The true originality of handel's sacred oratorios cannot be grasped without the context which gave them birth : a precise study of the social, political and religious backgrounds of the period (1732-52) enables us to understand the complex phenomena of identification and adoption which made these pieces resound to the english ears with the voice of their own kingdom, their own queens and kings, and their own history

La spécificité des ballets de Milhaud est due à l'unité de leur forme. Cette unité étant elle-même due à l'utilisation du thème folkorique dans la variété de l'harmonie, du rythme et de l'orchestration. Ce retour à la régularité de la forme ou à la simplicité du folklore et du thème ancien procède d'une tendance néo-classique et antiromantique. Ce néo-classicisme dans la musique de ballet de Milhaud contribue à synthétiser l'art du ballet, car il fait coopérer la musique avec les décors imaginés par les peintres surréalistes et cubistes de l'époque ainsi qu'avec la danse néo-classique, ou avec le cirque, ou encore avec l'art acrobatique
The specific of Milhaud’s ballets derives from their unity of form using folk themes and from the variety of harmony, rhythm and orchestration. The evocation of the regularity of form and simplicity of folklore and of the traditional themes proceed from a neoclassical and nonromantic tendency. This neoclassicism in Milhaud’s ballet music is the foundation of its artistic value with its flowing unification of the music with the concepts of his contemporary surrealist and cubist painters, with neoclassical dance, with the circus, and even with the art of acrobatic dance

Une question essentielle est à l'origine de cette thèse : quels sont les phénomènes analytiques nous permettant d'affirmer que le XVIe siècle est une époque de transition ? Comment peut-on mesurer le niveau de la tonalité et de la modalité ? Notre étude se donne pour but de parcourir les diverses formules cadentielles contenues dans les psaumes. Pendant les classements, nous démontrons la formation horizontale et le résultat vertical. Cela nous permet de réaliser le second point de notre investigation qui se situe au niveau de l'identification du caractère de l'esthétique musicale au XVIe siècle
One fundamental question of this thesis is the following: which are the analytical phenomena which enable us to affirm that the 16th century is a period of transition? How can we measure the level of tonality and modality? The object of our study is to examine the different cadential formulas of the psalms. While classifying we will show the horizontal form and the vertical result. This leads us to the second point of our research which is the identification of the character of the musical esthetic in the 16th century

Nous retrouvons la coexistence des deux titres pu'an zhou et shitan zhang tant dans un contexte purement bouddhique que dans les recueils musicaux. Il en existe de nombreuses variantes dans les repertoires de cour, de cithare qin, de luth pipa, dans les repertoires d'ensembles professionnels et populaires comme dans les musiques de temple. Le zhou est une incantation; l'usage de ce type d'incantation a ete introduit en chine par le bouddhisme. Pu'an est un moins ch'an du douzieme siecle. Shitan est la transcription de siddham, le syllabaire sanskrit, qui fut vraisembla blement refondu par pu'an d'une maniere unique dans la litterature chinoise. Nous retrouvons dans toutes les versions musicales etudiees -sauf une- des motifs melodico-rythmiques cara- cteristiques qui subissent des procedes de variations qui ont pour resultat de rendre ces versions meconnaissables. Ces provedes sont particuliers a chaque genre et varient suivant le lieu et l'epoque. Ils peuvent etre opposes aux procedes occidentaux de l'orchestration et de l'arrangement. Certains concepts importants dans la theorie mu- sicale chinoise sont ici inadequats et amenent a reevaluer l'importance des pratiques dans l'elaboration musicale autour de la notion de mutation et au detriment du respect des systemes officiels. Tant l'usage de l'incantation a des fins meditatives que l'analyse d'ne langue en phonemes decomposables en voyelles et consonnes sont etran- gers a la chine; on les retrouve pourtant dans notre texte, qui se trouve ainsi dou- blement depourvu de sens. Les musiciens chinois ont vers 1800 meconnu la valeur esthe- tique d'un tel texte et ont eprouve le besoin d'ajouter un caractere descriptif
In buddhist texts aswell as in music we find both pu'an zhou and shitan zhang as titles. There are many variances in court, professionnal and popular ensembles, in qin and pipa repertory. Zhou is a spell and was introduced by buddhism. Shitan is the sanskrit syllabary, which was reconfigured by pu'an, a twelfth century buddhist monk. The use of spell together with the analysis of a language through voyels and consunants were stranger to china and so led to a lack of meaning. Around 1800, chinese musicians tried to reintroduce meaning to this piece through a descriptive program. All musical versions but one are related by the use of characteristic melodicorythmic cells which are varied by operations which make them unidentifiables. Some important concepts of chinese music appear here to be unuseful. The relationship between music and practice is therefore reevaluated through the concept of mutation

Les années 1960 font figure d’Âge d’Or dans l’histoire du rock. Cette période est marquée par des bouleversements sociaux et politiques dont l’écho se retrouve dans la musique populaire. Le rock psychédélique est l’une des expressions artistiques née dans le bouillonnement créatif de l’époque. Prenant comme prétexte la prise de substances hallucinogènes, le psychédélisme pousse le rock à élargir son langage en intégrant de nouvelles influences. Ainsi le rock psychédélique compose son univers en mêlant toutes les références qui passent à sa portée, musicales ou extramusicales, populaires ou « classiques », sans établir entre elles de hiérarchie. Le rock, par le biais du psychédélisme, construit ainsi un code de références qui lui est propre et devient une Culture. Ce travail tente de situer le mouvement psychédélique dans son contexte historique et artistique, et de dégager les principales caractéristiques musicales du psychédélisme en s’intéressant aux différents aspects de la musique : les groupes, les jeux musicaux influencés par la prise d’hallucinogènes, les textes et les spectacles, afin de comprendre quels éléments se retrouvent aujourd’hui dans le rock actuel et dans quelles proportions
The Sixties appears in rock music history as a kind of a Golden Age. This period is marked by social and political upheavals whose echo is found in popular music. Psychedelic rock is one of the artistic expressions born in the creative boiling from the time. Taking as pretexts the catch of hallucinogenic drugs, rock musicians see this time of creativity as an occasion to enlarge and to diversify their language by integrating new elements. Thus psychedelic rock composes its universe by mixing all the references which pass to its range, literature, comics, oriental music…without establishing hierarchy between them. This work tries to set psychedelic movement in its historical and artistic context, and to establish the principal musical characteristics of the psychedelism while being interested in the various aspects of this music: bands, musical plays influenced by the catch of hallucinogens, texts, shows…in order to understand which elements are found today in the current rock language and in which proportions

Les relations musicales entre l'orient et l'occident remontent au moyen-âge, et précisément aux VIIIe et IXe siècles où le musicien Abu al-Hasan 'Ali ben Nafi', surnommé Ziryab, tint le rôle d'émissaire oriental. D'origine probablement abyssinienne, il naquit entre 775 et 780. Disciple de l'école traditionnelle de musique fondée à Baghdâd par Ibrahim et Ishaq al Mawsili, il était doté de profondes connaissances et d'un grand talent artistique. Il dut quitter la capitale abbasside, Baghdâd, et la cour du calife Harun al-Rachid (786-809) et se rendit à Kairouan. Après avoir chanté devant Ziyada Allah l'aghlabide, il fut obligé de quitter le Maghreb en 821. Arrivé en Andalousie, il fut accueilli par l'émir 'Abd al-Rahman II (822-852) en personne. Ziryab sut juger des passions et des besoins des andalous. Les ayant considérés avec un esprit rénovateur influencé par les données de cette nouvelle société musulmane, il conçut ses diverses créations : il inventa un luth particulier auquel il ajouta une cinquième corde et remplaça l'ancien plectre par un nouveau découpé dans une plume d'aigle. Il traça le déroulement de la nuba et effectua plusieurs autres innovations dans les domaines de la mode et même de la cuisine. Ziryab laissa dans l'histoire des traces remarquables qui influencèrent la musique arabe de son époque et qui sont encore sensibles de nos jours
Musical connections between east and west trace back to the middle age, particularly to the 8th and 9th centuries, when the musician Abu al-Hasan 'Ali ben Nafi', nicknamed Ziryab, acted as oriental envoy. He was born between 775 and 780, probably of Abyssinian descent. Disciple of the traditional music school founded by Ibrahim and Ishaq al-Mawsili in Baghdad, he was deeply learned and was artistically highly gifted. He had to leave the Abbasside capital, Baghdad, and the court of caliph Harun al-Rachid (786-809) and went to Kairouan. After having sung for Ziyada Allah the aghlabide, he had to leave the Maghreb in 821. Once in Andalusia, he was welcome by emir 'Abd al-Rahman II (822-852) personally. Ziryab happened to be a good judge of passions and needs of Andalusian. He looked at them with an oriental renovating mind, influenced by datas of this new Muslim society; he then conceived diverse creations. He thought up a peculiar lute, to which he added a fifth string and replaced the old plectrum by a new one, carved in an eagle feather. He indicated the development of the nuba and made a few other innovations in the field of fashion and even cooking. Ziryab left in history remarkable traces which influenced Arabic music of this time and which are still to be noticeable nowadays

Nos recherches portent sur le pansori et plus précisément sur un genre musical populaire, qui a un statut assez particulier dans l'histoire de la musique coréenne. C'est une forme d'art vocal qui raconte une longue histoire dramatique. Le pansori comme genre musical a surgi au XVIIIème siècle, l'époque où la Corée traditionnelle commença à être troublée par les invasions étrangères. Le pansori représente la volonté tenace du peuple coréen de sauvegarder son identité en dépit des puissances étrangères et des dominations de la classe gouvernante. Nos premiers chapitres sont consacrés aux diverses influences que le pansori a subies entant que musique et histoire. Il ressort de notre analyse que le pansori constitue une synthèse assez grandiose des divers genres musicaux, lesquels étaient pratiques d'ordinaire par les diverses couches sociales du peuple coréen à cette époque. Sur le plan purement musical, la musique du pansori s'est constituée à partir de systèmes structurels solides et très élaborés. Cette constatation va à l'encontre des analyses de la plupart des musicologues coréen, les derniers en effet, ont situé la musique du pansori dans un cadre par trop catégorique et limité. En revanche, des intuitions solides et des recherches systématiques conduites par Constantin Brailoiu, Jacques Chailly, et Tran van Khe ont fourni pour nous, la source de constantes suggestions. Notre étude s'articule sur la musique du pansori en trois volets, des modes mélodiques, des formules rythmiques et de la voix. Une analyse synthétique qui a fait suite dénombre les caractéristiques de la musique du pansori
Our thesis aims at questioning the validity of a number of the presently established models concerning the traditional Korean popular music, namely, "pansori". In fact, "pansori" constitutes a creative synthetic art composed of different genres of the traditional Korean music known in Korea of the 18th century. The first part of our thesis has to do with the appraisal of the respective role of the different branches of the traditional Korean cultural heritage so as to determine and situate the place of "pansori" within the proper context of the Korean history itself. The critical reexamination which we have undertaken allowed us finally to discover lots of anomalies and even errors in the theoretical frameworks supposed to explain the phenomena of the pansori. As such discrepancies seemed to us to be symptomatic of the approach based on the misplaced conceptualization, we felt it necessary to review those discoveries of ours and integrate them in the entirely new paradigms, and this, to open new perspectives in the ethnomusicological studies with regard to "pansori"

L'étude conclut quarante ans de recherches du Danube au Gange, surtout au Moyen-Orient, vingt ans d'analyse et dix ans d'enseignement en Sorbonne. Elle illustre, sélectionnées d'un mètre cube d'enregistrements et de vingt-cinq mille diapositives, deux cents analyses de musiques modales de pays se référant au luth-od des traités médiévaux, soit Turquie, pays arabes, Azerbaïdjan, Iraq, minorités chrétiennes et kurdes de hautes Mésopotamie. Préambules : description des méthodes d'identification & de représentation. 1e part. Identification de systèmes acoustiques de l'antiquité aux théories modernes des arabes, turcs, iraniens en passant par les traités médiévaux. 2e part. Identification de systèmes scalaires et modaux. On explique les confrontations-transpositions entre différents systèmes et hauteurs. 3e part. Identification de systèmes instrumentaux: "od, tanbur turc, buzuq, qanon, santor, nay-ney, du Moyen-Orient, joza & calghi de Bagdad en Iraq. 4e part. Représentation morpho-mélodique (graphiques linéaires) de musiques interethniques: modes chur, husayni, dacht entre Azerbaïdjan, Iran et Iraq. 5e part. Représentation structuro-modale (diagrammes et portées) en analyses très précieuses du jeu des luthistes et solistes des arabesques de l'orient. 6e part. Représentation selon le langage instrumental du "od de maqâms d’Iraq. Analyse comparative des frères Bachir et de chanteurs dont Qubbanci. L’étude révèle des liens interethniques entre musiques dites spécifiques
Analyses conclude forty years of research from Danube to Ganges, mostly in middle-east, twenty years of analysis & ten years teaching at sorbonne. Amongst one cubic meter of recordings & twenty five thousand slides, it selects two hundred analyses of modal musics from countries referring to the mediaeval lute-od: turkey, Arab countries, Azerbaijan, Iraq, Iran, Christian & Kurdish minorities in upper-Mesopotamia or around. - Preamble describes topic & methods of identification & of representation. -part. 1. Identification of acoustic systems from antiquity to modern Arab, Turkish & Iranian theories through mediaeval treatises (Farabi, Avicenna). -part. 2. Identification of scalar & modal systems explains confrontations transpositions between different systems & pitches (Arab- Iranian- Turkish). -part. 3. Identification of instrumental systems studies od, Turkish tanbur, middle-eastern buzuq, qanun, santur, nay-ney, Iraqi joza & Bagdad calghi. -part. 4. Melodic-morphological representation (through linear graphs) of interethnic musics: shur, husayni, dasht modes between Caucasus, Iran & Iraq. -part 5. Modal-structural representation (diagrams & staves). Very precise analysis of arabesques playing middle-eastern lutenists & soloists. -part. 6. Representation according to the od instrumental language of Iraqi maqam-s

"la melancolie et le banal" est un essai sur le cinema quebecois. Ce travail s'inspire de deux approches methodologiques: la psychanalyse et la semiologie du cinema, et il repose essentiellement sur deux auteurs freud et sami-ali. La melancolie inscrit un mouvement particulier du cinema quebecois dans sa dialectique du reel et de l'imaginaire. L'ambivalence, la negativite, le narcissisme decrivent un imaginaire du manque et plus precisement de la perte. D'une perte deniee. La melancolie peut ainsi pousser son expressivite au degre zero jusqu'a l'immobilisme et au silence les plus extremes et c'est la ou elle rejoint le banal, dans l'annulation de sa subjectivite, dans sa demeta@horisation en usant un autre langage, le litteral. Cette neutralisation trahit une fragilite du signifiant. L'analyse des films couvre le travail de quatre cineastes qui ont une oeuvre reconnue dans le cinema quebecois: jacques leduc, andre forcier, denys arcand, claude jutra
Melancholis and the banal is an essay on the cinema of quebec. This work inspires itself from two methodological approaches: psychoanalysis and semiology of cinema, and principally sets on two authors freud and sami-ali. Melancholia inscribes a peculiar movement of the quebecquer cinema in its dialectic of the real and the imaginary. Ambivalence, negativity and narcissism describe a very specific imaginary of the lack and more precisely of the loss, of a negated loss. Melancolia can push its expressivity to the zero degree until the most extreme immobility and silence; in this way, the banal recovers this process by cancelling its subjectivity, and in its "demetaphorization", by using and other language, the litteral. This neutralization betrays the fragility of the signifier, the analysis of films cover the work of four well-know filmakers in quebec: jacques leduc, andre forcier, denys arcand, claude jutra

Le concept d'espace, en musique, est indissociable des concepts de temps, d'écoute et de la perception de la forme. Cette thèse étudie l'une des interprétations possibles de la notion d'espace sonore, vu en tant que modalité de configurer et donc d'organiser le matériau musical. La Partie I, " Questions terminologiques ", est dédiée à la clarification des termes et concepts employés pour la dimension spatio-temporelle (espace, temps, analogie visuel-sonore, métaphores spatiales, écoute, mémoire, forme). La Partie II est consacrée à la réflexion sur l'émergence du spatial, et à l'analyse des critères de surface et de masse, d'accumulation, de raréfaction, en présentant un certain nombre d'extraits sonores (recueillis dans deux CDs en annexes). Les analyses de six œuvres (Atmosphères/Ligeti, Zeitströme/Zender, Pranam II/Scelsi, Vortex Temporum I/Grisey, Rigirìo/Gervasoni, Distentio/W. Zimmermann) appliquent les critères d'organisation à des plus grandes sections ou à des pièces entières
In the field of music, the concept of space cannot be dissociated from the concepts of time, of listening and from the perception of forms. This thesis analyses various possible ways of interpreting the notion of "the space of sounds", seen as a modality of configuring and, thus, of setting up musical materials. The first part called "Questions of terminology" is devoted to the clarification of the concepts that are used for the dimension of sound and space (sound, space,analogy between what is heard and what is seen, spatial metaphors, listening, memory, forms). The second part is devoted to the emergence of the concept of space and to the analysis of the criteria of area and mass, of accumulation and rarefying by presenting several musical extracts (on two CDs as an annexe). The analysis of six pieces (Atmosphères/Ligeti, Zeitströme/Zender, Pranam II/Scelsi, Vortex Temporum I/Grisey, Rigirio/Gervasoni, Distentio/W. Zimmermann) applies the criteria of organisation to large sections

L'étude de la musique dans la vie et l'oeuvre de Alejandro Xul Solar (Argentine, 1887-1963) révèle des facettes nouvelles d'une personnalité toute particulière. Peintre, écrivain et linguiste, mais aussi astrologue et inventeur, Xul Solar a étudié de nombreuses disciplines. L'aspect sonore s'intègre dans un complexe réseau de connaissances qui trouve forme plastique dans ses aquarelles et huiles, son théâtre de marionnettes, sa variation des échecs. Les notations musicales développée, ainsi que les claviers modifiés pour les accueillir, sont le produit d'une profonde réflexion sur la correspondance des arts. Ses travaux linguistiques et ésotériques n'échappent pas à l'influence de la musique. Pour éclaircir les enjeux de ce sujet, cette thèse l'aborde dans trois étapes: dans un premier temps, la biographie de l'artiste est présentée en trois chapitres, mettant en relief le rôle de la musique dans sa vie (héritage familial, études, rapport avec des musiciens, influence du milieu, goûts musicaux, collection musicale, etc. . . ). Dans un deuxième temps, ses recherches sur des aspects liés au musical, notamment sur la notation, l'organologie et l'application de la correspondance des arts, sont organisées dans les trois chapitres suivants. Dans un troisième temps, enfin, les interférences musicales dans son oeuvre picturale sont décelées au moyen de son analyse, parfois accompgnée des interprétations plus ou moins audacieuses, d'une trentaine de tableaux liés au musical. Le travail et la figure de xul Solar sont mis en valeur en les plaçant chaque fois dans leur contexte historique et esthétique
The study of music in the life and work (Argentine, 1887-1963) reveals new aspects of a very particular personality. Painter, writer and linguist, but also astrologist and inventor, Xul Solar studied many subjects. The sound is integrated into a complex tissue of knowledge that finds visual form in his watercolours, drawings and oil paintings, in his puppet theatre, in his variation of chess. The invented musical notation systems, as well as the keyboards modified to allow their application, are the result of deep thought on the interralation between the arts. His linguistic and esoteric works also show the inluence of music. In order to clarify the implications of this subject, this dissertation approaches it in three stages: firstly, the biography of the artist is presented in three chapters, emphazing the role that music played in hid life (family heritage, studies, musical relations, influence of the milieu, musical affinities, collections, etc. ). Secondly, his investigation on music relatd aspects, such as notation, organology and the application of the interrelation of the arts, are organised in the three following chapters. Finally, the presence of music in his pictorial work is studied in the third part, by means of the analysis, sometimes accompanied by more or less audacious interpretations, of some thirty music related paintings. Xul Solar's figure and work are at every stage placed in the historical and aesthetic context in order to comprehend their real value

Le but de ce travail est de mener une enquête sur les principaux aspects du choro brésilien et sur l'approche compositionnelle du pianiste et compositeur américain Thelonious Monk afin de créer des pièces originales inspirées de l'hybridation de ces deux approches musicales. Le choro est un genre musical qui a beaucoup influencé la musique brésilienne depuis son apparition au XIXe siècle. Par ailleurs, l'énigmatique musique de Thelonious a contribué à la création et au développement du bebop jazz. Ces deux approches ont subi le processus d'hybridation musicale comme élément clé dans leurs consolidation et création au cours du temps. Pour mon projet, l'approche compositionnelle de Monk m'a inspiré en tant que source d'expérimentation pour restructurer le choro. De la même façon, les différents aspects du choro m'incitent à les utiliser comme des outils permettant la modification du style de Monk. Leurs façons de structurer la mélodie, l'harmonie et le rythme sont à la base de mes compositions. J'explore plus précisément le défi de mettre en interaction ces deux approches en développant un vocabulaire capable d'équilibrer leurs éléments, et ce à travers mes propres compositions. Par l'observation et l'analyse de ces éléments et structures, j'ajoute quelques considérations interprétatives dans le but de collaborer aussi à la performance. Ce projet retrace aussi les aspects historiques du choro et de Monk avec l'idée de faire mieux comprendre leurs origines et leurs processus de formation. Chaque composition présente une combinaison d'éléments structurels assez variés qui visent à une interaction et à une intégration équilibrées, stimulées par ma propre individualité artistique. Ce projet a pour ambition d'aider les musiciens dans leur interprétation musicale en encourageant la création.
The aim of this work is to investigate the main aspects of Brazilian choro and the compositional approach of American pianist and composer Thelonious Monk to create original pieces inspired by the hybridization of these two musical approaches. Choro is a musical genre that has greatly influenced Brazilian music since its appearance in the nineteenth century. In addition, the enigmatic music of Thelonious contributed to the creation and development of Bebop jazz. Both approaches have undergone the process of musical hybridization as a key element in their consolidation and creation over time. For my project, Monk's compositional approach inspired me as a source of experimentation to restructure the choro. In the same way, the different aspects of choro encourage me to use them as tools allowing the modification of Monk's style. Their ways of structuring melody, harmony and rhythm are at the base of my compositions. I explore more precisely the challenge of interacting these two approaches by developing a vocabulary able to balance their elements, and this through my own compositions. By observing and analyzing these elements and structures, I add some interpretative considerations in order to collaborate also on performance. This project also traces the historical aspects of Choro and Monk with the idea of making better understand their origins and their training processes. Each composition presents a combination of quite varied structural elements that aim at balanced interaction and integration, stimulated by my own artistic individuality. This project aims to help the musicians in their musical interpretation by encouraging the creation.

Deux aspects encore trop mal connus de la naissance du langage tonal ont fait l'objet de cette étude; il s'agit respectivement : 1. De l'apparition des altérations d'attractivité (sensibles), qui ont fait évoluer les modes ecclésiastiques vers les modes majeur et mineur. Cette apparition est souvent le résultat de l'intervention de l'interprète (musicaficta), ce qui rend particulièrement difficile de suivre l'évolution de cet aspect, suite à la perte des traditions orales anciennes. 2. De l'introduction, dès le début du XVIIe siècle, des dissonances caractéristiques (septièmes sur la dominante, sixtes ajoutées sur la sous-dominante), et plus tard des neuvièmes de dominante, septièmes diminuées et septièmes de sensible, ainsi que des sixtes augmentées et des septièmes d'espèce. Pour le premier de ces deux points, une étude parallèle des sources vocales, des traités théoriques et des tablatures instrumentales montre que le principe d'attractivité, apparu vers la fin du XIIIe siècle, et généralisé dans le courant du XIVe siècle, sera contesté, voire exclu, par la musique nordique (flamands, allemands) entre la fin du XVe siècle et le milieu du XVIe siècle (tablatures allemandes de Gerle, Büchner, Clemens Hor, traités théoriques flamands de Ghiselin Danckerts, Adrien Petit Coclico, musique vocale de Ockeghem, Josquin, Iaac, Gombert, etc. ). Pour les nouvelles dissonances, c'est également l'irrégularité de l'évolution qui frappe surtout. Certaines d'entre elles atteignent leur maturité très rapidement (notamment la septième de dominante, des 1620-40 dans l'école romaine), mais ne passeront aux autres écoles que beaucoup plus tard. D'autres dissonances, après une apparition précoce très spectaculaire (par exemple la sixte augmentée chez L'Estocart, 1582, et la neuvième de dominante chez Cesti, 1668), subiront une longue période de régression, pour ne devenir usuelles que vers la fin du XVIIIe siècle
Two as yet little known aspects of the development of tonality are the object of this study, respectively: 1. The appearance of leading tones, which affected the evolution of ecclesiastical modes toward major and minor modes. Such alterations are often the result of the interpretation of the performer (musicafictd), which renders it particularly difficult to follow the evolution of this aspect due to the loss of early traditions of performance practices. 2. The gradual appearance of characteristic dissonances from the beginning of the 17th century (seventh over the dominant, sixth added over the subdominant), and later dominant ninths, diminished and semi-diminished sevenths, as well as augmented sixths and other seventh chord forms. For the first of these two points, a study of concurrent vocal sources, theoretical treatises and instrumental tablatures shows that the practice of leading-tones, evident toward the end of the 13th century and gradually in general use during the 14th century, will be contested, even avoided by Nordic styles (Flemish, German) between the end of the 15th century and the middle of the 16th century (German tablatures of Gerle, Buchner, Clemens Hor, Flemish theoretical treatises of Ghiselin Danckerts, Adrien Petit Coclico, vocal music of Ockeghem, Josquin, Isaac, Gombert, etc. ). For the new dissonances, the irregularity of evolution is equally striking. Certain ones attain their maturity very rapidly (notably the dominant seventh, from 1620-40 in the roman school), but will only pass to other schools much later. Other dissonances, after a spectacular, precocious appearance (for example, the augmented sixths of L'Estocart, 1582, and the dominant ninths of cesti, 1668), will suffer a long period of dormancy, and become common practice only toward the end of the 18th century

Cette recherche propose d'analyser comment des musiciens issus des institutions de la musique arabe se recomposent hors cadre institutionnel dans des pays comme la France et les États-Unis. Après avoir analysé dans un premier temps les problèmes d'homogénéisation de la culture, cette recherche dresse dans une deuxième partie une histoire technique, économique et sociale de la musique arabe, à travers laquelle sont abordés les questions de la définition des systèmes musicaux et de la rationalisation instrumentale. La rationalisation des systèmes d'échelles et la question de la juste intonation ne trouvent pas partout les mêmes consonances. Les développements socio-historiques de la musique arabe et son renouvellement montrent au contraire comment les formats d'échelles fondés sur les « quarts de tons » ont contribué à structurer certaines pratiques musicales. La recomposition hors cadre institutionnel des ensembles de musique arabe en France et aux États-Unis, montre ainsi comment au travers de leur nouvel ancrage territorial, ces formes musicales ne réactualisent pas une forme désincarnée et générique de la « musique arabe », mais sont bien plutôt le résultat d'un processus de recontextualisation que les musiciens redéfinissent à partir de savoirs-faire institutionnels hétérogènes. L'analyse de la musique arabe conçue en des territoires nouveaux nous permet ainsi de comprendre, à partir d'études empiriques, comment se configurent et s'implémentent des savoirs-faire institutionnels renouvelés, sans pour autant abandonner les formats d'échelles qui étaient, et restent au fondement de ces pratiques musicales
This research proposes to analyze how musicians from Arab music institutions recomposethemselves outside of the institutional framework in countries such as France and the United States. After analyzing in a first part the problem of culture and homogenization, this research addresses in a second part a technical, economic and social history of Arabic music, through which are analyzed the issues of the definition of musical systems and instrumental rationalization. The rationalization of scale systems and the question of just intonation are not sounding everywhere in the same direction. The socio-historical developments of Arab music and its renewal shows on the contrary how scales formats based on "quarter tones" helped to structure some musical practices. The recomposition of Arabic music ensembles outside of their institutional frameworks such as in France and in the United States, shows how through their new territorial roots, these musical forms do not actually reactualize disembodied or generic forms of the "Arab music" but are rather the result of a recontextualization process that musicians redefine themselves from heterogeneous institutional know-how. Thus, the analysis of Arab music conceived in new territories allows us to understand, from empirical studies, how institutional knowledges and know-how are renewed and implemented, without abandoning the scales formats that were and remain at the foundation of these musical practices

Le parcours musical de Qigang Chen (1951-), compositeur français d'origine chinoise arrivé en France en 1984, nous donne un exemple de la façon dont les compositeurs asiatiques ont franchi le passage entre " moderne " et " postmoderne ". A travers l'étude des œuvres de Qigang Chen et des pièces majeures de compositeurs chinois et japonais, notamment celles de Tan Dun et de Tôru Takemitsu, nous essaierons d'abord de mettre en évidence la manière dont ces compositeurs asiatiques relient leurs " traditions " culturelles à la " modernité " occidentale. Nous tenterons ensuite de répondre à cette question centrale : " Est-ce que la musique confie toujours aux créateurs la mission historique de faire évoluer les langages et de découvrir de nouvelles sonorités, ou est-ce qu'elle exige d'eux qu'ils transmettent un message aux hommes, afin de les encourager, de les caresser, de les élever vers un meilleur état spirituel, voire de les conduire au bonheur ? ". Nous nous attacherons enfin à trouver un chemin de conciliation dans ce débat
The musical route of Qigang Chen (1951-), a French composer of Chinese origin who arrived in France in 1984, give us an example of the way the Asian composers crossed the passage between " modern " and " postmodern ". Through the study of the works of Qigang Chen and important pieces by Chinese and Japanese composers such as Tan Dun and Tôru Takemitsu, we will scrutinize how these Asian composers link their own cultural " traditions " with Western " modernity ". We will then tempt to answer this central question: " Does the music always entrust the creator the historic mission of developing the language and of discovering new sonorities, or does it ask them to transmit a message to mankind, in order to encourage them, to caress them, to bring them towards a better spiritual state, or even to lead them to happiness? ". Finally, we will try to find out a route of conciliation in this debate

Depuis le milieu du XVIe siècle, la France abrite des communautés juives d'origine portugaise dont la musique liturgique demeure encore aujourd'hui mal connue. Après avoir dépeint la pratique musicale de ces anciennes congrégations marranes, cette étude s'attache à dresser l'inventaire des sources musicales - orales ou écrites - des communautés judéo-portugaises de Bordeaux, Bayonne et Paris. Dans un second temps, une analyse musicologique permet d'appréhender la systématique musicale de ces traditions orales. Par le recours à une transcription de type paradigmatique, l'auteur tente de dégager la structure musicale des différentes prières. Il énonce notamment les règles syntaxiques régissant le répertoire liturgique de la fête du nouvel-an juif (Rosh Ha-Shana). Enfin, une étude diachronique et synchronique de plusieurs versions d'une même prière permet d'évaluer les rapports existant entre les traditions orale et écrite ainsi que le degré de continuité ou de changement de ces musiques liturgiques sur près de deux siècles
Since the middle of the 16th century, France has sheltered judeo-portuguese communities whose liturgical music is still nowadays badly known. After having presented the musical practice of these ancient congregations of "marranos", this study attempts to make an inventory of the musical sources - oral and written pieces - of the judeo-portuguese communities of Bordeaux, Bayonne and Paris. Then, a musicological analysis will permit to understand the musical systemic of these oral traditions. By the way of paradigmatic transcription, the author tries to reveal the musical structure of the different prayers. He sets out the syntactic rules of the Jewish New Year feast (Rosh Ha-Shanah). Finally, a synchronic and diachronic study of different versions of a same prayer will allow considering the relation between oral and written tradition and the degree of continuity or change of this liturgical music during about two centuries

Une certaine conception de l’absurde conduit à s’interroger, au moyen de l’analyse musicale, sur le sens des oeuvres de Ligeti et de Kurtág qui, en mettant en scène les univers de Carroll ou de Kafka, se situent dans l’ambiguïté paradoxale de l’absurde. La question de l’héritage est centrale chez ces compositeurs hongrois marqués par le nazisme et le stalinisme ; et les nombreuses allégations qu’ils font à la tradition ou à Bartók confèrent un solide substrat à leurs écritures respectives. L’usage qu’ils font des séries et leurs machines musicales témoignent de leur liberté à l’égard de la pensée sérielle ; et la déchirure comme la révolte s’expriment par les altérations qu’ils infligent à des matériaux citationnels ou à des procédés fossilisés. Mais, par leur travail aux frontières de la musique (bruits ou langage), ils élaborent des formes viables qui ouvriraient une éventuelle voie vers un nouvel humanisme dans une société qui, en prétendant au bonheur, sécrète de la douleur
A certain conception of the absurd leads to interrogations, by means of musical analysis, on the meaning of those works by Ligeti and Kurtág which, through settings of Carroll’s or Kafka’s universe, are situated in the paradoxal ambiguity of the absurd. The question of heritage is central to these Hungarian composers marked by nazism and stalinism, and the numerous references which they make to musical tradition or to Bartók form a solid substratum in their respective writings. Their particular use of series and musical machines are witness to their freedom with regard to serial thinking, and their sense of rupture and revolt are expressed through the alterations which they inflict on citations or fossilized procedures. Yet, by their work at the frontiers of music (noise or language), they elaborate viable forms which open a potential path towards a new humanism in a society which, based on the pursuit of happiness, conceals pain

La chanson tunisienne est un genre musical apparu vers la fin du dix-neuvième siècle. Aujourd'hui, il domine la pratique musicale en Tunisie, au niveau de la production et au niveau de la consommation. Ce travail consiste en une approche technique puis sociologique de ce genre. L'approche technique englobe une étude du texte littéraire, du support musical et de l'interprétation. L'approche sociologique consiste en une étude "extra-musicale" sur la production puis sur la consommation de la chanson. Cette recherche a permis de définir musicalement la chanson tunisienne, puis d'en établir différentes typologies, en fonction de la forme du discours, du niveau de langue, du mouvement prosodique, de l'aspect sémantique, des rythmes, des modes, de la structure formelle, de la structure rythmico-temporelle, des orchestres, de la conception orchestrale, du type d'exécution, du rôle de la chanson dans la société, des lieux de pratique de la chanson, des modes de perception et des modes de comportement de l'auditeur. A travers ce travail, nous avons souhaité, d'une part, réaliser un document complet sur la chanson tunisienne et, d'autre part, proposer un modèle d'étude pour d'autres manifestations de la chanson dans le monde.

La thèse se propose d'examiner la période centrale de la production madrigalesque du compositeur franco flamand Giovanni de Macque, en prenant en considération cinq ouvrages publiés par l'auteur entre 1581 et 1597. L'analyse du corpus y est envisagée par le biais de deux notions en usage dans la littérature musicale de l'époque et utilisées par Macque lui-même dans l'une de ses lettres de dédicace : l'ariosità et l'artificiosità. Cette perspective analytique consent ainsi d'interroger un aspect particulièrement significatif du répertoire vocal profane italien des deux dernières décennies du Cinquecento : la fusion de la simplicité et du savant, de la légèreté et de la complexité, le mélange des genres et des registres stylistiques. La thèse est articulée selon un parcours chronologique, qui met en évidence les différentes phases du développement stylistique de Macque pendant la période considérée. Après une introduction contextualisante, chaque partie prend en examen les trois paramètres d'écriture suivants : les choix poétiques, le recours à certaines techniques musicales déterminées et enfin, la représentation musicale du texte poétique. L'édition et la traduction des textes poétiques mis en musique, la transcription de deux recueils du corpus ainsi que la traduction de la correspondance du compositeur font l'objet d'un tome d'annexes
The thesis investigates the central period of the madrigalian output of Franco-Flemish composer Giovanni de Macque by considering five works published by de Macque between 1581 and 1597. The analysis of this corpus is based on two notions that were current in musical literature of the era and used by Macque himself in a dedicatory letter : ariosità and artificiosità. This analytical approach highlights one of the most significant aspects of profane vocal music in late Italian Cinquecento : the merging of simplicity and erudition, of lightness and complexity, of genres and stylistic registers. The thesis follows a chronological division which underlines the different phases of Macque's stylistic evolution during the period under consideration. After a contextualizing introduction, each section explores the three following issues: poetic choices, recourse to determinate musical techniques, and musical representation of the poetic text. The edition and the French translation of the poetic texts, the transcription of two books of the corpus and the translation of the composer's correspondence are located in the appendix
La tesi verte sull'analisi del periodo centrale della produzione madrigalistica del compositore franco fiammingo Giovanni de Macque, prendendo in considerazione cinque stampe, pubblicate tra il 1581 e il 1597. Il corpus viene valutato attraverso due nozioni utilizzate nella letteratura e nella trattistica musicale coeva, e dallo stesso Macque in una sua lettera dedicatoria : l'ariosità e l'artificiosità. Questa prospettiva analitica consente di esaminare un aspetto particolarmente significativo del repertorio vocale profano italiano degli ultimi decenni del Cinquecento : l'avvicinamento della scrittura sapiente alla leggerezza, l'accostamento della complessità alla semplicità, nonché la mescolanza di generi e di registri stilistici. La tesi segue un percorso cronologico che vuole individuare le fasi successive dello sviluppo stilistico di Macque durante il periodo preso in considerazione. Un'introduzione apre ogni singola parte con lo scopo di contestualizzare l'opera. L'analisi si concentra poi su tre parametri fondamentali della scrittura madrigalistica : le scelte poetiche, il ricorso a determinate tecniche compositive, ed infine la rappresentazione musicale del testo poetico. I testi poetici e la loro traduzione in francese, la trascrizione del Secondo libro de madrigali a cinque voci e del Terzo libro de madrigali a cinque voci, e la corrispondenza del compositore tradotta in francese sono riuniti in un volume di appendici

A quoi correspond musique sacrée aujourd'hui? Quels sont les enjeux sociaux et représentations sociales qui s'y rattachent dans la France du XXIe siècle? L'approche de cette recherche est musicologique dans le sujet, sociologique dans la méthode et anthroologique dans la définition. Elle montre que "musique sacrée" est issue de "musica sacra", utilisé en 1614 pour la première fois par Michael Praetorius, désignant la musique spirituelle employée à l'usage rituel chrétien. L'association de notions de "musique" et de "sacré", possède un signifié absolu et des signifiants relatifs, non seulement liés au répertoire, mais à la façon dont il est ou non affecté et chargé intentionnellement. Dans la France postmoderne elle revêt des sens communs, constitutifs, référentiels et affectifs, devenant une expression de langage symbolique mytique, sorte de "cathédrale émotionnelle". C'est pourquoi la forme même de cette thèse utilise la métaphore filée de l'architecture monumentale et musicale des églises et de la structure de Messe grégorienne
What is understood today by the expression "sacred music"? What are the social issues and representations that accompany it in 21st century France? The research conducted is musicological in its suject, sociological in its method, and anthropological in its definition. This study demonstrates that "sacred music" derives from "musica sacra", a term first used by Michael Praetorius in 1614. It refers to the spiritual music used for Christian ritual use. The associative union of music and sacred into a third entity sacred music has a signiifed absolute and relative signifiers that are not only linked to the repertoire itself but to the way from which transform it into an expression of symbolic and mythical language, a kind of emotional cathedral. That is why the churches and the structure of the Gregorian mass

Dans le domaine du langage, les systèmes métriques jouent un rôle important de structurateur, de créateur d'ordre. Différente d'une langue à l'autre puisque fondée sur les propriétés de chaque langue, la métrique forme à partir d'un contraste significatif (long/bref ou, comme en allemand, fort/faible) une trame, un cadre rythmique. Elle exerce une influence sur la structure linéaire et accentuelle interne des séquences (syntagmes, énoncés) qui lui sont soumises. La présente étude s'articule en cinq parties. Elle part d'une analyse de la syllabe qui est le point d'ancrage des poussées d'intensité (accents) et la base pour la fixation des unités de mesure constitutives de la métrique. Ensuite, différents systèmes métriques (gréco-latin, italien, français) sont comparés au système allemand pour que les propriétés de ce dernier puissent être mieux fixées, l'engouement pour la poésie antiquisante ayant pendant longtemps voilé la vraie nature des faits métriques de l'allemand. Ceux-ci peuvent être adéquatement décrits par une méthode comme celle de Heusler, fondée sur des critères rythmico-musicaux. La troisième partie analyse en détail les modifications séquentielles typiques de la poésie par rapport à la prose, conséquences de l'action du vers métriquement défini sur le langage. A partir de la quatrième partie, la musique entre en jeu. Ses données rythmico-mélodiques forment une superstructure qui vient à son tour maitriser le vers et/ou le langage. Après l'examen synchronique et diachronique des différents types de déclamation musicale dans le cadre de l'opéra, est abordée, dans la cinquième partie, la traduction des livrets d'opéra. Cette pratique, souvent objet de controverses esthétiques, est révélatrice non seulement de l'évolution du rôle du langage dans l'opéra, conçu comme « texte multimédial », mais aussi des possibilités prosodiques et séquentielles qu'ouvre la présence d'un système régulateur étagé (énoncé langagier - vers - musique).

L'Impressionnisme et la Bossa Nova — une Thèse de Surface se présente comme une vaste mosaïque dans laquelle des champs disciplinaires divers et éloignés les uns des autres peuvent interagir d'une façon harmonieuse et libre. Sollicitant des données issues de domaines comme la théorie de la chanson, l'histoire culturelle, la psychologie cognitive, la musicologie, la critique d'art, les neurosciences et la biologie de l'évolution, parmi d'autres, le travail est structuré en trois parties qui sont à la fois autonomes et complémentaires. Dans la première sont abordés des thèmes liés à la dimension mélodique et linéaire de la musique ; à sa relation avec la mémoire et la perception du temps. Les oeuvres de Tom Jobim servent alors de modèles nous permettant de mettre en lumière le caractère éminemment mélodique de la chanson commerciale. En tentant de définir la place qu'occupe cet artiste dans la tradition de la chanson brésilienne on met également en évidence le caractère innovant d'une oeuvre qui rompt avec le passé. Dans la deuxième partie, le regard se déplace vers le rôle de l'harmonie et sur la dimension verticale dans la musique, dimension responsable de son impact instantané sur l'auditeur. En plus d'une longue introduction sur le changement du discours harmonique qui s'est opéré dans la musique européenne du XIXe siècle, on met l'accent sur l'importance des sensations les plus directes dans la tradition musicale moderne, au rebours d'une vision qui en privilégie les dimensions narratives et linéaires. On montre ensuite comment, à la faveur d'un tel déplacement, il devient possible d'opérer un rapprochement non seulement entre la musique de Claude Debussy et la peinture de Claude Monet (l'Impressionnisme), mais aussi entre l'art de ces derniers et le nouveau style créé par Tom Jobim et Joâo Gilberto au Brésil (la Bossa Nova). Dans la troisième et dernière partie du travail, on propose un regard nouveau sur la dimension rythmique de la musique brésilienne. L'objectif est ici un élargissement, à la lumière d'études récentes, de la compréhension de la relation du rythme avec le corps (l'organisme), avec la langue et avec l'idée d'une formation culturelle. Dans cette partie, la musique de Tom Jobim et de Joâo Gilberto demeure le principal paramètre comparatif
Created in the format of an argument essay, Impressionism and Bossa Nova - A surface analysis proposes a broad mosaic in which distinct and distant fields of knowledge, which are usually considered in isolation can interact fluidly and freely link together. Using information from areas such as song theory, cultural history, cognitive psychology, musicology, art critic, neuroscience and evolutionary biology, among others, the essay is structured in three multifaceted frames, simultaneously autonomous and complementary. In the first part of the essay, topics related to the melodic and linear dimension of the music are addressed, in relation to the memory and perception of time. Compositions authored by Tom Jobim are highlighted and help to shed light on the eminently melodic character of the folk song, while revealing their own level of innovation in the past and defining its place in the tradition of Brazilian music. In the second part the essay, focus is given to the role of harmony and to a proper vertical dimension of music, a dimension that relates to the prompt impact of the instant. Apart from a long introduction regarding the change in harmonic discourse in the European music of the nineteenth century, a emphasis is given to the more direct impact of feelings and sensations, rather than on a linear and narrative conception of the musical discourse. This shift can be seen as a point of approximation not only between the music of Claude Debussy with the painting of Claude Monet (Impressionism) but also with the new style created by Tom Jobim and Joao Gilberto in Brazil (Bossa Nova). The third and last part of the essay proposes a new focus on the rhythmic dimension of the Brazilian music, broadened in light of recent studies, and taking the music of Tom Jobim and Joâo Gilberto as the basis for comparison, thereby increasing the understanding of its relationship with the body, the language, and the idea of cultural development in the country

La présente recherche se donne pour objectif d'étudier les quatuors à cordes à partir de leur lieu de création, la Société Nationale de Musique. La première partie est consacrée à l'analyse de cette organisation de concert: elle commence par en déterminer le fonctionnement général, l'action de certains dirigeants, la façon dont les programmes étaient constitués et les oeuvres sélectionnées mais aussi les rapports qu'elle entretenait avec la presse et le public. Suivent l'évaluation de la place du quatuor à cordes au sein des programmes de la Société Nationale et de l'examen des raisons qui ont pu inciter les compositeurs à écrire un quatuor à cordes. Plusieurs pistes ont été explorées: rôle des interprêtes et de certains professeurs, d'une part, motivations plus personnelles liées à leur perception et à leur vision du quatuor, d'autre part. Le troisième chapitre définit les orientations esthétiques de la Société Nationale à partir des quatuors étrangers qui y sont joués: les derniers opus de Beethoven, les quatuors de Grieg et des Russes. La seconde partie de la recherche s'attache à l'analyse du corpus à partir des critères esthétiques mis en valeur auparavant: unité de la grande forme et étude de la forme cyclique, construction des mouvements et référence à des modèles plus ou moins transformés, rôle du folklore et harmonie puis écriture du quatuor à cordes. Pour chacun des ces points, une catégorisation a été établie s'appuyant sur les écrits de l'époque et prenant également en compte les travaux musicologiques contemporains: celle-ci permet d'aborder le plus précisément possible mais aussi dans leur globalité l'ensemble des vingt-deux quatuors à cordes.

En italie la disparition du madrigal polyphonique, musique reservee a une elite de pairs, sans spectateurs, au profit de l'opera, destine a un public lpus large, est en correlation avec les transformations sociales accompagnant le declin des cours feodales au benefice d'une royaute absolue et avec l'intensification de l'individualisme
The abandon of a music reserved to an elite of chosen madrigals, without spectators, the italian polyphonic madrigal, for opera and larger audiences is linked to social changes corresponding with the decline of feodal courts and the intensification of individualism

Cette thèse, complémentaire à deux récitals donnés dans le cadre de la réalisation d’un doctorat en études pédagogiques et pratiques musicales instrumentales, a comme fil conducteur l’enseignement collectif du trombone au Brésil et examine le trombone sous trois angles : historique, pédagogique et dans une perspective d’interprétation musicale. Bien que le sujet ne soit pas nouveau, le projet présente une réflexion, sur le trombone et son enseignement, encore inexplorée en raison principalement du répertoire sélectionné pour la présente étude. En effet, à notre connaissance, le répertoire populaire brésilien n’a jusqu’à maintenant pas fait l’objet d’arrangements musicaux écrits, en vue d’une exploitation non seulement en contexte de représentation publique, mais aussi avec des visées pédagogiques. Les morceaux choisis ont été retenus en raison de leur contenu, qui présente un vocabulaire musical lié à la culture régionale de quatre des cinq régions géographiques du Brésil. Dans le processus de réalisation du projet, les morceaux choisis ont fait l’objet d’arrangements dans la perspective qu’ils servent comme outil pédagogique pour la formation en trombone, en contexte de musique brésilienne. Les arrangements ont été conçus pour des ensembles réduits, où le trombone tient fréquemment le rôle de soliste. Ainsi, au-delà des concepts et techniques issus de la formation traditionnelle reçue, l’interprétation des arrangements a été une occasion pour le doctorant et soliste de présenter, à travers l'improvisation dans le langage de la musique populaire brésilienne, les résultats de processus développés au cours des deux dernières années. Les partitions sont annexées au texte de la thèse, afin d'illustrer certains propos et avec l’objectif de soutenir les recherches futures dans ce domaine. La thèse est divisée en quatre chapitres lesquels, bien que présentés séparément, possèdent entre eux d’étroites relations. Le premier chapitre donne un aperçu général de l'histoire de l'instrument, à travers les cinq siècles de son existence. Le deuxième chapitre s’articule autour de l'histoire de la musique brésilienne et de la présence du trombone au Brésil. Le troisième chapitre présente d’abord un aperçu de l’enseignement artistique et musical au Brésil au 20e et 21e siècle, poursuit en abordant la situation de l'enseignement du trombone au Brésil et aboutit à une proposition favorisant l’apprentissage du trombone en contexte d’enseignement musical collectif. Finalement, le quatrième chapitre fait un retour sur l’expérience musicale vécue dans le premier volet du projet, celui se rapportant à la pratique musicale instrumentale, établit des liens et trace des pistes dans une perspective d’enseignement et d’apprentissage du trombone.
This thesis, in conjunction with two recitals given toward fulfillment of a doctoral degree in pedagogical studies and instrumental musical practices, addresses collective teaching of the trombone in Brazil and examines the trombone from three perspectives: historical, educational and that of musical performance. Although the topic is not new, the project offers a reflection, on the trombone and how it is taught, unexplored mainly due to the repertoire selected for this study. Indeed, to our knowledge, written musical arrangements of the Brazilian popular repertoire have, until now, not been undertaken with a view both toward public performance as well as with pedagogical aims. The chosen pieces were selected because of their content, which presents a musical vocabulary related to the regional cultures of four of the five geographic regions of Brazil: the Northeast, the Midwest, the Southwest and the South. During the course of this project, the selected pieces were arranged such that they could serve as pedagogical tools for trombone training in the context of Brazilian music. The arrangements were designed for small ensembles, in which the trombone often plays the role of soloist. Thus, beyond the concepts and techniques gained through traditional training, performing the arrangements gave the doctoral student and soloist the opportunity to present, through the language of Brazilian popular music improvisation, the outcomes of processes developed over the past two years. Scores are appended to the text of the thesis, in order to illustrate certain remarks and with the goal of supporting future research in this area. The thesis is divided into four chapters, which, although presented separately, are closely related. The first chapter provides an overview of the history of the instrument through the five centuries of its existence. The second chapter focuses on the history of Brazilian music and on the presence of the trombone in Brazil. The third chapter begins with an overview of the artistic and musical education in Brazil in the twentieth and twenty-first centuries, then addresses the situation of teaching the trombone in Brazil, ultimately leading to a proposal to promote learning the trombone in the context of collective music education. Finally, the fourth chapter looks back at the musical experiences of the first part of this project, as an account of instrumental music practice, establishing links and following lines of thought with the perspective of teaching and learning the trombone.

Cette thèse revient d'abord sur l'Histoire de la chanson et de la musique populaires de Bretagne. Vient ensuite une partie consacrée au Mouvement breton allant de la Révolution française aux années 1970. Ces années 1970 marquent un réveil de l'identité bretonne, notamment par la musique et le chant, qui se voient modernisés par divers artistes. Cette " vague bretonne " baisse d'intensité à la fin des années 1970, enchaînant alors sur une décennie plus axée sur le travail en profondeur et la formation d'une nouvelle génération de musiciens. Puis vient une nouvelle période musicale faste au début des années 1990. Celle-ci, fortement médiatisée, va faire connaître à un large public une musique diverse et métissée. Chacune de ces périodes est analysée. Ces recherches, enrichies de nombreux témoignages, permettent au lecteur de saisir les moments clefs de cette musique en marche et de cette chanson d'inspiration populaire, qui constituent une des forces de la culture bretonne contemporaine
First of all this thesis, deals with the History of popular Breton singing and music. Secondly, it deals with a study of the different Breton movements which were more or less active from the French Revolution to the 1970's. These very years witnessed an awakering of the Breton identity, notably through music and songs which had been modernized by several artists. This "Breton wave" almost died down in the late 1970's and was followed by a decade during which much research was achieved and a new generation of musicians was forged. Thirdly, it deals with the new musical revival of the early 1990's. By then this music was widely popularized by the media, so a larger audience discovered this new music, both diverse and also hybrid in many ways. Each one of these eras has been analyzed. This bulk of research, completed by artists statements, allows the reader to grasp the main steps that characterized this popular art, which appear to be the major strengh of contemporary Breton culture