Dissertations / Theses on the topic 'Réalisme (mouvement littéraire) – France – Histoire et critique'

Le roman est un don de la période de modernisation à la littérature turque. Les changements sociaux et politiques se sont sans aucun doute fait sentir sur la littérature. Le 19e siècle est un siècle riche en changements et en grandes évolutions au sein de l'Empire ottoman. La France était littéralement la fenêtre ouverte sur l'Europe à cette période. La littérature turque classique vieille de plus de mille ans a laissé sa place à une nouvelle conception de la littérature à l'image européenne. L'influence française sur la littérature turque de la période de modernisation est analysée dans cette étude. Nous nous sommes efforcés de déchiffrer les motifs de l'influence française sur la littérature turque et ses effets sur celle-ci. Romantisme, réalisme et naturalisme français qui ont été découverts pour la première fois grâce aux traductions des romans français ont servi de guide aux écrivains turcs. Nous avons mis en évidence les points sur lesquels les écrivains français ont influencé les écrivains turcs à travers notre étude basée sur la lecture des textes théoriques et romanesques<br>Novel is a gift to Turkish literature of the period of modernization. Changing social and political events undoubtedly affects on literary form. 19th century in the Ottoman Empire at dizzying speeds where there is a period of development and change. During this period, France is almost like a pop-up window of the Ottoman Empire in Europe. Place a thousand years of classical Turkish literature in the European model is replaced with a new understanding of literature. In this change French literature has been exemplary in litrature. In this study, the period of Reformation French influence in Turkish literature has been examined from a broader perspective. The causes of the French influence in Turkish literature and its reflections have tried to read through the first Turkish novel. For the first time in this process, beginning with the translation of the French novel of French romanticism, French realism and French naturalism led to the Turkish author. This academic endeavour is carried out on the texts of French writer of which direction they affect Turkish writer has been demonstrated in a detailed manner

Comment expliquer le fait que les romans de la période réaliste en France se caractérisent par leur dérision ? Doit-on considérer que la mimesis est indissociable de la satire et de la parodie du réel ? Dès lors, du réel à l'écriture, se pose le problème du grotesque que Victor Hugo théorise en 1827 dans la préface de Cromwell, point d'ancrage théorique pour notre recherche. Le grotesque, que nous nous attacherons à cerner dans le premier mouvement de ce travail, renvoie à une nouvelle esthétique, en rupture complète avec les canons classiques. L'œuvre romanesque de Gustave Flaubert marquée au coin de l'ironie, et la référence systématique au grotesque que l'épistolier utilise pour évoquer la vanité bourgeoise - celle de Macaire ou de Prudhomme - ou la bêtise humaine, ont éveillé notre curiosité. Le grotesque renvoie aussi à la blague, trait distinctif d'une époque, qui fascine Edmond et Jules de Goncourt cependant qu'ils l'abhorrent. Aussi, il nous a semblé intéressant d'explorer ce champ du grotesque qui revêt, dans les romans à prétention réaliste, des aspects satiriques et parfois métaphysiques. Nous nous intéresserons donc, dans un second temps, aux premiers réalistes, petits écrivains de la bohème comme Henry Murger, Champfleury (Jules Husson dit) ou Louis-Edmond Duranty, qui abordent le réel par la dérision. Nous envisagerons enfin le grotesque flamboyant des romans de Victor Hugo, Gustave Flaubert et les Goncourt qui paraissent entre 1850 et 1870<br>How can we explain the fact that French realistic novels are characterized by their derision ? Shall we state that the mimesis cannot be dissociated from the satire and parody of reality ? As a matter of fact, from reality to writing, we raise the problem of the grotesque that Victor Hugo theorized about in 1827 in the preface to Cromwell that lays the theoretical foundation stone of our research. The grotesque we will endeavour to define in the first part of this thesis refers to a new form of aesthetics that is radically opposed to the classical codes. Our curiosity as been aroused by Gustave Flaubert's novels, that bear the stamp of irony, as well as the systematic reference to the grotesque that the letter writer employs to evoke bourgeois vanity - i. E. Macaire's or Prudhomme's - or human stupidity. The grotesque also refers to farce, a feature of this era, that fascinated Edmond and Jules de Goncourt, though they loathed it. Indeed we have found it interesting to explore this aspect of the grotesque that takes on satirical overtones and sometimes metaphysical ones in novels that claim to be realistic ones. We will then focus on the first novelistic realists, that is some minor writers from the French literary movement Bohemia (e. G. , Henry Murger, Jules Husson a. K. A. Champfleury, and Louis-Edmond Duranty) who dealt with reality derisively. We will eventually discuss the flamboyant grotesque in the mid-nineteenth century novels (1850-1870) by Victor Hugo, Gustave Flaubert, and the Goncourt brothers

Cette thèse étudie l’histoire du mouvement littéraire apparu en Bretagne autour de la revue GWALARN publiée de 1925 à 1944. Partant du constat général que l’empreinte de GWALARN sur la langue et la littérature bretonne actuelles s’avère considérable, mais très diversement appréciée, cette thèse insiste sur l’aspect collectif de l’oeuvre. Elle ne nie pas l’influence prépondérante du directeur de la revue, Roparz Hemon, mais entend proposer une analyse structurelle et circonstanciée d’un mouvement en prise et, parfois, en méprise, directe avec son époque. Cette analyse s’attache à décrire les origines du mouvement, sa naissance, ses postulats, mais aussi son oeuvre littéraire et ses thèmes de prédilection, tout comme son action sociolinguistique et ses choix stratégiques. Ainsi apparaissent plusieurs tensions idéologiques : rapport entre localisme et universalisme, rupture entre tradition et modernisme, réflexion entre littérature, langue et nationalisme… Nous nous sommes efforcés d’étudier GWALARN, non seulement au regard des réalités sociolinguistiques bretonnes d’alors mais également dans le cadre hexagonal, dans un mouvement européen général de revendications linguistiques nationalistes ainsi que dans une situation géopolitique mondiale qui jalonne, d’une guerre à l’autre, le destin de la revendication bretonne. La multiplication des perspectives offre dès lors un regard nouveau sur une période « clef » de la littérature bretonne contemporaine et propose ainsi des matériaux de réflexion pour l’Histoire des minorités linguistiques en Europe<br>This thesis examines the history of the literary movement emerged in Brittany around the revue GWALARN, published from 1925 to 1944. According to the general opinion, the influence of WALARN on the Breton language and Breton literature today is considerable, but very differently appreciated. This thesis emphasizes the collective aspect of the work. It doesn’t deny the overwhelming influence of the editor of the magazine, Roparz Hemon, but intends to propose a detailed structural analysis of the movement as it’s been (and sometimes hasn’t been) in touch with the people of the times. This analysis attempts to describe the origins of the movement, its birth, its assumptions, but also its literary work and its favourite themes, and its sociolinguistic achievements and strategic choices. Therefore, we notice some ideological issues : the gap between localism and universalism, and between tradition and modernism, the different vues about literature, about Breton as a language and about nationalism. . . We’ve tried to study GWALARN not only in the light of the Breton sociolinguistic situation at the time but also in the light of the french one, in a general European movement of nationalist and linguistic demands and in a global geopolitical situation that built the fate of the breton movement from World War I to World War II. Thus, the multiplication of perspectives offers a new look over a key moment in Breton literature and provides contemporary and reflective materials for the history of linguistic minorities in Europe

Terre des peintres et du vaudou, Hai͏̈ti a inspiré à Alejo Carpentier le pressentiment du réel merveilleux. De l'alchimie baroque de J. S. Alexis a surgi le réalisme merveilleux des Hai͏̈tiens. Mais dans le didactisme du réalisme social, la perception ainsi postulée se trouve occultée par les fulgurances d'une transfiguration symbolique. Seule la fonction visuelle importe, qui a le pouvoir de créer un espace littéraire national et de vouer la rencontre de l'autre à une voyance partagée. Si la sensibilité hai͏̈tienne se définit souvent comme un mélange de merveilleux et d'humour, l'écrivain se trouve cependant confronté à la difficulté de décrire un pays dont la féerie n'a d'égale que la tragédie du quotidien économique et politique. La diversité du roman hai͏̈tien procède de cette interrogation constante sur la mimésis et l'exploration des processus visuels témoigne d'une dimension spéculaire qui concerne tant la visibilité du sujet que l'inscription de l'île dans une poétique de l'hybridité<br>During his stay in Haiti, the land of Voodoo and a painters' retreat, Alejo Carpentier was inspired by a feeling of marvellous reality. J. S. Alexis' style of baroque alchemy gave rise to the so-called marvellous realism. But within the context of a didactic social realism, this type of perception is obscured by a dazzling symbolic transfiguration. Only the function of seeing matters, as it has the power to create a national literary space and to devote the encounter with the other to a shared vision. If the haitian sensibility can be defined as the cross between the supernatural and humour, the haitian writer nevertheless must face the difficulty of describing a land in which the fairy-like enchantement cannot match the political and economic tragedy of everyday life. The diversity of the Haitian novel originates in the permanent questioning of mimesis, and the exploration of visual processes gives evidence of a specular writing that is as much about the subject's visibility as about the inscribing of the island in a poetics of hybridity

Le mouvement de << renaissance littéraire catholique >> est la mobilisation d'instances littéraires pour la défense de l'Eglise catholique. à partir du début des années 1910, c'est-à-dire à la suite de la loi de séparation et parallèlement au catholicisme social qui connait alors un essor nouveau, la revendication catholique est portée par de nombreux écrivains. Cette << renaissance catholique >> associe la survie de la civilisation française et la défense de l'Eglise. Elle se veut un obstacle au << monde moderne >> né de la révolution. Attentive à tous les moyens de diffuser son discours, l'Eglise accorde une attention vigilante à ce mouvement. Jusque dans les années 1930, débats, essais, polémiques, organisations diverses laïques ou cléricales se succèdent et contribuent à l'invention d'une figure intellectuelle nouvelle : l'écrivain catholique. Les tenants de la << renaissance littéraire catholique >> échouent à imposer une esthétique catholique, mais aussi le retour de la religion dans la société. Pourtant leurs engagements pour le catholicisme et les combats qui les voient s'affronter avec le pôle non religieux du champ littéraire, posent les bases d'une posture d'intellectuel catholique détaché de la tutelle ecclésiale. Le champ des revues catholiques a été etudié dont, notamment, les cahiers (de l'amitié de france) (1907-1912), les lettres (1913-1931) et Vigile (1930-1933) qui portaient les espoirs de la << renaissance >>. De même, les trajectoires biographiques des écrivains (dont Vallery-Radot, Johannet, Mauriac, Bernoville, Maritain) et les manifestations de cette << renaissance >>, corporations, syndicats, dont la plus importante, la << semaine des écrivains catholiques >> (1921-1929), ont été analysées à partir d'archives. Sans omettre de replacer la << renaissance >> dans le contexte intellectuel de l'époque entre, l'art pour l'art de la nouvelle revue française de Gide et le nationalisme intégral de Maurras et son action française.

La thèse sur Louis Tiercelin (1846-1915) et le parnasse breton propose une étude sur un mouvement littéraire en Bretagne qui voit le jour après la publication, en 1889, d'une anthologie poétique le parnasse breton contemporain, chez Lemerre a paris et Caillière a rennes. La formulation de cet ouvrage fait écho au mouvement poétique parisien de Leconte de Lisle qui est leur principal modèle. Le florilège breton rassemble 96 poètes de Bretagne, parmi ceux-ci nous trouvons : Louis Tiercelin le chef de file, Joseph-Guy Ropartz son principal collaborateur, Anatole Le Braz, Charles Le Goffic, Hersart de La Villemarqué, Francois-Marie Luzel, Narcisse Quellien, Hugues Rebell, Eugène Le Mouel, Jean Le Fustec, René Kerviler, Olivier de Gourcuff, Arthur de La Borderie, Edouard Beaufils. . . Le Parnassse breton contemporain connaît d'emblée un vif succès, et pour faire perdurer les liens entre les écrivains, une revue mensuelle voit le jour en octobre 1889, sous le nom de l'Hermine, sous titrée revue littéraire et artistique de Bretagne. Durant vingt-deux années, elle rend compte des récentes publications, de l'actualité culturelle, propose essentiellement de la poésie, mais théâtre, contes, légendes, nouvelles, récits de voyage et souvenirs apparaissent également dans ses colonnes. La principale langue employée est le français, mais nous trouvons aussi des textes en langue bretonne, et quelques parnassiens apprennent cette langue grâce aux cours de Joseph Loth dispensés à la faculté a Rennes. La production littéraire bretonne de cette époque ne se distingue pas franchement de celle de Paris car elle reste très académique, mais par ses thèmes, elle affiche un particularisme : le rappel de l'histoire (Nominoé. . ) L'évocation de la religion (pardons, saints fondateurs bretons. . . ). L'entreprise du parnasse breton ne se limite pas a la promotion d'une littérature bretonne puisque ses poètes participent a nombreuses revues françaises ou étrangères; et prennent part à l'activité culturelle de l'époque en Bretagne, à Paris et à l'étranger. La réception du parnasse breton est d'envergure : les académiciens soutiennent ce mouvement ( prix d'honneur. . . ), Lemerre ( l'éditeur des parnassiens français) public 46% de leurs oeuvres, et les journaux parisiens et étrangers (Belgique, Grande-Bretagne, Canada. . . ) proposent leurs écrits ou des critiques.

Le roman senegalais de langue francaise, ne pendant la periode coloniale, est reste largement tributaire de ce contexte. Fortement influencee par les idees assimilationnistes, l'ecriture de la premiere generation de romanciers (annees 20-30), se revele plutot conformiste. "force bonte" de bakary diallo en constitue le prototype. La deuxieme guerre mondiale, les resistances anti-coloniales dans certains pays d'afrique et d'asie, les mouvements culturels de la renaissance negre, contribuerent a la naissance d'une deuxieme generation d'ecrivains, vers les annees 1950. Celle-ci s'affirma en prenant ses distances par rapport a la mystification coloniale, a travers une ecriture militante. Leur chef de file est ousmane sembene. L'evolution du contexte historique en 1960, va impulser une nouvelle dynamique a la creation romanesque. A cote d'une thematique encore axee sur la negritude, se developpe une nouvelle thematique orientee vers la critique politique et social, car les promesses de l'independance se sont evanouies comme un mirage. Ce changement de perspective s'accompagne d'une "mutation du realisme". Tandis qu'ousmane sembene continue la tradition du "realisme social", les femmes romancieres (qui investissent le monde des lettres a partir<br>The senegalese novel, written in the french language, came into being during the colonial era and, to a great extent, is conditioned by this context. The writings of the first generation of novels (1920-1930) which were largely influenced by the assimilationist ideas, have proven to closely adhere to that movement. "force bonte" by bakary diallo can be considered as its prototype. During the second world war, the anti-colonialist movements in certain countries of africa and asia, the negro renaissance proclaimed in the cultural movements, contributed to the birth of a second generation of writers towards the 1950's. This generation was able to assert itself by breaking away from the colonial mystification and by a militant style of writing the leader of this movement is ousmane sembene. The evolution of the historical context in 1960 was to instill a new dynamism in creative writing. Along with a thematic still based on "negritude", a new thematic developed, oriented to political and social criticism, since the promesses of independance soon vanished like a mirage. This change in perspective is accompanied by a "mutation of realism". While ousmane sembene pursues the tradition of "social rea

Dans le premier xixe s. -1800-1835 - la rupture revolutionnaire produit un renouvellement des genres litteraires dont rend compte la masse de la production romanesque qui se cherche de nouveaux codes. Les romans-personnels y tiennent une place emblematique qu'affichent les titres-prenoms comme expression textuelle du sujet dans la societe revolutionnee. Sujet-roi en apparence, mais objet d'un symptomatologie tragique - melancolie, folie, mal de vivre, impuissance - qui metaphorise un mal qui infecte le siecle dans ses enfants. Pour tous ces heros, et par dela les divergences des histoires personnelles, les voix narratives - et la voie narrative - cherchent a court-circuiter les voies trompeuses de l'histoire. Dans l'impasse du present, l'echec a retrouver le paradis perdu pousse les herosromantiques a interroger le genie des souvenirs. Mais les modeles explores -de l'antiquite a la renaissance - n'offrent plus que des ruines a opposer a la voie triomphale du nouveau monde -du nouveau monde -, celle de la morale des interets<br>In the early nineteenth century, the revolutionary break has brought some renowal in literaty forms. A large novelistic production in search of new code testifies for it, among which personal novels - especially first names-titles, whose increase is significant -are emblematic for a textual expression of the rising of the subject in the revolutioned society. Emancipated sublet seemingly, yet basically objet, racket by a tragic symptomatology - melancholy, insanity, spleen, impotence -, figurative for some harm that troubles the century in its children for all those heroes, despite the diversity of their personal stories, narrative voices -and the narrative way -apply themselves to bypass the specious ways of history. Since present time is a dead end, since paradise is lost for good, romantic heroes are led to question the genius of memories. Yet, the patterns surveyed whether ancient whether renaissance ages - have bequeathed nothing but ruins to set against the triomphal way the new world - the new-world -is on where interests is an other name for ethics.

Cette étude montre comment une production polygraphique du début du XVIIe siècle (celle de Guillaume Colletet, 1616-1658), dont la forme résulte de contraintes extérieures à des motivations proprement littéraires (facteurs socio-économiques, effritement du savoir humaniste au profit d’une culture mondaine ascendante), transcende l’éclatement qui lui est imposé en instrumentalisant la polygraphie comme un levier d’expérimentation littéraire. Dans ce creuset polygraphique, les différents textes ainsi que les grands pôles de la production (poésie, traduction, théorie), qui auraient dû rester hétérogènes, sont consciencieusement mis en relation dans un dialogue fécond. De sorte que, dans un mouvement réflexif et autocritique permanent, pratique et théorie, en interaction perpétuelle, s’entremêlent, en même temps que l’œuvre n’en finit plus de se réécrire. Ce faisant, s’élabore un va et vient dialectique, ciment des différentes productions, les constituant de facto en Œuvre. Mais bien plus, étant elle-même mouvement de reprise permanent, elle incite à replacer, au-delà d’elle, toutes les œuvres dans le temps progressif de leur fabrication et plus généralement dans l’histoire, ouvrant la porte à l’écriture d’une Histoire littéraire critique éminemment moderne. Un tel exemple incite à terme à ouvrir une réflexion de l’ordre de la philosophie de l’art : quelles sont les conséquences sur la conception du Beau d’une œuvre qui ne se pense plus comme un monument, mais comme un mouvement ?<br>With this study, I’ve tried to show how a polygraphic production from the early seventeenth century (the work of Guillaume Colletet, 1616-1658), shaped by non literary motives (such as social and economic factors, and the crumbling of a humanist knowledge benefitting the rising of society life), can transcend the fragmentation imposed, and this by using polygraphy as a lever for literary experimentation. In this polygraphic melting-pot, the various texts, as well as the main fields of production (poetry, translation, theory), which should have remained heterogeneous, are conscientiously related in a fertile dialogue. As a consequence, theory and practice mingle in constant interaction, in a permanent reflexive and self-criticising movement. Meanwhile, the work never stops re-writing itself. By doing so, a dialectic movement to and fro is created, holding together the various productions, and de facto making them a Work of art. Even more, as it is a movement of permanent recreation, this work prompts us to put back, not only this particular work, but also all the works of art, in their context, i.e in the gradual time of their elaboration, and more generally speaking in history. This paves the way for the elaboration of a critical literary history which is eminently modern. Enventually, such an example leads us to start a reflection in the field of the philosophy of art : what are the consequences on the idea of the Beautiful of a work which is no longer to be thought about as a monument, but as a movement?

Le but du présent travail est de faire (re)découvrir l'œuvre littéraire de S. Juskevic, auteur juif-russe né à Odessa en 1868 et mort à Paris en 1927. Dans la première partie nous situons les débuts en littérature de l'écrivain dans le contexte général de la société russe de la fin du XIXème et du début du XXème siècle. L'étude de la situation de la communauté juive et de sa ghettoïsation forcée à l'intérieur de la zone de résidence constitue le deuxième grand volet contextuel. La présence de données biographiques sur la vie de Juskevic ainsi que la recréation du climat culturel particulier de la ville d’Odessa apportent l'éclairage nécessaire à une juste compréhension du réseau de références contenues dans les premières nouvelles. Dans la seconde partie, les textes sont étudiés du point de vue de leurs caractéristiques littéraires. Les premières nouvelles sont abordées selon l'angle de leur double appartenance aux littératures russes et russo-juive. L'adoption du genre particulier de la nouvelle autorise le rattachement de Juskevic au vaste courant de la prose réaliste russe de la fin du XIXème. La présentation originale de la rue juive, la dénonciation de la prostitution et de la fracture entre riches et pauvres ainsi que la peinture totalement inédite de personnages juifs recrées dans leur diversité et la complexité de leur être font des premières nouvelles de Juskevic des documents littéraires d'une très grande importance sur la situation de la communauté juive en Russie et sur le développement de la culture russo-juive.

A la lumière de la notion de mimêsis, principe antique qui a donné naissance aux arts et se situe au fondement de la pratique de la traduction, cette étude se propose d’analyser la traduction de certains traits signifiants du réalisme dickensien, dont l’hybridité esthétique se manifeste dans l’œuvre David Copperfield. Huitième roman de Dickens, cet ouvrage de transition initie la seconde période de la carrière du romancier, orientée vers un style plus conforme à l’esthétique réaliste édictée par le mouvement artistique français de ce temps. Cependant, une originalité distinctive s’y révèle toujours avec force, contenue dans une hybridité générique accueillante à des figures d’une qualité réaliste ambivalente, par leur configuration et leur poéticité. A la problématique du transfert du sens des références historiques qui constituent l’arrière plan du récit, s’ajoute donc celle de la translation d’une liberté de style inhabituelle aux lecteurs français habitués aux textes réalistes nationaux d’une unicité esthétique plus grande. Par ailleurs, l’analyse contrastive menée à partir de quatre traductions intégrales de l’œuvre tend à apporter des éléments de réponse à la question de savoir si la retraduction bénéficie ou pâtit des changements du polysystème culturel du pays d’accueil<br>Given the notion of mimesis, a principle that gave birth to the arts and is at the foundation of the practice of translation, this study proposes to analyze the translation of some significant traits of Dickensian realism in the work David Copperfield which constitutes a synthesis of a variety of aesthetics. Dickens' eighth novel is a transitional work which initiates the second period of the novelist's career. It is oriented towards a style more in line with realistic aesthetics, defined by the French artistic movement of the time. However, a distinctive originality is always revealed with force, contained in a generic hybrid welcoming figures of ambivalent realistic quality through their configuration and their poeticism. The translation of this novel presents two issues, one being the sense of historical references which constitute the background of the narrative; the other being translating an unusual free-wheeling style that is in conflict with the writing and aesthetic unity of French literary realism. Moreover, the contrastive analysis based on four unabridged translations of the work tends to provide some answers to the question of whether retranslation benefits or suffers from changes in the cultural polysystem of the host country

La première partie a trait aux romans réalistes s'inscrivant complètement dans la continuité du réalisme européen du XIXe siècle. Le premier chapitre présente deux romans fortement marqués par le réalisme de Balzasc (en dépit d'une forte influence de Dumas), le deuxième s'intéresse à une réalisation tardive du modèle naturaliste proposé par Zola et la troisième traite du "roman de la collectivité" qui s'est développé durant les années trente sous la double influence de Zola et de Reymont. La seconde partie est consacrée aux romans réalistes qui s'écartent de la tradition réaliste européenne sous l'impulsion de nouveaux modèles. Le premier chapitre est consacré à la "décomposition" du naturalisme, le deuxième a trait aux romans d'une forte influence du ruralisme de Knut Hamsun et le troisième présente "la dérive socialiste", les romans influencés par la vie littéraire soviétique: un roman "de génération", un roman prolétarien et un "essai de socialiste"<br>The first part of the dissertation is concerned with novels following the 19th century realist tradition without any other influence. The first chapter presents two novels, which show a marked influence of Balzac's realism, although the impact of Duma's work is also quite strong. The second chapter is centred upon a naturalistic novel. The third chapter examines the "community novel" which developed under Zola's and Reymont's influence during the 1930's. The second part deals with novels, which move away from he European realist tradition and show other influences. In the first chapter the author discusses the decomposition of naturalist writing. The second chapter analyses the novels which were written under the influence of Knut Hamsun and other ruralist writers. The third chapter deals with the socialist turn which developed especially under the influence of Soviet literature: a generational novel, a proletarian novel, and an attempt at pure socilaist realism

Les éclatements successifs du sujet-oxymore chez Apollinaire à partir de 1907-1908 donnent lieu à une définition sémiotique stable du Je-Poète. La crise de la poésie est assumée par cette définition, passible de retours allotopiques (scissions) ou projetée vers son ouverture spatiale et calligrammatique. À cette crise le sujet-tmèse, chez Huidobro, répond par une stratégie de disjonction (1917-1918) progressivement euphémisée. Dans la structure de la tmèse on repère un passage annoncé par plusieurs symptômes (réfraction, ostranenie, thématique des horloges) qui relisent la crise apollinarienne à travers le constat de l'absence du présent poétique. De là la nécessité de déployer une narration implicite du mythe du poète, dynamisée par un emploi citationnel apollinarien massif. Dans Altazor se redéfinit cette narration nourrie par une culture post-biblique ou altazorienne, par le dialogue avec les avant-gardes et par des résurgences oxymoriques apollinariennes. Le parallélisme Huidobro / Reverdy (1915-1918) permet de dégager la spécificité et la continuité avec le passé littéraire de ce mythe huidobrien, et la comparaison avec le dadaïsme et le surréalisme (années 20) le replace autour de la problématique de sa légitimité diversement orientée sur des axes pragmatiques conflictuels. La représentation du sujet comme signe double révèle ses zones d'oscillation -historiques, esthétiques, culturelles - et confirme dans l'écriture poétique de la guerre la visée unitaire et médiatrice du système oxymorique en opposition à un sujet-tmèse obligé à rééquilibrer la crise de la poésie d'un point de vue figural et culturel<br>Summary : Successive breaking-ups of the oxymoron-subject in Apollinaire from 1907-1908 onwards lead to a stable semiotic definition of the I-as-Poet. The crisis of poetry is taken charge of by this definition that may undergo allotopic returns (scissions) or be projected towards its spatial and calligrammatic opening up. In Huidobro's work, the tmesis-subject responds with a progressively euphemised strategy of disjunction in 1917-1918. In the structure of tmesis, we spot a passage announced by several symptoms (refraction, ostranenie, the theme of clocks) which reread the Apollinarian crisis by acknowledging the absence of a poetic present. Hence the need to deploy an implicit narration of the myth of the poet, dynamised by massive use of quotations from Apollinaire. Altazor redefines this narrative nourished by a post-biblical or “Altazorian” culture, a dialogue with the avant-gardes and oxymoric resurgences from Apollinaire. A parallel between Huidobro and Reverdy from 1915 to 1918 allows us to detect both the specificity of this Huidobrian myth and its continuity with the literary past, while a comparison with Dada and Surrealism (in the 20s) situates it on the background of questions of legitimacy diversely oriented on conflictive pragmatic axes. The representation of the subject as a dual sign reveals its several areas of oscillation (historical, aesthetic and cultural) and confirms in the poetic scripture of the war the wholistic and mediating goal of the oxymoric system, as opposed to the tmesis-subject obliged to re-balance the crisis from a figural and cultural point of view

Cette thèse se propose d'étudier l'œuvre littéraire d'Emilio Tadini (1927-2002). Peintre unanimement reconnu, Tadini a été de même protagoniste d'un parcours littéraire de grand valeur mais encore très peu étudié : il existe un certain nombre de critiques, qui se sont concentrés sur son œuvre et qui en ont certifié la valeur et l'intérêt, mais sans étendre leur analyse au-delà de quelques essais.Cette thèse se fixe l'objectif de formuler une cohérente et intégrale interprétation de la poétique d'Emilio Tadini, approfondie par la relation évidemment très étroite avec sa production artistique et les différentes déclinaisons de son inspiration littéraire, la poésie et le théâtre. La tenue de l'originale formule du« realismo integrale» à une nouvelle disposition romanesque de l'auteur; l'évolution des formes du roman allégorique, au niveau de structure et du contenu des œuvres ; les divers résultats de la confrontation représentation­ réalité; un emploi très originel de l'ironie et des techniques du comique; l'expérimentation d'une écriture qui met en scène la voix et le geste : ce seront alors les éléments à partir desquels considérer l'hypothèse d'une collocation de l'œuvre de Tadini dans un canon «expérimental», qui se fonde sur une proposition avancée en 1999 par le critique Gianni Turchetta.A travers l'analyse de ses romans -Le armi 1'amore (1963), L'Opera (1980), La lunga notte (1987), La tempesta (1993) et Eccetera (2002)- on suit l'évolution d'une production narrative qui se fonde sur une réflexion poétique et philosophique très cohérente et originelle, qui révèle Emilio Tadini comme un des artistes-intellectuels plus intéressant du XXème siècle italien<br>This study aims to analyze the literary work of Emilio Tadini (1927-2002). He has been a celebrated painter, but he also realized a remarkable literary course, which had not been studied at ali, any more. There's a small circle of critics who have focused Tadini's works, recognizing their value, but always in the form of the short essay.This dissertation would like to elaborate a coherent and integral interpretation ofTadini's poetics, which had to be linked to his artistic production and to the different elaborations of his literary inspiration (poetry and theatre). The effectiveness of the "realismo integrale" throughout different literary author's inclinations; the evolution of the allegorie novel scheme, from the structure to the content of his works; the different results of the agonistic confrontation between reality and representation; the original use of irony and comic formulas; the experimentation of a type of writing which tries to speak like a voice : these are the main elements of this study, which propose to place Emilio Tadini's work inside the experimental canon of contemporary ltalian literature suggested by Gianni Turchetta in 1999.Across the analysis of his novels- Le armi 1 'amore (1963), L'Opera (1980), La lunga natte (1987) , La tempesta (1993) and Eccetera (2002) -, the study follows the evolution of a narrative production founded on an original poetical and philosophical reflection, which shows Emilio Tadini as one ofthe most interesting artists and intellectuals of the ltalian XXth century

Le lien entre la monarchie absolue et le théâtre semble particulièrement fort sous le règne de Louis XIV. Non seulement ce dernier a demandé aux dramaturges de célébrer sa gloire mais il a également fait de son propre corps un spectacle, une représentation continue sur l’immense scène de Versailles. Ce lien structurel entre le roi et le théâtre correspond à une vision du monde fondée sur l’obéissance à une autorité d’autant plus incontestable qu’elle est d’origine divine. L’art classique dans son ensemble et les genres théâtraux en particulier ont été profondément marqués par cette vision théologique et normative du monde. Il fallait s’interroger sur l’évolution de cette conception à la fois esthétique et politique au siècle des Lumières. Ce dernier pour beaucoup est un siècle de contestation et de révolte. En réalité, la norme classique perdure et avec elle une conception du roi-père qui se démarque lentement du modèle louis-quatorzien. De même, les genres théâtraux ont du mal à échapper à la hiérarchie et aux règles contraignantes imposées par l’esthétique du Grand Siècle. Cependant, les dramaturges du XVIIIe siècle tentent de redéfinir l’autorité politique en l’associant à la sensibilité et à la tendresse incarnées par le père de famille. D’abord confondu avec le roi, le père gagne petit à petit en autonomie jusqu’à devenir le véritable représentant de l’ordre qui doit régner dans les sphères politique, morale et esthétique. Parallèlement, l’image du roi ne se confond plus parfaitement avec celle de la nation : celle-ci prend également conscience de l’existence de son propre corps, mis en scène notamment dans le théâtre national par l’intermédiaire du héros populaire.

Le second dix-huitième siècle est marqué par une profonde reconfiguration du cadre politique qui se traduit par un essor concomitant de la critique publique et du patriotisme. Le théâtre participe au mouvement. Dans le sillage de Voltaire, des auteurs très divers s’emparent de l’Histoire de France, renouvelant les genres théâtraux et le rapport au spectacle. Aux pièces épiques ou sentimentales du « genre troubadour » s’ajoutent bientôt les anecdotes biographiques consacrées aux Grands Hommes, puis les « apothéoses dramatiques » et les « faits historiques » contemporains de la Révolution. Cet ensemble hétéroclite de pièces jouées sur des théâtres officiels, en société ou seulement diffusées par écrit, constitue ce que nous appelons le théâtre national des Lumières et de la Révolution. À travers l’étude des textes et de leur réception, nous analysons comment la représentation de l’Histoire de France participe aux transformations des mentalités, selon un effet de miroir passé-présent plus ou moins explicite. Aux enjeux esthétiques et dramaturgiques emblématiques de cette période charnière entre classicisme et romantisme, le théâtre national mêle des enjeux politiques et mémoriels : plus qu’un divertissement moral, il est conçu comme un dispositif civique. Il construit un patrimoine historique collectif avec des mythes et des légendes, mais les intentions idéologiques divergentes des auteurs et la participation active des publics en font un lieu de dissensus. Le théâtre national médiatise également les tensions de la société et recherche des émotions qui oscillent entre l’admiration, l’attendrissement, la déploration indignée et l’horreur face aux blessures du passé<br>The second half of the eighteenth-century is characterized by a thorough transformation of the political world, a change which reflected the simultaneous development of public criticism and patriotism. Theatre plays a key role in this process. Following Voltaire, a variety of playwrights use French history for their plots, and in so doing they update genres and audience expectations. Alongside epic or sentimental plays of the troubadour genre, bio-dramas of “Great Men” soon appeared, followed by dramatic apotheoses and the Revolution’s “faits historiques”. This varied corpus of plays – performed ¬ or not, on official or private stages – constitutes what we may call the national drama of the Enlightenment and the French Revolution.By studying these texts and their reception, I analyse how the theatrical representation of French history and its ability to act as a mirror between the past and the present contribute to the contemporary changes in thought. National drama not only showcases the esthetical and dramaturgic debates of this turning point between classicism and romanticism, but it additionally implicates issues of politics and memory: it is more than simple moral entertainment, it has civic value. These productions create a collective historical heritage with its own myths and legends, but the playwrights’ contradictory ideological intentions and the audiences’ active participation also make this theatre a site of dissent. National drama also expresses contemporary social strains and seeks to evoke specific emotions such as admiration, empathy, outrage and horror in the face of the past’s wounds

Il s'agit d'une tentative de lecture textanalytique des trois premiers romans d'Octave Mirbeau (1848-1917): le Calvaire (1887), l’Abbé Jules (1888), Sébastien Roch (1890), écrits en 4 ans, ce qui donne à notre corpus une homogénéité propice à l'analyse de type freudien, encore peu appliquée à l'œuvre de Mirbeau. La textanalyse consiste à interroger "l'inconscient du texte" dans ses effets les plus matériels - allant de la structure générale d'un roman à ses plus infimes détails - tels qu'ils sont réactivés par l'inconscient du lecteur-critique, celui de l'auteur étant ici hors de propos. Elle pratique pour cela des analyses localisées, ici situées, pour chacun des trois romans, au début et à la fin, dans et autour de la scène principale, autour des noms propres, et parmi un choix de textes reflétant les figures de la mère (nos quatre chapitres). Ces analyses permettent de dégager deux tendances majeures: l'une à la paranoïa persecutoria et son corollaire, une homosexualité refoulée à l'égard des pères, l'autre à l'inceste avec la mère, objet d'une fascination-répulsion exprimée surtout via l'adoration de la nature. Notre travail éclaire alors de nombreux aspects obscurs ou incohérents de l'œuvre de Mirbeau, un peu vite qualifie de "réaliste" en son temps.

Dans les années d’entre-deux-guerres, de nombreux intellectuels ont voyagé afin de circonscrire l’amplitude de la crise qui secouait le siècle au lendemain de la guerre. Céline et Döblin ont apporté une interrogation particulière et inédite de cette problématique. Les deux auteurs dans "Voyage au bout de la nuit" et "Babylonische Wanderung" ont utilisé le roman pour interroger ce qu’est être un homme, désormais. Une crise de la littérature s’est fait l’écho du désenchantement qu’a connu le monde, et les deux auteurs l’ont traduite par le biais de jeux romanesques, par le détournement de motifs relatifs au voyage, et de libertés prises avec les conventions esthétiques de la représentation du réel. En ouvrant les frontières du réel par l’emprunt de tonalité burlesque ou fantastique à une sphère surréelle, Céline et Döblin ont interrogé la nature imparfaite de l’homme. Ce travail s’efforce de mettre en exergue la singularité du regard des protagonistes sur le monde sondant un dépassement du réel dans leurs nombreux voyages, traduisant l’esprit d’expérimentation au centre de la pensée des années d’entre-deux-guerres au niveau politique, idéologique, médical et scientifique, et a défini leur style. Face au spectre large des monstruosités que révèle l’expérimentation du réel et de la sphère surréelle, Céline et Döblin ont proposé la posture cynique. Deux options cyniques, d’un écrivain à l’autre, celle du cynique antique et celle du cynique moderne, émergent de leurs voyages et de leurs expérimentations. Il ressort de ce travail la mise en évidence de l’incarnation littéraire de la crise du roman par l’analyse de l’expérimentation de cet au-delà du réel prégnant des fondements d’une crise de l’humanisme<br>During the interwar years, many intellectuals have travelled to delimit the impact of the crisis that shook the century in the aftermath of the World War I. Celine and Döblin brought an unprecedented and particular questioning on this issue. In "Voyage au bout de la nuit" and "Babylonische Wanderung" both authors used the novel to question what it means to be a human being, from this moment. A Literature crisis has echoed the disenchantment known by the post-war world and both authors translated it through fictional games, through the diverting of travel-related patterns and through liberties taken with the aesthetic conventions of representations of reality. Opening the boundaries of reality by burlesque or fantastic tonalities borrowed from a surreal sphere, Celine and Döblin questioned the flawed nature of the human kind. This work aims at underlining the singularity of the characters’ look upon the world and how they explored a reality surpassing during their numerous travels. By doing so, they expressed the experimentation spirit that dominated the thought in the interwar years at different level (political, ideological, medical, scientific etc.), and this, contributed to define their literary style. Facing the wide range of monstrosities revealed both by the experimentation of reality and by the surreal sphere, Celine and Döblin offer a cynical position. Two cynical options, from one author to the other, stand out from their travels and experiences: the antic one and the modern one. This work highlights the literary embodiment of the novel crisis by analysing how is made the experience of going beyond reality, which pioneers significantly the foundations of the crisis of humanism values

Dans leurs préfaces et essais critiques, les romanciers de la seconde génération romantique expriment le désir de « créer des types ». C’est en effet selon eux le propre d’un chef-d’œuvre que de faire entrer dans le patrimoine littéraire commun de nouveaux types, comme Cervantès avec don Quichotte ou Molière avec Tartuffe. Notre thèse étudie la signification de ce terme apparu sous la monarchie de Juillet et les procédés stylistiques de caractérisation des personnages employés par les romanciers pour constituer des types. Notre corpus comprend les romans de Stendhal, Alfred de Vigny, Victor Hugo, George Sand, Honoré de Balzac, Alexandre Dumas, Eugène Sue et Théophile Gautier. Parce que le terme de type apparaît au même moment dans le vocabulaire de la caricature et de l’illustration, notre travail a également pour but de souligner les liens entre les procédés littéraires de typification et les dessins de types dans la presse satirique et la littérature panoramique. L’enjeu de notre thèse est de distinguer l’acception romantique du type d’une compréhension exclusivement sociologique tout en montrant les liens étroits entre types romanesques et types sociologiques<br>During the July Monarchy, French romantic writers used critical essays to express their desire to create new typical characters, or « types ». According to them, the ability of a novel to create new « types » is a sign of literary value. This work studies the esthetical meaning of the word « type » and the way novels written by Stendhal, Vigny, Hugo, Sand, Musset, Balzac, Dumas, Eugène Sue and Théophile Gautier make a character into a « type ». This term appears in satirical newspapers and « Physiologies » at the same time and this dissertation aims at explaining the links between visual « types » in caricature and litterary « types » in novels. This work also tries to underline the differences and similarities between romantic and sociological « types »

En 1888, une communauté de peintres s’associe sous l’appellation « Nabis ». Ce terme, issu de l’hébreu, signifie à la fois les « prophètes » et les « initiés ». Paul Sérusier qui vécut sa rencontre avec Paul Gauguin comme une révélation est à l’origine de la formation du groupe. Une année auparavant, le symbolisme littéraire triomphe en France et suscite l’émulation parmi une nouvelle génération d’écrivains qui se cristallise autour de /La Revue Blanche/ et le /Mercure de France/. Entre les Nabis et les symbolistes s’établit dès lors un intense réseau de collaborations. Tant dans l’élaboration des décors et programmes du Théâtre de l’œuvre de Lugné-Poe que dans l’illustration d’ouvrages d’André Gide, d’Alfred Jarry ou encore de Jules Renard, les Nabis participent activement à la vie littéraire de leur temps tout en s’incarnant volontairement comme une avant-garde picturale. Les échanges nombreux entre peintres et écrivains sont alors loin de se limiter à de simples commandes. Ils aboutissent souvent à des amitiés durables comme celles qui unirent Gide à Maurice Denis et Jarry à Pierre Bonnard. La recherche s’interroge sur la motivation de cette nouvelle génération d’écrivains qui sollicita le groupe nabi, ainsi que sur la nature des projets qui les unirent. Les revues littéraires occupent une place importante dans le rassemblement entre les écrivains et ce groupe de peintres. La volonté d'identifier une aile picturale qui fasse écho dans le champ artistique au désir d'innover dans le champ littéraire stimule les sollicitations des écrivains de la seconde génération symboliste. Les Nabis, qui se méfient toutefois d'une soumission trop grande au fait littéraire, induisent par leurs développements artistiques et leurs théories les paramètres d'une nouvelle relation entre peintres et écrivains dans laquelle ces derniers ne recherchent plus la domination stratégique de l'art littéraire sur la peinture.<p>Outre ces considérations historiques, le rapprochement souhaité entre les deux groupes fut tel que la production littéraire ne put qu’être influencée par les théories des Nabis. La tendance "formaliste" représentée par ce groupe pictural a souvent conduit les chercheurs à prendre acte de l'autonomie tant du littéraire que du pictural dans les échanges entre Nabis et écrivains. Les influences sont cependant nombreuses de la peinture vers la littérature. Il est toutefois nécessaire de prendre en compte des écrivains oubliés par l'histoire littéraire, tels Romain Coolus, Gabriel Trarieux ou Louis Lormel, pour percevoir les effets de cette influence picturale. La reprise d'un dispositif de couleurs, exaltées ou déformées, le jeu poétique sur le thème de la ligne ou de l'arabesque fondent une recherche d'effet visuel dans l'écriture qui entend renouveler les images poétiques. Ce constat entre en résonance avec la rénovation picturale revendiquée par les Nabis. Des esthétiques communes entre peintres et écrivains, tournant autour des notions de synthèse, simplicité, de la référence à l'enfance ou à la fantaisie humoristique rassemblent Nabis et poètes qui les soutiennent dans une communauté d'initiés à l'art nouveau.<br>Doctorat en Langues et lettres<br>info:eu-repo/semantics/nonPublished

Quand un écrivain est-il né ? Nous tentons de répondre à cette question en ce qui concerne Guy de Maupassant (1850-1893). Nous examinons d’abord les œuvres de jeunesse, écrites dans les années 1870, poésie, théâtre et prose, où Maupassant rejette le romantisme sentimental et exprime sa vision matérialiste du monde, en s’attachant au corps et à la nature. Dans ces exercices poétiques, il acquiert un art descriptif impressionniste aussi bien que ses principes littéraires comme l’originalité et l’indépendance. Nous abordons ensuite la transformation du poète en prosateur, en nous focalisant sur la nouvelle « Boule de suif » (1880). Lorsque le poète projette ses regards autour de lui, il peut enfin objectiver sa propre vision. La prose lui permet de socialiser son regard critique. La découverte de cette potentialité de la prose est suivie de celle du journalisme, qui aide notre écrivain à élargir son monde littéraire. En suivant par étapes l’activité journalistique de Maupassant, nous constatons la consolidation de son esthétique réaliste, où faire vrai et faire beau ne font qu’un, l’esthétique et l’éthique s’unissant solidement. De plus, en unissant le fait divers et la fiction, il trouve dans le récit bref sa propre forme littéraire susceptible de toucher le lecteur. Enfin Une vie (1883), premier roman, en rassemblant toutes les caractéristiques de la prose de Maupassant, représente pleinement sa vision personnelle du monde, désabusée et pessimiste. Notre étude permettra de comprendre que la naissance d’un écrivain ne s’est pas faite en un jour. En suivant le parcours de l’écrivain, il sera ainsi possible d’éclairer les sens des expériences et de la maturité d’un homme<br>When was a writer born? We try to answer this question in the case of Guy de Maupassant (1850-1893). We examine at first his young works, left in the 1870s, such as the poetry, the theater plays and the prose, in which Maupassant rejects the sentimental romanticism, and expresses his materialistic vision of the world, by growing attached to the body and to the nature. In these poetic exercises, he acquires the impressionistic descriptive art as well as his own literary principles such as originality and independence. Then, we consider the conversion of the poet to the prose-writer, by focusing on the “Boule de suif” (1880). When the poet throws his eyes around him, he can finally objectivize his own vision. The prose allows him to socialize his critical eye. The discovery of this potentiality of the prose is followed by that of the journalism, which helps our writer to enlarge his literary world. By following stage by stage the journalistic activity of Maupassant, we notice the consolidation of his realistic aesthetics, where to make really and to make beautiful are only one, the aesthetics and the ethics uniting firmly. Furthermore, by uniting the news item and the fiction, he finds in the brief narrative his own literary shape susceptible to touch the reader. Finally Une vie (1883), the first novel, collecting all the characteristics of the prose of Maupassant, represents completely his personal vision of the world, disenchanted and pessimistic. Our study allows us to understand that the birth of a writer is not made in one day. By following the career of the writer, we can enlighten the meanings of the experiments and of the maturity of a man

A la recherche du paysage silencieux ou du silence du paysage, cette thèse explore un large corpus ouvert de romans réalistes publiés en France, en Angleterre et dans les pays germanophones durant les années 1850-1900. Le parcours de lecture comparatiste représente un voyage littéraire en quête d'un type de paysage particulier, non pas paysage à connotation géographique, mais paysage perçu comme un espace imaginaire et sensible. Face au topos romantique que constitue le paysage silencieux, le silence «réaliste» apparait souvent comme une tentative de musellement des voix romantiques tout en démontrant que le réalisme réinvente les rapports entre l'être humain et le monde naturel, entre le sujet et l'objet de la perception. Contrecarrant l'hégémonie du visuel et du verbal, unissant des données objectives et humanistes, instaurant une relation entre le paysage et le lecteur, le silence dans le roman permet de découvrir des espaces inexplorés et garantit l'expérience d'une lecture nouvelle, à l'écoute des mondes naturel et textuel<br>In search of silent landscapes or of the silence of the landscape, this thesis explores a wide open corpus of realistic novels published in France, in England and in the German-speaking countries between 1850-1900. This comparative reading represents a literary journey looking for a particular type of landscape, not with geographical connotation, but perceived as an imaginary and sensitive space. Against the romantic commonplace of silent landscape, "realistic" silence often appears as an attempt Io muzzle the romantic voices, while demonstrating that realism reinvents the relationship between the human being and the natural world, between the subject and the object of perception. Abrogating the hegemony of the visual and the verbal, uniting objective and humanist observation, establishing a relation between the landscape and the reader, silence allows Io discover unexplored spaces and guarantees the experience of a new reading, as the attempt to listen to the natural and textual worlds

L'expression "poème en prose" ne naît pas au 19e siècle : tout au long du 18e siècle, elle sert à caractériser une prose qui peut acquérir un statut poètique, parallèlement au vers, lequel ne détermine plus dès lors systématiquement ni exclusivement l'existence de la poésie. Mais, dans les premières décennies du 19e, la reconnaissance de cette poésie en prose étant plus définitive, la prose peut s'élaborer plus spécifiquement en poème (au sens moderne du terme, non plus au sens classique et analogique d'"ouvrage de style poétique" ou d'"épopée en prose"). Elle suscite alors un nouveau type de poeticité, abandonnant les normes prédéfinies, qui rendent impossible toute définition systématique et modélisante du genre. Ce type de poétique inédit ne trouve son actualisation que dans l'activité de reconnaissance du lecteur. Le poème en prose est par conséquent dépendant de sa réception -problématique au début du 19e. Les auteurs de ces premiers poèmes en prose (L. De Cailleux, A. Rabbe, A. Bertrand, X. Forneret, M. De Guérin, J. Lefebre-Deumier) font en outre de ce nouvel instrument poétique le moyen en même temps que l'objet d'une quête poétique d'un nouvel ordre. Le poème en prose acquiert ainsi une valeur exploratoire et expérimentale. Initiateur de nouveaux types de poéticité, il élabore aussi des processus de réflexivité poétique (de réflexion du poétique par lui-même et sur lui-même), qui détermineront les évolutions ultérieures de la poésie<br>The expression "prose poem" does not appear in the nineteenth century : throughout the eighteenth century, it is used to distinguish a prose which can pretend to a poetical status, in the same way as verse (that from then on neither systemat ically nor exclusively determines the existence of poetry). But, during the first decades of the nineteenth century, after the more definitive recognition of this prose poetry, the prose can be elaborated more specifically as a poem (in the modern use of the term, and no longer in the classical and analogical sense of "work in poetic style" or "prose epic"). It creates then a new type of poeticity, abandoning the predefined norms and thus benefiting from non predetermined poetic effects which make any systematic and modelising definition of the genre impossible. This kind of original poetic owes its actualization uniquely to the recognition activity of its reader. The prose poem is consequently dependent on its receipt - problematical at the beginning of the nineteenth century. Furthermore, the authors of these first prose poems (ludovic de cailleux, alphonse rabbe, aloysius bertrand, xavier forneret, maurice de guerin and jules lefevre-deumier) not only make this new poetics instrument the object but also the means of a new order poetical quest. The prose poem thus acquires an exploratory and experimental value. Initiator of new types of poeticity, it also elaborates some processes of poetical reflection (by itself and upon itsel), which will determine the subsequent evolutions of poetry. Open and uncertain, the genre therefore also appears as eminently virtual and paradoxical : its generic identity being built upon its capacity to inaugurate new modes of poeticity and genericity, it is doomed to see this generic specificity dissolve at the very moment that it accedes to an entire recognition

Le romantisme français est hanté par la fête de nuit, thème obsédant qui s’incarne dans les productions poétiques, dramatiques et narratives, majeures comme mineures, dès les libations de Smarra ou les Démons de la nuit de Charles Nodier. À partir de ce constat, cette thèse déploie et analyse le choix du cadre nocturne pour écrire la fête entre 1821 et 1856. L’étude du motif permet de rouvrir l’analyse de la nuit romantique pour montrer que ce thème livre, non pas une, mais plusieurs poétiques dont certaines se révèlent ancrées dans la modernité. La fête de nuit intègre tout d’abord l’imaginaire nocturne « traditionnel » du romantisme, lui-même hérité de représentations anciennes de la nuit, noire et claire. Or, ces nuits fantastiques, oniriques et lyriques ne sont pas toutes les nuits romantiques. Alors que la première moitié du XIXe siècle invente la nuit blanche, la littérature se fait la chambre d’échos bruyante de nuits parisiennes agitées, reflets d’une époque qui annonce les mythes de la ville-lumière et de la fête impériale. Ces images, qui circulent entre « littérature panoramique » et corpus romantique, trahissent la passion du siècle pour le spectaculaire. La fête de nuit transforme le quotidien en spectacle. Les fictions esquissent en outre des types de la fête de nuit parisienne souvent proches de la figure de l’auteur romantique, habituellement présenté comme un mélancolique solitaire. Porteuse de contrastes entre lumière et nuit, vie et mort, la fête de nuit apparaît finalement comme une posture existentielle et scripturaire adoptée par l’homme romantique qui entend se révolter contre la nuit noire, avec les feux et les fantaisies de la nuit blanche<br>As a writing pattern, night feasts haunt French Romanticism since Nodier’s Smarra ou les Démons de la nuit (1821). The motif appears in poetic, dramatic and narrative works, in major as well as in minor productions. This thesis answers the following question : why is the night the place to write feasts in French Romanticism, between 1821 and 1856 ? In this way, this dissertation reopens the analysis of the Romantic night and shows that this theme provides not once but various poetics, some of them announcing modernity. Certainly, night feasts are part of a Romantic “classical” nocturnal imagination, inherited from ancient traditions. But fantastic, dreamlike and lyrical hues are not the only colors of the Romantic nights. In fact, thanks to the invention of night life in the early 19th century, Romantic works reflect restless Parisian nights, during a period which discovers night leisure activities, forecasting the myth of City of Light and the entertainment’s industry blooming during the Second Empire area. The images of the night feast, which circulate between “panoramic literature” and Romantic literature, reveal the century’s burning passion for sight. These nocturnal festivities transform everyday life into a show. Furthermore, fictions are brimming with archetypal characters inhabiting the Parisian festive nights, themselves often suggestive of the Romantic figure of the author, usually depicted as a melancholic loner. Based on contrasts, between light and darkness, life and death, the night feast is also an existential and creative pattern for Romantic authors who are using the night life and their lights as a way to rise up against the dark night

L’emploi du mot arriviste vise souvent à réduire le personnage des romans du XIXe siècle à son portrait psychologique d’un héros atemporel, avançant impitoyablement vers son objectif. Cependant, le rôle qu’il joue dans l’histoire littéraire est plus important. Le modèle de l’arriviste est créé en même temps que le roman réaliste moderne, bien que le terme en lui-même n’apparaisse qu’en 1893. Ce terme caractérise a posteriori toute la génération des personnages littéraires à partir des romans de Stendhal et de Balzac. Issu des changements sociaux et inspiré par l’exemple devenu mythique de Napoléon, l’arriviste est un héros qui reflète la société nationale contemporaine, ce que montrent les vingt-six œuvres du corpus. Il est également une figure du déplacement qui facilite le regard panoramique sur la société et la construction du récit réaliste. Tel un héros de conte moderne, l’arriviste suit un parcours qui constitue la base de son intrigue. Il devient un Argonaute moderne, en quête d’une nouvelle Toison d’Or : la réussite sociale.La carrière de l’arriviste littéraire invite également à la réflexion narratologique et questionne sa relation avec le lecteur. La scène de première apparition du personnage permet au narrateur d’éveiller chez le lecteur les premières impressions qui influencent sa compréhension globale du protagoniste. La triple perspective de la narratologie comparée, des effets de la réception de l’œuvre et des recherches en psychologie sociale, met en évidence les procédés narratifs utilisés par le narrateur. Le succès de l’arriviste dépasse ainsi le monde diégétique et se traduit par la longévité du type littéraire qu’il définit et du terme qui le désigne<br>By the use of the word arriviste, the hero of the Nineteen-Century novels is often reduced to his psychological portrait of a timeless character, ruthlessly seeking his aim. Nevertheless, the role that he plays in the history of literature is more important. The model of the arriviste was created at the same time as the modern realist novel, even if the term itself only appeared in 1893. The arriviste characterises a posteriori a whole generation of heroes, beginning with Stendhal’s and Balzac’s novels. Inspired by the social changes and the now-mythical example of Napoleon, the arriviste is a hero that mirrors the national and contemporary society, as the twenty-six novels of the corpus exemplify it. He is also a figure of displacement that facilitates a panoramic view on the society and a construction of the realist narrative. As a hero of a modern tale, the arriviste follows a course on which his story is based. He becomes a modern Argonaut searching for a new Golden Fleece: social success. The career of a literary arriviste raises questions about narratology and his relationship with the reader. The scene of first appearance of the character enables the narrator to kindle the reader’s first impressions that influence the general comprehension of the protagonist. A triple perspective of the comparative narratology, the effects of the work’s reception and the research in social psychology reveals the narrative schemes used by the narrator. Therefore, the success of the arriviste goes beyond the diegetic world. It means also his longevity in the collective memory as a literary type and as a word that describes him<br>Termin arywista, używany do określenia postaci z powieści dziewiętnastowiecznej, często redukuje ją do portretu psychologicznego ponadczasowego bohatera, który zmierza do celu bez najmniejszych skrupułów. Jednakże jego rola w historii literatury jest znacznie istotniejsza. Wzór arywisty powstaje w tym samym czasie, co nowoczesna powieść realistyczna, mimo tego, iż sam termin pojawia się dopiero w 1893r. Arywista charakteryzuje a posteriori całe pokolenie postaci literackich, począwszy od bohaterów Stendhala i Balzaka. Inspirowany zmianami społecznymi oraz na wpół mityczną historią Napoleona, arywista jest bohaterem, który ukazuje współczesne społeczeństwo, co widoczne jest w każdej z dwudziestu sześciu powieści z naszego korpusu. Jest on również symbolem przemieszczania się, który ułatwia panoramiczne spojrzenie na społeczeństwo oraz konstrukcję narracji realistycznej. Niczym bohater współczesnej baśni, arywista podąża szlakiem, który stanowi podstawę intrygi powieści. Staje się on współczesnym argonautą, w poszukiwaniu nowego Złotego Runa – sukcesu społecznego. Kariera powieściowego arywisty zachęca również do refleksji narratologicznej oraz stawia problem relacji z czytelnikiem. Scena pierwszego pojawienia się postaci pozwala ona narratorowi na wywołanie pierwszych wrażeń, które wpływają na ogólne rozumienie protagonisty. Potrójna perspektywa narratologii porównawczej, efektów odbioru dzieła i badań z zakresu psychologii społecznej, uwypukla procesy narracyjne używane przez narratora. Tym samym, sukces arywisty wychodzi poza świat diegezy. Jest nim także jego miejsce w pamięci kolektywnej jako typ literacki, jak również kariera lingwistyczna słowa, które go definiuje

Cette thèse porte sur la poétique du roman de Victor Hugo, Theodor Fontane et Thomas Hardy en s'appuyant plus spécifiquement sur l'étude de L'Homme qui rit (1869), Errements et Tourments (1888) et Tess d'Urberville (1891). En rapprochant ces trois romanciers majeurs mais tenus à l'écart des théories générales du roman, il s'agit de montrer le maintien d'une conception du roman moderne comme forme poétique du monde, s'inscrivant dans un horizon de pensée idéaliste, progressiste et critique. Hugo, Fontane et Hardy, romanciers qui se disent avant tout poètes, font le choix de faire du roman une tragédie, forme poétique du monde qui va à l'encontre du prosaïsme moderne et romanesque théorisé par Lukacs, à la suite de Hegel. Face au nihilisme et aux théories du roman réaliste qui voient le jour dans la seconde moitié du XIXe siècle et tentent de définir – au sens restrictif du terme – le genre romanesque, ils retrouvent le modèle du roman romantique et le redéfinissent face au roman réaliste. Leur poétique est alors fondée sur la « poiétisation » de la prose, autrement dit, sur l'imagination, le symbolique et le métaphorique. Ils affirment ainsi la spécificité et la possibilité d'une expérience poétique, c'est-à-dire subjective, héroïque et morale du monde, ainsi que la capacité du roman à produire un savoir poétique sur le monde et l'histoire<br>This thesis deals with the poetics of the novel in Victor Hugo, Theodor Fontane and Thomas Hardy, with a specific focus on The Man who Laughs (1869), Trials and Tribulations (1888) and Tess of the d'Urbervilles (1891). By bringing together these three novelists who are widely acknowledged as major writers yet ignored by general theories of the novel, this study will show how a vision of the modern novel as a poetic rendition of reality, with an idealist, progressive and critical background, has maintained itself. Hugo, Fontane and Hardy, three novelists who considered themselves to be poets first and foremost, opted to turn the novel into a tragedy, a poetic rendition of reality which stands in contrast with Lukacs’ post-Hegelian theories of the modern novel as a prosaic literary genre. In the face of nihilism and the theories of the realist novel which surfaced in the second half of the XIXth century and attempted to define – in the restrictive sense of the word – the genre of the novel, they turned back to the model of the Romantic novel and reinvented it at a time when the realist novel was preeminent. Their poetics was therefore based on the “poietisation” of prose, in other words, based on the imaginary, the symbolic and the metaphoric. This enabled them to assert the specificity and possibility of a poetic, that is to say subjective, heroic and moral experience of the world, as well as the ability of the novel to generate poetical knowledge about the world and history