Academic literature on the topic 'Réalité – Au théâtre'

Encore qu'elles vivent, a l'epoque baroque surtout, en bonne intelligence, mort et tragedie peuvent se dire libres de toute contrainte: une tragedie peut devoir son nom, non pas a la puissance du regne de la mort, mais a la nature des situations qu'elles abrite; et une mort peut, non pas dramatiser, mais dedramatiser l'action<br>Even though they live on good terms (and especially during the baroque age), death and tragedy are not to be depending one from another: a play could be called "tragedy", not because of the powerful reign of death, but in consideration of the very nature of the situations; and death itself could, instead of dramatizing the action, "dedramatizing" the latter

Notre etude s'interesse a l'aspect omnipresent de l'illusion chez les personnages centraux molieresques, et a leur maniere de vivre ce reve. Nous avons aborde le sujet par le point de vue l'analyse dramaturgique. La premiere partie traite brievement de la societe du xviie siecle et de sa theatralisation chez moliere, et les specificites de sa dramaturgie. Dans la deuxieme partie, nous avons analyse, le systeme d'illusion dans les comedies de moliere: le critere des ridicules, leur psychologie "visualisee", le fonctionnement de leur illusion, et leur langage, sans oublier la rhetorique propre a l'imposteur. La troisieme partie est consacree a la realite molieresque (ses normes ethique et esthetique) qui souligne par contraste les deviances des personnages victimes de l'illusion. La question sur le dosage molieresque entre les necessites comiques et la realite psychologique, nous amene a conclure a la coexistence d'une vision "conservatrice" et "revolutionnaire" dans le fond comme dans la forme des oeuvre de moliere.

Cette thèse se propose d’aborder le théâtre réaliste classique et de le comparer avec le théâtre réaliste stylisé de notre époque. Il s’agit d’étudier les conclusions tirées des expériences des grands stylistes dramatiques qui, d’une manière ou d’une autre, se sont intéressés à « la réalité » dans leur théâtre de laboratoire. Chacun à sa manière, ils ont fait passer la réalité par le filtre de « la stylisation » avant de l’exposer sur scène. L’accent est particulièrement mis sur les précieuses expériences de Stanislavski, de Brecht, de Grotowski et de Brook, dont l’impact sur le théâtre réaliste contemporain est également étudié<br>This thesis proposes to approach classic realist theater and to compare it with the stylized realist theater of our day. It examines the conclusions drawn from the experiences of the great dramatic stylists who, in one way or another, were interested in working with “reality” within the laboratory of their theaters. Each, in his way, put reality through the filter of “stylization” before revealing it on the stage. Emphasis is placed in particular on the valuable experiences of Stanislavski, Brecht, Grotowski and Brook, whose impact upon contemporary realist theater is also studied

Sous le prétexte de vouloir reconsidérer l'experience de l'espace à la façon d'une réalité autre que celle,totalement imaginaire,du texte littéraire;l'art de la mise en scène expérimentale a pris le pas sur la notion de vérité humaine au théâtre. L'identification au personnage principal,la dramatisation sont des procèdés désormais considérés comme suspects depuis le début du siècle. C'est ce que l'on a associé,à tort ou abusivement,conventions scèniques et conventions sociales. La vie,c'est du théâtre,mais le théâtre n'est pas non plus la vie. Mais que faut-il entendre lorsque l'on parle de réalité ou d'apparence au théâtre? Quelle est la valeur objective du jeu? En quoi peut-elle nous ramener objectivement,à notre je social? Le théâtre de situations sartriens prétent réconcilier images et vérité alors que les apparences scéniques ne sont habitullement appréciées que du point du vue de la simple vraisemblance. L'homme médiocre,sûr de ses droits,juge ces sortes de ferveurs irréalistes et idôlatres comme incapables de donner du sens et des valeurs concrètes au réel. Pourtant, l'espace dramatique peut signifier s'il nous renvoie aux apparences sociales,s'il sait nous montrer la consistance,aliénante, d'un système mystificateur. Il ne sert à rien de feindre l'ignorance. Le drame existentialiste athé sait imaginer l'action,sa nécessité, et les gestes des comédiens ne sont plus gesticulations mais présentations mythiques,manifestations authentiques de volontés subjectives en quête de sens,d'universelle singularité. Ce parti pris n'est pas seulement politique. Aussi,le théâtre engagé est pleine puissance positive. Par l'illusion,la vie des personnages n'est pas réduite au pur non-être. La situation modifie notre approche de la fiction. La noblesse du jeu vient à susciter,dans les esprits,le désir d'une émancipation véritable.

Examiner la situation actuelle du theatre experimental populaire libanais, a travers les exemples revelateurs du theatre al-sindbad, al-hakawati et celui de ziyad rahbani, tel est le propos de cette these. Or, aborder l'experience specifique de ces trois troupes, revient a evoquer une forme dramatique qui se definit d'abord comme un renouement avec la culture du grand public, ses traditions et ses modes de vie, par la recherche ensuite des elements d'une reponse au role du theatre et a son utilite dans la vie sociale. Dans ce sens, le theatre al-hakawati constitue probablement l'experience la plus reussie au niveau de l'adaptation du theatre au langage populaire, - le mot langage etant pris ici dans son sens large, qui inclut le "gestus social" dont parle b. Brecht. Malgre sa specificite, cette experience peut cependant se rappor- ter a d'autres, locales ou internationales, qu'on qualifie du nom de "theatre reel", et dont le but est de depasser la notion de catharsis pour rechercher une authenticite esthetique et sociale au niveau du rapport du theatre avec son public. Notre demarche donne un apercu historique des formes libanaises du spectacle. Nous mettons plus particulierement l'accent sur la troupe al-hakawati, qui a essaye d'appliquer une de ces formes a l'art theatral. D'autre part, notre methodologie s'appuie sur l'analyse de l'oeuvre d'al-hakawati, en etablissant un parallele entre celle- ci et d'autres experiences locales et internationales ayant eu des tendances pour ainsi dire similaires et ayant affronte, chacune d'elles dans des conditions particulieres, une problema- tique qui n'etait pas forcement celle des autres<br>The thesis examines the contempory situation of popular experimental theatre in lebanon, through the revealing theatrical modes of al-sindbad, of al-hakawati, and that of ziyad rahbani. In analysing the particular accomplishment of these three groups it is essential to consider a dramatic form, definable first of all as a renewal of links with the popular culture in the wider sense, with its traditions and its ways of life; and second as a quest to provide elements of a response to the problematic of the rule of the theatre and its pertinence in social life. In this respect, the al-hakawati genre of theatre is probably the most successful initiative at the level of adaptation of the theatre to popular language (the term language here being understood in its broad sense, including here the "gestus social" of b. Brecht). In spite of its specificity, this initiative can be related to others, both local and international, in the traditions of "theatre of the real", where the common objective is to go beyond the notion of catharsis in search of social and esthetic authenticity at the level of the relationship of the theatre with its public. The study provides a historical perspective on the different modes of dramatic presentation in the lebanese tradition. Particular emphasis is placed on the al-hakawati troup, which has tried to apply one of these modes to theatrical art. Complementary to this histori cal aspect, the approach of the study is based on an analysis of the work of al-hakawati. A parallel is drawn between this activity and other local and international initiatives which show comparable tendencies in same respects although nevertheless not necessarily addressing it the same manner the problematic of the relation between the theatre and its public

Ce projet de thèse CSN (cahier de scène numérique) a pour finalité de créer un outil numérique qui puisse concrétiser un certain nombre de recherches déjà existantes. Il croise deux disciplines : les arts du spectacle et l’informatique. Il s'appuie sur les travaux des théâtrologues (les sémiologues du texte théâtral et de la scène, les généticiens du spectacle), et des informaticiens spécialistes de modélisation déclarative. Aucun support n'a rassemblé les différents aspects de la création théâtrale dont la mémoire est éparpillée, transmise sous différentes formes : livres de régie, cahiers de scène, annotations dans la marge des textes de théâtre, vidéos, photos du spectacle, croquis de costumes et de scénographie, supports numériques variés, etc. Le CSN propose des avancées techniques et technologiques s'organisant autour de trois grands modules, comprenant chacun un champ de recherche et de développement spécifique : le Module Texte (outil de travail sur les textes d'auteur et du metteur en scène), le Module 3D (outil de génération de scènes 3D issue des textes), le Module VAP (Vidéo, Audio, Photo) (outil permettant d'ajouter des informations non textuelles aux projets). L'enjeu du CSN, est de passer d'un artisanat, souvent revendiqué par les metteurs en scène « à l'ancienne » (croquis sur feuille, cahier de scène papier), à une modernisation du métier via les nouvelles technologies. De façon similaire à la création du métier de metteur en scène à la fin du XIXème siècle, qui avait pour fonction de coordonner les différents aspects d'un spectacle devenu de plus en plus complexe, il faut maintenant créer les nouveaux outils pour ce métier<br>This thesis on the project CSN and the creation of a “digital stage book,” aims to create a digital tool which makes possible the application of a number of previous studies. It crosses two fields: performing arts and computing. It is based on the works of theatrologists (both drama and theatre semiologists and geneticists of performance and staging) and computer specialists in declarative modeling. So far, it does not exist any medium compiling all the aspects of the theatrical creation, whose memory is not recorded a single whole but breaks into scattered pieces passed on under various forms: books of state control, stage books, notes in the margin of the dramatic texts, videos, photos of the performance, sketches of costumes and scenography, varied digital supports, etc. The CSN proposes technical and technological advances falling into three modules, each of them including a specific field of research and development: the Script Module (a working tool applied on the scripts by the author and the director), the 3D Module (a tool of 3D generation of scenes extracting from scripts), the VAP Module (Video, Audio, Photo) (tool enabling to add non-textual information to the projects). The issue at stake in the CSN is to transit from a form of handiwork, often claimed by directors belonging to the old school, (sketches on sheet, stage books in paper format), to a modernized conception of the job thanks to the new technologies. As it occurred at the end of the XIXth century with the renewal of the status of the stage-directior, whose function as coordinator of the various aspects of the show became more and more complex and was then conceived as a job in its own right, it is now necessary to create new tools to assist stage-directors and accompany the evolution of their jobs

Evgenij Švarc, dramaturge soviétique (1896-1958), est l'auteur de contes pour le théâtre écrits à l'époque stalinienne (Le Roi nu, L’Ombre, Le Dragon), qui oscillent entre le réel et le fantastique et qui ont dérouté tant les censeurs que les metteurs en scène et les critiques. Cette dimension « intermédiaire » est un facteur essentiel dans le processus de la production et de l’interprétation du texte. Son analyse permet la recherche de l’historicité du récit et la définition du rôle de l’élément surnaturel dans l’esthétique švarcienne. La présente thèse se développe selon trois directions principales qui sont : l’historique de l’écriture, la technique de la production textuelle et un essai d’interprétation qui nous conduit à l’analyse des intentions de l’auteur, celles de son texte et aussi celles du lecteur. Si la partie biographique sert principalement à éclairer le contexte socio-politique de la création et à illustrer l’évolution de l’auteur, l’analyse de la production et de la réception du texte a pour objectif d’établir un lien entre la structure interne de l’œuvre et ses significations. Il nous a paru nécessaire de diversifier les angles d’analyse car l’auteur n’a pas seulement renouvelé le genre figé du conte. Il a aussi développé une nouvelle écriture féerique qui se veut polémique. Bien que rédigés en URSS, les contes de Švarc ne sont pas en prise directe avec une doctrine spécifique et un contexte unique. Leurs messages acquièrent une dimension universelle, renouvelés par chacun des lecteurs

Cette recherche vise essentiellement à étudier l’image du serviteur dans le théâtre français de Jean-François Regnard. Ce dramaturge peu connu aujourd’hui était souvent comparé à Molière. Son œuvre négligée pendant longtemps mérite d’être mieux appréciée. A travers le personnage du serviteur, Regnard n’a pas seulement mis sur scène la condition domestique mais aussi l’inconscient collectif d’une société en pleine mutation. Nous avons choisi une démarche sociocritique afin de savoir dans quelle mesure cette image incarne la réalité sociale de cette époque. Toutefois, nous sommes consciente que le théâtre ne représente pas uniquement la réalité sociale mais également l’imagination de l’auteur. Nous cherchons à comprendre comment le théâtre de Regnard a pu (ou n’a pas pu) présenter la condition domestique. Quelle est la part d’objectivité à travers l’imagination de Regnard ? A travers ce long voyage dans le monde des serviteurs, nous avons essayé de dégager comment le théâtre a présenté les traits de la condition domestique. Nous avons également essayé également de comprendre le rapport entre les fonctions dramaturgiques du serviteur sur scène et leurs rapports avec la réalité. Une des questions fondamentales que nous avons posées est de savoir pourquoi le serviteur est souvent présenté sur scène comme un manipulateur tandis qu’en réalité, ce n’est qu’un être manipulé par la société. Notre corpus est composé des onze pièces de Regnard rédigées pour le théâtre français. Ce choix n’est pas arbitraire. Il est en rapport avec notre problématique. Dans ces pièces le serviteur joue un rôle primordial dans le déroulement de l’action l’accent étant mis sur sa condition de vie<br>The main objective of this study is to analyze the image of the butler in the French theater of Jean-François Regnard. This unknown playwright was compared to Molière. Hence, his unknown theater needs to be more appreciated. The servant in Regnard’s theater presents the condition of the domestic people in reality. He/she represents the subconscious of the society. Our tool of research is social criticism. We want to know how this image represents the society in this century. But we are aware that not only does the theater represent the real society, but also it represents the imagination of the other. Furthermore, we want to depict whether Regnard’s theater was able or unable to authentically portray the condition of the domestic people. Was Regnard objective in his representation? Throughout this long journey in the world of servants, we have attempted to know how the theater represents their condition. Moreover, we have endeavored to understand the link between the dramatic function of the servant in the theater and in reality. One of the fundamental questions in our research is to know why the servant was portrayed as a manipulator. Whereas in reality, he/she is a person who is manipulated by society. My thesis examines eleven plays which were written to the French theater. This choice is not random as it is pertinent to our research question. In those plays, the servants play an important role in the action and present the condition of their life in this century

Cette thèse met en valeur la grande évolution de l’art de la mise en scène et étudie la relation décor-technologie numérique du point de vue du design. Parmi les technologies numériques dont la scénographie fait l’usage, nous choisissons la technologie de la RV (réalité virtuelle) en tant qu’outil permettant de créer le décor au théâtre et pouvant enrichir la présence du spectateur. La préoccupation donc dès le début de notre recherche était de savoir comment enrichir le sentiment de présence chez le spectateur au décor d’un art théâtral. Il est très important pour nous de réussir à créer ce décor théâtral dans lequel le spectateur devient un acteur ou plutôt un «Spect-acteur ».Les nombreux avis qui s'opposent à l’intégration de la technologie de la RV au théâtre donnent des arguments liés au danger de l’immersion. Notre thèse met en lumière l’interaction comme une deuxième caractéristique fondatrice de la RV contrebalançant la passivité de l’immersion. Puis, nous abordons largement le sujet du design interactif.En vue de créer donc une vision sur le monde de la mise en scène de demain, nous adaptons le récit d’Alice au pays des merveilles pour créer notre projet Aider Alice. Celui-ci permet aux « Spec-acteurs » d’échanger avec les éléments virtuels d’une animation interactive dans le cadre d'un jeu vidéo collaboratif. Un groupe de trois participants, à chaque passage, contribue à changer le point de vue sur le décor ainsi qu’à choisir sa couleur. Nous considérons que la scène médiatisée crée un sentiment de présence chez l’ensemble du public alors que l’interaction est la clé qui enrichit ce sentiment chez les «Spect-acteurs »<br>This thesis highlights the great evolution of the art of staging and studies the relationship between the scenery and the digital technology from the standpoint of design. It focuses on its role in the future of the scenography. The scenography is used among the digital technologies; we choose the "VR"virtual reality technology as a tool to create the scenery of the theatre to enrich the viewer's presence. The concern from the beginning of our research was about; how to enhance the sense of presence in the viewer to the decor of a theatrical art.It is very important for us to succeed in creating a theatrical setting in which the spectator becomes an actor or rather a “Spect- actor”. Research has highlighted a few examples that used the virtual technology in the scenography. We then tackle the critiques of this technology made by researchers in the theatre. Many opinions that oppose the integration of this technology in theatre give arguments related to the danger of the immersion. The thesis highlights the interaction as a second founding characteristic of the "VR" offsetting the passivity of immersion. Then we approach the subject of the interactive design.In order to create a vision of the world of the staging in the future, we adapt the story of Alice in Wonderland to create our project Helping Alice. This allows spec-actors to interact with virtual elements of an interactive animation within a framework of collaborative video game. A group of 3 “Spect- actors” everyone participate to change the view of the scenery but also to choose the colour. We consider that the mediatized scene creates a sense of presence among the public so that interaction is the key that enriches the received feeling

La Fictionnalisation du spectateur interroge des dispositifs scéniques reposant sur le concept d'intégration du spectateur à la représentation par le biais d'une insertion fictionnelle, donnant lieu à des spectacles souvent immersifs et/ou participatifs. Elle interroge les frontières de la fiction théâtrale, de la capacité spectatrice ainsi que leurs portées politiques. Elle permet de confronter l'esthétique de certains dispositifs immersifs de théâtre avec les mutations et l'imaginaire du capitalisme contemporain. Au croisement de différents champs disciplinaires, cette recherche méta-création a été élaborée à partir d'une réflexion pratique de trois spectacles de notre compagnie Le Mot Nu Ment, intégrant la dimension du processus de création. Chaque spectacle a engendré une figure spectatorielle, reliée à un enjeu politique : le Spectateur Augmenté, invitant à une immersion fictionnelle via les nouvelles technologies, reprenant les codes du capitalisme cognitif ; le Spectateur Sensible, proposant une contre-critique du modèle attentionnel, par une tentative de décroissance de l'attention ; et le Spectre-Acteur, reprenant des codes d'alertes, de servitude et de domination. Ces figures fictionnalisantes sont illustrées par un corpus de spectacles contemporains occidentaux et majoritairement européens, visibles sur les scènes de théâtre public des artistes Rimini Protokoll, Zecora Ura, Clyde Chabot, Marcus Borja, Vlad Troitsky et Lotte van den Berg. La fictionnalisation du spectateur propose d'étudier les mutations de la fiction et du spectateur, comme insufflant de nouveaux états d'être au monde<br>The spectator’s fictionalization is a study of theater performances that integratethe spectator in the scenic representation thanks to a fictional insertion that transforms the play into an immersive or participative form. It looks at borders of drama fiction and spectator capacities through political reach. It leads to a confrontation between the aesthetic of theatrical performances and all the mutations of capitalism’s imagination. This research, called meta-creation, appeals to a disciplinary hybridization and takes source in a practical thinking with three performances of our company Le Mot Nu Ment, integrating the creation process. Each performance inspires the elaboration of a spectator figure, related to a political stake: the Augmented Spectator, asking to a fictional immersion with new technologies, using cognitive capitalism codes; the Sensitive Spectator, suggesting another critic of attentionnal models through a slow down proposal for the attention; and the Spectr-actor, recreating a threat system, through servitude and domination of the capitalist society. Those shapes of spectator’s fictionalization are illustrated by contempory occidental and mostly European performances forming a corpus of examples that are visible on Public Theatre stages such as: Rimini Protokoll, Zecora-Ura, Clyde Chabot, Marcus Borja, Vlad Troitsky and Lotte Van den Berg. The spectator's fictionalization is asking of fiction and spectator moving borders, as new states of being in the World