Dissertations / Theses: 'Réalité – Au théâtre'

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Safty, Essam. "Mourir dans la tragédie française, ou du théâtre de la réalité baroque à la réalité du théâtre tragique (1610-1645)." Paris 3, 1990. http://www.theses.fr/1990PA030053.

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Abstract:

Encore qu'elles vivent, a l'epoque baroque surtout, en bonne intelligence, mort et tragedie peuvent se dire libres de toute contrainte: une tragedie peut devoir son nom, non pas a la puissance du regne de la mort, mais a la nature des situations qu'elles abrite; et une mort peut, non pas dramatiser, mais dedramatiser l'action
Even though they live on good terms (and especially during the baroque age), death and tragedy are not to be depending one from another: a play could be called "tragedy", not because of the powerful reign of death, but in consideration of the very nature of the situations; and death itself could, instead of dramatizing the action, "dedramatizing" the latter

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Kim, Sun-Yi. "Illusion et réalité dans le théâtre de Molière." Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030162.

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Abstract:

Notre etude s'interesse a l'aspect omnipresent de l'illusion chez les personnages centraux molieresques, et a leur maniere de vivre ce reve. Nous avons aborde le sujet par le point de vue l'analyse dramaturgique. La premiere partie traite brievement de la societe du xviie siecle et de sa theatralisation chez moliere, et les specificites de sa dramaturgie. Dans la deuxieme partie, nous avons analyse, le systeme d'illusion dans les comedies de moliere: le critere des ridicules, leur psychologie "visualisee", le fonctionnement de leur illusion, et leur langage, sans oublier la rhetorique propre a l'imposteur. La troisieme partie est consacree a la realite molieresque (ses normes ethique et esthetique) qui souligne par contraste les deviances des personnages victimes de l'illusion. La question sur le dosage molieresque entre les necessites comiques et la realite psychologique, nous amene a conclure a la coexistence d'une vision "conservatrice" et "revolutionnaire" dans le fond comme dans la forme des oeuvre de moliere.

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Soltani, Sarvestani Mohammad Mehdi. "Réalité stylisée dans le théâtre réaliste contemporain : effet de la stylisation sur la révolution de la mise en scène et du jeu d'acteur réaliste du XIXe siècle à nos jours." Avignon, 2008. http://www.theses.fr/2008AVIG1071.

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Abstract:

Cette thèse se propose d’aborder le théâtre réaliste classique et de le comparer avec le théâtre réaliste stylisé de notre époque. Il s’agit d’étudier les conclusions tirées des expériences des grands stylistes dramatiques qui, d’une manière ou d’une autre, se sont intéressés à « la réalité » dans leur théâtre de laboratoire. Chacun à sa manière, ils ont fait passer la réalité par le filtre de « la stylisation » avant de l’exposer sur scène. L’accent est particulièrement mis sur les précieuses expériences de Stanislavski, de Brecht, de Grotowski et de Brook, dont l’impact sur le théâtre réaliste contemporain est également étudié
This thesis proposes to approach classic realist theater and to compare it with the stylized realist theater of our day. It examines the conclusions drawn from the experiences of the great dramatic stylists who, in one way or another, were interested in working with “reality” within the laboratory of their theaters. Each, in his way, put reality through the filter of “stylization” before revealing it on the stage. Emphasis is placed in particular on the valuable experiences of Stanislavski, Brecht, Grotowski and Brook, whose impact upon contemporary realist theater is also studied

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Bouillet, Frédéric. "La réalité des apparences : le théâtre de J.P. Sartre (1943-1951)." Aix-Marseille 1, 2001. http://www.theses.fr/2001AIX10013.

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Abstract:

Sous le prétexte de vouloir reconsidérer l'experience de l'espace à la façon d'une réalité autre que celle,totalement imaginaire,du texte littéraire;l'art de la mise en scène expérimentale a pris le pas sur la notion de vérité humaine au théâtre. L'identification au personnage principal,la dramatisation sont des procèdés désormais considérés comme suspects depuis le début du siècle. C'est ce que l'on a associé,à tort ou abusivement,conventions scèniques et conventions sociales. La vie,c'est du théâtre,mais le théâtre n'est pas non plus la vie. Mais que faut-il entendre lorsque l'on parle de réalité ou d'apparence au théâtre? Quelle est la valeur objective du jeu? En quoi peut-elle nous ramener objectivement,à notre je social? Le théâtre de situations sartriens prétent réconcilier images et vérité alors que les apparences scéniques ne sont habitullement appréciées que du point du vue de la simple vraisemblance. L'homme médiocre,sûr de ses droits,juge ces sortes de ferveurs irréalistes et idôlatres comme incapables de donner du sens et des valeurs concrètes au réel. Pourtant, l'espace dramatique peut signifier s'il nous renvoie aux apparences sociales,s'il sait nous montrer la consistance,aliénante, d'un système mystificateur. Il ne sert à rien de feindre l'ignorance. Le drame existentialiste athé sait imaginer l'action,sa nécessité, et les gestes des comédiens ne sont plus gesticulations mais présentations mythiques,manifestations authentiques de volontés subjectives en quête de sens,d'universelle singularité. Ce parti pris n'est pas seulement politique. Aussi,le théâtre engagé est pleine puissance positive. Par l'illusion,la vie des personnages n'est pas réduite au pur non-être. La situation modifie notre approche de la fiction. La noblesse du jeu vient à susciter,dans les esprits,le désir d'une émancipation véritable.

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Kalache, Mohamed Chafic el. "La problématique du théâtre dans sa relation avec la réalité vivante : l'exemple libanais." Paris 8, 1987. http://www.theses.fr/1988PA080211.

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Abstract:

Examiner la situation actuelle du theatre experimental populaire libanais, a travers les exemples revelateurs du theatre al-sindbad, al-hakawati et celui de ziyad rahbani, tel est le propos de cette these. Or, aborder l'experience specifique de ces trois troupes, revient a evoquer une forme dramatique qui se definit d'abord comme un renouement avec la culture du grand public, ses traditions et ses modes de vie, par la recherche ensuite des elements d'une reponse au role du theatre et a son utilite dans la vie sociale. Dans ce sens, le theatre al-hakawati constitue probablement l'experience la plus reussie au niveau de l'adaptation du theatre au langage populaire, - le mot langage etant pris ici dans son sens large, qui inclut le "gestus social" dont parle b. Brecht. Malgre sa specificite, cette experience peut cependant se rappor- ter a d'autres, locales ou internationales, qu'on qualifie du nom de "theatre reel", et dont le but est de depasser la notion de catharsis pour rechercher une authenticite esthetique et sociale au niveau du rapport du theatre avec son public. Notre demarche donne un apercu historique des formes libanaises du spectacle. Nous mettons plus particulierement l'accent sur la troupe al-hakawati, qui a essaye d'appliquer une de ces formes a l'art theatral. D'autre part, notre methodologie s'appuie sur l'analyse de l'oeuvre d'al-hakawati, en etablissant un parallele entre celle- ci et d'autres experiences locales et internationales ayant eu des tendances pour ainsi dire similaires et ayant affronte, chacune d'elles dans des conditions particulieres, une problema- tique qui n'etait pas forcement celle des autres
The thesis examines the contempory situation of popular experimental theatre in lebanon, through the revealing theatrical modes of al-sindbad, of al-hakawati, and that of ziyad rahbani. In analysing the particular accomplishment of these three groups it is essential to consider a dramatic form, definable first of all as a renewal of links with the popular culture in the wider sense, with its traditions and its ways of life; and second as a quest to provide elements of a response to the problematic of the rule of the theatre and its pertinence in social life. In this respect, the al-hakawati genre of theatre is probably the most successful initiative at the level of adaptation of the theatre to popular language (the term language here being understood in its broad sense, including here the "gestus social" of b. Brecht). In spite of its specificity, this initiative can be related to others, both local and international, in the traditions of "theatre of the real", where the common objective is to go beyond the notion of catharsis in search of social and esthetic authenticity at the level of the relationship of the theatre with its public. The study provides a historical perspective on the different modes of dramatic presentation in the lebanese tradition. Particular emphasis is placed on the al-hakawati troup, which has tried to apply one of these modes to theatrical art. Complementary to this histori cal aspect, the approach of the study is based on an analysis of the work of al-hakawati. A parallel is drawn between this activity and other local and international initiatives which show comparable tendencies in same respects although nevertheless not necessarily addressing it the same manner the problematic of the relation between the theatre and its public

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Pouget, Matthieu. "Projet CSN : premiers pas vers le cahier de scène numérique." Toulouse 2, 2010. http://www.theses.fr/2010TOU20061.

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Abstract:

Ce projet de thèse CSN (cahier de scène numérique) a pour finalité de créer un outil numérique qui puisse concrétiser un certain nombre de recherches déjà existantes. Il croise deux disciplines : les arts du spectacle et l’informatique. Il s'appuie sur les travaux des théâtrologues (les sémiologues du texte théâtral et de la scène, les généticiens du spectacle), et des informaticiens spécialistes de modélisation déclarative. Aucun support n'a rassemblé les différents aspects de la création théâtrale dont la mémoire est éparpillée, transmise sous différentes formes : livres de régie, cahiers de scène, annotations dans la marge des textes de théâtre, vidéos, photos du spectacle, croquis de costumes et de scénographie, supports numériques variés, etc. Le CSN propose des avancées techniques et technologiques s'organisant autour de trois grands modules, comprenant chacun un champ de recherche et de développement spécifique : le Module Texte (outil de travail sur les textes d'auteur et du metteur en scène), le Module 3D (outil de génération de scènes 3D issue des textes), le Module VAP (Vidéo, Audio, Photo) (outil permettant d'ajouter des informations non textuelles aux projets). L'enjeu du CSN, est de passer d'un artisanat, souvent revendiqué par les metteurs en scène « à l'ancienne » (croquis sur feuille, cahier de scène papier), à une modernisation du métier via les nouvelles technologies. De façon similaire à la création du métier de metteur en scène à la fin du XIXème siècle, qui avait pour fonction de coordonner les différents aspects d'un spectacle devenu de plus en plus complexe, il faut maintenant créer les nouveaux outils pour ce métier
This thesis on the project CSN and the creation of a “digital stage book,” aims to create a digital tool which makes possible the application of a number of previous studies. It crosses two fields: performing arts and computing. It is based on the works of theatrologists (both drama and theatre semiologists and geneticists of performance and staging) and computer specialists in declarative modeling. So far, it does not exist any medium compiling all the aspects of the theatrical creation, whose memory is not recorded a single whole but breaks into scattered pieces passed on under various forms: books of state control, stage books, notes in the margin of the dramatic texts, videos, photos of the performance, sketches of costumes and scenography, varied digital supports, etc. The CSN proposes technical and technological advances falling into three modules, each of them including a specific field of research and development: the Script Module (a working tool applied on the scripts by the author and the director), the 3D Module (a tool of 3D generation of scenes extracting from scripts), the VAP Module (Video, Audio, Photo) (tool enabling to add non-textual information to the projects). The issue at stake in the CSN is to transit from a form of handiwork, often claimed by directors belonging to the old school, (sketches on sheet, stage books in paper format), to a modernized conception of the job thanks to the new technologies. As it occurred at the end of the XIXth century with the renewal of the status of the stage-directior, whose function as coordinator of the various aspects of the show became more and more complex and was then conceived as a job in its own right, it is now necessary to create new tools to assist stage-directors and accompany the evolution of their jobs

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Tokmakov, Anatoly. "Le fantastique et la réalité dans les contes de Evguéni Schwartz (Evgenij Švarc) pour le théâtre." Caen, 2007. http://www.theses.fr/2007CAEN1484.

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Abstract:

Evgenij Švarc, dramaturge soviétique (1896-1958), est l'auteur de contes pour le théâtre écrits à l'époque stalinienne (Le Roi nu, L’Ombre, Le Dragon), qui oscillent entre le réel et le fantastique et qui ont dérouté tant les censeurs que les metteurs en scène et les critiques. Cette dimension « intermédiaire » est un facteur essentiel dans le processus de la production et de l’interprétation du texte. Son analyse permet la recherche de l’historicité du récit et la définition du rôle de l’élément surnaturel dans l’esthétique švarcienne. La présente thèse se développe selon trois directions principales qui sont : l’historique de l’écriture, la technique de la production textuelle et un essai d’interprétation qui nous conduit à l’analyse des intentions de l’auteur, celles de son texte et aussi celles du lecteur. Si la partie biographique sert principalement à éclairer le contexte socio-politique de la création et à illustrer l’évolution de l’auteur, l’analyse de la production et de la réception du texte a pour objectif d’établir un lien entre la structure interne de l’œuvre et ses significations. Il nous a paru nécessaire de diversifier les angles d’analyse car l’auteur n’a pas seulement renouvelé le genre figé du conte. Il a aussi développé une nouvelle écriture féerique qui se veut polémique. Bien que rédigés en URSS, les contes de Švarc ne sont pas en prise directe avec une doctrine spécifique et un contexte unique. Leurs messages acquièrent une dimension universelle, renouvelés par chacun des lecteurs

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Tayel, Noha. "La figure du serviteur dans le théâtre de regnard, étude sociocritique." Paris 8, 2011. http://www.theses.fr/2011PA084134.

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Abstract:

Cette recherche vise essentiellement à étudier l’image du serviteur dans le théâtre français de Jean-François Regnard. Ce dramaturge peu connu aujourd’hui était souvent comparé à Molière. Son œuvre négligée pendant longtemps mérite d’être mieux appréciée. A travers le personnage du serviteur, Regnard n’a pas seulement mis sur scène la condition domestique mais aussi l’inconscient collectif d’une société en pleine mutation. Nous avons choisi une démarche sociocritique afin de savoir dans quelle mesure cette image incarne la réalité sociale de cette époque. Toutefois, nous sommes consciente que le théâtre ne représente pas uniquement la réalité sociale mais également l’imagination de l’auteur. Nous cherchons à comprendre comment le théâtre de Regnard a pu (ou n’a pas pu) présenter la condition domestique. Quelle est la part d’objectivité à travers l’imagination de Regnard ? A travers ce long voyage dans le monde des serviteurs, nous avons essayé de dégager comment le théâtre a présenté les traits de la condition domestique. Nous avons également essayé également de comprendre le rapport entre les fonctions dramaturgiques du serviteur sur scène et leurs rapports avec la réalité. Une des questions fondamentales que nous avons posées est de savoir pourquoi le serviteur est souvent présenté sur scène comme un manipulateur tandis qu’en réalité, ce n’est qu’un être manipulé par la société. Notre corpus est composé des onze pièces de Regnard rédigées pour le théâtre français. Ce choix n’est pas arbitraire. Il est en rapport avec notre problématique. Dans ces pièces le serviteur joue un rôle primordial dans le déroulement de l’action l’accent étant mis sur sa condition de vie
The main objective of this study is to analyze the image of the butler in the French theater of Jean-François Regnard. This unknown playwright was compared to Molière. Hence, his unknown theater needs to be more appreciated. The servant in Regnard’s theater presents the condition of the domestic people in reality. He/she represents the subconscious of the society. Our tool of research is social criticism. We want to know how this image represents the society in this century. But we are aware that not only does the theater represent the real society, but also it represents the imagination of the other. Furthermore, we want to depict whether Regnard’s theater was able or unable to authentically portray the condition of the domestic people. Was Regnard objective in his representation? Throughout this long journey in the world of servants, we have attempted to know how the theater represents their condition. Moreover, we have endeavored to understand the link between the dramatic function of the servant in the theater and in reality. One of the fundamental questions in our research is to know why the servant was portrayed as a manipulator. Whereas in reality, he/she is a person who is manipulated by society. My thesis examines eleven plays which were written to the French theater. This choice is not random as it is pertinent to our research question. In those plays, the servants play an important role in the action and present the condition of their life in this century

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Ahmad, Jdid Farah. "Le design interactif et l'interaction comme un futur scénario de la scénographie numérique pour le spectacle vivant et le théâtre (Du spectateur au ₀ spect-acteur ε)". Thesis, Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080061.

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Abstract:

Cette thèse met en valeur la grande évolution de l’art de la mise en scène et étudie la relation décor-technologie numérique du point de vue du design. Parmi les technologies numériques dont la scénographie fait l’usage, nous choisissons la technologie de la RV (réalité virtuelle) en tant qu’outil permettant de créer le décor au théâtre et pouvant enrichir la présence du spectateur. La préoccupation donc dès le début de notre recherche était de savoir comment enrichir le sentiment de présence chez le spectateur au décor d’un art théâtral. Il est très important pour nous de réussir à créer ce décor théâtral dans lequel le spectateur devient un acteur ou plutôt un «Spect-acteur ».Les nombreux avis qui s'opposent à l’intégration de la technologie de la RV au théâtre donnent des arguments liés au danger de l’immersion. Notre thèse met en lumière l’interaction comme une deuxième caractéristique fondatrice de la RV contrebalançant la passivité de l’immersion. Puis, nous abordons largement le sujet du design interactif.En vue de créer donc une vision sur le monde de la mise en scène de demain, nous adaptons le récit d’Alice au pays des merveilles pour créer notre projet Aider Alice. Celui-ci permet aux « Spec-acteurs » d’échanger avec les éléments virtuels d’une animation interactive dans le cadre d'un jeu vidéo collaboratif. Un groupe de trois participants, à chaque passage, contribue à changer le point de vue sur le décor ainsi qu’à choisir sa couleur. Nous considérons que la scène médiatisée crée un sentiment de présence chez l’ensemble du public alors que l’interaction est la clé qui enrichit ce sentiment chez les «Spect-acteurs »
This thesis highlights the great evolution of the art of staging and studies the relationship between the scenery and the digital technology from the standpoint of design. It focuses on its role in the future of the scenography. The scenography is used among the digital technologies; we choose the "VR"virtual reality technology as a tool to create the scenery of the theatre to enrich the viewer's presence. The concern from the beginning of our research was about; how to enhance the sense of presence in the viewer to the decor of a theatrical art.It is very important for us to succeed in creating a theatrical setting in which the spectator becomes an actor or rather a “Spect- actor”. Research has highlighted a few examples that used the virtual technology in the scenography. We then tackle the critiques of this technology made by researchers in the theatre. Many opinions that oppose the integration of this technology in theatre give arguments related to the danger of the immersion. The thesis highlights the interaction as a second founding characteristic of the "VR" offsetting the passivity of immersion. Then we approach the subject of the interactive design.In order to create a vision of the world of the staging in the future, we adapt the story of Alice in Wonderland to create our project Helping Alice. This allows spec-actors to interact with virtual elements of an interactive animation within a framework of collaborative video game. A group of 3 “Spect- actors” everyone participate to change the view of the scenery but also to choose the colour. We consider that the mediatized scene creates a sense of presence among the public so that interaction is the key that enriches the received feeling

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Marchais, Sarah. "La fictionnalisation du spectateur : fabrique et critique de l'imaginaire du capitalisme dans le théâtre contemporain." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2021. http://www.theses.fr/2021PA080029.

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Abstract:

La Fictionnalisation du spectateur interroge des dispositifs scéniques reposant sur le concept d'intégration du spectateur à la représentation par le biais d'une insertion fictionnelle, donnant lieu à des spectacles souvent immersifs et/ou participatifs. Elle interroge les frontières de la fiction théâtrale, de la capacité spectatrice ainsi que leurs portées politiques. Elle permet de confronter l'esthétique de certains dispositifs immersifs de théâtre avec les mutations et l'imaginaire du capitalisme contemporain. Au croisement de différents champs disciplinaires, cette recherche méta-création a été élaborée à partir d'une réflexion pratique de trois spectacles de notre compagnie Le Mot Nu Ment, intégrant la dimension du processus de création. Chaque spectacle a engendré une figure spectatorielle, reliée à un enjeu politique : le Spectateur Augmenté, invitant à une immersion fictionnelle via les nouvelles technologies, reprenant les codes du capitalisme cognitif ; le Spectateur Sensible, proposant une contre-critique du modèle attentionnel, par une tentative de décroissance de l'attention ; et le Spectre-Acteur, reprenant des codes d'alertes, de servitude et de domination. Ces figures fictionnalisantes sont illustrées par un corpus de spectacles contemporains occidentaux et majoritairement européens, visibles sur les scènes de théâtre public des artistes Rimini Protokoll, Zecora Ura, Clyde Chabot, Marcus Borja, Vlad Troitsky et Lotte van den Berg. La fictionnalisation du spectateur propose d'étudier les mutations de la fiction et du spectateur, comme insufflant de nouveaux états d'être au monde
The spectator’s fictionalization is a study of theater performances that integratethe spectator in the scenic representation thanks to a fictional insertion that transforms the play into an immersive or participative form. It looks at borders of drama fiction and spectator capacities through political reach. It leads to a confrontation between the aesthetic of theatrical performances and all the mutations of capitalism’s imagination. This research, called meta-creation, appeals to a disciplinary hybridization and takes source in a practical thinking with three performances of our company Le Mot Nu Ment, integrating the creation process. Each performance inspires the elaboration of a spectator figure, related to a political stake: the Augmented Spectator, asking to a fictional immersion with new technologies, using cognitive capitalism codes; the Sensitive Spectator, suggesting another critic of attentionnal models through a slow down proposal for the attention; and the Spectr-actor, recreating a threat system, through servitude and domination of the capitalist society. Those shapes of spectator’s fictionalization are illustrated by contempory occidental and mostly European performances forming a corpus of examples that are visible on Public Theatre stages such as: Rimini Protokoll, Zecora-Ura, Clyde Chabot, Marcus Borja, Vlad Troitsky and Lotte Van den Berg. The spectator's fictionalization is asking of fiction and spectator moving borders, as new states of being in the World

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Francois, Paul. "Outils de Réalité Virtuelle pour l'histoire et l'archéologie. Recherche, diffusion, médiation : le cas des théâtres de la Foire Saint-Germain." Thesis, Ecole centrale de Nantes, 2021. http://www.theses.fr/2021ECDN0021.

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Abstract:

De même que les technologies numériques ont profondément modifié la manière dont se pratiquent les humanités, la réalité virtuelle promet d’être un outil de travail incontournable dans le futur. Cette thèse s’intéresse aux potentiels de l’immersion en réalité virtuelle pour les historiens et les archéologues en proposant une méthode de travail adaptée, la rétro-architecture, et un composant logiciel : PROUVÉ. Ensemble, ils transforment la réalité virtuelle en un moyen de recherche, de diffusion et de médiation apte à offrir une expérience immersive à une grande diversité d’usagers. Cette expérience se veut ludique tout en maintenant les standards de la communauté scientifique en matière de partage d’hypothèses et de traçabilité des sources
Just as digital technologies have profoundly changed the way the humanities are practiced, virtual reality promises to be an essential work tool in the future. This thesis focuses on the potential of virtual reality immersion for historians and archaeologists by proposing an adapted working method, called reverse-architecture, and a software component: PROUVÉ. Together, they transform virtual reality into a means of research, dissemination and mediation able to offer an immersive experience to a wide variety of users. This experience is meant to be entertaining while maintaining the standards of the scientific community in terms of hypothesis sharing and source traceability

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Ahmad, Jdid Farah. "Le design interactif et l'interaction comme un futur scénario de la scénographie numérique pour le spectacle vivant et le théâtre (Du spectateur au ₀ spect-acteur ε)". Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080061.

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Abstract:

Cette thèse met en valeur la grande évolution de l’art de la mise en scène et étudie la relation décor-technologie numérique du point de vue du design. Parmi les technologies numériques dont la scénographie fait l’usage, nous choisissons la technologie de la RV (réalité virtuelle) en tant qu’outil permettant de créer le décor au théâtre et pouvant enrichir la présence du spectateur. La préoccupation donc dès le début de notre recherche était de savoir comment enrichir le sentiment de présence chez le spectateur au décor d’un art théâtral. Il est très important pour nous de réussir à créer ce décor théâtral dans lequel le spectateur devient un acteur ou plutôt un «Spect-acteur ».Les nombreux avis qui s'opposent à l’intégration de la technologie de la RV au théâtre donnent des arguments liés au danger de l’immersion. Notre thèse met en lumière l’interaction comme une deuxième caractéristique fondatrice de la RV contrebalançant la passivité de l’immersion. Puis, nous abordons largement le sujet du design interactif.En vue de créer donc une vision sur le monde de la mise en scène de demain, nous adaptons le récit d’Alice au pays des merveilles pour créer notre projet Aider Alice. Celui-ci permet aux « Spec-acteurs » d’échanger avec les éléments virtuels d’une animation interactive dans le cadre d'un jeu vidéo collaboratif. Un groupe de trois participants, à chaque passage, contribue à changer le point de vue sur le décor ainsi qu’à choisir sa couleur. Nous considérons que la scène médiatisée crée un sentiment de présence chez l’ensemble du public alors que l’interaction est la clé qui enrichit ce sentiment chez les «Spect-acteurs »
This thesis highlights the great evolution of the art of staging and studies the relationship between the scenery and the digital technology from the standpoint of design. It focuses on its role in the future of the scenography. The scenography is used among the digital technologies; we choose the "VR"virtual reality technology as a tool to create the scenery of the theatre to enrich the viewer's presence. The concern from the beginning of our research was about; how to enhance the sense of presence in the viewer to the decor of a theatrical art.It is very important for us to succeed in creating a theatrical setting in which the spectator becomes an actor or rather a “Spect- actor”. Research has highlighted a few examples that used the virtual technology in the scenography. We then tackle the critiques of this technology made by researchers in the theatre. Many opinions that oppose the integration of this technology in theatre give arguments related to the danger of the immersion. The thesis highlights the interaction as a second founding characteristic of the "VR" offsetting the passivity of immersion. Then we approach the subject of the interactive design.In order to create a vision of the world of the staging in the future, we adapt the story of Alice in Wonderland to create our project Helping Alice. This allows spec-actors to interact with virtual elements of an interactive animation within a framework of collaborative video game. A group of 3 “Spect- actors” everyone participate to change the view of the scenery but also to choose the colour. We consider that the mediatized scene creates a sense of presence among the public so that interaction is the key that enriches the received feeling

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Béhague, Emmanuel. "L'Ecriture dramatique contemporaine allemande et la question de l'ancrage dans la réalité : Possibilité et modalités d'un théâtre politique après la réunification." Strasbourg 2, 2002. http://www.theses.fr/2002STR20040.

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Abstract:

L'étude entreprise ici se propose d'interroger l'écriture dramatique allemande des années 90 dans son rapport avec la réalité contemporaine. Avec l'irruption, après la réunification, d'un contexte politique, économique et social nouveau naît en effet l'attente d'un théâtre qui serait le lieu d'un discours critique sur les bouleversements qui traversent la société. La question qui se pose est donc celle de savoir si les auteurs dramatiques répondent à cette attente, et par quels biais esthétiques : un "théâtre politique" est-il encore possible aujourd'hui, dans un contexte de défiance vis-àvis des grands modèles d'explication du monde ? Les textes sont donc envisagés ici tant en ce qu'ils sont déterminés par le contexte de leur apparition, et en particulier celui du système théâtral allemand, que dans leur autonomie, dans le sens de la double dimension que confère T. W. Adorno à l'oeuvre d'art. A partir de l'examen de la production dramatique sur la période, et une fois avérée la caducité des définitions traditionnelles du "théâtre politique" dans le contexte contemporain, il est possible de dégager trois approches d'un positionnement critique de l'écriture pour le théâtre par rapport à la réalité contemporaine, trois modalités d'une dimension politique de cette écriture. La première, empruntant les voies d'une certaine forme de réalisme, est ici désignée sous le terme de "théâtre de la monstration". S'en distingue nettement, tant par l'ampleur de ses enjeux critiques que par l'intégration d'une dimension historique, une seconde démarche, qui met en scène l'expérience individuelle d'un sujet balloté ́par l'histoire. Enfin, la troisième approche se caractérise par une problématisation plus radicale de la notion même de "réalité"́ et de la perception de celle-ci, ce qui se traduit par une remise en question des formes mêmes du texte dramatique
The study undertaken here aims at analyzing the impact of contemporary reality on German drama in the 1990s (or last decade of the 20th century). The emergence of a new political, social and economic context caused by reunification called for a theatre that allows critical discourse on the radical changes throughout society. The fundamental question is thus whether writers of drama respond to these expectations and which aesthetic means are used. Can political theatre still be effectively used at times of general defiance towards the great theories of explaining the world ? The dramatic texts are examined both by investigating the influence of the socio-economic and political conditions- in particular within the German theatrical setting- at times of their publication as well as by looking at the textual autonomy in the sense of the double dimension that T. W. Adorno attributes to a piece of art. Through the examination of a representative number of dramatic productions of this period while discussing whether traditional definitions of the political theatre are still valid, it is possible to extort three critical positions within drama with regard to reality ; three modalities of the political dimension within dramatic literature. Drawing upon the tradition of the forms of realism, the first modality is denoted here as THEATRE DE MONSTRATION. The next one distinguishes itself learly through the integration of a historical dimension which dramatizes the personal experience of an individual deeply rooted in his historical context. Finally, a third form can be distinguished and is characterized by a far more radical notion of "reality" as well as the perception thereof which leads to questioning the traditional forms of dramatic texts

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Allen, Jeremy Peter. "La narration casse-tête: construction de récits complexes au cinéma et au théâtre au moyen de multiples variantes d'une même réalité." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28038.

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Abstract:

Dans le cadre d'une maîtrise en recherche création, j'ai voulu explorer comment la juxtaposition de variantes d'une même réalité, approche narrative que j'emploie dans ma pratique cinématographique, peut s'appliquer dans une production théâtrale. L'essai qui suit témoigne de ce voyage exploratoire, en partant de ma discipline habituelle, le cinéma, pour aller vers un nouveau territoire de création, celui du théâtre. Le texte de la pièce Frozen, de l'auteur britannique Bryony Lavery, a servi de point de départ pour la recherche. Au cours de deux laboratoires au LANTISS (Laboratoire des nouvelles technologies de l'image, du son et de la scène) à l'Université Laval, mes collaborateurs et moi avons expérimenté avec diverses approches et techniques, empruntés tant du monde du théâtre que de celui du cinéma, pour développer une proposition d'écriture scénique qui intègre l'idée des multiples variantes d'une même réalité. À l'origine, cette proposition d'écriture scénique représentait la finalité de mon projet de maîtrise, mais en cours de recherche le Théâtre de la Bordée s'est intéressé au travail et m'a proposé d'intégrer la pièce dans sa programmation régulière. J'ai donc pu présenter le fruit de mes expérimentations à un large public, dans le cadre d'une production montée dans un théâtre institutionnel de Québec. Le présent texte fait d'abord état des résultats des recherches après la phase des laboratoires, mais avant les représentations publiques à la Bordée. Il examine ensuite comment ces résultats ont pu être appliqués dans le contexte d'une production véritable.

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Billaut, Manon. "André Antoine, metteur en scène de la réalité. Une expérimentation appliquée au cinéma (1915-1928)." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA170.

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Abstract:

Célèbre dans l’histoire du théâtre pour avoir fondé en 1887 le Théâtre-Libre et ainsi révolutionné la mise en scène moderne, André Antoine a consacré la dernière partie de sa vie au cinéma, tournant huit films entre 1915 et 1922 pour la Société cinématographique des auteurs et gens de lettres, puis pour la Société d’éditions cinématographiques, avant de se consacrer à la critique, dramatique et cinématographique, dans plusieurs journaux. Cette dernière partie de sa vie laissa peu de traces dans l’histoire du cinéma et ses films, comme ses critiques et textes théoriques sur le cinéma, sont encore méconnus. Inspiré par les théories naturalistes d’Émile Zola, Antoine appliqua au nouvel art une méthode rigoureuse reposant sur l’expérience du milieu. Il se heurta ainsi aux tendances avant-gardistes qui gagnèrent le cinéma au début des années 1920. Or, c’est l’intérêt de cette valeur expérimentale de son cinéma, où priment la recherche, l’observation et l’expérience, que cette thèse met en lumière, en montrant les réseaux de convergence entre la méthode singulière d’Antoine et les pratiques et discours qui animèrent le cinéma au tournant de la Première Guerre mondiale, moment clef de sa légitimation en tant qu’art. Cette étude repose sur une analyse approfondie des films d’Antoine, de ses archives personnelles, des archives de production, et des nombreux écrits qu’il a produits sur le cinéma, entre 1915 et 1928, année de rupture dans un combat pour la reconnaissance de l’auteur de film qui opposa le metteur en scène aux cinéastes de la Première vague
André Antoine’s place in theatre history is earned through his 1887 founding of the Théâtre-Libre and revolutionizing of modern mise en scène, but it is cinema that occupied the last part of his life as he made eight films between 1915 and 1922 for the Société cinématographique des auteurs et gens de lettres (“Film Society of Authors and Men of Letters”) and then for the Société d’éditions cinématographiques (“Society of Film Editions”), before devoting himself to theatre and film critic in several newspapers. These late years left few traces in film history, and both his films and his critical and theoretical writings remain largely unknown. Inspired by Emile Zola’s naturalist theories, Antoine took to the new art form a rigorous method based on the experience of environment. He clashed with avant-garde trends which were making their way to cinema in the early 1920s. This thesis highlights the experimental value of Antoine’s cinema, which gives a special role to research, observation and experience, by demonstrating the convergence of his special method with practices and discourse animating cinema at the turn of the World War I, a key moment of its legitimation as an art form. This study is based on in-depth analysis of Antoine’s films, his personal archives, production notes, as well as numerous texts he wrote on cinema between 1915 and 1928, the climactic year in the struggle for authorship recognition between Antoine and filmmakers of the First avant-garde

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Barriault, Yoan. "L'écho d'un peuple, entre réalité et fiction : le "pageant scénique" comme médium du discours identitaire franco-ontarien." Thesis, Université d'Ottawa / University of Ottawa, 2015. http://hdl.handle.net/10393/33382.

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Abstract:

Depuis le Pageant du tricentenaire de la ville de Québec, qui a eu lieu en 1908, plusieurs spectacles historiques à grand déploiement ont été créés au Canada français, et particulièrement au Québec, et ce, jusqu’aux années 1960. Ces spectacles populaires et amateurs, souvent créés dans le cadre de festivités célébrant des anniversaires de fondation de localités ou d’établissements scolaires ou religieux, connurent ensuite un déclin, pour revenir en force à partir de la fin des années 1980. Présenté de 2004 à 2008 dans la ville de Casselman, en Ontario, le spectacle L'écho d'un peuple est l’un des plus importants représentants contemporains de ce genre théâtral et s’avère, par sa forme et son contenu, différent des autres productions de ce genre. Ce mémoire vise à démontrer que L’écho d’un peuple véhicule un discours identitaire fondé sur la grandeur des origines par le biais d'une forme spectaculaire particulièrement apte à la transmission d’un discours épique. Le premier chapitre présente l’historique du spectacle, de sa création jusqu’à sa dissolution, alors que le deuxième chapitre démontre son appartenance au genre du « pageant scénique », une forme théâtrale très utilisée dans les spectacles historiques à grand déploiement produits durant la première moitié du XXe siècle. Les troisième et quatrième chapitres, qui proposent une analyse des composantes temporelles et spatiales du spectacle, démontrent que les événements historiques privilégiés par la trame narrative contribuent à construire un discours historique fondé sur la grandeur des origines de l’Ontario français, ponctué d’exploits accomplis par des héros évoluant sur un territoire spécifiquement franco-ontarien.

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Billon, Ronan. "Modèle d’interaction gestuelle entre humain et acteur de synthèse dans un contexte de théâtre virtuel." Brest, 2010. http://www.theses.fr/2010BRES2026.

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Abstract:

Ce travail de thèse se situe dans le cadre général de la communication et de l’interaction en environnement de réalité virtuelle. Nous nous intéressons particulièrement à la communication non-verbale entre l’humain et un acteur virtuel autonome. Nos travaux se positionnent dans un contexte d’interaction gestuelle qui soit la plus naturelle possible. Notre problématique consiste alors à percevoir et reconnaître un geste ou une séquence de gestes en temps-réel. Dans ce contexte, nous proposons de mettre en oeuvre un modèle de reconnaissance gestuelle efficace. Il existe actuellement de véritables difficultés pour créer une analyse de la dynamique des gestes. Les travaux issus de l’état de l’art décrit reposent sur la transcription des gestes en symboles. Un systéme de reconnaissance efficace devra répondre à un apprentissage simple, une reconnaissance temps-réel, une segmentation automatique du flux de mouvements, une extensibilité de la base de gestes aisée. Notre proposition est de fonder le notre sur une gestion de signature de geste. Nous montrons que grâce à une technique de compression basée sur I’ACP et une représentation géométrique appropriée, nous obtenons une image du geste contenant les informations nécessaires pour le caractériser et ainsi faciliter la comparaison avec l’observation temps-réel du flux continu. Nous introduisons une nouvelle technique de segmentation du flux associant la signature à un modèle d’agents. Nous avons appliqué avec succès nos travaux à une évaluation en condition de laboratoire puis devant un public dans un contexte de théâtre virtuel basé sur un scénario de Capoeira
This work takes place in the general framework of communication and interaction in virtual reality environment. We are particularly interested in the nonverbal communication between humans and autonomous virtual actor. We position our work in the field of gesture interaction that is as natural as possible. Then, our problematic is to perceive and recognize a gesture or a sequence of gestures in realtime. In this context, we search to implement an effective model of gesture recognition. There are currently difficulties on the analysis of dynamic gestures. All studies from the state of the art described in this thesis refer all on the transcription of gestures into symbols. An effective recognition system should respond to: quick and easy learning stage; real-time recognition; automatic segmentation of the flow of movements; scalability of the database. To our knowledge, no system meet all these characteristics simultaneously. Our proposal is to base our model on gesture signature. This summerize the essence of the gesture. We show that using a compression technique based on PCA and a proper geometric adjustement we can compute a representation containing the information needed to characterize the gesture and faciitate the comparison with the observation of real-time flow. We introduce a new technique for segmenting the real-time flow based on the combination of the signature and an agent model. We applied our work, with success, on laboratory conditions evaluations and then in front of an audience in a play based on a Capoeira script in a theater

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Prudhon, Déborah. "Entre réel et fiction : les nouveaux théâtres anglais contemporains." Thesis, Sorbonne université, 2020. http://accesdistant.sorbonne-universite.fr/login?url=http://theses.paris-sorbonne.fr/2020SORUL093.pdf.

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Abstract:

Notre société contemporaine est à la fois qualifiée de « nouvel âge de la fiction » (Anne Besson) et caractérisée par une « faim de réalité » (David Shields). En quoi cette tension contradictoire se reflète-t-elle sur la scène théâtrale, lieu par excellence de cohabitation féconde du réel et du fictionnel ? L’analyse s’articule autour de trois « nouveaux » théâtres de la scène contemporaine anglaise qui permettent, à travers des formes et modalités qui leur sont propres, de repenser le lien entre l’univers de fiction et la réalité extrathéâtrale. Le théâtre verbatim importe sur sa scène les paroles de personnes « réelles ». Le théâtre performatif de Tim Crouch joue avec les cadres réels et fictionnels pour venir troubler la distinction entre l’« ici et maintenant » partagé par les acteurs et les spectateurs, et les différents lieux et temporalités de la fiction qui s’y superposent. Quant aux spectacles de la compagnie Punchdrunk, figure de proue du théâtre immersif, ils débordent du cadre de la scène pour investir un espace immense – une véritable « fiction-monde » que le public est invité à explorer à sa guise. Cette thèse vise ainsi à montrer en quoi la tension fondamentale entre réalité et fiction qu’explorent ces divers dispositifs théâtraux refonde les codes esthétiques et dramaturgiques de la scène contemporaine anglaise et vient bousculer les paradigmes de réception conventionnels
The society we live in is both described as a “new age of fiction” (Anne Besson) and characterised by a “reality hunger” (David Shields). How is this conflicting tension reflected on the theatre stage, the place par excellence where reality and fiction coexist? This analysis focuses on three “new” theatres of the contemporary English stage which allow us, through their own forms and modalities, to consider anew the relationship between the fictional world and the extratheatrical reality. Verbatim theatre imports the words of “real” people onto its stage. Tim Crouch’s performative theatre plays with real and fictional frameworks in order to blur the distinction between the “here and now” that actors and spectators share, and the fictional “there and then” that is superimposed onto it. As for the shows by Punchdrunk, the figurehead company of immersive theatre, they go beyond the limits of the stage and spread out into huge spaces – a world-fiction that the audience is invited to inhabit and explore as they please. This thesis seeks to show how the fundamental tension between reality and fiction explored by these various theatres takes the aesthetic and dramaturgical codes of the contemporary English stage in a new direction and disrupts the traditional paradigms of spectatorship

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Urban, Marie. "Expériences documentaires et création théâtrale : processus de création, réalités, dramaturgies et dimensions politiques des arts de la scène germanophone d'aujourd'hui." Thesis, Aix-Marseille, 2019. http://www.theses.fr/2019AIXM0594.

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Abstract:

Le nombre de formes théâtrales se basant sur des recherches documentaires a considérablement augmenté ces dernières années dans l’espace germanophone. Les œuvres explorées sont complexes, fragmentées, souvent caractérisées par une porosité entre réalité et fiction. Cette étude explore la manière dont les pratiques documentaires actuelles s’ancrent dans le réel en développant notamment de nouvelles formes de participation durant les processus créatifs. Bien qu’il existe une filiation avec le « théâtre documentaire » provenant d’une tradition théâtrale historique en Allemagne, ce terme n’est plus adapté à la diversité des pratiques et des esthétiques documentaires actuelles. En effet, l’expérience est aujourd’hui au cœur de ces pratiques qui se fondent sur l’échange, l’investigation et s’inscrivent dans la durée. Nous mettons en valeur l’émergence d’esthétiques journalistiques, la production d’un savoir inédit et le déplacement du politique au théâtre à travers les pratiques documentaires d’aujourd’hui. Un aspect central du travail consiste à observer les liens entre les pratiques, les méthodes de production et les dramaturgies dans un corpus d’œuvres constitué de récits biographiques. Les transformations à la fois sociales et esthétiques générées par ces pratiques réinventent les théâtralités, réinterrogent l’Histoire et présentent des identités en mouvement
The number of theatrical forms based on documentary research has increased considerably in recent years in the German-speaking world. The works explored are complex, fragmented, often characterized by a porosity between reality and fiction. This study explores how current documentary performances are rooted in reality, especially when developing new forms of participation during creative processes. Although "documentary theatre" is part of a tradition in Germany, this expression is no longer appropriate to the diversity of current documentary practices and aesthetics. Indeed, the experience is now at the heart of these practices, which are based on social exchanges, investigation and long-term process. We highlight the emergence of journalistic aesthetics, the production of a new knowledge and the displacement of politics in theatre through today's documentary practices. A central aspect of the work is to observe the relationship between practices, production methods and dramaturgies in a corpus consisting of biographical accounts. The social and aesthetic transformations generated by these practices reinvent theatricality, interrogate history and presents shifting identities

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Chuliá, Jordán Alejandra. "Fernando Arrabal et le théâtre panique en France : modèles artistiques et devenir scénique." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA117.

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Abstract:

Cette approche de recherche sur Fernando Arrabal et le théâtre panique pointe une période circonscrite à l’œuvre théâtrale du dramaturge dite « panique ».L’objet de cette thèse cherche donc à essayer de comprendre la théorie panique (la mémoire, le hasard et la confusion) ainsi qu’une thématisation sur les différents modèles artistiques de ses pièces paniques et l’influence arrabalienne dans le devenir scénique d’aujourd’hui. L’étude part d’une nouvelle esthétique théâtrale baroque allant du texte à la scène ainsi que de la stratégie utilisée par l’écrivain dramaturge dans ces pièces appelée la cérémonie panique.La problématique centrale est celle de la perception esthétique et cathartique qui plonge le spectateur vers la confusion de la scène et de la vie. Le panique suivant la théorie artauldienne fusionne la réalité et le cauchemar. L’individu est confronté au chaos de la vie jusqu’à la fin tragique de la mort.La dramaturgie arrabalienne mène l’écrivain sur un double questionnement, celui de la quête de la gloire, de l’identité avec la réalité à travers la connaissance de soi et du monde mais aussi aux peurs que cela provoque. La représentation de ce théâtre plonge le spectateur dans un véritable choc émotionnel. Le théâtre panique de Fernando Arrabal est un théâtre universel, mais aussi un théâtre de l’extrême, qui va à l’encontre de la vérité, de la liberté et de la panique. Une panique individuelle et collective qui à travers un théâtre total fait éclater la raison et les carcans sociétaux cherchant un monde meilleur. L’écrivain est d’autant plus d’actualité que la triste réalité nous confronte au théâtre panique
This approach to the research on Fernando Arrabal and the panic theater points out to a specific and limited time of the playwright’s theatrical work called "panic".The aim of this thesis is therefore to try to understand the panic theory (memory, chance and confusion) as well as a thematization on the different artistic models of these panic plays and the Arrabalian influence on the scenic future of today. The study begins with a new baroque theatrical aesthetics ranging from text to scene and from the strategy used by the playwright in these panic plays called the panic ceremony.The central problem is that of the aesthetic and cathartic perception that plunges the viewer into the confusion of the scene and of life. The panic following the Artauldian theory merges reality and nightmare. The individual is confronted with the chaos of life until the tragic end of death.The Arrabalian dramaturgy leads the writer on a double questioning, that of the quest for glory, of identity with reality through the knowledge of the self and of the world, but also that of the fears it fathers. The representation of this theatre plunges the viewer into a real emotional shock. The panic theater of Fernando Arrabal is not only a universal theatre, but also a theatre of the extreme, which goes against the truth, freedom and panic. An individual and collective panic which, through a complete theater, is breaking out reason and social contraints, and also looking for a better world. The writer is all the more topical as the sad reality confronts us with panic theater

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Regnaut, Noémie. "Les chiffonniers de l’image. Usages et présences de la photographie documentaire dans les écritures théâtrales contemporaines." Electronic Thesis or Diss., Paris 3, 2025. http://www.theses.fr/2025PA030007.

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Abstract:

Cette recherche en études théâtrales se propose de faire un état des lieux des usages et présences de la photographie documentaire dans les écritures théâtrales contemporaines. A travers un corpus de six pièces, écrites entre 2010 et 2022, elle analyse les différentes traductions possibles de cet intêret inédit pour la photographie documentaire dans le champ des écritures théâtrales françaises, intérêt qui s’inscrit plus largement dans une « passion pour le réel » (S. Zizek) déjà identifiée dans le champ artistique et littéraire. Qu’il s’agisse de discours portés sur l’activité photographique, placés dans la bouche de certains personnages, de l’utilisation de la photographie comme matériau pour l’écriture, ou de l’expression d’un imaginaire photographique dans les pièces, la photographie documentaire irrigue les gestes d’écriture de nos auteurs et se dissémine, de manière matérielle ou immatérielle, dans les textes. Ce travail s’inscrit dans une perspective intermédiale et tente, en mobilisant des concepts appartenant également aux études visuelles, de cartographier ce soudain intérêt pour la photographie au théâtre : que vient-il dire, par la voix des auteurs, de notre monde submergé d’images ? Comment l’écriture dramatique permet-elle de mettre en scène les pratiques photographiques, à l’heure des nouvelles technologies de communication et de l’avènement des réseaux sociaux ? La scène peut-elle être le lieu d’un certain renouvellement de nos représentations et nous (ré)apprendre à « voir le voir », pour citer le critique d’art John Berger ?Cette étude explore ainsi les pratiques visuelles contemporaines et la manière dont celles-ci, réinterrogées par les auteurs, peuvent à la fois (se) jouer (de) la trace, être pamphlet et poème, et éventuellement donner, par les déploiements de l’image sur la scène théâtrale, voix et corps aux subalternes
This research in theater studies aims to survey the uses and presence of documentary photography in contemporary theatrical writings. Through a corpus of six plays, written between 2010 and 2022, it analyzes the various interpretations of this unprecedented interest in documentary photography within the field of French theatrical writing, an interest that is part of a broader “passion for the real” (S. Zizek) already identified in the artistic and literary fields. Whether it is characters’ dialogues about photographic activity, the use of photography as material for writing, or the expression of a photographic imagination within the plays, documentary photography permeates the writing gestures of these authors and disperses, materially or immaterially, throughout the texts. This work adopts an intermedial perspective, drawing on concepts from visual studies to map this sudden interest in photography within theater : what does it reveal, through the voices of playwrights, about our image-saturated world? How does dramatic writing stage photographic practices, in an age of new communication technologies and the rise of social networks ? Can the stage become a site for renewing our representations, teaching us to “see seeing,” as art critic John Berger put it ? This study thus explores contemporary visual practices and the ways in which these practices, re-examined by the authors, can simultaneously play with traces, serve as both pamphlet and poetry, and, through the unfolding of images on the theatrical stage, potentially give voice and presence to the « subaltern » (G.C. Spivak)

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Ballay, Jean-François. "Disparition de l'homme et machinerie humaine sur le scène contemporaine. Denis Marleau, Heiner Goebbels, Jean-François Perret." Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030116.

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Abstract:

L’acteur est-t-il l’objet d’une nouvelle mise en cause radicale, un siècle après Maeterlinck, Jarry et Craig ? La discussion prend aujourd’hui une tournure inédite. Il ne s’agit plus d’écarter l’homme de la scène pour le remplacer par une marionnette idéale. Les acteurs artificiels, avatars, robots et autres doubles, semblent désormais pouvoir devenir autonomes. La question n’est pas seulement : qu’est-ce qui manque, lorsque l’acteur manque ? Mais aussi, qu’est-ce qui ne manque pas ? Pour étudier ce sujet, cette thèse s’appuie sur trois œuvres qui ont fait événement à l’orée du XXIe siècle : Les Aveugles de Denis Marleau, Stifters Dinge de Heiner Goebbels, et Re : Walden de Jean-François Peyret. Elle introduit la conjecture anthropologique d’une « disparition » de l’homme. Expression problématique, qui est à entendre de prime abord au sens d’un retrait ou d’une instrumentation de l’acteur, mais qui sous-tend en arrière-plan d’autres enjeux : brouillage des frontières entre vivant et artificiel, perte du lien au monde, déclin de l’humanisme, effondrement écologique. Si l’homme devait disparaître, c’est peut-être au théâtre qu’il résisterait le plus longtemps à sa disparition. Mais la proposition peut s’inverser : n’est-ce pas là qu’il ne cesse de s’effacer avec le plus d’ostentation, jouant depuis toujours avec les oppositions apparence / réalité, apparition / disparition ? La thèse explore ces problématiques, en s’intéressant aussi bien à la scénographie, à la dramaturgie, à la relation acteur spectateur, et aux nouvelles machines qui transfigurent le dispositif scénique en une anamorphose visuelle, sonore, éminemment troublante, de l’être humain en train de disparaître
Is the actor thrown back into doubt again, one century after Maeterlinck, Craig and Jarry ? The topic happens to be brought up to date. But the purpose is no longer to get rid of the actor, so that he could be replaced by puppets. Artificial actors, like avatars, robots and other doubles, are likely to get their autonomy soon, on stage. The question is not only : what is missing, when the actor is missing ? But also, what is not missing ? This thesis is based upon three performances that stroke the minds on the first decade of the 21st century : Les Aveugles by Denis Marleau, Stifters Dinge by Heiner Goebbels, and Re :Walden by Jean-François Peyret. Our conjecture is about human disappearing on stage, with a special focus on anthropological aspects. The notion of « disappearing » means, at first sight, the withdrawing of actors, but we show that other deep challenges stand in the background : body instrumentation, interferences between life and artificial, disconnection to the phenomenal world, mankind decline and ecological disasters. If the human being is supposed to disappear soon, it’s probably on theatre stage that he will stand for a while. At the same time, isn’t it on stage that he has been playing for ever with appearing and disappearing, reality and illusion ? This thesis explores these problems, dealing with all the aspects : scenography, dramaturgy, actors and spectators, technology and new machines that are completely transforming the stage into a visual, sound, and highly confusing anamorphosis, by which the human being is involved in a vanishing process

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Dompierre, Christian. "AVATAR : une application de réalité virtuelle utilisable comme nouvel outil de mise en scène collaborative." Thesis, Université Laval, 2007. http://www.theses.ulaval.ca/2007/24218/24218.pdf.

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Pradère-Ascione, Clémentine. "La fantaisie noire dans la fiction en prose de Boris Vian (Romans, nouvelles, pièce de théâtre)." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA076.

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Abstract:

L’œuvre littéraire de Boris Vian interpelle par la diversité des émotions qu’elle suscite. Elle est pourtant restée longtemps méconnue, masquée par les talents protéiformes de son auteur. Boris Vian, dont la majorité des textes ont été publiés à titre posthume, fut perçu comme un touche-à-tout avant d’être véritablement reconnu comme écrivain, pour finalement entrer dans l’édition de la Pléiade en 2010, cinquante et un an après sa mort. Le premier réflexe est de faire appel à la notion de fantaisie pour analyser son œuvre. Le monde fictionnel qu’il crée est un univers fantaisiste où triomphent imaginaire et inventivité. Pourtant, des univers contradictoires s’entremêlent : féerie et cruauté, légèreté et inquiétude, désinvolture et gravité, imaginaire et réalité. En nous appuyant uniquement sur les textes de fiction en prose (romans, nouvelles et pièces de théâtre), nous nous sommes donc interrogés sur la légitimité de la notion de fantaisie. Son évidence apparente résiste-t-elle à un examen plus poussé ? Ce questionnement nous a conduits à élaborer la notion de « fantaisie noire ». Tantôt féerique, invraisemblable, langagière, comique ou parodique, la fantaisie se heurte à l’intériorité des personnages et à un sentiment d’inquiétude qui contamine les êtres et les choses. La fantaisie cède le pas à la noirceur d’un monde étouffant où le fantasme se révèle dans toute sa puissance. Le retour à la fantaisie n’est alors possible que par des effets de distanciation comiques et une inventivité langagière qui contribue à laisser l’œuvre ouverte
Boris Vian's literary work calls to mind by the feelings it arouses. For a long time it nevertheless remained unknown concealed by its author's protean talents. Boris Vian, whose texts were mostly published posthumously, wasn't at the beginning seen as a writer to finally get in the Pléiade in 2010, 51 years after his death. To analyse his work it appears natural to consider the idea of fantasy. The fictional world he created remains a fantasist one where imagination and inventiveness prevail. Yet, opposing worlds get mixed up: fairy and cruelty, casualness and anxiety, indifference and seriousness, fantasy and reality. Considering only the fictional texts in prose (novels, short stories and plays) we questionned the legitimity of the fantasy notion. Does its obviousness withstand a further analysis? This questioning drove us to the idea of 'fantaisie noire'. Sometimes magical, incredible, linguistic, comical or parodic, the fantasy collides with the inwardness of the characters and with an anxiety that contaminates both beings and objects. The fantasy defers to an oppresive world where the dream reveals itself in all its power. The come back to fantasy is then only possible by comical detachments and a linguistic inventiveness that contributes to let the work opened

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Kazan, Darine. "La transgression du réel dans l'oeuvre dramatique de Michel Deutsch." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA014/document.

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Abstract:

L‟intérêt porte sur l‟intervention ou la non-intervention du réel dans la représentation. Le réalisme dans l‟oeuvre dramatique se mesure à l‟aune de la mise au jour des actualités historiques, politico-sociales et des réalités existentielles. A la quête de l‟interprétation de la conception du “réel” s‟ajoute un questionnement esthétique : la manière de le montrer. Notre recherche a comme objet l‟oeuvre dramatique de Michel Deutsch. C‟est en donnant à voir les défaillances des individus et leur non-intégration sociale dans le monde actuel désorganisé que le dramaturge témoigne son approche réaliste. La configuration dramaturgique de l‟espace extrascénique et l‟usage vraisemblable des objets qui y sont installés en sont des arguments à l‟appui. “L‟annonciation/incarnation de la réalité” rajoute de l‟exactitude aux faits représentés et la mise en oeuvre de la fonctionnalité du symbolique en dépit des descriptions standards prévaut. Or, la non-accessibilité dudit réel est un défi lancé à la reproduction d‟une image globale et parfaite de tous les événements. L‟incongruité tributaire du “nowhere” et de l‟anti-naturalisme structurel et factuel de l‟espace dramatique culmine avec l‟exposition inappropriée des principes consubstantiels à l‟espace théâtral. Le brouillage des repères temporels et l‟atemporalité accentuent le dysfonctionnement. Le langage lacunaire déjoue l‟expression, l‟extériorisation, la compréhension et la communicabilité. Le rapport au vécu se creuse : la pensée et la parole individuelle s‟évincent en faveur de l‟irruption recommencée de “l‟auteur-rhapsode”. Si la non-identification, le démembrement ou l‟indétermination de la situation d‟énonciation de l‟individu est condamnable, son existence atomique ou sa non-existence l‟est davantage.Michel Deutsch opte pour la transgression du réel et préconise le rejet catégorique de la duplication imitative et le principe de la “déconstruction-reconstruction” dans la représentation
The interest in the representation gets to the intervention or the nonintervention of the real in it. The realism in the dramatic work is measured by ell updating the historical and political-social actualities and the existing realities. In the quest for the interpretation of the conception of “real”, it is add the ethic questioning of how to show it.Our research aims the dramatic work of Michel Deutsch. Seeing the individuals failures and their social nonintegration in the actual disorganized world that the playwright testifies his realistic approach. The extrastage space dramatic configuration and the likely use of the objects installed are supporting arguments for it. “The annunciation-incarnation of reality” adds exactitude to the representing facts and prevails the implentation of symbolic feature despite the standard descriptions. Though, the non-availability of real is a challenge launch to the reproduction of a global and perfect image of all the events. The tributary incongruity of “nowhere” and the structural, factual antinaturalism of dramatic space culminates in the inappropriate exposition of consubstantials principles of the theatrical space. The jamming time markers and the timeless stress the dysfunction. The lacunar language foiled the expression, the externalization, the comprehension and the communicability. The relationship with life fails : the thinking and the individual speech ousting on account of the restarted irruption of the “rhapsode-author”. If the non-identification, the dismembrement or the indetermination of speech situation of every person is condemnable, its atomic existence or his non existence are worse.Michel Deutsch opt for the transgression of the real and preconize to reject categoricaly the imitative duplication and the principal of the deconstruction-reconstruction in the representation

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Edy, Delphine. "Le réalisme et son double au théâtre. Thomas Ostermeier, mise en scène et recréation." Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL150.

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Abstract:

Les mises en scène récentes de T. Ostermeier explorent les liens entre littérature et art théâtral pour questionner, à l’aide d’un réalisme complexe qu’il réinvente, ce que les œuvres ont à dire de la réalité politique et sociale de notre présent. Il privilégie toujours pour cela des espaces entre qui permettent de briser la rigidité d’un respect littéral étouffant et de faire dialoguer le passé et le présent, l’actuel et le virtuel, le proche et le lointain. A la surface visible, son réalisme articule la profondeur invisible qui dédouble le réel en explorant sa spectralité à travers les personnages eux-mêmes, leur mémoire, leurs fantômes ; leur langue qui, entre traduction et retravail, crie le non-dit, le refoulé, l’absence ; l’espace des lieux-seuils, des (non)-lieux et des passages, des images du hors-scène, trop présent, ou de l’intime, insaisissable ; et même la musique dont les échos démultiplient les réseaux de sens. C’est dans la hantise de ces doubles que T. Ostermeier cherche à reconstruire un sens qui ne fasse pas abstraction des fêlures ni des fractures. Son travail doit être analysé comme une œuvre autonome qui convoque l’œuvre littéraire support pour la faire parler à nouveau, lui faire dire à nos oreilles d’aujourd’hui la douleur intemporelle du réel et l’espoir politique de reconstruire ce présent. La « déterritorialisation » constante du théâtre de T. Ostermeier, assumée, donne corps aux spectres qui sont l’autre nom de notre réalité pour que nous, spectateurs, puissions, finalement, nous en saisir. Refusant un théâtre et une littérature qui ne font qu’interpréter le monde, il s’agit pour T. Ostermeier de faire dialoguer l’un et l’autre pour le transformer
In his recent productions, T. Ostermeier investigates the links between literature and drama with complex, renewed realism to question what insights the works of the past can give us into today’s political and social reality. He always favours the in-betweens which enable him to break through the stifling inflexibility of literal interpretation and initiates a dialogue between the past and the present, the actual and the virtual, what is close at hand and what is distant. His realism connects the visible surface of reality to its invisible depth – its double. He delves into this spectrality by focusing on the characters’ memory, their ghosts; on their language, hanging between translation and reworking, as their unsaid, repressed words speak loud; on space viewed as space between – thresholds, somewhere/nowhere, passages, pictures of all too present off-stage scenes or of elusive intimacy; on music too, echoing meaning in multiple layers. These ghost-like doubles are T. Ostermeier’s material to rebuild a meaningful present without ignoring its cracks and fault lines. His productions should be analysed as an autonomous oeuvre which calls on literary works to make sense afresh, to voice the painful, timeless experience of the real and the political hope to rebuild the present. His constantly ‘deterritorialising’ theatre substantiates our ghosts – the flipside of our reality – so that we, spectators, may finally get a grasp on them. T. Ostermeier will not confine theatre and literature to merely interpreting the world, he wants them to dialogue in order to transform it

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Madeleine, Sophie. "Le complexe pompéien du Champ de Mars, une « ville dans la Ville » : reconstitution virtuelle d’un théâtre à arcades et à portique au IVe siècle p. C." Caen, 2006. http://www.theses.fr/2006CAEN1461.

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Abstract:

Le complexe pompéien du Champ de Mars (3,5 ha) comprend le premier théâtre en pierre construit à Rome en 55 a. C. , mais aussi un temple, une curie et le premier jardin public de la Ville. Cette thèse synthétise l’ensemble des sources disponibles sur le sujet, qu’elles soient textuelles, iconographiques ou archéologiques. Ensuite, nous avons insisté sur le contexte de la construction, contexte politique en faisant un bilan sur les problèmes liés à la construction d’un théâtre en dur, contexte urbanistique (choix du secteur et de l’orientation) et contexte architectural. Il s’agit du premier théâtre à arcades et à portique de Rome et nous avons dégagé ses modèles avant d’aborder la question de sa succession. Nous avons ensuite travaillé sur les quatre entités du complexe : le temple et les autres aedes, le théâtre, le portique et enfin la curie. Une sous partie s’est attachée aux techniques mises en œuvre dans le théâtre. Chaque étape est ponctuée par des reconstitutions virtuelles, étayées par nos conclusions, et une visite interactive du complexe au IVe siècle p. C. Est proposée sur un DVD. Le recueil exhaustif de la documentation a permis d’élaborer la première étude complète de cet ensemble. Plusieurs avancées ont été faites : la compréhension et la mise en situation de deux systèmes de velums dont nous avons pu tester l’efficacité, mais également la perception du rideau de scène et des sparsiones. C’est la première reconstitution virtuelle de l’ensemble du complexe fondée sur une étude scientifique avec mise en situation des techniques, afin d’allier la perception du gigantisme architectural à la compréhension de systèmes mécaniques

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Audhuy, Claire. "Le théâtre dans les camps nazis : réalités, enjeux et postérité." Thesis, Strasbourg, 2013. http://www.theses.fr/2013STRAC029.

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Abstract:

Cette thèse de doctorat est le fruit de trois années de recherches sur le théâtre dans les camps nazis. Ce travail traite principalement des camps en Allemagne, tout en y adjoignant trois exceptions : le ghetto de Theresienstadt, le camp de transit de Westerbork, ainsi que le camp d’Auschwitz-Birkenau. Selon la spécificité de chaque camp, les créations furent officielles ou clandestines, servirent à la propagande nazie ou au contraire œuvrèrent à mener une lutte contre le national-socialisme ou pour la survie des prisonniers. Ces différences de conditions permettent de comprendre pourquoi la création artistique a pu être plus prolifique dans certains lieux. C’est dans ces camps que les prisonniers et déportés, hommes et femmes, appartenant ou non au monde du spectacle, choisirent le théâtre pour s’exprimer, depuis le spectacle Cirkus Conzentrazani donné en août 1933 jusqu’au Kazet Théâtre ou à Zebra, deux troupes concentrationnaires donnant des pièces dans les camps dans les jours suivant la Libération, en 1945. Le travail s’appuie sur de très nombreux témoignages (une trentaine d’interviews réalisées expressément pour cette thèse), des archives (une vingtaine de pièces inédites et traduites pour ce doctorat) et des fonds privés (correspondances, manuscrits). Nous souhaitons tenter de dresser le portrait de ces créations théâtrales, qu’elles aient été imaginées, écrites, jouées, qu’elles soient parties en tournées ou non. L’initiative fut parfois si éloignée de nos attentes classiques du théâtre qu’il est délicat de parler de création théâtrale ou même de théâtre tout simplement. Nous nous intéresserons aux réalités, aux enjeux et à la postérité de ces initiatives créées dans un environnement extrême qui remet en question la possibilité d’existence d’un quelconque théâtre mais aussi la survie même de l’homme. Une initiative de l’extrême qui n’aurait pas dû être
This PhD is the result of 3 years of research on theater in the nazi camps. It deals mainly with the plays performed and written in the German camps, and three other camps: the Therensienstadt ghetto, the Westerbork transit camp, and the Auschwitz-Birkenau camp. Depending on the specificity of each camp, the creations were official or clandestine, and either served the nazi propaganda or contributed to the prisoners’ survival and resistance to national-socialism. Those differences in the living conditions enable us to understand why artistic creation was more prolific in some places. In those camps, male and female prisoners and deportees who did or did not belong to the world of show business, chose theater as a means to express themselves as early as August 1933 with the Cirkus Conzentrazani, and also after the war, with the Kazet theater or Zebra, two concentrationary theater troupes which performed plays in the camps during the days that followed the Liberation in 1945.This work explores the information contained in many interviews ( about 30 interviews which were conducted especially for this thesis), archives ( about twenty previously unpublished plays translated for this study), and private funds ( letters, manuscripts). We wish to attempt to draw a portrait of these theatrical creations, whether they were imagined, written, performed in the camps or on tour. The initiative the prisoners took was often so remote from our traditional conception of theater that it is delicate to talk about theatrical creation or even theater. We will focus on what happened, what was at stake and the posterity of these initiatives created in an extreme environment which questions the very possibility of doing theater but also man’s survival. It was an extreme experience which should never have been
Die Vorliegende Doktorarbeit ist das Ergebnis dreijähriger Forschung über das Theater in den Konzentrationslagern des Zweiten Weltkriegs.Dabei geht es hier vor allem um Lager in Deutschland, mit drei Ausnahmen: dem Getto Theresienstadt, dem Durchgangslager Westerbork und dem Lager Auschwitz-Birkenau. Je nach Besonderheit des jeweiligen Lagers fand das künstlerische Schaffen offiziell oder im Verborgenen statt, diente der Nazipropaganda oder trug ganz im Gegenteil zum Kampf gegen den Nationalsozialismus oder zum Überleben der Gefangenen bei. Aufgrund dieser unterschiedlichen Bedingungen versteht man, warum das künstlerische Schaffen an manchen Orten ergiebiger war, an anderen sehr viel sporadischer stattfand. Die Gefangenen und Deportierten, Männer und Frauen, unabhängig davon, ob sie aus der Welt der darstellenden Künste kamen oder nicht, machten in den Lagern Theater, um sich zu äußern, von der Vorstellung 'Cirkus Conzentrazani' im August 1933 an bis zum 'Kazet Theater oder Zebra', zwei KZ-Theatertruppen, die 1945 nach der Befreiung im Lager Stücke aufführten. Die Arbeit stützt sich auf zahlreiche Zeugenaussagen (aus etwa dreißig speziell für diese Doktorarbeit geführten Interviews), auf Archivdokumente (ungefähr 20 unveröffentlichte und für diese Doktorarbeit übersetzte Stücke) und private Bestände (Korrespondenz und Manuskripte). Die vorliegende Arbeit möchte ein Bild von diesen Theaterproduktionen zeichnen, ob sie nur ausgedacht, schriftlich fixiert oder gespielt worden waren oder als solche auf Tournee gingen. Vom satirischen Kabarett bis hin zur ätzend-scharfen Revue über Neuinterpretationen von Klassikern oder autobiographische Stücke haben die in den Lagern schaffenden Künstler in vielen Stilrichtungen gearbeitet. Manchmal war das Unterfangen so weit von unseren klassischen Vorstellungen von Theater entfernt, dass es schwierig ist, von Theaterschaffen oder überhaupt von Theater zu reden. In Verbindung mit Lager hat sich das Theater neu erfunden. Das Hauptaugenmerk dieser Arbeit richtet sich auf die Fakten, Probleme und Nachwirkungen dieser Unternehmungen, die in einem extremen Umfeld entstanden sind, das die Möglichkeit von Theater überhaupt, aber auch das Überleben von Menschen generell in Frage stellt. Unternehmungen in einer unglaublichen Extremsituation. Warum sind Menschen in einem Lager schöpferisch tätig – wie und für wen?

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Vandenbussche-Cont, Marie. "La scène théâtrale contemporaine au plus proche du réel pluriel : quels recommencements?" Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA031.

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Abstract:

Les auteurs de théâtre (ou les duos auteur/metteur en scène), sur lesquels porte notre étude, s’intéressent au réel dans sa pluralité, sans avoir d’image du monde : ils semblent avoir intégré « la fin du monde ». Leur écriture s’inscrit de plain-pied dans le monde « démondé » qui est le nôtre. Elle cherche à se situer au plus près de la profusion et de la dispersion, qui le caractérisent. Mais l’ambition de ces artistes n’est pas simplement de manifester la fin du monde. Ils sont dans l’après, dans l’urgence de sentir (ou de donner à sentir) à quoi elle peut ouvrir : à quelle vie vivable ? à quelle possibilité d’habiter le réel ? S’ils ont fait le deuil du monde comme tout-structure et d’une place revenant à l’homme au sein d’une telle ordonnance, ils n’ont pas fait le deuil, en revanche, de la possibilité de (re)faire monde. Leur geste semble sous-tendu par la nécessité d’ouvrir à un tel recommencement.Au sein du corpus étudié, la thèse repère trois veines théâtrales, ouvrant à trois types de praxis du monde : premièrement, un théâtre de l’approbation du réel (celui de Philippe Dorin et Michel Froehly) ; deuxièmement, des théâtres de la réeffectuation du réel (ceux de Pascal Rambert et d’Olivier Cadiot et Ludovic Lagarde) ; enfin, troisièmement, des théâtres ouvrant, ne serait-ce qu’un temps, à la possibilité d’une « conversion » de monde (ceux de Joël Pommerat, Jan Lauwers et Nature Theater of Oklahoma). Elle s’intéresse aux formes que ces théâtres inventent pour représenter ou mettre en oeuvre ces recommencements, et ce faisant, redonner « croyance au monde ». Car l’enjeu, majoritairement, semble bien être d’inventer un théâtre de la « croyance au monde »
Authors/directors (or author / director duets) analyzed in our study are interested in the real in its plurality, without having an image of the world: they seem to have integrated "the end of the world". Their writing is fully inscribed in our “deworlded”world. It seeks to be located as close as possible to the profusion and thedispersion which characterize it. But the ambition of these artists is not just to showthe end of the world. They deal with what comes after, in a hurry to feel (or to givethe feeling of) what this end can open to: to which life worth living? to whichpossibility to inhabit the real? If they have mourned the world as a whole-structureand a place for men in such an order, they have not mourned, however, thepossibility of (re)doing (the) world. Their gestures seem underpinned by the need toopen to such new beginnings.Within the corpus we have studied, this dissertation identifies three theatrical veins,opening to three types of praxes of the world: first, a theater of the approval of thereal (that of Philippe Dorin and Michel Froehly); second, theaters of the remakingof the real (those of Pascal Rambert, and of Olivier Cadiot and Ludovic Lagarde);third, theaters opening, if only one moment, to the possibility of a “conversion” ofthe world (those of Joël Pommerat, Jan Lauwers, and Nature Theater of Oklahoma).It analyzes the forms which these theaters invent to represent or implement thesenew beginnings, and in doing so restore a “belief in the world”. What is at stake, inmost cases, seems to be the invention of a theater of the “belief in the world”

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Basdevant-Corbier, Patricia. "Edward Albee, dramaturge iconoclaste." Thesis, Aix-Marseille, 2017. http://www.theses.fr/2017AIXM0399.

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Abstract:

Figure patricienne incontournable du panorama de la création théâtrale, digne successeur d’Eugene O’Neill, de Tennessee Williams et d’Arthur Miller, Edward Albee (1928-2016) a insufflé une nouvelle vitalité au théâtre américain. Son œuvre iconoclaste, reçue avec ricanements, consternation ou enthousiasme, rejette l’existence d’une coupure entre la réalité, ses apparences, et l’imaginaire. Meneur de jeu imaginatif et provocateur, Albee cherche à produire un théâtre “réaliste” en abordant le problème des rapports entre apparences et réalité dans le théâtre du monde (Theatrum Mundi), sur le plan social (rôle et dimension humaine), logique (sens et non sens) et psychologique (raison et folie), ainsi que sur le plan de la représentation théâtrale (personnage et acteur). Cette étude explore, sous l’angle de la métaphore du jeu, les dernières pièces du dramaturge, riches en questionnements philosophiques, qui présentent le parcours initiatique du Sujet entre représentation et expérience, imaginaire et réalité. Du jeu au “je”, le personnage protéen, dans les coulisses du théâtre de l’intime, prépare son audition sur la scène du théâtre du monde. Empreinte de mystère, de poésie, de sagesse, de cocasserie ou de pathétique, l’aire de jeu inédite du dramaturge, où se prépare une expérience de vérité, déploie une vision humaniste optimiste qui ouvre in fine sur l’expérience esthétique de la catharsis
A patrician key figure of the theatrical landscape, the worthy heir of Eugene O’Neill, Tennessee Williams and Arthur Miller, Edward Albee (1928-2017) has breathed new life into the American theatre. His iconoclastic body of work, which was met with sneering, dismay or enthusiasm, disproves the split between the real, its appearances and imagination. An imaginative, provocative playmaker, Albee aims at producing a “realistic” drama by tackling the problem of the links between appearances and reality in the Theatrum Mundi on various levels : social (role and human dimension), logical (meaning and absurdity), psychological (reason and madness), as well as on the level of performance (character and actor). Through the game metaphor, this study focuses on the playwright’s last plays, which are rife with philosophical interrogations and stage the Subject’s initiatory journey between representation and experience, imagination and reality. As a player, Albee’s protean character prepares backstage to audition for his role on the stage of the Theatrum Mundi. Imbued with mystery, poetry, wisdom, comicality and pathos, the playwright’s original playground, where an experience of truth is under way, brings forth an optimistic, humanistic vision that opens onto the aesthetic experience of catharsis

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Blewer, Evelyn. "Victor Hugo face aux réalités du théâtre : la campagne d'Hernani (1829-1830), la crise des spectacles (1848-1849)." Université Paris-Est Créteil Val de Marne (UPEC), 1999. http://www.theses.fr/1999PA120077.

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Abstract:

Cette étude porte sur deux épisodes de la vie théâtrale de Victor Hugo : la modification progressive du texte d'Hernani en 1829-1830, et les efforts de son auteur, en 1848-1849, pour sauver une industrie théâtrale compromise par la révolution de Février. Notre édition du manuscrit du souffleur original établit, pour la première fois, ce qu'était l'Hernani de la Comédie-Française. Elle révèle comment le texte évolua au fil des répétitions et des représentations, et comment la version scénique contribua, pour la première édition, à l'établissement d'un texte qui a, depuis longtemps, été occulté. Elle permet aussi d'apprécier le pragmatisme de Victor Hugo dans un genre littéraire qui a des servitudes qui lui sont propres. Dix-huit ans après la création d'Hernani, les théâtre parisiens subirent une crise économique sans précédent. Victor Hugo, élu à l'Assemblée Nationale grâce à des sociétés d'auteurs et d'artistes, oeuvra pour le salut de l'industrie. Membre d'une commission ministérielle et d'un commité parlementaire, Hugo s'occupa, en 1848 et à nouveau en 1849, de faire attribuer une aide financière exceptionnelle aux théâtres. Un ensemble de lettres, pièces et procès-verbaux prouve que Hugo fut un habile défenseur du théâtre sur la scène politique
This study traces two episodes of Victor Hugo's engagement with the theater : gradual modification of Hernani's text in 1829-1830, and the author's efforts, in 1848-1849, to save a theater industry endangered by the February revolution. Our publication of the original prompt book establishes, for the first time, the Comédie-Française's version of Hernani. It reveals how the text evolved in the course of rehearsals and performances, and how the theatratical version resulted in a long-forgotten first edition. It also permits an appreciation of Victor Hugo's pragmatism in a domain which is not that of pure literature. Eighteen years after Hernani opened, Paris theaters underwent an unprecedented economic crisis. Victor Hugo, elected to the National Assembly by a contituency of authors and artists, worked to save the industry. As a member of ministerial and parlementary committees, Hugo sought, in 1848 and again in 1849, government subsidies for the theaters. An ensemble of letters and minutes shows Hugo to be an apt defender of the theater on the political scene

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Pastore, Margherita. "Fantômes et fantasmes dans le théâtre "réaliste" d'Eduardo De Filippo." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA016.

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Abstract:

Ce travail de recherche vise à mettre au jour un aspect particulier de l’œuvre d’Eduardo De Filippo (Naples, 1900 – Rome, 1984), à savoir l’intrusion du surnaturel dans la production théâtrale de l’auteur-acteur-metteur en scène. Nous avons structuré notre thèse en deux phases. Nous analysons d’abord l’adhésion de De Filippo au théâtre dit “réaliste”, sa conception de la fonction du théâtre, l’ancrage thématique dans l’Histoire du XXe siècle et dans le vécu personnel de l’auteur ; nous nous attachons à la manière dont De Filippo intègre la tradition littéraire et théâtrale du XXe siècle et propose une autre vision du réel faisant appel aux catégories du fantastique. Puis nous examinons l’espace scénique, lieu de l’ailleurs et du fantasme par excellence, dans les différentes composantes de la scène (scénographie, objets), du jeu actoriel (la parole, la corporéité, le personnage et le fantôme) et du contrat spectatoriel pour mettre en lumière la relation que tous les participants au spectacle entretiennent avec le surnaturel. Enfin, nous mettons à l’épreuve de l’analyse la traduction sur scène des problématiques liées au fantôme et au fantasme dans deux interprétations exemplaires et très différentes de La grande magia : celle de Giorgio Strehler au Piccolo Teatro de Milan en 1985 et celle de Dan Jemmett à la Comédie-Française en 2009
This research work focuses on a specific point of Eduardo De Filippo’s work (Naples, 1900 – Rome, 1984), that is to say the irruption of the supernatural in the production of the author-actor-stage director. We have structured our thesis in two phases. We first analyse the authors’s compliance with the so called « realistic » theatre, his vision of the role of theatre, the thematic foothold in the 20th century history and in his personal experience ; we are concerned with how De Filippo integrates the literary and theatrical tradition of fantasy and offers a realistic vision appealing to the Fantastic categories. Then we investigate the stage space as an ideal place for fantasy and fantasies, we examine the stage varied components (stage design, objects), the acting of the actors (voice, corporeality, the character and the ghost) within the stage-audience conventions to bring to light the particular link that all those who participate to the performance maintain with the supernatural. Finally, we study the process of traduction on stage of problematics linked to ghost and fantasy in two remarkable and very different interpretations of La Grande magia : the one by Giorgio Strehler at the Piccolo Teatro of Milan in 1985 and one by Dan Jemmett at Comédie-Française in 2009

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Boudier, Marion. "La représentation du monde sans jugement : Réalisme et neutralité dans la dramaturgie moderne et contemporaine." Thesis, Lyon, École normale supérieure, 2012. http://www.theses.fr/2012ENSL0796.

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Abstract:

L’idée de « représentation du monde sans jugement », double visée du réel et du neutre, rassemble des œuvres qui aspirent à donner à voir le monde sans en orienter le commentaire et en débusquant le jugement dans nos représentations. En faisant l’hypothèse d’un « réalisme neutre », nous étudions les stratégies dramaturgiques de suspension du sens qui répondent à cette intention. Nous interrogeons l’existence d’une lignée de dramaturges qui, depuis le théâtre clinique de Tchekhov et à l’opposé du théâtre critique brechtien, conduit le spectateur à « l’étonnement d’un monde sans procès » (Barthes). En confrontant ces représentations du monde sans jugement au théâtre documentaire et au réalisme critique brechtien, nous analysons un changement de paradigme dans la représentation du réel, sa modélisation clarifiante et engagée laissant place à une expérience ouverte à l’interprétation. De Horváth aux auteurs quotidiennistes, en passant par Fleisser, Adamov, Kroetz et jusqu’à des réinventions contemporaines d’un théâtre « presque documentaire », comment ces esthétiques de la monstration échappent-elles à une simple symptomatologie superficielle du monde ainsi qu’aux malentendus induits par la délégation du jugement au spectateur ? Cette question oriente notre étude des décentrements dramaturgiques du réalisme, à travers lesquels s’affirment une autre pensée de la responsabilité critique du dramaturge et une dimension politique du neutre. Les œuvres et démarches de M. Vinaver, O. Hirata, J. Pommerat et L. Norén illustrent quatre modalités de ce « réalisme neutre », de l’exemption à la pluralisation du sens, en passant par le trouble, l’errance ou le saisissement du spectateur
Prejudice-free depictions of the world are the aim both of reality and of any neutral approach. They bring together works of art that show the world without inducing any commentary while exposing our opinions in all representations. We will hypothesise the concept of “neutral realism” to analyse the strategies used by dramatic arts to produce suspension of meaning. We question the existence of a tradition of dramatic authors – ranging from Tchekhov’s “clinical theater” to Brecht’s “critical theater” – that lead spectators to what Barthes termed the “astonishment upon discovering a trial-free world”. We will weigh such prejudice-free representations of the world against documentary drama and against Brecht’s critical realism. Such a comparison will evidence a paradigm shift where an explicit, committed type of modelling seems to give way to a more open interpretative experience. From Horváth to daily-life authors and to Fleisser, Adamov, Kroetz and other contemporary re-inventors of “quasi- documentary-style” drama, the question can be thus articulated: how do such illustrative aesthetics succeed in circumventing both merely superficial symptomatology of the world and the misunderstandings that might arise from the decision of leaving the viewer to judge the work on their own? The answer to the question guides our analysis of the dramatic arts’ decentering of realism, through which another vision of the responsibility of the dramatic author emerges, as well as a new take on the political nature of a neutral approach. The works and reflections of M.Vinaver, O. Hirata, J. Pommerat and L. Norén evidence four aspects of this “neutral realism”, ranging from the cancellation of meaning to multifaceted meaning and to troubled, disconnected or awed spectators

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Barbe, Saturnin Homero Rodrigue. "Le théâtre d'intervention en zone urbaine en centrafricaine : rapports aux réalités quotidiennes et aux valeurs culturelles locales." Doctoral thesis, Université Laval, 2014. http://hdl.handle.net/20.500.11794/25398.

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Abstract:

Cette étude aborde la question de l’efficacité du théâtre d’intervention à Bangui, capitale de la Centrafrique. Il s’agit ici de trouver les modalités capables de renforcer les capacités d’intervention de cette forme théâtrale très consommée en Afrique. Notre thèse part de la problématique selon laquelle le théâtre d’intervention à Bangui apparaît inefficace socialement, politiquement et culturellement face aux crises que connait le pays depuis plusieurs décennies. Il n’arrive pas à mobiliser suffisamment le public banguissois autour des questions qui préoccupent son quotidien. Notre recherche s’est donc proposé d’initier un nouveau théâtre d’intervention adapté à la ville en partant des fonds spectaculaires traditionnels africains (conte, proverbes, danse, rituels, épopées, danses) et en convoquant, à travers un métissage interculturel, des principes et des techniques connues du théâtre occidental : le Théâtre politique d’Erwin Piscator, la distanciation brechtienne et le Théâtre de l’opprimé d’Augusto Boal. À l’issue d’une recherche théorique au Québec et expérimentale en terre africaine, cette thèse aboutit à des résultats probants. D’abord, le théâtre d’intervention mobilise plus efficacement les populations des milieux urbains lorsqu’il met à contribution les instruments traditionnels de musique, tels que les tam-tams et les tambours, ainsi que des danses folkloriques traditionnelles pour rythmer le spectacle. Ensuite, lorsqu’il implique les fonds spectaculaires traditionnels africains comme le conte, les proverbes, les rituels et l’épopée, ce théâtre touche particulièrement le public dans ses réalités quotidiennes tout en revalorisant la culture africaine. Enfin, le fait de convoquer les techniques occidentales à travers le métissage nous a permis d’explorer des moyens efficaces de toucher la conscience du public et de l’inciter à agir pour le changement et le développement de son quotidien. Mots clés : Théâtre d’intervention, théâtre traditionnel africain, mobilisation populaire, théâtre politique, théâtre social, Centrafrique, milieu urbain, conte, épopée, proverbe, rituel, danse, métissage artistique, métissage disciplinaire, métissage culturel.
This work deals with the efficiency of the intervention theatre in Bangui, capital city of Central Africa. It is about to find the methods to increase the intervention capacities of this kind of theatrical form, which is widely used in Africa. Our thesis derives from the key question of the intervention theater in Bangui, which seems socially, politically and culturally inefficient because of the different crises that are affecting the country for decades. It is not able to mobilize enough audience of Bangui around everyday life issues. The purpose of our work is therefore to initiate a new intervention theatre adapted to the city, based on spectacular traditional African background (tales, proverbs, rituals, epic poems, dances, etc.) and methods known in modern theatre through a mixing of western practical experience such as: Erwin Piscator’s Political Theatre, Bertolt Brecht’s Alienation Effect, and Augusto Boal’s Theatre of the Oppressed. After a theoretical research in Quebec and an experimental one in Africa, this thesis ended with convincing results. First, the intervention theatre mobilizes more efficiently the urban populations when it uses traditional music instruments, such as tom-toms and drums, as well as folk traditional dances to rhythm the performance. Then, when it implies spectacular traditional background such as tales, proverbs, rituals and epic poems, this theatre reaches particularly the audience in its African everyday life realities, while at the same time it enhances the strength of African culture. Finally, using the western practical experience through métissage allows our work to explore efficient means to truly reach the audience consciousness and encourage people to the change and the development that their daily life deserves. Keywords: Intervention Theatre, African Traditional Theatre, Popular Mobilisation, Social Theatre, Political Theatre, Central Africa, Urban Environment, Tale, Epic Poem, Proverb, Ritual, Dance, Artistic Métissage, Disciplinary Métissage, Cultural Métissage.

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Bouchard, Colombe. "L'atelier d'art, ou, Comment des artistes, animés par des maîtres, ont réalisé leur théâtre." Thèse, Université du Québec à Trois-Rivières, 1991. http://constellation.uqac.ca/1430/1/1475016.pdf.

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Zenker, Kathrin-Julie. "Au bord du jeu. : Esthétiques du réel dans la création documentaire contemporaine." Thesis, Aix-Marseille, 2015. http://www.theses.fr/2015AIXM3012.

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Abstract:

La présente étude analyse d'un côté et sous une perspective philosophique et anthropologique, la relation de l'artiste au réel. De l'autre, elle étudie la place ontologique et esthétique de l'acteur/du performer dans l'art documentaire contemporain. Puisque toute forme de documentation est soutenue par une définition du « réel » ainsi que par le problème de sa juste « saisie », il semble indispensable d’interroger la notion de « perception » et ceci sous ses aspects ethnographiques ainsi que physiologiques. Le positionnement contemporain qui se dessine apparaît donc comme « constructiviste », à savoir que ce que nous appelons le réel y est le fruit d’une relation dialogique et égalitaire entre l’homme et les objets du monde. Cette relation s’est libérée du concept cartésien des res cogitans et res extensa qui s’opposent de façon hiérarchique. Pour l’art documentaire contemporain, ce premier constat comporte deux conséquences : d’un côté, nous observons que la rencontre de l’artiste avec le réel est tâtonnant et emprunt de doutes et que ses esthétiques relèvent du fragmentaire et de l’hétérogène. De l’autre, l’art documentaire contemporain se voit obligé d’interroger la notion du « jeu » avec les documents, notamment les limites – esthétiques comme éthiques - de la fictionnalisation. Le constat de la fonction épistémologique prépondérante du jeu au sein de l’art documentaire contemporain, représente le cœur de la présente thèse
The aim of the present thesis is on one hand, to explore the relationship between artists and reality from a philosophical and anthropological perspective and on the other hand, to describe the ontological and aesthetical position of the actor/performer in contemporary documentary art, particularly in theatre. Since any form of documentation of reality requires a definition of the real and the ways to deal with it, or to capture it, a definition of “perception” is essential, from a philosophical, ethnographical and physiological perspective. The contemporary point of view in this respect can be described as absolutely constructivist. Reality stands out as the product of a balanced communication between subject and object. Observer and observed reality are not in opposition to each other, in a hierarchical and dichotomous way as Descartes formulated it in his rationalist concept of res cogitans and res extensa, but they rather interact into a dialogue. For the contemporary documentary art this definition of reality offers two sides: on one hand, in an attitude that meets reality rather carefully and doubtfully, it results in an opened, fragmented and heterogeneous form of art. On the other hand, documentary art deals with the ethical and aesthetical problem of playing (with) the documentation. Each and every documentary artist shall constantly assess, whether and to what extend art is allowed to play with reality. However, the statement that playing with reality fulfills a unique, both epistemological and anthropological function, is definitely the subject of the present study
Die folgende Studie untersucht einerseits, aus philosophischer und anthropologischer Perspektive, die Beziehung des Künstlers zur Realität. Andererseits beschreibt sie die ontologische und ästhetische Stellung des Schauspielers/Performers in der zeitgenössischen Dokumentarkunst. Da jede Form von Dokumentation der Wirklichkeit eine Definition des Realen und den Möglichkeiten diesem zu begegnen, beziehungsweise es zu erfassen, voraussetzt, scheint es unumgänglich den Begriff der « perception » (Wahrnehmung) auf philosophische, aber auch ethnographische und physiologische Definitionen abzuklopfen. Die zeitgenössische Perspektive, die sich dabei abzeichnet, scheint unumschränkt konstruktivistisch, d.h. dass sich Wirklichkeit als Produkt einer gleichberechtigten Kommunikation beschreiben 347 lässt, auch da wo der Mensch ein Objekt wahrnimmt. Beobachter und beobachtete Realität stehen sich nicht, wie es Descartes rationalistisches Konzept der res cogitans und res extensa formuliert, hierarchisch und dichotomisch gegenüber, sondern dialogisieren vielmehr. Für die zeitgenössische Dokumentarkunst ergibt sich daraus einerseits, dass sie Wirklichkeit eher vorsichtig und zweifelnd begegnet und ihr dementsprechend im Rahmen der Kunst offene, fragmentarische und heterogene Formen gibt. Andererseits setzt sie sich mit dem ethischen und ästhetischen Problems des Spiels von oder mit Dokumenten auseinander. Ob und inwieweit die Kunst mit der Realität spielen darf, muss von jedem Dokumentarkünstler neu beantwortet werden. Die Feststellung aber, dass Spielen mit Realität eine ganz eigene, epistemologische und anthropologische Funktion erfüllt, wird anhand der vorliegenden Studie anschaulich

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Poitevin, Jean. "Théâtres et réalités : les arts scéniques et les handicaps mentaux des adultes en Grande-Bretagne (1981-1987)." Bordeaux 3, 1987. http://www.theses.fr/1987BOR30061.

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Abstract:

La deviance d'origine mentale par rapport a la norme chez les adultes quels que soient les noms qu'on lui donne, n'empeche pas la participation a des activites artistiques. Les arts sceniques tels que les pratiquent six compagnies semi-professionnelles en grande bretagne, offrent un terrain d'observation grace auquel il est possible d'etudier. - d'une part les differentes approches theoriques a l'oeuvre dans ce domaine: behaviorisme, cognitivisme, psychanalyse, psychiatrie environnemen- tale, analyse des systemes, linguistique, evaluation et la facon dont ces ap- proches apprehendent la realite dont il s'agit: spectacles publics donnes par des interpretes differents. - d'autre part le developpement croissant et l'autonomie naissante d'une sphere d'activite qui offre de grandes possibilites de loisir, de travail et d'epanouissement personnel pour la population concernee et un changement d'attitude pour le grand public
Mental abnormality of all denominations does not preclude participation in the arts. The performing arts as practiced in britain by six near professional companies offer a field of research through which the following can be explored: the differentheoretical approaches at work in this domain: behavioristic, cognitive, psychoanalytical, environmental, systemic, linguistic, esthetic evaluative and the way these approaches express their view of the reality concerned: public performances offered by special performers. - the growing development and independence of a sphere of activity which offers great opportunities for leisure, work and self-realisation to the population concerned and a change of attitudes in the general public

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Andriamarozakaniaina, Tahiry. "Du texte à la génération d'environnements virtuels 3D : application à la scénographie théâtrale." Phd thesis, Université Toulouse le Mirail - Toulouse II, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00772129.

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Abstract:

Cette thèse s'inscrit dans le cadre d'un projet pluridisciplinaire, le projet DRAMA, qui consiste à générer des scènes virtuelles 3D à partir des descriptions contenues dans les textes théâtraux. L'un des objectifs de ce projet consiste à simplifier au maximum la tâche des utilisateurs finaux en leur offrant un outil simple, rapide, et efficace. Ainsi, la technique adoptée dans cette étude est axée sur la modélisation déclarative d'environnements virtuels qui s'appuie sur trois phases (description, génération et prise de connaissances). La phase de description permet au concepteur de décrire l'environnement à partir d'un ensemble de propriétés, interprétées en un ensemble de contraintes destinées à un système de génération qui produit un ou plusieurs environnements virtuels solutions.Dans le cadre de ce projet DRAMA, des nouvelles méthodes de balisage ont été proposées afin de détecter les éléments essentiels pour la création d'une pièce théâtrale, notamment les informations sur les placements d'objets. Par ailleurs, les utilisateurs peuvent, aussi, lancer des requêtes au niveau du texte à partir de ces balises. Les propriétés sur les placements seront traduites en contraintes spatiales grâce aux données initialement stockées dans une base de connaissance qui utilise le langage XML. Une technique adoptant la méthode des métaheuristiques est ensuite utilisée pour la résolution des contraintes de placements obtenues précédemment. La gestion des propriétés physiques des objets (collision, gravité, friction) a été aussi gérée à partir d'un moteur physique. À la fin, les scènes solutions finales seront proposées à l'utilisateur, en utilisant un moteur de rendu 3D.

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Philamant, Luc. "Images du monde rural à l'âge de Shakespeare : mythes et réalités." Montpellier 3, 2002. http://www.theses.fr/2002MON30050.

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Abstract:

Méprisé, exploité, craint, idéalisé, le monde rural n'a jamais laissé les écrivains indifférents. Il a été source d'inspiration pour le poète et le dramaturge et objet d'étude pour l'historien. Cette étude se propose d'explorer la représentation dans la littérature de la société agraire à l'époque de Shakespeare au sens large, c'est à dire pendant les règnes d'Elisabeth 1ère et Jacques 1er. Comme les problèmes agraires des XVIème et XVIIème siècles ont leurs racines dans le passé, nous explorerons également les rapports qui existent avec les époques antérieures. Par monde rural, nous entendrons les laboureurs, les bergers et les propriétaires terriens, et tous ceux qui exercent une activité para-agricole ou vivent au rythme des saisons.

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Martinez, Thomas Monique. "L'influence de l'esperpento chez quatre auteurs de la génération réaliste : José Maria Rodriguez Mendez, Lauro Olmo, Carlos Muñiz, José Martin Recuerda." Toulouse 2, 1990. http://www.theses.fr/1990TOU20036.

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Abstract:

Le mythe "esperpento", qui se constitue dans les annees 60-70, peut etre explique par des raisons ideologiques et esthetiques. Recupere par une intelligentsia d'opposition, valle-inclan devient la preuve que l'espagne du debut du siecle a un dramaturge a la hauteur du theatre europeen en pleine evolution. La denomination de genre, impossible a legitimer theoriquement et pratiquement, prouve l'hypervalorisation du mot. Afin de saisir la portee reelle de l'ecriture dramaturgique de valle-inclan, l'elaboration d'une grille formelle est necessaire. En effet, certains auteurs appartenant a la generation realiste, j. M. Rodriguez mandez, lauro olmo, carlos muniz, jose martin recuerda, se reclament explicitement ou implicitement heritiers de valle-inclan et la critique assimile la plupart de leurs oeuvres a l'esperpento. Apres l'analyse de quatre de leurs pieces, il apparait clairement que cette assimilation procede d'amalgames superficiels de l'esperpento avec des tendances theatrales diverses. Eloignes de la conception distanciee du createurs valle-inclan, ces auteurs tirent neanmoins profit de la lecon "esperpentique" de l'innovation. A partir de l'esperpento, le theatre espagnol peut etre un theatre en liberte
THE MYTH OF ESPERPENTO, WHICH APPEARS IN THE 1960'S, CAN BE ACCOUNTED FOR BY IDEOLOGIC AND AESTHETIC REASONS. RECUPERATED BY AN OPPOSITION INTELLIGENTSIA, VALLE-INCLAN BECOMES A LIVING PROOF THAN SPAIN, AT THE BEGINGIN OF THE CENTURY, POSSESSES A PLAYWRIGTH WHO CAN COMPETE with A CHANGING EUROPEAN THEATRE. CONSIDERING THE ESPERPENTO AS A GENRE, WHICH CAN'T BE LEGITIMATED NEITHER THEORETICALLY NOR PRACTICALLY, PROVES THE EXCESSIVE VALORATION OF THE NOTION. IN ORDER TO ASSES THE REAL INFLUENCE OF THE DRAMATIC WRITING OF VALLE-INCLAN, THE CONSTITUTION OF A FORMAL GRID OF INTERPRETATION IS NECESSARY. IN FACT, SOME WRITTERS WHO BELONG TO THE REALISTICT GENERATION EXPLICTMENT OR IMPLICITMENT CLAIM A FILIATION WITH VALLE-INCLAN AND THE CRITICS ASSIMILATE MOST OF THEIR WORKS WITH ESPERPENTO. STUDYING OF FOUR OF THEIR WORKS, CLEARLY SHOWS THAT THE ASSIMILATION PROCEEDS FROM SUPERFICIAL CONFUSIONS BETWEEN ESPPERPENTO AND VARIOUS TENDANCIES. DISTANT FROM THE VALLE-INCLAN'S CONCEPTION OF THE CREATION, THESE PLAYWRITERS DERIVE A PROFIT FROM THE "ESPERPENTIC" LESSON OF INNOVATION. AFTER THE ESPERPENTO, THE SPANISH DRAMA CAN BE A FREE THEATRE

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Bertrand, Delphine. "Les alternatives aux processus de symbolisation :une clinique de l’invention: Recherche menée à travers un atelier théâtral réalisé avec des femmes internées dans un établissement de défense sociale." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2017. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/252879.

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Abstract:

L’hypothèse centrale de notre recherche porte sur les processus de symbolisation du sujet qui sont multiples et singuliers et sur le fait qu’il existe, en dehors d’une voie commune, toute tracée, qui consiste à « symboliser la symbolisation », d’autres chemins psychiques, d’autres formes de symbolisation, d’autres voies d’invention subjective alternatives à ce qu’on appelle la symbolisation, mais qui viennent occuper chez le sujet des fonctions similaires dans son économie subjective et relationnelle (rapport au corps, à l’autre, à l’inscription dans le lien social). Pour mettre à l’épreuve de la clinique ces hypothèses et ces questionnements, nous avons utilisé la médiation théâtrale comme laboratoire offrant quelque chance de saisir ce qui, pour les sujets qui y sont engagés, était susceptible d’acquérir un statut d’invention, de relever le cas échéant leur diversité, leurs caractéristiques et les fonctions psychiques qu’elles peuvent remplir pour le sujet qui l’élabore. Cette recherche a permis de mettre au jour la singularité des solutions repérées, celle des points d’appui et des fonctions y associées, l’importance du parcours de vie pour repérer à la fois la logique du sujet, ses anciennes solutions, et les fonctions qu’il se construit et, enfin, l’importance du cadre, du groupe et du transfert dans le travail d’invention du sujet. Par ailleurs, les fonctions de ces dynamiques inventives présentent également une grande diversité. Que ce soient la remise à l’honneur de l’imaginaire, sa relance, le réglage de la distance à l’autre, l’appui sur le cadre, sur le méta-cadre (avec la notion d’habit, d’étoffe, de masque, de peau psychique qui se tisse, de confrérie), que ce soient les idéaux en « prêt-à-porter » ou même un délire plus à même de cadrer la jouissance, que ce soient encore la polysémisation, l’approche de l’équivoque par la métaphore, par la poésie, par ce que nous avons appelé « la mise en trou », nous pouvons conclure, au terme de ce travail, que si la symbolisation au sens classique du terme constitue bien une suppléance possible pour le sujet, il existe beaucoup d’autres voies d’invention lui permettant de se construire des points d’appui singuliers. Enfin, même si les dynamiques inventives vont souvent concerner plusieurs de ces appuis, leurs fonctions peuvent se regrouper autour de quatre grands axes. Nous avons d’abord les relances de l’imaginaire, et le plaisir à inventer, à représenter ce qui n’est pas là. Nous avons encore la fonction d’un mode d’emploi pour régler son existence, des balises sur lesquelles s’appuyer pour répondre à « que suis-je là » et « que me veut l’autre ». Par ailleurs, le témoignage, la transformation, ou la métaphorisation de ces récits (dans un usage poétique qui permet d’approcher le réel, le hors-sens), demeurent également une fonction possible de l’invention du sujet, mais avec toujours en filigrane le travail de la place du sujet, quand il s’agit d’être aux commandes de son récit et de sa mise en forme. Enfin, le branchement-débranchement est une des fonctions majeures du travail d’invention repéré au cours de l’atelier. Reconstruire du sens, de l’identitaire, du pulsionnel, se bâtir un nouveau mode d’emploi, une nouvelle façon d’habiter le monde, et de « faire avec » soi et l’autre, selon la logique singulièrement subjective de chaque sujet, il nous semble que cette clinique de l’invention ouvre par-là, pour le sujet, des possibilités de mise au travail fécondes.
Doctorat en Sciences psychologiques et de l'éducation
info:eu-repo/semantics/nonPublished

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Palmieri, Vanina. "La notion d'insignifiance dans l'œuvre narrative, théâtrale et théorique de Natalia Ginzburg." Phd thesis, Université de la Sorbonne nouvelle - Paris III, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00932774.

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Abstract:

Nous nous proposons dans cette étude d'analyser l'œuvre narrative, théâtrale et théorique de l'écrivain italien Natalia Ginzburg (1916-1991) au travers de la notion d'insignifiance. Tout en mettant en évidence les ressemblances et les divergences entre ce corpus et des courants littéraires du XXe siècle qui se sont interrogés sur la question du sens de l'œuvre et du monde tels que l'Absurde et le Nouveau Roman, nous cernerons ce que recouvre d'un point de vue axiologique et d'un point de vue sémantique la notion d'insignifiance.Ce corpus produit un effet d'insignifiance grâce à un style et des procédés d'écriture qui tendent à niveler le signifiant et l'insignifiant. Notre objectif principal est de montrer que d'un point de vue axiologique, l'œuvre ne valorise pas l'insignifiant et le petit au détriment du signifiant et du grand. Grâce à " l'understatement ", l'auteur a dissimulé le signifiant (l'Histoire et Dieu) qui réémerge, non seulement intentionnellement de l'écriture, à travers des réseaux de symboles et de récurrences, mais aussi inconsciemment grâce au rythme et à la musicalité spécifiques de ce style. Dans ce système où tout fait sens, le lecteur est appelé à amplifier la portée de ce qui est dit et à expliciter les nombreux indices et références intertextuelles. Par ailleurs, si Ginzburg vise la représentation d'un réel au sein duquel tout aurait une importance égale, c'est parce que signifiant et insignifiant s'équivalent au sein d'une approche totalisatrice du réel qui relève d'une dimension métaphysique influencée par la psychanalyse jungienne et le mysticisme juif.

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Kim, Hyun-hee. "La figure de l'artiste et le rôle de l'art dans les romans de Romain Gary." Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2013. http://www.theses.fr/2013CLF20017.

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Abstract:

La conception du « roman total » proposé par Romain Gary met fin au « chef d’œuvre ». Traversant « le siècle des ténèbres », Romain Gary trouve une part de responsabilité de l’art et de l’artiste dans l’impuissance de la culture face à l’horreur existante. Pourtant, bien qu’il mette l’accent sur la fonction sociale de l’art, Romain Gary n’adhère pas à l’art engagé, ni au roman réaliste ou au Nouveau roman. Il ne cherche pas à imposer ses idées au lecteur, mais veut lui ouvrir un espace de liberté. L’art doit être une jouissance pour qu’il finisse par devenir une force éthique. Il amène une prise de conscience de ce qui manque à la réalité. L’esthétique garyenne consiste à rendre au lecteur son autonomie de pensée. Nombre de ses personnages incarnent la figure de l’artiste sous différentes formes provocatrices : picaro, dandy, clown, etc. Pour Romain Gary, créer, c’est jouir et la jouissance est une révolte métaphysique contre la condition de la vie et contre la souffrance. Les artistes dans ses romans figurent bien ceux qui mènent cette lutte. Transgresseurs des valeurs et des ordres établis, les artistes chez l’auteur tiennent à se libérer de la réalité. Cette libération s’effectue d’une part à travers la création d’un monde imaginaire, d’autre part à travers le dépassement de soi ou la création de soi. Transformant leur vie comme une œuvre de leur imagination, les artistes garyens témoignent d’une identité multiple et en « devenir »
Néant

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Guilmaine, Anne-Marie. "Au détour de juin, en plein coeur des ambivalences (titre provisoire pour création à géométrie variable) : la pluralité des possibles ou la mise en jeu d'une combinatoire scénique par le biais du performatif." Mémoire, 2006. http://www.archipel.uqam.ca/3052/1/M9444.pdf.

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Abstract:

Ce mémoire-création se propose d'explorer des voies théâtrales alternatives, qui seraient susceptibles de traiter autrement la réalité, cherchant non seulement à la réfléchir -refléter et questionner -dans tout ce qu'elle a de multiple, mais aussi à la faire advenir concrètement sur scène. Notre volonté première était de «désobéir» aux codes du théâtre représentationnel, et ce, en tentant de mettre en jeu des possibles: les potentialités de l'individu contemporain, un individu complexe, habité d'«autres», mais aussi les éléments imprévisibles de la présentation échappant au contrôle du créateur. Pour ce faire, un long processus d'exploration, en salle de répétition, avec quatre acteurs-performeurs, a permis de dégager deux hypothèses de réponse: le hasard et le bricolage pourraient-ils être les moteurs d'une pluralité scénique qui serait en adéquation avec la pluralité de la réalité -celle d'une société et celle d'un individu -, libérée des dogmes de l'uniformisation actuelle? Par leur ouverture à l'hétérogénéité, mais aussi par leur caractère paradoxal, voire contradictoire, ces deux modalités de composition se sont avérées à la fois riches et surprenantes. La réflexion qui suit tente de cerner les formes et effets de l'utilisation du bricolage et du hasard dans une composition scénique, de même que leurs conséquences sur le rôle et les fonctions du metteur en scène et des acteurs. Par bricolage, nous entendons principalement le collage -superposition d'actions dans un même tableau scénique -et le montage - juxtaposition de différents tableaux de nature hétérogène. Cette modalité est assumée à la fois par le metteur en scène en période d'élaboration de la création et par les acteurs, devenus bricoleurs au présent dans le temps même de la présentation devant public. L'une des hypothèses sous-jacentes à cette recherche reposait sur le fait que l'aspect bricolé d'une création peut donner du jeu aux possibles non seulement durant le processus de création, mais aussi pendant la présentation, influençant le contexte de réception et permettant aux spectateurs de devenir à leur tour bricoleurs de sens. L'utilisation du hasard va également dans cette direction: d'une part, le hasard peut agir comme élément structurant, par l'usage de procédés aléatoires; d'autre part, il peut être intégré à même le jeu des acteurs qui doivent composer avec l'imprévisible. Dans un tel processus, le rôle du metteur en scène est forcément à redéfinir, car à travers l'usage du bricolage et du hasard, celui-ci fait l'épreuve du paradoxe, se tenant sur un fragile point d'équilibre entre contrôle et abandon. Tout au long de ce mémoire, à la fois lors de l'exploration pratique et de la réflexion théorique, ce qui est traqué consiste, en fait, en une définition de ce que nous appellerons le «théâtre performatif». Genre multiple s'il en est, le théâtre performatif correspond pour nous à un champ privilégié de recherche sur les relations multiples entre la scène et le réel. Par son rapport à l'action, par la priorité qu'il accorde à la présence de l'acteur-performeur, par son ancrage dans la réalité, par son aspect événementiel, le théâtre performatif se révèle non seulement une conclusion probante, mais une introduction riche en promesses et en expérimentations futures, pour mettre en jeu les possibles de la matérialité scénique et les possibles des détours imprévus que peut prendre la vie. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Théâtre, Performance, Composition, Hasard, Bricolage, Pluralité, Combinatoire.

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Joli-Coeur, Sophie. "Refonder le lieu théâtral et la position spectatrice entre fiction et réalité : Vilar, Brook, Grotowski et Kantor face au public." Thèse, 2006. http://hdl.handle.net/1866/17950.

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Dumas, Catherine. "Still untitled = Encore sans titre : création scénique inspirée d'une partie de la série photographique Untitled films stills de Cindy Sherman, suivie d'une réflexion sur les caractéristiques stylistiques postdramatiques et performatives." Mémoire, 2011. http://www.archipel.uqam.ca/4326/1/M12249.pdf.

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Abstract:

La scène théâtrale postdramatique, telle qu'Hans-Thies Lehmann la décrit, a souvent recours à la mise en place d'éléments de réel et de fiction qu'elle proclame comme tels. Ce faisant, elle se rallie à la discipline de la performance et porte le spectateur à percevoir le théâtre en tant que « processus » de création et de représentation. La série photographique Untitled Films Stills de Cindy Sherman interpelle le public d'une façon similaire, par l'ambiguïté entre le réel et le simulacre que le sujet photographié, toujours Sherman, met en place. Nous constatons que plutôt que de présenter des illusions parfaites, le photographique et le postdramatique témoignent d'une volonté de produire des instants fictionnels qui s'affichent pour produire un discours sur le réel, leur pratique et sur les actants qui y participent. Le premier chapitre de ce mémoire convoque quelques théories concernant l'œuvre de Cindy Sherman. Le courant photographique dans lequel sa pratique s'inscrit, ses inspirations majeures, soit Diane Arbus et Andy Warhol, tout autant que l'inscription de sa démarche artistique sur son propre corps, confèrent à l'artiste une grande singularité. Nous appliquant par la suite à l'examen des illustres Untitled Films Stills, nous relevons les raisons pour lesquelles cette série évoque en nous un caractère énigmatique. Nous appuyant sur les théories de Rosalind Krauss, Régis Durand et Arthur Danto, nous soulevons la dualité entre le réel et la fiction que met en lumière l'œuvre de Sherman. Une fois l'œuvre initiatrice exposée, nous définissons les composantes esthétiques générales du théâtre postdramatique en nous attardant davantage au texte, à la présence et à la réception du public. Nous effectuons cette réflexion en regard de l'ouvrage intitulé Le Théâtre postdramatique d'Hans-Thies Lehmann. Nous nous intéressons ensuite à la notion de performance et plus particulièrement à l'idée de « présent continu » et de « marge » du théâtre tels que décrits par Josette Féral. Nous montrons par la suite pourquoi il est judicieux de recourir à la forme postdramatique pour créer notre essai scénique, qui divulgue notre point de vue sur l'œuvre de Cindy Sherman. L'essai scénique produit dans le cadre de cette maîtrise est l'exemple auquel nous recourrons afin de montrer que l'utilisation de quatre caractéristiques stylistiques du théâtre postdramatique (la mise en musique, l'irruption du réel, la parataxe et la simultanéité des actions) peut engendrer un discours à la fois sur l'œuvre citée, notre point de vue par rapport à celle-ci, ainsi que sur l'acte théâtral. Nous présentons comment nous avons décortiqué sur la scène, ce que l'instant et l'acte photographique chez Cindy Sherman condensent et camouflent partiellement à notre avis, révélant ainsi notre point de vue quant à l'œuvre initiatrice de ce projet. Étaler sur scène les souvenirs populaires, qu'évoquent en nous les photographies de Cindy Sherman, nécessite un examen attentif de ce qu'elles renferment. Écrire, mettre en scène et agir à titre de performeuse au sein d'un spectacle qui divulgue notre point de vue sur une œuvre, suppose non seulement de se commettre en tant que personne, mais également d'exposer la mémoire de sa propre culture. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Théâtre postdramatique, Cindy Sherman, Untitled Films Stills, Photographique, Réel

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G, Lachapelle Renaud. "La représentation de la réalité chez Bertolt Brecht." Thèse, 2019. http://hdl.handle.net/1866/22709.

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Buziak, Milena. "Grains de sable : essai scénique en théâtre documentaire suivi d'une réflexion sur l'utilisation du document sur scène." Mémoire, 2013. http://www.archipel.uqam.ca/5669/1/M12928.pdf.

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Abstract:

Le présent mémoire retrace mon enquête auprès de militaires canadiens sur leur participation en Afghanistan ainsi qu'auprès de leurs épouses, et explicite le processus de théâtralisation des éléments clés de cette recherche. La création qui en résulte, Grains de sable, est un essai en théâtre documentaire, où la scène sert de lieu de rencontres entre la réalité théâtrale et la réalité externe, où les vérités individuelles peuvent cohabiter et se répondre. J'ai expérimenté la transposition d'un document brut (les entrevues) sur scène en créant un espace de rencontre entre ce qui est, ce qui n'est plus et ce qui n'a jamais été, un univers poétique où les frontières entre le « réel » et la « fiction » oscillent et s'effacent. Le premier chapitre propose une réflexion autour de l'utilisation du document sur scène, en constatant que la définition du document influence la création et la réception d'une œuvre dite « documentaire ». Il retrace l'histoire du genre et fait un survol des créations documentaires contemporaines, tant au Canada qu'à l'international, en faisant la distinction entre les pièces « documentaires » et « verbatim ». Il propose aussi une classification des œuvres par rapport à l'utilisation et la présentation du document dans un schéma relationnel triangulaire, à savoir « objectif » - « subjectif » - « imagé ». La deuxième partie du premier chapitre se concentre sur la géopolitique de l'Afghanistan et la mission canadienne. Elle retrace aussi les étapes de ma recherche empirique. Le deuxième chapitre est concentré sur le processus de création de Grains de sable, tant au niveau du montage du texte que de la mise en scène. Il soulève certains paradoxes que pose la représentation du réel au théâtre, dans laquelle interviennent plusieurs couches de subjectivité, à partir du témoin, en passant par le meneur d'enquête, le dramaturge, le metteur en scène, le comédien et enfin le public. Plusieurs questions, artistiques et éthiques, traversent mon travail : comment mettre en scène le « réel »? Comment dépasser l'esthétique « verbatim » courante sans perdre le sens de ce type de démarche? L'artiste doit-il être passeur ou interprète? Comment, dans la création, ne pas trahir la confiance accordée par ceux et celles qui ont partagé leurs expériences avec moi? Comment éviter une banale imitation de l'entrevue et à la fois en rester fidèle? Comment mettre en scène un texte non-dramatique? Mes balises furent de mettre en place un procédé objectif dans la recherche et la transcription, d'accepter un procédé subjectif dans le montage des entretiens, tout en gardant le texte verbatim et en essayant de ne pas tomber dans le didactisme et le préjugé, pour avoir un propos nuancé. Enfin d'explorer un procédé imagé dans l'utilisation de l'espace scénique. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : théâtre documentaire, verbatim, guerre en Afghanistan, Forces canadiennes, témoin, document, réel, fiction, espace

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Boisvenue, Jean-François. "Darstellung und Wirklichkeit in Der Idiot und Die Dämonen, zwei Dostojewski-Bearbeitungen von Frank Castorf für die Volkbühne Berlin." Thèse, 2011. http://hdl.handle.net/1866/6299.

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Abstract:

Comme la représentation théâtrale est une forme d’art fugitive qui, en raison de son caractère performatif, possède son propre monde fictionnel, la question de l’oposition entre représentation et réalité occupe une place centrale dans les études théâtrales. Ainsi, les œuvres scèniques d’un metteur en scène comme Frank Castorf représentent des objets d’analyse particulièrement appropriés. Parce que Castorf met d’abord l’accent sur le moment présent et la réalité de la représentation théâtrale, il est légitime de se demander quelle est la part qu’occupe la représentation d’un monde fictionel dans ses spectacles. Ce travail vise précisément à identifier l’importance qu’accorde Castorf à la performativité dans deux adaptations théâtrales des romans de Dostoïevski Les démons et l’Idiot. Comme notre société donne une place grandissante aux médias reproductibles tels que la télévision et le cinéma, et que l’être humain tend toujours davantage à se méditiaser lui-même, le théâtre comme toutes les autres formes d’art s’en trouve transformé. C’est dans cette optique que ces deux adaptations théâtrales ont donné lieu à d’autres manifestations artistiques, soit deux films et deux livres. Cet ouvrage retrace également le processus de re-représentation, c’est-à-dire du passage d’un média à un autre, dans le but d’analyser l’interrelation entre ces œuvres ainsi que de comprendre les raisons qui ont poussé le metteur en scène et son théâtre, la Volksbühne Berlin, à transposer d’abord des romans en spectacle de théâtre pour ensuite en faire des films et des livres. De plus, malgré son utilisation croissante au théâtre, la vidéo représente encore pour certains puristes un envahisseur à bannir. Elle introduirait la perte de l’essence du théâtre : le caractère performatif, qui consiste en une rencontre du public et des acteurs dans un même espace-temps. Par contre, les images vidéo-projetées en direct peuvent conserver une part de performativité puisqu’elles sont susceptibles d’influer sur le spectateur, et inversement. En prenant comme exemple l’Idiot de Frank Castorf, ce travail montre comment les caméras et leur dispositif de transmission en direct ont la capacité de se substituer aux principaux objets du spectacle théâtral : les acteurs.
As a theatre performance is a volatile piece of art, as it has a performative character, and therefore possesses its own fictional world, the two concepts “representation” and “reality” are of meaning in theater studies. In this context, the works of the Berliner theater director Frank Castorf represent particularly rich research objects. Because Castorf give a lot of value to the present and the reality of the performance, it is to ask: what role does the representation of a fictional world play in the productions of Castorf? This work aims to first identify how important the performativity for Castorf in two theater adaptations of Dostoevsky's novels is for the stage, Die Dämonen und Der Idiot. Since man mediates his own phenomenon more and more and since in this context, the reproducible media like television or cinema has an overwhelming and increasing importance in our consumer society, the theater, like other art forms, has changed. For this reason, the two theatrical adaptations were transferred to other media, that is, in films and books. This work describes the process of "re-representation", i.e. the transition from one medium to another. Here will be analyzed the connections between the various works of art and the motivations of the Berliner director and his theater, The Volksbühne Berlin, to “repurpose” the novels in plays and plays in movies and books. Moreover, despite their increasing integration in theater, video projections are still seen by certain number of puristas as invaders to be proscribed because of their threat to theatre’s essence: performativity as the encounter between actors and an audience in the same space, at the same time. However, live video-projection images can maintain a performative nature since they are likely to generate mutual influences between themselves and the members of the audience. By analyzing Frank Castorf’s Der Idiot, this thesis shows how cameras and their transmission devices have the capacity to be substituted to the main objects of the theatrical show: actors.
Da eine Theateraufführung ein flüchtiges Kunstwerk ist, weil sie einen performativen Charakter hat und deswegen ihre eigene fiktionale Welt besitzt, ist das Begriffspaar Darstellung/Wirklichkeit in der Theaterwissenschaft von Bedeutung. In diesem Zusammenhang stellen die Theaterwerke des Berliner Regisseurs Frank Castorf besonders komplexe Forschungsgegenstände dar. Weil Castorf der Gegenwart und der Wirklichkeit der Aufführung eine große Bedeutung beimisst, stellt sich die Frage, welchen Platz die Darstellung einer fiktionalen Welt in den Inszenierungen Castorfs einnimmt. Diese Arbeit geht zunächst um den Platz des Performativen in zwei Theaterbearbeitungen von Dostojewskis Romanen Die Dämonen und Der Idiot für die Volksbühne Berlin. Da der Mensch sich mehr und mehr medialisiert und in diesem Kontext die reproduzierbaren Medien wie das Fernsehen oder das Kino, eine überwältigende und steigende Bedeutung in unserer Konsumgesellschaft haben, wird das Theater wie die anderen Kunstformen, verändert. Aus diesem Grund wurden die beiden Theaterbearbeitungen in andere Medien übertragen, in diesem Fall in Film und Literatur. Diese Arbeit beschreibt den Vorgang der „Re-repräsentation“, das heißt den Übergang von einem Medium zu einem anderen. Dabei werden die Verbindungen zwischen den verschiedenen Kunstwerken und die Motivation Castorfs analysiert, die Romane in Theaterstücke und die Theaterstücke in Filme sowie in Bücher zu übertragen. Darüber hinaus stellt das Video noch heute für einige Puristen – trotz einer steigenden Nutzung der Videotechnik auf der Theaterbühne – einen Fremdkörper dar, der von der Bühne verbannt werden muss. Er würde die Essenz des Theaters bedrohen: den performativen Charakter, der im gleichzeitigen Zusammentreffen von Akteuren und Zuschauern in einem gleichen Raum besteht. Allerdings können die Live-Videoübertragungen den performativen Charakter des Theaters teilweise bewahren, da sie das Publikum beeinflussen können; und umgekehrt. In dieser Arbeit wird durch die Analyse des Stückes Der Idiot von Castorf gezeigt dass die Kameras und ihr Live-Übertragungssystem das wesentliche Element der Theateraufführung ersetzen können: die Schauspieler.

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Dissertations / Theses on the topic 'Réalité – Au théâtre'

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