Dissertations / Theses on the topic 'Réception du drame antique'

La lamentation poétique dans le contexte d'une tragédie antique a impliqué la recherche scientifique de différentes manières. Dans le cadre de cette thèse, les aspects qui promeuvent la dimension politique de la lamentation seront étudiés : c'est-à-dire les lamentations théâtrales de la Grèce antique et la manière dont la dimension politique qui y est souvent contenue influence par le théâtre la réalité politique du Ve siècle. À travers une analyse de vocabulaire et une analyse structurelle des lamentations choisies, on tentera de montrer comment le deuil, un outil rituel, peut critiquer les plus importants comportements historiques, politiques et sociaux de son époque. Ainsi, en analysant le développement des lamentations politiques dans les tragédies d'Eschyle, de Sophocle et d'Euripide, nous allons tout d'abord nous familiariser avec un aspect très important du deuil, encore inexploré, et en même temps montrer, sous un angle différent, la relation entre la tragédie et la politique à l'époque classique. La deuxième partie de la thèse concerne la reprise de la tragédie antique en Grèce du XXe et XXIe siècle . Avec l'étude des traductions et des performances novatrices pour l'époque, nous clarifierons le rôle de l'élément lamentable dans les événements qui ont choqué le XXe et XXIe siècle et dans la création de nouveaux mouvements et idées théâtraux<br>The poetic lamentation of a tragedy provides the science with different kinds of research. As part of this thesis, the aspects that promote the political dimension of lamentation will be studied; that is, the theatrical lamentations of ancient Greece and the way the political dimension, that is often contained, influence the political reality of the 5th century through the theatrical plays. Through the vocabulary and the structural analysis of a certain choice of lamentations we will try to show how grieve, a ritual tool can caracterize the most essential historical, political and social aspects. Thus, by analyzing the development of political lamentations in the tragedies of Eschyle, Sophocles and Euripides, we will become familiar with a very important aspect of grieve, still unexplored, and at the same time, from a different point of view, with the relation between tragedy and politics during the classical era. The second part of the thesis is about the reception of the ancient greek tragedy in Greece during the XXth and XXIst century. The study of modern translations and pioneer theatrical plays shed the light on the role of the lamentation's element in the events that shocked the XXth and XXIst century and on the development of new theatrical mouvements and ideas

L’objectif de cette thèse est de retracer la façon dont s’est transmise l’œuvre de Chorikios de Gaza depuis le temps de l’auteur jusqu’à nos jours. Le livre se compose de cinq parties. Dans la première partie, nous présentons les éditions imprimées de l’œuvre de Chorikios et les études sur la fortune et la tradition manuscrite du rhéteur. La deuxième partie est consacrée à la tradition manuscrite directe : elle contient la liste des manuscrits et le catalogue de tous les témoins qui renferment l’œuvre du gazéen. Ensuite, dans le troisième chapitre, nous présentons le stemma codicum du Patroclus (l’œuvre la plus attestée dans les manuscrits), en expliquant le processus à travers lequel nous sommes parvenue à rassembler les manuscrits en plusieurs familles. Le quatrième chapitre est, finalement, consacré à la fortune de Chorikios à travers les siècles : après avoir donné des informations sur les premières éditions de l’auteur, on analyse la présence des extraits du rhéteur dans les florilèges sacro-profanes et dans les manuels de rhétorique, on relève les imitations qui ont été faites de Chorikios et, pour finir, on présente les personnages qui ont joué un rôle important pour la fortune du rhéteur. La dernière partie est constituée de l’Appendix, contenant les résultats de la collation des 58 manuscrits qui transmettent le Patroclus. En fin de volume, en plus des abréviations bibliographiques et des planches, figurent les indices des filigranes, des lieux, des manuscrits et des noms, ce qui permet au lecteur de retrouver rapidement les données qui l’intéressent<br>The objective of this dissertation is to show how the work by Choricius of Gaza has been transmitted from his time to the present. The volume is made up of five sections. The first section focuses on the printed editions of Choricius’ work and on the studies about his success as an author and about his manuscript tradition. The second part, dedicate to the direct manuscript tradition, includes the list and the catalog of all the Choricius’ manuscripts. The third chapter presents the stemma codicum of the Patroclus (the work that has been copied in the most of the manuscripts) and explains also the process by which the manuscripts were classified in families. The fourth chapter is mainly centered on the fortune of Choricius as an author during the centuries. Firstly, information on the first editions of Choricius is provided, then the presence of extracts by the rhetor in the sacro-profane florilegia and in the manuals of rhetoric is analyzed, and then the imitations that were made of Choricius are noted. Finally, in the same section, there is an analysis of the characters who played an important role for the fortune of the rhetorician. The Appendix is the last section: it contains the results of the collation of the 58 manuscripts that have transmitted the Patroclus. At the end of the volume, besides the bibliographic abbreviations and tables, there are the indices of watermarks, places, manuscripts and names, which allow the readers to find the information they need

Consacrée à la diffusion et à la réception des mythes grecs dans l'espace illyrien antique, cette recherche vise à analyser les principaux récits mythiques localisés par les sources littéraires grecques et latines dans cette région, véritable espace charnière entre la mer Adriatique et le territoire balkanique. L'exégèse du mythe de Cadmos, de sa métamorphose en serpent, de son exil et de son règne en Illyrie fait l'objet d'une première partie : la dimension terrestre de ce héros, son enracinement dans la région illyrienne et sa réception de la part des indigènes sont mis en relation avec le contexte historique des fréquentations grecques de l'arrière-pays illyrien. Dans la deuxième partie, l'espace adriatique illyrien est analysé à la lumière du mythe des Argonautes, du parcours adriatique des offrandes hyperboréennes et de la légende de Diomède, héros maritime des échanges trans-adriatiques, en vue d'établir un bilan des trafics qui s'y déroulaient et de leurs acteurs grecs. Une troisième et dernière partie réunit sous le dénominateur commun des identités plusieurs récits et personnages mythiques (voyages de retour des héros homériques, duel entre Achille et Memnon, légendes sur Polyphème, Héraclès, Adrias et Ionios) utilisés afin de créer des généalogies mythiques au service des peuples et des dynasties locales, de promouvoir la propagande politique ou de légitimer la possession du sol colonial. Par le biais d'une approche anthropologique et à l'appui des concepts de frontier history et d'ethnicity, l'étude propose ainsi une lecture de la présence grecque en Illyrie et des dynamiques engendrées par les contacts entre Grecs et indigènes dans le territoire illyrien<br>This research, dedicated to the diffusion and the reception of Greek myths within the ancient Illyrian area, aims to analyse the main myths localized by the Greek and Latin literary sources in such region, authentic intermediary between the Adriatic sea and the Balkan territory. The exegesis of Cadmus' myth, of his metamorphosis into a snake, of his exile and of his Illyrian kingdom is the subject of the first part: the earthly dimension of such hero, his rooting in the Illyrian area and his reception by the natives are related to the historical context of the Greek frequentations with the Illyrian inland. In the second part, the Adriatic Illyrian area is analysed in the light of the Argonauts' myth of the Adriatic route, of the hyperborean offers and of the Diomedes’legend, the maritime hero of trans-adriatic exchanges, in order to determine a traffic's balance there occurred and of their Greek actors. Finally, a third and last part assembles, under the common denominator of the identities, several tales and mythical characters (homeward journeys of the Homeric heroes, the duel of Achilles with Memnon, the legend about Polyphemus, Heracles, Adrias and Ionios) used for the purpose to create some mythic genealogies at the service of the people and of the local dynasties, to promote the political propaganda or the possession of the colonial soil. So, through an anthropological approach and relating to the ideas of frontier history and of ethnicity, such study suggests a reading of the Greek presence in Illyria and of the dynamics caused by the contact between the Greeks and the natives within the Illyrian area

Cette recherche étudie les lettres de Paul de Tarse, telles que conservées dans le Nouveau Testament, dans le contexte des pratiques épistolaires antiques, principalement judéennes. L’interrogation initiale est double : d’une part, elle porte sur le potentiel documentaire offert par les sources de type épistolaire et, d’autre part, sur le potentiel pragmatique spécifique du médium épistolaire pour induire des changements chez les destinataires. Les lettres de Paul ont été écrites non pour consigner des réalités ou des vérités d’autrefois en tant que telles, mais pour communiquer efficacement auprès de cercles divers et variés de destinataires. Cette double interrogation est déployée en amont, parmi les pratiques susceptibles d’avoir servi de modèle, comme celle liée à la lettre aux exilés insérée narrativement dans le Livre du prophète Jérémie (chapitre 29). Celle-ci a servi de modèle de communication à distance pendant plusieurs siècles parmi différents milieux de la Diaspora judéenne. Est ensuite interrogée la pratique épistolaire de Paul lui-même, en particulier celle déployée dans sa IIe Lettre aux Corinthiens (chapitres 10-13). Cette séquence, écrite au moment d’une très forte remise en question de son autorité d’apôtre, montre bien le potentiel pragmatique que Paul reconnaissait au médium épistolaire, ceci en convoquant notamment l’autorité de Jérémie. Enfin, en aval, on s’intéresse aux débuts l’histoire de la réception de l’autorité d’épistolier de Paul. Celle-ci montre comment on a reconnu très tôt à l’apôtre Paul une autorité d’épistolier, à l’instar des prophètes écrivains de l’ancien Israël<br>This research examines the letters of Paul of Tarsus, as preserved in the New Testament within the context of letter writing of that time, principally Judean ones. The initial examination questions both the potential of sources such as letters to provide information about an era, and the specific pragmatic potential of the epistolary medium as a means of inducing change in its recipients. As such, the letters of Paul were written not to conserve the historical realities or truths of the past, but to communicate efficiently with diverse circles and various recipients. The two-part examination is used to gain a perspective on the practices of the time, which may have been used as models for epistolary writing. The letter addressing the Judean Diasporas exiles inserted into the narrative of the Book of Jeremy (chapter 29) is such a model, providing a means of communicating over distance and time among the different groups. The epistolary practice of Paul himself is then examined. In particular, his Second letter to Corinthians (chapters 10-13), written in a moment of intense self-examination as his apostolic authority was questioned, is a good example of the pragmatic potential that Paul recognised in the epistolary medium, particularly in light of the prophet Jeremy. Finally, the beginnings of the apostle Paul’s epistolary writing and it’s reception are explored, showing how his credibility as an apostolic authority was quickly and easily recognised as being of the same quality as those of the prophet writers of ancient Israel

Lorsqu’un travail critique se propose d’étudier la présence du latin et de la culture classique chez des écrivains contemporains, c’est à la notion d’héritage que l’on pense tout d’abord. Mais cette notion d’héritage pose problème. Elle doit être considérée avec prudence, comme un possible leurre, même si elle est avérée dans les œuvres de nos trois auteurs, de par certains phénomènes formels itératifs, citations latines, ainsi que la transposition de textes antiques. S’il est donc évident que lesdites œuvres affichent une apparente continuité à la fois au niveau formel et au niveau des contenus de culture, l’Antiquité latine réinvestie perd son statut particulier : elle n’est ni objet du texte, ni voix de l’autorité, ni preuve d’érudition (même si elle feint de l’être), ni trésor d’outils rhétoriques qui favorise la séduction : au contraire, elle est un piège posé au lecteur qui fait trop confiance à sa culture. Le réinvestissement de la culture et des textes antiques que nos trois auteurs pratiquent s’approche dangereusement tantôt du stéréotype, du lieu commun, tantôt d’une réutilisation complètement personnelle de la culture antique. Le latin s’avère ou bien un produit de leur imagination d’écrivain (et en tant que tel il n’est pas tout à fait identifiable à la langue morte que nous connaissons), ou bien il fait partie de la productivité textuelle de l’écriture et passe du statut de texte à celui de matériau réutilisable. Le rapport qu’entretiennent Claude Simon, Pascal Quignard et Jean Sorrente avec le latin relève donc du paradoxe : ils réinventent, voire réécrivent l’Antiquité<br>When a critic’s work intends to focus on the presence of Latin and classic culture in the work of contemporary writers, one thinks foremost of the notion of heritage. But it is this notion of heritage that poses a problem. One has to approach it in a very prudent way, as if it would be a lure, even though it is attested in the works of our three authors, through the use of recurrent formal parallels, Latin quotations, and the transposition and rewriting of ancient texts. Indeed, though it is evident that these works show an apparent continuity both in form and in cultural content, the reinvested Latin Antiquity looses its particular status: it is neither object of the text, nor voice of the authority, nor proof of erudition (although it sometimes pretends to be), nor treasure box of rhetorical tools that help seducing the reader: on the contrary, it is a trap for the reader who places his trust solely in his cultural knowledge. The reinvestment that our three authors apply to the Latin text and culture gets dangerously close either to the stereotype, the commonplace, either to a completely personal reuse of antique culture. Latin is thus either a product of their artistic imagination (and as such cannot be totally identified with the dead language that we know), either part of the textual productivity of their writing, which means that it must be considered as a reusable material rather than an autonomous text. The bond that ties Claude Simon’s, Pascal Quignard’s and Jean Sorrente’s works to the Latin is thus paradoxical in nature: what they do is reinventing, or rather rewriting Antiquity

Au tournant du siècle dernier, en France, la tragédie grecque antique fait l'objet d'une étonnante sollicitation. Traductions nouvelles (ou proclamées telles) accompagnées d'une théorisation inédite des problèmes spécifiques que pose la traduction des textes antiques, représentations innombrables du répertoire antique exploré pour la première fois sur la scène française dans sa diversité, renouvellement de l'interprétation critique, favorisé par les apports conjoints de l'archéologie et de la philologie : autant d'indices qui signalent un tournant dans la réception de ces textes classiques. Souvent réduit par l'histoire littéraire à un tardif avatar du philhellénisme romantique, ou à une manifestation parmi d'autres de l'anticomanie fin-de-siècle, ce phénomène n'a pas été exploré pour lui-même. Les deux premières parties de l'étude décrivent la diffusion de ces textes dans la période envisagée : traductions, adaptations, éditions (première partie), mises en scène (deuxième partie) ; la présentation privilégiera l'étude précise d'échantillons, retenus à la fois pour représentatifs de tendances générales et pour leur impact sur le public. La troisième partie présente une étude thématique du discours critique et tente d'articuler l'interprétation critique de la tragédie grecque proposée alors et les efforts multiples et contradictoires déployés, au même moment, pour définir les conditions d'un renouvellement du théâtre et d'une renaissance du genre tragique<br>At the turning of last century, ancient Greek tragedy seem to provoque a particular interest: new translations such as these of Leconte de Lisle or Claudel, accompanied by a reflexion about specific problems of translation of classics texts ; setting ; change of the traditional interpretation, with new results of archeology and philology. The two first parts describe the diffusion of these text during that period : translastions, adaptations, editions (first part), settings (second part). The third part is a thematic study of the critical interpretation, connected with the theorical reflexion elaborated at that time about the possibilities of renovating theater and regenerating tragedy

Le sujet posé a pour but d’identifier le théâtre importé de Pologne et de déchiffrer le rôle qu’il joue dans la vie théâtrale française ainsi que dans le contexte culturel de la France. La présence du théâtre polonais de 1989 à nos jours en France est conditionnée par plusieurs facteurs : les relations historiques et culturelles entre les deux pays, l'activité des institutions et des personnes médiatrices, la vie théâtrale française et ses composantes. Jerzy Grotowski et Tadeusz Kantor continuent à garder leur importance pour le milieu théâtral français. Il se crée dans la conscience du spectateur/critique français une opinion que le théâtre polonais, comme celui de Kantor et de Grotowski, est un endroit laboratoire, où le temps du spectacle est sacré. Ce sont les théâtres d'art de Krystian Lupa et de Krzysztof Warlikowski qui s'avèrent de nouvelles révélations artistiques. Leurs œuvres démontrent la complexité de l'homme. Leur réception s'élargit sur les stages, les créations avec les artistes français et les mises en scène d'opéra pour Warlikowski. Cependant, ces metteurs en scène viennent en France très rarement avec les adaptations d’œuvres dramatiques polonaises. Les auteurs dramatiques polonais ont donc une certaine réception en France, surtout Witold Gombrowicz, Stanisław Witkiewicz, Sławomir Mrożek qui passe par le chemin des traductions et des mises en scène proposées par des artistes français. La lecture de l'autre à travers le théâtre est supposée rester une lecture partielle, le récepteur n'ayant pas le même vécu historique que l'objet perçu. Néanmoins, malgré sa partialité, elle jette une nouvelle lumière sur le théâtre polonais<br>This study represents an attempt to identify the Polish theater brought to France since 1989 and to analyse the role it currently plays in contemporary theatre in France as well as in the broader cultural context. Its very presence depends on several factors: historical and cultural relations between the two countries, related institutional and individual activity, as well as the French theatrical life itself and its components.Jerzy Grotowski and Tadeusz Kantor continue to maintain their iconic status in the French theater community. There is a well-rooted understanding of the Polish theater as an experimental space (by French theatergoers and critics alike and accomplished precisely through Kantor's and Grotowski's impact), where bearing witness to on-stage action is a sacred. Krystian Lupa's and Krzysztof Warlikowski's art theater appears to be the latest to date of artistic discoveries. Their works are seen as primarily dealing with complexities of human nature. What follows are internships, joint projects with collaborating French artists and opera productions (Warlikowski). Simultaneously these very same stage directors rarely bring their own adaptations of Polish drama repertoire to France.However, Polish playwrights in general do generate interest. This is particularly true for Witold Gombrowicz, Stanisław Witkiewicz, Sławomir Mrożek, but tends to happen another way through French translated and staged versions.Understanding the other through theater is often assumed to be an incomplete reading, as the reader does not have the same baggage of lived history as the object of his or her perception. Yet despite this obvious bias, this reading sheds a new light on the Polish theater

A partir d'un corpus de 157 films italiens muets mettant en scène l'antiquité, cette recherche se divise en deux parties. La première aborde les films comme une série documentaire. Une étude quantitative permet d'appréhender l'évolution statistique de l'emploi du thème de l'antiquité entre 1900 et 1930, en le replaçant dans un contexte international puis en le situant, dans la cinématographie italienne, par rapport aux autres périodes historiques traitées. L'étude de la réception des films à sujet antique peut se faire à travers les comptes rendus, puisqu'il semble qu'ils sont considérés comme le fer de lance de la production nationale. La seconde partie se veut une approche qualitative. A travers l'analyse de plusieurs films, il apparaît que l'adaptation de l'antiquité n'est jamais innocente et a toujours un lien avec les préoccupations du présent. Au-delà du divertissement et de l'exotisme, il y a toujours une part de discours idéologique interne à l'Italie ou vis-à-vis de l'étranger<br>Based on 157 Italian silent films presenting antiquity, this project is bipartite. Part one studies the films as a series of documents. A quantitative study yields an understanding of the statistical evolution of the use of the theme of antiquity between 1900 and 1930, first in Italian cinematography, then in the international context and finally in relation to other historic periods. Reception of films on the subject of antiquity, considered the spearhead of national film production, is studied through film reviews. The second part offers a qualitative approach. Through the analysis of several films, it is apparent that the adaptation of antiquity is never innocent and is always linked to the preoccupations of the present. Beyond entertainment and exoticism, there is always the facet of ideological discourse internal to Italy or vis-à-vis foreign countries

Le mythe de Médée, reçu par la première modernité comme un paradigme complet depuis la Conquête de la Toison d’or jusqu’à son retour sur le trône de Colchide, compose un prisme à multiples facettes : « Médée-tueenfant » (La Péruse), le personnage légué par la tragédie attique et devenu archétype d’une violence contrenature, y croise Médée magicienne, qui bouleverse le lignage et la ligne du temps, mais aussi la princesse orientale éprise d’un héros civilisateur. Pétrie par la culture chrétienne et admise au répertoire des arts officiels, cette figure ambivalente se rend perméable aux recherches esthétiques et aux débats éthiques des Temps modernes, en vue de l’expression de l’horreur, de l’allégorisation de la gloire, comme dans la représentation des passions.Or, la fondation de l’Ordre de chevalerie de la Toison d’or au duché de Bourgogne, en 1430, jusqu’à la fin de la Guerre de succession d’Espagne où se redessine la carte des puissances européennes, fait de la fable un miroir fictionnel privilégié des jeux de pouvoir entre les grandes dynasties européennes, en tant qu’instrument du discours programmatique du Prince. Dans le paysage culturel d’influences communes que forment les Cités-États de l’Italie et le royaume de France, cette étude montre, par la réunion de l’iconographie de Médée, l’analyse de saprésence dans les imprimés et de ses réécritures à la scène d’après l’antique, comment les échanges entre les arts visuels et les arts du texte oeuvrent à l’établissement d’un motif héroïque paradoxal. Ou comment Médée « devient Médée », renouvelant le serment que lui avait fait jurer Sénèque : « Fiam »<br>The exceptional scope provided by the myth of Medea, which spans from the Conquest of the Golden Fleece to her return to the throne of Colchis, was received in its entirety by the Early Modern Arts and offers a multi-faced prism : Medea “tue-enfant” (La Péruse), the character left by the Ancient ancient Greek tragedy that became an archetypal figure of monstrous violence, crosses the path of the oriental lover of a civilizing hero, and also the enchantress who scatters lineages and timelines. Sculpted by the Christian culture and allowed into the official artistic repertory, this ambivalent figure absorbs the aesthetics and ethical debates of modernity. Indeed, Her Medea’s myth can be used for the expression of horror, allegories of glory, as well as expression of the passions.In addition, from the establishment of the Order of the Golden Fleece, by the Duke of Burgundy in 1430, to the end of the War of the Spanish Succession (which redefined the entire map of major European powers), Medea’s myth becomes one of the most efficient fictional mirrors of the political disputes between the most influential families of Europe, as an instrument of the publication of the Prince programme. Into the landscape of the cultural influences shared by the States of Early Italy and the French Kingdom, this study intends to show, by analysingthe spread of iconography of Medea, her presence in printed material and her classical performance reception and rewriting, how the exchanges between visual and literary productions work towards the definition of a paradoxical heroic standard. Where Medea “becomes Medea” and renews the oath that Seneca made her take: “Fiam”

L’objet de cette thèse porte sur la pratique de la copie d’après l’antique et les maîtres à l’Académie de France à Rome sous la direction de Charles-Joseph Natoire entre 1752 et 1775. Il s’attache au domaine du dessin et s’étend aux artistes qui gravitent dans l’orbite de cette institution. Sont examinés tout d’abord le cadre institutionnel, le lieu et les enseignements obligatoires afin de définir le contexte dans lequel se pratique le dessin d’après l’antique et les maîtres. La réalisation de copies peintes en dehors du palais Mancini ouvre sur la question d’une dichotomie entre modèles imposés et choix des pensionnaires lors de l’exécution d’études dessinées dans les basiliques, les églises, les palais et les musées de Rome. La deuxième partie propose une analyse comparative entre les sources antiques puis modernes sélectionnées et les interprétations graphiques des pensionnaires. Elle offre un aperçu des lieux les plus fréquentés, des types d’œuvres privilégiés et de la réception de l’antiquité comme des sculptures et des peintures du Quattrocento au Settecento. L’examen des commandes de quatre amateurs démontre leur influence sur les travaux des pensionnaires et permet de définir d’autres formes d’utilisation des copies dessinées. Enfin, nous nous intéressons à la conservation et à la circulation des dessins comme témoignages matériels des relations entres pensionnaires et proches de l’Académie. Elles reflètent des pratiques artistiques individuelles ou partagées. Elles attestent le rôle de modèle assumé par certains et les fonctions de la copie par-delà le séjour à Rome<br>The aim of this dissertation covers the practice of copying after the Antique and Masters at the French Academy in Rome while Charles-Joseph Natoire was its director between 1752 and 1775. It relates to the field of drawing and extends to the artists who gravitated around this institution. First the institutional context is considered, the premises and compulsory classes, in order to define the context in which drawing after the Antique and the Masters was practiced. The creation of painted copies outside the Palazzo Mancini raises the question of a dichotomy between models imposed and the choices of the pensionnaires when they were drawing studies in the basilicas, churches, palaces and museums of Rome. The second section provides a comparative analysis between the ancient and modern sources chosen and the pensionnaires’ interpretation of them. It provides an overview of the most commonly visited locations, the types of works favoured and the reception both of antiquity and sculptures and paintings from the Quattrocento to the Settecento. A study of four connoisseurs who commissionned drawings shows their influence on the pensionnaires’ work and allows other uses of drawn copies to be defined. Finally the conservation and circulation of drawings as material evidence of the relations between pensionnaires and those close to the Academy is examined. These confirm the role as a model assumed by some and the functions of the copy beyond an artist’s time as a student in Rome

La réception d’Athéna dans l’imagerie officielle et la mise en scène du pouvoir au XIXe siècle, en France, témoigne des processus de légitimation des pouvoirs publics par l’héritage antique. L’empan chronologique de cette étude (1789-1914), mettant en avant une diachronie marquée par un contexte politique français instable, où se succèdent les régimes, permet de relever les particularités et les constantes de ces mécanismes de réappropriation. Les recherches archéologiques et historiques du XIXe siècle proposent un portrait de plus en plus complet de la déesse, accordant une place croissante à son iconographie et la distinguant progressivement de son pendant romain, Minerve. Grande déesse de la guerre dotée de mètis, patronne des héros et des arts et métiers dans l’Antiquité, Athéna devient, dans un contexte post-polythéisme, l’allégorie de la Sagesse, la représentante de la Grèce et de son héritage, la protectrice de toutes les activités intellectuelles et artistiques, et la guide des grands hommes qui font la France. Elle est naturellement utilisée dans l’imagerie des administrations militaires et culturelles, mais aussi dans la protection du pouvoir en général, et de ses manifestations les plus directes auprès du public, notamment le domaine de la loi. Figure légitimatrice, elle peut aussi bien protéger le pouvoir, que l’incarner elle-même, personnifiant régulièrement de hautes entités, telles que la France, la Patrie ou la République, faisant ainsi concurrence à la figure de la Liberté, au bonnet phrygien<br>Athena’s reception in official imagery and pictures of power in the French 19th century shows the public authority’s legitimization processes, using the antic heritage. The period studied by this research (1789-1914) bears the marks of a precarious politic context, with unstable regimes and aims to highlight the distinctive characteristics and constants of these mechanisms. Archeological and historical researches of the 19th century build a more complete portrait of Athena, giving more importance to her iconography, and progressively distinguishing her from the Roman goddess, Minerva. Great warrior goddess, gifted with mètis, patroness of heroes, arts and crafts in Antiquity, Athena becomes, in a post-polytheism context, the allegory of Wisdom, the representative of Greece and its heritage, the protector of all intellectual and artistic activities and the guide of French rulers. She is used in imagery of military and cultural administrations, but also in power’s protection in general, and all its manifestations to the public, such as law’s field. Figure of legitimization, she can also embody power, regularly personifying high entities like France, Motherland or the Republic, being in competition with the allegory of Liberty, with the Phrygian hat

Les XVII et XVIIIe siècle furent marqués par l'apogée des premiers empires coloniaux européens en Amérique du nord. Cette course aux colonies culmina avec la Guerre de sept ans (1756-1763) et la guerre d'Indépendance américaine (1775-1783). Cette époque fut également celle de la redécouverte des sources antiques, mythologiques ou historiques, qui inspirèrent nombre d'auteurs modernes dans leur compréhension du phénomène colonial.Ce travail s'attachera à comprendre la manière dont fut perçue la colonisation grecque dans le courant des Temps modernes, et comment les auteurs français, britanniques, néerlandais ou américains établirent des parallèles entre la colonisation de leur temps et les colonies des anciens Grecs. On s'intéressera à cet égard aux sensibilités politiques ou culturelles des divers auteurs, qui influèrent sur leurs façons de percevoir le colonialisme, que ce soit pour le soutenir ou le combattre.<br>During the XVIIth and XVIIIth centuries were the first european colonal empires at their highest points. The colonial race ended with the French and Indian war and the American Independence war. That period saw the rediscovery of ancient mythologic or historic sources, that helped many writers to understand the colonial evolution.The purpose of this thesis will be to understand how ancient Greek colonization was percieved during Modern Times and how authors compared the ancient colonies to current situations in North America.<br>Doctorat en Histoire, histoire de l'art et archéologie<br>info:eu-repo/semantics/nonPublished

Cette thèse tâche d’embrasser la production scénique de Felix Mendelssohn Bartholdy, en particulier ses musiques de scène pour la cour du roi de Prusse, qui connurent un grand succès au XIXe siècle. Le roi de Prusse Frédéric-Guillaume IV voulait alors renouveler le théâtre par la représentation d’œuvres antiques et de pièces de Shakespeare. Je souhaite comprendre comment ces œuvres, dictées par un arbitraire royal, à une époque où ces deux modèles esthétiques semblent passés de mode ont pu être l’un des points de départ, en Europe, d’une nouvelle réflexion sur l’Antiquité comme source d’inspiration, ainsi que de la création d’œuvres inspirées de l’Antiquité, sous la forme d’opéras sérieux ou parodiques et de musiques de scène.D’autre part, ces recherches et l’analyse des œuvres scéniques de Felix Mendelssohn Bartholdy permet d’envisager quelles ont pu être les idées dramatiques d’un compositeur extrêmement cultivé qui parlait grec et latin mais n’écrivit jamais ses propres livrets – à la différence d’un Berlioz ou d’un Wagner – et sembla toujours éprouver des difficultés à trouver un livret d’opéra qui lui permît d’exprimer ses idées musicales et dramatiques. Or, dans ses musiques de scène, le compositeur a toujours été au-delà de ce qui était attendu dans ce genre, recherchant peut-être, à une époque dite de « crise » des genres dramatiques en Allemagne, une nouvelle façon d’unir texte et musique, une nouvelle voie dramatique entre opéra, théâtre, oratorio et mélodrame<br>This Dissertation aims at embracing Felix Mendelssohn Bartholdy’s stage music, more particularly his works composed for the court of the King of Prussia, which were much admired in the nineteenth century. The King of Prussia Frederick William IV wished to renew the theater by imposing the representation of classical and Shakespearean plays, at a time when these two aesthetic models seemed out-dated. I would understand how these works, dictated by an royal arbitrariness, were one of the starting points in Europe of the creation of works inspired by antiquity, music pieces ranging from parodic or serious operas to incidental music. Moreover, this research into and analysis of Felix Mendelssohn Bartholdy’s stage works allows us to consider what could be the dramatic ideas of a highly educated composer who could speak Greek and Latin, but never wrote his own librettos – unlike Berlioz or Wagner – and always seemed to have difficulty finding a libretto that would enable him to express his musical ideas and visions for the stage. However, in his incidental music, the composer always went further what was expected in this genre, searching perhaps, in a so-called period of « crisis » of drama genres in Germany, a new way of combining text and music, a new dramatic path between opera, drama, oratorio and melodrama

Auteur emblématique de la Modernité viennoise, Hofmannsthal valorise pourtant systématiquement les notions de classicisme et de tradition littéraire, selon lui davantage instituées en France que dans les pays germanophones. Cette thèse étudie sa perception de l’héritage de la culture française, qui représente à ses yeux, d’une manière rendue critique dans le contexte de crise du tournant des XIXe et XXe siècles, un modèle esthétique et civilisateur. Elle montre la coïncidence surprenante établie par Hofmannsthal entre la création théâtrale et la référence française, toutes deux placées sous le signe d’un lien social. Elle procède pour ce faire en analysant chronologiquement le regard que porte l’auteur autrichien sur les siècles de la littérature française classique, de ses prémices, à l’époque de la Renaissance, à ses variantes tardives, sous les Lumières. Elle y distingue une continuité dans l’exigence humaniste, une certaine posture moraliste, un idéal de littérature populaire et un modèle formel et générique canonique, quoique empreint de légèreté, qui selon Hofmannsthal fait cruellement défaut en Allemagne et en Autriche. Elle révèle également à quel point son œuvre, et particulièrement son théâtre, se nourrit de cette littérature étrangère, au point de revendiquer à travers elle une forme de classicisme. Elle montre ainsi comment Hofmannsthal, en cherchant à accroître les échanges intellectuels entre la France et son pays, incarne une figure d’auteur paradoxalement originale, à mi-chemin entre une vocation diplomatique européenne et une forme de moralisme moderne<br>Hofmannsthal, considered to be one of the eminent members of Viennese Modernity, systematically emphasizes, however, the notions of classicism and literary tradition, which are, according to him, more established in France than in german-speaking countries. This dissertation studies his perception of the inheritance of French culture, which represents for him an aesthetical and civilizing pattern, in a way that becomes problematic in the context of cultural crisis at the turn of the 20th century. It shows the surprising coincidence Hofmannsthal points out between the process of creating for the theatre and the reference to France, which are both deemed to contribute to the fabric of society. It proceeds to analyse the look the Austrian author casts on the history of French classic literature in chronology, from its beginnings, in the Renaissance, to its late variations, in the age of Enlightenment. It underlines a continuity in the humanistic involvement, an attitude that stresses the importance of moral choices, an ideal of popular literature and a formal and generic canonic pattern which, though also marked by a certain lightness, is strongly missing, according to him, in Germany and Austria. It also reveals how much his works, and especially his plays, find their impulse in this foreign literature, so that, through it, they seem to claim a kind of classicism. It shows then how Hofmannsthal, by trying to develop intellectual exchanges between France and his country, embodies a paradoxically original type of author, at the crossroads between a European diplomatic vocation and modern moralism

Au VIe siècle avant J.-C., Solon a joué un rôle politique important à Athènes. Législateur, il a établi des lois. Législateur, mais aussi poète : des fragments poétiques qui vont du poème complet à un simple vers nous ont été transmis grâce à des auteurs postérieurs. Jusqu’à présent, les études sur Solon ont, pour la majeure partie, cherché à mieux cerner le législateur athénien d’une part, à comprendre la pensée postulée dans les poèmes d’autre part. Ces démarches visent toutes deux à enrichir notre connaissance lacunaire du VIe siècle avant J.-C. Le scepticisme appliqué aux sources de la tradition indirecte, qui nous apporte des informations sur Solon, a ouvert de nouvelles perspectives. Le projet que nous proposons s’inscrit dans cet héritage. Nous nous intéressons aux auteurs des Ve et IVe siècles avant J.-C. pour analyser, dans la lettre du texte, ce qu’ils disent de Solon et surtout, la manière dont ils le disent. Ainsi, il sera possible de saisir les dynamiques de transmission, de mutation et d’appropriation de cette figure d’autorité chez chacun des auteurs de notre corpus, car tirée à hue et à dia, la figure de Solon a servi des causes fort différentes. Puisque la tradition conditionne fortement les interprétations de la poésie solonienne et l’étude de son action politico-législative, il était nécessaire de revenir à la source même de toutes ces interprétations. Dès lors, il sera possible d’enrichir notre connaissance de l’histoire politique et intellectuelle de l’Athènes démocratique du IVe siècle, mieux comprendre le rapport qu’elle entretient avec son propre passé, mais aussi saisir comment se construit une argumentation politique et une idéologie propre à une société donnée à un moment précis de son histoire<br>In the 6th century B.C., Solon played an important role in the city of Athens. As a lawgiver, he established laws for the Athenians. But he was also a poet : Solon's poetic fragments – entirely poems or a single verse – have been passed on later by authors. Up until now, scholars have tried, on the one hand to understand the reforms of the lawgiver and one the other hand to study his poems. Both of these approaches aim to improve our incomplet knowledge about the 6th century B.C. But the sources of the indirect tradition have been submit to skepticism. This allows new and fresh perspectives for Solonian studies. The scope of my PhD Thesis follows this skeptic approach : I will analyze most of the authors of the 5th and 4th centuries B.C., what they say and do about Solon. It will allow us to thus understand the dynamics of transmission, of mutation and of appropriation which occur to this authoritative figure in each text of the corpus. Because tradition heavily influences all the interpretations of Solonian poetry and reforms in the field of politic and legislation, it requires us to go back to the first sources of these various interpretations. I hope this study will help us increase our knowledge of the political and intellectual background of the Athenian Democracy of the 4th century B.C., and clarify which kind of connexion exists between the polis and its own past. Last but not least, this study contributes to understand how a political argumentation and a democratic ideology can be shaped by forensic discourses

Cette étude examine la lecture des textes de théâtre comme des textes de fiction, visant à faire sortir ce genre de lecture du cadre de l’analyse textuelle au sein duquel on a tendance à l’enfermer. L’examen s’effectue à la lumière de l’interrogation sur le suicide dans le drame français du XIXe siècle : son objectif est de cerner l’effet que le suicide d’un personnage exerce sur le lecteur. Pour ce faire, nous nous servons du concept de lecteur virtuel, destinataire implicite et atemporel des effets du texte selon Vincent Jouve ; ce lecteur immerge au sein du monde possible de fiction soutenu par le dispositif qui se fonde sur la tripartition Réel - Symbolique - Imaginaire de Lacan.La réflexion est structurée en cinq parties : l’introduction théorique est suivie des analyses qui portent, respectivement, sur le mélodrame, le drame romantique, le drame naturaliste et le drame symboliste. En nous penchant sur l’effet du suicide fictionnel sur le lecteur, qui est systématiquement relié au questionnement de la catharsis, nous traitons également de l’évolution des formes et genres théâtraux évoqués dans l’optique de la lecture « virtuelle ». Ainsi, lire le drame français du XIXe siècle, c’est voyager de la certitude optimiste du mélodrame à l’indétermination tragique du drame symboliste, du suicide effectif aux morts probablement volontaires, de la catharsis « larmoyante » à l’anticatharsis<br>This study examines the reading of drama texts as the reading of fictional texts, aiming to broaden the current approach according to which the reading of drama texts is mainly limited to text analysis. This question is examined in the light of the issue of suicide in 19th-century French drama. The principal aim of this study is therefore to understand the impact of the character’s suicide on the reader via the detailed analysis of the ins and outs of the suicidal act. The study applies Vincent Jouve’s concept of the virtual reader, who is defined as an implicit and atemporal recipient of the text effects. This reader emerges in a fictional world that is supported by an operative device (dispositif) based on the Lacanian triptych of the Real, the Symbolic and the Imaginary.The dissertation consists of five chapters. The theoretical discussion is followed by four chapters that deal, respectively, with melodrama, romantic drama, naturalist drama, and symbolist drama. In addition to the effect of the fictional suicide on the reader (which is systematically connected to the catharsis), the evolution of theatrical genres and forms is explored from the perspective of “virtual” reading. Thereby, the reading of 19th-century French drama could be viewed as a journey from the optimistic certainty of melodrama to the tragic indeterminacy of symbolist drama, from actual to probable suicides, from “sorrowful” catharsis to anticatharsis

La postmodernité est peut-être une époque de crise des humanités : depuis les années 60, l'apprentissage du latin et du grec est en chute libre. Les arts n'en continuent pas moins, toutefois, de recourir à la matière antique. Dans les arts à récit, c'est-à-dire à dominante narrative, l'esthétique postmoderne traite moins l'Antiquité comme une source de genres à imiter et adapter, à la manière des classiques, ou comme un ensemble de récits à parodier et transposer, à la façon moderne, que comme un corpus de textes auquel recourir pour pasticher les genres, déconstruire les récits, et notamment les " méta-récits ", les grands récits à message, les idéologies. L'Antiquité gréco-latine y fonctionne soit comme un autre passé, un autre monde, païen, homo-érotique, à opposer au nôtre, soit comme un nôtre passé, impérialiste, sexiste, une origine des " grands récits ", à laquelle remonter pour les déconstruire. Cependant, l'esthétique postmoderne n'englobe pas tout l'art de l'époque postmoderne. Les esthétiques classiques et modernes continuent d'exister pendant cette période. Dans une perspective classique, le péplum, c'est-à-dire l'Antiquité envisagée comme un genre, se déplace du cinéma vers d'autres arts (série télévisée, bande dessinée), se servant de l'espace-temps antique comme moyen d'évasion mais aussi comme matière à réflexion sur le pouvoir, le rapport entre dominants et dominés, centre et marges. La transposition moderne des récits antiques n'en finit pas, elle, de jouer son rôle pour mythifier le quotidien et démythifier l'héroïsme. Autant de manières d'aborder aujourd'hui l'Antiquité, non plus seulement comme ce modèle en crise de la République des Lettres.

Répondant au caractère « pelegrino » attribué à Luca Signorelli par son contemporain Giovanni Santi, notreréflexion s’articule autour de la triple itinérance du peintre cortonais. La première, fondée sur une géographieartistique, met en jeu commanditaires et collaborateurs entre centres et périphéries et réévalue son imaged’artiste provincial. Il s’agit consécutivement d’établir l’incidence des dévotions locales sur le langage picturalsignorellien, notamment par le biais de la sacra rappresentazione (I). La seconde itinérance, de typeinterdisciplinaire, s’attache à son traitement de la figure humaine et du nu. L’élaboration de sa vision du corpsest confrontée à l’essor contemporain d’une anatomie scientifique et d’une approche expérimentale ou théorique,ainsi qu’à la question des convenances. La sensibilité tactile particulière de Signorelli, sa position dans le débatnaissant du Paragone et les modalités des transferts entre peinture et sculpture sont examinées, tout commel’éventualité d’un passage à l’acte sculptural (II). L’esprit vagabond de Luca, qui s’affirme enfin par uneitinérance temporelle, oscille entre intérêt pour le passé, goût archaïsant et aspiration au renouveau. Sont ainsiétudiés son rapport à l’art antique et sa place entre « seconda e terza età », en spécifiant ses liens avec l’ars novaet les ferments inédits semés. Au-delà des étiquettes de retardataire local ou de précurseur écrasé par un Michel-Ange, cette étude vise à restituer la curiosité, la sociabilité et les échanges d’un artiste de transition (III)<br>Giovanni Santi has depicted his contemporary Luca Signorelli as a « pelegrino » painter. From this startingpoint, our study deals with the cortonese master’s triple itinerary. The first one, relative to artistic geography,concerns patrons and collaborators between centers and peripheries and we intend to reappreciate his image of aprovincial artist. We investigate consequently the impact of local devotions and sacra rappresentazione on hispictorial language (I). The second itinerary, a interdisciplinary one, focuses on the treatment of the human figureand on the nude. His vision of the body is compared with the contemporary development of a scientific anatomyand with practical and theoretical approaches. Indeed it raises the question of the proprieties. The tactile qualitiesof signorellian art, his position in the emerging Paragone debate and the modalities of his volumetric translationare also studied ; we consider the possibility of a sculptural activity (II). Finally, Luca’s roaming imaginationarises from a temporal oscillation between interest for the past, archaic taste and an aspiration for renewal. Wethus examine his relationship with antique art and his position between « seconda e terza età », analyzing hisconnections with ars nova and the original seeds he sow. Beyond the reputation of a local latecomer or of aforerunner in the shade of Michelangelo, we aim to emphasize this way the curiosity, the sociability and theexchanges of a transitionary artist (III)

Les mythes grecs « font signe sans signifier, montrant, dérobant, toujours limpides disant le mystère transparent, le mystère de la transparence1 ». Maurice Blanchot dans cette remarque met en valeur le mystère inhérent à tout mythe. Il en va ainsi pour le mythe de Narcisse qui a connu un succès considérable à l’époque médiévale mais dont il n’est pas aisé de fixer un sens stable. C’est de la version du célèbre poète de l’époque augustéenne, Ovide, que les auteurs médiévaux ont hérité. La richesse de la légende, conférée par les nombreux ajouts d’Ovide, leur a permis de déployer à leur tour de nombreux sens nouveaux.Narcisse est avant tout perçu comme figure amoureuse. Narcisse est l’amant malheureux qui souffre d’une passion si forte qu’il finit par en mourir. L’objet de l’amour de Narcisse est bien souvent tu et oublié dans les reprises médiévales. Peu importe finalement qu’il ait aimé une ombre, l’accent est mis sur l’intensité de son amour et surtout sur ses funestes conséquences. La passion entraîne Narcisse sur le chemin de la mort : mort de l’esprit sous le coup de la folie et mort physique. Narcisse a été un objet de choix pour la poésie de la fin’amor. Troubadours et trouvères ont réélaboré la figure de Narcisse en parfait représentant du fin amant entre les XIIe et XIIIe siècles. Par ailleurs, la figure de Narcisse entretient des liens étroits avec les représentations du mélancolique, issues des théories psychophysiologiques sur l’amour de la philosophie et de la médecine.Le mythe a également inspiré des lectures morales. En effet, tout un pan des reprises du mythe – le pan chrétien – dévoile Narcisse sous les traits d’un pécheur entaché de défauts. L’orgueil dont il fait preuve est dans la conception chrétienne laracine de tous les maux ; ce vice engendre la vanité et l’arrogance. De la fin du XIIe au XIVe siècles, les clercs font de Narcisse l’incarnation parfaite de tous ces défauts. Selon la perspective adoptée la condamnation change légèrement mais l’idée reste lamême : Narcisse est imbu de sa propre personne et en tire une satisfaction trop haute.Enfin l’eau de la source, l’un des motifs essentiels du mythe de Narcisse, a été le point de convergence de plusieurs traditions qui ont fini par s’entremêler dans les œuvres médiévales : le motif biblique de l’eau d’un côté, de l’autre les conceptions néoplatoniciennes sur le reflet et le mythe antique de Narcisse. Un réseau d’images similaires irrigue ces traditions, constitué de l’eau claire, du reflet et de la fontaine. Le "fons" antique s’est peu à peu métamorphosé en fontaine médiévale jusqu’à devenir véritable miroir. Le motif du miroir s’autonomise peu à peu par rapport à la surface des eaux. La dimension fantasmatique de l’amour de Narcisse pour son reflet s’amplifie nettement. Se voir soi-même dans un miroir constitue une expérience étrange où l’individu touche au secret de son être. Incapable de l’atteindre réellement, il voit son intimité se dérober à lui, ce qui provoque son désenchantement. Le miroir, véritable porte d’entrée sur le rêve, est un motif idéal pour figurer tous les possibles de l’acte d’écriture. C’est pourquoi certaines reprises médiévales offrent l’utopie d’un amour partagé tandis que d’autres préfèrent peindreles travers de l’être humain. Le miroir enfin se fait métaphore de l’écriture ellemême. La présence de Narcisse se réalise sous des formes plus ou moins implicites dans ces œuvres dont la portée réflexive est actualisée par le motif du miroir<br>Greek myths « font signe sans signifier, montrant, dérobant, toujours limpides disant le mystère transparent, le mystère de la transparence2 ». With these words, Maurice Blanchot insists on the very mystery of all myth. It is also the case for the myth of the Narcissus that has known a considerable success in the medieval time but for which it is difficult to … a stable meaning. It is the famous Augustinian poet Ovidius myth that the medieval authors inherited. They added new meanings to the already rich legend, following the footsteps of Ovidius.Narcissus is foremost a figure in love. Narcissus is the unfortunate lover who suffers such a strong passion he dies from it. What he is in love with can be ignored in the medieval versions. Even if he loved a shadow, it is the intensity of his love and the funest consequences the texts insist on. Passion drives Narcissus on the road to death : spiritual death because of Madness et physical death. Narcissus was a prime subject for fin’amor poetry. Troubadours and trouveres made of Narcissus the perfect example of the fin amant between the XIIth and XIIIth centuries. Moreover Narcissus is the deeply linked to the representation of the melancholic that came from the psycho-physiological philosophical and medical theories of love.Moral Reading were also inspired by the myth. Indeed, Narcissus becomes a sinner full of flaws Under the Christian vision of the myth. Pride is the origin of all the flaws: vanity and arrogance are direct consequences. Narcissus becomes the perfect incarnation of these sins. Depending of the point of view the condemnation may vary but the idea is still the same: Narcissus is self-important and is too pleased with himself. Finally the water from the source, one of the most important aspect of the Narcissus mythology, became the meeting point of several traditions which interlaced in the medieval work: biblical water on one side and neoplatonician conceptions of reflection and ancient myth of Narcissus. The ancient fons transforms itself into a medieval fountain and a true mirror. The mirror becomes more and more independent from the surface of water. The phantasmatical dimension of the Narcissus love for his reflection is developed

Au seuil de ses Fables, La Fontaine affirme qu’il « chante les héros dont Ésope est le Père ». Souvent prise pour argent comptant, cette généalogie affichée a conduit la critique à envisager la composition des Fables dans le cadre d’un face-à-face schématique entre le « Père » supposé du genre et son Fils incarné dans la France du Grand Siècle. Cette thèse se propose de reprendre sur nouveaux frais la question des sources de l’inspiration « ésopique » de La Fontaine : « chante[r] les héros dont Ésope est le père », qu’est-ce à dire exactement ? À quelle figure auctoriale et à quels ouvrages le nom d’Ésope pouvait-il être associé dans l’esprit d’un poète du XVIIe siècle ? Au travers de quels filtres la « matière ésopique » était-elle passée avant que La Fontaine ne se l’approprie ? Après un examen approfondi de l’origine et de la nature du corpus des fables dites d’Ésope et de la biographie fictive du fabuliste grec (Vie d’Ésope), l’enquête se porte sur la réception et la transmission de ces textes aux XVe, XVIe et XVIIe siècles. Elle révèle que la filiation apparemment directe, évidente et sans médiation entre l’inventeur légendaire de l’apologue et son héritier majeur demande une révision de nos préjugés critiques, à la lumière de l’archéologie d’un modèle, d’un genre et d’une tradition qui s’avèrent d’une complexité et d’une diversité que La Fontaine lui-même ne soupçonnait peut-être pas, mais qui promet à l’analyste moderne la révélation d’un mode d’invention et de réception du genre fable beaucoup plus ouvert, fluide, voire confus, que ne le laisserait supposer l’annotation des éditions du fabuliste français<br>At the beginning of his Fables, La Fontaine claims that he « sings the heroes whose father is Æsop ». Because it was often accepted at face value, this self-styled genealogy led the critics to consider the composition of the Fables as a « tête-à-tête » between the so-called « father » of the genre and his spiritual son. In this dissertation, I try to renew the study of the Æsopic sources of La Fontaine. What does « singing the heroes whose father is Æsop » really mean ? Which books could be related to the name of Æsop in the mind of a 17th-century French poet ? After a carefull examination of the origin and nature of the so-called Æsop’s fables as well as the fictionnal biography of the Greek fabulist, the present investigation analyses the reception and the transmission of both Æsop’s life and fables in Early Modernity (15th, 16th and 17th centuries). In the light of this archeological research, the belief in an obvious and direct relationship without any mediation between the legendary inventor of the fable and his most gifted heir turns out to be completely deceptive. The Æsopic tradition proves to be far more various and complex than one might think after reading the comments and footnotes of the critical editions of La Fontaine’s Fables choisies mises en vers

L’objectif principal de la thèse a été de fournir une révision de l'édition critique, avec une traduction et un commentaire des scholia du ps.Acron au quatrième livre des Carmina. Considérer le quatrième livre a répondu à l'exigence de déterminer une section 'indépendante' dans la production lyrique d'Horace.Le corpus pseudacronian se présente comme un ensemble de scholies à l'œuvre d'Horace pas reconductible à une individualité ou à un moment historique bien précis mais qui résulte comme la conséquence d'une stratification commencée au V siècle et qui a duré jusqu'au Moyen Age attribué de manière erronée à Elenius Acron, auteur du IIè siècle d.C.J'ai proposé des interventions critiques à l'édition de O. Keller publié pour la Teubneriana (Leipzig 1902).Dans la rédaction du commentaire, une grande importance a été conférée à l'évaluation des enquêtes littéraires dans le texte pseudacronian. L’étude comporte également une focalisation attentive sur les typologies de caractéristiques, très diffuses dans les commentaires anciens, grâce auxquels on peut déduire les compétences linguistiques, rhétoriques, littéraires, mythiques, historiennes.Le travail a été complété par un essai initial organisé en sections: la première partie concerne la réception du texte des auctores, et en particulier d'Horace, dans le contexte de l'école. Une seconde section concerne les caractéristiques du commentaire au quatrième livre des Carmina, illustratifs pour l'évaluation de la technique exégétique du ps.Acron<br>The main objective of the thesis was that to provide a review of the critical edition, with a translation and a commentary of the scholia pseudacroniana on The Fourth Book of the Odes of Horace. In the vast field of the Horatian lyric, it's been considered un 'independent' section. The pseudacronian corpus looks like a jumble of Horace's scholia not due to an individuality or to a precise historic moment: they are the result of a stratification began in the fifth century and lasted until the Middle Ages, mistakenly attributed to Elenius Acron, author of the second century AD. Some critical interventions have been proposed to the edition of reference, that of O. Keller, published for the series Teubneriana (Pseudacronis Scholia in Horatium vetustiora, Leipzig 1902).During the draft of the commentary I've given great importance to the evaluation of the literary investigations proposed in the pseudacronian text. It's not even a careful focus on the types of notes, too, from which we deduce the linguistic, rhetorical, literary, mythical, historical competences. The work has been completed by an essay divided by sections: the first part concerning the receipt of the text of auctores, and in particular Horace, in the context of the school. The second section concerns the characteristics of the commentary on the fourth book of Odes, taken as an example for the evaluation of ps.Acron's exegetical technique

À l'horizon de ce travail se trouve la volonté d'affirmer la cohésion et les nuances d'un imaginaire caribéen, construit en dialogue avec tous les substrats culturels et les expériences de l'histoire et du paysage dont il est issu. L'étude se concentre sur les œuvres de trois auteurs qui ont fourni une réflexion critique sur la création littéraire et sur le rôle de l'artiste caribéen ou latino-américain : Alejo Carpentier, Édouard Glissant, Derek Walcott. Ils arpentent le réel caribéen, dans une tension toujours renouvelée entre un canon littéraire inculqué depuis l'autre rive européenne, et la volonté de représenter dans et par le texte littéraire les pratiques vives de l'oralité. Comment concilier les tensions entre médiation (inter)textuelle et immédiateté ou coïncidence rêvée du chant, pour écrire avec justesse l’histoire oblitérée d’un archipel ou d’un continent ? Je développe à partir de leurs usages une conception dynamique de l'intertextualité comme dialogue, confrontation et revitalisation de la mémoire écrite, qui entend dépasser l'axe binaire de la soumission ou la subversion à un canon écrit surtout européen. J'envisage en particulier l'axe Méditerranée-Caraïbe pour penser les phénomènes de transferts et de différenciation et montrer comment l'Antiquité gréco-latine peut servir à articuler le désir de fondation et la rencontre entre performance orale et trace écrite. J'examine enfin comment le désir d'oralité, allié à la notion de communauté, travaille les textes du corpus, à travers un certain nombre de scènes de passage, de scènes rituelles, ou de scènes limites de la représentation<br>This work intends to stand for the cohesion and the nuances of a Caribbean imaginary, which is based on a constant dialogue with all the cultural substrates and the experiences of history and landscape. The study focuses on the works of three writers who produced a critical appraisal of literary creation and the role of the Caribbean or Latin-American artist: Alejo Carpentier, Édouard Glissant, Derek Walcott. They keep measuring the Caribbean reality, in a continuous tension between a literary canon often brought and taught from the European shore and view, and the will to represent in and by the literary text the vivid practices of orality. How can we conciliate the tensions between (inter)textual mediation and immediacy or coincidence of the song, in order to write the obliterared history of an archipelago or a continent? Reading their intertextual uses, I develop a dynamic conception of intertextuality as dialogue, confrontation and revitalization of literary memory, which intends to go beyond the binary axis of submission or subversion to European written canon. I study in particular the Mediterranean-Caribbean axis to think about the cultural transfers and differentiation, in order to show how the Greek and Roman tradition can be used to articulate the desire for foundation and the encounters between oral performance and written traces. Finally, I examine how the desire for orality, which seems to traduce a desire of community, influences the textual composition, through the study of scenes of passing, ritual scenes and boundary scenes of representation

L’archive erronée dans l’œuvre d’Anne Carson enquête sur les effets que peuvent entraîner l’archive classique sur la poésie d’Anne Carson et révèle que le travail de cette dernière est issu de l’espace situé entre la critique et la créativité, ce qui génère ce qu’on appellera une « poétique de l’erreur ». La poésie de Carson se démarque par sa prédilection pour les accidents, les imperfections et les impondérables de la transmission. La présente dissertation émerge des attitudes critiques ambivalentes face à la dualité de l’identité de Carson, autant poète qu’universitaire, et leur offrira une réponse. Alors que l’objectif traditionnel du philologue classique est de reconstruire le sens du texte « original », l’approche poétique de Carson sape en douce les prétentions universitaires d’exactitude, de précision et de totalisation. La rencontre de Carson avec l’archive classique embrasse plutôt les bourdes, les mauvaises lectures et les erreurs de traduction inhérentes à la transmission et à la réception de traductions classiques. La poésie de Carson est ludique, sexuée et politique. Sa manière de jouer avec l’épave du passé classique torpille la patri-archive, telle que critiquée par Derrida dans Mal d’Archive ; c’est-à-dire cette archive considérée comme un point d’origine stable grâce auquel s’orienter. De plus, en remettant en question la notion de l’archive classique en tant qu’origine de la civilisation occidentale, Carson offre simultanément une critique de l’humanisme, en particulier au plan de la stabilité, du caractère mesurable et de l’autonomie de « l’homme ». L’archive, pour Carson, est ouverte, en cours et incomplète ; les manques linguistiques, chronologiques et affectifs de l’archive classique représentent ainsi des sources d’inspiration poétique. La présente dissertation étudie quatre dimensions de l’archive classique : la critique, la saphique, l’élégiaque et l’érotique. Grâce à ces coordonnées, on y établit le statut fragmentaire et fissuré du passé classique, tel que conçu par Carson. Si le fondement classique sur lequel la culture occidentale a été conçue est fissuré, qu’en est-il de la stabilité, des frontières et des catégories que sont le genre, la langue et le texte ? L’ouverture de l’archive critique de manière implicite les désirs de totalité associés au corps du texte, à la narration, à la traduction et à l’érotisme. En offrant une recension exhaustive de sa poétique, L’archive erronée dans l’œuvre d’Anne Carson tente d’analyser l’accueil hostile qu’elle a subi, contribue à renforcer la documentation sans cesse croissante dont elle fait l’objet et anticipe sa transmutation actuelle de médium et de genre, sa migration de la page à la scène.<br>The Erring Archive in Anne Carson investigates the responsiveness of Anne Carson’s poetry to the classical archive and argues that Carson works from within the space between the critical and the creative, generating what I call a “poetics of error.” Carson’s poetics is distinguished by a predilection for accidents, imperfections, and the contingencies of transmission. My dissertation also responds to and emerges from the ambivalent critical attitudes to Carson’s dual identity as both a scholar and a poet. While the traditional aim of the classical philologist is to reconstruct the meaning of the “original” text, Carson’s poetic approach self-consciously undermines scholarly pretensions to accuracy, precision, and totalization. Rather, Carson’s encounter with the classical archive embraces the mistakes, misreadings, and mistranslation inherent in classical transmission and reception. Carsonian poetics is ludic, gendered, and political. Her play with the wreckage of the classical past undermines the patri-archive, as critiqued by Derrida in Archive Fever; that is, an archive that is considered to be a stable, governing point of origin. Furthermore, by challenging the notion of the classical archive as the origin of Western civilization, Carson simultaneously offers a critique of Humanism, particularly the stability, measurability, and autonomy of “Man.” The archive, for Carson, is open, ongoing, and incomplete; the linguistic, temporal, and affective gaps of the classical archive are thus opportunities for poetic production. My dissertation examines four dimensions of the classical archive: the critical, the sapphic, the elegiac, and the erotic. By means of these coordinates, I establish the fragmentary and ruptured status of the classical past, as conceived by Carson. If the classical bedrock upon which Western culture has been conceived is fractured, what does this mean for the stability, borders, and categories of genre, language, and the text? The openness of the archive implicitly critiques related desires of totality associated with the textual body, narrative, translation, and Eros. The Erring Archive in Anne Carson is keen to analyze Carson’s own vexed reception and contributes to growing Carsonian scholarship, as it provides a comprehensive entry into her poetics and anticipates her current generic and media shift from the page to the stage.